«Основные направления в работе с ансамблем»
Трошина Вера Тимофеевна,
преподаватель Детской школы искусств по классу гитары
г.Ртищево Саратовской области
Ансамбль – группа исполнителей, выступающих совместно. Искусство ансамблевого исполнения основывается на умении исполнителя соразмерять свою художественную индивидуальность, свой исполнительский стиль с индивидуальностью исполнения партнера. Ансамбль – это коллективная форма игры, в процессе которой несколько музыкантов исполнительскими средствами сообща раскрывают художественное содержание произведения. Исполнения в ансамбле предусматривает не только умение играть вместе, здесь важно другое – чувствовать и творить вместе. Работа в коллективе несомненно сопряжена с определенными трудностями: не так легко научиться ощущать себя частью целого. В тоже время игра в ансамбле воспитывает у исполнителя ряд ценных профессиональных качеств – она дисциплинирует в отношении ритма, дает ощущение нужного темпа, способствует развитию мелодического, полифонического, гармонического слуха, вырабатывает уверенность, помогает добиться стабильности в исполнении. Так известно, когда в сольной игре ученик выступает неуверенно, заикаясь, поиграв в ансамбле – он уже увереннее начинает играть. Более слабые учащиеся начинают подтягиваться до уровня более сильных, от продолжительного общения друг с другом каждый становится лучше как человек, как личность, поскольку воспитываются такие качества, как взаимопонимание, взаимоуважение, чувство коллективизма. Из сказанного можно сделать вывод – инструменталист, никогда не игравший в ансамбле, многого лишает себя, ибо польза от этого рода занятий очевидна. Одно из важнейших условий успешной работы является способность критически относиться к себе и к своим товарищам. Известно, что слово «самокритика» легче произнести, чем обратить его в действие. Но надо не только практиковать, но и не скупиться на похвалу, уметь подбодрить, вдохновлять. Давно уже замечено, что похвала, даже не вполне заслуженная, стимулирует активность большинства людей. Ребенку необходима вера в себя. Основное правило ансамбля «Один за всех, все за одного», «Успех или неудача одного есть успех или неудача всех».
Ритм как фактор ансамблевого единства
Среди компонентов, объединяющих учащихся в единый ансамбль, метро-ритму принадлежит едва ли не главное место. Действительно, что помогает ансамблистам (а их может быть два и более) играть вместе, чтобы создавалось впечатление, будто играет один человек. Это ощущение метро-ритма. Он, по существу, выполняет функции дирижера в ансамбле, ощущение каждым участником сильных долей есть тот «скрытый дирижер», «жест» которого способствует объединению ансамблистов, а, значит, и их действий в одно целое. Ощущение сильных и слабых долей такта, с одной стороны, и ритмическая определенность «внутри такта», с другой, вот тот фундамент, на котором основывается искусство ансамблевой игры. Единство, синхронность его звучания является первым среди других важных условий. Если при неточности исполнения остальных компонентов снижается только общий художественный результат, то при нарушении метроритма рушится ансамбль. Но не только в этом значение метроритма. Он способен влиять и на техническую сторону исполнения. Ритмическая определенность делает игру более уверенной, более надежной в техническом отношении. К тому же, ученик, играющий неритмично, больше подвержен всякого рода случайностям, а от случайности, как известно, прямая дорога к потере психологического равновесия, к зарождению волнения. Как же добиться того, чтобы каждый из участников, исполняя свою партию, укреплял ритмическую основу всего ансамбля? Необходимо систематически и настойчиво работать в этом направлении. В ансамбле, разумеется, могут быть исполнители, у которых по разному развито чувство ритма. Начинать нужно с воспитания чувства абсолютного точного и «метрономного» ритма: он и станет объединяющим началом в общем коллективном ритме. Необходимо, чтобы в ансамбле были ритмически устойчивые исполнители. Тогда и остальные начнут тянуться к более сильным в ритмическом отношении.
Динамика как средство выразительности
Играя в ансамбле, необходимо быть экономным в расходовании динамических средств, распоряжаться ими разумно. Надо исходить из того, что, как бы ансамбль ни был бы богат яркими по тембру инструментами, одним из главных его резервов, придающих звучанию гибкость и утонченность, является динамика. Различные элементы музыкальной фактуры должны звучать на разных динамических уровнях. Как в живописи, так и в музыке ничего не выйдет, если все будет иметь равную силу. В музыке, как и в живописи, есть передний и задний план. Воспитав такое ощущение динамики, ансамблист безошибочно определит силу звучания свой партии относительно других. В том случае, когда исполнитель, в партии которого звучит главный голос, сыграл чуть громче или чуть тише, его партнер немедленно среагирует и исполнить свою партию также чуть громче или тише. Важно, чтобы мера этих «чуть-чуть» была бы точной.
Как практически работать над динамикой в ансамбле. Вначале необходимо научиться играть в пределах того или иного динамического оттенка абсолютно ровно. Например, можно предложить сыграть всем участникам одну ноту или гамму на ровном P (пиано), затем на ровном mf, и так следует пройти все динамические ступени. Безусловно, сила звука – понятие не столь определенное, как высота звука mf на гитаре не равно mf на фортепиано, f на балалайке – не одно и то же, что f на баяне. Исполнитель должен воспитывать у себя развитый слух (микрослух), дополнив динамику понятием микродинамики, означающим способность регистрировать малейшие отклонения в сторону увеличение или уменьшения силы звука.
Темп как средство выразительности
Определение темпа произведения – важный момент в исполнительском искусстве. Верно выбранный темп способствует правильной передаче характера музыки, неверный темп в той или иной мере искажает этот характер. Хотя и существуют авторские указания темпа, вплоть до определения скорости по метроному, темп «заложен» в самой музыке. Еще Римский-Корсаков утверждал, что «музыканту метроном не нужен, он по музыке слышит темп». Не случайно Бах, как правило, в своих сочинениях вовсе не указывал темп. В пределах одного произведения темп может варьироваться. «Нет такого медленного темпа, в котором бы не встречались места, требующие ускорения…и наоборот. Для определения этого в музыке нет соответствующих терминов, обозначения эти должны быть заложены в душе» (В. Тольба).
Приемы достижения синхронности ансамблевого звучания
Под синхронностью ансамблевого звучания следует понимать точность совпадения во времени сильных и слабых долей каждого такта, предельную точность при исполнении мельчайших длительностей всеми участниками ансамбля. При рассмотрении проблемы синхронного исполнения нужно выделить три момента: как начать пьесу вместе, как играть вместе и как закончить произведение вместе. В ансамбле должен быть исполнитель, выполняющий функции дирижера, он обязан иногда показывать вступления, снятия, замедления. Сигнал к вступлению - небольшой кивок головы, состоящий из двух моментов: едва заметного движения вверх (ауфтакт) и затем – четкого, довольно резкого (раз) движения вниз. Последнее служит сигналом к вступлению. Кивок не всегда делается одинаково, все зависит от характера и темпа исполняемого произведения. Когда произведение начинается из-за такта, то сигнал, по сути, такой же, с той разницей, что если в первом варианте при подъеме головы была пауза, то в данном случае она заполняется звучанием затакта. На репетиции можно просчитывать пустой такт, могут быть слова: «Внимание, приготовиться, начали», после слова «начали» должна быть естественная пауза (как бы вдох). В достижении синхронности ансамблевого звучания многое зависит от характера музыки. Замечено, что в пьесах активного, волевого плана это качество достигается быстрее, чем в пьесах спокойного созерцательного характера. То же самое можно сказать и относительно «старта».
