Как начать разбираться в искусстве

Самое интересные ответы художников, искусствоведов, культурологов и кинокритиков, с которых стоит начать восполнение пробелов в своем образовании в области искусства.

11 вопросов

1. Что почитать чтобы начать разбираться в искусстве? 2. Что почитать, чтобы начать лучше понимать современное искусство? 3. Что нужно прочитать для того, чтобы лучше разбираться в истории кино и научиться анализировать и понимать фильмы? 4. Какие существуют книги по теории критики - музыкальной, кино, литературной? 5. Какие книги про кураторство на русском или на английском стоит почитать, кроме Мизиано, Обриста, Пола О"Нила и Терри Смита? 6. Что посоветуете почитать о современном театре? 7. Каков список книг о театре, обязательных к прочтению? 8. Что почитать и посмотреть на тему искусства Барокко? 9. Какие страны были главными поставщиками новых стилей и направлений в искусстве ХХ века? 10. Может ли искусство не нести никакого послания? 11. Может ли художник, не имея представления о современном ему искусстве, стать признанным гением?

Я бы посоветовала начать с "Истории искусства" Гомбриха, Эта книга впервые была издана в 1950 году, и нельзя сказать, что это недавно. И все же ее продолжают переиздавать не только в ее собственной стране, но и за ее пределами, улучшая только качество иллюстраций. В ней очень простым и доступным языком рассказывается обо всех периодах и стилях. Как пишет в предисловии сам автор: "Эта книга обращена ко всем, кто хотел бы получить первоначальные ориентиры в заманчивой, но пока не знакомой им области искусства. Новичок сможет ознакомиться здесь с общим планом этой местности, не путаясь в обилии деталей, то есть уяснить себе порядок и соотношение периодов, стилей, имен, которыми наполнены более объемистые и сложные книги, и таким образом обзавестись багажом, необходимым для чтения более специальной литературы".

К ряду вводной в искусство литературе можно отнести книгуХорста Вольдемара Янсона и Энтони Ф. Янсона "Основы истории искусств", которая посвящена истории живописи, скульптуры, архитектуры, фотографии -- словом, "от бизона до Барбизона", а точнее -- до конца XX века.

Если копать глубже, то советую хрестоматийную и настольную для всех начинающих искусствоведов книгу Бориса Виппера "Введение в историческое изучение искусства". В отличие от двух предыдущих книг, здесь очень подробно и обстоятельно освещаются жанрово-технические проблемы и специфика технических основ каждого из жанров изобразительного искусства.

Начать стоит с Эрнста Гомбриха "Истории искусств". В книге на пятой странице объясняется, почему Пикассо писал не только натуралистичных курочек, но и кубистического петуха.

О модернизме и авангардном искусстве есть изумительная книга В.С. Турчина "По лабиринтам авангарда".

О постмодернизме стоит начать с Жана Бодрийяра. В целом о послевоенном искусстве Америки (в основном) написано довольно много. Обычно одного посещения МоМА в Нью-Йорке достаточно, чтобы современное искусство вдруг стало ближе и понятнее.

Кстати, на Bookmate из ответов на этот вопрос собрали целую книжную полку:

Кино можно анализировать как философ и культуролог (что невероятно полезно и правильно), а можно как киноман и фанат конкретных фильмов и людей - и мне ближе второе.

Базовые книги, которые никому не повредят - "Что такое кино" Андре Базена и "Кино" Жиля Делёза, книги Роберта МакКи и Кристина Воглера о сценарном мастерстве и прекрасная серия книг "Нового литературного обозрения", где есть как фундаментальное исследования Антона Долина про Ларса фон Триера, так и переводы Гордона Грея.

Другая хорошая серия - интервью с режиссёрами серии Арт-хаус издательства Азбуки-классики. Многие книги устарели по датам выхода фильмов, но не по сути. Там очень много деталей и подробностей о самом процессе съёмок, мало сенсаций, интриг и расследований и из этих книг в первую очередь понятно, что кино - это сложная и изматывающая работа, где часто необходимо быть контрол-фриком, а не полёт во сне и наяву. Особенно удовольствие - открывать российский журнал СЕАНС, который делает отличные тематические выпуски. Другие замечательные книги о кино на русском, которые я держала в руках - Леклезио "Смотреть кино", фундаментальная книга о Новом Голливуде Питера Бискинда, которую успели перевести (это "Беспечные ездоки и бешеные быки") и трёхтомные мемуары Сергея Соловьёва, из которых становится невероятно много понятно о том, как снималось кино в СССР, как строится съёмочный процесс и что кино становится жизнью, когда актрисы превращаются в жён, а коллеги - в заклятых друзей. Эссе Барта и Сонтаг о фотографии очень часто перекликаются с тем, что я думаю о фильмах, даже если они написаны про другие медиа.

Моя библиотека о кино давно расширяется за счёт книг, которые приходится дорого покупать и привозить из-за границы. К сожалению, в России переведено мало книг о режиссёрах и кино вообще, ещё меньше киноведческих трудов, так что знание английского, французского, немецкого, испанского и итальянского может очень сильно выручить, если хочется прочитать книгу про любимого режиссёра, которая не прогремела на весь мир.

Я купила все важные книги кинокритиков Полин Кейл и Роджер Эберта, чтобы разобраться в том, как самые массовые авторы Америки анализировали фильмы и режиссёров.

Книга My first movie в двух частях - отличное исследование того, как снять первый фильм из уст лучших режиссёров (в основном, американских).

Книги Хобермана и Томпсона, каноническое исследование A Cinema of Loneliness, A Shock Value, а также серии монографий о режиссёрах Director"s Cuts (Columbia University Press) - очень вдохновляющее чтение для того, чтобы понимать откуда и куда движется кино.

Великая книга Сидни Люмета Making Movies рассказывает о том, как устроен весь съёмочный процесс - от начала и до конца, как убить фильм и улучшить фильм, что делать с актёрами, звуком и светом и как не стоит отказываться от работы, если она сулит какой угодно опыт или рост на первых порах.

Я очень люблю Америку, поэтому советы мои достаточно однобоки. И да, почти про каждого большого режиссёра есть убедительная книга о работе и творчестве. Моя любимая, невероятно собранная и круто сделанная - Scorsese on Scorsese, потому что в мире едва ли найдётся такой опытный киноман и щедро делящийся своими методами и вкусами большой современный режиссёр. Эта книга - просто счастье.

Вообще же, библиотека киномана - это добрых книг 500, каждую из которых мне хотелось бы полистать и оставить на полке. Но начать можно и с этого небольшого списка.

4/11 Какие существуют книги по теории критики - музыкальной, кино, литературной?

5/11 Какие книги про кураторство на русском или на английском стоит почитать, кроме Мизиано, Обриста, Пола О"Нила и Терри Смита?

На мой субъективный взгляд, книги по кураторству часто довольно бессмысленны. Кураторству нельзя научить. Для человека, решившего стать куратором, принципиально важно знать историю выставок, ориентироваться в современных дискурсивных практиках, знать историю искусства и историю самого кураторства. Когда тот или иной куратор подробно разжевывает свой метод, это отнюдь не ведет к пониманию собственных целей и задач его читателями. Безусловно, у кураторов очень много отличных книг, но они не о кураторстве. Мне кажется важным, дабы "держать нос по ветру" читать периодику о выставках. Это журналы Afterall, Springerin, The Exhibitionist, Mousse Magazine, E-Fluх Journal, Manifesta Journal, On Curating, и некоторые другие. Это поможет пониманию того, что происходит именно сейчас в выставочных практиках. А вообще, почитайте про выставки, найдите куратора, которому доверяете и читайте его тексты. У меня таких много, вот например, прочитал большинство текстов и статей прекрасной Марии Линд, Хуана Гайтана, WHW, и не устаю за ними следить.

6/11 Что посоветуете почитать о современном театре?

Ответить на этот вопрос сегодня очень легко: за последние два года были переведены на русский язык и прекрасно изданы две ключевые монографии о современном театре, без учета которых не обходится ни один исследователь или эксперт в этой сфере. Это, во-первых, «Постдраматический театр» немецкого театроведа Ханса-Тиса Лемана . Во-вторых, это «Эстетика перформативности» немецкой исследовательницы Эрики Фишер-Лихте . Оба автора исследуют границы (возможностей) театра как уникального языка современности и помогают освежить и обновить зрительскую оптику, выйдя за пределы сложившихся стереотипов восприятия театрального спектакля. Если вы не боитесь того, что ваши представления о театре изменятся и усложнятся, если вы готовы к новому и часто экстремальному театральному опыту – начните с чтения Лемана и Фишер-Лихте.

Для тех, кому интересно пофилософствовать о современном театре и его истоках, рекомендую также яркую и провокативную книгу Кети Чухров «Быть и исполнять: проект театра в философской критике искусства».

А еще читайте хороших театральных критиков – на или на . Там умеют отслеживать самое главное и актуальное. И качественно его описывать и оценивать.

7/11 Каков список книг о театре, обязательных к прочтению?

Для тех, кто хочет связать свою жизнь с театром, жизненно необходимо прочесть следующие книги: Михаил Туманишвили "Режиссер уходит из театра", Питер Брук "Пустое пространство", Ролан Барт "Работы о театре", осилить 4-томник Эфроса, книги Алексея Бартошевича и, конечно, Станиславского.

Существуют сотни и тысячи книг про барокко, но среди них есть одна, с которой просто необходимо начать знакомство с этим стилем. Это книга Генриха Вёльфлина «Ренессанс и барокко». В России она впервые была напечатана в 1913 году. Вёльфлин легко и изящно вывел формулу барокко, показав, как появился этот всеобъемлющий стиль и на каких принципах он основан. Он тщательно проанализировал мельчайшие детали архитектуры римского барокко и виртуозно раскрыл философскую основу стиля. После Вельфлина вас больше никогда не будет мучить вопрос: «И все-таки, при чем тут жемчужина неправильной формы?»

