Artikli sisu

VENEMAA OPERA. Vene ooperikoolkond – koos itaalia, saksa, prantsuse keelega – on ülemaailmse tähtsusega; See puudutab peamiselt mitmeid 19. sajandi teisel poolel loodud oopereid, aga ka mitmeid 20. sajandi teoseid. 20. sajandi lõpu üks populaarsemaid oopereid maailmaareenil. - Boriss Godunov M.P. Mussorgski, sageli ka Poti emand P.I. Tšaikovski (harva tema teised ooperid, peamiselt Jevgeni Onegin); naudib suurt kuulsust Prints Igor A. P. Borodin; N. A. Rimski-Korsakovi 15 ooperist ilmub regulaarselt Kuldne kukk. 20. sajandi ooperite hulgas. kõige rohkem repertuaari Tule ingel S.S. Prokofjev ja Leedi Macbeth Mtsenski rajoonist D. D. Šostakovitš. Muidugi ei ammenda see rahvusooperikooli rikkust.

Ooperi ilmumine Venemaal (18. sajand).

Ooper oli üks esimesi Lääne-Euroopa žanre, mis Venemaa pinnal juurdus. Juba 1730. aastatel loodi Itaalia õueooper, millele kirjutasid välismuusikud, kes töötasid sajandi teisel poolel Venemaal, ilmusid avalikud ooperietendused; oopereid lavastatakse ka kindlusteatrites. Arvestatakse esimest vene ooperit Melnik - nõid, petis ja kosjasobitaja Mihhail Matvejevitš Sokolovski A. O. Ablesimovi tekstile (1779) on laululoomuliste muusikanumbritega igapäevane komöödia, mis pani aluse mitmele selle žanri populaarsele teosele - varajasele koomilisele ooperile. Nende hulgas paistavad silma Vassili Aleksejevitš Paškevitši (u 1742–1797) ooperid ( Ihne, 1782; Peterburi Gostiny Dvor, 1792; Häda vankriga, 1779) ja Evstignei Ipatovitš Fomin (1761–1800) ( Treenerid baasil, 1787; ameeriklased, 1788). Opera seria žanris kirjutati selle perioodi suurima helilooja Dmitri Stepanovitš Bortnjanski (1751–1825) kaks teost prantsuse libretodele - Pistrik(1786) ja Rival Son ehk Modern Stratonics(1787); on huvitavaid eksperimente melodraama ja muusika žanrites draamalavastuse jaoks.

Ooper enne Glinkat (19. sajand).

Järgmisel sajandil kasvab ooperižanri populaarsus Venemaal veelgi. Ooper oli 19. sajandi vene heliloojate püüdluste tipp ja isegi need, kes ei jätnud selles žanris ühtegi teost (näiteks M. A. Balakirev, A. K. Ljadov), mõtisklesid aastaid teatud ooperiprojektide üle. Selle põhjused on selged: esiteks oli ooper, nagu märkis Tšaikovski, žanr, mis võimaldas "rääkida masside keeles"; teiseks võimaldas ooper kunstiliselt valgustada suuri ideoloogilisi, ajaloolisi, psühholoogilisi ja muid probleeme, mis 19. sajandil vene inimeste meeli valdasid; Lõpuks oli noores professionaalses kultuuris tugev tõmme žanrite vastu, mis hõlmasid koos muusikaga sõna, lavalist liikumist ja maali. Lisaks on juba välja kujunenud teatav traditsioon – pärand, mis on jäänud 18. sajandi muusikali- ja teatrižanrisse.

19. sajandi esimestel kümnenditel õukond ja erateatrid hääbusid, monopol koondus riigi kätte. Mõlema pealinna muusika- ja teatrielu oli väga vilgas: sajandi esimene veerand oli vene balleti kõrgaeg; 1800. aastatel tegutses Peterburis neli teatritruppi - vene, prantsuse, saksa ja itaalia, kellest kolm esimest tõid lavale nii draamat kui ooperit, viimane - ainult ooperit; mitmed trupid töötasid ka Moskvas. Kõige stabiilsemaks osutus Itaalia ettevõtmine - isegi 1870. aastate alguses pidi kriitilisel alal tegutsenud noor Tšaikovski võitlema Moskva vene ooperi korraliku positsiooni eest Itaalia omaga võrreldes; Raek 1870. aastate vahetusel on kirjutatud ka Mussorgski, kelle ühes episoodis naeruvääristatakse Peterburi avalikkuse ja kriitikute kirge kuulsate itaalia lauljate vastu.

Boildieu ja Cavos.

Sel perioodil Peterburi kutsutud välisheliloojate seas paistavad silma kuulsa prantsuse autori Adrien Boildieu nimed ( cm. BUALDIEU, FRANCOIS ADRIENE) ja itaallane Caterino Cavos (1775–1840) , kellest 1803. aastal sai Vene ja Itaalia ooperite dirigent, aastatel 1834-1840 juhtis ta ainult Vene ooperit (ja aitas selles rollis kaasa Elu kuningale Kuigi Glinka komponeeris 1815. aastal samal süžeel oma ooperi, millel oli märkimisväärne edu, oli ta kõigi keiserlike teatrite orkestrite inspektor ja direktor, kirjutas palju vene süžeedele - nagu muinasjutte ( Nähtamatuse prints ja Ilja kangelane I. A. Krylovi libreto järgi, Svetlana V. A. Žukovski ja teiste libretole ning isamaaline ( Ivan Susanin A.A. Šahhovski libreto järgi, Kasakate luuletaja sama autori libretole). Sajandi esimese veerandi populaarseim ooper, esimese veerandi populaarseim ooper Lesta ehk Dnepri merineitsi Kavos ja Stepan Ivanovitš Davõdov (1777–1825). 1803. aastal lavastati Peterburis Viini laulumäng. Doonau merineitsi Ferdinand Cauer (1751-1831) Davõdovi täiendavate muusikanumbritega - tõlkes Dnepri merineitsi; 1804. aastal ilmus Peterburis sama laulumängu teine ​​osa sisestatud Kavosi numbritega; siis komponeerisid - ainult Davõdovi poolt - venekeelsed järjed. Segu fantastilistest, reaalrahvuslikest ja puhtsüdamlikest plaanidest püsis Vene muusikateatris pikka aega (Lääne-Euroopa muusikas võivad analoogiateks olla K.M. Weberi vararomantilised ooperid - tasuta laskur ja Oberon, mis kuulub sama tüüpi muinasjutulaulude hulka).

Ooperiloomingu teise juhtliinina 19. sajandi esimestel kümnenditel. torkab silma kodukomöödia "rahvalikust" elust - ka eelmisest sajandist tuntud žanr. Sinna kuuluvad näiteks ühevaatuselised ooperid Yam ehk postijaam(1805), Kogunemised või Jami tagajärg (1808), Devišnik ehk Filatkini pulm(1809) Aleksei Nikolajevitš Titovi (1769–1827) libreto A.Ya. Ooperit hoiti repertuaaris pikka aega. Iidne jõuluaeg Tšehhi Franz Blima ajaloolase A.F.Malinovski tekstil rahvarituaali põhjal; Daniil Nikitich Kašini (1770–1841) "laulu" ooperid olid edukad Natalja, bojaari tütar(1803), mis põhineb N. M. Karamzini romaanil, mille on läbi vaadanud S. N. Glinka ja Olga Ilus(1809) sama autori libretole. See liin jõudis eriti õitsele 1812. aasta sõja ajal. Muusikalised ja isamaalised etteasted, mis on komponeeritud kiirustades ja ühendades väga lihtsa, "aktuaalse" süžeepõhimõtte tantsu, laulu ja vestlustega (nimed on tüüpilised: Miilits ehk armastus isamaa vastu, Kasakas Londonis, Puhkus liitlasvägede laagris Montmartre'is, Kasakas ja Preisi vabatahtlik Saksamaal, Miilitsa tagasitulek), tähistas divertismenti kui erilise muusika- ja teatrižanri algust.

Verstovski.

Suurim vene ooperihelilooja enne Glinkat oli A. N. Verstovski (1799–1862) ( cm. VERSTOVSKI, ALEKSEI NIKOLAJITŠ). Kronoloogiliselt langeb Verstovski ajastu kokku Glinka ajastuga: kuigi Moskva helilooja esimene ooper on Pan Tvardovski(1828) ilmus varem Elu kuningale, kõige populaarsem Askoldi haud- samal aastal kui Glinka ooper ja Verstovski viimane ooper, Äike(1857), pärast Glinka surma. Verstovski ooperite suur (kuigi enamasti puhtalt Moskva) edu ja edukamate "ellujäämine" - Askoldi haud- "kõige iidsemate vene-slaavi legendide" (muidugi väga tinglikult tõlgendatud) ja muusika, mille intonatsioonilises struktuuris on rahvusvene, lääneslaavi ja moldaavia-mustlaste motiividel üles ehitatud süžeede atraktiivsus kaasaegsete jaoks. igapäevased intonatsioonid on kirjud. On ilmne, et Verstovski ei valdanud suurejoonelist ooperivormi: peaaegu kõigis tema ooperites vahelduvad muusikalised “numbrid” pikkade vestlusstseenidega (helilooja püüded kirjutada retsitatiive hilisemates teostes ei muuda asja), orkestrifragmendid on tavaliselt mitte huvitavad ja mitte maalilised, selle helilooja ooperid kõlasid kaasaegse sõnadega "midagi tuttavalt", "meeldivalt omapäraselt". Nende "legendaarsete" ooperitega äratatud "üllast isamaa-armastuse tunnet" võib võrrelda publiku muljetega helilooja alalise libretisti Zagoskini romaanidest.

Glinka.

Kuigi Glinka-eelse ajastu muusikat on nüüdseks piisavalt põhjalikult uuritud, ei lakka Mihhail Ivanovitš Glinka (1804–1857) ilmumine imena tundumast. Tema kingituse põhiomadused on sügav intellektuaalsus ja peen kunstilisus. Peagi tuli Glinka ideele kirjutada "suur vene ooper", mis tähendab selle all kõrget traagilist žanri teost. Algselt (aastal 1834) võttis Ivan Susanini vägiteo teema, mille heliloojale viitas V. A. Žukovski, kolmest maalist koosneva lavaoratooriumi vormis: Susanini küla, kokkupõrge poolakatega, triumf. Siiski siis Elu kuningale(1836) kujunes tõeliseks võimsa koorialgatusega ooperiks, mis vastas rahvuskultuuri traditsioonile ja määras suuresti ette vene ooperi edasise tee. Glinka oli esimene vene autoritest, kes lahendas lavalise muusikalise kõne probleemi ja mis puudutab muusikalisi "numbreid", siis need, mis on kirjutatud traditsioonilistes soolo-, ansambli- ja koorivormides, osutusid täitunud nii uue intonatsioonilise sisuga, et assotsiatsioonid Itaalia või muud mudelid said jagu. Pealegi sisse Elu kuningale sai ületatud eelmise vene ooperi stiililine mitmekesisus, kui žanristseenid kirjutati "vene keeles", lüürilised aariad "itaalia keeles", dramaatilised hetked "prantsuse" või "saksa keeles". Paljud järgmiste põlvkondade vene muusikud eelistasid sellele kangelasdraamale austust avaldades siiski Glinka teist ooperit - Ruslan ja Ludmila(Puškini järgi, 1842), nähes selles teoses täiesti uut suunda (seda jätkasid N. A. Rimski-Korsakov ja A. P. Borodin). Ooperi ülesanded Ruslana– täiesti teistsugune kui Puškini loomingus: esimene muistse vene vaimu taasloomine muusikas; "autentne" Ida selle erinevates rõivastes - "läändunud" ja "sõjakas"; fantaasia (Naina, Tšernomori loss) on täiesti originaalne ega jää sugugi alla Glinka kõige arenenumate kaasaegsete – Berliozi ja Wagneri – fantaasiale.