Вряд ли есть необходимость подчеркивать, насколько важно закончить произведение вместе, одновременно:
а) последний аккорд – имеет определенную длительность, - каждый из ансамблистов отсчитывает «про себя» метрические доли и снимает аккорд точно во время.
б) аккорд – над которым стоит фермата, продолжительность которого необходимо обусловить. Все это отрабатывается в процессе репетиции. Ориентиром снятия может также быть и движение – кивок головы.
Если синхронность исполнителя – качество, необходимое в любом ансамбле, то в еще большей степени оно необходимо в такой его разновидности как унисон. Ведь в унисоне партии не дополняют друг друга, а дублируют, правда, иногда в разных октавах, что не меняет сути дела.
Поэтому недостатки ансамбля в нем еще более заметны. Исполнение в унисон требует абсолютного единства – метроритме, динамике, штрихах, фразировке. С этой точки зрения унисон является самой сложной формой ансамбля. Доказательством абсолютного единства при исполнении в унисон является ощущение, что во время игры вместе с другими учащимися ваша партия не прослушивается как самостоятельная. К сожалению, этой форме ансамблевой игры уделяется мало внимания в учебной практике. Между тем в унисоне формируются прочные навыки ансамбля, к тому же унисон интересен зрительно и в сценическом отношении.
Когда учащийся впервые получит удовлетворение от совместно выполненной работы, почувствует радость общего порыва, взаимной поддержки – можно считать, что занятия в классе дали принципиально важный результат. Пусть это исполнение еще далеко от совершенства – это не должно смущать педагога, все можно выправить дальнейшей работой. Ценно другое, преодолен рубеж, разделяющий солиста и ансамблиста, ученик почувствовал своеобразие и интерес совместного исполнительства.
Список использованной литературы
1. Н.Ризоль. Очерки о работе в ансамбле. – 1986. – Москва.
2. А.Готлиб. Первые уроки ансамбля.
3. П.Агафонин. Школа игры на шестиструнной гитаре. – Москва. – 1983.
Прищепа Наталья Александровна
Колледж Луганского государственного института культуры и искусств
Роль ансамблевой игры в младших и средних классах на уроках фортепиано
Ансамблевая игра представляет собой форму деятельности, открывающую самые благоприятные возможности для всестороннего и широкого ознакомления с музыкальной литературой. Перед музыкантом проходят произведения различных художественных стилей, авторов, различные переложения оперной и симфонической музыки. Накопление запаса ярких многочисленных слуховых представлений стимулирует художественное воображение.
Игра в ансамбле способствует интенсивному развитию всех видов музыкального слуха (звуковысотного, гармонического, полифонического, тембро-динамического,внутреннего).
Касаясь немного истории фортепианного ансамбля нужно отметить, что этот жанр начал стремительно развиваться во второй половине ХVIII века с появлением молоточкового фортепиано и его новыми возможностями: расширенный диапазон, способность постепенного увеличения и уменьшения звучности, добавочный резонатор педали. Значительно возрастала полнота и сила его звучания, открывались неведомые регистровые краски.К началу Х I Х века фортепианный ансамбль утвердился как полноправная самостоятельная форма музицирования. Возникла богатая и разнообразная литература. Для фортепиано в четыре руки писали почти все композиторы Х I Х и ХХ столетия .
Существует два вида фортепианного ансамбля - на одном или на двух роялях. Фортепианный дуэт на двух роялях получил наибольшее распространение в профессиональной концертной практике. Два инструмента дают исполнителям большую свободу, независимость в использовании регистров, педалей и прочее. Возможности фортепиано, благодаря наличию двух исполнителей и двух инструментов еще более расширяются.
Игра в четыре руки на одном фортепиано практикуется главным образом в сфере домашнего музицирования, музыкального самообразования и учебных занятий. Близкое соседство пианистов за одной клавиатурой способствует внутреннему единству и их сопереживанию. Именно благодаря ансамблю, учебный и концертный репертуар пополняется яркими, интересными произведениями, созданными композиторами разных эпох.
Каждому педагогу известна любовь детей к игре в четыре руки. Учащиеся проявляют большой интерес к этому виду музыцирования, который является важным компонентом учебного процесса, и приносит им огромное удовольствие.
Играя в ансамбле, учащийся впервые сталкивается с такими понятиями, как синхронность, тождественный штрих, динамическое равновесие. Знакомится с такими понятиями, как ауфтакт и внутредолевая пульсация. Владения этими навыками необходимо ансамблисту для точного совместного начала игры, для вступления между разделами произведения, а также для достижения синхронности исполнения в медленных темпах и на паузах.
Навыки ансамблевой игры ребенок приобретает уже на первых уроках по фортепиано. Здесь можно вспомнить слова Г.Нейгауза, который говорил: «С самого первого занятия ученик вовлекается в активное музицирование. Совместно с учителем он играет простые, но уже имеющие художественное значение пьесы. Дети сразу ощущают радость восприятия хотя и крупицы, но искусства. То, что ученики играют музыку, которая у них на слуху, будет побуждать их как можно лучше выполнять свои первые музыкальные обязанности. А это и есть начало работы надхудожественным образом, которая должна начинаться одновременно с первоначальным обучениемигре на фортепиано» .
Итак,в начале обучения когда ребенок только учится извлекать на инструменте отдельные звуки, или маленькие попевки, в партии педагога звучат различные музыкальные отрывки: позывные к музыкальным передачам по радио, или имитация музыкальной шкатулки, перезвон бубенчиков и т.д. Тем самым у ребенка сразуразвивается звуковое воображение: они легко имитируют звуки башенных часов, призывы кукушки, эффекты эхо и многое другое. Например, Д.Шостакович «Родина слышит», Э.Захаров «Эхо в горах», «Вечерние сумерки», «Часы на башне»,А.Александров «Звездочка», В.Овчинников «Звенят бубенчики» в сборнике И.Рябова «Шаг за шагом».
Также учащийся может исполнять и несколько ритмически оформленных звуков, как бы аккомпанируя, поддерживая мелодию, которая звучит в партии педагога. Например,аккомпанементы к русским народным песням «Калинка» и Во поле березка стояла», Е.крылатов « Крылатые качели» в сборнике Л.А. Баренбойма « Путь к музыке». За счет насыщенного, богатого мелодическими и гармоническими красками сопровождения, исполнение становится красочным и живым.