Так, испанцы Грис и Пикассо имеют весьма отдаленное отношение к испанскому искусству, румын Тристан Тцара - к румынскому, белорусский еврей Марк Шагал - к белорусскому и т. д. Всю первую половину XX века, прошедшую под знаком войн и потрясений, с Францией на вторых ролях уживались Германия, Австрия, Италия, в меньшей степени Британия.

Во второй половине столетия неоспоримым лидером становятся США, хотя это не значит, что в Европе наступили разгром и упадок. Лондон - законодатель вкусов галерейного мира последней четверти XX века: английские художники - в числе самых дорогих на аукционах. По причине дешевизны жизни очень привлекателен для художников Берлин, хотя жить в нем и не означает быть немцем.

Вообще, концепция национального в искусстве поблекла и увяла раньше, чем в других областях. Нет национальных традиций - есть просто художники.

10/11 Может ли искусство не нести никакого послания?

Искусство может вообще всё что угодно. При этом оно ничего не должно. Здравый смысл, ориентированный на выживание в конкретной среде, часто склоняет нас к упрощению во всех сферах жизни. Искусство же - необходимый инструмент усложнения, без которого человек деградирует. В этом смысле оно всегда несет какое-то послание, но его дешифровка зависит от способностей воспринимающего. Даже самое беспредметное искусство вступает с нами в диалог, и не его вина, если мы капризно ждем, что нам будет всё понятно. Если требуются какие-то усилия для понимания, мы уже недовольны. Но если какие-то навыки мы просто вынуждены осваивать, то искусство вызывает особое раздражение обывателя, который привык презрительно отвергать все, что, по его мнению, бесполезно. В отличие от сложной и опасной науки искусство беззащитно, поэтому его всегда берут на прицел разнообразные блюстители нравов, традиций и прочей чистоты. Они не понимают, что уже это является ярким доказательством того, что послание достигло адресата.

Придумала и нарисовала отличные шпаргалки, которые помогут разбираться в направлениях искусства и взрослым, и детям. Они невероятно полезные и интересные.

Впрочем, Наташа сама расскажет о них. И, конечно, покажет. Кстати, каждую шпаргалку вы можете скачать и распечатать.

Как родилась идея

Идея шпаргалок по истории искусства появилась не случайно - я постоянно ищу эффективные методы обучения истории искусства. При этом сталкиваюсь с типичными проблемами в изучении и преподавании предмета:

Во-первых, лекции в виде сплошных записей на несколько листов очень быстро забываются.

Во-вторых, у большинства людей нет времени на глубокое погружение в материал, а тем более на проверку достоверности фактов и критическую оценку источников.

Шпаргалка по примитивизму. Автор - Наташа Кайя.

В-третьих, искусство - это об идеях. Оно как зеркало исканий каждой эпохи: в произведении отражаются представления о мире и его устройстве, об истине, о красоте и морали, о месте человека в жизни. Но большинство лекций почему-то построены на биографиях конкретных художников, перечислении произведений и дат их создания. На деле же, не так важны названия картин, даты и унылые факты из биографии вроде « родился-учился-женился » . Ведь все это забывается моментально.

В-четвертых, при преподавании истории искусства в формате « родился-учился-женился » не формируется понимания художественных процессов и их истоков.

Шпаргалка по кубофутуризму. Автор - Наташа Кайя.

Мне очень хотелось найти способ донести информацию в сжатом виде (= экономия времени), но при этом осветить явление с разных ракурсов, дать представление о конкретных художественных задачах и способах их решения (= понимание художественных процессов). И добавить несколько интересных фактов, которые могли бы завладеть воображением и остаться в памяти. Так и родилась идея шпаргалок по искусству.

Почему шпаргалки помогут вам быстро разобраться в искусстве

- Все емко и по делу. Формат листа позволяет вместить только действительно важную информацию.

Шпаргалка по аналитическому искусству. Автор - Наташа Кайя.

- Иерархия главного и второстепенного. Что-то непременно забудется: дата, факт из биографии или название третьего по счету манифеста именно этого великого художника. Зато в памяти останется главное - понимание сути художественного явления (будь то конкретный мастер, направление или стиль).

- Формат шпаргалки позволяет визуально разделить всю информацию на разные блоки. Так проще запоминать, поскольку одновременно работают разные виды памяти.

Шпаргалка по абстракционизму. Автор - Наташа Кайя.

Почему эффективны шпаргалки, написанные искусствоведом

- Они помогают сформировать у читателя грамотное представление об искусстве определенной эпохи, так как только человек, который разбирается в теме искусства, может выбрать самое значимое и правильно расставить акценты.

- Порядочный искусствовед прочитал научную литературу об эпохе/направлении/мастере, проверил факты, изучил дневники и документы - профессиональный взгляд позволяет выделить действительно ключевые особенности.

Шпаргалка по реализму. Автор — Наташа Кайя.

Шпаргалки по шести направлениям русского искусства

В книге «Играем в искусство» речь идет о русском искусстве рубежа XIX-XX веков и о шести основных направлениях того времени: реализме, модерне, кубофутуризме, примитивизме, аналитическим искусстве и абстракционизме. Поскольку книга для детей вызвала большой интерес и у взрослых, в дополнение к книге я сделала шесть шпаргалок по каждому из направлений.

Бытует мнение, что «реализм» - это когда изображаемое похоже на окружающий мир. Но всегда ли реализм действительно «реализм» ?

Модерн

Какие художественные ценности разделяли мастера эпохи модерна? И как научиться быстро определять, что произведение относится к стилистике модерна? Обо всем этом подробно рассказано в шпаргалке.

Кликните по картинке - она откроется в полном размере.

- направление в русском искусстве начала ХХ века, появившееся в результате синтеза французского кубизма и итальянского футуризма. В шпаргалке подробно разбираемся, какие черты кубофутуризма откуда пришли, в чем его уникальность и каковы особенности « продвижения » нового направления на арт-сцене.

Кликните по картинке - она откроется в полном размере.

Примитивизм

Многих волнует вопрос, почему картины примитивистов признаются шедеврами искусства. Или, например, по каким причинам возник примитивизм? Почему примитивисты сознательно « забывают » ремесло и отворачиваются от реализма в пользу эмоций и чистых идей? И самое главное - на что обращать внимание, чтобы по достоинству оценить своеобразную красоту полотен примитивистов? В шпаргалке есть множество ответов на самые разные вопросы об этом направлении.

Кликните по картинке - она откроется в полном размере.

Одним из первых направлений в искусстве ХХ века, имевшим глубоко проработанную теоретическую базу, было аналитическое искусство. В шпаргалке разбираемся во взглядах на искусство основателя направления - Павла Филонова. А также наблюдаем, как художник благодаря своей технике переводит идеи в художественные образы.

Кликните по картинке - она откроется в полном размере.

Первые абстракционисты поставили один из самых важных вопросов в современном искусстве: « Достаточно ли одной точки для произведения искусства? » . В шпаргалке рассказывается о причинах рождения абстрактной живописи, основных идеях ключевых мастеров и о том, что на самом деле показывает абстракция.

Кликните по картинке - она откроется в полном размере.

Ну что, любопытно? У нас еще один сюрприз напоследок.

Мастер-класс по направлениям искусства для детей

Наташа Кайя придумала необычное творческое задание, которое поможет ребенку быстро разобраться в направлениях в искусстве (реализм, модерн, кубофутуризм, примитивизм, аналитическое искусство и абстракционизм) и легко отличать одно от другого.

Вам понадобятся:

шесть фруктов одного вида или муляжи фруктов (продаются в магазинах для дома и сада или в магазинах для творчества)

гуашь или акрил разных цветов

большая и маленькая кисточки.

Идея: каждый фрукт будет символизировать одно из направлений искусства.

Каждый из раскрашенных перцев представляет одно направление искусства

РЕАЛИЗМ. Один фрукт оставляем неокрашенным - он будет «представителем» реализма.

Остальные фрукты покрываем белой краской.

Задания для детей по направлениям:

МОДЕРН. Раскрашиваем фрукт красивыми орнаментами.

КУБОФУТУРИЗМ. Обозначаем линией все грани фрукта. Грани можно покрасить в разные цвета

ПРИМИТИВИЗМ. Нужно старательно рисовать плохо. Например, выбирать только неправильные цвета, которыми фрукт не бывает окрашен в природе.

АНАЛИТИЧЕСКОЕ ИСКУССТВО. Рисуем частички или атомы, из которых природа «собрала» фрукт.

АБСТРАКЦИОНИЗМ. Раскрашиваем фрукт одним цветом, ведь форма превыше всего.

Теперь перед вами 6 фруктов, которые наглядно демонстрируют особенности каждого направления искусства.

Обложка поста - шпаргалка по модерну.

Последние несколько лет изобразительное искусство стоит в одном ряду с экзистенциализмом, постмодернизмом, фотографией, поэзий и прочими вещами, которые из среднестатистического человека делают интеллектуала. Не разбираться в искусстве стало просто-таки неприличным. Если в сфера арта вам ориентироваться пока тяжеловато, мы не дадим вам сесть в лужу или унизиться перед какой-нибудь начитанной студенткой НГАХА или искусствоведом. TNR учиняет свой экспресс-ликбез, который позволит вам разбираться в искусстве не хуже Розалинды Краусс.

Допустим, вы согласились пойти на свидание в краеведческий музей или в Новосибирский художественный музей. Опрометчивый поступок, но с кем не бывает. Множество тяжелых картин, белки глаз бегают в приглушенном свете, умеющие говорить обсуждают жирные мазки, а вы невольно подслушиваете и чувствуете себя непросвещенной биомассой.

