تفاوت بین یک نقاشی، یک طرح، یک طرح و یک طرح چیست؟ کدام بهتر است، بوم یا مقوا؟ تصویر متضاد و واضح با چهره های لاغر و ریشو - ال گرکو. اگر نقاشی با پس زمینه تیره، شخصی را با حالتی زیبا یا شهیدی به تصویر می کشد -

برای بسیاری، یادآوری هنرمندان و نقاشی‌هایشان کاری غیرممکن به نظر می‌رسد. در طول صدها سال، تاریخ نام بسیاری از هنرمندان را نوشته است که نامشان بر خلاف نقاشی هایشان مشهور است. چگونه شخصیت و سبک هنرمند را به خاطر بسپاریم؟ ما آماده کرده ایم شرح مختصربرای کسانی که می خواهند بفهمند هنرهای زیبا:

اگر نقاشی‌ها افرادی را با باسن بزرگ نشان می‌دهند، مطمئن باشید که روبنز است

اگر مردم با لباس های زیبا در طبیعت استراحت کنند - واتو

اگر مردان شبیه زنان با موهای مجعد با چشمان مو هستند - این کاراواجو است

اگر یک نقاشی با پس زمینه تیره شخصی را با حالتی زیبا یا یک شهید نشان می دهد - تیتیان

اگر نقاشی حاوی ترکیبات چند شکلی، افراد، اشیاء، نقوش مسیحی و سورئال است - این بوش است.

اگر نقاشی شامل ترکیب بندی های چند فیگور و طرح های پیچیده است، اما آنها نسبت به نقاشی های بوش واقع گرایانه تر به نظر می رسند، مطمئن باشید که این بروگل است.

اگر پرتره شخصی را در پس زمینه ای تیره در نور کم رنگ و زرد می بینید - رامبراند

صحنه های کتاب مقدس و اساطیری که چندین کوپید چاق را به تصویر می کشد - فرانسوا بوچر

بدن های برهنه، تلمبه شده، شکل های عالی - میکل آنژ

بالرین ها کشیده شده اند، این دگا است

تصویر متضاد و واضح با چهره های لاغر و ریشو - ال گرکو

اگر نقاشی دختری را با ابرو بدون ابرو نشان می دهد، این فریدا است

ضربات سریع و سبک، رنگ های روشن و تصاویری از طبیعت - مونه

رنگ های روشن و مردم شاد - رنوار

روشن، رنگارنگ و غنی - ون گوگ

رنگ های تیره، خطوط مشکی و افراد غمگین - مانه

پس زمینه مانند فیلم ارباب حلقه ها با مه آبی روشن است. موهای موج دار مدونا و بینی اشرافی - داوینچی

اگر بدن به تصویر کشیده شده در نقاشی شکل غیر معمولی دارد - پیکاسو

مربع های رنگی مانند یک سند اکسل - موندریان

- عجب عکس عالی! - کار را تعریف کرد و بلافاصله هنرمند را با اصطلاحات نادرست آزار داد

دوستان احتمالاً می‌دانید که یک هنرمند خوب اما تأثیرپذیر اگر به او بگویید می‌تواند آزرده شود عکس او را "نقاشی" می کند. مثل این است که بگوییم کشتی ها روی دریا حرکت می کنند... اما همه می دانیم که کشتی ها روی دریا حرکت می کنند!

با این حال، شخصی که از هنرهای زیبا دور است اغلب نمی تواند دقیقاً بگوید نقاشی چیست، طراحی چیست و چه تفاوتی با یکدیگر دارند. بنابراین «نقاشی» و «نوشتن» برای او یکی است. اما سعی کنید به استاد بگویید که او "نقاشی" خوبی روی بوم دارد!

دیگر نه راه آسانبه طبیعت خلاق حساس لطمه می زند، اگرچه یک بیننده ساده بلافاصله متوجه نمی شود چه چیزی در اینجا اشتباه و توهین آمیز است.

نقاشی و طراحی مفاهیم نزدیک و حتی مرتبط هستند، اما به وضوح از یکدیگر جدا شده اند. همانطور که به خوبی مشخص است که چه زمانی تصاویر نقاشی می شوند و چه زمانی ترسیم می شوند.

بیایید سعی کنیم این را بفهمیم اصطلاحات در هنرهای زیبا. باور کنید، این نه تنها برای کسانی که خلاق هستند مهم است، بلکه جالب است.

تفاوت بین نقاشی و طراحی

به زبان رسمی سخت، طراحی - این تصویر از هر تصویر، اشیاء و پدیده در هواپیما است. شما می توانید با گچ، خودکار، مداد، رنگ نقاشی کنید - هر چیزی که روی یک سطح خاص اثری از خود باقی بگذارد.

به طور کلی حتی خراشیدن الماس روی شیشه یا مثلاً کشیدن با خودکار در درس و تاتو زدن نیز طراحی است.

اما نقاشی - این نیز تصویری از اشیا و پدیده ها است، اما فقط با استفاده از رنگ. یعنی با زبان خشک و رسمی صحبت کردن، نقاشی یکی از گزینه های طراحی است که در آن از قلم مو به عنوان ابزار استفاده می شود و رنگ ها وسیله ایجاد تصویر هستند.

به عبارت دیگر ترسیم گرافیک است و مورد توجه استبه طور رسمی، هر کاری که روی کاغذ انجام می شود، گرافیک محسوب می شود و به طرز عجیبی، آبرنگ نیز گرافیک محسوب می شود. اگرچه بسیاری از آثار به عنوان نقاشی روی کاغذ نیز به حساب می آیند

بنابراین، همه چیز روی کاغذ گرافیک است و هر چیز دیگری نقاشی است ... روی بوم، چوب، شیشه، دیوار

درس نقاشی در مدرسه را به یاد دارید؟ در آنجا کل موضوع به این صورت خوانده شد: هنرهای زیبا. هیچ درس جداگانه ای در نقاشی یا طراحی وجود نداشت، فقط یک روز نحوه کار با روغن را آموزش دادند و روز دیگر - با مداد.

از این رو این باور رایج است که نقاشی فقط یک نوع طراحی است. به طور رسمی این چنین است، در واقعیت متفاوت است.

هنرهای زیبا - هنر ثبت تصاویر = هنرهای زیبا، انجمن انواع مختلفنقاشی، گرافیک، مجسمه سازی

در واقع چنین سلسله مراتبی بوروکراسی واقعی است. امروزه در هنرهای تجسمی یک تقسیم بندی واضح وجود دارد: نقاشی- این کار با قلم مو و رنگ روی مواد متراکم است، طراحی- این استفاده از تمام مواد دیگر روی کاغذ است.

شاید چندان سخت گیرانه و علمی نباشد، اما دنیای هنر را بسیاری دوست دارند زیرا تابع علم نیست و بنابراین قوانین آن لزوماً نباید با طبقه بندی و اصطلاحات دقیق مطابقت داشته باشد.

تفاوت ظریف دیگری نیز وجود دارد: به خود کلمه فکر کنید "نقاشی"- از دو بخش تشکیل شده است: "زندگی کن"و "نوشتن". این را می توان به روش های مختلف تفسیر کرد، اما بسیاری از هنرمندان می گویند که کار با رنگ دقیقاً به این دلیل زنده است که خود رنگ ها پس از اعمال روی بوم خشک می شوند و تا حدودی خاصیت خود را تغییر می دهند، یعنی زندگی خود را می گذرانند.

و خود تصویر زندگی پویای خود را به دست می آورد ، تصویر زنده است.یا تصویرسازی- با جنب و جوش نوشتن ... کلا کلمه نقاشی به نظر من بلند و زیبا به نظر می رسد

نگاه و تأمل در نقاشی های زنده

بنابراین، ما این بخش را فهمیدیم: نقاشی کار با رنگ است، طراحی با استفاده از وسایل دیگر. علاوه بر این نقاشی سه پایه، هر دو به یاد ماندنی و تزئینی نیز با اشکال مشابه طراحی متفاوت است.

آنها روی دیوارها رنگ می زنند - ما در مورد نقاشی صحبت می کنیم، آنها را با مداد رنگی تزئین می کنیم - این نقاشی است.

نقاشی می کنند یا نقاشی می کشند؟

دیگر، نه کمتر سوال خاردار- فرآیند ایجاد یک تصویر را چه می نامیم. به نظر می رسد که اگر تصویری ایجاد شود، به این معنی است که کشیده شده است. و اگر در مورد یک نامه صحبت می کنند، معمولاً منظور آنها متن است.

در اینجا اصطلاحات ریشه های تاریخی عمیقی دارد.نقاشی در روسیه به تدریج از نقاشی شمایل شکل گرفت، زمانی که استادان با استفاده از همان تکنیک ها شروع به احیا و زنده کردن نقوش کتاب مقدس کردند و سپس کاملاً به نقاشی هایی روی آوردند که هیچ ربطی به دین نداشتند.

اما از آنجایی که آیکون ها در ابتدا بودند "نوشت"، سپس این کلمه به نقاشی مهاجرت کرد و امروزه نقاشی های رنگ روغن نیز نقاشی می شود.

من اغلب گناه می کنم و معمولاً تصاویرم را "نقاشی" می کنم

اگر در مورد طراحی صحبت می کنیم، پس همه آثار در اینجا ترسیم می شوند، مهم نیست که چقدر مهم هستند. البته می توان گفت که هنرمند یک بوم حماسی را با مداد "نوشته" کرد، اما این آزادی چیزی بیش نیست.

