Леонардо ди сер Пьеро да Винчи (15 апреля 1452-2 мая 1519) - знаменитый итальянский живописец, архитектор, философ, музыкант, писатель, исследователь, математик, инженер, анатом, изобретатель и геолог. Известен своими картинами, наиболее знаменитыми из которых являются «Тайная вечеря» и «Мона Лиза», а также многочисленными изобретениями , намного опережавшими своё время, но так и оставшимися только на бумаге. Кроме того, Леонардо да Винчи внёс немаловажный вклад в развитие анатомии, астрономии и техники.
Рафаэль Санти (28 марта 1483-6 апреля 1520) - великий итальянский художник и архитектор, работающий в эпоху Ренессанса, охватывающий период с конца XV и первые годы XVI века. Традиционно Рафаэль считается одним из трёх великих мастеров этого периода, наряду с Микеланджело и Леонардо да Винчи. Многие из его работ находятся в Апостольском дворце в Ватикане, в помещении под названием станцы Рафаэля. Среди прочих, здесь находиться самая знаменитая его работа - «Афинская школа».
Диего Родригес де Сильва-и-Веласкес (6 июня 1599-6 августа 1660) - испанский художник, портретист, придворный художник короля Филиппа IV, величайший представитель золотого века испанской живописи. Помимо, многочисленных картин, изображающих исторические и культурные сцены из прошлого, он написал множество портретов испанской королевской семьи, а также других известных европейских деятелей. Наиболее знаменитой работой Веласкеса считается картина «Менины» (или «Семья Филиппа IV») 1656 года находящаяся в музее Прадо в Мадриде.
Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис и Пикассо (25 октября 1881-8 апреля 1973) - всемирно известный испанский художник и скульптор, основоположник направления в изобразительном искусстве - кубизм. Считается одним из величайших художников повлиявшим на развитие изобразительного искусства в XX веке. Экспертами, был признан лучшим художником среди живших за последние 100 лет, а также самым «дорогим» в мире. За свою жизнь Пикассо создал около 20 тыс. работ (по другим данным 80 тысяч).
Винсент Виллем Ван Гог (30 марта 1853-29 июля 1890) - знаменитый нидерландский художник, приобретший известность лишь после смерти. По мнению многих экспертов, Ван Гог является одним из величайших художников в истории европейского искусства, а также одним из самых ярких представителей постимпрессионизма. Автор более 2100 произведений искусства, в том числе 870 картин, 1 тыс. рисунков и 133 эскизов. Его многочисленные автопортреты, пейзажи и портреты являются одними из самых узнаваемых и дорогих произведений искусства в мире . Наиболее известной работой Винсента Ван Гога, пожалуй, считается серия картин под названием «Подсолнухи».
Микеланджело Буонарроти (6 марта 1475-18 февраля 1564) -всемирно известный итальянский скульптор, художник, архитектор, поэт и мыслитель, наложивший неизгладимый отпечаток на всю мировую культуру. Самой известной работой художника, пожалуй, являются фрески на потолке Сикстинской капеллы. Среди его скульптур самыми знаменитыми считаются «Пьета» («Оплакивание Христа») и «Давид». Из произведений архитектуры - дизайн купола базилики Святого Петра. Интересно, что Микеланджело стал первым представителем западноевропейского искусства, чья биография была написана ещё при жизни.
На четвёртом месте в списке самых известных художников мира находится Мазаччо (21 декабря 1401-1428) - великий итальянский художник, оказавший огромное влияние на других мастеров. Мазаччо прожил очень короткую жизнь, поэтому биографических свидетельств о нём немного. Сохранились лишь четыре его фрески, которые, без сомнения, являются работой Мазаччо. Другие, как полагают, были уничтожены. Наиболее известной работой Мазаччо считают фреску «Троица» в церкви Санта-Мария-Новелла во Флоренции, Италия.
Питер Пауль Рубенс (28 июня 1577-30 мая 1640) - фламандский (южнонидерландский) живописец, один из величайших художников эпохи барокко, известен своим экстравагантным стилем. Считался самым универсальным художником своего времени. В своих работах Рубенс подчёркивал и воплощал жизненную силу и чувственность цвета. Он написал многочисленные портреты, пейзажи и исторические картины с мифологическими, религиозными и аллегорическими сюжетами. Самой знаменитой работой Рубенса является триптих «Снятие с креста» написанный в период с 1610 по 1614 год и принёсший художнику всемирную известность.
Микеланджело Меризи да Караваджо (29 сентября 1571-18 июля 1610) - великий итальянский художник периода раннего барокко, основатель европейского реалистической живописи XVII века. В своих работах Караваджо умело использовал контрасты света и тени, фокусируясь на деталях. Часто изображал простых римлян, людей с улиц и рынков в образах святых и мадонн. Примерами могут служить «Евангелист Матфей», «Вакх», «Обращение Савла» и др. Одной из самых знаменитых картин художника считается «Лютнист» (1595), которую Караваджо называл наиболее удавшимся ему фрагментом живописи.