Dargomõžski.

Aleksander Sergejevitš Dargomõžski (1813–1869) alustas oma ooperihelilooja karjääri üsna noorelt, 1830. aastate teisel poolel, kui esietendusest inspireerituna Elu kuningale, hakkas kirjutama muusikat V. Hugo prantsuse libretole Esmeralda.

Järgmise ooperi süžee tekkis juba enne lavastust Esmeralda(1841) ja see oli Puškini oma Merineitsi, mis aga ilmus lavale alles 1856. aastal. Näkid osutus ka tänapäeva muusikaelu lähedaseks. Erinevalt Glinka virtuoossest instrumentatsioonist on Dargomõžski orkester tagasihoidlik, kaunid rahvakoorid. Näkid on oma olemuselt üsna traditsioonilised ning põhiline dramaturgiline sisu on koondunud soolopartidesse ja eriti suurejoonelistesse koosseisudesse ning meloodilises värvingus on kombineeritud korralikke vene elemente slaavi - väikevene ja poola keelega. Dargomõžski viimane ooper, kivist külaline(Puškini järgi, 1869, lavastatud 1872), täiesti uuenduslik, lausa eksperimentaalne teos žanris "vestlusooper" (ooperi dialoog). Helilooja sai siin hakkama ilma arenenud vokaalvormideta nagu aaria (ainsad erandid on Laura kaks laulu), ilma sümfooniaorkestrita ning selle tulemusena ilmus ebatavaliselt viimistletud teos, milles saab lühima meloodiafraasi või isegi ühe konsonantsi. omandab suure ja iseseisva väljendusoskuse.

Serov.

Hiljem kui Dargomõžski, kuid varem kui tšekistid ja Tšaikovski, tegi Aleksandr Nikolajevitš Serov (1820–1871) end ooperižanris tuntuks. Tema esimene ooper Judith(1863), ilmus siis, kui autor oli juba üle neljakümne (enne seda oli Serov kogunud märkimisväärset kuulsust muusikakriitikuna, kuid heliloojana polnud ta loonud midagi tähelepanuväärset). P. Giacometti näidend (kirjutatud spetsiaalselt kuulsale traagika näitlejannale Adelaide Ristorile, kes selles rollis Peterburis ja Moskvas silma paistis), mis põhineb piiblilool kangelannast, kes päästis oma rahva orjusest, vastas täielikult põnevil. Vene ühiskonna olukord 1860. aastate vahetusel. Ahvatlev oli ka värvikas kontrast karmi Juudamaa ja luksusesse uppunud Assüüria vahel. Judith kuulub Meyerbeeri tüüpi "suure ooperi" žanrisse, mis oli uudne ka Vene laval; sellel on tugev oratooriumi algus (piiblilegendi vaimuga kõige enam haakuvad üksikasjalikud kooristseenid, mida toetatakse Händeli tüüpi klassikalises oratooriumilaadis) ning samal ajal teatraalne ja dekoratiivne (divertiseerimine tantsudega). Mussorgski helistas Judith esimene pärast seda, kui Glinka "tõsiselt tõlgendas" ooperit Vene laval. Soojast vastuvõtust innustununa asus Serov kohe tööle uue ooperi kallal, nüüdseks Vene ajaloolisel süžeel, - Rogned. Kroonika järgi tehtud "ajalooline libreto" tekitas palju süüdistusi ebausutamatuses, faktide moonutamises, "tembeldamises", oletatava üldkeele võltsimises jne; muusika sisaldas vaatamata "üldiste kohtade" massile suurejoonelisi fragmente (mille hulgas on esikohal muidugi varangi ballaad Rognedast – seda leidub kontserdirepertuaaris siiani). Pärast Rognedy(1865) Serov tegi väga järsu pöörde, pöördudes kaasaegse elu draama poole - A. N. Ostrovski näidendi juurde Ära ela nii, nagu tahad ja saades seeläbi esimeseks heliloojaks, kes julges kirjutada "ooperi modernsusest" - Vaenlase jõud (1871).

"Võimas kamp".

Dargomõžski ja Serovi uusimate ooperite ilmumine edestab vaid pisut «Vägeva peotäie» heliloojate esimeste ooperite valmimisaega. Kutškistlikul ooperil on mõned "üldised" jooned, mis avalduvad nii erinevatel artistidel nagu Mussorgski, Rimski-Korsakov ja Borodin: vene teemade eelistamine, eriti ajalooline ja muinasjutuline-mütoloogiline; suurt tähelepanu mitte ainult süžee "usaldusväärsele" arendamisele, vaid ka sõna foneetikale ja semantikale ning üldiselt vokaalliinile, mis on alati esiplaanil, isegi väga arenenud orkestri puhul; koori (enamasti - "rahva") stseenide väga oluline roll; "läbi" ja mitte "nummerdatud" tüüpi muusikaline dramaturgia.

Mussorgski.

Ooperid, nagu ka teised vokaalintonatsiooniga seotud žanrid, moodustavad põhiosa Modest Petrovitš Mussorgski (1839–1881) pärandist: noorena alustas ta oma teekonda muusikas ooperikavast (teostumata ooperist). Gan islandlane V. Hugo järgi) ja lahkus siit ilmast, jättes pooleli kaks ooperit - Khovanštšina ja Sorotšinskaja mess(esimene oli klaveris täiesti valmis, kuid peaaegu ilma instrumentaariumita; teises komponeeriti põhistseenid).

Noore Mussorgski esimene suurem teos 1860. aastate teisel poolel oli ooper Salambo(G. Flaubert'i järgi, 1866; jäi pooleli; hilisemas autobiograafilises dokumendis on teos tähistatud mitte “ooperina”, vaid “stseenina” ja just selles rollis seda ka tänapäeval esitatakse). Idast on siin loodud täiesti originaalne kuvand - mitte niivõrd eksootiline "kartagolane", kuivõrd vene-piibli, millel on paralleele maalikunstis (Aleksandr Ivanovi "piibli visandid") ja luules (näiteks Aleksei Homjakov). Vastandlikku "antiromantilist" suunda esindab Mussorgski teine ​​lõpetamata varane ooper - Abielu(Gogoli järgi, 1868). See, autori definitsiooni järgi, "õpe kambertesti jaoks" jätkab rida kivist külaline Dargomõžski, kuid teravdab seda nii palju kui võimalik, valides poeesia asemel proosa, süžee, mis on üdini “tõeline” ja pealegi “kaasaegne”, laiendades nii ooperižanri mastaapsusele neid “romantilise lava” eksperimente, Dargomõžski võttis endale ( Pealkiri nõustaja, Uss jne) ja Mussorgski ise.

Boriss Godunov

(1. trükk - 1868-1869; 2. trükk - 1872, lavastatud 1874) kannab alapealkirja "Puškini ja Karamzini järgi", see põhineb Puškini tragöödial, kuid helilooja poolt märkimisväärsete lisadega. Juba ooperi esimeses, kammerlikumas versioonis, mis keskendus isiksuse draamale kui "kuriteo ja karistuse" draamale ( Boriss Godunov- kaasaegne Kuriteod ja karistused F. M. Dostojevski), lahkus Mussorgski mis tahes ooperikaanonitest väga kaugele - nii dramaturgia intensiivsuse ja keele teravuse kui ka ajaloolise süžee tõlgenduse poolest. Teise väljaande kallal töötamine Boriss Godunov, mis sisaldas nii mõnevõrra traditsioonilisemat “Poola akti” kui ka ooperis üsna ebatavalist rahvaülestõusu stseeni (“Kromi all”), võis Mussorgski juba meeles pidada murede aja pretsedendi edasist arengut – Razini ülestõus, Streltsy rahutused, lõhenemine, Pugatšovštšina , s.o. nende tulevaste ooperite võimalikud ja ainult osaliselt kehastatud süžeed - Venemaa muusikalis-ajalooline kroonika. Sellest saatest viidi läbi ainult lõhestumise draama - Khovanštšina, millele Mussorgski alustas kohe pärast teise väljaande valmimist Boriss Godunov, isegi samaaegselt selle valmimisega; samal ajal ilmub dokumentides idee "muusikadraamast Volga kasakate osalusel" ja hiljem märgib Mussorgski oma rahvalaulude salvestisi "Viimase ooperi jaoks". Pugatšovštšina».

Boriss Godunov, eriti esimeses väljaandes, esindab muusikalise tegevuse läbiarendusega ooperitüüpi, kus valminud fragmendid ilmuvad ainult siis, kui need on tingitud lavalisest olukorrast (kiidukoor, printsessi itk, polonees ballil palees jne). AT Khovanštšina Mussorgski seadis ülesandeks luua tema sõnul “tähenduslik/õigustatud” meloodia ja laul sai selle aluseks, s.t. olemuselt mitte instrumentaalne (nagu klassikalises aarias), vaid stroofiline, vabalt muutuv struktuur – "puhtal" kujul või kombinatsioonis retsitatiivse elemendiga. See asjaolu määras suuresti ooperi vormi, mis, säilitades samal ajal tegevuse järjepidevuse ja voolavuse, sisaldas palju rohkem "lõpetatud", "ümardatud" numbreid - ja koraali ( Khovanštšina palju suuremal määral kui Boriss Godunov, kooriooper – "rahvamuusikadraama") ja soolo.

Erinevalt Boriss Godunov, mis käis mitu aastat Mariinski teatri laval ja ilmus autori eluajal, Khovanštšina esmakordselt esitati Rimski-Korsakovi väljaandes poolteist aastakümmet pärast autori surma, 1890. aastate lõpus tõi selle Moskva Vene Eraooperis lavale S.I. Mariinski teatris Khovanštšina ilmus tänu sama Chaliapini pingutustele 1911. aastal peaaegu samaaegselt Djagilevi ettevõtte ooperi etendustega Pariisis ja Londonis (kolm aastat varem oli Djagilevi Pariisi lavastus sensatsiooniline edu Boriss Godunov). 20. sajandil korduvalt püüti taaselustada ja lõpule viia abielu ja Sorotšinskaja mess erinevates väljaannetes; neist teise puhul oli viide V.Ya.Shebalini rekonstruktsioon.

Rimski-Korsakov.

Nikolai Andrejevitš Rimski-Korsakovi (1844–1908) pärand esindas paljusid peamisi muusikažanre, kuid tema suurimad saavutused, nagu ka Mussorgski omad, olid seotud ooperiga. See läbib kogu helilooja elu: aastast 1868, esimese ooperi kompositsiooni algusest ( Pihkvatjanka), kuni 1907. aastani, viimase, viieteistkümnenda ooperi valmimiseni ( Kuldne kukk). Rimski-Korsakov töötas selles žanris eriti intensiivselt alates 1890. aastate keskpaigast: järgmise pooleteise aastakümne jooksul lõi ta 11 ooperit. Kuni 1890. aastate keskpaigani toimusid kõik Rimski-Korsakovi ooperite esietendused Mariinski teatris; Hiljem, alates 1890. aastate keskpaigast, helilooja koostöö S. I. Mamontovi Moskva Eraooperiga, kus enamik Korsakovi hilisoopereid, alustades Sadko. See koostöö mängis erilist rolli muusikalavastuse uut tüüpi kujunduse ja lavastajaotsuse kujunemisel (nagu ka selliste mammutringkonna artistide nagu K.A. Korovin, V.M. Vasnetsov, M.A. Vrubel loomingulises arengus).