В течение некоторого времени, когда ребенок учится исполнять простейшие мелодии, педагог придумывает и подыгрывает ему несложные аккомпанементы. Также материалом для ансамбля могут быть накопленные сознанием м слухом детей отрывки из мультфильмов или популярных песен. Ведь мелодия, связанная с текстом, ярче воспринимается и лучше запоминается. Например, «Песенка Львенка и черепахи» Г.Гладкова, «Спят усталые игрушки» по А. Островскому или «Шумелка Вини-Пуха», Р. Борисова, Е. Крылатов «Колыбельная медведицы».
Сначала ученик может просто спеть мелодию под аккомпанемент преподавателя. Здесь важен и воспитательный момент: дети участвуют в творческом процессе вместе с педагогом.
Нужно отметить, что игра в ансамбле на данном этапе можетспособствовать закреплению нотной грамматики и полученных навыков артикуляции – легато, стаккато, нон легато.Например,Д.Уотт «Три поросенка»- закрепляется штрих стаккато, а также знак репризы и знак переноса на октаву вверх. Благодаря стихотворному тексту, хорошо слышны музыкальные предложения, ударные звуки. Вансамблях «Деде Мороз»и «Кошечка» В. Витлина – закрепляем штрих легато.
Если на начальном этапе обучения, ребенок, играя в ансамбле,вслушивается в звучание новогодля него гармонического фона в партии педагога, в выразительно-изобразительные краски сопровождения, то в последующем этапе обучения, в средних классах, внимание ученика направляется на слушание элементов полифонии, острой и колористической ритмики, на ладо- гармонические звучания, характеризующие различные жанровые зарисовки. Например, М.Глинка « Камаринская», Н. Смирнова « Болеро», М.Мусоргский « Гопак» из оперы «Сорочинская ярморка», К.Вебер « Марш».
По мере усложнения художественных задач, расширяются и технические задачи совместной игры. Учащиеся, играя в ансамбле, должны осваивать более сложный ритм, учится выделять из общего звучания главное, передавать мелодическую линию из одной партии в другую, правильно педализировать и т.д.
Итак, ансамблевая техника выдвигает перед исполнителями особые требования. Главная трудность- это умение слушать не только то, что играешь сам, а одновременно общее звучание обеих партий, сливающихся в органически единое целое. При исполнении ансамблевого сочинения, так же как и сольной пьесы, необходимо вдумчивое, детальное изучение авторского текста.
Какие же задачи, умения и навыки включает в себя ансамблевая игра на уроках фортепиано? Какие способы и методы существуют при работе над слаженностью в фортепианном дуэте?
Определение «хороший ансамбль» означает слаженность исполнения и единство творческих устремлений участников в ансамбле.
В первую очередь нужно сказать о посадке за инструментом. В отличие от сольного исполнительства, пианист имеет в своем распоряжении только половину клавиатуры. Партнеры должны уметь «поделить» клавиатуру и так держать локти, чтобы не мешать друг другу, особенно при сближающемся или перекрещивающемся голосоведении.
Вопрос педализации не менее важен в ансамблевой игре. Часто учащиесяне знают этого. Надо объяснить, что педализирует исполнитель второй партии, т.к. она обычно служит фундаментом мелодии. При этом нужно очень внимательно слушать, что происходит в мелодии. Педальный эффект должен быть очень четко разработан, так как из-за неумелого применения педали фактура басовой партии, часто достаточно плотная, может приобрести ещё большую тяжеловатость. Если учащийся исполняет вторую партию, ему полезно предложить ничего не играть, а только педализировать во время исполнения педагогом или другим учащимся первой партии. При этом сразу выясняется, что это не просто и требует особого внимания и навыка.
Также важным качествомансамблевой игры является синхронность исполнения, т.е. единого понимания и чувствования партнерами темпа и ритмического пульса. Казалось, самая простая вещь – начать играть вместе. Но точно одновременно взять два звука – не так легко, это требует большой тренировки и взаимопонимания. Преподаватель должен объяснить учащемуся, что для одновременное вступление ансамблистов может быть применен незаметный жест одного из ансамблистов, так называемый дирижерский замах илиауфтакт. С этим жестом полезно посоветовать исполнителям одновременно взять дыхание. Это сделает начало исполнения естественным иорганичным. Не вместе снятый аккорд производит такое же неприятное впечатление, как и не вместе взятый.
Сразу нужно сказать о паузах, которые имеют огромное выразительное значение. И недооценка его – распространенный недостаток у учащихся. Паузы - это дыхание в музыке, которое бывает коротким и более длинным, но обязательно длится определенное время. Самый простой и эффективный способ преодолеть возникающее в паузах напряжение и боязнь пропустить момент вступления- это проиграть звучащую у партнерамузыку. Тогда пауза перестанет быть томительным ожиданием и заполняется живым музыкальным чувством. С первых тактов исполнения в ансамбле, требует от участников полной договоренности о приемах извлечения звука.
Также нужно отметить такой ансамблевый навык, как передача партнерами друг другу «из рук в руки» пассажей, мелодии, аккомпанемента и т.д. Ансамблист должен научиться «подхватывать» незаконченную фразу, передавать ее партнеру, не разрывая музыкальной ткани. Для этого учащийся должен уметь распределять свое внимание: концентрировать его, разделять или переключать его в нужный момент.
В работе над ансамблем важное место занимают вопросы, связанные с ритмом. Формирование чувства ритма – важнейшая задача педагога. Игра в ансамбле позволяет успешно вести работу по развитию ритмического чувства. Ансамбль требует от учащихсяуверенного безупречного ритма, который обладает особым качеством: он должен быть коллективным, но при этом естественным и органичным. Наиболее распространенными недостатками учащихся являются отсутствие четкости ритма и его устойчивости. Искажение ритмического рисунка чаще всего встречается в пунктирном ритме, при смене длительностей, при изменении темпа. Отсутствие ритмической устойчивости часто связано с тенденцией к ускорениям. Обычно это происходит при нарастании силы звучности или в стремительных пассажах.
Играя с педагогом, ученик находится в определенных метроритмических рамках. Ансамблевая игра не только дает педагогу возможность диктовать правильный темп, но и формировать у ученика верное темпоощущение. Необходимо добиваться точности и четкости ритмического рисунка.
Следует сказать одинамике исполнения. Динамический диапазон четырехручного исполнения должен быть ни как не уже, а шире, чем при сольной игре, т.к. наличие двух пианистов позволяет полнее использовать клавиатуру, создать более полное насыщенное звучание инструмента.
Репертуар для фортепианных ансамблей можно подразделить на специально созданные оригинальные сочинения и переложения симфонической музыки. В учебном процессе могут быть использованы оба вида. Оркестровые произведения – отличный материал для чтения с листа, занятий для развития навыков быстрой ориентации в нотном тексте. Оригинальные дуэтные пьесы требуют тщательной и завершенной шлифовки исполнения.