Во-первых, не стоит обращать ни на кого внимания и чувствовать себя изгоем или плебеем, ведь вы в правильном направлении! Чтобы разбираться в искусстве, недостаточно прочесть тонну книг, необходимо сначала научиться смотреть, а затем — видеть. Конечно, умение смотреть без определенных знаний не поможет вам поддержать беседу друга о кубизме Пикассо, но это станет хорошим началом и фундаментом для дальнейших знаний.

Искусство - самая привередливая женщина. Она никогда не посмотрит на вас, не будь у вас хотя бы примерных знаний философии, анатомии, физики и геометрии. Но на уровне Новосибирска не обязательно знать абсолютно все, чтобы обнаружить себя в постели с искусством в первый же вечер. Наш город редко может порадовать любителей минимализма, ориентализма, полиреализма и других не типичных для России видов изобразительного искусства с глубоким смыслом.

В Новосибирске обычно проводят выставки сюрреализма, натурализма, классицизма, иконописи, реализма и эстетики совриска. А это значительно облегчает вам задачу и экономит время.

Прежде всего, вам необходимо понять, что интернет - первый враг искусству, оценивать произведения через монитор, все равно, что смотреть порнографию, вместо того, чтобы заниматься сексом. Ваш желательный максимум в данном случае - скачивание книг людей, которые потратили на изучение арта чуть больше пяти минут, которые прочие диванные искусствоведы потратили за чтением «Ответов Mail.ru».

Например, вы можете скачать книгу Сэма Филлипса, Екатерины Андреевой, Дворжака Макса и других искусствоведов, разбирающихся в феномене интересующих вас художников. Но, вероятно, вы ничего не будете скачивать и не захотите тратить личное и интимное время на изучение книг, поэтому мы постараемся легко и доступно объяснить вам самые популярные виды изобразительного искусства, которые вы можете встретить в музеях, лофтах и галереях Новосибирска.

Сюрреализм — деформированная реальность

Картины сюрреалистов похожи на имитацию фантазий, паранойю, фантастические сны, попытку соединить несоединимое и изобразить невозможное — застывшую реальность. Рецепта удачной картины не существует, идеальный сюрреализм - это наша жизнь между мечтой и действительностью, скачущий на метле голый Дали и Джигурда во время поста. Сюрреализм легко распознать среди современного искусства: к нему относится все, что иррационально и не соответствует общепринятым стандартам, например, летящие слоны, коллажи, фантастические существа, места и явления. В общем, все, что имеет фантасмагоричный сюжет с экспрессивным выражением - сюрреализм.

Наверное, нам стоит повторить, что в Новосибирске крайне редко проходят выставки футуристов, неоавангардистов и магических реалистов, поэтому вам тяжело будет перепутать сюрреализм с прочими последствиями фрейдизма и наркотиков. Новосибирск искренне любит Дали и Магритта: если вы пойдете на сюрреалистическую выставку, то скорее всего на ней будут представлены картины именно этих художников.

Сюрреалисты: Джорджо де Кирико, Сальвадор Дали, Хуан Миро, Макс Эрнст, Иероним Босх, Рене Магритт, Фрида Кало, Тито Саломони, Роберт Веноза, Андрей Дугин.

Натурализм — запах навоза и скошенной травы

Если сюрреалистов считают создателями мифической природы, то натуралистов причисляют к выдающейся когорте художников, калькулирующих природу в ее настоящем, монументальном облике. Задача натурализма нарисовать фотографию, зафиксировать объективную реальность, чтобы от рыбака веяло застарелым потом, а солнце нагревало воздух внутри музея.

Натуралисты: Жюль Бастьен-Лепаж, Найт («Окликая паромщика»), Лермит («Выдача жалованья жнецам»).

Импрессионизм — секундный коуб

Картины импрессионистов выглядят как секундный коуб: как художник выдергивает на холст свои впечатления, чувства, подвижную картинку без каких-либо контуров и временных ограничений. Вот здесь вам пригодится умение видеть. Сейчас в Новосибирске проходит выставка постимпрессиониста Ван Гога на Вокзальной магистрали, 16.

Знания об импрессионизме рождаются на глазах и только в галерее: Ван Гог должен вас окружить, тогда у вас даже может случиться так называемый синдром Стендаля - это особое официально утвержденное медициной психической расстройство, которое вызывает чересчур проникновенный контакт с искусством. Это как оргазм, только хуже: смотришь на картину или слушаешь какую-нибудь мощную оперу, и у тебя учащается сердцебиение, кружится голова, может начаться натуральная истерика со слезами и обмороками.

Импрессионисты: Эдуард Мане, Клод Моне, Огюст Ренуар, Эдгар Дега, Альфред Сислей, Камиль Писсарро, Фредерик Базиль и Берта Моризо

Классицизм — пояс верности

Любимый вид искусства Новосибирского государственного художественного музея. Классицизм вы ни с чем не перепутаете, для него характерны строгость, логичность и выдержанность.

Классицисты : Никола Пуссен, Агостино Карраччи, Микеланджело Буонарроти, Рафаэль Санти.

Экспрессионизм — эмоциональная отдача

Экспрессионисты изображают свое эмоциональное состояние. Чтобы понять этот вид искусства, лучше всего самому стать экспрессионистом, плеснуть виски в стакан и нарисовать свою реакцию на санкции или государственный долг Новосибирска. Если вы нарисуете кричащего человека на Бугринском мосте, то вы испытали те же ощущения, что и во время заката.

Экспрессионизм - это прежде всего эмоциональная реакция, запечатленная маслом. В этих словах заключается счастье, потому что вы тоже так можете, только никогда не продадите свою мазню за баснословные деньги. И даже за 100 рублей.

Экспрессионисты: Эдвард Мунк, Джеймс Энсор, Эмиль Нольде, Макс Пехштейн, Эрнст Людвиг Кирхнер, Эрих Хеккель.

Кубизм — геометрия маслом

Картины кубизма похожи на прозрачный алмаз, который находится в четырехмерном измерении и обнажает все свои грани. Кубисты дробят объекты на геометрические формы, а для оптического насыщения наслаивают стороны друг на друга, нарушают законы Евклида, придавая картинам собственное пространство.

Кубисты: Пабло Пикассо, Хуан Грис, Фернан Леже, Марсель Дюшан

Теперь, когда вы имеете максимально краткое представление о самых популярных видах изобразительного искусства в Новосибирске, мы вам расскажем самое главное, что вы должны знать об искусстве. Все эти виды — лишь жалкие ярлыки, которые помогают сориентироваться дилетантам, на самом деле, искусство отвергает любые привязки и нумерацию. Оно стирает временные и творческие рамки, становясь внутренним диалогом между зрителем и художником. Поэтому задавайте как можно больше вопросов картинам, а не «гуглу», и не бойтесь, что они покажутся неуместными или банальными. Когда картины начнут вам отвечать, вы искренне полюбите искусство, научитесь его читать и не пропустите не одной выставки в Новосибирске.

Коллеги, большая удача: недавно купил на уличном букинистическом развале книгу Бэллу Ароновны Эренгросс "По законам красоты", 1961 года издания. Книга написана для подростков, но, уверяю вас - книга далеко не детская. Эта книга из разряда тех книг, которые дают правильную "точку входа" в новую предметную область. Написана предельно просто и понятно. Я позволил себе незначительные сокращения по тексту. Давайте учиться понимать живопись, графику, скульптуру. Книга будет опубликована на нашем сайте частями.

Про автора

Бэлла Ароновна Эренгросс - ректор, профессор Российского университета культуры молодежи "Культура на пороге третьего тысячелетия", лауреат Государственной премии СССР, автор многочисленных книг по искусству для юношества.

От автора

Искусство научит тебя видеть и понимать природу, людей, увлекательно расскажет о жизни. Послушай, как говорит об этой способности искусства испанский писатель Сервантес, автор знаменитого романа "Дон-Кихот": "Ни корабль, ни коляска, ни верховой конь, ни твои собственные ноги не позволят тебе так далеко и так глубоко проникнуть в чужие страны, как это делает хорошая книга". В "чужие страны" ведет тебя не только книга, но и картина, и кинофильм, и спектакль, и музыка.

Мы говорим "искусство", но ты хорошо знаешь, что искусством называется художественная литература и кино, и театр, и живопись, н скульптура, и графика, и музыка, и т. д. У каждого из них есть свои особенности, свои отличительные черты. Чтобы лучше понимать каждое искусство, чтобы лучше его чувствовать и больше получить удовольствия от его восприятия, надо научиться понимать его особенности, его язык.

В этой книге речь идет только об искусстве изобразительном -о живописи, о графике, о скульптуре. А видел ли ты произведения изобразительного искусства-картины, рисунки, скульптуры?

"Видел", - скажешь ты, не задумываясь над тем, КАК ты видел.

Ты пришел в картинную галерею. Медленно прошел по залам, задержался у некоторых полотен и скульптур. Подумал про себя: "Ну да, вот эта - известная, где Иван Грозный убивает сына... Интересно..." И пошел дальше. Так за час ты обошел много залов, и, хотя мало что привлекло твое внимание, ты потом будешь говорить: "Был в картинной галерее Видел картины".

А когда тебе встречаются неизвестные произведения или авторы, тогда дело еще проще. Здесь еще нет признанных человечеством картин, проверенных временем и знатоками. И, посмотрев такую выставку, ты скажешь: "Да, был, видел. Но ничего особенного. Так себе".

Нет,. ты не видел! Ты только смотрел на картины, скульптуры, рисунки. Смотрел, но еще не видел.