Rimski-Korsakovi toimetus on täiesti ainulaadne: tänu temale esimest korda Khovanštšina ja Prints Igor, mis jäi pooleli pärast Mussorgski ja Borodini surma (Borodino ooperi versioon tehti koos A.K. Glazunoviga); ta instrumenteeris kivist külaline Dargomõžski (ja kaks korda: esilinastuseks 1870. aastal ja uuesti aastatel 1897–1902) ja avaldati abielu Mussorgski; oma väljaandes saavutas ülemaailmse kuulsuse Boriss Godunov Mussorgski (ja kuigi üha enam eelistatakse autori versiooni, jookseb Korsakovi versioon paljudes teatrites edasi); lõpuks valmistas Rimski-Korsakov (koos Balakirevi, Ljadovi ja Glazunoviga) kahel korral avaldamiseks Glinka ooperipartituuri. Seega moodustab Rimski-Korsakovi looming ooperižanri suhtes (nagu ka mitmes muus aspektis) omamoodi vene klassikalise muusika tuumiku, mis ühendab Glinka ja Dargomõžski ajastu 20. sajandist.

Rimski-Korsakovi 15 ooperi hulgas ei leidu ühtki sama tüüpi žanri; isegi tema muinasjutuooperid erinevad üksteisest paljuski: Lumetüdruk(1882) - "kevadine lugu", Tsaar Saltani lugu(1900) - "lihtsalt muinasjutt", Koschei Surematu(1902) - "Sügislugu", Kuldne kukk(1907) - "väljamõeldis nägudes". Seda loetelu võiks jätkata: Pihkvatjanka(1873) - ooperi kroonika, Mlada(1892) - ooper-ballett, jõuluõhtu(1895) - autori määratluse järgi "laululugu", Sadko(1897) - eepiline ooper, Mozart ja Salieri(1898) - kammerlikud "dramaatilised stseenid", Legend nähtamatust linnast Kitežist ja neiu Fevroniast(1904) - ooper-jutt (või "liturgiline draama"). Traditsioonilisemate ooperitüüpide hulka kuulub lüüriline komöödia. mai õhtu(Gogoli järgi, 1880), lüüriline draama vene ajaloolisel süžeel kuninglik pruut(L.A. May, 1899 järgi; ja selle ooperi proloog Boyarina Vera Sheloga, 1898) ja kaks vähemkuulsat (ja tõepoolest vähem õnnestunud) ooperit 19. ja 20. sajandi vahetusest. - Pan kuberner(1904) poola motiividel ja Servilia(1902) May näidendi põhjal, mille tegevus toimub esimesel sajandil pKr Roomas.

Sisuliselt reformis Rimski-Korsakov ooperižanri omaenda loomingulisuse skaalal ja ilma teoreetilisi loosungeid välja kuulutamata. Seda reformi seostati toetumisega juba väljakujunenud vene kooli mustritele Ruslana ja Ljudmila Glinka ja kutškismi esteetilised põhimõtted), rahvakunst selle kõige mitmekesisemates ilmingutes ja inimmõtlemise kõige iidsemad vormid - müüt, eepos, muinasjutt (viimane asjaolu lähendab kahtlemata vene heliloojat tema vanemale kaasaegsele Richard Wagnerile, kuigi omaenda põhiparameetriteni jõudis Rimski-Korsakov ooperikontseptsioonini iseseisvalt, enne tutvumist tetraloogia ja Wagneri hilisemate ooperitega). Rimski-Korsakovi "mütoloogiliste" ooperite tüüpiline joon, mis on seotud slaavi päikesekultusega ( mai õhtu, jõuluõhtu, Mlada, muinasjutuooperid), on "mitme maailm": tegevus toimub kahes või enamas "maailmas" (inimesed, looduselemendid ja nende kehastused, paganlikud jumalused) ning iga "maailm" räägib oma keelt, mis vastab Rimski-Korsakovi enesehinnangule "objektiivse" lao heliloojana. Keskperioodi ooperitele alates mai õhtu enne Ööd enne jõule, muusikalise tegevuse küllastumine rituaalsete ja rituaalsete stseenidega (seotud iidse talupojakalendri pühadega - üldiselt kajastub kogu paganlik aasta Rimski-Korsakovi ooperites); hilisemates teostes esineb rituaalsus, “statuut” (sh kristlik õigeusk, sageli ka “vana” ja “uue” rahvausu süntees) kaudsemal ja rafineeritumal kujul. Kuigi helilooja oopereid esitati regulaarselt 19. sajandil, said need tõelise tunnustuse alles 19. ja 20. sajandi vahetusel. ja hiljem, hõbeajastul, millele see meister kõige rohkem sobis.

Borodin.

Kavatsus Prints Igor Aleksander Porfirevitš Borodin (1833–1877) kuulub plaanidega samasse ajastusse Boriss Godunov, Khovanštšina ja pihkvalased, st. 1860. aastate lõpuks – 1870. aastate alguseks ei olnud aga ooper erinevatel asjaoludel täielikult valmis isegi autori surma ajaks 1886. aastal ning esietendus (revideerinud Rimski-Korsakov ja Glazunov) toimus peaaegu samaaegselt Poti emand Tšaikovski (1890). On iseloomulik, et erinevalt oma kaasaegsetest, kes pöördusid Ivan Julma, Boriss Godunovi ja Peeter Suure valitsemisaja dramaatiliste sündmuste poole ajalooliste ooperi süžeede jaoks, võttis Borodin aluseks vanima eepilise monumendi - Mõni sõna Igori rügemendist. Olles silmapaistev loodusteadlane, rakendas ta ooperi libretos teaduslikku lähenemist, asudes tõlgendama monumendi keerulisi kohti, uurides tegevuste ajastut, kogudes teavet aastal mainitud muistsete rändrahvaste kohta. Sõna. Borodin suhtus ooperivormi probleemisse tasakaalukalt ja realistlikult ega püüdnud seda täielikult ümber kujundada. Tulemuseks oli teose välimus mitte ainult ilus üldiselt ja detailides, vaid ka ühelt poolt sihvakas ja tasakaalukas ning teisalt ebatavaliselt originaalne. 19. sajandi vene muusikas. talurahva folkloori "autentsemat" reprodutseerimist on raske leida kui Poseljani kooris või Jaroslavna nutulaulus. Ooperi kooriproloog, kus kõlab Glinka iidsete vene stseenide "skazka" intonatsioon. Ruslana, mis sarnaneb keskaegsele freskole. Idamaised motiivid Prints Igor(“Polovtsi lõik”) on “stepi” värvingu tugevuse ja autentsuse poolest maailmakunstis võrratud (hiljutised uuringud on näidanud, kui tundlikuks osutus Borodin ida folkloori suhtes isegi muusikalise etnograafia seisukohalt). Ja see autentsus on kõige loomulikumal viisil ühendatud suure aaria üsna traditsiooniliste vormide kasutamisega - kangelase (Igor, Kontšak, Jaroslavna, Vladimir Galitski, Konchakovna), dueti (Vladimir ja Konchakovna, Igor ja Jaroslavna) omadused. ) ja teised, aga ka Borodini stiili sisse toodud elementidega Lääne-Euroopa muusikast (näiteks "Šumanismid", vähemalt samas Jaroslavna aarias).

Cui.

Kutškisti ooperi arvustuses tuleks mainida ka Caesar Antonovich Cui (1835–1918) nime kui peaaegu kahekümne väga erinevat teemat käsitleva ooperi autorit (alates Kaukaasia vang Puškini luuletuse põhjal ja Angelo Hugo poolt varem Mademoiselle Fifi G. de Maupassanti järgi), mis ilmusid ja mida lavastati pool sajandit. Praeguseks on kõik Cui ooperid kindlalt unustatud, kuid erandi tuleks teha tema esimese küpse teose puhul selles žanris - William Ratcliff G. Heine järgi. Ratcliff sai esimeseks lavale jõudnud Balakirevi ringi ooperiks (1869) ja siin kehastus esmakordselt unistus uue põlvkonna ooperist-draamast.

Tšaikovski.

Nagu Rimski-Korsakov ja Mussorgski, oli ka Pjotr ​​Iljitš Tšaikovskil (1840–1893) kogu elu tugev tõmme ooperi (ja erinevalt kutškistidest ka balleti) žanri vastu: tema esimene ooper, kuberner(A.N. Ostrovski järgi, 1869), viitab iseseisva loometegevuse päris algusele; viimase esilinastus Iolanthe, toimus vähem kui aasta enne helilooja äkksurma.

Tšaikovski ooperid on kirjutatud erinevatel teemadel – ajaloolistel ( Oprichnik, 1872; Orléansi neiu, 1879; Mazepa, 1883), koomiks ( Sepp Vakula, 1874 ja selle ooperi teise autori versioon - Tšerevitški, 1885), lüürika ( Jevgeni Onegin, 1878; Iolanta, 1891), lüürilis-traagiline ( Võluja, 1887; Poti emand, 1890) ja on vastavalt teemale teistsuguse välimusega. Kuid Tšaikovski arusaamises omandasid kõik tema valitud süžeed isikliku, psühholoogilise värvingu. Kohalik koloriit, tegevuskoha ja -aja kujutamine huvitas teda suhteliselt vähe – Tšaikovski sisenes vene kunsti ajalukku eelkõige lüürilise muusikadraama loojana. Tšaikovskil, nagu kutškistidel, ei olnud ühtset universaalset ooperikontseptsiooni ja ta kasutas vabalt kõiki tuntud vorme. Kuigi stiil kivist külaline tundunud talle alati “liigne”, teda mõjutas mõnevõrra ooperidialoogi idee, mis väljendus läbiva, pideva tüübi ja meloodilise laulukõne muusikalise dramaturgia eelistamises “formaalse” retsitatiivi asemel (siin Tšaikovski, tuli aga mitte ainult Dargomõžskilt, vaid veelgi enam Glinkalt, eriti tema poolt sügavalt austatud Elu kuningale). Samal ajal iseloomustab Tšaikovskit palju suuremal määral kui peterburglasi (välja arvatud Borodin) muusikalise tegevuse järjepidevuse kombinatsioon iga stseeni sisemiste vormide selguse ja lahkamisega - ta ei loobuma traditsioonilistest aariatest, duetidest ja muust, omab meisterlikult keeruka "lõpulise" koosseisu vormi (mis kajastus Tšaikovski kires Mozarti kunsti ja eriti tema ooperite vastu). Ta ei aktsepteeri Wagneri süžeesid ja peatub hämmeldunult Wagnerliku ooperivormi ees, mis talle absurdsena tundus, läheneb Tšaikovski ooperiorkestri tõlgenduses siiski saksa heliloojale: instrumentaalpartii on küllastunud tugevast, tõhusast sümfoonilisest arengust ( selles mõttes on eriti tähelepanuväärsed eelkõige hilised ooperid Poti emand).

Oma elu viimasel kümnendil nautis Tšaikovski suurima vene ooperihelilooja kuulsust, osa tema oopereid jõudis lavale välismaa teatrites; Tšaikovski hilisematel ballettidel olid ka võidukad esietendused. Edu muusikateatris ei saabunud heliloojale aga kohe ja hiljem kui instrumentaalžanrites. Tavapäraselt võib Tšaikovski muusikalises ja teatripärandis eristada kolme perioodi: varajane, Moskva (1868–1877) - kuberner, Oprichnik, Sepp Vakula, Jevgeni Onegin ja Luikede järv; keskmine, kuni 1880. aastate lõpuni - kolm suurt traagilist ooperit: Orléansi neiu, Mazepa ja Võluja(nagu ka modifikatsioon Sepp Vakula sisse Tšerevitški, mis muutis oluliselt selle varajase ooperi välimust); hilja - Poti emand, Iolanta(Tšaikovski ainus "väike" ühevaatuseline kammerooper) ja balletid uinuv kaunitar ja Pähklipureja. Esimese tõelise suure eduga kaasnes Moskva esilinastus Jevgeni Onegin konservatooriumi tudengite poolt 1879. aasta märtsis sai selle ooperi esiettekanne Peterburis 1884. aastal üheks helilooja loomingulise tee tipuks ja teose kolossaalse populaarsuse alguseks. Teine ja veelgi kõrgem tipp oli esilinastus Poti emand aastal 1890.

Anton Rubinstein.

