Itaalia kunst ja maalikunst
Itaalia kunsti ajalugu on Itaalia enda kunst ajas ja ruumis. Pärast etruskide tsivilisatsiooni ja eriti pärast Rooma vabariiki ja impeeriumi, mis domineerisid selles maailma osas sajandeid, saavutas Itaalia renessansiajal Euroopa kunstis keskse koha. Samuti demonstreeris Itaalia Euroopa kunstiline domineerimine 16. ja 17. sajandil tänu Barokne kunstiline liikumine. See taastas võimsa kohaloleku rahvusvahelisel kunstimaastikul alates 19. sajandi keskpaigast selliste liikumistega nagu Macchiaioli, Futurism, Metaphysics, Novecento, Spatsialism, Arte Povera ja Transavantgarde.
Itaalia kunst on sajandeid mõjutanud mõningaid suuri liikumisi, mis on toonud kaasa palju suurepäraseid loojaid, sealhulgas maalijaid ja skulptoreid. Tänapäeval on Itaalial rahvusvahelisel kunstiareenil oluline koht, kus on mitu suurt kunstigaleriid, muuseumid ja näitused; Riigi oluliste kunstikeskuste hulka kuuluvad selle pealinn Rooma, aga ka Firenze, Veneetsia, Milano, Napoli, Torino ja teised linnad.
Raphaeli "Galatea triumf".
Etruski kunst
Etruski pronksfiguurid ja terrakota matusereljeefid on näited Kesk-Itaalia võimsatest traditsioonidest, mis olid nõrgenenud ajaks, mil Rooma asus poolsaarele oma impeeriumi üles ehitama. Tänaseni säilinud etruski maalid on peamiselt Tarquiniast pärit matustest pärit seinafreskod. Tegemist on kõige olulisema teadlastele tuntud Rooma-eelse kujundikunsti näitega Itaalias.
Freskod on teostatud värskele krohvile maalimise tehnikas, seda tehti selleks, et krohvi kuivades saaks maal krohvi osaks ja seina lahutamatuks osaks, aidates sellel nii hästi ellu jääda (ja tõepoolest, peaaegu kogu säilinud etruski ja rooma maalikunst on esindatud ainult freskodega). Värvid loodi erinevat värvi kividest ja mineraalidest, mida jahvatati ja segati kokku, loomakarvadest tehti väikseid pintsleid (härjakarvadest tehti ka parimad pintslid). Alates 4. sajandi keskpaigast eKr. Algas chiaroscuro kasutamine sügavuse ja mahu kujutamiseks. Mõnikord on kujutatud stseene igapäevaelust, kuid enamasti on need traditsioonilised mütoloogilised stseenid. Proportsiooni mõiste ei esine ühelgi säilinud freskodel ning sageli leiame pilte loomadest või inimestest mõne ebaproportsionaalse kehaosaga. Üks kuulsamaid etruski freskosid on Lõvide haua maal Tarquinias.
Rooma kunst
Rooma keiser Constantinuse ajal, foto: Campus Martius, üldkasutatav
Etruskid vastutasid Rooma varajaste monumentaalsete hoonete ehitamise eest. Rooma templid ja majad kopeerisid etruski mudeleid suure täpsusega. Etruskide mõju elemendid Rooma templitele hõlmasid poodiumit ja rõhku fassaadile, mis kahjustas hoone kolme ülejäänud külge. Ümberringi olid koondatud suured etruski majad keskne saal paljuski samamoodi, nagu hiljem ehitati aatriumi ümber Rooma suured linnamajad. Etruski arhitektuuri mõju kahanes vabariigi ajal järk-järgult muudest maailma piirkondadest pärit (eriti kreeka) mõjude tõttu. Etruski arhitektuur ise oli kreeklaste mõjutatud, nii et kui roomlased võtsid omaks kreeka stiilid, ei muutunud nad oma kultuurile võõraks. Tõenäoliselt võeti vabariigi ajal pidevalt üle peamiselt hellenistlikust maailmast pärit arhitektuurimõjusid, kuid pärast Sürakuusa langemist 211. aastal eKr. Kreeka kunstiteosed valati Rooma. 2. sajandil eKr jätkus nende teoste voog, mis veelgi olulisem, Kreeka käsitööliste poolt, voolamine Rooma, avaldades otsustavat mõju Rooma arhitektuuri arengule. Vabariigi lõpu poole, kui Vitruvius kirjutas oma traktaat arhitektuuris domineeris kõige muu üle kreeka arhitektuuriteooria ja arhitektuuritöö näited.
Impeeriumi laienedes levis Rooma arhitektuur suurtele aladele, mida kasutati nii avalike hoonete kui ka suurte erahoonete loomiseks. Paljudes piirkondades olid stiilielemendid, eriti dekoratsioonid, mõjutatud kohalikest maitsetest, kuid arhitektuur jäi äratuntavalt roomapäraseks. Rooma arhitektuur mõjutas erineval määral kohalikke arhitektuuristiile ning paljudes piirkondades leidub samas hoones kombineerituna rooma ja rahvakeelseid elemente.
1. sajandiks pKr oli Roomast saanud suurim ja arenenum linn kogu maailmas. Vanad roomlased tulid välja uute tehnoloogiatega, et parandada linna kanalisatsioonisüsteeme, teid ja hooneid. Nad töötasid välja akveduktide süsteemi, mis tõi torude kaudu linna magedat vett, ja ehitasid kanalisatsiooni, mis eemaldas linna jäätmed. Rikkaimad roomlased elasid suurtes aedadega majades. Suurem osa elanikkonnast elas aga seal korterelamud kivist, betoonist või paekivist. Roomlased töötasid välja uusi tehnoloogiaid ja kasutasid oma tsemendi tugevamaks ja tugevamaks muutmiseks materjale, näiteks vulkaanilist pinnast Napoli lähedal asuvast Pozzuoli külast. See tsement võimaldas neil ehitada suuri betoonist kortermaju, mida nimetatakse insulateks.
Ausammas, tuntud kui "Prima Porta Augustus", Creative Commons Attribution-Share Alike 3.0 Unported License
Seinamaalingud kaunistasid rikaste maju. Maalidel kujutati sageli aiamaastikke, sündmusi Kreeka ja Rooma mütoloogiast, ajaloolisi stseene või stseene igapäevaelust. Roomlased kaunistasid põrandaid mosaiikidega – väikestest värvilistest plaatidest loodud kujunduste või mustritega. Rikkalike värvidega maalid ja mosaiigid aitasid Rooma majade ruume visuaalselt suuremaks ja heledamaks muuta, samuti uhkeldasid omaniku jõukusega.
Hilise impeeriumi kristlikul ajastul 350.–500. AD, seinamaalingud, mosaiikkaunistused lagedel ja põrandatel ning matuseskulptuurid õitsesid, samas kui täissuuruses universaalsed skulptuurid ja maalitud paneelid kadusid järk-järgult, tõenäoliselt usulistel põhjustel. Kui Constantinus viis impeeriumi pealinna Bütsantsi (ümbernimetatud Konstantinoopolisse), hakkas Rooma kunst mõjutama idapoolseid mõjusid, millest sündis hilise impeeriumi bütsantsi stiil. Kui Rooma 5. sajandil laastatud sai, kolisid käsitöölised idapealinna ja leidsid seal tööd. Peaaegu 10 000 töölist ja käsitöölist töötas Konstantinoopoli Hagia Sophia kiriku loomisel, see oli Rooma kunsti lõplik kokkulepe keiser Justinianus I ajal, kes tellis ka kuulsate Ravenna mosaiikide loomise.
Keskaegne kunst
Läbi keskaja hõlmas Itaalia kunst peamiselt arhitektuurset kaunistust (freskod ja mosaiigid). Bütsantsi kunst Itaalias oli väga formaalne ja viimistletud kaunistus, standardiseeritud kalligraafia ning silmatorkav värvi- ja kullakasutus. Kuni 13. sajandini oli kunst Itaalias peaaegu täielikult piirkondlik, mõjutatuna välistest Euroopa ja Ida liikumistest. Pärast u. 1250 art erinevad piirkonnad töötas välja Üldised omadused, seetõttu valitses teatav ühtsus ja sügav originaalsus.
Bütsantsi kunst
Pärast läänepealinna langemist püsis Rooma impeerium veel 1000 aastat Konstantinoopoli juhtimisel. Bütsantsi käsitöölised olid seotud oluliste projektidega kogu Itaalias ja Bütsantsi stiile maalikunstis võib näha kuni 14. sajandini.