А знаешь ли ты, что за каждым полотном, за каждой работой художника стоит огромный труд, напряженные искания, радость находок и горечь неудач? Знаешь ли ты, что художник и поэт Тарас Шевченко, отданный в солдаты и сосланный в степи, чуть не сошел с ума от радости, когда друзья прислали ему краски, которыми он вновь мог работать? А художник Павел Андреевич Федотов? Он работал до изнеможения, на ночь прикладывал компрессы к глазам, чтобы они отдохнули, но считал себя счастливым, оттого что мог видеть и писать картины. Целый год Федотов затратил только на то, чтобы написать комод из красного дерева, а над маленькой картиной "Вдовушка", где всего одна женская фигура, работал два года. Два года! Ты окончил за это время два класса, съездил летом в лагерь, сделал много разных дел. А он? А он два года все время с утра и до ночи писал, наблюдал, переделывал и снова писал.

Да разве только Федотов! А Рембрандт? А Микеланджело? Любой из людей, отдавших жизнь искусству, мог бы вместе с талантливым, рано умершим пейзажистом Ф. А. Васильевым сказать: "Каждую картину я пишу не красками, а потом и кровью".

А знаешь ли ты, что И. Н. Крамской и И. К. Айвазовский умерли с кистью в руках, а В. И. Суриков мечтал о такой смерти? Да что там! Каждый настоящий художник живет своим творчеством, отдает своему произведению все мысли, все сердце, все свое время. Так неужели же подвижнический труд художника заслуживает того, чтобы ты посмотрел его работы, его картины, в которые он вложил свою живую душу, и при этом равнодушно сказал: "Очень мило. Как хорошо написано платье! Прямо настоящее, даже потрогать хочется". Или еще что-нибудь такое.

Нет! Искусство, в которое художник вкладывает все самое лучшее из того, что ему дала природа, - такое искусство нельзя смотреть равнодушными глазами. Его надо уметь видеть, чувствовать, понимать. А этому надо учиться. Пойдем по залам выставок и картинных галерей. Внимательно будем смотреть картины, рисунки, скульптуры. Постараемся узнать, что хотел передать нам автор, почему делал так, а не иначе. Пойдем вместе по улицам города; там тоже немало произведений изобразительного искусства. Но не будем спешить.

Итак, начнем!

Какого цвета туман?

И вот мы в зале, где размещены произведения живописи, графики и скульптуры.На стенах висят написанные красками на холсте картины, нарисованные карандашом рисунки, а в углах и в центре зала расставлены объемные произведения, сделанные из твердых материалов и изображающие людей, а иногда и животных. Это - скульптуры. Картины, рисунки, скульптуры - разные виды изобразительного искусства.

И все же у всех этих разных видов искусства есть очень много общего: они изображают различные предметы, события, явления жизни, воспринимаются зрением. А видим мы очень много. На улице - дома и другие строения, автобусы, троллейбусы, трамваи; выезжая за город - лес и речку, шоссейные дороги и цветущие или усыпанные плодами деревья; в комнате - столы, стулья, книги, шкафы и разные вещи. И везде на улице, за городом и дома - мы видим людей. Они работают, отдыхают, разговаривают или просто куда-то спешат.
Вот весь этот мир, окружающий нас, можно изобразить на плоскости и в пространстве. Искусства, передающие на плоскости и в пространстве видимые явления жизни, называются изобразительными .

Но ведь различные события и явления жизни мы видим в кино и в театре, узнаем о них из литературы. Чем же они отличаются от тех, которые нам показывает изобразительное искусство?

В литературе, в кино и в театре все события происходят в действии и развиваются во времени. Например, в кино изображение все время меняется. Можно увидеть всю жизнь человека с момента его рождения и до смерти. Но, если вдруг испортится аппарат и изображение перестанет двигаться, тебе скоро надоест смотреть на экран. Человек как бы перестает быть живым, он застывает в неподвижной, а иногда и нелепой позе, а если это природа, то все время смотреть на облака и цветы станет просто скучно.

А на картине может быть изображено какое-нибудь явление природы или даже просто положенные на стол фрукты или ваза с цветами. И. хотя ничего, кроме фруктов или букета цветов, на холсте нет. люди смотрят на картину с удовольствием и находят в этом изображении что-то интересное для себя.

В отличие от других видов искусства, где развитие происходит по времени, изобразительное искусство может показать только одно мгновение из жизни человека или в состоянии природы. В этом его главная особенность, но в этом и его сложность.

Но каким образом в одном запечатленном на картине моменте можно изобразить вечно движущуюся и меняющуюся жизнь, природу и людей так, чтобы этот момент рассказал о многом?
Ведь интереснее узнать все о человеке или хотя бы какие-то наиболее важные эпизоды из его жизни. А здесь нет никаких эпизодов и никакой истории жизни. Просто изображено одно какое-то мгновение.Но если в остановившемся кинокадре человек кажется неживым, если незаконченность его движений вызывает смех, то здесь...

Посмотри на изображение человека, природы, на сцену из жизни, и ты увидишь, что движение человека естественное, природа не застывшая, не мертвая и вместе с тем и человек И природа похожи и в то же время не похожи на настоящие. Когда художник изображает человека, он стремится найти такое состояние, которое наиболее характерно для данного человека, когда все его творческие силы наиболее полно раскрываются. Тогда мы, увидев отображенный в произведении изобразительного искусства только один такой момент жизни, сможем по нему узнать, что это за человек и чем он занимается. Сила и особенность изобразительного искусства в том, что оно сразу доводит до ума и сердца своих зрителей то, что в книге будет рассказано на многих страницах, в кино- в тысячах кадров киноленты.

Вот перед нами небольшая по размеру картина. Основное событие, которое здесь изображено, понятно сразу.

Светлая, залитая солнцем комната. В нее только что вошел человек. Он странно одет. Усталые, глубоко запавшие глаза смотрят вопрошающе. В повороте головы, во всем его облике есть какая-то неуверенность. Он остановился в нерешительности. Его никто не ждал, и приход его - неожиданность. Это видно по тому, как отнеслись к его появлению все люди, находящиеся в комнате. Привстала с кресла пожилая женщина в черном. Полна недоумения и испуга горничная, впустившая пришельца. С любопытством выглядывает из передней старуха. Растеряна и обрадована женщина, сидящая у рояля. Исподлобья, серьезно и строго смотрит на него девочка. Совершенно очевидно, что она его не знает или не помнит. А мальчик! Посмотри, с каким восторгом он глядит на вошедшего. Он узнал его. рад. Еще мгновение-и с криком восторга он бросится к нему.

Художник так все изобразил, что не нужны объяснения: совершенно ясно, что неожиданно в свою семью вернулся после долгого отсутствия ее глава. Картина так и называется: "Не ждали", и написана она Ильей Ефимовичем Репиным. И, хотя мы всё поняли с первого взгляда, давай все же посмотрим повнимательней.

Вошедший в комнату мужчина вернулся из ссылки. Об этом говорит не только его одежда, но измученное лицо и глубоко запавшие глаза Верно, очень он изменился, если даже родные не сразу узнали его. Женщина, сидящая у рояля, жена ссыльного, кажется слабой, болезненной. Ее взгляд выражает радость и некоторую растерянность. Фигуру матери художник поместил спиной к зрителю. Стоит только увидеть эту сутулую спину, как сразу становится ясно, что не только старость, но и юре и трудности согнули ее.

Так, постепенно рассматривая каждое действующее лицо, можно узнать и заметить еще очень многое. От этого содержание картины становится глубже, полнее. Душевное состояние каждого, переданное через выражение лица, позу, движения, жесты, ощущается тоньше. Все так правдиво, жизненно, убедительно, что кажется, будто изображенное совершается на наших глазах И мы - невольные, незримые свидетели происшедшего.

Написать картину с такой предельной простотой и убедительностью очень и очень нелегко. Художник должен выбрать такой момент, в котором характер каждого из действующих лиц проявился бы особенно полно. Представь себе, что он выбрал не этот момент, а другой.Все уже узнали пришельца. Сын подбежал проворнее других и повис на шее отца. Мать подошла с одной стороны, жена - с другой. Вот девочка, наверное, по-прежнему дичится и недоумевает да горничная продолжает стоять у двери. А может, ее уже нет: поняла, что пришел свой человек, и ушла, чтобы не мешать. Будь все так, поняли бы мы, что произошло? Почему радуется мальчик, почему исподлобья смотрит девочка, а мать и жена торопятся к вошедшему?

Или художник изобразил бы еще более поздний момент: пришелец умылся, переоделся и в кругу семьи рассказывает о чем-то пережитом. Опять все было бы далеко не так ясно, как сейчас. Мы подумали бы, что все дело именно в интересном рассказе, который все так внимательно слушают. Разве можно узнать в таком сюжете сложную драму, переживаемую семьей? Конечно, нет. Вот почему выбор момента, который будет изображен в картине, так необыкновенно важен. Иногда даже говорят: "Найден момент - есть картина, не найден - нет". Ты думаешь, найти этот момент просто? Нет. Очень нелегко.

Вот Репин, например, сколько бился над этим. Да и не только он. Каждый художник. В том и состоит мастерство художника, что он умеет выбрать такой момент, такое событие, которое дает возможность лучше увидеть характеры людей, их сущность. Более того: художник так изображает это событие, что зритель легко может себе представить, что было до изображенного момента, что произойдет потом. И то. что мы так легко и просто поняли и восприняли, стегило художнику огромнейшего напряжения и труда.Как хорошо надо было знать людей, которых он пишет, обстановку, в которой они живут, чтобы все это воспроизвести на полотне! А сколько надо было потратить времени и труда, чтобы найти подходящих людей, изображая которых лучше всего можно было раскрыть основную идею произведения!