Рембрандт Харменс ван Рейн (1606-1669) - знаменитый нидерландский живописец и гравёр, который считается величайшим и самым известным художником мира. Автор около 600 картин, 300 офортов и 2 тыс. рисунков. Характерной его особенностью является мастерская игра с эффектами света и глубокими тенями. Наиболее известной работой Рембрандта считается четырёхметровая картина «Ночной дозор», написанная в 1642 году и хранящаяся сейчас в Государственном музее Амстердама.
Поделится в соц. сетях
Первая выставка девятнадцатилетнего Пикассо была устроена в феврале 1900 года в барселонском кафе «Четыре кота». Количество выставленных работ было для молодого художника не малым - 150 рисунков. В основном портреты друзей: поэтов, художников, музыкантов. Эти произведения были тем художественным багажом, с которым неистовый каталонец ринется на завоевание Парижа.
Неудивительно, что уже к столь юному возрасту у Пикассо поднакопилось картин, ведь первой своей серьёзной работой он считал «Пикадора», написанного в восемь лет. «Пикадора», где бы ни обитал Пикассо, он всегда возил с собой в качестве талисмана.
В среднем художники за свою жизнь делают около пяти тысяч работ. Пикассо сделал в десять раз больше - пятьдесят тысяч. Помимо полотен, это бесчисленного множество скульптур, керамики и даже концептуальное видео, где он выдавал рисунки в режиме онлайн.
Все его экспозиции вызывали недюжинный интерес. О цюрихской выставке 1932 года, где демонстрировалось 460 его творений, знаменитый психиатр и визионер Карл Юнг писал: «Пикассо и его выставка являются знамением времени точно так же, как и двадцать восемь тысяч людей, которые пришли посмотреть на эти картины».
Вот и на состоявшемся два дня назад открытии экспозиции Пикассо в ГМИИ имени А.С. Пушкина залы были битком набиты зрителями.
Представлено 240 экспонатов: 88 картин, 30 скульптур, керамика, рисунки, фотографии, видео. Здесь практически все знаковые шедевры художника. За исключением «Герники» и «Авиньонских девиц».
Что касается первой, то парадный вход музея при помощи многометровых фотографий стал неким стилизованным объёмным воплощением этой картины.
А по поводу второй можно сказать, что на выставке множество эскизов, предшествовавших созданию первого кубистического шедевра. В 1933 году Пикассо скажет в интервью: «Авиньонские девицы»! Это название действует мне на нервы. Сначала картина называлась «Авиньонский бордель». Согласно моей первой идее, здесь должны были быть мужчины, которые есть в эскизах. Студент, держащий череп, и моряк». На экспозиции есть один из уникальных «мужских» эскизов.
Студент - наука. Моряк - приключения и привозное искусство. Бордель - царство покупной животной страсти, чувственность. Пикассо неутомимо примерял на своих полотнах африканские маски на европейские лица, пока они не срослись. Мужчин из картины он решил убрать, чтобы была некая полемическая преемственность с эротическими шедеврами французских классиков живописи: Энгра с «Турецкой баней» и Сезанна с «Большими купальщицами».
На премьерный показ «Авиньонских девиц» в 1907-м Пабло пригласил друзей: Матисса, Брака, Аполлинера. Их реакция - оцепенение и шок! Всё, что испытывают люди, попавшие в катастрофу. А Пикассо и был первым художником-катастрофой, художником-бедствием, художником-стихией!
Матисс рвал и метал! Какой-то критик посоветовал Пабло заняться карикатурой. Жорж Брак, тот самый, что вскоре станет с ним основателем кубизма, воскликнет: «Такое ощущение, что ты накормил нас паклей и напоил бензином». Понравилась вещь только коллекционеру Канвейлеру. Предвидение этого человека позволит ему стать одним из самых состоятельных и влиятельных собирателей живописи на планете.
Только мужество и вера в свой путь позволили Пикассо устоять под шквалом «дружеской» критики. И ни с кем из своих товарищей он не поссорился. Не вытолкал их взашей!
«Руби вырывай
скручивай и бей насмерть
Я пробиваюсь и зажигаю
ласкаю и облизываю
целую и смотрю
звоню во все колокола
пока они
не истекут кровью…»
По этим стихам Пикассо видно: толерантность стоила ему немалых усилий. В нём кипела южная испанская кровь. В то время как холодный и острый, как скальпель, ум Пабло (вслед за Сезанном) выделял в природе геометрические объёмы: шары, цилиндры, конусы. От соединения страсти и аналитики и родился феномен Пикассо. Это безумно агрессивная живопись! Но этим она и интересна!