19. sajandi vene muusikateatri arengu põhisuundadesse mitte mahtunud nähtustest võib nimetada Anton Grigorjevitš Rubinsteini (1829–1894) oopereid: 13 pärisooperit ja 5 vaimulikku ooperit-oratooriumit. "Ida" teemaga on seotud helilooja muusika- ja teatriteoste paremik: monumentaal-dekoratiivne, oratoorium. Makkabid(1874, lavastatud 1875), lüürika Deemon(1871, tarnitud 1875) ja Shulamith (1883). Deemon(Lermontovi sõnul) on Rubinsteini ooperipärandi absoluutne tipp ning üks parimaid vene ja populaarsemaid lüürilisi oopereid.

Blaramberg ja Napravnik.

Teistest sama ajastu ooperiautoritest paistavad silma Moskva helilooja Pavel Ivanovitš Blaramberg (1841–1907) ja Peterburi helilooja Eduard Frantsevitš Napravnik (1839–1916), Mariinski teatri kuulus ja asendamatu vene ooperi dirigent. pooleks sajandiks. Blaramberg oli iseõppija ja püüdis järgida Balakirevi ringi ettekirjutusi, vähemalt õppeainete valikul, peamiselt vene keel (suurima edu saavutas tema ajalooline melodraama). Tushintsy murede ajast, 1895). Erinevalt Blarambergist oli Napravnik kõrgetasemeline professionaal ja valdas kahtlemata komponeerimistehnikat; tema esimene ooper Nižni Novgorod rahvuslik-patriootilisel teemal (1868) ilmus lavale veidi varem kui esimesed kutškistlikud ajaloolised ooperid - Boriss Godunov ja pihkvalased ja enne nende esilinastusi oli mõningane edu; Napravniku järgmine ooper, Harold(1885), mis on loodud Wagneri selgel mõjul, samas kui selle autori ooperi kõige edukam ja mõnikord ka teatrirepertuaaris leiduv Dubrovski(Puškini järgi, 1894) on inspireeritud Napravniku lemmik vene helilooja Tšaikovski loomingust (ta juhatas mitmeid Tšaikovski ooperi- ja sümfooniaesiettekandeid).

Tanejev.

19. sajandi lõpus sündis Sergei Ivanovitš Tanejevi (1856–1915) ainus ooper (ooperitriloogia). orestea(Aischylose krundil, 1895). Ooperi libreto kaldub üldiselt kaugele iidsest allikast, antiikaja jaoks ebatavalise “psühhologismi” tähenduses, keskse naisepildi romantilises tõlgenduses. Sellegipoolest seovad selle ooperi stiili põhijooned klassitsistliku traditsiooniga, eelkõige Glucki lüüriliste muusikaliste tragöödiatega. Uue sajandi künnisel loodud Tanejevi loomingu range, vaoshoitud toon lähendab teda neoklassikalise suuna hilisematele ilmingutele (näiteks ooperile-oratooriumile). Oidipus Rex I. F. Stravinski).

19.–20. sajandi vahetus

19. sajandi viimasel pooleteise aastakümnel. ja järgmise sajandi esimestel kümnenditel, s.o. Mussorgski, Borodini, Tšaikovski surmajärgsel perioodil (ja samal ajal Rimski-Korsakovi ooperiloomingu õitseajal) esitati peamiselt Moskvas mitmeid uusi ooperiheliloojaid: M. M. Ippolitov-Ivanov (1859–1859). 1935) ( Ruth piiblilegendi järgi 1887; Asya Turgenevi järgi, 1900; Riigireetmine, 1910; Ole Nordlandist; 1916), A.S. Arensky (1861–1906) ( Maga Volga peal Ostrovski järgi, 1888; Raphael, 1894; Nal ja Damayanti, 1903), V. I. Rebikov (1866–1920) ( Äikesetormis, 1893; jõulupuu, 1900 ja teised), S. V. Rahmaninov (1873–1943) ( Aleko Puškini järgi, 1892; Halb rüütel Puškini ja Francesca da Rimini Dante, 1904), A.T. Grechaninovi (1864–1956) järgi ( Nikititš, 1901; Õde Beatrice M. Maeterlincki järgi, 1910); proovida kätt ooperižanris ka Vas. S. Kalinnikov (1866–1900/1901) (ooperi proloog Aastal 1812, 1899) ja A. D. Kastalsky (1856–1926) ( Clara Milic Turgenevi järgi, 1907). Nende autorite loomingut seostati sageli Moskva eraettevõtete tegevusega - kõigepealt S. Mamontovi Moskva eraooperiga ja seejärel S. I. Zimini ooperiga; uued ooperid kuulusid peamiselt kammerlüürilisse žanrisse (mitu neist on ühevaatuselised). Mõned ülalloetletud teosed külgnevad kuchkistliku traditsiooniga (näiteks eepos Nikititš Gretšaninov, mingil määral ka Ruth Ippolitova-Ivanov, mida iseloomustab idamaise maitse originaalsus, ja Kastalski ooper, milles on kõige paremini õnnestunud igapäevaelu muusikalised visandid), kuid veelgi suuremal määral mõjutas uue põlvkonna autoreid lüüriline ooperistiil. Tšaikovski (Arenski, Rebikov, Rahmaninovi esimene ooper), aga ka uued suundumused tolleaegses Euroopa ooperiteatris.

Stravinski esimene ooper Ööbik(H.K. Anderseni muinasjutu järgi, 1914) on loodud Djagilevi ettevõtte tellimusel ja on stilistiliselt seotud "Kunstimaailma" esteetikaga, aga ka aastal ilmunud uut tüüpi muusikalise draamaga. Pelléas ja Melisande C. Debussy. Tema teine ​​ooper Maura(peal Maja Kolomnas Puškina, 1922) on ühelt poolt vaimukas muusikaline anekdoot (või paroodia), teisalt aga stilisatsioon Puškini-aegsest vene linnaromantikast. kolmas ooper, Oidipus Rex(1927) pole tegelikult mitte niivõrd ooper, kuivõrd neoklassikaline lavaoratoorium (kuigi siin kasutatakse kompositsioonipõhimõtteid ja itaalia ooperisarja vokaalstiili). Helilooja viimane ooper Reha seiklused, on kirjutatud palju hiljem (1951) ja sellel pole mingit pistmist vene ooperi fenomeniga.

Šostakovitš.

Raske saatus oli ka kahel Dmitri Dmitrijevitš Šostakovitši (1906–1975) ooperil, mille ta kirjutas 1920. aastate lõpus ja 1930. aastate alguses: Nina(Gogoli järgi, 1929) ja Leedi Macbeth Mtsenski rajoonist(Leskovi järgi, 1932, 2. trükk 1962). Nina, väga särav ja terav teos, 20. sajandi lõpus. nautis Venemaal ja läänes suurt populaarsust, seostub stilistiliselt ekspressionistliku teatriga ning põhineb kõige teravamal paroodiaprintsiibil, jõudes destruktiivse ja tigeda satiirini. Esimene trükk Leedi Macbeth oli teatud mõttes stiili jätk nina, ja selle ooperi peategelane tekitas assotsiatsioone selliste tegelastega nagu Maria aastal Wozzecke A. Berg ja isegi Salome R. Straussi samanimelises ooperis. Nagu teada, on Leedi Macbeth, mis saavutas esilinastusel märkimisväärse edu, sai ajalehe Pravda saateartikli "objektiks". Muusika asemel segadus(1934), mis mõjutas suuresti nii Šostakovitši saatust kui ka olukorda tolleaegses nõukogude muusikas. Ooperi teises, palju hilisemas versioonis tegi autor olulisi leevendusi - nii dramaatilisi kui muusikalis-stilistilisi, mille tulemusel sai teos vene ooperiteatri jaoks klassikalisele mõnevõrra lähedase vormi, kuid kaotanud oma terviklikkuse.

Üldiselt oli ooperiprobleem üsna terav kogu vene muusikakultuuri nõukogude perioodi vältel. Kuna seda žanri peeti üheks "demokraatlikumaks" ja samas ka "ideoloogilisemaks", siis kunsti suunanud võimud tavaliselt innustanud heliloojaid sellel alal tegutsema, kuid samas rangelt kontrollinud. 1920. aastatel ja 1930. aastate alguses oli ooperikultuur Venemaal hiilgavas seisus: Moskvas ja Leningradis ilmusid suurepärased klassikalise repertuaari lavastused, laialdaselt lavastati uusimaid lääne teoseid; Eksperimente muusikateatri vallas viisid läbi suurimad lavastajad, alustades K. S. Stanislavskyst ja V. E. Meyerholdist jt. Hiljem jäid need edusammud suures osas kaduma. Eksperimentide aeg ooperiteatris lõppes 1930. aastate alguses (tavaliselt koos Prokofjevi ja Šostakovitši ooperite lavastustega L. K. Knipperi (1898–1974), V. V. (1889–1955), A.F. Paštšenko (1883–1972) ja teised; nüüdseks on nad kõik unustusehõlma vajunud). 1930. aastate keskel kerkis esiplaanile nn lauluooperi kui "rahvale kättesaadava" kontseptsioon: selle standard oli Vaikne Don(M. Šolohhovi järgi, 1935) I. I. Dzeržinski (1909–1978); samasse sorti kuuluvad omal ajal populaarsed T. N. Hrennikovi (s. 1913) ooperid Tormi sisse(1939) ja D.B.Kabalevski (1904–1987) Tarase perekond(1950). Tõsi, samal perioodil ilmusid ka näiteks enam-vähem edukad “tavalised” ooperid Kärbja taltsutamine(1957) V. Ya. Shebalin (1902–1963), dekabristid(1953) Yu.A. Shaporina (1887–1966). Alates 1960. aastatest on ooperimajas toimunud mõningane elavnemise periood; seda aega iseloomustab mitmesuguste "hübriidsete" žanrite (ooper-ballett, ooper-oratoorium jne) esilekerkimine; varasematel aastakümnetel unustusehõlma vajunud kammerooperi ja eriti monoooperi žanrid on laialdaselt arenenud. 1960.–1990. aastatel pöördusid ooperi poole paljud autorid, sealhulgas andekad (muusikuteatris aktiivselt tegutsenud heliloojate hulgast võib nimetada R. K. Štšedrinit (s. 1932), A. P. Petrovit (s. 1930), S. M. Slonimski (s. 1932), huvitavaid oopereid lõid N. N. Karetnikov (1930–1994) ja E. V. Denisov (1929–1996), ooperid Yu. , G. I. Banštšikov (s. 1943) jt. Kuid endine positsioon seda žanri kui juhtivat vene muusikakultuuri ei ole taastatud ning kaasaegseid teoseid (nii kodu- kui ka välismaiseid) ilmub suuremate ooperiteatrite plakatitele harva. Erandiks on erinevatest linnadest pärit väikesed trupid, kes panevad kiiresti lavale uued ooperid. , aga harva jäävad nad repertuaari pikaks ajaks.

 7 maailmakuulsat vene ooperit

Vene kunstnik ja kirjanik Konstantin Korovin.
Boriss Godunov. Kroonimine. 1934. M. P. Mussorgski ooperi "Boriss Godunov" lavasketš

Lääne mudelite imitatsioonist alguse saanud vene ooper on andnud väärtusliku panuse kogu maailma kultuuri varakambrisse. Olles ilmunud prantsuse, saksa ja itaalia ooperite hiilgeajal, jõudis 19. sajandi vene ooper klassikalistele rahvusooperikoolidele mitte ainult järele, vaid edestas neid. Huvitav on see, et vene heliloojad valisid traditsiooniliselt oma teosteks puhtalt rahvapärase iseloomuga teemad.