Современные пособия для начинающих учащихся- пианистов включают разнообразный материал для игры в четыре руки. В педагогической практике широко используются такие сборники: В. Игнатьев, Л. Игнатьева « Я музыкантом стать хочу», М. Соколов « Маленький пианист», Л.Баренбойм, Н.Перунова « Путь к музыке» и т.д
В средних классах, когда учащиеся уже овладел основными навыками игры на инструменте, можно добавить в репертуар джазовые пьесы. Они очень нравятся детям, развивают учащихся в ритмическом отношении, обогащают их слуховые впечатления новым музыкальным языком и джазовыми гармониями. Например, М. Шмитц« Оранжевые буги», С.Джоплин « Артист эстрады», Н. Смирнова «Под дождем» и «Регтайм».
Джазовая манера игры отличается особой активностью звукоизвлечения и требует от исполнителя особого специфического туше.
Таким образом, роль ансамблевой игры при обученииигре на фортепиано очень велика. Она учит всему: ритму, быстрому освоению нотной грамоты, пониманию строения музыкальной формы, сознательному отношению к делу, ответственности. Это искусство вести диалог с партнером, т.е. понимать друг друга, уметь вовремя подать и вовремя уступить. Если это искусство в процессе обучения постигается ребенком, то можно надеяться, что он успешно освоит специфику игры на фортепиано.
Литература
1. Алексеев А.Д. Методика обучения игре на фортепиано /А.Д. Алексеев -М.:Музыка,
1978. – 289с.
2. Нейгауз Г.Г. Об искусстве фортепианной игры / Г.Г. Нейгауз – М.: Музыка, 1982. – 299с
3. Сорокина Е.Г. Фортепианный дуэт: История жанра / Е.Г. Сорокина. – М.: Музыка,
1988. - 319с
4. Готлиб А.Д. Первые уроки фортепианного ансамбля / А.Д. Готлиб// Вопросы фортепианной педагогики [под общей редакцией В. Натансона.] – Вып.3. – М.: Музыка,1971. –С. 91-98.
Муниципальное образовательное учреждение дополнительного образования детей «Железногорская детская школа искусств»
Управление культуры администрации г. Железногорска
Курской области
Методический доклад
"Роль ансамблевой игры
в реализации принципов развивающего музыкального обучения"
Материал подготовила:
преподаватель первой категории Кузнецова О.И.
г. Железногорск
2011г.
ВВЕДЕНИЕ
стр.1 -2
ОСНОВНАЯ ЧАСТЬ: Роль ансамблевой игры в реализации принципов развивающего музыкального обучения
стр.2- 16
Ритм как фактор ансамблевого единства
Динамика как средство выразительности
Темп как средство выразительности
Приёмы достижения синхронности ансамблевого звучания
ЗАКЛЮЧЕНИЕ (выводы)
стр.16
Список используемой литературы
стр.17
ВВЕДЕНИЕ
Как известно, ансамбль - это группа исполнителей, выступающих совместно.
Фортепианный дуэт начал интенсивно развиваться во второй половине 18 века с появлением молоточкового фортепиано и его новыми возможностями, такими как: расширенный диапазон, способность постепенного увеличения и уменьшения звучности, добавочный резонатор педали.
Этот инструмент таил в себе особые возможности при игре двух пианистов. Значительно возрастала полнота и сила его звучания, открывались неведомые регистровые краски, а новый гомофонный стиль музыки в этом очень нуждался.
К началу 19 века фортепианный ансамбль утвердился как полноправная самостоятельная форма музицирования. Возникла богатая и разнообразная литература. Для фортепиано в четыре руки писали почти все композиторы 19 и 20 столетия.
Главная цель всего нашего обучения в ДШИ – это подготовка музыкантов, которые обладают навыками музыкального творчества, могут самостоятельно разобрать и выучить музыкальное произведение любого жанра, свободно владеть инструментом, разбираться в нотном тексте, в строении музыки, уметь отличить мелодию от аккомпанемента, уметь концентрировать внимание на определённой задаче, считывать сразу несколько информационных слоёв текста: нотный, ритмический, динамический, агогический и др.
Очевидно, что проблемы обучения и творческого развития должны быть тесно связаны. Процесс творчества, сама обстановка поиска и открытий на каждом уроке должна вызывать у детей желание действовать самостоятельно, непринуждённо.
Главнейшая из первоначальных задач педагога - "зажечь", "заразить" ребёнка желанием овладеть языком музыки.
ОСНОВНАЯ ЧАСТЬ
Игра на фортепиано в четыре руки - вид совместного музицирования, которым занимались во все времена при каждом удобном случае и на любом уровне владения инструментом и который приносит ни с чем несравнимую радость совместного творчества.
Ансамблевое музицирование обладает огромными развивающими возможностями. Хорошо известно, что игра в ансамбле как нельзя лучше дисциплинирует ритмику, совершенствует умение читать с листа, помогает ученику выработать технические навыки, а также доставляет ребёнку огромное удовольствие и радость, нередко большее, чем сольное исполнение.
Ансамблевое музицирование учит слушать партнёра, учит музыкальному мышлению: это искусство вести диалог с партнёром, т.е. понимать друг друга, уметь вовремя подавать реплики и вовремя уступать.
И если это искусство в процессе обучения постигается ребёнком, то можно надеяться, что он успешно освоит специфику игры на фортепиано.
Ансамбль - это коллективная форма игры, в процессе которой несколько музыкантов исполнительскими средствами сообща раскрывают художественное содержание произведения.
Игра в ансамбле представляет собой форму деятельности, открывающую самые благоприятные возможности для всестороннего и широкого ознакомления с музыкальной литературой.
Перед музыкантом проходят произведения различных художественных стилей, авторов, различные переложения оперной и симфонической музыки. Накопление запаса ярких многочисленных слуховых представлений стимулирует художественное воображение.
Искусство ансамблевого исполнения основывается на умении исполнителя соразмерять свою художественную индивидуальность, свой исполнительский стиль с индивидуальностью исполнения партнёра.
Исполнение в ансамбле предусматривает не только умение играть вместе, здесь важно другое - чувствовать и творить вместе.
Когда учащийся впервые получит удовлетворение от совместно выполненной работы, почувствует радость общего порыва, взаимной поддержки - можно считать, что занятия в классе дали принципиально важный результат.
Пусть это исполнение ещё далеко от совершенства - это не должно смущать педагога, всё можно выправить дальнейшей работой. Ценно другое, преодолён рубеж, разделяющий солиста и ансамблиста, ученик почувствовал своеобразие и интерес совместного исполнительства.
Игра в ансамбле способствует интенсивному развитию всех видов музыкального слуха: звуковысотного, гармонического, полифонического, тембро-динамического.
Гармонический слух нередко отстаёт в развитии от мелодического слуха. Учащийся может свободно общаться с одноголосием, и в то же самое время испытывать затруднение со слуховой ориентировкой в многоголосии гармонического склада.
Воспроизводить многоголосие, аккордовую вертикаль - особо выгодные условия для развития гармонического слуха. Но, как правило, длительный период, связанный с постановкой рук и исполнением преимущественно одноголосных мелодий, не позволяет ребёнку сразу исполнять пьесы с гармоническим сопровождением.