Красноречив натюрморт «Череп, чернильница и молоток» (1908). Здесь есть все основные инструменты мастера.
Череп - художник творчески использовал энергию смерти, анализа, научно «раздевая» свои объекты. Об импрессионистах он сказал, что они изображали мир, каким его видели, он же, Пикассо, каким его мыслит.
Чернильница - Пабло неплохо владел словом, мог объяснить свои концептуальные ходы, писал абсурдные стихи и пьесы.
Молоток - художник безжалостно разбивал привычные представления о действительности.
Кубизм есть не что иное, как полное разрушение привычного, «видимого» глазу мира. Это - видение ума. Пикассо сначала делал реалистический эскиз, а затем выворачивал его наизнанку своим воображением.
Началось всё с его увлечения древними иберийскими статуэтками (V век до н.э), которые он заметил в Лувре. Секретарь Аполлинера по поручению патрона стал красть эти статуэтки и африканские маски, дабы снабжать ими Пабло. У него уже собралась небольшая коллекция. Через некоторое время один итальянский маляр украл «Мону Лизу» и поднялся большой скандал, вследствие которого накрыли и «африканскую» шайку. Аполлинер взял вину на себя. Поэту даже пришлось немного отсидеть в тюрьме.
Нигерийское и абиссинское искусство воспринималось европейцами как примитивная архаичная экзотика. Пикассо почувствовал мощь ритуальных вещей Африки и Океании. Он признавался: «Меня не интересовали мистические ритуалы, для которых они предназначены, а пленила их совершенная простота форм. Глядя на них, хотелось перерисовать весь остальной мир в мир подвижных метаморфоз, превращений, глазастых элементарных частиц».
Благодаря Пикассо, африканские ритуальные изображения трансформировали до неузнаваемости европейское искусство. Это было похоже на месть африканских богов за порабощение их племён народами Европы. Впервые в арте появилась шокирующая эстетика, даже антиэстетика. С другой стороны, эти ритуальные творения привнесли в европейскую живопись яркость и страсть! Всё то, что дал мировой музыке американский джаз…
На выставке в Москве поражает своей гениальной простотой коллаж «Бутылка пива BASS» (1914). На холст наклеен деревянный кругляшок - бутылочное горлышко. Отдельно тень от бутылки, некое подобие этикетки, бутылочное дно. Всё расфокусировано. И в то же время некое поле держит это вместе. Кажется, если надеть 3D-очки, можно увидеть эту пивную бутылку в объёме.
То же самое конструкции Пикассо: «Скрипка», «Гитара». Эти музыкальные инструменты словно разворочены смерчем, а потом вновь соединены, но с другой последовательностью элементов. И теперь вместо умиротворяющих звуков инструменты стали рычать, визжать, выть! Условно говоря, Пикассо акустическую гитару, на которой исполняли фламенко, сделал электрической, на которой теперь лабают хард-рок.
Что говорить, если даже о пуговицах Пабло заметил: «Очень хорошо, очень мило писать портрет со всеми пуговицами на одежде. Но смотрите! Может наступить момент, когда эти пуговицы начнут на вас бросаться!»
Художник маниакально кромсал реальность. Пикассо-мясорубка. Получался такой мелкошинкованный мир. Особенно в этом смысле интересны переходные работы художника. Из таких - рисунок «Сакро-Кер» (1909-1910): половина пейзажа измолота, а другая - с церковью - осталась нетронутой. Словно видишь храм Христа Спасителя в Москве за несколько часов до взрыва, когда храм поглотит неумолимая атеистическая машина.
Вот как духовидец Юнг описал работы Пикассо на упоминаемой уже цюрихской экспозиции: «Пикассо начинает со всё ещё объектной живописи голубого периода - синева ночи, лунного света и воды, мертвенная синева потустороннего мира Египта. Изменяя цвет, мы опускаемся в преисподнюю. Мир объектов объят агонией, что подтверждают ужасающий портрет сифилитика, туберкулёзника, малолетней проститутки. Когда я говорю «автор», имею в виду ту личность в Пикассо, которая переживает инфернальную судьбу, того человека в нём, который не обращается к дневному миру, но всецело и неотвратимо принадлежит тьме; который следует не общепринятым идеалам добра и красоты, а демонической привлекательности уродства и зла. Это антихристианские и Люциферовы силы, которые поднимаются в современном человеке и порождают всё проникающую предопределённость, затуманенность яркого дневного мира испарениями ада, заражающими его смертельным гниением, и в конце концов, подобно землетрясению, разбивающему его на фрагменты, фракции, невосстановимые руины, осколки, лоскутки и неорганизованные участки».
Нехило? Что-то вроде мистического триллера.