Gooti kunst
Gooti periood tähistab üleminekut keskaegselt kunstilt renessansile ning seda iseloomustavad vastavalt Püha Dominicuse ja Assisi Püha Franciscuse asutatud dominiiklaste ja frantsisklaste kloostriordude mõjul välja kujunenud stiilid ja hoiakud.
See oli kirikusisese usuvaidluste aeg. Frantsiskaanide ja dominiiklaste ordud asutati selleks, et need vaidlused lahendada ja katoliku kirik põhitõdede juurde tagasi viia. Frantsiskaanide algusaastaid mäletatakse eriti püha Franciscuse heategevuse tõttu ja dominiiklasi kui ordu, mis kõige enam vastutab inkvisitsiooni esilekerkimise eest.
Gooti arhitektuur sai alguse Põhja-Euroopast ja levis lõunasse Itaaliasse.
Renessansi kunst
Keskajal püüdsid kunstnikud ja skulptorid anda oma teostele religioosset iseloomu. Nad soovisid, et vaatajad keskenduksid nende maalide ja skulptuuride sügavale religioossele tähendusele. Kuid renessansiajastu kunstnikud ja skulptorid, nagu ka selle ajastu kirjanikud, püüdsid kujutada inimest ja loodust realistlikult. Keskaegsed arhitektid kavandasid tohutuid katedraale, et rõhutada Jumala suurust ja alandada inimvaimu. Renessansiajastu arhitektid kavandasid hooneid, mille proportsioonid põhinesid inimkeha omadel ja mille kaunistused jäljendasid iidseid mustreid.
1300. aastate ja 1400. aastate alguse kunst
1300. aastate alguses sai Firenze kunstnikust Giottost esimene kunstnik, kes kujutas loodust realistlikult. Ta lõi Assisi, Firenze, Padova ja Rooma kirikutele uhkeid freskod (maal märjale krohvile). Giotto püüdis luua realistlikke figuure, mis näitasid tõelisi emotsioone. Ta kujutas paljusid oma tegelasi päriselus.
Märkimisväärne rühm Firenze arhitekte, maalijaid ja skulptoreid lõi oma tööd 1400. aastate alguses. Nende hulgas olid kunstnik Masaccio, skulptor Donatello ja arhitekt Filippo Brunelleschi.
Parim töö Masaccio lõi freskodeseeria 1427. aasta paiku Firenze Santa Maria del Carmine kiriku Brancacci kabelis. Need freskod näitavad realistlikult piibli stseenid emotsionaalne pinge. Nendes töödes kasutas Masaccio lineaarse perspektiivi loomiseks Brunelleschi süsteemi.
Donatello püüdis oma skulptuurides kujutada inimkeha väärikust realistlike ja sageli dramaatiliste detailidega. Tema meistriteoste hulgas on kolm kuju piibli kangelane David. 1430. aastatel valminud versioonis on Donatello Davidit kujutatud graatsilise alasti noorukina, keda näidatakse hetked pärast seda, kui ta on tapnud hiiglasliku Koljati. Teos, mis on umbes 1,5 meetri kõrgune, oli esimene suur eraldiseisev aktiskulptuur, mis loodi aastal. Lääne kunst antiikajast saadik.
Brunelleschi oli esimene renessansiajastu arhitekt, kes taaselustas Vana-Rooma arhitektuuristiili. Oma projektides kasutas ta kaare, sambaid ja muid klassikalise arhitektuuri elemente. Üks tema kõige enam kuulsad ehitised on kaunilt ja harmooniliselt ehitatud Pazzi kabel Firenzes. See kabel, mille ehitamist alustati 1442. aastal ja valmis 1465. aasta paiku, oli üks esimesi uues renessansi stiilis ehitatud hooneid. Brunelleschi oli ka esimene renessansiajastu kunstnik, kes valdas lineaarset perspektiivi – matemaatilist süsteemi, mille abil kunstnikud said tasasel pinnal ruumi ja sügavust demonstreerida.
1400. aastate lõpu ja 1500. aastate alguse kunst
1400. aastate lõpu ja 1500. aastate alguse kunsti silmapaistvad esindajad olid kolm meistrit. Need olid Michelangelo, Raphael ja Leonardo da Vinci.
Michelangelo oli silmapaistev maalikunstnik, arhitekt ja luuletaja. Pealegi nimetati teda suurim skulptor ajaloos. Michelangelo oli inimkeha kujutamise meister. Näiteks tema kuulus kuju Iisraeli rahva juht Mooses (1516) jätab erakordse mulje füüsilisest ja vaimsest jõust. Need omadused ilmnevad ka piibellikel ja klassikalistel freskodel, mille Michelangelo lakke maalis Sixtuse kabel Vatikanis. Need aastatel 1508–1512 maalitud freskod kuuluvad renessansiajastu suurimate kunstiteoste hulka.
Michelangelo "Taavet".
Palazzo Pitti
Kaunite Kunstide Akadeemia galerii
Riiklik Bargello muuseum
San Marco rahvusmuuseum
Rahvuslik Arheoloogiamuuseum Firenze
Opera del Duomo muuseum
Palazzo Vecchio
Orsanmichele'i muuseum
Kalliskivide töötlemise töökoda
Palazzo Rosso
Palazzo Bianco
Palazzo Reale
Pinacoteca Brera
Poldi Pezzoli muuseum
Sforza loss
Pinacoteca Ambrosiana
Napoli riiklik arheoloogiamuuseum
Padova linnamuuseum
G. Palermo
Palazzo Abatellis
Rahvusgalerii Parma
Magnani Rocca sihtasutus
G. Perugia
Umbria rahvusmuuseum
San Matteo rahvusmuuseum
Prato linnamuuseum
Katedraali muuseum
Reggio Calabria
Magna Graecia rahvusmuuseum
Kapitooliumi muuseumid
Montemartini keskus
Rahvuslik Rooma muuseum
Galerii Doria Pamphilj
Palazzo Barberini
Palazzo Corsini
Riiklik etruski muuseum
Castel Sant'Angelo (Castel Sant'Angelo)
Spada galerii
Siena riiklik Pinacoteca
Palazzo Publico
Siena katedraali muuseum (Duomo teoste muuseum)
Sabauda galerii
Palazzo Reale (kuninglik palee)
Palazzo Madama
G. Urbino
Marche rahvusgalerii
G. Veneetsia
Akadeemia galerii
Ca" d'Oro
Scuola San Rocco
Scuola di San Giorgio degli Schiavoni
Mõned Itaalia kunsti pärlid
Giorgione "Torm".
Keskaegse Itaalia ajaloolised saatused on paljuski erinevad teiste riikide saatusest keskaegne Euroopa. Kui paljudes Euroopa riikides tekkisid feodaalsüsteemi evolutsiooni eri etappidel suured riiklikud koosseisud, siis peaaegu kogu keskaja välisvallutajate võitluse areenina toiminud Itaalia ei suutnud feodaalseisundist välja tulla. killustatus; riigis polnud ühtki ühiskondlikku jõudu, kes saaks rääkida kogu itaalia rahva nimel.
Keskaegse Itaalia ajaloolise evolutsiooni eripäraks on ka see, et siinse sisepoliitilise võitluse peamisteks rivaaliks ei olnud juba väga varakult mitte niivõrd feodaalid, vaid pigem varakult arenenud linnriigid. Hiljem, kui paljudes Euroopa riikides oli sotsiaal-majanduslik struktuur veel keskaegset laadi, said need Itaalia linnad uute sotsiaalsete suhete kujunemise keskusteks. Marx märgib, et "kapitalistliku tootmise esimesed algused leitakse juhuslikult Vahemere äärsetes eraldatud linnades juba 14. ja 15. sajandil." Originaalsus ajalooline areng Itaalia määravad selle kunstikultuuri põhijooned.
Esiteks ei eristanud Itaalia kunst selle ideoloogilise ja stiililise ühtsuse poolest, mis on omane paljude teiste Euroopa riikide keskaegsele kunstile. Polnud ühtegi keskust, mis oleks olnud kunstipealinn. Antiikajal ja tulevikus kõrgrenessansi ajal sellist rolli mänginud Roomal ei olnud keskajal isegi oma märkimisväärset kunstikooli. Arhitektuuri- ja kujutava kunsti mälestised riigi eri piirkondades paistsid silma tugevate kohalike eripäradega ning põhinesid väga erinevatel kunstitraditsioonidel. Siiski meelsasti assimileerides teatud stiilivormid, minnes tagasi Bütsantsi kunsti ja Araabia ida, siis Lääne-Euroopa maade kunstile olid itaallased Itaaliale iseloomulike probleemide lahendamiseks kaugel pimedast jäljendamisest, neis maades kujunenud kunsti keele ja kujundliku struktuuri ümbermõtestamisel.