Поэтому донотный период тесно связан с ансамблевым музицированием в дуэте педагог - ученик.
Здесь ансамблевая форма игры оказывается целесообразной и необходимой, гармоническое сопровождение в данном случае будет исполнять преподаватель. За счёт насыщенного, богатого мелодическими и гармоническими красками сопровождения исполнение становится более красочным и живым.
Это позволит ученику с первых же уроков участвовать в исполнении многоголосной музыки. Развитие гармонического слуха будет идти параллельно с развитием мелодического слуха, т.е. ребёнок будет воспринимать полностью вертикаль.
Игра в ансамбле, несомненно, сопряжена с определенными трудностями. Не так легко научиться ощущать себя частью целого. В тоже время это занятие воспитывает у исполнителя ряд ценных профессиональных качеств - оно дисциплинирует в отношении ритма, даёт ощущение нужного темпа, способствует развитию мелодического, полифонического, гармонического слуха, вырабатывает уверенность, помогает добиться стабильности в исполнении.
Так известно, когда в сольной игре ученик выступает неуверенно, запинаясь, то поиграв в ансамбле, он начинает играть гораздо смелее. Учащиеся стремятся подтянуться до уровня более сильных учеников, от продолжительного общения друг с другом каждый становится совершеннее как личность, поскольку воспитываются такие качества, как взаимопонимание, взаимоуважение, чувство коллективизма.
С преподавателем играть в ансамбле легче. Но большей концентрации внимания, ответственности, умению слушать себя и другого, конечно, дети учатся при игре в ансамбле друг с другом. Партнёрами выбираются, по возможности, дети одного возраста и примерно одинакового уровня подготовки. В этой ситуации возникает нечто вроде негласного состязания, являющегося стимулом к более основательному, внимательному исполнению.
С самого начала необходимо приучать детей, чтобы один из играющих не прекращал игру при остановке другого. Это научит другого исполнителя быстро ориентироваться и вновь включаться в игру.
Одно из важнейших условий успешной работы является способность критически относиться к себе и к своим товарищам. Известно, что слово «самокритика» легче произнести, чем обратить его в действие. Но надо не только критиковать, но и не скупиться на похвалу, уметь подбодрить, вдохновить ученика.
Давно уже замечено, что похвала, даже не вполне заслуженная, стимулирует активность большинства людей. Ребёнку необходима вера в себя. Основное правило ансамбля «Один за всех, все за одного», «Успех или неудача одного есть успех или неудача всех».
Составляющие успешного ансамблевого исполнения
1. Ритм как фактор ансамблевого единства
Вообще, игра в ансамбле позволяет успешно вести работу по развитию ритмического чувства. Ритм - один из центральных элементов музыки. Формирование чувства ритма - важнейшая задача педагога. Ритм в музыке - категория не только времяизмерительная, но и эмоционально-выразительная и художественно-смысловая.
Играя вместе с преподавателем, ученик находится в определённых метроритмических рамках. Необходимость "держать" свой ритм делает усвоение различных ритмических фигур более ограниченным.
Не секрет, что иногда учащиеся исполняют пьесы со значительными темповыми отклонениями, что может деформировать верное ощущение первоначального движения.
Ансамблевая игра не только даёт возможность диктовать правильный темп, но и формирует у ученика верное темповое ощущение.
Необходимо найти наиболее выразительный ритм, добиться точности и чёткости ритмического рисунка.
Определение темпа зависит от выбранной совместно единой ритмической единицы (формулы общего движения). Эта формула имеет при игре в ансамбле большое значение, т.к. подчиняет частное целому и способствует созданию у партнёров единого темпа.
Среди компонентов, объединяющих учащихся в единый ансамбль, метроритму принадлежит едва ли не главное место. Действительно, что помогает ансамблистам играть вместе, чтобы создавалось впечатление, будто играет один человек? Это ощущение метроритма. Он, по существу, выполняет функции дирижёра в ансамбле и ощущение каждым участником сильных долей, это тот «скрытый дирижёр», «жест» которого способствует объединению ансамблистов, а значит и их действий в единое целое.
Ощущение сильных и слабых долей такта, с одной стороны, и ритмическая определенность «внутри такта», с другой - вот тот фундамент, на котором основывается искусство ансамблевой игры. Единство, синхронность его звучания является первым среди других важных условий.
Если при неточности исполнения остальных компонентов снижается только общий художественный результат, то при нарушении метроритма рушится ансамбль. Но не только в этом значение метроритма. Он способен влиять и на техническую сторону исполнения.
Ритмическая определенность делает игру более уверенной, более надежной в техническом отношении. К тому же ученик, играющий неритмично, больше подвержен всякого рода случайностям, а от случайности, как известно, прямая дорога к потере психологического равновесия, к зарождению волнения.
Как же добиться того, чтобы каждый из участников ансамбля, исполняя свою партию, укреплял ритмическую основу всего ансамбля?
Необходимо систематически и настойчиво работать в этом направлении. В ансамбле, разумеется, могут быть исполнители, у которых в разной степени развито чувство ритма. Начинать нужно с воспитания чувства абсолютного точного и «метрономного» ритма: он и станет объединяющим началом в общем коллективном ритме. Необходимо, чтобы в ансамбле были ритмически устойчивые исполнители. Тогда и остальные начнут тянуться к более «сильным» в ритмическом отношении.
2.Динамика как средство выразительности
Играя в ансамбле, необходимо быть экономным в расходовании динамических средств, распоряжаться ими разумно. Надо исходить из того, что каким бы ярким по тембру ни был инструментальный ансамбль, одним из главных его резервов, придающих звучанию гибкость и утонченность, является динамика.
Различные элементы музыкальной фактуры должны звучать на разных динамических уровнях. В музыке как в живописи, ничего не выйдет, если всё будет иметь равную силу, не будет представлен передний и задний план. Воспитав такое ощущение динамики, ансамблист безошибочно определит силу звучания своей партии относительно других.
В том случае, когда исполнитель главной партии, сыграл чуть громче или тише, его партнёр немедленно отреагирует и исполнит свою партию также чуть громче или чуть тише. Важно, чтобы мера этих «чуть-чуть» была бы точной.
Как практически работать над динамикой в ансамбле?
Вначале необходимо научиться играть в пределах того или иного динамического оттенка абсолютно ровно. Например, можно предложить проиграть участникам отдельную фразу на ровном пиано, затем на ровном mf. Так следует пройти все динамические ступени.
Безусловно, сила звука - понятие не столь определенное, как высота звука: mf на гитаре не равно mf на фортепиано, f на балалайке - не одно и то же, что f на баяне. Исполнитель должен воспитывать у себя развитый слух, так называемый микрослух, дополнив динамику понятием микродинамики, означающим способность регистрировать малейшие отклонения в сторону увеличение или уменьшения силы звука.