Но ведь идею произведения раскрывает не только человек, но и любая деталь в картине. У художника Павла Андреевича Федотова есть небольшая по размеру картина "Сватовство майора". Ты, конечно, знаешь ее.

Один из друзей Федотова рассказывает, как художник собирал материал для этой картины: "При отделке "Сватовства" Федотову, прежде всего, понадобился образец комнаты, приличной сюжету картины. Под разными предлогами он ходил во многие купеческие дома, придумывал, высматривал и оставался недовольным. Там хороши были только стены, но вещи с ними не ладили; там годилась обстановка, но комнаты были слишком светлы и велики... Один раз, проходя около какого-то русского трактира, художник приметил сквозь окна главной комнаты люстру с закопченными стеклышками. Тотчас зашел он в таверну и с неописанным удовольствием нашел то, что искал так долго. Стены, вымазанные темно-бурой краской, картины самой наивной отделки, потолок, изукрашенный расписными "пукетамн". пожелтевшие двери - все это совершенно согласовалось с идеалом, столько дней носившимся в воображении Федотова".
Сам Федотов рассказывает о работе над своей картиной следующее: "Когда мне понадобился тип купца для моего "майора", я часто ходил по Гостиному и Апраксину двору, присматриваясь к лицам купцов. прислушиваясь к их говору и изучая их ухватки; гулял по Невскому проспекту с той же целью, но долго не мог найти того, что мне хотелось.
Наконец однажды у Аничкова моста я встретил осуществление моего идеала, и ни один счастливец, которому было назначено на Невском самое приятное рандеву, не мог более обрадоваться своей красавице, как я обрадовался моей рыжей бороде и толстому брюху.
Я проводил мою находку до дома, потом нашел случай с ним познакомиться, волочился за ним целым год, изучал его характер, получил позволение списать с моего почтенного тятеньки портрет (хотя он считал это грехом и дурным предзнаменованием) и тогда только внес его в свою картину.
Целый год я изучал одно лицо, а что мне стоили другие!"

Так работает художник над картиной. Так выбирает, изучает каждый ее персонаж. А ведь в жизни художник напишет не одну, а много картин. И темы их будут различны, и люди и все будет разное. А чтобы картины были правдивы, убедительны, чтобы зритель усваивал и уяснял главное, как много надо знать, понимать, изучать! Из всех жизненных обстоятельств художник выбирает наиболее характерные. Ведь, показывая не случайные, а типические характеры и помещая их не в случайные, а в типические обстоятельства, художник в своих произведениях раскрывает правду жизни.В жизни художник увидел сюжеты, нашел прообразы для своих героев, жизнь дала ему содержание для его картин. Он смотрит в "оба глаза", но этого мало. Он все время не только в памяти, но и на бумаге старается зафиксировать увиденное.

Как-нибудь поинтересуйся, возьми альбомы художников Федотова. Сурикова. Репина, Серова. Сколько в них похожих и не похожих, одинаковых и разных набросков, рисунков!
У Федотова, например, есть лист "Как люди садятся", где изображены самые разнообразные движения, которые делает человек, когда садится на стул.Такие альбомы - записные книжки - есть у каждого художника. Если писатель словами записывает свои наблюдения, наиболее запомнившиеся ему выражения, характерные слова, то художник делает все это, воспроизводя фигуры, позы, жесты, движения. А может быть, тебе приходилось когда-нибудь видеть художника на собрании или на вечере среди других людей? Если нет. присмотрись, и ты всегда его узнаешь. Вот он слушает доклад, но вдруг его рука потянулась за бумагой, быстро забегал по ней карандаш. Смотришь - он сделал на-бросок с докладчика или с кого-либо из своих соседей. У одного он заметил интересную манеру подчеркивать жестом особенно важные места своей речи, у другого-то. как он тянется к стакану с водой. Жесты, повороты, движения, особенности мимики - все это изображает художник. Зачем? Может, ничто из этих наблюдений потом точно в таком виде не войдет в будущую работу, но постоянные зарисовки развивают наблюдательность и сами являются следствием наблюдательности. И потом, все это-материал, необходимый художнику для дальнейшей работы. Если он сотни раз сделает наброски оратора, то они пригодятся ему, когда он будет создавать произведение на эту тему. Из многочисленных наблюдений у него сложится одно целое, которое и даст ему возможность правдиво и убедительно изобразить человека, выступающего на трибуне. Конечно, потом художник еще не один раз проверит свои впечатления, но жизненные наблюдения для него необходимы.
Но бывает и так, что ни один из сделанных набросков не войдет непосредственно в его работы. Все равно - труд художника не проходит для него бесследно. Он сможет более свободно передавать все виденное и много раз воспроизведенное. И, кроме того, сами наблюдения подсказывают художнику и тему и сюжет.

Художник живет в определенном обществе. У него есть свои взгляды на жизнь, на людей, на человеческие отношения, свои взгляды на хорошее и дурное, красивое и некрасивое, свой вкус, так же как и у других людей. Это и есть взгляд на мир - мировоззрение.Мимо чего-то художник проходит, не замечая, а что-то его привлекает, интересует, волнует и захватывает его воображение.Но создание произведения у художника идет совсем не так просто, как может показаться на первый взгляд. Подумал и решил: "Напишу-ка я об этом". Нет, когда рождается замысел, у художника возникает не только то событие (сюжет), которое он хочет передать, но и те средства, которыми он думает выразить свою идею: основное расположение фигур и основные цветовые соотношения. Казалось бы, теперь все - иди в мастерскую, садись и пиши! Но до этого еще очень далеко.На основе сделанных наблюдений художник составляет первый, предварительный набросок своей будущей работы - эскиз . Потом уже собирает материал и ведет наблюдения непосредственно для этой работы, ищет людей и обстановку, которые ему нужны для картины. Например, если события происходят в помещении, то соответствующее помещение, если на улице, то надо найти и прямо с натуры написать это место. Да не просто его скопировать, а дать его изображение в определенное время года, в определенное время дня и при определенном освещении. От этого зависит, как будет выглядеть все изображенное и какие чувства и мысли вызовет у будущих зрителей. Для этого художник пишет, рисует и лепит, непосредственно глядя на природу и человека, то есть с натуры.

Небольшие подготовительные работы, написанные непосредственно с натуры, называются этюдами .В каждом этюде художник решает какую-то одну определенную и необходимую для данной работы задачу: находит определенное движение-человека, необходимое для картины расположение фигур или предметов, определенное состояние природы.И только тогда, когда ясно сложилось в воображении художника его будущее произведение, когда собран весь необходимый подготовительный материал, он приступает к непосредственной работе над ним. И то еще не сразу. Ведь, прежде чем приступить к работе, каждый человек должен все еще раз обдумать и проверить.

Вот рабочий получил материал, из которого он должен сделать деталь, станок и инструмент. Но он не сразу начнет деталь обрабатывать. По смотрит, что и где надо убрать, что оставить, какими инструментами сделать одну работу, какими другую. И инструмент расположит так. чтобы более нужный был у него под рукой, а менее необходимый лежал подальше.
Так же поступает и архитектор. До того, как приступить к строительству, он вначале делает проект дома, в котором намечает общий вид, расположение комнат, этажей, лестниц.
Писатель составляет план своего будущего произведения. Художник тоже, прежде чем перейти к окончательной работе, состав ляет план произведения, но пишет его не словами, а полностью изображает на холсте или бумаге. Для этого вначале он намечает общий план: что должно быть в центре и изображено крупно, что с одной стороны, что с другой, что должно прежде всего обратить внимание и куда взгляд должен идти потом.Располагаются все элементы произведения не случайно, а в соответствии с основной мыслью, которую художник хочет выразить в своем произведении.

Общее построение произведения и сочетание в нем всех элементов, позволяющее с наибольшей полнотой выразить идейный замысел, называется композицией (от латинского слова composition - составление).

Стремление к наибольшей выразительности рождает иногда и новые варианты картины. Так, работая над картиной "Не ждали", И. Е. Репин перебрал несколько вариантов. Вначале она была задумана как внезапное возвращение курсистки (студентки).

Курсистками в то время были наиболее прогрессивно и даже революционно настроенные девушки. Часто против воли родителей они уезжали из дому, чтобы получить образование. Поэтому приезд курсистки в родной дом мог быть событием, дававшим материал для произведения. Репин даже написал такой вариант картины. Но потом, работая над картиной, художник изменил ее, углубив содержание. И уже не курсистка приезжает домой, а революционер возвращается из ссылки. В картине появились новые детали - нарядная горничная, впустившая ссыльного, которая всем своим видом еще больше подчеркивает, как необычен приход такого человека в этот дом. В окончательном варианте характер каждого персонажа, отношение к ссыльному суали предельно ясными, и картина приобрела совсем иной смысл.

А сколько художник работает над каждым образом, сколько раз переделывает, меняет! У Репина долго не получался революционер. Художник не мог найти его позу, вернее движение, был недоволен собой, мучился, переделывал и даже поговаривал о том, чтобы бросить работу над картиной. Репин стремился к тому, чтобы революционер в его картине был героем и вместе с тем простым, обычным человеком. Он хотел в его позе показать и некоторую нерешительность - как-то примут?- и тут же мелькнувшую радость от того, что семья приняла его.
Ты подумай только, ведь такие сложные чувства - радость возвращения и нерешительность из-за того, как его прим* т. мгновенно появившееся смутное чувство - поняли, приняли, рады, н > еще некоторая настороженность: такие сложные чувства и словами описать трудно, а изобразить еще сложнее. Вот и бился над этим Репин целых четыре года.
И даже после того, как картина была закончена и показана зрителям, он неоднократно возвращался к образу революционера и дописывал его. Вот как художники работают почти над каждым образом картины.