Но публика любит следить за тем, как кто-то отправляется в ад. Это и Орфей. И Одиссей. И Тезей, спускающийся в лабиринт к Минотавру. А если ты и Тезей, и Минотавр одновременно? Пикассо отождествлял с собой и героя, и мифологическое чудовище.
Его внутреннего Минотавра регулярно укрощали женщины. Особенно это удалось русской балерине Ольге Хохловой. Она была таким крепким середнячком в трупе Сергея Дягилева, для которого Пикассо делал декорации. Художник влюбился. Дягилев его предупредил: «На русских девушках женятся» (примерно та же история произойдёт с Дали и Галиной Дьяковой).
Первое, что сделала Ольга, - это запретила Пикассо вытворять с её изображением, что ему заблагорассудится. «Я хочу, - говорила она, - узнавать своё лицо». Начался классический период художника.
Почему Минотавр был укрощён? Ответ в портрете «Ольга в кресле» (1917): то же самое волевое лицо и упрямый подбородок, что у мужа. Ольга и Пабло словно отражения друг друга.
Минотавр терпел восемь лет! Не выдержал он в 1925-м, выдав «Танец». Картина возникла, как чёрт из табакерки: там изображены искажённые до зверского гротеска танцовщицы. Конечно, ведь «я - чёрт!» - любил повторять Пикассо, по свидетельству Ильи Эренбурга.
Этот дьявол-искуситель в 1927-м знакомится у метро с 17-летней Мари-Терез Вальтер и срывается окончательно и с катушек, и с брачного поводка Ольги Хохловой.
Художник признавался, он делил женщин на богинь и половых ковриков. Иногда первые превращались во вторых. «Каждый раз, когда я меняю женщину, - говорил Пикассо, - я должен сжечь ту, что была последней. Таким образом, я от них избавляюсь. Это, возможно, ещё и вернёт мою молодость. Убивая женщину, уничтожают прошлое, которое она собой олицетворяет».
Деструктизма хватало и после его смерти: покончили с собой Мари-Терез Вальтер и его вторая жена Жаклин. Отравился внук Паблито в день похорон своего деда.
Пикассо брал энергию у них, но и отдавал. Окружающие его близкие люди жили на более насыщенном энергетическом уровне. Поэтому после его кончины, когда подпитка пропала, наступила череда самоубийств.
И всё же этот агрессор и проводник в преисподнюю ненавидел самый большой ад на земле - войну, в отличие от другого радикального реформатора искусства, основателя футуризма - итальянца . Пикассо создал одну из самых трагичных антивоенных картин - «Гернику», названную в честь испанского городка, который в 1937-м разбомбили самолёты люфтваффе.
Во время войны Пабло остался в оккупированном Париже (большинство художников смоталось в США, Дали именно у Пикассо одолжил денег на переезд). Во время обыска в его мастерской гестаповцы, увидев фото «Герники», спросили: «Это вы сделали?» «Нет, вы», - парировал Пикассо.
Потом он даже вступил в компартию Франции. Он рисует не только знаменитый «Голубь мира» (1949), но и портрет Сталина (1953), где у генсека - ангельский лик.
Пикассо как-то обронил: «Мне напомнили, что когда я был маленьким, я всё время слышал: «Истина есть ложь». И ещё: «Есть художники, превращающие солнце в жёлтое пятно. Но есть и те, кто, используя своё искусство и ум, превращают жёлтое пятно в солнце».
Мне кажется, он последовательно делал то одно, то другое.
Ближе к моему представлению о Пикассо характеристика, данная художнику поэтом Полем Элюаром: «Пикассо пишет… как Бог или Дьявол».
Его энергия напоминает переменный электрический ток, ежесекундно меняющий направление, но при этом способный крутить мощнейшие двигатели…
Пикассо снабдил как минимум половину всех известных художников XX столетия революционными техниками и приёмами.
Выставка в полной мере показывает, что этот великий и беспощадный мастер, буквально по кирпичику, как конструктор lego, разобрал художественную реальность, а потом воссоздал её в трансформированном виде. На полотнах 1907-1908 годов женщины, изображённые в стиле кубизма, - декоративны. А на картинах семидесятых годов прошлого столетия подобные образы выглядят пугающе живыми.
Самая же светлая, на мой взгляд, картина Пикассо - «Клод, рисующий Француазу и Палому» (1954). Оба ребёнка купаются в лучах любви, идущих из глаз их матери. Эти лучи изображены буквально: как синий и зелёный световые потоки. Кроме душевности, это придаёт картине сакрально-мистический характер.
Лирический, жестокий, смелый, пронзительный, бесчеловечный, сострадательный - Пабло заслуживает все эти эпитеты. Он как деформатор стократ интереснее его же, рисующего «правильно» (таких работ тоже хватает). Пикассо нанёс несколько чувствительных ударов по канонам женской красоты, но от этого выиграли и живопись, и дизайн XX столетия, навсегда ставшие другими.