3.Темп как средство выразительности
Определение темпа произведения - важный момент в исполнительском искусстве. Верно выбранный темп, способствует правильной передаче характера музыки, неверный темп в той или иной мере искажает этот характер. Темп «заложен» в самой музыке, хотя и существуют авторские указания темпа, вплоть до определения скорости по метроному,
Ещё Римский-Корсаков утверждал, что «музыканту метроном не нужен, он по музыке слышит темп». Не случайно И.С. Бах, как правило, в своих сочинениях вовсе не указывал темп. В пределах одного произведения темп может варьироваться. В. Тольба говорил: «Нет такого медленного темпа, в котором бы не встречались места, требующие ускорения и наоборот. Для определения этого в музыке нет соответствующих терминов, обозначения эти должны быть заложены в душе».
4. Приёмы достижения синхронности ансамблевого звучания
Прежде всего, при ансамблевой игре мы учим синхронности исполнения.
Синхронность является одним из технических требований совместной игры.
Синхронность является результатом важнейших качеств ансамбля - единого понимания и чувствования партнёрами темпа, ритмического пульса, совпадения во времени сильных и слабых долей каждого такта, предельную точность при исполнении мельчайших длительностей всеми участниками ансамбля, умения представить не только свою партию, но и другую.
Синхронность вступления и снятия звука достигается значительно легче, если партнёры правильно чувствуют темп ещё до начала игры.
Музыка начинается уже в ауфтакте и в короткие мгновения ему предшествующие, когда учащиеся волевым усилием сосредотачивают своё внимание на выполнении художественной задачи.
При рассмотрении проблемы синхронного исполнения нужно выделить три момента: как начать пьесу вместе, как играть вместе и как закончить произведение одновременно. В ансамбле должен быть исполнитель, выполняющий функции дирижера, он обязан иногда показывать вступления, снятия, замедления.
Сигналом к вступлению может быть небольшой кивок головы, состоящий из двух моментов: едва заметного движения вверх (ауфтакт) и затем - чёткого, довольно резкого движения вниз. Последнее служит сигналом к вступлению. С этим жестом полезно посоветовать исполнителям одновременно взять дыхание.
Кивок не всегда делается одинаково, всё зависит от характера и темпа исполняемого произведения. Когда произведение начинается из-за такта, то сигнал, по сути, такой же, с той разницей, что если в первом варианте при подъёме головы была пауза, то в данном случае она заполняется звучанием затакта.
На репетиции можно просчитывать пустой такт, могут быть слова: «внимание, приготовились, начали», после слова «начали» должна быть естественная пауза, как бы вдох.
Одновременность окончания имеет не меньшее значение. Последний аккорд имеет определенную длительность, каждый из участников отсчитывает «про себя» метрические доли и снимает аккорд точно вовремя.
Продолжительность аккорда, над которым стоит фермата, необходимо обусловить. Не вместе снятый аккорд производит такое же неприятное впечатление, как и не вместе взятый.
Всё это отрабатывается в процессе репетиций. Ориентиром снятия также может быть движение - кивок головы.
В достижении синхронности ансамблевого звучания многое зависит от характера музыки. Замечено, что в пьесах активного, волевого плана это качество достигается быстрее, чем в пьесах спокойного созерцательного характера.
В средних и старших классах осваиваем более сложный ритм, учимся выделять из общего звучания главное, передавать мелодическую линию из одной партии в другую и т.д.
Детям игра в ансамбле нравится, они чувствуют большую ответственность и порой лучше справляются с произведением, чем при сольном исполнении. Необходимо стараться не прекращать этот вид обучения, предлагать детям читать с листа ансамблевые пьесы, всё это способствует концентрированному музыкальному мышлению.
Если синхронность исполнителя - качество, необходимое в любом ансамбле, то в ещё большей степени оно необходимо в такой его разновидности как унисон. Ведь в унисоне партии не дополняют друг друга, а дублируют, правда, иногда в разных октавах, что не меняет сути дела.
Поэтому недостатки ансамбля в нём еще более заметны.
Исполнение в унисон требует абсолютного единства – в метроритме, динамике, штрихах, фразировке. С этой точки зрения унисон является самой сложной формой ансамбля. Доказательством абсолютного единства при исполнении в унисон является ощущение, что во время игры вместе с другими учащимися ваша партия не прослушивается как самостоятельная.
К сожалению, этой форме ансамблевой игры уделяется мало внимания в учебной практике. Между тем в унисоне формируются прочные навыки ансамбля, к тому же унисон интересен зрительно и в сценическом отношении.
Ансамблевое музицирование также способствует хорошему чтению с листа. Детям интересно, они слышат знакомую или приятную мелодию, хотят скорее её исполнить, быстро осваивают нотную графику, тем самым учатся разбираться в простейших элементах музыкальной формы, а также закрепляют полученные навыки артикуляции - non legato, staccato, legato и т.д.
Ещё один момент, на котором стоит остановиться.
Все мы знаем, что дети зачастую плохо видят паузы в нотном тексте. А что такое паузы? Паузы - это дыхание в музыке, которое бывает коротким или более длинным, но обязательно длится определённое время. Игра в ансамбле, как раз и заставляет детей услышать и увидеть эти паузы.
В момент, когда в мелодии ничего не звучит, а аккомпанемент продолжает звучать, мелодия как бы "запасается дыханием".
В конце произведений нередко бывает ritenuto - замедление. Обычно дети сами не могут определить, как же замедляется ход движения. Педагог в ансамбле с ребёнком помогает ему сориентироваться в замедлении, научить чувствовать изменение темпа.
Существует два вида фортепианного дуэта – на одном или на двух инструментах. Фортепианный дуэт на двух роялях получил наибольшее распространение в профессиональной концертной практике. В нём преимущества ансамбля сочетаются с полной свободой партнёров, каждый из которых имеет в своём распоряжении свой инструмент. Богатейшие возможности фортепиано, благодаря наличию двух исполнителей, двух инструментов ещё более расширяются.
Игра в четыре руки на одном фортепиано практикуется главным образом в сфере домашнего музицирования, музыкального самообразования и учебных занятий. Есть ещё одна форма фортепианного ансамбля – восьмиручная игра на двух фортепиано. Такое «квартетное» исполнение приносит несомненную пользу в детских музыкальных школах. Объединение в ансамбле четырёх участников способствует развитию чувства коллективной ответственности ещё в большей степени, чем игра в дуэте.
Репертуар для фортепианных ансамблей можно подразделить на специально созданные оригинальные сочинения и переложения, ставящие своей целью популяризацию симфонической музыки. В учебном процессе все виды фортепианного ансамбля и оба раздела их репертуара (концертные пьесы и клавирные переложения) могут быть использованы с равным успехом. Оркестровые переложения – отличный материал для чтения с листа, занятий для развития навыков быстрой ориентации в нотном тесте, для исполнения в эскизе.
Оригинальные дуэтные пьесы и концертные транскрипции предназначаются для публичных выступлений и поэтому требуют тщательной и завершённой шлифовки исполнения. Изучение этих произведений помогает понять разнообразные требования ансамбля, творчески обогащает исполнителей и совершенствует их пианистическое мастерство.