آیا می توان روی بوم نقاشی کرد؟

به طور کلی مرسوم است که می گویند روی بوم با رنگ روغن نقاشی می کنند، اما مثلاً به سادگی روی کاغذ می کشند. اما اینها قوانین مطلق نیستند.

به عنوان مثال، قبل از نقاشی با رنگ، هنرمند می تواند طرحی با مداد روی بوم بسازد.این یک نقاشی است، نویسنده آن را می کشد. و تنها زمانی که رنگ روی این نقاشی اعمال می شود، تصویر شروع به نقاشی می کند.

اگرچه هیچ کس طراحی با مداد یا زغال روی بوم را ممنوع نکرده است ... تنها سؤال این است که طراحی روی بوم پارچه ای برای تکنیک های خشک کاملاً مناسب نیست، مگر اینکه، البته، اینجا جایی نیست که بتوان از همه چیز استفاده کرد.

همین امر در مورد سایر اصول اولیه نیز صادق است. به عنوان مثال، نقاشی یادبود شامل نقاشی کردن تصاویر با رنگ بر روی اشیاء مختلف معماری نما، نقاشی تزئینی - این نامه ای است به موضوعات مختلفو جزئیات داخلی - اینها نقاشی دیوارهای داخل اتاق با نقاشی های دیواری مختلف و نقاشی های مصنوعی است

در عین حال، اگر یک لیوان یا کوزه برداریم و مثلاً با جوهر آن را رنگ کنیم، قبلاً نقاشی تزئینی . این بدان معناست که به هیچ وجه بستگی به این ندارد که ما مشغول نقاشی باشیم یا طراحی. همه چیز در مورد موادی است که تصویر با آن ساخته شده است.

و در نهایت: تصور نکنید که نقاشی برای حرفه ای ها است و طراحی برای آماتورها. نه اصلا! اغلب، مداد، پاستل یا مداد رنگی آثاری خلق می‌کنند که شکوه و عظمت کمتری نسبت به نقاشی‌های رنگ روغن یا اکریلیک ندارند.

و سختی ایجاد کار مثلا فقط با مداد بسیار زیاد است. بنابراین، اگر دوست دارید نقاشی بکشید، لازم نیست خود را شکنجه کنید و خود را مجبور به نقاشی با رنگ کنید - ایجاد شاهکارهایی با آنچه که دوست دارید کاملاً امکان پذیر است.

استادان پرتره در گرافیک

فقط در این مورد، اتفاقا، شما قادر خواهید بود به طور کامل خود و احساسات خود را در کار خود بیان کنیدچه روی بوم، کاغذ، شیشه یا روی دیوار! آنها موارد اولیه هستند و مواد و تکنیک ها فقط ابزارهایی هستند که از بین آنها راحت ترین را برای خود انتخاب می کنید.

دوستان به مقاله در میان بسیاری از مقالات دیگر در اینترنت گم نشده است،آن را در نشانک های خود ذخیره کنید.به این ترتیب می توانید در هر زمانی به مطالعه بازگردید.

سوالات خود را در زیر در نظرات بپرسید، من معمولا به همه سوالات سریع پاسخ می دهم

مدتها پیش متوجه شدم که برای منتقدان هنری، ابراز وجود مهمتر از ماهیت است.

الدار ریازانوف

چرا من، پسر یک نقاش مشهور مسکو، که دوران کودکی و جوانی‌ام را در میان هنرمندانی گذراندم که مجموعه‌شان بیش از هر موزه منطقه‌ای دیگر نقاشی‌ها و گرافیک‌ها را شامل می‌شود، باید به سخنان تاریخ‌دانان هنری که حتی یک قلم مو در دستشان نبود گوش کنم؟»

الکساندر گرمیتسکیخ

ویکی‌پدیا اصطلاح «تصویر» را در رابطه با نقاشی به‌عنوان «اثر هنری که دارای شخصیت کامل (برخلاف یک طرح یا طرح) و مستقل است، تعریف می‌کند. ارزش هنری" مفاهیم "مطالعه"، "طرح" و "طرح" در رابطه با نقاشی به طور کلی در ویکی پدیا با هم جمع می شوند و به یک مفهوم کاهش می یابد - طرح، مواد مقدماتی برای نقاشی واقعی هنرمند.

بیایید ببینیم که آیا این در عمل درست است یا خیر:

باید بگویم که همه اصطلاحات هنریدر قرن 19 شکل گرفت، اگر نه حتی قبل از آن. در آن روزها، نه تنها در اینجا، بلکه در سرتاسر اروپا، قرار بود افراد شایسته منحصراً به زبان فرانسوی صحبت کنند، همانطور که اصطلاحاتی که هنوز در نقاشی استفاده می شود نشان می دهد. بنابراین کلمه "مطالعه" از فرانسوی "étude" و "طرح" - از فرانسوی "esquisse" گرفته شده است. مشتریان نقاشان عمدتاً در مکان‌های بسیار بزرگی زندگی می‌کردند که به تزئینات با بوم‌های عظیم نیاز داشت، که طبیعتاً نقاشی از زندگی غیرممکن بود. واضح است که در چنین شرایطی، فقط محصول نهایی ارزش گذاری می شد - تصویر بزرگ (اما، به هر حال، به طور انحصاری پرداخت می شد). از آنجایی که هرگز به ذهن کسی خطور نکرده بود که آثار طبیعی را که به عبارت دقیق‌تر طرح‌ها متعلق به آن‌ها است، به دیوار آویزان کند، دریافت پول برای آنها غیرممکن بود و بنابراین، اگر نقاشی می‌شدند، برای برخی فقط به عنوان یک ماده بصری پشتیبانی می‌شد. تصویر بزرگو حتی اهمیت کمتری نسبت به طرح هایی داشت که با دقت نوشته شده بودند زیرا باید برای تایید به مشتری ارسال می شدند.

اینجاست که از «دوران اوچاکوف و فتح کریمه» تعاریف دیرینه مهاجرت کردند. اصطلاحات هنریبه ویکی پدیا! بله، و به فرهنگ لغت های دیگر، افسوس، بیش از حد، و از آنجا - به سر ما.

با این حال، توسط پایان قرن 19قرن، با دموکراتیک شدن جامعه، دیدگاه ها در مورد اینکه محصول نهایی در نقاشی چه چیزی می تواند باشد، به اصطلاح، به طور چشمگیری تغییر کرده است. اگر امپرسیونیست های فرانسویآنها همچنان از طرح ریزی آثار خود انتقاد می کردند، سپس A.K. ساوراسوف شاگردانش را تشویق کرد که «از طبیعت بیاموزند». به عنوان مثال، از بین هنرمندان روسی، کنستانتین کرووین دقیقاً به خاطر طرح های خود از طبیعت مشهور شد. ما قبلاً در قرن بیست و یکم زندگی می کنیم، اما در رابطه با نقاشی همچنان از درک اصطلاحات آن از 200 سال پیش استفاده می کنیم، یک پارادوکس، و بس!

درک نادرست ساده‌ترین اصطلاحات نقاشی، که در گفتار روزمره استفاده می‌شود، بر اساس چنین درک دیرینه‌ای از آنها، که عمداً توسط منتقدان محترم هنری به عموم مردم تحمیل شده است و همانطور که کاملاً واضح است چیزی از هنر نمی‌دانند حرفه‌ای است. قادر به ایجاد یک فرد معمولیبه بن بست بنابراین، در این مقاله می‌خواهم اصطلاحات رایج رایج در نقاشی را در ارتباط با وضعیت معاصر خود در نظر بگیرم.

معانی کلمه "نوشتن"(البته با تاکید بر هجای دوم)

در زبان روسی، کلمه "نوشتن" به معنای اصلی "نوشتن حروف و اعداد" است. در نقاشی، متخصصان از کلمه "نقاشی یک تصویر" به عنوان یک اصطلاح استفاده می کنند. اگر هنرمندی بگوید: "من یک نقاشی کشیدم"، پس در این مورداو از اصطلاحات حرفه ای استفاده نمی کند، بلکه به سادگی به زبان روزمره صحبت می کند، مانند مردم عادی که با آنها ارتباط ندارند فعالیت هنری. در درک اصطلاحی، آنها با زغال، سنگ سنگوین، مداد، پاستل نقاشی می کنند، اما نه با نقاشی رنگ روغن. فقط یک فرد دور از نقاشی می تواند بگوید: "این تابلوی هنرمند با رنگ روغن نقاشی شده است." و هیچ چیز وحشتناکی در مورد آن وجود ندارد، آنقدرها هم مهم نیست. همچنین مهم نیست که شما نمی‌دانید قرمز کراپلاک یا زرد کادمیوم چیست و هیچ‌وقت در مورد اومبر یا سینا سوخته نشنیده‌اید. نام رنگ های هنری که به دقت رنگ های خاصی را مشخص می کنند (در نهایت قرمز، زرد و آبی متفاوت هستند) برای افراد غیر متخصص کاملاً غیر ضروری است و مورخان هنر به چنین اصطلاحات دقیق حرفه ای دست اندازی نمی کنند.

اما این آقایانی که «هنر می‌شناسند» یا به عبارت ساده‌تر، منتقدان، یعنی روزنامه‌نگارانی که درباره‌ی موضوع هنر می‌نویسند، با موفقیت این ایده نادرست را به همه مردم تحمیل کرده‌اند که می‌گویند هنر «نیاز به درک است. ” چه کسی از هنر خبر دارد؟ البته هیچکس جز منتقدان هنری!