А иногда бывает так. Художник долго работает над какой-либо фигурой, а потом оказывается, что она лишняя, и... он убирает ее с холста, потому что ничего не говорящие фигуры или предметы могут отвлечь внимание зрителей от главного. Например, в картине "Не ждали" Репин убрал фигуру старика, входящего слева с балкона. А сколько труда было потрачено, чтобы ее написать!

Посмотрим еще одну картину. Это тоже очень известное произведение, написанное Василием Ивановичем Суриковым,-"Меншиков в Березове".

Кто такой Меншиков, ты помнишь из истории. Соратника и друга Петра I художник изобразил в ссылке, куда он попал после смерти Петра. В темной, холодной избе сидит Меншиков в окружении своих детей Младшая дочь читает. Но никто не слушает ее Каждый думает о своем. Меншиков, угрюмый, сосредоточенный, ушел ь воспоминания. Он вновь переживает прошлое. Внешне он спокоен, но он не примирился со своей судьбой. Властная, гордая осанка, сжатая в кулак рука выдают бушующую в нем силу. Он, как огромная тяжелая глыба, высится над остальными. У его ног примостилась старшая дочь. Худенькая, зябко кутающаяся в шубу, она остановившимся взглядом смотрит и... ничего не видит. Такой невидящий взгляд бывает у глубоко задумавшегося человека. Сын Меншикова тоже не замечает окружающего, не слышит голоса младшей сестры. Пальцы его машинально счищают воск с подсвечника. Из замерзшего окна скупо пробивается свет, низкий потолок, кажется, давит на них.

Если даже не знать, кто эти люди и что с ними произошло, нельзя оставаться спокойным, рассматривая картину. И опять, как в "Не ждали" Репина, чем больше смотришь, тем больше замечаешь, больше открываешь, начинаешь видеть то, на что вначале не обратил внимания. Тесно, почти касаясь друг друга, сидит семья Меншикова, но как одинок каждый из них! Как далеки они друг от друга. Каждый думает о своем. А как противоречит их одежда, ^икура медведя на полу и дорогая скатерть убогой, нетопленной избе!

Посмотри-ка на обеих сестер. Старшая, бледная, с распущенными, а может быть, и неприбранными волосами, закуталась в шубу. Младшая аккуратно причесана, одета нарядно. Заметишь это и поймешь: старшая уже ни во что не верит, ни на что не надеется, а ее сестра еще не утратила прежних привычек к роскоши. Чем больше ты будешь всматриваться в картину, тем больше ты увидишь в ней, и смысл происходящего станет еще глубже. Но сколько бы мы ни смотрели, взгляд наш все время возвращается к Меншикову, а отсюда переходит на прижавшуюся к нему хрупкую фигурку старшей дочери, от них - к сыну, младшей дочери и опять к нему, к Меншикову. И это не случайно. Художник сознательно так строит свое произведение, чтобы взгляд зрителя переходил от одной фигуры к другой, от одного предмета к другому. В умении написать произведение так, чтобы зритель сначала получал обшее впечатление от картины, а потом переходил к рассматриванию деталей, которые помогли бы ему глубже раскрыть содержание, состоит одна из основ композиционного мастерства.

Как это достигается?

Может быть, главное действующее лицо художник пишет крупнее или приближает его к зрителю? Если бы существовало такое простое правило, то все картины были бы очень похожи друг на друга. И их смотреть было бы совсем не интересно. Но все же есть какая-то причина, которая заставляет зрителя обращать внимание на главное в картине, а от него идти к частностям.
Конечно, художник располагает на картине фигуры так, чтобы одни были заметны сразу, а другие как бы отходили на второй план.Для того чтобы главное все время оставалось в поле зрения, существует одно правило: в картине не должно быть ничего лишнего, ничего случайного. Художник вводит в картину различные подробности не просто потому, что ему захотелось вписать их в картину, а для того, чтобы с их помощью еще больше раскрыть идею произведения. А иначе все эти детали отвлекали бы зрителя от главного. Но так в хороших произведениях не бывает. Настоящий художник не вводит в картину ничего случайного, а если он во время работы и ввел что-либо не очень существенное, то он это обязательно уберет.

Конечно, в каждом произведении есть не только главное, но и второстепенное. Ведь изображаемые на картине люди живут не на пустом месте, а в определенной обстановке и все, что происходит между ними, происходит дома, на улице, в поле, в лесу, на работе. И художник показывает такую обстановку, которая еще лучше помогает понять людей и их отношения.
Вспомним снова картину Репина "Не ждали". На стенах комнаты мы видим портреты Некрасова и Шевченко. Оба поэта были певцами и заступниками народа. Значит, в комнате, где висят их портреты, живут люди, любящие и уважающие простой народ. Представь себе, что вместо этих портретов висели бы просто изображения каких-то незнакомых нам людей, тогда сразу же исчезла бы та определенность, которая помогла нам лучше уяснить смысл.

Посмотри на горничную. Она еще держится за ручку двери. Думаешь, случайно? Нет. Этот жест еще больше подчеркивает ее испуг и недоумение: она слегка приоткрыла дверь, но не распахнула ее и робко впустила в комнату незнакомого человека. А гимназист? Шейка у него худая, тонкая, одежда немного великовата, куплена на вырост. Разве не говорит это о скудости средств семьи? Ты убедился, что художник вводит в картину только такие детали, которые помогают уяснить смысл. И как бы ни была хороша сама по себе какая-то деталь, подробность, но, если она не способствует более глубокому осмыслению содержания, она лишь вредит произведению.Но художник не только оставляет в своей картине необходимые детали, но располагает в ней все так, чтобы главное было заметно, чтобы второстепенное не вылезало вперед, а помогало понять главное, чтобы детали не нарушали целостности восприятия. И даже не случаен размер картины, построена ли она по вертикали или вытянута вширь.

Каждая картина имеет не только определенный размер, строгую композицию, но и написана красками, окрашена.

Живопись потому и получила свое название, что означает живописание, то есть изображение на плоскости различных предметов при помощи цвета.
То, что изображение дается при помощи цвета, - существенная отличительная особенность живописи. Для восприятия живописного произведения цвет очень важен, но важен он не только в живописи.

Представь себе, что перед тобой на довольно большом расстоянии находится много людей. На кого ты прежде всего обратишь внимание? Конечно, на того, кто ярко одет, особенно если цвета чередуются друг с другом: черное - с белым, красное - с синим, и т. д.А представь, что все будут одеты одинаково, как физкультурники на параде, тогда ты будешь замечать не каждого человека отдельно, а колонну в целом. Вот эти же законы, только, конечно, в более сложном сочетании, применяет художник.

В картине Репина "Не ждали" сначала взгляд останавливается на матери, потому что она одета в черное и ее крупная фигура в черном особенно заметна на фоне светлых стен комнаты.
В картине Сурикова седеющая голова Меншикова выделяется на фоне мрачной избы и ее грязных стен. Вся картина Сурикова построена на острых цветовых контрастах. Светлые пятна окна, лиц, книги, шкуры белого медведя выделяются на фоне темных тонов стены и шубки старшей дочери.

Значит, художник строит композицию не только на последовательном развитии сюжета, но и на контрасте цветовых пятен. И все это вместе раскрывает содержание.
Представь себе, что художник расположил бы все фигуры на картине случайно, сделал бы их одинаковыми по размеру и одел бы в одинаково яркие одежды. Тогда взгляд зрителя беспокойно перебегал бы от одной фигуры к другой, не зная, на чем остановиться. Все привлекало бы в равной мере, и смысл произведения не стал бы для нас очевидным.
Для того чтобы выявить идею своего произведения, художник не Только фигуры и предметы, но и цветовые пятна в картине располагает очень продуманно, в соответствии с замыслом произведения.

Вот когда все это учтено, собрано, когда все разместилось, окончательно стало на свои места, тогда произведение становится удивительно цельным, и кажется, что все так и должно быть и не может быть по-другому. И теперь уже нельзя из произведения ничего убрать и ничего к нему прибавить, чтобы не изменить его смысл.
А мы, зрители, подойдем, посмотрим, постоим десять-пятнадцать минут, и до того нам все покажется хорошо и просто, что у нас даже и не возникнет мысль о том, сколько труда, раздумий, волнений и чувств вложил художник в свое детище. И самый верный признак того, что произведение совершенно, то, что мы не замечаем, как оно сделано. Смотрим, наслаждаемся, картина радует глаз, будит мысли, заставляет что-то чувствовать и о чем-то думать. Мы видим и замечаем содержание, почти не обращая внимания на исполнение. И, если это так, то цель художника достигнута.

А вот если бы что-нибудь в картине не получилось, мы бы вдруг стали обращать внимание на какие-то подробности или нам было бы непонятно, что изображено, о чем хотел сказать художник. Или просто люди бы смотрели, восхищались, но... совсем не тем, что должно восхищать.
Тебе, наверное, приходилось слышать, как зрители, стоя около картины, говорят: "Ах, какая прелесть! Посмотрите, как чудесно написана вот эта пуговка: просто потрогать хочется. А платье? Ну прямо настоящее". Или, вернувшись домой, советуют знакомым и соседям обязательно посмотреть картину, но хвалят произведение за исполнение в нем какой-то детали, какого-то пустячка.
А может, ты сам иногда так смотрел картины и так о них говорил?