1

"Elu tsaarile" Glinka

Ooper "Elu tsaarile" ehk "Ivan Susanin" räägib 1612. aasta sündmustest – aadelkonna Poola sõjakäigust Moskva vastu. Libreto autoriks sai parun Jegor Rozen, nõukogude ajal usaldati aga ideoloogilistel põhjustel libreto toimetamine Sergei Gorodetskile. Ooperi esietendus toimus Peterburi Suures Teatris 1836. aastal. Pikka aega esitas Susanini osa Fjodor Chaliapin. Pärast revolutsiooni lahkus "Elu tsaari jaoks" nõukogude lavalt. Süžeed püüti kohandada uue aja nõuetega: nii võetigi Susanin komsomoli vastu ja lõpuread kõlasid nagu "Au, au, nõukogude kord". Tänu Gorodetskile, kui ooper 1939. aastal Suures Teatris lavale tuli, asendus "nõukogude süsteem" "vene rahvaga". Alates 1945. aastast on Bolshoi Teater traditsiooniliselt hooaja avanud Glinka erinevate Ivan Susanini lavastustega. Ooperi mastaapseim lavastus välismaal sündis ehk Milano La Scalas.

2

Mussorgski Boriss Godunov

Ooperi, kus kaheks tegelaseks on valitud tsaar ja rahvas, alustas Mussorgski 1868. aasta oktoobris. Libreto kirjutamiseks kasutas helilooja Puškini samanimelise tragöödia teksti ja materjale Karamzini "Vene riigi ajaloost". Ooperi teemaks oli Boriss Godunovi valitsemisaeg vahetult enne hädade aega. Mussorgski valmis 1869. aastal ooperi Boriss Godunov esmatrükk, mis esitati keiserlike teatrite direktoraadi teatrikomiteele. Arvustajad lükkasid aga ooperi tagasi, keeldudes seda ereda naisrolli puudumise tõttu lavastamast. Mussorgski tõi ooperisse sisse Marina Mniszeki ja Vale Dmitri armastusliini "poolaliku" teo. Ta lisas ka monumentaalse stseeni rahvaülestõusust, mis muutis finaali suurejoonelisemaks. Kõigist kohandustest hoolimata lükati ooper taas tagasi. See lavastati alles 2 aastat hiljem, 1874. aastal Mariinski teatri laval. Välismaal toimus ooperi esietendus Pariisi Suures Ooperis Suures Teatris 19. mail 1908. aastal.

3

Tšaikovski “Padikaema”.

Ooper valmis Tšaikovski käe all 1890. aasta varakevadel Firenzes ja esimene lavastus toimus sama aasta detsembris Peterburi Mariinski teatris. Ooperi kirjutas helilooja keiserliku teatri tellimusel ja esimest korda keeldus Tšaikovski tellimust vastu võtmast, põhjendades oma keeldumist "õige lavalise kohaloleku" puudumisega süžees. Huvitav on see, et Puškini loos kannab peategelane perekonnanime Hermann (kaks "n"-ga lõpus) ​​ja ooperis on peategelaseks mees nimega Herman - see pole viga, vaid autori tahtlik muudatus. . 1892. aastal lavastati ooper esimest korda väljaspool Venemaad Prahas. Siis – esimene lavastus New Yorgis 1910. aastal ja esilinastus Londonis 1915. aastal.

4

"Vürst Igor" Borodin

Libreto aluseks oli iidse vene kirjanduse monument "Lugu Igori kampaaniast". Süžee idee pakkus Borodinile välja kriitik Vladimir Stasov ühel Šostakovitši muusikaõhtul. Ooper loodi 18 aasta jooksul, kuid helilooja ei saanud seda kunagi valmis. Pärast Borodini surma lõpetasid töö Glazunov ja Rimski-Korsakov. Arvatakse, et Glazunov suutis kunagi kuuldud ooperi avamängu autori esituse mälust taastada, kuid Glazunov ise lükkas selle arvamuse ümber. Hoolimata asjaolust, et Glazunov ja Rimski-Korsakov tegid suurema osa tööst, väitsid nad, et vürst Igor oli täielikult Aleksander Porfirjevitš Borodini ooper. Ooperi esietendus toimus 1890. aastal Peterburi Mariinski teatris, 9 aasta pärast nägi seda Praha välispublik.

5

Rimski-Korsakovi Kuldne kukk

Ooper "Kuldne kukk" on kirjutatud 1908. aastal Puškini samanimelise muinasjutu põhjal. See ooper oli Rimski-Korsakovi viimane teos. Keiserlikud teatrid keeldusid ooperit lavastamast. Kuid niipea, kui publik nägi seda esimest korda 1909. aastal Moskva Sergei Zimini ooperiteatris, lavastati ooper kuu aega hiljem Suures Teatris ja seejärel alustas see oma võidukäiku ümber maailma: Londonis, Pariisis, New York, Berliin, Wroclaw.

6

Shestakovitši "Leedi Macbeth Mtsenski rajoonist".

Leskovi samanimelise romaani ainetel põhinev ooper valmis 1930. aasta detsembris ja esmakordselt lavastati Leningradi Mihhailovski teatris 1934. aasta jaanuaris. 1935. aastal näidati ooperit Clevelandis, Philadelphias, Zürichis, Buenos Aireses, New Yorgis, Londonis, Prahas, Stockholmis. 1930. aastate teisel poolel kuni 1950. aastateni keelati Venemaal ooperit lavastada ning riigi kommunistliku partei juhtkond mõistis hukka ka Šestakovitši enda. Teost kirjeldati kui "muusika asemel segadust", "teadlikult tehtud tormakat" ja see andis tõuke helilooja tagakiusamisele. Etendused Venemaal jätkusid alles 1962. aastal, kuid publik nägi ooperit nimega Katerina Izmailova.

7

"Kivi külaline" Dargomõžski

Ooperi idee pärines 1863. aastal Aleksander Dargomõžskilt. Helilooja kahtles aga selle õnnestumises ja pidas teost loominguliseks "luureks", "lõbuks Puškini Don Giovanni üle". Ta kirjutas muusika Puškini "Kivikülalise" tekstile, muutmata selles ühtegi sõna. Südameprobleemid ei lubanud heliloojal aga teost lõpetada. Ta suri, paludes oma testamendis töö lõpetada oma sõpradel Cuil ja Rimski-Korsakovil. Esimest korda toodi ooper publiku ette 1872. aastal Peterburi Mariinski teatri laval. Välisesilinastus toimus alles 1928. aastal Salzburgis. Sellest ooperist on saanud üks “alusekividest”, teadmata on võimatu mõista mitte ainult vene klassikalist muusikat, vaid ka meie riigi üldist kultuuri.

Maailma klassikaline muusika on mõeldamatu ilma vene heliloojate loominguta. Venemaa, andekate inimeste ja kultuuripärandiga suurriik, on alati olnud maailma progressi ja kunsti, sealhulgas muusika juhtivate vedurite seas. Vene heliloojate koolkond, mille traditsioone jätkasid nõukogude ja tänapäeva vene koolkonnad, sai alguse 19. sajandil heliloojatest, kes ühendasid Euroopa muusikakunsti vene rahvaviisidega, sidudes omavahel euroopaliku vormi ja vene vaimu.

Kõigi nende kuulsate inimeste kohta võib öelda palju, neil kõigil pole lihtne ja mõnikord traagiline saatus, kuid selles ülevaates oleme püüdnud anda heliloojate elu ja loomingu lühikirjelduse.

1.Mihhail Ivanovitš GLINKA (1804—1857)

Mihhail Ivanovitš Glinka on vene klassikalise muusika rajaja ja esimene kodumaine klassikaline helilooja, kes saavutas maailmakuulsuse. Tema teosed, mis põhinevad vene rahvamuusika sajanditepikkustel traditsioonidel, olid meie riigi muusikakunstis uus sõna.
Sündinud Smolenski kubermangus, hariduse saanud Peterburis. Mihhail Glinka loomingu maailmavaate ja põhiidee kujunemisele aitas kaasa vahetu suhtlemine selliste isiksustega nagu A.S. Puškin, V.A. Žukovski, A.S. Gribojedov, A.A. Delvig. Loomingulise tõuke tema loomingule andis 1830. aastate alguse pikaajaline reis Euroopasse ning kohtumised tolleaegsete juhtivate heliloojatega – V. Bellini, G. Donizetti, F. Mendelssohni ning hiljem G. Berliozi, J. Meyerbeer. Edu saavutas M. I. Glinka pärast kõigi entusiastlikult vastu võetud ooperi "Ivan Susanin" ("Elu tsaarile") (1836) lavastamist, esimest korda maailma muusikas oli vene koorikunst ning Euroopa sümfoonia- ja ooperipraktika. orgaaniliselt kombineeritud, aga ka Susaniniga sarnane kangelane, kelle pilt võtab kokku rahvusliku iseloomu parimad omadused. VF Odojevski kirjeldas ooperit kui "uut elementi kunstis ja selle ajaloos algab uus periood - vene muusika periood".
Teine ooper - eepos "Ruslan ja Ljudmila" (1842), mille loomine toimus Puškini surma taustal ja helilooja rasketes elutingimustes, oli teose sügavalt uuendusliku iseloomu tõttu mitmetähenduslik. võtsid vastu publik ja võimud ning tõid M.I.Glinkale kõvad tunded . Pärast seda reisis ta palju, elades vaheldumisi Venemaal ja välismaal, komponeerimist katkestamata. Tema pärandisse jäid romansid, sümfoonilised ja kammerteosed. 1990. aastatel oli Mihhail Glinka "Isamaaline laul" Vene Föderatsiooni ametlik hümn.

M.I.Glinka tsitaat: "Ilu loomiseks peab olema hingelt puhas."

Tsitaat M.I.Glinka kohta: "Kogu vene sümfooniline koolkond, nagu terve tamm tammetõrus, sisaldub sümfoonilises fantaasias "Kamarinskaja". P.I. Tšaikovski

Huvitav fakt: Mihhail Ivanovitš Glinka ei erinenud hea tervise poolest, vaatamata sellele oli ta väga kergekäeline ja tundis väga hästi geograafiat, võib-olla, kui temast poleks saanud heliloojat, oleks temast saanud rändur. Ta oskas kuut võõrkeelt, sealhulgas pärsia keelt.

2. Aleksander Porfirevitš BORODIN (1833—1887)

Aleksandr Porfirievitš Borodin, üks 19. sajandi teise poole juhtivaid vene heliloojaid, oli lisaks oma heliloojatalendile keemik, arst, õpetaja, kriitik ja tal oli kirjanduslik anne.
Peterburis sündinud ja lapsepõlvest saati märkisid kõik tema ümber tema ebatavalist aktiivsust, entusiasmi ja võimeid eri suundades, eelkõige muusikas ja keemias. A. P. Borodin on vene helilooja, tal polnud professionaalseid muusikuõpetajaid, kõik tema saavutused muusikas on tingitud iseseisvast tööst komponeerimistehnika valdamisel. A.P. Borodini teket mõjutas M.I. Glinka (nagu ka kõik 19. sajandi vene heliloojad) ja kaks sündmust andsid tõuke 1860. aastate alguse tihedale heliloominguga tegelemisele - esiteks tutvus ja abiellumine andeka pianisti E. S. Protopopovaga ning teiseks kohtumine M.A. Balakirev ja liitumine vene heliloojate loomingulise kogukonnaga, mida tuntakse "Vägeva peotäie" nime all. 1870ndate lõpus ja 1880ndatel reisis ja tuuritas A. P. Borodin palju Euroopas ja Ameerikas, kohtus oma aja juhtivate heliloojatega, tema kuulsus kasvas, temast sai 19. sajandi lõpus üks tuntumaid ja populaarsemaid vene heliloojaid Euroopas. sajand sajand.
A. P. Borodini loomingus on kesksel kohal ooper "Vürst Igor" (1869-1890), mis on näide rahvuslikust kangelaseeposest muusikas ja mida tal endal polnud aega lõpetada (selle lõpetas tema sõbrad A.A. Glazunov ja N.A. Rimski-Korsakov). "Vürst Igoris" peegeldus ajaloosündmuste majesteetlike piltide taustal kogu helilooja loomingu põhiidee - julgus, rahulik ülevus, parimate vene inimeste vaimne õilsus ja võimas jõud. kogu vene rahvast, mis väljendus kodumaa kaitsmises. Vaatamata sellele, et A. P. Borodin jättis suhteliselt väikese arvu teoseid, on tema looming väga mitmekesine ja teda peetakse üheks vene sümfoonilise muusika isaks, kes mõjutas paljusid põlvkondi vene ja välismaa heliloojaid.