بنابراین، آنها با موفقیت به ما توضیح دادند که در هنرهای تجسمی ما چیزی می دانیم و نمی فهمیم. و جالب ترین چیز این است که ما کاملا با این موافقیم! از چه کسی می توانید بپرسید: "من نقاشی را نمی فهمم"، "من هنر را نمی فهمم" ...، و چیزهایی از این قبیل.

در واقع چه چیزی برای درک وجود دارد؟ هنر، از جمله هنرهای زیبا، برای ما خلق شده است، مردم عادیو نه برای «متخصصان»، به زیبایی شناسی ذاتی همه ما در طبیعت متوسل می شود. در هنر، برای بیننده، خواننده، شنونده، تنها دو معیار وجود دارد - دوست داشتن و دوست نداشتن. آیا کتاب خسته کننده ای خواهید خواند؟ نگاه کن فیلم بدیا نمایشنامه؟ آیا به اپرا، موسیقی یا آهنگی که دوست ندارید گوش خواهید داد؟ به نظر شما کازیمیر مالویچ؟ یک هنرمند درخشان، و ولیمیر خلبنیکوف - شاعر نابغه? نه؟ براوو شما درک خوبی از هنر دارید!

اما برای اینکه من و شما بتوانیم، همانطور که پیتر من بیان کرد، "از دیگر احمق های نادان تشخیص داده شویم"، هنوز لازم است چندین اصطلاح رایج را که اغلب در گفتار روزمره یافت می شود و در این مورد به نقاشی مربوط می شود درک کنیم. .

مواد برای نقاشی هنرمند

معمولاً افراد غیرحرفه ای به پیشنهاد همین منتقدان هنری معتقدند که یک تابلوی رنگ روغن واقعی باید منحصراً روی بوم کشیده شود و دیگر پایه ها مانند مقوای هنری اصلاً شایسته توجه نیستند. سپس "مونالیزا" را حتی نباید یک نقاشی در نظر گرفت، زیرا لئوناردو برای کار از تخته های نمدار استفاده کرد.

مقوا، آستر شده تا رنگ ها جذب آن نشود، با ترکیب سفید، به اصطلاح آستر متشکل از گچ و چسب، یا آستر رنگی در صورت نیاز هنرمند، یعنی مقوای هنری خاص، به طرز شگفت انگیزی مناسب است. کار، به خصوص در هوای معمولی. مقوا یک ماده فشرده و نسبتا متراکم است که بر خلاف بوم، تحت فشار قلم مو به عقب باز نمی گردد. بوم، تحت تأثیر تغییرات دما و رطوبت در اتاق، یا فرو می ریزد یا کشیده می شود، بنابراین، رنگ های روی آن با گذشت زمان فرو می ریزند، اما نه روی مقوا. نقاشی روی مقوا به اندازه خود مقوا بادوام است و مقوا از نظر دوام حتی از بوم پیشی می گیرد.

همین را می توان در مورد تخته سخت گفت، اگرچه بسیار سنگین تر از مقوا است. هنرمندان شوروی اغلب تخته‌های سخت را خودشان آماده می‌کردند، یا حتی به سادگی، برای اینکه راحت‌تر رنگ‌آمیزی کنند و قلم مو به عقب باز نگردد، بوم آماده شده را به‌ویژه روی تخته سخت می‌چسبانند. در اینجا شما بروید نمونه درخشان، یک طبیعت بی جان با یاس بنفش اندازه تصویر کاملا:

در مورد بوم چطور؟ هنرمندان منحصراً با او هستند امپراتوری روسیهتا سال 1862 کار کرد، زمانی که صنعت روسیه شروع به تولید مقوای هنری کرد.

بوم به یک برانکارد سنگین به اضافه یک کشش خوب بوم روی آن نیاز دارد. در این صورت پس از اتمام کار باید مدت زیادی صبر کنید تا رنگ خشک شود، در غیر این صورت بوم را نمی توان رول کرد، زیرا رنگ های خیس به هم می چسبند و نقاشی کاملاً خراب می شود. خشک شدن رنگ ها ممکن است یک ماه تمام طول بکشد. اینجاست که هنرمند شروع به توقف اجباری می کند. برای حمل و نقل، نقاشی، اگر بزرگ باشد، از برانکارد خارج می شود و با احتیاط روی یک بابین بزرگ که نقاشی رو به بالا است، می غلتانند تا به نقاشی آسیبی نرسد. مرحله بعدی پس از تحویل به محل است، بوم را دوباره روی برانکارد بکشید، به درستی، بدون اعوجاج، چین و چروک در گوشه ها و افتادگی، اما همچنین بدون کشش بیش از حد (همه اینها همچنین می تواند به لایه نقاشی آسیب برساند). و با گذشت زمان، بوم کشیده شده روی برانکارد، تحت تأثیر تغییرات رطوبت و دما، می تواند افتادگی داشته باشد یا برعکس، بیش از حد کشیده شود، که حتی می تواند بوم را به پارگی تهدید کند. این به نوبه خود می تواند باعث فرو ریختن لایه رنگ، تخریب یا خراب شدن نقاشی شود. به همین دلیل در سالن ها و انبارها موزه های هنریبنابراین آنها به شدت پایداری رطوبت و دما را کنترل می کنند.

مقوای هنری مزایای بسیاری دارد. سبک وزن است و هنگام بیرون رفتن می توان آن را در یک قاب چوبی مخصوص با گیره قرار داد که در بالای آن یک دسته بند برای حمل وجود دارد. ایده ای از این وسیله مفید با نقاشی حفظ شده در کاغذهای پدرم از چنین قاب برای طرح ها که پدرم به فلان نجار سفارش داده است، ارائه می شود. در اینجا نقاشی است:

گاهی یک نقاش دو تکه مقوا را برای طرح با خود می برد. اول یکی استفاده می شود و بعد اگر

نور یا حال و هوا عوض شده یا نقش دیگری جلب توجه کرده است، هنرمند مقوای دوم را برمی دارد و روی آن می نویسد. پس از اتمام کار، مقواهایی را که با نقاشی هنوز خام بودند، داخل قاب می چرخاند و با گیره محکم می کند. مقواها با هم تماس ندارند. نقاشی دست نخورده و سالم باقی مانده است. در کارگاه خشک می شود.

بنابراین، پس از سال 1862، زمانی که تولید صنعتی مقواهای هنری اولیه پایه گذاری شد، نقاشان به تدریج شروع به استفاده از مقوا کردند.

آقایان، منتقدان هنری که اصلاً در مورد همه اینها چیزی نمی دانند و خودشان حتی یک طرح هم ننوشته اند، به دلایلی نقاشی روی مقوا را آشکارا ناتمام می دانند و فقط بر اساس این واقعیت که عمدتاً نقاشی روی مقوا است، با مقوای هنری با تحقیر برخورد می کنند. روی طرح های مقوایی نوشته شده است، که همانطور که در زیر خواهیم دید، همیشه کارهایی تمام شده و با دقت ساخته شده اند و اغلب به کار زیادی نیاز دارند. وانگهی کلمه مطالعه هم ابداع شد که مترادف ناتمام بودن و سهل انگاری و... ناتمام بودن بود! اما بپرسم بی دقتی در اجرا یا ناقص بودن تصویر چه ربطی به چیزی که روی آن نقاشی شده است؟ و آیا طرح روی بوم وجود ندارد؟

به هر حال، نقاشی به سبک رئالیسم سوسیالیستی است هنرمند شوروینیکولای اوچینیکوف "در طبقه مغازه" که در سپتامبر 2016 V.V. پوتین به عنوان هدیه تولد به D.A. مدودف روی مقوا نوشته شده است.

به طور دقیق، این یک نقاشی نیست، بلکه یک طرح در مقیاس کامل است که توسط هنرمند به طور مستقیم در کارگاه کارخانه ساخته شده است، اما این اصطلاحات در زیر مورد بحث قرار خواهد گرفت.

مهم‌ترین چیز این نیست که نقاشی بر روی آن به کار رفته است، بلکه این است که چگونه هنرمند توانسته است واقعیت، حال و هوا، احساسات خود را منعکس کند و آنها را به بیننده منتقل کند. جنس پایه، اعم از بوم، مقوا، تخته سخت، کاغذ، تخته یا حتی آهن گالوانیزه نازک، هیچ ربطی به این موضوع ندارد. استعداد، تجربه و یک مدرسه هنری خوب مهم هستند. آنها می گویند که در Abramtsevo S.I. مامونتوف یک بار سقف خانه اش را عوض کرد. M.A. وروبل یک تکه آهن سقفی برداشت و روی آن یاس بنفش نوشت. خب حالا، این وروبل نیست؟

در اینجا "پرتره D.P. Smirnova، کارگر کارخانه Trekhgornaya، معاون شورای عالی اتحاد جماهیر شوروی" است.

آثار هنرمند شوروی سرگئی فدوروویچ سولوویف. همچنین بر روی آهن گالوانیزه ساخته می شود. این پرتره به دلیل ابعاد بیش از حد متوسط ​​37.5 x 31.5 سانتی متر و چنین عنوان رسمی، به وضوح یک مطالعه تمام عیار برای پرتره بزرگ سفارشی از یک مرد پیشرو در تولید است. ظاهراً وقتی مدل برای ژست گرفتن به استودیوی این هنرمند آمد، چیز دیگری در دست نداشت، بنابراین یک قطعه کوچک کاملاً تمام شده را نقاشی کرد. پرتره زن، که پس از آن، شاید با تغییرات جزئی، به یک بوم بزرگ منتقل شد.