Keskaegse Itaalia kunstikultuuri eripäraks on ka see, et ilmalikud tendentsid väljenduvad selles tugevamalt kui teiste keskaja Euroopa rahvaste kultuuris. Nendes Itaalia piirkondades, mis mängisid juhtivat rolli majandus- ja kultuuriline areng maal, ühiskonnaelu peamiseks üksuseks ei saanud väga varakult mitte klooster, mitte kuninga õukond ja mitte seigneuri maavaldus, vaid linnakommuun. See seletab itaalia meistrite suhteliselt suuremat vabadust dogmadest, normatiivsusest ja skolastikast, mis võidutses alati seal, kus kirik kunsti kindlalt käes hoidis.
Itaalia kunstikultuuri arengu seisukohalt oli äärmiselt oluline asjaolu selle seos iidse traditsiooniga. Me ei räägi mitte ainult välisest antiikajast kinnipidamisest, vaid omamoodi iidse tsiteerimisest kunstilised vormid, mille näiteid leiate jaotisest üksikud tööd Itaalia keskaeg. Olulisem on sisemine sugulus piltidega iidne kunst, mida – kogu keskaegse kunstikeele vormide eripäraga – võib märgata paljudes itaalia kunsti monumentides. Arhitektuuriteostes peegeldub see nende mastaapide ja proportsioonide proportsionaalsuses inimesega, tektoonilise ehituse rahulikus tasakaalus, neile omases proportsioonitundes, alustades üldisest kompositsioonikontseptsioonist kuni üksikute detailideni. arhitektuurne kaunistus. Skulptuuris pärisid itaalia meistrid antiikajast oma plastiliste kujutiste loomulikkuse ja elujõu koos majesteetliku ja õilsa ilutundega, mis jäi Itaalia kunstile iseloomulikuks kvaliteediks paljudeks sajanditeks.
Lõpuks on Itaalia keskaja kultuuri üheks olulisemaks tunnuseks humanistliku maailmavaate elementide varajane esilekerkimine ja nende progressiivsete tegurite radikaalne esteetiline väljendus, mille linnaelu õitseng hiliskeskajal endaga kaasa tõi. Vanused. Just Itaalias vananes esmakordselt keskaegne maailmapilt ja ilmaasjata ei määratud Itaaliale renessansi sisse juhatama. Selle suurima kultuurirevolutsiooni põhjustas kapitalistlike suhete varajane tekkimine Itaalias ja kunstis soodustas seda iidsete monumentide olemasolu, mida iidsel Itaalia maal oli ohtralt.
Itaalia killustumine mitmeks üksteisest sõltumatuks piirkonnaks oli tagajärg Itaalia jagunemisega mitmeks kohalikuks piirkonnaks. kunstikoolid. Need koolkonnad ei olnud rangelt eraldiseisvad, nad suhtlesid sageli üksteisega, kuid siiski olid igaühel neist silmatorkava originaalsuse tunnused ja nende evolutsioon oli suuresti erinev. Seetõttu on otstarbekam uurida Itaalia kunsti eraldi koolkondades.
Moskva. Vikerkaar. 1990. aasta
Giulio Carlo Argan on kuulus Itaalia kunstikriitik, kaasaegse kunstiajaloo ja kunstikriitika üks juhtivaid esindajaid. Tema põhiteos hõlmab Itaalia kunsti ajalugu antiigist ja keskajast romantismi ja futurismini, kuigi põhitähelepanu on loomulikult suunatud Itaalia renessansi meistritele.
ESIMENE OSA.
ESIMENE PEATÜKK.
Päritolu.
TEINE PEATÜKK Egeuse kultuur.
Minose kunst.
Mükeene kunst.
KOLMAS PEATÜKK Kreeka kunst.
Arhitektuur.
Arhailine skulptuur.
Klassikaline skulptuur.
Hellenistlik skulptuur.
Linnaplaneerimine ja arhitektuur.
Kreeka maalikunst.
NELJAS PEATÜKK Vanakunst Itaalias.
Magna Graecia.
Etruski kunst.
Arhitektuur.
Maalimine.
Skulptuur.
VIIES PEATÜKK Vana-Rooma kunst.
Arhitektuur.
Monumentaalmaal.
Maalimine.
Skulptuur.
KUUES PEATÜKK Varakristlik kunst.
Katakombi kunst.
Esimesed basiilikad.
Teised hilisantiikkultuuri keskused: Milano ja Ravenna.
Bütsantsi ja barbarite hõimude kunst keskajal.
Itaalia rahvusliku keskaegse kujutava kunsti esimene ilming.
SEITSMES PEATÜKK Romaani kunst.
Põhja-Itaalia arhitektuur.
Kesk-Itaalia.
Lõuna-Itaalia ja Sitsiilia.
Skulptuur.
Maalimine.
KAheksandik peatükk Gooti kunst.
Gooti arhitektuur.
Gooti arhitektuur Itaalias.
Hilisgootika.
Tsiviilehitus.
Skulptuur.
Maalimine.
TEINE OSA.
ESIMENE PEATÜKK Trecento.
Giotto.
Simone Martini.
Pietro ja Ambrogio Lorenzetti.
Trecento maali arendamine.
TEINE PEATÜKK Rahvusvaheline gootika.
Hilisgooti kunst Itaalias.
KOLMAS PEATÜKK Quattrocento.
Uus kontseptsioon loodusest ja ajaloost.
Vaidlus gootikaga.
Võistlus 1401.
15. sajandi teine kümnend.
Santa Maria del Fiore katedraali kuppel Firenzes.
Kolm "Maagide jumaldamist".
Brunelleschi-Donatello-Masaccio.
Muud suundumused Toscana kunstikultuuris.
15. sajandi Siena maal.
Kunstiteooria Leon Battista Alberti humanismis.
Toscana arhitektuuri areng.
Toscana skulptuur.
Teoreetiline ja empiiriline ruum.
Ratsionaalsete ja ideaaltõdede süntees.
Peamised suundumused maalikunstis Firenzes 15. sajandi teisel poolel.
Hilise Quattrocento maalikunsti vastuolulised suundumused.
Leonardo Firenze debüüt.
Kaunid kunstid Kesk-Itaalias.
Humanism Põhja-Itaalia kaunites kunstides.
Squarcione'i kool.
Ferrara Quattrocento maal.
Lõuna-Itaalia: Antonello da Messina.
Veneetsia uus kunst.
Müüt ja tegelikkus Vittore Carpaccio kunstis.
Veneetsia arhitektuur ja skulptuur.
Humanism Lombardia kaunites kunstides.
Bramante ja Leonardo Milanos.
Kõrgrenessansi periood esindab renessansi kõrgpunkti, kogu selle suure kultuuri kulminatsiooni. Selle kronoloogiline ulatus on väike ja hõlmab vaid umbes kolme aastakümmet. Ent isegi kvantitatiivses mõttes – sel ajal loodud kunstimälestiste rohkuse ja mastaapsuse mõttes, rääkimata nende kõrgeimast kunstiline tase ja kolossaalne ajalooline tähendus, võiks nende aastakümnete kohta öelda, et need on väärt teisi sajandeid.
Maailma mastaabi muutudes muutus ka ettekujutus inimese enda mastaabist: tema tõelised teod ja julged vägiteod kinnitasid, kui mitte ületasid, paljusid humanistide ennustusi, hinnanguid tema võimetele. Tõsi, Itaalia sai sellele "maailma avastamisele" ainult vaimselt kaasa aidata - selle ülesande väga praktiline elluviimine, aga ka selle maailma ümberjagamine, oli juba teiste riikide osaks langenud. Pealegi, võib-olla mitte millegi muu jaoks Euroopa riik suurte geograafiliste avastuste tulemused ei olnud nii traagilised kui Itaalia jaoks. Kuid samal ajal osutus just Itaalia kõigist Euroopa riikidest kõige paremini väljendama antud ajastu ajaloolise eksistentsi keerukust ja hiiglaslikku ulatust. Itaalia kõrgrenessansi kunst oli ennekõike Itaalia enda ajaloolise reaalsuse kunstiline väljendus, kuid omaaegse kultuuri kõrgeima kehastusena oli see ka ajaloolise reaalsuse väljendus laiemas, globaalses ulatuses. Saabuva ajastu püstitatud probleemide lahendamiseks pidi muutuma eelkõige kunstnikutüüp ise, sest 15. sajandi kunstniku ilmavaade omal moel sotsiaalne staatus ja sotsiaalne maailmavaade, mis siiani suuresti seotud käsitööliste klassiga, oli selleks liiga piiratud. 16. sajandi suurmeistrid tõid eeskuju uut tüüpi kunstnikust - aktiivsest loomingulisest isiksusest, kes on vaba senistest väikegildi piirangutest, omab kunstilise eneseteadvuse täiust ja suudab end sundida arvestama. maailma võimsad see. Need on tohutute teadmistega inimesed, kellel on kõik oma aja kultuurisaavutused.