Первые итоги эпохи Возрождения начали подводить довольно скоро — уже в XVI веке. Тогда-то Вазари и написал: «Джотто был рожден, чтобы просветить живопись».
Джотто был гением своего XIV века; так, как писал он, еще не умели писать художники, жившие до него, и не получалось у тех, что появились после. Его идеи пригодились только живописцам XV в. А XIV столетие не могло похвастаться изобилием гениев, и в Италии равен Джотто только Данте, с которым они дружили.
Джотто родился в предместье Флоренции, но мастерство прославило его по всей Италии, так что он получал заказы в разных городах. Он расписывал церкви и в основном изображал святых, но зрителям нравилось, что персонажи Священной истории, вышедшие из-под кисти Джотто, совсем как обычные люди и испытывают всем понятные чувства. Им можно было сопереживать. Правда, все они еще немного на одно лицо, а здания и пейзажи — это просто идеи зданий и пейзажей. Джотто не вдавался в подробности повседневной жизни, которые научились выписывать художники XV века. Но интересно, что его, как и корифеев Ренессанса — Рафаэля, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Тициана, занимали в первую очередь люди и их душевное состояние. Джотто был наблюдательным художником. Он знал, в каких случаях люди опускают головы, в каких — разводят руками, и пользовался этим знанием, чтобы передать переживания своих героев. Возможно, Джотто умел даже больше, чем видно по его росписям. Существует предание о том, как он, еще будучи в учениках, изобразил муху на носу одной из фигур, написанных его учителем. Получилось так похоже, что мастер, вернувшись, несколько раз пытался ее согнать. Но на собственных фресках Джотто ни одной мухи не замечено. Может, поскромничал?
Он еще не знал анатомии (художники увлекутся ею значительно позже), но его герои двигаются естественно, как в жизни; он не ведал о теории перспективы, которую изобретут в XV веке, но его фигуры не плоские, как у его предшественников, а объёмные, и росписи имеют глубину, а не только длину и ширину. В будущем живописцы полюбят геометрию — Джотто был не чужд порядку: его фрески в Капелле дель Арена в Падуе заключены в прямоугольники и расположены рядами. Подобно мастерам Возрождения, он был одновременно художником, скульптором и архитектором. По его проекту построена колокольня Флорентийского собора — она так и известна как кампанила Джотто.
Он был признанным гением, и, как это случается с гениями, опередил свое время. Хотя он и оставил учеников, 50 лет после него в живописи ничего интересного не происходило. Только художники следующего столетия оказались на том же творческом пути, по которому шел Джотто, и очень быстро обогнали его. За это искусствоведы не приняли Джотто в эпоху Возрождения, а оставили в Проторенессансе. Первым же художником Ренессанса принято считать его земляка Мазаччо.
Однако Вазари, который был значительно ближе нас к Джотто, считал, что он «обрел истинный способ живописи». Может, так оно и есть?
Мазаччо прожил всего 27 лет и оставил мало работ. Но его фрески служили образцом для многих поколений художников. Изображая изгнание из рая Адама и Евы, он первым из живописцев Возрождения «правильно» написал обнажённые фигуры и устойчиво поставил их на землю. Современников восхищало, что люди на его фресках «совсем как живые», а потомки почтили его память такой эпитафией: Как живописец, я с природою сравнился. Правдиво придавал любой своей работе движенье, жизнь и страсть. Великий Бонарроти учил всех остальных, а у меня учился.
Знаете ли вы, что: фреска — вид живописи, которая наносится прямо на стену. Такая живопись называется монументальной. Слово фреска произошло от итальянского fresco — сырой, свежий, но сама живописная техника появилась задолго до нашей эры, когда итальянского языка не было в помине. Фресковая роспись делается по сырой штукатурке водяными красками.
Празднества, какие любил устраивать царь Петр, прежде всего в честь побед русского оружия и их годовщин, просто маскарады, меньше всего были похожи на официальные мероприятия и балы поздних эпох; это были всенародные действа, начиная с приготовлений к ним: возводились триумфальные ворота, которые украшались скульптурами античных богов, живописными полотнами, продумывались маскарадные костюмы и представления, а в шествиях принимали участие все, начиная от высших сановников и самого царя. Многие ничего, кроме шутовства, во всем этом не видят. Но мы наблюдаем то же пристрастие к всенародным празднествам и театральным представлениям в Золотой век Афин, к маскарадам - в Золотой век Флоренции, с расцветом мысли и искусства, точно творчество и жизнетворчество - это праздник, или празднества и есть высшие проявления творчества и жизнетворчества. Если вдуматься, так оно и есть.