ВЫВОДЫ
Таким образом, можно сделать вывод, что роль ансамблевой игры при обучении игре на фортепиано очень велика.
С помощью ансамблевого музицирования у детей лучше развивается гармонический слух и ритм, быстрее происходит освоение нотной грамоты и развитие понимания строения музыкальных форм, а также, повышается мотивация к занятиям музыкой, вырабатывается ответственность и сознательное отношение к делу.
Инструменталист, никогда не игравший в ансамбле, многим обделён, ибо польза от этого рода занятий очевидна. К тому же, игра в ансамблевом музицировании доставляет детям огромное довольствие.
Список использованной литературы
Алексеев А. Методика обучения игре на фортепиано, "Музыка", 1978г.
Готлиб А. Основы ансамблевой техники - Москва: Музыка, 1971
Готлиб А. Первые уроки ансамбля, изд. «Музыка», Москва, 1965.
Готлиб А. Заметки о фортепианном ансамбле. Музыкальное исполнительство. Выпуск 8. М.,1973
Нейгауз Г. Об искусстве фортепианной игры, Гос. муз. изд-во. 1958 г.
Ризоль Н. Очерки о работе в ансамбле, М.: Советский композитор, 1979.
Тимакин Е. Воспитание пианиста, М.: Советский композитор, 1989 г.
Действительно, зачем - не всем же быть музыкантами? Музыканты - это особые люди, личности, которые выделяются и манерой одеваться, и манерой изъясняться, и складом ума. Конечно, не у всех получится профессионально заняться музыкой, но ведь к этому и не нужно стремиться - у каждого свой путь! Учить детей музыке мечтают многие родители. Только одни уверены в необходимости музыкального воспитания чада и готовы сделать для этого все возможное, другие сомневаются в музыкальных способностях своего ребенка и боятся ему навредить. По большому счету, решающими факторами должны быть не желания родителей, а талант ребенка и стремление его к музыке.
Итак, что же дает ребенку школа искусств? Какая в ней польза? Перечислим кратко основные пункты.
Музыка развивает эмоциональность.
Развивается чувство ритма.
Музыкальный слух становится более тонким.
Игра на музыкальном инструменте развивает координацию и мелкую моторику рук (что сказывается положительно на развитии мозга).
Пение расширяет возможности дыхательного аппарата, уменьшает количество простудных заболеваний.
Развивается чувство вкуса.
Ансамблевое исполнительство дает практические навыки коллективной деятельности, учит слышать других. Развивается память.
Формируется усидчивость (необходимо заниматься регулярно!).
Приобщает к мировой культуре.
Когда малыш растет, у родителей возникает вопрос, – куда отдать ребенка для его всестороннего развития.
Но нередко родители останавливают выбор на спортивной секции, не задумываясь о том, что малыш нуждается в дополнительном образовании.
В былые времена детей дворян обучали грамоте, арифметике, языкам, танцам и музыке. Обучение игре на музыкальных инструментах считалось показателем хорошего воспитания.
Естественно не все дети по окончании «музыкалки» выберут профессию музыканта. Некоторые забудут все то, чему учили на протяжении нескольких лет. Родителям может показаться, что годы, проведенные в музыкальной школе, прошли даром.
Многие родители переживают, что ребенок будет слишком загружен при обучении в ДМШ. Это неизбежно. Но ведь это не плохо. Ребенок будет занят обучением и не будет без толку слоняться в сомнительной компании. У него будет развит музыкальный вкус. Музыка, рисование и танцы развивают самодисциплину, и при правильном планировании времени малыш будет успевать делать уроки, заниматься музыкой и гулять с друзьями. На первоначальном этапе многое зависит от родителей. Казалось бы, вот совсем недавно ребенок горел желанием осваивать инструмент, как его уже нет. Детям свойственно лениться и задача родителей приобщать его к музыке и не пускать все на самотек. Стоит отметить, что не все дети дошкольного возраста знают, чем они хотят заниматься. Родители должны убедить малыша, что обучение музыке - это престижно и классно. К тому же, он будет уметь то, что не умеют его дворовые друзья, которые бесцельно слоняются по улице и не знают чем себя занять, а он будет уметь играть на музыкальном инструменте.
Обучение в музыкальной школе развивает коммуникативность и эстетический вкус, расширяет кругозор. А что касается музыкального слуха, то у одних детей он есть с рождения, а другим его нужно развивать.
Занятия музыкой развивают координацию
Исследования показали, что у детей, обучающихся игре на музыкальных инструментах (особенно на струнных и клавишных), улучшается координация движений, мелкая моторика рук. Это не удивительно. При игре и пальцы, и вся рука делают множество движений, в том числе очень мелких. Кроме того, правая и левая рука совершают подчас абсолютно разные движения. Играют с разной силой (одна может играть громко, а другая тихо), в разном характере и в разном темпе. Всё это способствует улучшению связей между центрами мозга, управляющими движениями. Развивает пространственное мышление.
Занятия музыкой развивают интеллектуально
Под влиянием музыкальных впечатлений начинают разговаривать самые инертные дети с замедленным умственным развитием, которых, казалось, никакими силами невозможно было расшевелить.
Как показали совместные исследования венгерских и немецких учёных, дети, занимающиеся музыкой, обладают лучшей реакцией, легче усваивают счёт. Была отмечена также прямая связь между музыкальными и математическими способностями ребёнка. Учителя младших классов рассказывают, что после уроков музыки очень хорошо проходят уроки чтения. У детей обостряется восприятие. Они лучше соображают.
Слушание музыки способствует лучшему усвоению познавательного материала других предметов, уменьшает чувство «перегруженности». Музыкальный урок со своими игровыми элементами, художественными переживаниями, являющийся некоторым противовесом изучению научных дисциплин, выполняет функцию разрядки, способствуя тем самым освоению познавательного материала других предметов.
Занятия музыкой сближают детей и родителей
Мы имеем в виду не только сам процесс обучения на музыкальном инструменте, но и совместное слушание музыки, совместное пение. И, пожалуй, особенно совместное музицирование. Тут возможности самые разнообразные: игра в четыре руки, игра в ансамбле на разных инструментах. Или, например, вариант, когда родители, умеющие играть, аккомпанируют маленькому скрипачу или певцу.
Сближают и совместные домашние концерты. Далеко не все дети любят быть солистами. Куда приятней выступать в ансамбле с папой, мамой или бабушкой.
Духовному развитию детей способствует пение в хоре
Думаем, вы не ошибётесь, если запишите ребенка в хор. Во время хорового пения дети ощущают ответственность за общее звучание песни, радость коллективного творчества, облагораживающее влияние самой песни.
Интересно, что между поющими в одном хоре, как детьми, так и взрослыми, обычно складываются тёплые, дружеские отношения. Эмоциональный настрой каждого хориста передаётся друг другу. Создаётся особая атмосфера увлечённости музыкой, радости, совместного творчества.