Selle keerukate tingimuste kogum ajalooline periood avaldas mõju Itaalia kõrgrenessansi aluste kujunemisele, selle kunstnike kujundliku taju kujunemisele, nende teoste visuaalsele struktuurile. Nende kujutised erinevad eelmisest perioodist – Quattrocento kunstist – eelkõige suuremas mastaabis. Väliselt väljendub see selles, et koos 15. sajandiga võrreldes võrreldamatult suurema suurvormiliste teoste levikuga arhitektuuris, maalikunstis ja skulptuuris ilmuvad ka ülitavalise mastaabiga kujutised, mille näideteks on Michelangelo “Taavet”. ja tema hiiglaslikud prohvetite ja sibüülide kujud Sixtuse kabeli laes olevatel maalidel. Arhitektuurilise ja kunstilised ansamblid(tuntuimad neist on Bramante Belvedere, Raphaeli Vatikani stanzad, Michelangelo Sixtuse lagi) ning üksikute maalikompositsioonide, freskode ja molbertite, eriti altarimaalide suurused. Kuid uut arusaama mastaapsusest ei seostata mitte ainult suurusega - isegi Leonardo ja Raphaeli väikseid maale eristab erinev, “suurem” nägemus, kui igal pildil on erilise suuruse jäljend. See omadus on teisega lahutamatult seotud oluline omadus kõrgrenessansi kunst – kunstikeele üldsõnalisus. Oskus näha peamist, kõiges põhilist, ilma detailidele allumata, kajastub teemavalikus ja süžeeehituses ning kujundite selges ja selges rühmituses, üldistatud välises ja sisemises kujutamises. tegelastest. Paljudele kvatrotsentristidele iseloomulik kohusetundlik empirism sai lõpuks ületatud; nende paatos analüütiliselt uurida loodust kõigis selle üksikasjades andis teed võimsale sünteetilisele impulsile, eraldades tegelikkuse nähtustest nende olemuse. Sünteesi, üldistamise soov kajastub juba selles, et kõrgrenessansi meistrite töödes on erinevalt Quattrocentost põhikohal ideeliselt ilusa inimese kollektiivne kuvand, mis on täiuslik füüsiliselt ja füüsiliselt. vaimselt. Kuid kõige vähem kaldusid renessansi meistrid abstraktsele normatiivsusele, vastandama oma loomingut tegelikule tegelikkusele. Vastupidi, kujundite ideaalsus nende arusaamises tähendas tegelikkuse enda omaduste kontsentreerituimat väljendust. Rääkimata eredalt dramaatilist tüüpi kangelastest - isegi harmoonilise selgusega täidetud piltidel on tunda inimese tohutut sisemist jõudu, rahulikku teadvust oma tähtsusest. Koos suure mastaabiga annavad need omadused kõrgrenessansi piltidele tõeliselt titaanliku iseloomu, kangelasliku tõhususe, mida ei varajase ega hilisrenessansi kunst kunagi saavutanud.
Kõrgrenessansi kunst, mis hõlmab vaid umbes kolm aastakümmet, läbib sellegipoolest väga pika tee. Just selle evolutsiooni eriline kontsentratsioon, mis on seotud selle ajaloolise etapi küllastumisega otsustava tähtsusega sündmustega, selgitab kontrasti vaadeldava perioodi alguse mõnevõrra kammerlikumate harmooniliste kujutiste ja monumentaalse vahel. dramaatilised pildid, mis on juba märgitud lahendamatute konfliktide märgiga, selle lõpus. Kõrgrenessansi kunsti erakordne “tihedus” väljendub selles, et on vähetõenäoline, et kogu kunstiajaloost võib leida veel üht näidet, mil lühikese ajalooperioodi jooksul oleks samaaegselt tegutsenud nii suur hulk säravaid kunstnikke. üks riik. Piisab, kui nimetada selliseid meistreid nagu Leonardo da Vinci, Raphael ja Michelangelo Firenzes ja Roomas, nagu Giovanni Bellini, Giorgione ja Tizian Veneetsias. Väiksemate meistrite hulgast leiame selliseid kuulsaid nimesid nagu Parma maalikunstnik Correggio, firenzelased Fra Bartolomeo ja Andrea del Sarto, Brescia Savoldos ja Morettos töötanud veneetslased Palma Vecchio ja Lorenzo Lotto, rääkimata paljudest väiksematest maalikunstnikest. Enamiku nimetatud meistrite loovus ilmnes vaadeldaval perioodil täielikult või põhiosas; mõned neist ja ennekõike Michelangelo ja Tizian, kes elasid väga pikk eluiga, jäädvustavad ka järgnevat kunstietappi – hilisrenessansi kunsti.
Nagu kõrgrenessansi kunst ise, kujutab ka selle aja kunstiteooria 15. sajandi saavutuste uuel alusel kokkuvõtet ja samal ajal uut kvalitatiivset hüpet. Keskse koha siin hõivab Leonardo da Vinci. Tema ideed, mis esitati kuulsas "Traktaati maalikunstist" (mille materjal valmistati ette peamiselt 1498. aastaks ja levis peagi koopiatena), ja ka paljudes teistes ülestähendustes, olid tõeline teoreetiliste ideede ja praktiliste ideede entsüklopeedia. teadmisi oma ajast. Mis puudutab tema eelkäijaid, siis kunst ja teadus on Leonardo jaoks lahutamatud – need on looduse tundmise üldise protsessi kaks poolt. "Ja tõesti," ütleb ta, "maalimine on teadus ja looduse seaduslik tütar, sest selle loob loodus." Loodus on "õpetajate õpetaja" ja maalikunstnik peab olema tema poeg. Maali teemaks on looduse loomingu ilu. Looduse kõige täiuslikum looming on inimene ja Leonardo märkmetes on hulk jaotisi pühendatud inimkeha uurimisele, proportsioonide õpetusele, teabele anatoomia kohta, mille valdkonnas Leonardo teadmised olid hämmastavalt sügavad. Seejärel teeb ta kindlaks seose kehaliigutuste, näoilmete ja inimese emotsionaalse seisundi vahel. Leonardo pöörab palju tähelepanu chiaroscuro probleemile, mahulisele modelleerimisele, lineaarsele ja õhust perspektiiv. Skulptuuri vallas väljendas Michelangelo sügavaid ideid kunstilise pildi ja materjali suhetest. Ta esitas ka idee joonistada kõigi kolme tüübi kujundava alusena plastiline kunst– skulptuur, maal ja arhitektuur. Nagu varemgi, olid kunstiteooria küsimused tihedalt seotud humanistlike ideedega. 16. sajandi esimestel kümnenditel Erilist tähelepanu humanistliku mõtte sfääris oli sellele probleemile pühendatud täiuslik mees. Seda teemat käsitleti ühelt poolt füüsiliselt ja vaimselt mitmekesise inimesetüübi kujunemise seisukohalt (nagu seda arendas Baldassare Castiglione oma traktaadis ideaalsest õukondlasest), teiselt poolt seoses ilunormide analüüsimine inimese füüsilise ilu suhtes (selle poole arendas Firenzuola oma "Traktaadis naiste ilust").