Tsitaat A. P. Borodini kohta: "Borodini anne on ühtviisi võimas ja hämmastav nii sümfoonias kui ka ooperis ja romantikas. Tema põhiomadused on hiiglaslik tugevus ja laius, kolossaalne ulatus, kiirus ja hoogu, mis on ühendatud hämmastava kire, õrnuse ja iluga." V. V. Stasov

Huvitav fakt: karboksüülhapete hõbedasoolade keemiline reaktsioon halogeenidega, mille tulemuseks on halogeeniga asendatud süsivesinikud, mida ta esmakordselt uuris 1861. aastal, on nime saanud Borodini järgi.

3. Modest Petrovitš MUSSORGSKI (1839—1881)

Modest Petrovitš Mussorgski - üks 19. sajandi säravamaid vene heliloojaid, "Vägeva peotäie" liige. Mussorgski uuenduslik looming oli oma ajast kaugel ees.
Sündis Pihkva kubermangus. Nagu paljud andekad inimesed, näitas ta lapsepõlvest peale annet muusikas, õppis Peterburis, oli perekonna traditsioonide järgi sõjaväelane. Otsustavaks sündmuseks, mis määras, et Mussorgski sündis mitte ajateenistuse, vaid muusika jaoks, oli tema kohtumine M.A. Balakireviga ja liitumine "Vägeva peotäie" koosseisuga. Mussorgski on suurepärane, sest oma suurejoonelistes teostes - ooperites "Boriss Godunov" ja "Hovanštšina" - jäädvustas ta muusikasse Venemaa ajaloo dramaatilisi verstaposte radikaalse uudsusega, mida vene muusika enne teda ei tundnud, näidates neis massikombinatsiooni. rahvastseenid ja mitmekesine tüübirikkus, vene rahva ainulaadne iseloom. Need ooperid, nii autori kui ka teiste heliloojate arvukates väljaannetes, on üks populaarsemaid vene oopereid maailmas. Teine Mussorgski silmapaistev teos on klaveripalade tsükkel "Pildid näitusel", värvikaid ja leidlikke miniatuure on läbi imbunud vene refrääniteema ja õigeusk.

Mussorgski elus oli kõike – nii suurust kui traagikat, kuid teda eristas alati ehtne vaimne puhtus ja huvitamatus. Tema viimased aastad olid rasked - rahutu elu, loovuse mittetunnustamine, üksindus, alkoholisõltuvus, kõik see määras tema varajase surma 42-aastaselt, ta jättis suhteliselt vähe kompositsioone, millest osa lõpetasid teised heliloojad. Mussorgski spetsiifiline meloodia ja uuenduslik harmoonia aimas ette mõningaid 20. sajandi muusikalise arengu jooni ja mängis olulist rolli paljude maailma heliloojate stiilide kujunemises.

Rahvasaadik Mussorgski tsitaat: "Inimese kõne helid kui mõtte ja tunde välised ilmingud peavad ilma liialduse ja vägistamiseta saama tõetruuks, täpseks muusikaks, kuid kunstiliseks, ülimalt kunstiliseks."

Tsitaat M.P. Mussorgski kohta: "Kõiges, mida Mussorgski tegi, kõlab aborigeenide vene keel" N.K. Roerich

Huvitav fakt: oma elu lõpus loobus Mussorgski "sõprade" Stasovi ja Rimski-Korsakovi survel oma teoste autoriõigustest ja kinkis need Terti Filippovile

4. Peeter Iljitš Tšaikovski (1840—1893)

Pjotr ​​Iljitš Tšaikovski, võib-olla 19. sajandi suurim vene helilooja, tõstis vene muusikakunsti enneolematutesse kõrgustesse. Ta on üks olulisemaid maailma klassikalise muusika heliloojaid.
Vjatka provintsist pärit Tšaikovski, kuigi tema isapoolsed juured on Ukrainas, näitas lapsepõlvest peale muusikalisi võimeid, kuid tema esimene haridus ja töö oli õigusvaldkonnas. Tšaikovski on üks esimesi vene "professionaalseid" heliloojaid – õppis uues Peterburi konservatooriumis muusikateooriat ja kompositsiooni. Tšaikovskit peeti "lääne" heliloojaks, vastupidiselt "Vägeva peotäie" rahvakujudele, kellega tal olid head loomingulised ja sõbralikud suhted, kuid tema loomingus ei ole vähem vene vaimust läbi imbunud, õnnestus tal ainulaadselt ühendada Mihhail Glinkalt päritud vene traditsioonidega Mozarti, Beethoveni ja Schumanni lääne sümfooniline pärand.
Helilooja elas aktiivset elu - ta oli õpetaja, dirigent, kriitik, avaliku elu tegelane, töötas kahes pealinnas, tuuritas Euroopas ja Ameerikas. Tšaikovski oli emotsionaalselt üsna ebastabiilne inimene, entusiasm, masendus, apaatia, ärrituvus, vägivaldne viha - kõik need meeleolud muutusid temas üsna sageli, olles väga seltskondlik inimene, püüdles ta alati üksinduse poole.
Tšaikovski loomingust midagi parimat välja tuua on raske ülesanne, tal on mitu võrdse suurusega teost peaaegu kõigis muusikažanrides - ooperis, ballettis, sümfoonias, kammermuusikas. Tšaikovski muusika sisu on universaalne: jäljendamatu melodismiga haarab see endasse kujutlused elust ja surmast, armastusest, loodusest, lapsepõlvest, vene ja maailmakirjanduse teosed avanevad selles uudsel moel, kajastuvad vaimse elu sügavad protsessid.

Helilooja tsitaat:
"Ma olen kunstnik, kes saab ja peab tooma au oma kodumaale. Tunnen endas suurt kunstilist jõudu, ma pole veel kümnendikkugi sellest, mida suudan. Ja ma tahan seda teha kogu oma jõuga. hing."
"Elul on võlu ainult siis, kui see koosneb rõõmude ja murede vaheldumisest, hea ja kurja võitlusest, valgusest ja varjust, ühesõnaga mitmekesisusest ühtsuses."
"Suur talent nõuab suurt rasket tööd."

Tsitaat helilooja kohta: "Olen valmis ööd ja päevad seisma auvalves maja verandal, kus elab Pjotr ​​Iljitš – niivõrd ma austan teda" A. P. Tšehhov

Huvitav fakt: Cambridge'i ülikool andis tagaselja ja väitekirja kaitsmata Tšaikovskile muusikadoktori tiitli ning Pariisi kaunite kunstide akadeemia valis ta korrespondentliikmeks.

5. Nikolai Andrejevitš RIMSKI-KORSAKOV (1844—1908)

Nikolai Andreevitš Rimski-Korsakov on andekas vene helilooja, üks olulisemaid tegelasi hindamatu kodumaise muusikapärandi loomisel. Tema omapärasel maailmal ja universumi igavese kõikehõlmava ilu kummardamisel, olemise ime imetlusel, ühtsusel loodusega pole muusikaajaloos analooge.
Novgorodi kubermangus sündinud temast sai perekondliku traditsiooni kohaselt mereväeohvitser, sõjalaeval rändas ta ringi paljudes riikides Euroopas ja kahes Ameerikas. Muusikalise hariduse sai ta algul oma emalt, seejärel eratunde pianist F. Canille’lt. Ja jällegi, tänu "Mighty Handful" korraldajale M.A. Balakirevile, kes tutvustas Rimski-Korsakovi muusikaringkonda ja mõjutas tema loomingut, ei kaotanud maailm andekat heliloojat.
Rimski-Korsakovi pärandis on kesksel kohal ooperid - 15 teost, mis demonstreerivad helilooja žanrilist mitmekesisust, stilistilisi, dramaatilisi, kompositsioonilisi otsuseid, kuid millel on siiski eriline stiil - koos orkestrikomponendi kogu rikkalikkusega, meloodilised vokaalliinid. peamised. Helilooja loomingut eristavad kaks põhisuunda: esimene on Venemaa ajalugu, teine ​​on muinasjuttude ja eepose maailm, mille eest ta sai hüüdnime "jutuvestja".
Lisaks otsesele iseseisvale loomingulisele tegevusele on N. A. Rimski-Korsakov tuntud publitsistina, rahvalaulude kogumike koostajana, mille vastu ta üles näitas suurt huvi, ning ka oma sõprade - Dargomõžski, Mussorgski ja Borodini - teoste finalistina. Rimski-Korsakov oli heliloojakooli rajaja, õpetaja ja Peterburi konservatooriumi juhatajana produtseeris temalt ligi kakssada heliloojat, dirigenti, muusikateadlast, nende hulgas Prokofjevit ja Stravinskit.

Tsitaat helilooja kohta: "Rimski-Korsakov oli väga vene inimene ja väga vene helilooja. Usun, et see tema ürgselt vene olemus, tema sügav folkloori-vene alus, tuleks tänapäeval eriti hinnata." Mstislav Rostropovitš

19. sajandi lõpu - 20. sajandi esimese poole vene heliloojate looming on vene koolkonna traditsioonide terviklik jätk. Samas nimetati käsitlust selle või teise muusika "rahvuslikule" kuuluvusele lähenemisest, rahvaviiside otsetsiteerimist praktiliselt pole, kuid vene intonatsioonipõhi, vene hing, jäi alles.

6. Aleksander Nikolajevitš SKRYABIN (1872 - 1915)

Aleksander Nikolajevitš Skrjabin on vene helilooja ja pianist, üks Venemaa ja maailma muusikakultuuri eredamaid isiksusi. Skrjabini originaalne ja sügavalt poeetiline looming paistis uuenduslikkuse poolest silma ka paljude uute kunstisuundade sünni taustal, mis on seotud muutustega avalikus elus 20. sajandi vahetusel.
Moskvas sündinud ema suri varakult, isa ei saanud pojale tähelepanu pöörata, kuna ta oli Pärsias suursaadik. Skrjabinit kasvatasid tema tädi ja vanaisa, lapsepõlvest peale näitas ta muusikalisi võimeid. Alguses õppis ta kadetikorpuses, võttis klaveri eratunde, pärast korpuse lõpetamist astus Moskva konservatooriumi, tema klassivend oli S. V. Rakhmaninov. Pärast konservatooriumi lõpetamist pühendus Skrjabin täielikult muusikale – kontsertpianisti-heliloojana tuuritas ta Euroopas ja Venemaal, veetes suurema osa ajast välismaal.
Skrjabini heliloomingu kõrgaeg oli aastad 1903-1908, mil sündis Kolmas sümfoonia ("Jumalik poeem"), sümfooniline "Ekstaasi poeem", "Traagilised" ja "Saatanlikud" klaveripoeemid, 4. ja 5. sonaat ja muud teosed. vabastatud. Mitmest teemast-kujundist koosnev "Ecstasy poeem" koondas Srjabini loomingulisi ideid ja on tema särav meistriteos. See ühendas harmooniliselt helilooja armastuse suure orkestri jõu ja soolopillide lüürilise õhulise kõla. "Ekstaasi luuletuses" kehastatud kolossaalne eluenergia, tuline kirg, tahtejõuline jõud jätab kuulajale vastupandamatu mulje ja säilitab oma mõju tugevuse tänaseni.
Teine Skrjabini meistriteos on "Prometheus" ("Tule poeem"), milles autor uuendas täielikult oma harmoonilist keelt, väljudes traditsioonilisest toonisüsteemist ja esimest korda ajaloos pidi seda teost saatma värv. muusikat, kuid tehnilistel põhjustel ei läbinud esiettekanne valgusefekte.
Viimane lõpetamata "Müsteerium" oli unistaja, romantiku, filosoofi Skrjabini idee pöörduda kogu inimkonna poole ja inspireerida teda looma uut fantastilist maailmakorda, Universaalse Vaimu liitu mateeriaga.