Для возведения триумфальных ворот, как и крепости при основании новой столицы, требуются мастера - от строителей до живописцев. Их приглашали из стран Европы работать по найму, это мы знаем. Оказывается, в Москве уже много лет существовала Оружейная палата, в которой, кроме иконописцев, еще в XVII веке числились живописцы, так называемые парсунщики, которые писали не иконы, а персон, конечно, из знати и царской фамилии; вскоре там появились граверы. По сути это была Академия художеств, ученики которой были востребованы с началом реформ Петра. Удивительны судьбы первых художников Петровской эпохи.
Федор Васильев расписывал пушкарское знамя для юного царя Петра Алексеевича, он также золотил и украшал киоты, кресла, расписывал стены в царских подмосковных селах Преображенское, Измайлово и Воробьево, а с 1702 года числился живописцем в Оружейной палате, куда был определен именным указом царя, занимался иллюстрированием книг; направленный в Петербург в 1705 году, там он явился архитектором, в 1708 году он строил три галереи из коринфских колонн вдоль Невы в Летнем саду, в средней позже была установлена античная статуя Венеры (Таврической). В 1720 году царь Петр отправил именно Федора Васильева в Киев для построения новой каменной колокольни, вместо сгоревшего собора. Великая колокольня Киево-Печерской лавры сооружена по проекту Федора Васильева (1731-1744), правда, не самим архитектором. После смерти Петра Васильев вернулся в Москву, где занимался перестройками дома цесаревны Елизаветы Петровны и графа С.В.Рагузинского, то есть оставался в кругу тех, кто его знал при Петре, что уберегло, может быть, его от гонений. Одно время Васильев делал зарисовки видов Петербурга, который строился на его глазах, составлял целые альбомы, которые подносил царю, и царь, верно, их ценил. Это еще не городские виды, а, к примеру, “Усадьба царицы Параскевы” - деревянные строения; “Трубецкой раскат” - берег с лодкой у Петропавловский крепости; “Кроншлот” - крепость в бурю; “Мельница в Аничкове” - там, где будет Аничков дворец. Это в своем роде исчезающие виды, бесхитростно воспроизведенные, местности, где бурно растет город. Бытовая сценка: “Капрал докучает женкам”; “Пономарь у кружала”; “Булочник”. Лишь “Шереметево подворье” - вид города, который сохранится у Фонтанки. Рисунки предельно выразительны, будто начала XX века.
Царь Петр, будучи в Амстердаме, брал уроки у гравера Адриана Шхонебека; он уговорил гравера оставить мастерскую, магазин и приехать в Москву. Алексей Зубов, числившийся в Оружейной палате, становится учеником голландского мастера. Он создал целую серию гравюр, на которых предстают Санкт-Петербург, Нева, корабли, торжества, свадьбы, исторические лица - вся Петровская эпоха. Но после смерти Петра Великого Алексей Зубов если и не гоним, то явно оттеснен другими, лучшая пора его жизни и творчества остается позади.
Живопись, точнее русский портрет первой трети XVIII века, - это Иван Никитин и Андрей Матвеев. Иван Никитин, сын духовника царицы Прасковьи, рос в Измайлове, родовом гнезде Романовых, усовершенствованном на европейский лад всесторонне - от оранжерей, где растут миндаль, финики, персики, виноград, до библиотеки, театра и быта. Сын священника в такой атмосфере увлекается рисованием, и его страсть, конечно же, замечена, его отправляют к Андриану Шхонебеку. В 1711 году Иван Никитин вызван в Петербург и назначен учителем школы рисования и гравирования при типографии, но вскоре Петр обращает внимание на его портреты членов царской семьи, велит писать и с него и находит, что из учителя школы рисования может выйти настоящий художник, и отправляет во Флоренцию с письмом к герцогу Козимо III Этрурскому: “Посылаем мы... с агентом Петром Беклемишевым несколько человек Российского народу для обучения в искусстве архитектории цивилис и молярства. И понеже Академия от Вашего высочества, во Флоренции учрежденная, во всех науках и искусствах зело прославлена: того ради просим Ваше высочество дружелюбно помянутых посланных в Вашу Академию повелеть принять и для обучения оного им тамо свободно пребывать и в прочем высокую Вашу княжескую протекцию им благоволительно во всем позволить”.
Путь в Италию для целых поколений молодых художников для усовершенствования в искусствах был открыт. В 1716 году царь Петр выехал вместе с семьей за границу, где совершит продолжительную поездку по разным странам; оставив в Данциге царицу, он приехал в Кенигсберг, откуда ей писал: “Екатеринушка, друг мой, здравствуй! Попались мне навстречу Беклемишев и живописец Иван. И как оне приедут к вам, тогда попроси короля, чтоб велел свою персону ему списать, а также и протчих, каво захочешь, а особливо свата, дабы знали, что есть из нашего народа добрые мастеры”.