گاهی اوقات، به دلیل کمبود همه چیز در آن زمان، هنرمندان شوروی نقاشی می کردند رنگ روغنحتی روی کاغذی که اصلاً برای این کار در نظر گرفته نشده بود. این همان کاری بود که پدرم گاهی انجام می داد، مخصوصاً. سپس، پس از مرگ پدرم، مجبور شدم این کاغذ را روی مقوا بچسبانم. (کاغذ "برف افتاد" روی مقوا، روغن؛ 61.5x82؛ 1969)

چرا، از کیسه های پاره شده حتی روی چنگال نوشته اند! و به خوبی نتیجه داد!

به عنوان مثال، شغل پدر من "رئیس" است. داستان او این است: پدرش یک سفر کاری به یکی از مزارع جمعی در آلتای، جایی نزدیک بیسک، با وظیفه نوشتن رئیس آنجا، قهرمان کار سوسیالیستی، دریافت کرد. در مزرعه جمعی، به طور طبیعی، نه بوم، چه بیشتر از آن، یک بوم آماده شده وجود داشت، بنابراین پدرم یک گونی بزرگ را باز کرد، آن را روی برانکارد بداهه‌ای که فوراً کنار هم قرار گرفت، دراز کرد، کرباس را آماده کرد و پرتره‌ای از رئیس را کشید. متعاقباً، 50 سال پس از وقایع، مجبور شدم این اثر را روی یک برانکارد معمولی بکشم.

یا اینجا منظره پاییزی"پاییز زرشکی" که توسط پدرم در جایی در روستایی دورافتاده نوشته شده است، همچنین با استفاده از فناوری مشابه:

بنابراین: اگر در حال نقاشی یک تصویر بزرگ چند متری هستید، خواه ناخواه مجبور خواهید بود آن را منحصراً برای در نظر گرفتن حمل و نقل بعدی، و نه برای اینکه ارزش هنری داشته باشد، روی بوم نقاشی کنید!

در موارد دیگر، مهم نیست که روی چه چیزی بنویسیم، در غیر این صورت اولین‌هایی که توسط P.M خریداری می‌شوند. ترتیاکوف دو اتود توسط M.A. Vrubel ON CARDBOARD هیچ ارزش هنری را نشان نمی دهد.

اسکیس و اسکچ

یک طرح، بالاخره هر چه که شما بگویید، یک طرح کاملاً تمام شده، نسبتاً کوچک است در مقیاس کاملکاری که در فضای باز (منظره) یا مثلاً در استودیو (طبیعت بی جان، پرتره) انجام شده و کاملاً است. یک کار مستقل. با این حال، از طرح ها نیز می توان در آینده برای نقاشی یک تصویر بزرگ استفاده کرد، گاهی اوقات حتی یک بوم بزرگ چند متری، که فقط در کارگاه امکان پذیر است. یک طرح، به ویژه برای مناظر، اغلب دارای ابعاد است، تقریباً از 60 در 80 سانتی متر تجاوز نمی کند، یعنی اندازه ای مناسب برای حمل توسط یک نفر. در اینجا نمونه ای از چنین طرحی در مقیاس کامل آورده شده است:

طرح می تواند یک مطالعه یک جلسه ای باشد که در یک جلسه، یعنی در یک روز نوشته شود. اما این به ندرت اتفاق می افتد، اغلب اتود به چندین جلسه یا حتی چندین جلسه نیاز دارد. یک طرح چند جلسه ای، به خصوص اگر یک منظره در مقیاس کامل باشد، گاهی به چندین سال کار نیاز دارد. این معمولاً زمانی اتفاق می‌افتد که آب و هوا به شدت و برای مدت طولانی تغییر می‌کند و وضعیت مطلوب اکنون در حال حاضر ظاهر می‌شود سال آینده. خوب مثلا شما بنویسید پاییز طلاییدر آفتاب روشن، هنوز یکی دو جلسه باقی مانده است، اما اینجا یک ماه کامل باران می بارد و به ناچار باید سال آینده به این مکان بیاییم.

بنابراین، طرح یک کار در مقیاس کامل است، یک اثر هنری تکمیل شده که نقاش برای آن زحمت زیادی صرف کرده است، یعنی به زبان روزمره، یک نقاشی رنگ روغن کامل شده نسبتاً است. اندازه بزرگ.

البته طرح های ناتمامی هم وجود دارد، اما یک نقاشی بزرگ چند متری نیز می تواند ناتمام باشد. بنابراین، همانطور که می بینیم، ایده منتقدان محترم هنری مبنی بر اینکه یک طرح قطعاً چیزی ناتمام و دارای ارزش هنری ناچیز است، مدتهاست که منسوخ شده است، و بیش از 100 سال است که معنای سابق خود را از دست داده است، که متأسفانه آنها به طور محکم در آن کاشته شده اند. ما را به سر می برد، و آنچه که افسوس، حتی در لغت نامه ها منعکس شده است، برای مدت طولانی کوچکترین مبنایی نداشته است.

طرح

یک طرح با یک طرح متفاوت است زیرا همیشه صرفاً برای آماده سازی یک نقاشی موضوعی بزرگ انجام می شود (ترکیب چند شکلی در یک موضوع خاص. "صبح" اعدام استرلتسی"به عنوان مثال سوریکوف). کامل بودن همیشه در طرح وجود ندارد و در این مورد خصلت یک طرح را دارد. بیایید دو طرح را با هم مقایسه کنیم مشاغل بزرگهنرمند شوروی کلودیا توتول. در مورد اول، طرح به عنوان یک ماده کاری برای خود ساخته شد (طرح پانل برای غرفه فضایی در VDNKh)

در مورد دوم (طرح سقف سقف تئاتر اپرا و باله ابی در آلماتی) طرح برای تایید شورای هنری ساخته شد که امضا و مهر در قسمت های پایین و بالا سمت چپ طرح گواه آن است. بنابراین، کاملاً تمام شده و تمام شده است، بدون طرح، یعنی. اینجا بوی غفلت و کار ناتمام به مشام نمی رسد. به عنوان مثال، در معماری، این مدلی از ساختار معماری مربوطه خواهد بود.

طرحی برای یک نقاشی می‌تواند یک تصویر کاملاً تمام‌شده و حتی با دقت کشیده یا کشیده شده باشد از یک دست، پا، گوش، صورت، شکل یا سر یک شخص، اسب، سگ، حیوانات دیگر، یا حتی یک تراکتور، کامیون، هر شی، یا تکه لباس، همه چیز در حال حاضرنقاش به طور کلی به هر چیزی که می تواند در آینده گنجانده شود علاقه مند است تصویر بزرگهنرمند علاوه بر این، همه اینها گاهی اوقات می توانند روی همان تکه بوم، مقوا یا تخته سخت قرار بگیرند.

چنین طرح هایی که گاه ناتمام، بی دقت، با عجله اجرا می شوند، طرح نیز نامیده می شوند، یعنی آنچه هنرمند در فرآیند تصور یک ترکیب بزرگ چند شکلی، روی یک ورق کاغذ، مقوا، بوم و غیره "طرح" می کند.

علاوه بر این، اسکیس ها به طرح های سریع نیز گفته می شود که توسط هنرمند به صورت خودجوش و تحت تأثیر لحظه ساخته می شود. به عنوان مثال طرح V.G. کاغذ Gremitskikh "Away" 25.5x17، مداد؛ دهه 1940

V.G. کاغذ Gremitskikh "Away"، مداد؛ 25.5x17; دهه 1940

همانطور که می بینیم، هنرمند، روی اولین تکه کاغذ کادویی که به دستش رسید، فقط برای خودش طرحی کشید. با یک مداد ساده، همچنین ظاهراً با صحنه ای از ژانر روبرو شده بود که در حال مشاهده بود.

اما هنرمند مسکو، ایگور رادومان، پدرم را در حالی که روی تختی در جایی در خانه هنرمندان "آکادمیک داچا" آرمیده بود، نقاشی کرد:

هنرمندان از همه نوع، متعدد در دوران شورویبه طور کلی جلسات و جلسات دائماً از کاری که انجام می‌دادند خسته و سرگرم می‌شدند طرح های مدادییکدیگر من طرح های مشابه زیادی از هنرمندان مختلف در مجموعه خود دارم.

یک طرح را می توان نه تنها با مداد، بلکه با رنگ های روغنی، سانگوئین، پاستل، زغال چوب، خودکار و هر چیزی ساخت. قلم توپی، زیرا یک هنرمند واقعی نمی تواند یک دقیقه بدون حرفه خود زندگی کند. برای هنرمندان رئالیست، این فقط نوعی شیدایی حرفه ای در سطح یک رفلکس شرطی است که مستلزم آموزش مداوم، بهبود مهارت ها است، که در واقع یک هنرمند واقعی را متمایز می کند که تمام زندگی خود را هر روز و هر ساعت وقف هنر می کند. ، از هنرمندان به اصطلاح "مدرن" و هنرمندان آوانگارد که شما نیازی به انجام هیچ کاری ندارید و بنابراین نیازی به آموزش نیست - هیچ مهارتی وجود ندارد، چیزی برای برجسته کردن وجود ندارد، فقط مربع ها را رنگ کنید و مثلث ها!

به هر حال، یک طرح، بسته به زمانی که هنرمند برای تکمیل آن دارد، می تواند به یک طراحی کاملاً تمام شده تبدیل شود. در اینجا ما به طور کامل به پایان رسید پرتره کودکبا مداد "ولودیا در حال بازی" توسط نقاش موروم واسیلی واسیلیویچ سروف، اما با این وجود، این یک طرح است!