A.N.Scriabini tsitaat: "Ma ütlen neile (inimestele), et nad ... ei oota elult midagi peale selle, mida nad saavad endale luua ... Ma ütlen neile, et pole midagi kurvastada umbes, et pole kaotust "Et nad ei kardaks meeleheidet, mis üksi võib tekitada tõelise triumfi. Tugev ja võimas on see, kes on meeleheite kogenud ja selle võitnud."

Tsitaat A.N.Scriabini kohta: "Skrjabini looming oli tema aeg, mis väljendus helides. Aga kui ajutine, mööduv leiab väljenduse suure kunstniku loomingus, omandab see püsiva tähenduse ja muutub püsivaks." G. V. Plehhanov

7. Sergei Vassiljevitš Rahmaninov (1873 - 1943)

Sergei Vassiljevitš Rahmaninov on 20. sajandi alguse suurim maailmahelilooja, andekas pianist ja dirigent. Rahmaninovi kui helilooja loomingulist kuvandit defineerib sageli epiteed "kõige venelikum helilooja", rõhutades selles lühikeses sõnastuses tema teeneid Moskva ja Peterburi heliloojakoolide muusikatraditsioonide ühendamisel ning oma unikaalse stiili loomisel. mis paistab maailma muusikakultuuris eraldiseisvalt silma.
Sündinud Novgorodi kubermangus, hakkas ta alates neljandast eluaastast ema käe all muusikat õppima. Ta õppis Peterburi konservatooriumis, pärast 3 aastat õppimist läks üle Moskva konservatooriumi ja lõpetas selle suure kuldmedaliga. Ta sai kiiresti tuntuks dirigendi ja pianistina, komponeerides muusikat. Murrangulise Esimese sümfoonia (1897) katastroofiline esiettekanne Peterburis kutsus esile loomingulise helilooja kriisi, millest 1900. aastate alguses väljus Rahmaninovi küpse stiiliga, mis ühendas vene kirikulaulude kirjutamise, lahkuva euroopaliku romantismi, kaasaegse impressionismi ja neoklassitsismi – kõik küllaga. keerulise sümboolikaga. Sellel loomeperioodil sündisid tema parimad teosed, sealhulgas 2 ja 3 klaverikontserti, Teine sümfoonia ja tema lemmikteos - luuletus "Kellad" koorile, solistidele ja orkestrile.
1917. aastal oli Rahmaninov ja tema perekond sunnitud meie riigist lahkuma ja asuma elama USA-sse. Ligi kümme aastat pärast lahkumist ei komponeerinud ta midagi, vaid tuuritas palju Ameerikas ja Euroopas ning tunnistati üheks ajastu suurimaks pianistiks ja suurimaks dirigendiks. Kogu tormilise tegevuse juures jäi Rahmaninov haavatavaks ja ebakindlaks inimeseks, kes püüdles üksinduse ja isegi üksinduse poole, vältides avalikkuse pealetükkivat tähelepanu. Ta armastas ja ihkas siiralt oma kodumaad, mõeldes, kas on sealt lahkudes teinud vea. Ta tundis pidevalt huvi kõigi Venemaal toimuvate sündmuste vastu, luges raamatuid, ajalehti ja ajakirju, aitas rahaliselt. Tema viimased kompositsioonid - Sümfoonia nr 3 (1937) ja "Sümfoonilised tantsud" (1940) said tema loometee tulemuseks, imades endasse kõik tema ainulaadse stiili parima ning korvamatu kaotuse ja koduigatsuse leinava tunde.

S.V. Rahmaninovi tsitaat:
"Ma tunnen end kui kummitus, kes eksleb üksi maailmas, mis on talle võõras."
"Iga kunsti kõrgeim kvaliteet on selle siirus."
"Suured heliloojad on alati ja ennekõike pööranud tähelepanu meloodiale kui muusika juhtivale põhimõttele. Meloodia on muusika, kogu muusika põhialus... Meloodiline leidlikkus selle sõna kõrgeimas tähenduses on helilooja peamine elueesmärk. ... Autor Sel põhjusel näitasid mineviku suured heliloojad nii suurt huvi oma maade rahvaviiside vastu.

Tsitaat S.V. Rahmaninovi kohta:
"Rahhmaninov oli terasest ja kullast: teras tema kätes, kuld tema südames. Ma ei suuda temast ilma pisarateta mõelda. Ma mitte ainult ei kummardanud suure kunstniku ees, vaid ma armastasin meest temas." I. Hoffman
"Rahmaninovi muusika on ookean. Selle lained – muusikalised – algavad nii kaugele silmapiiri taha ja tõstavad sind nii kõrgele ja langetavad nii aeglaselt... et tunned seda Jõudu ja Hingamist." A. Kontšalovski

Huvitav fakt: Suure Isamaasõja ajal andis Rahmaninov mitu heategevuskontserti, mille kogutud raha saatis ta Punaarmee fondi, et võidelda natside sissetungijate vastu.

8. Igor Fjodorovitš STRAVINSKI (1882-1971)

Igor Fjodorovitš Stravinski on 20. sajandi üks mõjukamaid maailmaheliloojaid, neoklassitsismi liider. Stravinskist sai muusikaajastu "peegel", tema loomingus peegeldub stiilide paljusus, pidevalt ristuv ja raskesti liigitatav. Ta kombineerib vabalt žanre, vorme, stiile, valides need sajanditepikkusest muusikaloost ja allutades oma reeglitele.
Sündinud Peterburi lähedal, õppinud Peterburi ülikooli õigusteaduskonnas, õppinud iseseisvalt muusikalisi erialasid, võtnud eratunde N. A. Rimski-Korsakovilt, see oli Stravinski ainus heliloomingukool, tänu millele valdas ta kompositsioonitehnikat täiuslikult. Professionaalselt hakkas ta komponeerima suhteliselt hilja, kuid tõus oli kiire – kolmest balletist koosnev seeria: Tulilind (1910), Petruška (1911) ja Kevadriitus (1913) tõi ta kohe esimese suurusjärgu heliloojate hulka. .
1914. aastal lahkus ta Venemaalt, nagu selgus peaaegu igaveseks (1962. aastal toimusid ringreisid NSV Liidus). Stravinski on kosmopoliit, kes on pidanud vahetama mitut riiki – Venemaad, Šveitsi, Prantsusmaad ja sattus elama USA-sse. Tema looming jaguneb kolme perioodi – "vene", "neoklassikaline", ameerikalik "seriaaltoodang", perioodid jaotatakse mitte erinevate maade eluaja, vaid autori "käekirja" järgi.
Stravinski oli väga kõrgelt haritud, seltsiv inimene, kellel oli suurepärane huumorimeel. Tema tutvusringkonda ja korrespondentide hulka kuulusid muusikud, luuletajad, kunstnikud, teadlased, ärimehed, riigitegelased.
Stravinski viimane kõrgeim saavutus - "Reekviem" (Surnute laulud) (1966) neelas ja ühendas helilooja senise kunstikogemuse, saades meistri loomingu tõeliseks apoteoosiks.
Stavinski loomingus torkab silma üks ainulaadne joon - "ainulaadsus", ilmaasjata ei kutsutud teda "tuhande ja ühe stiili heliloojaks", pidev žanri, stiili, süžeesuuna muutumine - iga tema teos on ainulaadne, kuid ta pöördus pidevalt kujunduste juurde, milles on näha vene päritolu, kuulis vene juuri.

I.F.Stravinski tsitaat: "Olen terve elu rääkinud vene keelt, mul on vene stiil. Võib-olla mu muusikas pole see kohe näha, aga see on omane, see on selle varjatud olemuses."

Tsitaat I.F.Stravinski kohta: "Stravinski on tõeliselt vene helilooja... Selle tõeliselt suure, mitmetahulise talendi südames on hävimatu vene vaim, mis on sündinud Vene maalt ja on sellega eluliselt seotud..." D. Šostakovitš

Huvitav fakt (ratas):
Kord New Yorgis sõitis Stravinski takso ja oli üllatunud, kui luges sildilt oma nime.
- Kas te pole helilooja sugulane? küsis ta juhilt.
- Kas sellise perekonnanimega heliloojat on? – oli juht üllatunud. - Kuulake seda esimest korda. Stravinski on aga taksoomaniku nimi. Mul pole muusikaga midagi pistmist - minu nimi on Rossini ...

9. Sergei Sergejevitš PROKOFIEV (1891—1953)

Sergei Sergejevitš Prokofjev - üks 20. sajandi suurimaid vene heliloojaid, pianist, dirigent.
Sündinud Donetski oblastis, lapsepõlvest peale muusikaga liitunud. Prokofjevit võib pidada üheks vähestest (kui mitte ainsaks) vene muusikali "wunderkind"-iks, alates 5. eluaastast tegeles ta komponeerimisega, 9-aastaselt kirjutas kaks ooperit (muidugi on need teosed veel ebaküpsed, kuid need näitavad loomishimu), sooritas 13-aastaselt Peterburi konservatooriumis eksamid, tema õpetajate hulgas oli N. A. Rimski-Korsakov. Tema ametialase karjääri algus põhjustas kriitikatormi ja arusaamatuse tema individuaalsest põhimõtteliselt antiromantilisest ja äärmiselt modernistlikust stiilist, paradoks on selles, et akadeemilisi kaanoneid rikkudes jäi tema kompositsioonide struktuur truuks klassikalistele põhimõtetele ja muutus hiljem modernistliku kõikesalgava skeptitsismi ohjeldav jõud. Prokofjev esines ja tuuritas palju oma karjääri algusest peale. 1918. aastal käis ta rahvusvahelisel ringreisil, sealhulgas külastas NSV Liitu, ja naasis lõpuks 1936. aastal kodumaale.
Riik on muutunud ja Prokofjevi "vaba" loovus on sunnitud andma teed uute nõudmiste tegelikkusele. Prokofjevi talent õitses uue jõuga – ta kirjutab oopereid, ballette, muusikat filmidele – terav, tahtejõuline, ülitäpne muusika uute kujundite ja ideedega, pani aluse nõukogude klassikalisele muusikale ja ooperile. 1948. aastal toimus peaaegu samaaegselt kolm traagilist sündmust: spionaažis kahtlustatuna arreteeriti tema esimene hispaanlannast naine ja saadeti laagritesse; anti välja üleliidulise bolševike kommunistliku partei keskkomitee poliibüroo dekreet, milles rünnati Prokofjevit, Šostakovitšit ja teisi ning süüdistati neid "formalismis" ja nende muusika ohtlikkuses; helilooja tervis halvenes järsult, ta läks maale pensionile ega lahkunud sealt praktiliselt, vaid jätkas komponeerimist.
Nõukogude perioodi eredamad teosed olid ooperid "Sõda ja rahu", "Jutt tõelisest mehest"; maailma balletimuusika uueks standardiks kujunenud balletid "Romeo ja Julia", "Tuhkatriinu"; oratoorium "Maailma valvel"; muusika filmidele "Aleksander Nevski" ja "Ivan Julm"; sümfooniad nr 5,6,7; klaveritöö.
Prokofjevi looming torkab silma oma mitmekülgsuse ja teemade laiuse poolest, tema muusikalise mõtlemise originaalsus, värskus ja originaalsus moodustasid 20. sajandi maailma muusikakultuuris terve ajastu ning avaldasid võimsat mõju paljudele nõukogude ja välismaistele heliloojatele.