На уроках хореографии дети учатся грамотно чувствовать музыку. Занятия помогают укрепить мышцы спины, развить правильную осанку, сформировать постановку корпуса, развить природные физические данные такие как: шаг (растяжка), подъём, гибкость, прыжок и даже артистичность.
Уже после первых уроков вы сможете наблюдать, как происходит творческий рост и раскрываются таланты ваших детей. Занятия хореографией не только приучают вашего ребёнка к дисциплине, организуют его, но и благотворно влияют на умственное развитие, потому что во время изучения хореографических композиций ребёнку постоянно приходиться запоминать последовательность движений - это заставляет ребёнка думать, при этом развивается мышечная память, координация движений и начинает хорошо работать вестибулярный аппарат.
Рисование имеет огромное значение в формировании личности ребенка. Особенно важна связь рисования с мышлением. Кроме того, рисование развивает память, внимание, мелкую моторику, учит ребенка думать и анализировать, соизмерять и сравнивать, сочинять и воображать. Для умственного развития детей имеет большое значение постепенное расширение запаса знаний. Оно влияет на формирование словарного запаса и связной речи у ребенка.
Десять причин отдать ребёнка в музыкальную школу
Несмотря на то, что ребёнок фальшиво орёт песни Чебурашки, и слуха у него нет; несмотря на то, что пианино некуда поставить, и бабушка не может возить ребёнка «на музыку»; несмотря на то, что ребёнку вообще некогда – английский, испанский, секция по плаванию, воскресная школа и прочее, и прочее...
Есть веские причины всё это преодолеть и всё-таки учить музыке, и эти причины должны знать современные родители:
1. Играть – это следовать традиции. Музыке учили всех аристократов, русских и европейских. Музицировать – это лоск, блеск и шик, апофеоз светских манер. Дюк Эллингтон начал играть на рояле потому, что вокруг играющего парня всегда собираются девушки. Что тогда можно говорить об играющей девушке?
2. Музыкальные занятия воспитывают волю и дисциплину: заниматься на инструменте надо постоянно, регулярно и без перерывов. Почти с тем же упорством, с каким чемпионы тренируются в спортзале и на катке. Но, в отличие от героев спорта, играя на рояле, нельзя сломать ни шею, ни ногу, ни даже руку.
Музыка – это воспитание характера без риска получить травмы.
3. Занимаясь музыкой, ребёнок развивает математические способности. Он пространственно мыслит, попадая на нужные клавиши, манипулирует абстрактными звуковыми фигурами, запоминая нотный текст, и знает, что в музыкальной пьесе как в математическом доказательстве: ни убавить, ни прибавить! Не случайно Альберт Эйнштейн играл на скрипке, а профессора физики и профессора математики Оксфорда составляют 70% членов университетского музыкального клуба.
Внимание, родители будущих математиков и инженеров! Музицировать приятнее, чем решать трудные задачи из-под палки репетитора.
4. Музыка и язык – братья - близнецы. Они родились следом друг за другом: сначала – музыка; потом – словесная речь, и в нашем мозге они продолжают жить рядом.
Фразы и предложения, запятые и точки, вопросы и восклицания есть и в музыке, и в речи.
Играющие и поющие лучше говорят и пишут, легче запоминают иностранные слова, быстрее усваивают грамматику. Меломаны-литераторы Тургенев и Стендаль, Пастернак и Толстой, Жан-Жак Руссо и Ромен Роллан, каждый из которых знал не один иностранный язык, рекомендуют всем будущим полиглотам занятия музыкой.
5. Музыка структурна и иерархична: крупные произведения распадаются на более мелкие части. Стихийное понимание музыкальной иерархии облегчает понимание компьютера, тоже сплошь иерархичного и структурного.
Психологи доказали, что маленькие музыканты, ученики знаменитого Шиничи Сузуки, если даже не слишком преуспели в развитии музыкального слуха и памяти, зато обошли своих сверстников по уровню структурного мышления. Внимание, родители будущих IT-инженеров, системных администраторов и программистов! Музыка ведёт прямо к вершинам компьютерных наук; не случайно фирма Microsoft предпочитает сотрудников с музыкальным образованием.
6. Музыкальные занятия развивают навыки общения. За годы учёбы ребёнок-музыкант познакомится с галантным Моцартом, ершистым Прокофьевым, философичным Бахом и другими очень разными музыкальными персонами. Играя, ему придётся в них перевоплотиться и донести до публики их характер, манеру чувствовать.
Теперь остаётся один шаг до таланта менеджера. Ведь для него главное – понимать людей и, пользуясь своим пониманием, управлять ими. Внимание, родители будущих основателей бизнес-империй! Музыка ведет от сердца к сердцу, и самое грозное оружие топ-менеджера – обезоруживающая улыбка «хорошего парня».
7. Музыканты мягкосердечны и одновременно мужественны. Как утверждают психологи, музыканты-мужчины чувственны, как дамы, а музыканты-женщины стойки и тверды духом, как мужчины. Музыка смягчает нравы, но, чтобы в ней преуспеть, надо быть мужественным. Внимание, родители, ожидающие помощи и поддержки в старости! Дети, которые занимались музыкой, сочувственны и одновременно терпеливы, и потому чаще готовы подать своим престарелым родителям тот самый «стакан воды».
8. Музыканты меньше боятся страшного фразы – срок сдачи работы. В музыкальной школе нельзя перенести на завтра или на неделю вперёд зачёт по гаммам и классный концерт. Положение артиста на сцене приучает к максимальной готовности, и ребёнок с таким опытом не завалит серьёзный экзамен, собеседование при приёме на работу или ответственный доклад.
9. Музыкальные занятия воспитывают маленьких «цезарей», умеющих делать много дел сразу. Музыка помогает ориентироваться в нескольких одновременных процессах: так, читающий с листа пианист, сразу делает несколько дел – помнит о прошлом, смотрит в будущее и контролирует настоящее.
Музыка течёт в своём темпе, и читающий с листа не может прерваться, отдохнуть и перевести дух. Так же и авиадиспетчер, оператор ЭВМ или биржевой брокер следит за несколькими экранами и одновременно слушает и передаёт информацию по нескольким телефонам. Музыка приучает мыслить и жить в нескольких направлениях.
10. Ученые, проводившие социологические исследования, пришли к выводу, что среди людей, попавших в места лишения свободы, нет ни одного человека, окончившего в детстве музыкальную школу.
Немудрено, что музыкальным прошлым отмечены многие знаменитости:
Агата Кристи свой первый рассказ написала о том, почему ей трудно играть на фортепиано на сцене;
Кондолиза Райс, напротив, больше всего любит играть на публике в своём ослепительном концертном платье,
Билл Клинтон уверен, что без саксофона никогда не стал бы президентом.
Посмотрите на успешных людей в любой области, спросите, не занимались ли они в детстве музыкой, хотя бы даже и недолго, хотя бы даже и без особого рвения? Конечно, занимались. И у нас есть 10 причин последовать их вдохновляющему примеру.
Загрузка...