Годы учения во Флоренции, слава которой была в прошлом, для русских художников прошли весьма трудно из-за постоянной задержки чиновниками пенсиона; наконец, царь вспомнил о Никитине и велит ему вернуться (ни брат Ивана, ни другие его не занимают, он отличает только Ивана, лучшего из них). В 1720 году на пасху Иван Никитин с братом добрались до Петербурга. Сохранилось удивительное свидетельство: “Великий государь во время литургии, которая непосредственно после заутрени отправлялась в Троицком соборе, узнавши о приезде его, по выходе из сего собора прямо пошел в квартиру ево, недалеко от оного бывшую. Он поздравил его с приездом и с праздником, похристосовался и благодарил за прилежность к учению. Обрадованный живописец толикою милостью государя хотел было его величеству показать свои картины, которые писал он в Италии и которые были завернуты, обвязаны рогожами и лежали на полу; но монарх, остановя его, сказал: “Оставь их в сих дедовских наших коврах; тебе должно от дороги успокоиться, и я после рассмотрю их с тобою”. Во время обеда великий государь послал ему со стола своего несколько блюд кушанья, и несколько бутылок разных напитков”.
Отчего такая честь Ивану Никитину? Возможно, Петр знал его с детства, ценил и отличал, как умел ценить и отличать сметливых и талантливых людей, коими окружал себя. Но, помимо всего, это был первый русский живописец, получивший всесторонние знания и навыки в самой Италии. Царь дарует братьям землю для строительства дома за счет казны. Художник сопровождает Петра или всю царскую семью всюду и пишет портреты царя, Екатерины, цесаревен Анны и Елизаветы, сановников. Теперь его звание - гоф-малер его императорского величества. Из работ Ивана Никитина сохранился, похоже, лишь портрет графа Гавриила Ивановича Головкина, одного из ближайших сподвижников Петра I.
Но смерть Петра отразилась на судьбе художника роковым образом. Его лишают придворного звания; земля, выделенная для строительства дома, не оформлена на бумаге; заказов нет. В довершение ко всему Ивану Никитину не повезло с женой. Она была горничной из свиты герцогини Курляндской Анны Иоанновны, очевидно, привыкла к придворным нравам; художник развелся с нею; среди книг, которые остались у бывшей жены, мог оказаться пасквиль на архиепископа Новгородского Феофана Прокоповича, ходивший по рукам, опасно было его хранить. Никитин написал письмо бывшей жене, та нашла список, но не уничтожила, не вернула бывшему мужу, а отдала куда следует. Повод для расправы с неугодным художником был найден. Братьев Никитиных арестовали. “Гоф-малер его императорского величества” был бит плетьми и отправлен в Сибирь “на житье вечно под караулом”. Смерть императрицы Анны Иоанновны принесла художнику свободу, но он на обратном пути, видимо, умер. Такова судьба первого русского портретиста на Руси.
Возможно, более счастливо сложилась судьба другого живописца Петровской эпохи. Детей царского подъячего Матвеева - дочь и сына - знала Екатерина; уезжая за границу в 1716 году, она взяла их с собой, девушку в качестве прачки, а юношу 14 лет, который уже выказал способности к рисованию, чтобы определить для обучения в Голландии. Андрей Матвеев, можно сказать, пенсионер не царский, а самой царицы, она не забывала о нем, на праздники ему добавляли к пенсиону несколько червонцев от ее имени. Еще обучаясь за границей, он получил звание гоф-малера. Одиннадцать лет учебы в Амстердаме и Антверпене - пожалуй, первый русский художник, прошедший все ступени обучения живописи, - но мало что осталось от его работ. Когда он вернулся в Россию, в Петербурге его никто не ждал и не помнил. Императрица Екатерина I скончалась прежде, чем увиделась со своим гоф-малером.
“Аллегория живописи”, “Венера с Амуром”, “Автопортрет с женой” (1729) - нечто небывалое для русского искусства. Если первые две картины можно оценивать как угодно, то последняя - это начало русской живописи, русского портрета с его задушевностью и внутренней открытостью, что станет вообще отличительной чертой для всего XVIII века.
"Взволнованно и вместе с тем предельно деликатно рассказал художник о том сокровенном, к чему не решалась прикоснуться старомосковская культура, - пишет исследователь. - Радостно заявил он о своих чувствах к любимой. Сколько затаенного любования и нежности ощущается в том жесте, которым он подводит свою подругу к краю картины! С каким удовольствием отмечает он певучую линию ее шеи, чуть приметную улыбку на губах, слегка приглушенный блеск глаз. Трепетный жест соединившихся рук, легкое касание плеч, еле уловимый поворот навстречу друг другу, - такая земная, человеческая радость. И плохо верится, что совсем недавно, за несколько десятилетий до создания этого холста, церковная культура еще держала тему земной любви под покровом аскетизма".