Что ж, здесь две причины: или художник не сумел передать главное и детали заслонили от тебя сущность, или ты не умеешь смотреть картины. А скорее, и то и другое.
Вспомни "Меншикова в Березове". С каким непревзойденным мастерством написаны бархатная шубка, отороченная белым мехом, парчовая юбка, свет лампады в углу, заиндевевшее окно! Да любой кусок картины. будь то лицо человека или одежда, обстановка избы, - все написано с предельным совершенством.
Но ведь никому не придет в голову сказать: "Пойди в Третьяковскую галерею, посмотри, как написана парчовая юбка у дочери Меншикова!" Скажешь иначе: "Посмотри картину Сурикова. Что за сильная личность Меншиков - просто лев в клетке! Какую трагедию пережил человек!"
А разве мы не восхищаемся тем, как написана эта картина? Конечно, восхищаемся. Подходя к ней уже не в первый раз, иногда долго рассматриваем, как тонко все сделано, удивляемся тому, что вблизи краски кажутся смешанными совсем случайно, пестрыми непонятными мазками, но. стоит только отойти, эти же краски на этой же картине как будто становятся на свое место и уже не кажутся ни красками, ни мазками, а точно передают цвет разных предметов.

Чем же художник достигает такой выразительности, убедительности своих произведений?
Мы уже говорили о том, что в своем произведении он располагает людей и предметы так, чтобы детали были подчинены главному. Но также и отметили, что и в жизни и в картине нам бросается в глаза то, что выделяется по яркости, по цвету. И эту особенность художник тоже учитывает, компонуя картину.
И наблюдения, и поиски, и выбор героев будущего произведения, и подбор обстановки, в которой они будут действовать, и подчинение всего произведения идейному замыслу - все это присуще каждому виду искусства, в том числе и искусствам изобразительным.

Дальше мы будем говорить о скульптуре и графике, и ты увидишь, что основное отличие живописи от этих видов изобразительного искусства то, что художник создает картину цветом. Цветом он добивается того, что каждый предмет в картине похож на свой прообраз в действительности.
Художник берет самые обыкновенные краски из тюбика и. располагая их на холсте определенным образом, достигает того, что лицо и руки человека им^еют телесный цвет, дерево выглядит деревом, и каждая ткань будет выглядеть тяжелой или легкой, прозрачной или блестящей.

Но как это художник обычными масляными красками, то есть составленными на растительных маслах, какими каждый может писать, добивается такого необыкновенного результата? Есть множество самых тонких приемов, способов, законов, но мы расскажем только о самых основных.
Можно сказать, что художник так смешивает краски, что они приобретают ту особую окраску, которая присуща изображаемому предмету. Тогда краска из тюбика перестает быть просто синей или белой, а становится цвсюм белого снега или синего неба.

Вероятно, ты удивишься и подумаешь:
"А что же здесь такого? И зачем нужно смешивать краски? Белое есть белое, синее - синее, голубое - голубое".
Оказывается, это не так. Голубое небо - это одно, а голубое платье - совсем другое. Белый снег, белая меховая шапочка, белый халат врача, белые облака и многие другие явления природы и предметы белого иве та - все это разное.
И не потому, что снег пушистый, а халат гладкий, то есть не только из-за качества самого материала, но и по цвету.

Понаблюдай как-нибудь, как выглядят белые чашки на белой скатерти. Или белая шубка ребенка на снегу. И ты не сможешь не заметить, что cуществует много оттенков одного только белого цвета. Белая шубка на снегу может показаться несколько более темной, чем снег, а дома, среди других пальто, она кажется необыкновенно белой.
И так же снег: утром он одного цвета, днем будет другим, вечером - третьим. И не потому, что он за день загрязнится, а потому, что утром, днем и вечером будет разное освещение и от этого он будет казаться иным по цвету.
И так каждый предмет имеет свой цвет, но в разное время дня. при разном освещении, в зависимости от того, какого цвета предметы его окружают, цвет его будет казаться различным.
Поэтому, чтобы написать просто кусок белого полотна, недостаточно взять белую краску и раскрасить ею изображение ткани. Будет краска, а цвета не будет.
"Так что же нужно, - спросим вновь, - чтобы краска стала цветом на картине художника?"
Нужно, чтобы краска сочеталась с другими, которые есть в картине, ибо каждый окрашенный предмет придает другому какой-то свой оттенок.
Нужно, чтобы краски в картине сочетались так. чтобы все вместе создавали живописное целое.

Возьми любой кусок картины и отгороди его от остальных ее частей Что случилось?
Черное перестало быть черным, а стало как будто серым. А белое стало каким-то тусклым, грязным и совсем не похожим на то дивное белое платье, каким казалось, когда мы смотрели всю картину в целом.
Теперь открой остальные части картины, и все снова станет на свои места: белое стало белым, черное - черным.

Найти единство цветовых отношений - значит начать превращать краску в цвет. Это сочетание различных цветов в картине, образующих единое зрительное впечатление, имеет свое специальное название. Оно называется колоритом (от латинского слова color - цвет).

Художник должен точно определить, найти цвет предмета, показать, как он будет выглядеть в зависимости от освещения.
И еще надо учитывать, что если одна часть предмета освещена, а другая нет. то казаться они будут разными, хотя цвет их один.
Так как художник создает свое произведение при помощи цвета, то от верного воспроизведения цветов, от умения найти их соответствие н взаимоотношение во многом зависят не только художественные качества, но и правдивость произведения.

Все, о чем мы сейчас говорили, можно проследить на любом живописном произведении и на тех, которые мы с тобой рассматривали. Но давай посмотрим еще и другие картины. Смотри, что это?

Мужчина в черной кожаной куртке и матросской полосатой тельняшке, с заложенными за спину руками спокойно стоит, широко расставив ноги. Около него девушка в тулупе. Это подпольщики, работавшие в тылу у белых. Их поймали и допрашивают. Картина так и называется. "Допрос коммунистов", и написал ее известный советский живописен Б. В. Иогансон.
Матрос и девушка не просто стоят, а противостоят группе допрашивающих их белогвардейцев. Допрашивают старик генерал и два молодых
офицера.

Теперь посмотрим внимательнее на допрашиваемых.
Мужчина держится спокойно, девушка сдерживает волнение. Она сжала руки (так делают люди, когда хотят унять внутреннюю дрожь, чтобы ее никто не заметил) и слегка прищурила глаза.
А белые?
Генерал почти не заметен из-за кресла, в котором он сидит, видны только его затылок и багровая шея.
Злобно смотрит молодой офицер в черкеске, со стеком в руке. Третий, офицер с гладко причесанными на прямой пробор волосами, рассматривает какую-то бумажку.
Что их так возмутило - молчание ли коммунистов или резкий ответ матроса, неизвестно. Да и не так это важно. Важно другое: коммунисты сильнее этих людей. Они выдержали, выстояли.
И, хотя чувствуется, что взбешенные их стойкостью офицеры могут расстрелять их, ты знаешь, что сила и правда - на стороне коммунистов. Они так спокойны, потому что уверены в себе, в правоте своего дела. И мы не можем не восхищаться ими и их подвигом.

Мы увидели с тобой, что написано на картине "Допрос коммунистов", мы говорили о ее содержании.
Теперь посмотрим, как художник написал свою картину, какими изобразительными средствами он передал ее содержание, и на этом остановимся подробнее, потому что нам с тобой нужно научиться понимать особенности живописи и, в частности, еще лучше уяснить, что такое цвет и какую роль он играет в живописном произведении.
Наше внимание сосредоточено на коммунистах, потому что свет, падающий сверху, с наибольшей силой озаряет их лица и фигуры. На груп пу офицеров свет падает не столь резко, они как бы в тени, и поэтому замечаешь их потом.
Все, что не имеет прямого отношения к этому столкновению двух сил. дано художником лишь настолько, чтобы определить предмет, но не задерживать на нем внимания зрителя. Едва заметно окно с виднеющимся за ним синим от вечернего освещения снегом, слегка написаны стены комнаты.

Фигуры коммунистов особенно выразительны благодаря их контрасту с окружающей обстановкой. Помнишь, мы говорили, что контраст - важное средство выразительности композиции. Но там мы касались только одной стороны контраста - контраста цветового. Теперь прибавим к сказанному, что контраст может быть и психологическим, как. например, в этой картине.
Здесь контрастна вся обстановка для этих необычных в ней, кажущихся здесь чужими людей. Этот контраст помогает еще сильнее ощутить ту острую борьбу, которую воспроизвел художник. Ковер на полу, яркие мундиры офицеров, кресла с хорошей обивкой, с одной стороны, и грубые обмотки, кожаная куртка и тельняшка матроса, простой тулупчик и неказистая шапка девушки - с другой; сытые, холеные лица офицеров и простые благородные лица допрашиваемых - все это противостоит одно другому.

Напряженность обстановки подчеркнута и цветовыми контрастами красного, синего, желтрго, черного.
С помощью цвета художник передает освещение, форму предметов, материал, и как ни ярки краски, которыми написана картина, они согласованы между собой, связаны, составляют единство.
Если бы этого не было, каждая фигура в картине воспринималась бы отдельно, картина была бы пестрой и смотреть на нее было бы очень трудно.

А в картине "Не ждали", о которой ты уже знаешь, совсем другие краски: светлые голубые обои, сиреневое платье горничной, мягкий цвет обивки кресел. При таких цветах пестроты не могло бы быть. но. если бы художник сделал все чуть-чуть менее голубым, сиреневым и т. д., неизбежно возникла бы бесцветность, белесость, как говорят художники. И не было бы того радостного, светлого чувства, которое рождает картина Репина.

Чуть-чуть больше, чуть-чуть меньше - и было бы плохо, а когда в самый раз - это хорошо.
Это очень тонкая грань, и не случайно говорят, что живопись "держится на чуть-чуть".
Если при помощи цвета художник передает окраску предмета, его форму, материал, из которого он сделан, то колорит делает картину цельной и не только раскрывает зрителю все красочное богатство мира, но и способствует выражению содержания. А насколько важно найти нужный колорит для решения картины, для раскрытия идеи, проследим на работе Б. В. Иогансона над "Допросом коммунистов".