Kõrgrenessanss põhjustas olulisi muutusi Itaalia kohalike kunstikoolide tasakaalus. Selle kunsti häll, tekkekoht ja aluste kujunemise koht oli Firenze. Siin alustasid või kujunesid välja kunstnikud Leonardo, Michelangelo ja Raphael. See oli täiesti loomulik, kuna uue etapi kunst sai tekkida ainult Itaalia kõige arenenumate vabariikide pinnasel. Kuid 15. ja 16. sajandi vahetusel kerkis Rooma riigi teise juhtiva keskusena. Sellel, et Itaalia parimad meistrid olid koondunud Rooma, ja sellel, et nende meistrite kunst ilmus siia teatud uues kvaliteedis, olid omad konkreetsed põhjused. Eespool viidati, et oma poliitikas erinesid paavstiriikide valitsejad vähe Itaalia türanniate ja vürstiriikide ilmalikest valitsejatest. Kuid samal ajal oli Rooma kogu katoliku maailma vaimne pealinn. Tuleb meeles pidada, et selle maailma piirid olid tollal palju laiemad kui hilisemad ning ulatusid peaaegu kogu Lääne- ja Kesk-Euroopasse, kuna 15. sajandi lõpu reformatsioon oli seni puudutanud vaid üksikuid riike. Teistsuguse, laiema vastukaja ootus oleks pidanud tooma Roomas töötavate kunstnike loomingusse suurema ulatuse kui Itaalia kommunaalkeskuste monumentide ulatus. Seetõttu olenemata sellest, kui monumentaalsed on Firenze või Veneetsia rikkaimate perede munitsipaalhooned ja paleed, ükskõik kui majesteetlikud on nende linnade katedraalid - Vatikanis asuv paavstipalee ja katoliku maailma peamine tempel - Püha Peetruse tempel. Basiilika – oleks pidanud veelgi uhkemaks muutuma. Me ei räägi niivõrd üksikute hoonete ja kunstiliste ansamblite tohutust suurusest, kuivõrd stiili enda laienemisest, Rooma renessansi teoste uuest “sisemisest mastaabist”. See stiilimuutus toimus Roomas seda orgaanilisemalt, et siin, nagu mitte kusagil mujal Itaalias, säilitas iidne traditsioon oma tõhususe. Vanade ehitiste varemed täitsid linna; väljakaevamistel avastati maailmale monumente iidne skulptuur. Ütlematagi selge, et arvestades renessansikunstnike kõrgendatud tundlikkust kõige iidse suhtes, loodi kõik nende olulised tööd igaveses linnas sisemises võrdluses iidse kunsti monumentidega. Sellise struktuuri nagu Püha Püha katedraali idee. Peter, võis tekkida ainult linnas, kus säilisid Pantheon ja Colosseum.
Kuid kuigi Rooma oli maailma katoliikluse keskus, olid siin kõrgrenessansi ajal loodud kunstiteosed religioosse idee kandjad kõige vähem. Kunstnike vabadust religioosse rõhumise eest seletati lisaks muudele kogu renessansiajastule ühistele teguritele asjaoluga, et kunsti ühiskondlik roll Itaalias oli erakordselt suur ning metseenlus ise oli seetõttu üks kõige olulisemaid. tõhusad vormid paavsti õukonna poliitiline võitlus oma autoriteedi tugevdamise nimel. Sisuliselt oli paavstlik Rooma see, kes andis esimese näite uue kultuuri laiaulatuslikust riiklikust “arengust” autoritaarse riigi tingimustes, aimates mõnes mõttes Euroopa suurriikide monarhide kunstipoliitikat. Nii tekkiski omapärane, peaaegu paradoksaalne nähtus: just paavstlus andis oma kolossaalsed rahalised ja organisatsioonilised võimalused progressiivsete humanistlike ideede väljendamiseks, kandes sisuliselt endas reaktsioonilise klerikalismi eitust. Selline olukord ei saanud kaua kesta. Demokraatlike kihtide kasvava protesti tugevus Itaalias endas, reformiliikumine teistes riikides sundisid Euroopa vaimseid valitsejaid oma ideoloogilisi seisukohti selgemalt määratlema ning 16. sajandi 20. aastate lõpuks leidis end paavstlik Rooma. poliitilise ja vaimse reaktsiooni eesotsas. Sellest lähtuvalt toimus tema kunstipoliitika ümberkorraldamine, astudes nüüdsest üha otsustavamalt vastu renessansi eredatele ideaalidele. Seetõttu, märkides Rooma panuse tähtsust kõrgrenessansi kunsti, tuleb veel kord rõhutada, et sama oluline allikas progressiivse kunsti kujunemisel. sotsiaalsed ideed, kõige soodsam keskkond nende tekkeks oli endiselt Firenze, mis säilitas selle positsiooni aastani 1530 – Firenze vabariigi traagilise surma aastani. Ainult Firenze ja Rooma duaalsuses, iga keskuse tegeliku rolli objektiivses teadvustamises on võimalik mõista Kesk-Itaalia kõrgrenessansi kultuuri keerulist ja vastuolulist olemust.
Hilisrenessansiperiood, mis asendas kõrgrenessansi, sisaldas mitmeid olulisi kvalitatiivseid erinevusi võrreldes eelmise etapiga. 16. sajandi keskpaik ja teine pool oli avalikkuse kasvava reaktsiooni aeg. Itaalia majanduse edasise allakäiguga võõrvõimu tingimustes, mis levis suuremasse osa riigist, kaasnes varasemate sotsiaalsete tulude likvideerimine. Rooma katoliiklus vastas paljudes Euroopa riikides lahti rullunud reformatsiooniliikumisele vastureformatsiooniga, mis tähendas kiriku rõhumise järsku suurenemist. Pikaajaline kriis ei haaranud mitte ainult Kesk-Itaalia riike, mis oigasid Itaalia ja välismaiste despootide kanna all, vaid mõjutas ka Veneetsiat, mis küll tugevasti nõrgenes, säilitas siiski riikliku iseseisvuse, olulise osa oma tohutust rikkusest ja hiilgusest. oma kultuurist. See kriis avaldas tugevat mõju ka kunstile. Linnavabariikide demokraatlikel alustel tekkinud progressiivne humanistlik ideoloogia oli paljudes riigi keskustes väljatõrjutud õukonnakultuuriga, mille kujunemiskeskusteks olid pisiabsolutistlike valitsejate kohtud. Kuid isegi nendes keerulistes tingimustes ei purustatud selle perioodi realistliku renessansi kunsti joont esindanud progressiivsed kunstijõud. Nende peamiseks toeks sai Veneetsia. Viljakale arengule aitasid kaasa samad põhjused, mis pikendasid siin kõrgrenessansi perioodi kuni 1530. aastate lõpuni. Veneetsia kunst hilisrenessanss. Tiziani nimed (in hiline periood tema tegevus), Veronese, Tintoretto, Bassano ning Bergamo ja Brescia maalikunstnikud annavad tunnistust uuest tõusust selle Põhja-Itaalia osa kunstis. Vastupidi, Toscana ja paavstiriigid (sealhulgas eelkõige Parma) olid teise, sisuliselt renessansivastase liini peamised keskused, mida esindas manierismikunst. Humanistlike ideaalide kadumine, reaalsusest väljumine subjektiivsete kogemuste maailma, sõltuvus reaktsioonilistest õukonnaringkondadest viisid selleni, et manieristlikus kunstis tõusid esiplaanile disharmooniatunne, sisemine segadus, subjektivistliku omavoli jooned – omadused, mis peagi ilmnesid. manduvad pretensioonikate ja maneeriliste kujundite viljatuks tühjuseks. Üle kunstilise reaktsiooni alla surutud Kesk-Itaalia meistrite üldisest massist tõuseb vaid üks titaanlik kuju - Michelangelo Buonarroti, kes kandis kogu oma elu lojaalsust kõrgetele eetilistele ideaalidele. Säilitades oma loomingulise tegevuse täies mahus, suutis ta erinevates ajaloolistes tingimustes visandada uusi teid erinevates plastilistes kunstiliikides - arhitektuuris, skulptuuris, maalis ja graafikas. Tema hilisem looming koos Veneetsia meistrite kunstiga moodustab veel ühe olulise hilisrenessansi kunstikultuuri kihi.
Hilisrenessansi edumeelsete meistrite loomingulise edu võti ei olnud renessansikunsti eelmisel perioodil välja töötatud põhimõtete kuulekas järgimine, vaid nende sügavalt loominguline elluviimine vastavalt uue ajalooetapi nõuetele. Olles säilitanud renessansiaegse maailmavaate aluse - usu inimesesse, tema tähtsusesse ja ilusse, tungisid nad julgelt tema vaimsesse maailma, paljastades selle kogu selle keerukuses ja mõnikord ka ebajärjekindluses. Pildilt individuaalne nad liikusid inimkollektiivi kuvandile; Need näitasid laiemalt ja üksikasjalikumalt kangelaste aktiivset suhet tegeliku keskkonnaga, milles nad tegutsevad. Reaalsus ise sai nende teostes konkreetsema kehastuse kui kõrgrenessansi meistrite ideaalis üldistatud kujundites. Nende ülesannete kohaselt töötasid nad välja uusi kunstilisi vahendeid, uusi visuaalseid lahendusi.