طرح ها کمکی به روند کار هنرمند روی یک نقاشی موضوعی بزرگ هستند. طرح ها نه تنها در روغن، بلکه در زغال چوب یا مداد، تمپر و غیره ساخته می شوند. علاوه بر این، طرح می تواند کل آینده بزرگ را شامل شود نقاشی چند فیگورهنرمند

به عنوان مثال می توان دو طرح را برای یک نقاشی موضوعی بزرگ «فرماندهان جنگ داخلی«در واقع توسط هنرمند شوروی گریگوری گوردون، که یک پرتره گروهی از مشهورترین فرماندهان سرخ جنگ داخلی است.

در ابتدا، نقاش تصمیم گرفت به سادگی همه آنها را در پس زمینه یک بنر قرمز ردیف کند.

اما پس از آن این ترکیب برای او خسته کننده به نظر می رسید و تصمیم گرفت تا حدودی آن را پیچیده کند:

همانطور که می بینیم، در این مورد، طرح ها با تمپر ساخته شده اند، و علاوه بر این، با وجود طرح ریزی هر دو اثر، یعنی. ناقص بودن و به ظاهر بی دقتی در اجرا، همه قهرمانان تصویر بزرگ آینده کاملاً قابل تشخیص هستند. ما به وضوح وروشیلوف، بودیونی، شچورس، فرونزه، چاپایف، پارخومنکو و غیره را می بینیم.

و در اینجا طرحی برای نقاشی موضوعی بزرگ "دستگیری الکساندر اولیانوف" توسط هنرمند قبلاً ذکر شده موروم V.V. سرووا:

البته نتیجه به احتمال زیاد متفاوت خواهد بود طرح اصلی. یک هنرمند واقعی، به عنوان یک قاعده، هرگز چیز جدیدی از ذهن خود بیرون نمی آورد. او دائماً در حال بررسی موضوع مورد علاقه خود است. او به آن فکر می کند، نظر خود را تغییر می دهد، بسیار مشاهده می کند، ادبیات مربوطه را می خواند. اگر نقاشی موضوعی آینده حاوی منظره باشد، طرح های مربوطه از طبیعت نوشته می شود که متعاقباً، معمولاً به شکل کمی تغییر یافته، به نقاشی منتقل می شود. گاهی اوقات جزئیات فردی از چندین طرح در مقیاس کامل به یک تصویر بزرگتر منتقل می شود.

با این حال، یک طرح در مقیاس کامل، بر خلاف طرح و طرح، یک اثر، همانطور که قبلاً دیدیم، مستقل و لزوماً کاملاً تمام شده است. در اینجا یک مثال واضح برای شما آورده شده است. با دریافت سفارش یک نقاشی موضوعی بزرگ "لنین و گورکی در گورکی"، پدرم به ویژه در بهار 1952 بارها به لنینسکی گورکی در نزدیکی مسکو سفر کرد و دو طرح بزرگ را در آنجا نقاشی کرد، هر دو روی بوم. ابتدا «گورکی. بهار. روغن روی بوم؛ 60x80 سانتی متر،

و سپس - "در گورکی لنینسکی، روغن روی بوم. 78.5x57 سانتی متر."

متعاقباً، در نقاشی بزرگ پایانی، پدرم طرح دوم را به عنوان مبنا قرار داد، قدم ها را کمی به عقب برد و ماکسیم گورکی را در حال صحبت با لنین در مقابل آنها قرار داد. از طرح «گورکی. بهار." او حالت اولیه طبیعت را در پس‌زمینه گرفت، و به طور قابل توجهی خود چشم‌انداز را با یک آلاچیق در مقایسه با آن کاهش داد چهره های مرکزی. با این حال، هر دو طرح، هرکدام به خودی خود، نمایانگر یک منظره پارک مستقل کاملاً کامل هستند، که هیچ تفاوتی با دیگر مناظر طبیعی متعدد پدرم ندارد. اگر من این داستان را اینجا نمی گفتم، شما، حتی اگر منتقد هنری بودید، هرگز حدس نمی زدید که هر دوی این آثار برای خلق نقاشی رئالیسم سوسیالیستی استفاده شده اند، درست است؟ پس چگونه می توان گفت که طرح ها دارای شخصیت کامل و اهمیت هنری مستقل نیستند؟ (تعریف ویکی پدیا را به خاطر بسپارید).

یک نقاشی چند رقمی موضوعی بزرگ نیاز به کار عظیم و طولانی روی آن دارد، وجود تعداد زیادی طرح و طرح. این به طور انحصاری در استودیو نقاشی می شود، اغلب در طول چندین سال. به عنوان مثال، A. A. Ivanov را با نقاشی عظیم خود "ظهور مسیح بر مردم" که این هنرمند بیست سال روی آن کار کرد - از 1837 تا 1857 یا واسیلی سوریکوف که روی هر یک از نقاشی های خود سه تا پنج کار کرد، در نظر بگیرید. سال

تفاوت بین تصویر و مطالعه چیست؟

طرح، مستقل و کاملاً تمام شده است یک اثر هنری، تفاوت اصلی با یک نقاشی در این است که از زندگی نقاشی شده است. این نقاشی به طور انحصاری در استودیو بر اساس حجم عظیمی از مواد - مطالعات، طرح ها، طرح ها، طرح های مداد و عکس نقاشی می شود. گاهی باید درس بخوانی تعداد زیادیادبیات و نشریات، در حالی که طرح، یعنی موضوع تصویر، توسط خود هنرمند ابداع شده یا توسط مشتری دیکته می شود. و آنچه از همه مهمتر است، نقاشی همیشه مقصود اولیه هنرمند را تجسم می بخشد، در حالی که طرح عمدتاً خود به خود نوشته می شود - هنرمند کتاب طرح را می گیرد و به دنبال انگیزه ای می رود، یعنی. نوعی که او خواهد نوشت آنجا که دید، همان جا ایستاد و نوشت.

اتودهایی که به طور خاص برای خلق نقاشی های موضوعی بزرگ نوشته شده اند از این قاعده مستثنی نیستند. در موردی که در بالا صحبت کردم، پدرم ابتدا یک آلاچیق را در لنینسکی گورکی پیدا کرد، تصمیم گرفت که لنین و گورکی را در مقابل آن قرار دهد و تنها پس از آن دو طرح از زندگی را با این آلاچیق نقاشی کرد.

اساساً می توان گفت که هر چیزی که از زندگی نوشته شده یک طرح استخواه منظره باشد، طبیعت بی جان یا پرتره، و هر چیزی که نیاز به یک نقشه اولیه دارد، کار طولانیبا متعدد و متنوع مواد آماده سازی- این یک عکس است.

یک نقاشی را قطعاً می توان بوم دوران ساز با اندازه بزرگ و گاهی اوقات به سادگی عظیم نامید. هنریک ایپولیتوویچ سمیرادسکی چنین هنرمندی وجود داشت. بنابراین او نقاشی های بزرگی کشید که در استودیو از سقف آویزان شدند و به زمین رسیدند، و توجه داشته باشید، این در یک خروشچف اتفاق نیفتاد. بنابراین، دانشگاهیان و استاد آکادمی امپراتوریهنر، او مجبور بود مدام از پله ها بالا برود، او گاهی اوقات چنین آثار عظیمی داشت. در G.I. نقاشی های سمیرادسکی بیشتر نقاشی های فانتزی بزرگی با مضامین باستانی بود که او موضوعات آن را از سر خود می گرفت، زیرا زندگی واقعی یونان باستانطبیعتاً او نمی‌توانست روم را در زمان امپراتور نرون با چشمان خود مشاهده کند.

با این حال، این نقاشی می تواند از نظر اندازه بسیار کم باشد، به خصوص برای نقاشی های سبک، یعنی نقاشی های هنرمندانی که صحنه های روزمره را به تصویر می کشند. به عنوان مثال، "مطابقت یک سرگرد" توسط پاول فدوتوف دارای اندازه طرح است - فقط 58.3x75 سانتی متر، اما، همانطور که می دانید، به وضوح از زندگی به طور مستقیم در اتاق نشیمن یک تاجر نقاشی نشده است.

یک تصویر تاریخی به طور کلی یک چیز منحصراً فانتزی است. به عنوان مثال، هر دو برادر واسنتسف روی آن نوشتند مطالب تاریخی، اما بسیار متفاوت است. یکی زندگی و معماری مسکو در قرون 14 و 17 را بازسازی کرد، دیگری روس ها را به عنوان مبنایی در نظر گرفت. قصه های عامیانهو حماسه ها اما اگر آپولیناریس، به طور جدی، سطح علمی، که به تاریخ و باستان شناسی مشغول بود، عضو انجمن های مختلف تاریخی و باستان شناسی بود، به عنوان حامی پرشور انتشار دانش تاریخ، تلاش کرد زندگی و دیدگاه های مسکو قرون وسطی را "آنگونه که بود" بازسازی کند. اسناد باستانی و نتایج کاوش های باستان شناسی، که گاهی اوقات او شخصاً در آن شرکت می کرد، نقاشی های برادر بزرگترش، ویکتور، قبلاً طبیعتی کاملاً فانتزی داشتند.