Это картина романтической эпохи, Андрей Матвеев - романтик задолго до романтизма. Но художнику не дали развить свой талант, а может быть, и гений. Он возглавлял живописную команду, то есть, по сути, занимался отделкой зданий, его словно нарочно загружали простой и грубой работой, в конце концов, как в насмешку, велено: "написание вновь и починка живописных картин в птичниках и голубятнях в садах ея императорского величества". Творческий импульс Петровской эпохи пытались заглушить, как могли. По сути, развитие живописи в новой столице было подавлено, приостановлено почти насильственно - по невежеству, нераденью либо преднамеренно, новые силы явятся нескоро, лишь к последней трети XVIII века.
На заре человеческого существования люди не имели современного комфорта, но уже тогда их сердца тянулись к творчеству. обладающие зачатком разума, и есть первые художники земли.
Наскальные рисунки эпохи палеолита
Древнейшие наскальные рисунки относятся к эпохе палеолита. Именно тогда взяли в руки краски первые художники земли. МХК начала свой длительный путь к развитию. Героями сюжетов становятся люди и дикие звери, которые одновременно были источником пищи и тотемными покровителями рода.
Наиболее известный памятник мадленской эпохи - пещера Ласко во Франции. Ученые датировали рисунки 18 тысячелетием до н.э. ценность ее настолько велика, что пещеру превратили в настоящий музей. На просторах обширного зала по стенам в безумном танце кружится целое стадо быков, лошадей, медведей и оленей. По масштабам его часто сравнивают с Сикстинской капеллой. Даже своды пещеры украшены орнаментом, напоминающим растения.
Несмотря на то, что первые художники земли творили свои шедевры по памяти, они с необычайной точностью передавали пропорции животных. Уже тогда мастера использовали перспективу и светотень для придания реалистичности изображениям. В арсенале художника было несколько цветов: черный, желтый, красный, которые изготавливались из минералов.
Мезолитическая живопись
В эпоху мезолита жизнь человека сильно изменилась. Крупного скота становилось все меньше, а от успешной охоты во многом зависела жизнь всего племени. Именно охота становится центральным сюжетом, который изображали первые художники земли. Это было своеобразным ритуалом. Многие историки считают, что изображением удачного загона скота люди пытались привлечь удачу.
В мезолите уходит многокрасочность и объемность форм. Изображения становятся более графичными и формализованными. Рисунок теперь выполнен только черным или только красным цветом. К концу периода появляются и более мирные сюжеты - сбор фруктов, меда, танцы у костра.
Наиболее яркий памятник этой эпохи - грот Зараут-Камар в Узбекистане. Благодаря искусству мезолита мы можем больше узнать об образе жизни и представлениях К примеру, именно благодаря рисункам было установлено примерное время появления лука.
Неолитическое искусство
Эпоха неолита ознаменовалась активным Человеку снова пришлось вступить в борьбу с природой за лучшие условия для жизни. Первые художники земли в древней цивилизации северной Европы все больше уходят в символизм. Изображение человека становится все схематичнее, порой с утрированными первичными половыми признаками.
Именно на территории севера Европы находится больше всего памятников этого периода. Появляются изображения морских животных - тюленей, китов, рыб. Скорее всего, это из-за того, что жизнь в этом регионе больше была связана с морем.
Первые художники земли оставили после себя множество петроглифов - камней с выдолбленным рисунком. Небольшие следы краски говорят о том, что прежде они были раскрашены. Суровый влажный климат оставил в целостности только рельеф. Мы никогда не сможем увидеть их в первозданной красе.
Роль художника в древнем обществе
Сейчас художник - это человек, который стремится реализовать себя через искусство. Но было ли это возможно в то далекое время? Люди были настолько заняты борьбой за жизнь, что вряд ли у них осталось бы время вдохновенно творить. Скорее всего, рисунок тоже был подчинен общим целям выживания.
Как бы там ни было, древнейшие художники обладали высоким талантом. Просто невозможно представить, что так рисовать могли все. Поэтому предполагают, что создатели были не только первыми художниками, но и первыми шаманами - жрецами. Они выполняли особые сакральные функции. Рисуя охоту - приманивали удачу, сбор плодов - обильный урожай в окрестном лесу, танцующих женщин - как символ продолжения рода и крепкого потомства.
Первые художники земли - это необычные люди, которые стали первооткрывателями. Именно они перенесли внутреннее представление о мире на плоскость камня. Это стало большим шагом в развитии всего человечества и его эмоциональной сферы. Благодаря им, мы сейчас наслаждаемся шедеврами мирового искусства.
Загрузка...