Когда ясна была идея картины (сопоставление непримиримых классовых сил), найден был сюжет (допрос коммунистов белогвардейцами), уточнена обстановка (дом фабриканта) и даже детали ее (полы крашеные, на них лежит ковер, в углу - иконы, день морозный, окна заиндевели), художник стал искать и само живописное решение.
В одном из эскизов он попытался дать сцену при дневном освещении. Получилось, по его словам, что-то веселенькое: "замороженное окошко, через него светит солнышко", солнечные зайчики бегают по стенам и полу.
Разве такое освещение способно было выразить всю остроту момента, который должен был быть в картине? Конечно, нет.
И художник в другом эскизе изобразил эту сцену ночью, при вечернем освещении. Получилось напряженнее, драматичнее. Одновременно уточнилась и композиция картины. Все это вместе - освещение и иное расположение фигур - дало другой смысл: коммунисты, хотя они и стоят связанными, как бы наступают на белогвардейцев.
Фигура матроса, одетая в черное, и девушка в желтом отчетливо видны на красном ковре в ярком луче света. Благодаря освещению обе фигуры кажутся резко очерченными.

Картина Б. В. Иогансона написана в красно-коричневых тонах, в "горячем колорите", как сказал бы художник. И это нужно было для создания напряженности, необходимой в картине.
Как видишь, совсем не все равно для смысла картины, когда изобра: зить происходящее, днем или ночью, в светлой цветовой гамме или темной.
Художник не только передает виденное, не только дает свою оценку событиям, но и самой манерой письма способствует раскрытию смысла изображенного.

Так цвет и особенно колорит способствуют раскрытию содержания живописного произведения, выражению идеи. Колорит создает настроение, помогает передать радость или грусть, ощущение простора, широты природы и многое другое, а это имеет в картине большое смысловое значение.

Некоторые художники даже считают, что колористическое чувство, то есть умение видеть и сочетать красоту цветовых отношений, есть важнейшее качество художника.
"Есть колорит - есть художник, нет колорита - нет художника",- говорил Суриков.
Можно сказать, что колорит - это цветовое видение мира у художника. Ведь, задумывая новое произведение, он находит не только то событие, которое хочет изобразить, но и те цветовые отношения, которые могут это живописно выразить.
И художник, умея видеть, угадать и передать краски, из которых состоит данный цвет, находит колорит.
Иногда художник его почувствует сразу, иногда долго ищет. И найти колорит - значит сделать для решения образа очень много.
Но было бы неверно, если бы ты решил, что радостное событие надо писать яркими, светлыми красками, а трагическое - темными, мрачны ми. Нет. Если бы заранее было известно, какой краской можно выразить какое настроение, тогда было бы все просто. Хочешь выразить радость - пиши красной, горе - черной. И, хотя действительно красный цвет у нас связан с праздником, а черный - с трауром, в живописи все значительно сложнее.

Мы говорили, что картина Иогансона "Допрос коммунистов" написана в коричнево-красной гамме, в "горячем колорите", и этот колорит помогает раскрыть драму, изображенную художником.
Но вот другая картина, колорит которой тоже можно определить словом "горячий". Конечно, он не совсем такой, как в "Допросе коммунистов", но здесь тоже преобладают коричневые и красные, горячие тона. Это "Ужин трактористов" А. А. Пластова.

Летний вечер. Тот час, когда солнце, прежде чем скрыться за горизонтом, освещает землю последними оранжево-красными лучами. Этими лучами залита лежащая большими жирными пластами и тянущаяся до самого горизонта земля и люди на переднем плане. Тракторист в красной майке и накинутой поверх нее телогрейке. Стоя на коленях, он режет каравай большими ломтями. Девочка в белой косыночке и белом халате наливает в миску молоко. Юноша, по-видимому помощник тракториста, лежит на земле и смотрит на льющееся из бидона молоко.
Здесь нет большого, развернутого повествования. Художник показал очень немного, но сказал об этих людях многое.

Видно, что это страда, когда особенно дорого время. Тракторист только на минуту прервал работу и здесь же, не глуша мотора трактора, собирается быстро поесть и снова взяться за дело. У него рабочие, натруженные руки, лицо заросло жесткой щетиной, давно не стриженные волосы выбиваются из-под кепки. Сейчас ему некогда следить за своей внешностью. Но в нем есть красота. Это красота самого человека, труженика, забывающего на работе о себе. Суровый и мужественный образ тракториста еще больше подчеркивается нежным обликом девочки.
Вся эта группа - тракторист, юноша и девочка - производит впечатление цельности и поэтичности. В создании поэтического образа трак ториста участвует и природа, кажущаяся особенно внушительной в ярком вечернем свете, и колорит картины.

Представь, что художник написал бы ту же группу не в жаркий летний дечь, не в вечерний час, а в хмурый день или когда солнце уже зашло. Исчезло бы это ощущение напряженности труда.
А здесь - лучи солнца прямо падают на тракториста и его помощника, и это освещение бросает на их лица и фигуры резкие краски и тени.
Девочка освещена иначе, чем трактористы; она обращена лицом к ним. и солнце освещает ее спину, поэтому на ее лицо ложатся уже не такие резкие, а мягкие, легкие тени, и это усиливает впечатление мягкости этот образа и еще резче подчеркивает контраст: опаленные солнцем и ветром трактористы и девочка.
Большая холодная тень падает от трактора, покрывая голову девочки, ее руку, держащую бидон и миску с молоком. От этого белый цвет, косынки, белый цвет халата и молоко приобретают разные оттенки. Молоко кажется густым и холодным, потому что на косынку еще попадают лучи, а на молоко уже нет, и поэтому белый его цвет холоднее, а белый цвет косынки теплее.

Но, говоря о картине, мы употребили неизвестные, а может быть, и непонятные тебе слова. Мы сказали: "белая косынка теплее, чем белое молоко". Но обычно понятие теплоты применяется к тому, что имеет температуру. А про краски говорят - яркие или тусклые или просто называют цвет: красный, синий, голубой.
А вот художник еще различает краски на теплые: желтая, оранжевая, красная, коричневая, и холодные: голубая, синяя, зеленая, фиолетовая.
Теперь ты понимаешь, почему можно сказать: "картина написана в холодном тоне или в горячем колорите".

Ребята, мы вкладываем душу в сайт. Cпасибо за то,
что открываете эту красоту. Спасибо за вдохновение и мурашки.
Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте

Хотите получать удовольствие от современного искусства, знать, чем Возрождение отличается от проторенессанса, и чем вдохновлялись великие русские писатели?

Этот курс - находка для тех, кто хочет научиться разбираться в искусстве. Он дает основные понятия теории, рассказывает о жанрах и техниках. Слушатели узнают, как научиться получать удовольствие от современного искусства и «читать» арт-произведения, а также что такое «точка смотрения», и почему этот «кусок пластмассы» является гениальным творением.

Длительность : 7 недель
Начало : 14 сентября
Язык : русский
Стоимость : бесплатно
Автор : Проект MediaNovation
Универсариум

Курс ведет историк искусства и эксперт по русскому искусству ХХ века Андрей Сарабьянов. Слушатели узнают, кем были первые авангардисты, чем они вдохновлялись и как эпатировали публику, и как попытались увлечь своими утопиями всю страну. Лектор расскажет как возникло самое известно полотно русского авангарда - «Черный квадрат», и чем закончились творческие поиски Малевича.

Длительность : 5 лекций и 20 дополнительных материалов
Начало
Язык : русский
Стоимость : бесплатно
Арзамас

Илья Доронченков, декан факультета истории искусств Европейского университета в Санкт-Петербурге, расскажет о том, как художники 19 века переосмысливали исторические события, о символах и смыслах, которыми они наполняли свои картины. В качестве примера лектор рассмотрит восемь полотен известных художников, среди которых Гойя, Делакруа, Суриков и Мане. Слушатели узнают, к примеру, как Суриков написал главную трагедию истории, разделил народ и государство и стал русской гордостью.

Длительность : 8 лекций и 40 дополнительных материалов
Начало : можно заниматься в любое время
Язык : русский
Стоимость : бесплатно
Университет : Европейский университет в Санкт-Петербурге
Арзамас

Авторы курса, преподаватели Российского государственного гуманитарного университета, предлагают «поговорить» с Леонардо и попытаться понять Мастера, его величие и его трагедию. Слушатели курса узнают о том, как с помощью 3D-сканеров, 3D-принтеров, лазерных каттеров можно создавать, реконструировать сложные объекты, придуманные художником в далеком прошлом.

Длительность : 8 недель
Начало
Язык : русский
Стоимость : бесплатно
Университет : РГГУ
Универсариум

В этой подборке аудиозаписи 30 лекций, которые читают для студентов лучшие преподаватели факультета истории искусств Оксфордского университета. Темы разные: от европейской средневековой архитектуры до искусства Китая.

Длительность : 30 лекций
Язык : английский
Начало : можно заниматься в любое время
Стоимость : бесплатно
Университет : Оксфордский университет

Курс приглашает отправиться в воображаемое путешествие в культурное пространство, населенное объектами, созданными человеком: дверями, окнами, зеркалами и так далее. В конце путешествия слушатель сможет различать авторские метафоры в живописи и расшифровывать литературные символы.

Длительность : 7 недель
Начало : скоро, можно записаться на перезапуск
Язык : русский
Стоимость : бесплатно
Университет : МГУ
Универсариум

Массачусетский колледж искусств знакомит с историей европейского искусства на примере 24 величайших произведений. Среди них картины, скульптуры, памятники архитектуры, музыкальные и литературные шедевры: от афинского Парфенона до полотен Поллока.

Длительность : 9 модулей
Начало : можно записаться, о запуске сообщат
Язык : английский
Стоимость : бесплатно
Университет : Массачусетский университет