نقاشی های نبرد نیز در همین دسته قرار می گیرند. نقاشی آنها از زندگی مستقیماً در میدان جنگ، همانطور که برخی از بانوان تاریخ هنر تصور می کنند، به سادگی مضحک است. نقاش معروف نبرد روسی V.V. ورشچاگین که شخصاً نبردهای زیادی را مشاهده می کرد و گاهی اوقات حتی مستقیماً در آنها شرکت می کرد ، نقاشی های خود را صرفاً از حفظ و به طور طبیعی در استودیو با تکیه بر طرح های متعددی که در تئاترهای عملیات نظامی ساخته بود نوشت. علاوه بر این ، واسیلی واسیلیویچ زیاد خواند ، با شاهدان عینی مصاحبه کرد ، پول زیادی را برای وسایل خرج کرد - او اسلحه ، لباس ، تجهیزات خریداری کرد که سپس از زندگی بیرون کشید و به این ترتیب طرح هایی را برای نقاشی هایی که در ذهن داشت تهیه کرد.

نقاشی های بزرگ که مناظر را به تصویر می کشند نیز چیزهای واقعی نیستند، بلکه توسط هنرمند از سر خود اختراع شده و بر اساس طرح هایی از طبیعت ساخته شده اند. یک بار به طور اتفاقی طرحی به ابعاد تقریبی 60 در 80 سانتی متر دیدم که بر اساس آن I.I. شیشکین نقاشی بزرگ معروف خود "چودار" را قبلاً به ابعاد 107 در 187 سانتی متر نقاشی کرده بود و همه چیز را مانند تصویر نشان می داد ، فقط جاده مستقیماً از بیننده به سمت درختان کاج نمی رفت ، بلکه تا حدودی به طرفین می رفت. تعداد درختان کاج متفاوت بود. در این مورد، طرحی از طبیعت به وضوح به عنوان پایه ای برای ایجاد یک نقاشی بزرگ با منظره عمل می کند، اما به خودی خود نشان دهنده یک کار کاملاً تمام شده و با دقت ساخته شده است.

بنابراین، ما می توانیم نه تنها در مورد یک طرح برای یک نقاشی، بلکه همچنین در مورد یک طرح برای یک نقاشی صحبت کنیم، اگر طرح به طور خاص برای آن نوشته شده باشد. اغلب این به منظره مربوط می شود. اگر I.I. شیشکین خود را به طرح ذکر شده در بالا محدود کرد و بنا به دلایلی اثری در مقیاس بزرگ بر اساس آن ننوشت ، اکنون منتقدان هنری این کار را انجام می دهند. گالری ترتیاکوفاز نقاشی I.I. شیشکینا "چودار" 60x80 سانتی متر، بدون اینکه شک کنید که این یک طرح در مقیاس کامل است.

بیایید جمع بندی کنیم:

یک نقاشی، بر خلاف یک طرح، لزوماً نیاز به یک برنامه اولیه توسط هنرمند، تفکر طولانی مدت دارد و همیشه با اجرای دقیق و اتمام، به اصطلاح، نوشته شده، متمایز می شود. نقاشی با هر اندازه ای همیشه توسط هنرمند در استودیو بر اساس طیف گسترده ای از مواد نقاشی می شود: عکس ها، طرح های آماده سازی و طرح ها و در صورت لزوم، بر اساس طرح های از پیش نوشته شده از طبیعت. یک نقاشی، حتی کوچک، و حتی بیشتر اندازه های بزرگ، همیشه نه در هوای آزاد، حتی اگر یک منظره باشد (سعی کنید چنین غول پیکری را با خود به یک مزرعه یا جنگل بکشید!)، بلکه در استودیوی هنرمند نقاشی می شود. یک تابلوی نقاشی بزرگ مطمئناً روی بوم نقاشی می شود که دلیل آن چیزی نیست جز راحتی استثنایی بوم های بزرگ برای حمل و نقل.

یک نقاشی موضوعی - همانطور که خود اصطلاح نشان می دهد، نقاشی روی یک موضوع خاص است. اغلب این یک ترکیب چند رقمی بزرگ است. این اصطلاح قبلاً در تاریخ هنر شوروی ظاهر شده است ، بنابراین اغلب در مورد آثار به اصطلاح رئالیسم سوسیالیستی به کار می رود ، به عنوان مثال ، با موضوع مدنی ، بزرگ. جنگ میهنییا مثلاً «لنین در اکتبر». از آنجایی که اندازه چنین آثاری اغلب به سادگی بسیار زیاد است، هنرمند به طور طبیعی روی چنین نقاشی در استودیوی خود کار می کند و آن را روی بوم نقاشی می کند. "قزاق ها نامه ای می نویسند به سلطان ترک» I.E. رپین، که اندازه آن 2.03 در 3.58 متر است، در اصل می تواند یک نقاشی موضوعی نیز نامیده شود، اگرچه رئالیسم سوسیالیستیهیچ بویی وجود ندارد همچنین توسط ایلیا افیموویچ در کارگاه بر اساس بسیاری از طرح ها و طرح ها، و همچنین، به عنوان مثال، "Barge Haulers on Volga" (1.31 در 2.81 متر) نوشته شده است.

ژانر نقاشی - نام از کلمه فرانسوی "ژانر" گرفته شده است - این کار معمولاً است

در اندازه کوچک، صحنه ای از زندگی را به تصویر می کشد. به عنوان مثال به طور گسترده نقاشی معروفهنرمند روسی پاول فدوتوف (1815-1852) "Major's Matchmaking" که قبلاً ذکر شد، تنها 58.3 در 75.4 سانتی متر است - "Fresh Cavalier" او حتی کوچکتر است - 48.2 در 42.5 سانتی متر، و با این حال هنرمند روی این ژانر کوچک کار کرد. نقاشی برای نه ماه!

کوچک قطعه گفتگورا می توان نه تنها روی بوم، بلکه روی مقوا یا تخته سخت نیز ساخت. این مواد در قرن بیستم به طور گسترده گسترش یافت.

همچنین چنین مفهومی وجود دارد ژانر پرتره. درست است که پرتره، پرتره یک فرد در پس زمینه ای خنثی است، اما زمانی که پس زمینه ای وجود دارد که اشیا، افراد یا حتی یک منظره صنعتی را به تصویر می کشد که مثلاً شغل فرد به تصویر کشیده شده را به بیننده القا می کند. این در حال حاضر یک پرتره ژانر است. به عنوان مثال، می توان به ژانر پرتره زن "کهنه سرباز کار معدن" توسط هنرمند شوروی Klavdia Aleksandrovna Tutevol اشاره کرد که قبلاً در اینجا ذکر شده است:

طرح، همانطور که در بالا گفتیم، یک کار مستقل کاملاً تمام شده است، اما قطعاً از طبیعت. این یک اثر هنری کاملا مستقل است، اما می تواند به عنوان ماده کمکی برای یک تابلوی نقاشی بزرگ از هنرمند عمل کند که به هیچ وجه از ارزش هنری آن کم نمی کند. این می تواند یک طبیعت بی جان، پرتره، منظره، داخلی باشد. این طرح به دلیل اندازه نسبتاً کوچکی که دارد، بر روی تمام مواد فوق نقاشی شده است، اما نکته اصلی در آن، البته، کیفیت کار نقاش است، توانایی او در ساخت یک ترکیب در طبیعت بی جان، منعکس کننده شخصیت مدل در یک پرتره، هیجان یا آرامش دریا، سرمای یک جنگل زمستانی، زیبایی غروب آفتاب، زیبایی پاییز طلایی یا حال و هوای بهاری طبیعت را در منظره منتقل می کند.

طرح یک کار کمکی است، هدف آن ثبت ایده ترکیب آینده است

تصویر موضوعی به عنوان مثال، بیایید طرحی برای نقاشی "سرزمین های بکر" اثر E. D. Ishmametov بگیریم. در آن، هنرمند ترکیب و رنگ آمیزی، شخصیت ها، ژست های شخصیت ها را توسعه داد و سپس نقاشی بزرگی را در مورد این موضوع کشید. نقاش همیشه طرحی را برای یک نقاشی با دقت زیاد می اندیشد. معمولاً یک طرح با نوعی ناقصی، ناقصی مشخص می شود. این به این دلیل است که هنرمند اغلب نیازی به اتمام کار ندارد - توسعه گزینه های ترکیب نقاشی آینده، اصلاح طرح اولیه آن. بنابراین، طرح اغلب دارای شخصیت یک طرح است. اما می تواند یک کار کاملاً تمام شده و با دقت ترسیم شده باشد، مخصوصاً زمانی که طرح برای تأیید هیئت انتخاب در نظر گرفته شده باشد، همانطور که قبلاً در نمونه طرح سقف برای تئاتر دیدیم. آبای در آلماتی اثر کلودیا توتول.

یک طرح، اگر در فرآیند کار روی یک نقاشی انجام شود، نیز یک کار کمکی صرف است، ناتمام، نه با جزئیات کشیده شده است.

به سرعت نوشته یا کشیده شده است، اما بی دقتی هنرمندان خوبدر آن اتفاق نمی افتد. می‌توانید به سرعت، مثلاً، سر یک مدل را ترسیم کنید، که بعداً به یک پرتره تمام‌شده با شکوه تبدیل می‌شود، یا می‌توانید طرحی سریع از شکلی بسازید که ممکن است بعداً برای ایجاد ترکیب یک نقاشی بزرگ مورد نیاز باشد، و طرح یک اثر مستقل باقی خواهد ماند که برای کلکسیونرها و آماتورها جالب است. برای مثال، طرحی از V.G. "رقص" گرمیتسکی:

با این حال، همانطور که در بالا دیدیم، طرح ها نیز می توانند کاملا مستقل باشند.