Just need hilisrenessansi kunsti omadused olid ajalooliselt eriti paljulubavad, kuna need sisaldasid paljude järgneva 17. sajandi kunsti oluliste põhimõtete esialgset sõnastust. Renessansi hilisfaasi kunst kannab seega kahe suure kunstiajastu – renessansi ja 17. sajandi – üleminekuetapi jooni. See transitiivsus on üks põhjusi, miks mõiste "hilisrenessanss" ei ole teaduses nii laialt levinud kui mõisted "varajane" ja "kõrgrenessanss". Veelgi enam, kronoloogilises plaanis ei saa kogu renessansiajastu lõppu piisavalt selgelt kindlaks määrata. Selle üheks põhjuseks on asjaolu, et 16. sajandi teisel poolel kujunes vastastikuses võitluses välja rida suundi. Isegi enne viimased aastakümned"16. sajandil lõpetasid hilisrenessansi suurimad esindajad oma loometee - Palladio arhitektuuris ja Tintoretto maalis - Itaalias esimesed valminud uue stiili teoste näited, mis oma omadustelt olid juba 17. sajandi peamiste suundumustega kooskõlas juba 1575. aastaks Rooma Gesù kiriku barokkfassaadi ehitamine (arhitekt Giacomo della Porta) ja 1590. aastateks Bologna Akadeemia asutajate kunst. , vennad Carracci, moodustati, tuleb meenutada, et samadel aastakümnetel jätkasid oma tegevust ka manieristlikud kunstnikud, kuid hoolimata hilisrenessansi keerukusest, alates 1530. aastatest ja lõpetades sajandi lõpuks üsna ilmselge, et seda on võimatu taandada ainult ülemineku-, vaheetapiks. Kahtlemata ei olnud hilisrenessansi kunstil sama üldsuund, mis tal oli kõigi arvukate ja hargnenud kohalike koolkondade jaoks Eristati kõrgrenessansi. Just sel perioodil tekkis esimest korda maailmakunstis nii ulatuslikult terav antagonism progressiivsete ja reaktsiooniliste liikumiste vahel kunstis. Kuid ei manierismi pikaajaline domineerimine ega baroki ja akadeemilisuse aluste varajane kujunemine ei tohiks varjutada tõsiasja, et renessansi hilises faasis jäi juhtroll progressiivsele liinile, mida esindavad Michelangelo, Palladio nimed. ja suured veneetslased ning moodustavad kõige väärtuslikuma osa kunstipärand sellest etapist. Nende kunstis väljendub üsna selgelt nii renessansiaegne humanistlik aluspõhi - isegi seal, kus see ilmneb traagilise murdumisena - kui ka seose järjepidevus kõrgrenessansiga. Hilisrenessansi periood Itaalias on loogiline ja eelmistest etappidest lahutamatu, kogu suure renessansi grandioosne järelsõna.
→
Itaalia on kuulus maailma rikkaimate kultuuritraditsioonide poolest. Mõjutanud on itaallaste saavutused kunstis, arhitektuuris, kirjanduses, muusikas ja teaduses suur mõju kultuuri arendamiseks paljudes teistes riikides.
Ammu enne Vana-Rooma tsivilisatsiooni tekkimist arenesid Toscanas etruskide ja Lõuna-Itaalia kreeklaste kultuur. Pärast Rooma impeeriumi langemist Itaalias langes kultuur allakäiku ja alles 11. sajandil. ilmnesid esimesed märgid selle taaselustamisest. Oma uue tipu saavutas see 14. sajandil. Renessansiajal mängisid itaallased juhtivat rolli Euroopa teadus ja kunst. Siis nad tegid selliseid asju silmapaistvad kunstnikud ja skulptorid nagu Leonardo da Vinci, Raphael ja Michelangelo, kirjanikud Dante, Petrarch ja Boccaccio.
Kirjandus.
Itaalia kirjandus ilmus Euroopa areenile hilja. Ladina keelt kasutati kirjakeelena kuni 13. sajandini. ja säilitas oma tähtsuse kuni 16. sajandini. Räägitud itaalia keel tugevdas aeglaselt oma positsiooni kirjanduses. Itaalia kirjanduse päritolu ulatub õukondliku armastuslaulu traditsioonide juurde, mille Sitsiilia koolkond kehtestas Provence'i mudeleid jäljendades. See luule õitses Frederick II õukonnas Palermos 13. sajandi alguses. Umbes samal ajal Umbrias, St. Assisi Franciscus kirjutas luuletusi religioossetel teemadel.
Kuid alles Toscanas pandi alus itaalia kirjanduslikule keelele. Kõige silmapaistvam Toscana poeet oli Firenzest pärit Dante Alighieri, jumaliku komöödia – maailmakirjanduse ühe suurima meistriteose – autor. Ta mängis silmapaistvat rolli hiliskeskaja kirjanduse arengus, mis aitas suuresti kaasa Toscana dialekti muutumisele ühiseks itaalia keeleks. kirjakeel. Dante järel ilmusid teised kirjanikud varane renessanss– Francesco Petrarca, lüüriliste luuletuste ja sonettide autor ning Giovanni Boccaccio, kes pälvis maailmakuulsuse oma novellikoguga "Dekameron".
Dante, Petrarch ja Boccaccio määrasid ette itaaliakeelse kirjanduse edasise arengu ning 15. sajandil. vastu on huvi ajutiselt elavnenud ladina keel. 16. sajandil on loonud kaks silmapaistvat itaalia luuletajat – kangelasliku teose autor Ludovico Ariosto rüütli luuletus Vihane Roland, kõrgrenessansi näide, ja Torquato Tasso, luuletuse „Jeruusalemm vabastatud” autor, mis on läbi imbunud sõjaka katoliikluse vaimust. 18. sajandil taaselustatakse klassikalist komöödiat (Carlo Goldoni), tragöödiat (Vittorio Alfieri) ja luulet (Giuseppe Parini). 19. sajandil reformi- ja iseseisvusliikumine ergutas kirjanduse arengut. Alessandro Manzoni - luuletaja, näitekirjanik, kriitik ja romaanikirjanik - sai kuulsaks oma silmapaistva ajaloolise romaani "Kihlatu" tõttu. Giacomo Leopardi luule oli läbi imbunud sügavast armastusest kodumaa vastu. Pärast riigi ühendamist sai Giosue Carducci Itaalia kirjanduse peategelane. 1906. aastal sai temast esimene itaallane, kes sai oma luuletuste, luuletuste ja itaalia kirjanduse ajaloo uurimuste eest Nobeli preemia.
Tasapisi hakkas Itaalia ilukirjandus välja töötama uusi kirjandusžanre. Sitsiilia kirjanik Giovanni Verga, lugude autor talupoegade ja kalurite elust Lõuna-Itaalias, asutas verismo (realismi) koolkonna. Tema lugu Rustic Honor inspireeris heliloojat Pietro Mascagni komponeerima samanimelist ooperit. 1926. aastal Nobeli kirjandusauhinna saanud Grazia Deledda kirjutas üle 30 romaani ja mitu lugude kogumikku oma kodumaa Sardiinia inimeste elust. 20. sajandi alguses. silma paistis kirjanik Gabriele D'Annunzio, kelle romaanides kultus ülistati tugev isiksus ja Itaalia ühiskonda kritiseeriti.
Vahetult pärast Esimest maailmasõda kogus märkimisväärse kuulsuse terav ja sügav humorist kirjanik Alfredo Panzini. Tema omas parim töö Lood vooruslikkusest paljastavad inimlikud kired ja majandusprobleemid kaasaegne ühiskond. Italo Svevo sai tuntuks romaaniga "Zeno eneseteadmine". Samas vanema põlvkonna kirjanikud Riccardo Bacchelli, autor ajalooline triloogia Mill on Po; Aldo Palazzeschi, kes lõi hiilgava satiiri romaanides "Meterassi õed" ja "Pärli kood á"; Giovanni Papini, kes on tuntud oma raamatute "Kristuse ajalugu", "Lõppenud mees" ja ka intellektuaalse satiiri "Gog" poolest; ja Corrado Alvaro, kes kirjeldas Calabria talupoegade elu.