یک طرح معمولاً دارای ویژگی یک طرح است، اما یک طرح اساساً یک طرح برای یک نقاشی آینده، کل ترکیب آن است، در حالی که یک طرح برای یک نقاشی، طرحی سریع از چیزی است که در اصل می تواند در آینده گنجانده شود. نقاشی

درباره برخی از اصطلاحات رایج دیگر در نقاشی:

زمانی بسیار متعجب شدم که فهمیدم چوبدستی «نقاشی رنگ روغن بدون تصویر واضحی از چهره‌های انسان یا حیوانات است». در واقع، کارکنان مجسمه های کوچکی از افراد یا حیوانات هستند که توسط هنرمند برای احیای منظره در آن حک شده است.

یک اصطلاح دیگر از نقاشی منظره- چنگال تنظیم این یک نقطه روشن است که با پس زمینه کلی منظره در تضاد است. معمولاً این نوعی کارمند است. نمونه کار یک هنرمند تاشکندی است

V.M. کووینینا " منظره کوهستانی«با قیافه دختری که لباس ملی قرمز روشن پوشیده است.

وقتی به هرکدام زنگ می زنند عجیب است نقاشی رنگ روغن، حتی در اندازه کوچک و حتی روی مقوا نوشته شده است. کتانی یک پارچه کتان صاف و متراکم از ساده ترین بافت است. بهترین گونه ها کامبریک نامیده می شدند، درشت ترین آنها بوم، بوم، اکولدوک و غیره نامیده می شدند. (ویکی پدیا). بنابراین، بوم در رابطه با نقاشی نمی تواند مقوا یا مقوا باشد، قطعا بوم است.

در نقاشی، بوم‌ها نقاشی‌هایی با اندازه‌های بسیار زیاد و معمولاً روی موضوعاتی دوران ساز هستند. بنابراین ، می توان گفت که فقط بوم ها از قلم مو واسیلی سوریکوف بیرون آمدند ، اما کنستانتین کورووین عمدتاً به خاطر کارهای طراحی خود مشهور شد. اگر بتوان "موج نهم" اثر آیوازوفسکی را به طور کامل بوم نامید ، در رابطه با کار کوچک قبلاً ذکر شده "کاوالیر تازه" توسط فدوتوف ، علیرغم اینکه روی بوم نیز نقاشی شده است ، به سادگی خنده دار خواهد بود.

کمی بیشتر در مورد خاک: گسو چیست؟ این یک آستر مخصوص است که همچنین بر پایه گچ است که برای پوشاندن یک تخته چوبی استفاده می شود. قبلا در اروپای غربیتصاویر اغلب بر روی تخته ها و در روسیه - نمادها و همیشه نقاشی می شدند. این ماده بسیار ناراحت کننده است. در هلند، در یک زمان، تخته ها به مدت 50 سال خشک می شدند، تنها پس از آن کار می کردند. امروزه هنرمندان به ندرت از جسو استفاده می کنند، زیرا رنگ همراه با لایه ای ضخیم از پرایمر به راحتی در طول زمان یا در اثر یک ضربه سبک خرد می شود. و نقاشان آیکون مدرن کمتر و کمتر از آن استفاده می کنند.

در پایان، در اینجا چند تصویر دیگر برای وضوح وجود دارد:

کاری از V.G. Gremitskikh که به آن "اتود" می گویند. این اساساً همانطور که از نامش پیداست، یک پرتره ژانر یک جلسه ای در مقیاس کامل از یک کارگر است که درست در محل کار او در ساخت نیروگاه برق آبی کویبیشف نقاشی شده است.

و در اینجا یک پرتره ژانر از هنرمند تاشکندی والری کوینین است:

این به وضوح یک پرتره یک جلسه نیست، هنرمند به وضوح همکار خود را که به عنوان الگوی او عمل می کرد، با تعداد جلسات عذاب می داد، که هم از اجرای دقیق کار و هم از اندازه آن مشهود است. اما با این وجود این پرتره مردنه یک نقاشی، بلکه طرحی چند جلسه ای از طبیعت که به هیچ وجه از ارزش هنری آن نمی کاهد.

برای اثبات این جمله آخر، پرتره زن معروف "دختری که توسط خورشید روشن شده است" را در نظر بگیرید. پسر عموی او ماریا سیمونوویچ V.A. سروف در تابستان 1888 از زندگی نقاشی می کرد و هر روز آفتابی را تماشا می کرد (در روزهای ابریاو منظره "برکه بیش از حد رشد" را نقاشی کرد). طرح اولیه (در بالا گفتیم که داریم هنرمند معروفاو نیز غایب بود، او فقط می خواست، به قول او، "چیزی شاد بنویسد."

بنابراین، در اینجا ما با چیزی بیش از یک طرح معمولی چند جلسه ای از طبیعت روبرو نیستیم که بر اساس یک میل فوری نوشته شده است. خوشبختانه برای P.M. ترتیاکوف که این اثر را به دست آورد، هنوز نمی دانست که "مطالعه در هنرهای زیبا طرحی مقدماتی برای کار آینده است." (ویکی پدیا) و والنتین سرووف درجه ای از غیرحرفه ای بودن را نشان داد و 90 روز را صرف دو طرح مقدماتی کرد - یک پرتره از یک دختر و یک منظره با حوض!

موارد بسیار بیشتری قابل استناد است نمونه های مشابه، اما می ترسم خواننده را خیلی خسته کرده باشم. امیدوارم هنوز هم توانسته باشم در توضیح برخی از رایج ترین اصطلاحات هنری که گاهی اوقات، صادقانه بگویم، حتی خود هنرمندان نیز در آنها گیج می شوند، برای عموم مردم توضیح دهم.

الکساندر گرمیتسکیخ

آواتار: V.M. کوینین "به بازار یکشنبه. کاراکالپاکستان." رنگ روغن روی بوم 98x178. 1971 (این یک عکس معمولی ژانر بزرگ است)

شروع گفتگو با فرهنگ جهانی، انسان مدرنهیچ تلاشی برای رسیدن به سطح او صرف نمی کند، بلکه برعکس، سعی می کند او را به سطح خود پایین بیاورد. (کسی باهوش)

قبل از اختراع عکاسی، نقاشی به عنوان ابزاری برای انعکاس هر چه دقیقتر محیط در نظر گرفته می شد. نقاشی هر چه بهتر و معتبرتر به تصویر کشیده شود در نظر گرفته می شد دنیای واقعی. با ظهور عکاسی در سال 1839، و سینما در سال 1895، درک نقاشی به طور قابل توجهی گسترش یافت، اگرچه دیگران هنوز هم به یک نگرش کاملاً کاربردی پایبند هستند.

تفاوت بین عکس و نقاشی چیست؟

باتو دوگارژاپوف "کریسمس".

عکاسی یک لحظه را ثبت می کند، یعنی یک حالت بسیار خاص و آنی یک شی. هنرمند، مهم نیست که چگونه جزئیات را با جزئیات و باورپذیر می نویسد، اول از همه چیز کلی را می نویسد که در مدل می بیند، یعنی مشخص ترین و رساترین.

بنابراین، یک عکس (به استثنای آثار بسیار کمیاب از هنرمندان عکاس) یک تصویر است، شبیه به یک تصویر در یک دایره المعارف: این چیزی است که یک سنجاب، بچه ها، و صاحب آلبوم عکس به این شکل است. 20 سال پیش وقتی او را در وان حمام کردند.

باتو دوگارژاپوف "کریمه".

هنرمند مدرن کپی برداری از طبیعت را کنار گذاشته است - عکاسی و فیلمبرداری می توانند این کار را بسیار بهتر و سریعتر انجام دهند. ناتورالیسم نقاشی را به بن بست تکرار و پیش پاافتادگی سوق می دهد. علاوه بر این، طبیعت را نمی توان بازتولید کرد. وقتی بیننده فقط سطحی ترین جنبه نقاشی را درک کند - انتقال اطلاعات "جایی که همه چیز ایستاده است" ، درک نقاشی به شدت ضعیف و تحریف می شود.

یک نقاشی اساساً با یک عکس متفاوت است زیرا آنچه خلق می شود یکسان نیست و این به تفاوت اساسی بین تصویر تصویری و عکاسی تبدیل شده است. هنرمند با اراده خود تصمیم می گیرد چه چیزی و چگونه ترک کند، چه چیزی و چگونه برجسته شود، چه چیزی را از تصویر حذف کند، حتی گاهی اوقات برخلاف عقل سلیم سطحی.

باتو دوگارژاپوف "تراس".

یک تابلوی نقاشی رنگ روغن روی بوم ادعا می کند که نمایشی کامل و جهانی از شیء نقاشی شده است و برداشت از آن را منتقل می کند. به شکلی نامفهوم، حجمی روی بوم مسطح ظاهر می شود، زنده و دنیای زیبا، توسط هنرمند ایجاد شده است.

می‌توانیم وارد تصویر شویم و آواز پرندگان را بشنویم، بو را استشمام کنیم چمنزار گلدار، گرمای آب گرم شده توسط خورشید را احساس کنید، حرکت را ببینید - به وضوح درک می کنید که همه اینها فقط در آگاهی ما و در مقابل ما اتفاق می افتد و نویسنده همه آن را به ما منتقل کرده است.

«آلا پریما» چیست؟

باتو دوگارژاپوف "صبح".

اگر قبلاً از سبک جواهرات نوشتن جزئیات تا کوچکترین جزئیات استقبال می شد ، هنگامی که تصویر طی ماه ها یا حتی سال ها نقاشی می شد و سپس با دقت لاک می شد ، در قرن 19-20 مفهوم "alla prima" ظاهر شد - از لاتین "all prima vista" (در نگاه اول) و به معنای نقاشی خود به خود با رنگ ایمپاستو است.

نقاشی بعد از اولین جلسه آماده است. رنگ ها بیشتر روی پالت ترکیب می شوند، جایی که تازه و درخشان به نظر می رسند. هنگام نقاشی با هوای عادی، این روش کار بسیار مناسبی است.

پاستوزیتی به صورت برجسته، ناهمواری لایه رنگ، در یک قلم موی پلاستیکی نمایان می شود و برای تأکید بر روی مادی شی و ایجاد پویایی عمل می کند. نقاشی‌ها حجیم‌تر و آموزنده‌تر از عکس‌ها هستند. حتی گاهی به دلیل عدم وجود این مشخصات.

باتو دوگارژاپوف «ظهر. قایق ها."

تناوب ضربه های به ظاهر آشفته و لکه های نور بسیار احساسی تر از عکاسی است و شیوه قدیمی و صیقلی حرکت را منتقل می کند - بازی لکه های خورشید روی چمن، خیره کننده روی آب، تاب خوردن برگ ها و غیره.

متأسفانه بیننده کاملاً وحشی به معنای فرهنگ تصویری، با دیدن آثار آلا پریما، نقاشی‌شده با خطوط و خط‌های گسترده، به خود زحمت نمی‌دهد که بایستد و از نزدیک نگاه کند، بلکه گونه‌هایش را پف می‌کند و با این جمله «من» می تواند همینطور نقاشی کند.» با آگاهی از برتری خود به دنبال خلاقیت های لاکی و فرفری می رود، جایی که نیازی به تخیل و همدلی نیست.

اجازه دهید او را رها کنیم و سپس به عنوان مثال، نقاشی "Plein Air" اثر هنرمند باتو دوگارژاپوف را در نظر بگیریم. در این تصویر جالب چه می بینیم؟

باتو دوگارژاپوف "پلین ایر".

کسانی که می خواهند ببینند کفش های شخصیت ها چگونه ساخته می شوند - هیچ چیز. بیننده که با موج تفاهم کوک شده است، اول از همه چیزهای زیادی می بیند نور خورشید. سپس چندین هنرمند را با لباس تابستانی در سه پایه و یک هنرمند ریشو با شلوار جین و با برس در دست می بینیم. سپس یک گرم ظاهر می شود دیوار سنگیبا درخت ویستریا که بالای سرشان توسط خورشید روشن شده، آسمان آبی در شکاف شاخ و برگ، پناهگاهی از خاکریز و دریا در پشت آن. دلیل اینکه شاخ و برگ با جزئیات کشیده نمی شود و رگه می شود این است که حرکت می کند، تاب می خورد و نور نیز حرکت می کند، سایه ها حرکت می کنند و انعکاس از دریا در دوردست هر دقیقه تغییر می کند...

حال و هوای تصویر کاملاً خارق العاده است، به سادگی نور و مثبت را ساطع می کند. و در عین حال نمی توان با اشاره گر اشاره کرد و توضیح داد - این این است و اینجا این است. شما فقط باید این را با کمی دور شدن از تصویر و تماشای طولانی مدت آن ببینید. علاوه بر این، این فقط یک فایل است، من می توانم تصور کنم که چقدر باید در اصل کار کند!

باتو دوگارژاپوف "در طرح ها".

نقاشی "در اتودها" به روشی مشابه "ظاهر می شود". اول - نقاط پر هرج و مرج نور خورشید و انعکاس دریا. سپس هنرمند مو خاکستری به سمت سه پایه خم شد. سپس - خود دریا: دریای درخشان، حرکت می کند، نگران است، انعکاس خورشید از امواج عملاً چشم ها را کور می کند (چگونه این کار را نمی توان فهمید)، در دریا سنگ ها، سنگ ها و قایق ها وجود دارد، در سمت چپ. ، دوباره، یک گیاه بالارونده، شاید انگور.

حال و هوای یک صبح گرم (و امروز صبح است، زیرا وقتی خورشید بلند است، دریا آنقدر برق نمی‌زند، آبی می‌شود)، زیبایی ساحل جنوبی و تحسین این زیبایی به طرز باورنکردنی منتقل می‌شود.

باتو دوگارژاپوف "عصر جنوبی"

نقاشی های باتو دوگارژاپوف در یک محیط نورانی خاص غوطه ور است که از فرهنگ تصویری بالای هنرمند و درک ظریف رنگ و روابط فضایی صحبت می کند. آثار او با طراوت، ریتم سریع خطوط و لکه های رنگی، شادی عاشقانه و درک ظریف از روابط نور-فضایی متمایز می شوند.

با سهولت بسیار، با استفاده از ضربات بزرگ، تصویری کامل و یکپارچه از طبیعت در رنگ، نور و پویایی حیاتی ایجاد می کند... همه چیز در پرتوهای خورشید می درخشد، حتی در جایی که سایه وجود دارد، بازتاب ها می درخشند، که به ویژه شگفت انگیز است و خوشایند رنگ‌ها که آزادانه پرتاب می‌شوند، روی هم قرار می‌گیرند و هماهنگی و ریتمی چند رنگی را تشکیل می‌دهند که در آن معنی خاصسایه های رنگین کمانی دارند

باتو دوگارژاپوف "دریاچه کومو".

باتو دوگارژاپوف در سال 1966 در چیتا به دنیا آمد. فارغ التحصیل شد مدرسه هنردر تومسک و آکادمیک دولتی مسکو موسسه هنریآنها V.I. سوریکوف. آثار این هنرمند در مجموعه های خصوصی در روسیه، آمریکا، فرانسه، ایتالیا و اسپانیا قرار دارد.

K. Yu. Starokhamskaya

کارهای لازم را انجام دهید.کار را کاوش کنید، آثار دیگر نویسنده را بررسی کنید، شرح‌ها را مقایسه کنید، از نزدیک به آن‌ها نگاه کنید. بهبود دانش شما برای ارزیابی یک نقاشی و درک اینکه برای تعیین اصالت به دنبال چه چیزی باشید ضروری است.

از موزه دیدن کنید و به پتینه نگاه کنید.اگر بخواهید پشت نقاشی را ببینید، کارکنان به شما در انجام آن کمک می کنند. قدر احساس و ظاهر آثار هنری قدیمی را بدانید. عمق و تعداد لایه هایی که برای دستیابی به رنگ مورد نظر هنرمند مورد نیاز است را ارزیابی کنید.

به پتینه چوب نگاه کنید تا بفهمید که قدیمی است یا خیر.نحوه مونتاژ قاب و میخ ها و بست ها را مشخص کنید.

به دنبال موهای برس بگردید.کپی‌هایی از نقاشی‌ها گاهی موهایی از قلم‌های ارزان قیمت روی بوم دارند.

از حس بویایی خود استفاده کنید.اگر توانستید به آن نزدیک شوید، آن را بو کنید. مدت زمان زیادی طول می کشد تا یک نقاشی کاملاً بو ندهد.

تصمیم بگیرید که نقاشی چه احساسی در شما ایجاد می کند.همه چیز را با هم تحلیل کنید. به عنوان مثال، بسیاری از تقلبی ها عمق رنگ یا لایه های کافی ندارند. می توان به راحتی از یک اثر کپی کرد، اما نمی توان لایه های رنگ را در یک نقاشی منتقل کرد.

همه چیز باید با هم هماهنگ شود.بررسی کنید که آیا همه چیز در نقاشی مناسب است - به عنوان مثال، قاب و بوم نیز سخت است که پتینه را جعلی کنید.

سفارش ارزیابی شغلاگر واقعاً یک اثر هنری را دوست دارید، باید شخص ثالثی را درگیر کنید که بتواند بی‌طرفانه نقاشی را ارزیابی کند. چگونه می توان مطمئن بود که ارزیاب قابل اعتماد است؟ باید توسط یک یا چند انجمن حرفه ای ارزیاب هنر تایید شده باشد و تجربه کار با یک هنرمند خاص را داشته باشد. ترجیحا دلال یا دلال آثار هنری نباشد. یک مثال http://www.bernardewell.com است که متخصص سالوادور دالی است که نقاشی هایش اغلب کپی می شود. کاوش کنید که چگونه نقاشی های این هنرمند به فروش می رسد - در چه چیزی خانه های حراجآیا فروخته می شوند، چه اندازه ای هستند، چه زمانی و با چه نمایندگی به فروش می رسند؟

لطفاً توجه داشته باشید که برخی از فروشندگان، به‌ویژه آنهایی که در کشتی‌های کروز هستند، ممکن است با گرانفروشی نقاشی، خریدار را فریب دهند.

به دنبال امضا و شماره باشید - آنها باید همیشه آنجا باشند. نقاشی های بدون امضا چندان مورد توجه قرار نمی گیرند، زیرا می توان بسیاری از این کپی ها را ساخت.گالری را کاوش کنید. بسیاری از قطعات دارای برچسب های گالری یا اطلاعات در پشت هستند. گالری را بررسی کنید تا ببینید آیا این واقعیت دارد یا خیر. در برخی موارد، قاب و بوم باید نشانه های سایش را نشان دهد. لبه های چوبی ممکن است بعد از 50 یا 100 سال به اندازه کافی تیز باقی نمانند. در مورد شهرت هنرمند تحقیق کنید. دریابید که برخی از نویسندگان یک فرم خالی را امضا کرده اند و پس از آن امضای آنها بر روی نقاشی ها کپی شده است. این یک علامت منفی است و بنابراین نقاشی های آنها کمتر استقیمت بالا