Silmapaistev tegelane 20. sajandi esimese poole itaalia kirjanduses. oli Benedetto Croce, filosoof, humanist ja kriitik. Lisaks teaduslikule tegevusele oli Croce poliitik, kes astus aktiivselt vastu fašismile. Fašistliku diktatuuri aastatel olid paljud Itaalia kirjanikud sunnitud emigreeruma; nende hulgas on vasakpoolne kirjanik Ignazio Silone. Ta kirjutas romaane Rooma lähedal künklikes piirkondades elavate inimeste elust (Fontamara, Leib ja vein) ja satiirilise brošüüri Diktaatorite kool. Arst, kunstnik ja kirjanik Carlo Levi pagendati Lõuna-Itaaliasse, kus ta kirjeldas külaelu vaesust romaanis Kristus peatus Ebolil.
Fašism, sõda ja vastupanuliikumine kajastuvad Itaalia ilukirjanduses. Alberto Moravia romaan „Ükskõikne“ kujutab Itaalia ühiskonna vastavust fašismi valitsemisajal. Seda teemat käsitletakse ka tema sõjajärgsetes kirjutistes, näiteks ajakirjas "Konformist". Moraavia kuulsaimad teosed on Kaks naist, Rooma naine, Abieluarmastus, Rooma jutud ja Uued Rooma lood. Nagu kinoski, oli ka II maailmasõja järgsel perioodil kirjanduses domineeriv neorealism, mis mängis romaani taaselustamisel Itaalias otsustavat rolli. Giuseppe Marotta (Napoli kuld ja Saint Januarius ei ütle kunagi ei!) ja Vasco Pratolini (Meie aja kangelane ja Lugu vaestest armastajatest) romaanid on suurepärased neorealismi näited, mis on loodud vastavalt Napolis ja Firenzes. 1960. aastatel tegelesid sellised kirjanikud nagu Giorgio Bassani (Finzi-Contini aed) ja Natalia Ginzburg (Perekonnaleksikon) peamiselt üksikisiku probleemidega. Neorealism andis neis töödes teed neoavangardismile. Kirjanik Carlo Emilio Gaddi ideede tugeval mõjul kujunesid välja uued suunad.
Rahvusvahelise kuulsuse saavutas Sitsiilia kirjanik Leonardo Sciascia (Sool haavas, Maffia Vendetta, Inkvisiitori surm, Egiptuse Nõukogu, Õnnistus). Rahvusvaheline tunnustus meistrina kaasaegne muinasjutt ja kirjandusteoreetik saavutas ka Italo Calvino (Tee ämblikupesadesse, Meie esivanemad, itaalia rahvajutud, kosmikoomiks, Countdown, kui talveöö reisija). Umberto Eco romaan "Roosi nimi" sai 1980. aastate alguses ülemaailmseks bestselleriks. Varasemate Itaalia bestsellerite hulgast paistavad silma Giovanni Guareschi lood kohaliku kommunistlikust linnapeaga võidelnud koguduse preestrist Don Camillost. 1958. aastal sai Giuseppe Tomasi di Lampedusa raamatust "Leopard" esimene itaalia romaan, mida ühe aastaga müüdi 100 tuhat eksemplari. Carlo Cassola ja Giorgio Bassani olid 1960. aastatel enim loetud itaalia kirjanikud ning 1974. aastal purustas Elsa Morante romaan "Lugu" kõik varasemad populaarsusrekordid. Romaanide autoritena said tuntuks Dino Budzati, Mario Soldati, Ottiero Ottieri, Beppe Fenoglio ja Pier Paolo Pasolini, paljud Itaalia autoridületas kergesti barjäärid kirjandusžanrite ning kirjanduse ja ajakirjanduse vahel.
19. sajandi lõpu ja 20. sajandi alguse suurim itaalia näitekirjanik. oli Luigi Pirandello, kes sai Nobeli preemia 1934. Tema hulgas parimad näidendid– Kuus tegelast otsimas autorit, Henry IV, teil on õigus; need kõik on seotud illusiooni ja reaalsuse konfliktiga ning meie aja probleemidega, mis oma olemuselt on lahendamatud. Peruu Sema Benellile kuulub The Mask of Brutai The Dinner of Ridicule – ajaloolised tragöödiad tühjas värsis. Ettore Moschino Tristan ja Isolde, Enrico Butti unistuste fantastiline loss, Orion ja GlaucoE. L. Morselli on kirjutatud ka väga ilmekates tühivärsis. Roberto Bracco näitekirjaniku kuulsus on seotud tema väikese pühakuga, mis on üks kaasaegse Itaalia draama meistriteostest. Paljud tema näidendid on selgelt feministlike motiividega ning psühholoogilised ja vaimsed tragöödiad. Diego Fabbri Jeesuse kohtuprotsess toimus lavadel kogu Euroopas. Alates 1950. aastate teisest poolest on saavutanud ka näitekirjanikud Dario Fo ja Franca Rame rahvusvaheline tunnustus oma säravate satiiriliste teostega.
Itaalia luule, nagu ka itaalia kunst, 20. sajandi alguses. kogesid futurismi mõju – liikumist, mis püüdis peegeldada tänapäeva elu uusi reaalsusi. Selle alguses (1909) oli luuletaja Filippo Tommaso Marinetti. Futurism tõmbas ligi väheseid silmapaistvaid itaalia luuletajaid, kuid avaldas sügavat mõju riigi vaimsele elule. Itaalia 20. sajandi väljapaistev poeet aga. Salvatore Quasimodol polnud futurismiga mingit pistmist. Tema "hermeetiline" luule kehastas sügavalt individuaalset põhimõtet ning eristus kõrge oskuse ja elegantse stiili poolest, peegeldades poeetilise inspiratsiooni lüürilisust. Teised tunnustatud hermeetika esindajad luules on Giuseppe Ungaretti ja Eugenio Montale. Quasimodo pälvis Nobeli kirjandusauhinna 1959. aastal ja Montale 1975. Nooremate luuletajate seas, kes pälvisid pärast Teist maailmasõda tunnustust, on Pier Paolo Pasolini, Franco Fortini, Margherita Guidacci, Rocco Scotellaro, Andrea Zanotto, Antonio Rinaldi ja Michele Pierri
Art.
Itaalia kunstisuuruse alged ulatuvad 14. sajandisse, Firenze koolkonna maalitöödeni, mille suurim esindaja oli Giotto di Bondone. Giotto murdis itaalia keeles domineerinud Bütsantsi maalistiili keskaegne kunst, ning andis oma Firenzes, Assisi ja Ravenna suurtel freskodel kujutatud figuuridele loomuliku soojuse ja emotsiooni. Giotto ja tema järgijate naturalistlikke põhimõtteid jätkas Masaccio, kes lõi majesteetlikud realistlikud freskod chiaroscuro meisterliku renderdamisega. Teised Firenze vararenessansi koolkonna silmapaistvad esindajad on maalikunstnik Fra Angelico ning skulptor ja juveliir Lorenzo Ghiberti.
15. sajandi alguses. Firenzest on saanud Itaalia kunsti suur keskus. Paolo Uccello saavutas kõrgel tasemel oskused lineaarse perspektiivi edastamisel. Ghiberti õpilane Donatello lõi esimese vabalt seisva aktiskulptuuri ja ratsaskulptuuri alates Rooma ajast. Filippo Brunelleschi kandis renessansi stiili arhitektuuri, kirjutasid Fra Filippo Lippi ja tema poeg Filippino graatsilised maalid usulistel teemadel. Firenze maalikoolkonna graafilisi oskusi arendasid sellised 15. sajandi kunstnikud nagu Domenico Ghirlandaio ja Sandro Botticelli.
15. sajandi lõpus - 16. sajandi alguses. Itaalia kunstis paistsid silma kolm silmapaistvat meistrit. Michelangelo Buonarotti, renessansiajastu suurim kuju, sai kuulsaks skulptorina (Pieta, David, Mooses), Sixtuse kabeli lage maalinud kunstnikuna ja arhitektina, kes kujundas Püha Püha kiriku kupli. Peetrus on Roomas. Leonardo da Vinci maalid "Püha õhtusöök" ja Mona Lisa kuuluvad maailma maalikunsti meistriteoste hulka. Rafael Santi oma maalides ( Sixtuse Madonna, Püha Jüri ja draakon jne) kehastasid renessansiajastu elujaatavaid ideaale.
Kunsti õitseng Veneetsias saabus hiljem kui Firenzes ja kestis palju kauem. Firenze kunstnikega võrreldes seostati Veneetsia kunstnikke vähem teatud suund, kuid nende lõuenditel on tunda elu kirevust, emotsionaalset rikkust ja värvide mässu, mis tagas neile kustumatu kuulsuse. Veneetsia suurim kunstnik Tizian rikastas maali oluliselt vabade, avatud löökide ja parima värvilise kromatismiga. 16. sajandil Koos Tizianiga domineerisid Veneetsia maalikunstis Giorgione, Palma Vecchio, Tintoretto ja Paolo Veronese.
Juhtiv Itaalia meister 17. sajandil oli skulptor ja arhitekt Giovanni Lorenzo Bernini, kes lõi Püha katedraali esisele väljakule kolonnaadi kujunduse. Peetrus, samuti paljud monumentaalsed skulptuurid Roomas. Caravaggio Carracci lõi maalikunstis olulisi uusi suundi. Veneetsia maalikunst koges lühikest kasvuperioodi 18. sajandil, mil maastikukunstnik Canaletto ja looja dekoratiivsed maalid ja Giovanni Battista Tiepolo freskod. hulgas Itaalia kunstnikud 18.–19. sajandil tähelepanuväärne on graveerija Giovanni Battista Piranesi, kes kogus kuulsust oma varemete maalidega. Vana-Rooma; skulptor Antonio Canova, kes töötas neoklassitsistlikus stiilis; Firenze maalikunstnike rühm, 1860.–1880. aastate Itaalia maalikunsti demokraatliku suuna esindajad - Macchiaioli.
Itaalia on maailmale palju andnud andekad maalijad, ja 20. sajandil. Amedeo Modigliani sai tuntuks oma melanhoolsete alastifiguuride poolest, millel on iseloomulikud piklikud ovaalsed näod ja mandlikujulised silmad. Giorgio de Chirico ja Filippo de Pisis arendasid maalikunstis metafüüsilisi ja sürrealistlikke liikumisi, mis kogusid populaarsust pärast Esimest maailmasõda. Paljud Itaalia kunstnikud, sealhulgas Umberto Boccioni, Carlo Carra, Luigi Russolo, Giacomo Balla ja Gino Cerverini, kuulusid 1910.–1930. aastatel moes olnud futuristlikku liikumisse. Selle liikumise esindajad pärisid osaliselt kubistliku tehnika ja kasutasid laialdaselt korrapäraseid geomeetrilisi kujundeid.
Pärast II maailmasõda pöördus noorema põlvkonna kunstnike poole, kes otsisid uusi teid abstraktne kunst. Lucio Fontana, Alberto Burri ja Emilio Vedova mängisid Itaalia maalikunsti sõjajärgses taaselustamises võtmerolli. Nad panid aluse sellele, mida hiljem nimetati "vaesuse kunstiks" (arte povere). Viimasel ajal on rahvusvahelise tunnustuse pälvinud Sandro Chia, Mimmo Paladino, Enzo Cucchi ja Francesco Clemente.
Silmapaistvate kaasaegsete Itaalia skulptorite hulka kuuluvad Šveitsis sündinud Alberto Giacometti, kes on tuntud oma keerukate pronksi- ja terrakotatööde poolest, Mirco Basaldella, kes loob monumentaalseid abstraktseid metallikompositsioone, Giacomo Manzu ja Marino Marini. Arhitektuuris oli Pier Luigi Nervi tuntuim uute inseneriprintsiipide kasutamise poolest staadioni, lennukiangaari ja tehaste ehitamisel.
Muusika.
Alates 4. sajandist. AD, kui St. Ambrose tutvustas läänes kreeka stiili kirikulaulus, Itaalia asus juhtima uute vokaalvormide loomisel ja arendamisel. Just siin tekkis madrigal tänu suure luuletaja Dante Alighieri sõbra Pietro Casella tööle. See vorm saavutas oma kõrgeima arengu 16. sajandil. helilooja Carlo Gesualdo di Venosa dissonantseid teoseid meenutavates Luca Marenzio lüürilistes ja emotsionaalsetes madrigalides. Kirikumuusika vallas andis renessansiaegne Itaalia maailmale ühe suurimad heliloojad Giovanni Pierluigi de Palestrina, kelle missasid ja motete kasutatakse muusikaliste oskuste täiuslike näidetena tänapäevalgi.
Itaalia muusikakunst saavutas oma arengu kõrgeima punkti eelkõige ooperis. Tõenäoliselt oli esimene ooper Jacopo Peri 1594. aastal kirjutatud Daphne. Koos teise Peri Euridice ooperiga andis see tõuke suure Claudio Monteverdi tööle, kes oli tollal kuulus oma kuulsate madrigalide poolest. Orpheuses lõi Monteverdi esimest korda tõeliselt kaasaegse muusikadraama. Sellest ajast peale oli ooper Euroopas enam kui 100 aastat domineeriv muusikaline kunstiliik, mille tooni andsid Itaalia heliloojad.
Itaalia ooper saavutas haripunkti 19. sajandil. Selle sajandi alguse suured heliloojad olid Gioachino Rossini, kes oli kuulus "Sevilla habemeajaja" ja Semiramise järgi, ning tema kaasaegsed Gaetano Donizetti ja Vincenzo Bellini. 19. sajandi keskel. uus tõus on alanud ooperimuusikat. Giuseppe Verdi demonstreeris oma meisterlikkust sellistes dramaatilistes meistriteostes nagu Rigoletto, La Traviata, Aida ja Otello. 19. sajandi lõpus - 20. sajandi alguses. realism ooperis saavutab oma kõrgeima arenguastme Pietro Mascagni (La Honor Rusticana), Ruggero Leoncavallo (Pagliacci), Umberto Giordano (André Chénier) ja Giacomo Puccini (La Bohème, Tosca, Madama Butterfly) loomingus. Kuigi itaallased eelistavad endiselt kuulsaid mineviku oopereid, kasvab tänapäevaste teoste populaarsus tasapisi. Parimate hulgas ooperiheliloojad 20. sajandil märgime Ildebrando Pizzetti (Clytemnestra ja Iphigenia); Franco Alfano (doktor Antonio Sakuntala); Pietro Canonica (Korinthose pruut ja Medeia); Luigi Dallapiccola (vang) ja Goffredo Petrassi (Cordovano).
Ülemaailmse kuulsuse on kogunud Rooma Teatro del Opera ja Milano La Scala, kus ooperietendusi lavastatakse. Koos paljude Itaalia ooperimajadega subsideerib neid riik. Suurejoonelised ooperihooajad toimuvad Napolis, Palermos, Veneetsias, Firenzes, Bolognas ja Torinos. IN suveaeg etendused edasi õues peetakse Roomas Caracalla vannis, Veronas Vana-Rooma areenil, Milano Sforza lossis saarel. San Giorgio Veneetsias ja Teatro Mediterraneo Napolis. Itaalia on loonud palju silmapaistvaid ooperilauljaid, sealhulgas tenorid Enrico Caruso, Beniamino Gigli, Tito Schipa, Mario del Monaco, Carlo Bergonzi ja Luciano Pavarotti; baritonid Antonio Scotti, Tito Gobbi ja Giuseppe Taddei; bassid Ezio Pinza ja Cesare Siepi; sopranid Adelina Patti, Amelita Galli-Curci, Renata Tibaldi, Renata Scotto ja Mirella Freni; metsosopran Cecilia Bartoli.
Itaallased näitasid muusikalisi andeid mitte ainult ooperis. Nad tegutsesid uuendajatena teistes muusikavaldkondades. 11. sajandil munk Guido D'Arezzo leiutas noodikirjasüsteemi (sealhulgas võtmemärgid), millest sai kaasaegse muusikalise kirjaoskuse eelkäija Instrumentaalmuusika arengut läänes soodustas oluliselt renessansiajastu helilooja Andrea Gabrieli ja tema vennapoja Giovanni looming. Gabrieli rikastasid 17. sajandil orelimuusikat Arcangelo Corelli ja Antonio Vivaldi, harmoonilise aluse pani Alessandro Scarlatti. sümfooniline muusika, ja tema poeg Domenico Scarlatti oli üks virtuoosse klavessiinimängu rajajaid.
Kaasaegses muusikaline elu Olulist rolli mängisid itaalia dirigendid. Arturo Toscanini ja Victor de Sabata kuulusid 20. sajandi esimese poole silmapaistvamate dirigentide hulka. 1992. aastal olid viiest kõige mainekamast dirigendiametist kolm itaallased: Claudio Abbado Berliinis, Riccardo Caili Amsterdamis ja Riccardo Muti Philadelphias. Selle elukutse tipu saavutas Carlo Maria Giulini (s. 1914).
Laadimine...