S.S. Prokofjevi tsitaat:
"Kas kunstnik võib seista elust eemale?.. Olen veendunud, et helilooja, nagu luuletaja, skulptor, maalikunstnik, on kutsutud teenima inimest ja rahvast... Esiteks peab ta olema kodanik tema kunst, laulab inimese elust ja juhatab inimest helgema tuleviku poole...
"Ma olen elu ilming, mis annab mulle jõudu kõigele mittevaimsele vastu seista"

Tsitaat S.S. Prokofjevi kohta: "... kõik tema muusika tahud on ilusad. Kuid siin on üks täiesti ebatavaline asi. Ilmselt on meil kõigil mingid ebaõnnestumised, kahtlused, lihtsalt halb tuju. Ja sellistel hetkedel, isegi kui Ma ei mängi ega kuula Prokofjevit, vaid lihtsalt mõtlen tema peale, saan uskumatu energialaengu, tunnen suurt soovi elada, tegutseda” E. Kissin

Huvitav fakt: Prokofjev meeldis väga malemängule ning rikastas mängu oma ideede ja saavutustega, sealhulgas enda leiutatud "üheksa" male - 24x24 lauaga, millele oli asetatud üheksa komplekti nuppe.

10. Dmitri Dmitrijevitš SHOSTAKOVICH (1906 - 1975)

Dmitri Dmitrijevitš Šostakovitš on üks märkimisväärsemaid ja esinetumaid heliloojaid maailmas, tema mõju kaasaegsele klassikalisele muusikale on mõõtmatu. Tema looming on tõeline inimliku draama väljendus ja 20. sajandi keeruliste sündmuste annaalid, kus sügavalt isiklik on põimunud inimese ja inimkonna tragöödiaga, tema sünnimaa saatusega.
Sündis Peterburis, sai oma esimesed muusikatunnid emalt, lõpetas Peterburi konservatooriumi, millesse astudes võrdles selle rektor Aleksandr Glazunov teda Mozartiga – ta avaldas kõigile muljet oma suurepärase muusikalise mälu, terava kõrva ja helilooja andega. . Juba 1920. aastate alguses, konservatooriumi lõpuks, oli Šostakovitšil oma teoste pagas ja temast sai üks riigi parimaid heliloojaid. Maailmakuulsus saavutas Šostakovitši pärast I rahvusvahelise Chopini konkursi võitu 1927. aastal.
Kuni teatud perioodini, nimelt enne ooperi "Mtsenski rajooni leedi Macbeth" lavastust, töötas Šostakovitš vabakutselise kunstnikuna - "avangardina", eksperimenteerides stiilide ja žanritega. Selle ooperi karm hukkamõist 1936. aastal ja 1937. aasta repressioonid panid aluse Šostakovitši edaspidisele pidevale sisevõitlusele soovi eest väljendada oma seisukohti oma vahenditega, pidades silmas riigi poolt kunstile kehtestatud suundumusi. Tema elus on poliitika ja looming väga tihedalt läbi põimunud, ta sai võimude poolt kiita ja tagakiusamist, ta oli kõrgetel ametikohtadel ja kõrvaldati neilt, pälvis autasusid ning oli ise ja oma sugulased arreteerimise äärel.
Pehme, intelligentne, delikaatne inimene, leidis oma loominguliste printsiipide väljendusvormi sümfooniatest, kus oskas võimalikult avalikult aja kohta tõtt rääkida. Kõigist Šostakovitši tohututest teostest kõigis žanrites on kesksel kohal sümfooniad (15 teost), kõige dramaatilisemad on sümfooniad 5,7,8,10,15, millest sai nõukogude sümfoonilise muusika tipp. Hoopis teistsugune Šostakovitš avaneb kammermuusikas.
Hoolimata asjaolust, et Šostakovitš ise oli "kodune" helilooja ega reisinud praktiliselt välismaale, levis tema olemuselt humanistlik ja vormilt tõeliselt kunstiline muusika parimate dirigentide esituses kiiresti ja laialt üle maailma. Šostakovitši ande suurus on nii tohutu, et selle ainulaadse maailmakunsti fenomeni täielik mõistmine on alles ees.

D.D. Šostakovitši tsitaat: "Tõeline muusika on võimeline väljendama ainult humaanseid tundeid, ainult arenenud humaanseid ideid."

Tõenäoliselt esitas iga vene muusika armastaja endale selle küsimuse: millal esitati esimene vene ooper ja kes olid selle autorid? Vastus sellele küsimusele pole kunagi olnud saladus. Esimese vene ooperi „Cephalus ja Prokris“ kirjutas itaalia helilooja Francesco Araya 18. sajandi vene poeedi Aleksandr Petrovitš Sumarokovi värssidele ning selle esietendus toimus täpselt 263 aastat tagasi, 27. veebruaril 1755. aastal.

Sumarokov Aleksandr Petrovitš (1717-1777), vene kirjanik, klassitsismi üks silmapaistvamaid esindajaid. Tragöödiates "Horev" (1747) esitasid "Sinav ja Truvor" (1750) kodanikukohustuse probleemi. Komöödiad, muinasjutud, lüürilised laulud.

Just sel päeval nägid ja kuulsid Peterburi muusikasõbrad ooperi esimest lavastust venekeelse tekstiga.

Luuletaja Aleksandr Petrovitš Sumarokov koostas libreto, võttes aluseks kahe Ovidiuse metamorfooside kangelase - Cephalose ja tema naise Procrise armastusloo. Süžee oli Euroopa kunstis populaarne – sellele kirjutati maale (Correggio), näidendeid ja oopereid (Chiabrera, Ardi, Calderon ja seejärel Gretry, Reichard jne). Uus ooper sai nimeks "Cefal ja Prokris" (nagu siis peategelaste nimesid hääldati). Sumarokovi tõlgenduses pole iidne müüt sisuliselt muutunud: Ateena Prokrisega kihlatud Tsarevitš Cephalus lükkab tagasi jumalanna Aurora armastuse – ta on truu oma naisele, ei karda ähvardusi ja katsumusi; kuid ühel päeval torkab ta jahil olles õnnetu Prokrise noolega kogemata läbi. Koor lõpetab etenduse sõnadega: "Kui armastusest on kasu, on see magus, aga kui armastus on pisar, siis antakse kurbusele" ...

Lavastuse õnnestumise tagas andekas libretist. Kuid mitte vähem aitasid sellesse kaasa hästi koolitatud teatrinäitlejad ja lauljad.

Araya (Araia, Araja) Francesco (1709-u. 1770), itaalia helilooja. Aastatel 1735-1762 (vaheaegadega) juhtis ta Itaalia truppi Peterburis. Ooperid Armastuse ja vihkamise jõud (1736), Cephalus ja Prokris (1755; esimene ooper vene libretole - A. P. Sumarokov; vene kunstnike esituses) jne.

Kaks aastat varem, pärast üht kontserti, kirjutas Shtelin oma memuaarides: „Kõnerite hulgas oli üks noor Ukrainast pärit laulja Gavrila, kes omas elegantset laulumaneeri ja esitas kõige raskemaid Itaalia ooperiaariaid kunstilise kadentsiga ja peened kaunistused. Seejärel esines ta õukonnakontsertidel ja nautis ka tohutut edu. Mõnda vene lauljat nimetas nootide autor sageli ainult eesnimede järgi. Sel juhul pidas ta silmas tähelepanuväärset solisti Gavrila Martsinkovitši, kes esitas Sumarokovi ooperis Kefalose osa.

Viimistletud itaalia stiiliga harjunud kuulaja oli meeldivalt üllatunud esiteks sellest, et kõiki aariaid esitasid vene näitlejad, kes pealegi polnud kusagil võõral maal õppinud, ja teiseks, et vanim oli “ei. üle 14-aastased”, ja lõpuks, kolmandaks, et nad laulsid vene keeles.

Giuseppe Valeriani. Ooperi „Cephalus ja Procris“ (1755) maastike visand

Prokris - traagiline roll - mängis võluv noor solist Elizaveta Belogradskaya. Shhtelin nimetab teda ka "virtuoosseks klavessiiniks". Elizabeth kuulus juba sel ajal tuntud muusika- ja kunstidünastiasse. Tema sugulane Timofey Belogradsky oli kuulus silmapaistva lautomängija ja lauljana, kes esitas "kõige raskemaid soolosid ja kontserte suure meistri kunstiga". Tänu samale Shtelinile on teada ka teiste näitlejate nimed: Nikolai Klutarev, Stepan Raševski ja Stepan Evstafjev. "Need noored ooperiartistid hämmastasid kuulajaid ja asjatundjaid oma täpse fraseerimise, keeruliste ja pikkade aariate puhta esituse, kadentside kunstilise esituse, retsiteerimise ja loomulike näoilmetega." "Cefala ja Prokris" võeti vastu entusiastlikult. Ooper oli ju arusaadav ka ilma programmita. Ja kuigi muusika ei “kleepunud” tekstiga kuidagi kokku, sest selle autor Francesco Araya ei osanud sõnagi vene keeles ja kõik libretod olid talle põhjalikult tõlgitud, näitas lavastus ja tõestas selle olemasolu võimalikkust. rahvusooperiteatrist. Ja mitte ainult sellepärast, et vene keel Shtelini sõnul "nagu teate, on oma õrnuse, värvilisuse ja eufoonia poolest itaalia keelele lähemal kui kõigile teistele Euroopa keeltele ja seetõttu on sellel laulmisel suured eelised", vaid ka seetõttu, et muusikateater Venemaal võiks põhineda rikkalikumal koorikultuuril, mis oli vene rahva elu lahutamatu osa.

Esimene samm on tehtud. Tõelise vene muusikalise ooperiteatri sünnini oli jäänud vaid kaks aastakümmet ...

Keisrinna Elizaveta Petrovna "hindas" edukat tegevust. Shtelin pani hoolikalt kirja, et ta "kinkis kõigile noortele kunstnikele kostüümide jaoks ilusa riide ja Arayale kalli sooblikasuka ja sada kuldset poolimpeeriumi (500 rubla)."

Ooper(itaalia.ooper- töö, töö, töö; lat.ooper- tööd, tooted, tööd, pl. oopusest) - muusika- ja draamakunsti žanr, mille sisu kehastatakse muusikalise dramaturgia abil, peamiselt vokaalmuusika kaudu . Ooperi kirjanduslik alus - libreto. Sõna "orega" tähendab itaalia keelest tõlkes tööd, kompositsiooni. Selles muusikažanris liidetakse ühtseks tervikuks luule ja draamakunst, vokaal- ja instrumentaalmuusika, näoilmed, tantsud, maalikunstid, maastik ja kostüümid.

Helilooja kirjutab ooperi, mis põhineb näiteks kirjandusest laenatud süžeel, " Ruslan ja Ludmila», « Jevgeni Onegin". Ooperi sõnalist teksti nimetatakse libreto.

Peaaegu iga ooper algab avamäng- sümfooniline sissejuhatus, mis üldiselt tutvustab kuulajale kogu tegevuse sisu.

1. Žanri ajalugu

Ooper ilmus aastal Itaalia, sisse mõistatused, see tähendab vaimseid esitusi, milles episoodiliselt sisse toodud muusika seisis madalal tasemel. Vaimne komöödia: "Püha konversioon St. Paul" ( 1480 ),Beverini, esindab tõsisemat teost, milles muusika saatis tegevust algusest lõpuni. Keskel 16. sajand olid väga populaarsed pastoraalid või pastoraalsed mängud, kus muusika piirdus refräänidega, moteti või madrigali kujul. Filmis "Amfiparnasso" Orazio Vecchi Näitlejaid saatis laval kaadritagune koorilaul viiehäälse madrigali vormis. See "Commedia armonica" anti esimest korda Modena õukonnas aastal 1597.

Jacopo Peri

Lõpuks 16. sajandüritab sellistesse kompositsioonidesse sisse viia monofoonilist laulu ( monodia) viis ooperi teele, millel selle areng kiiresti edasi läks. Nende katsete autorid nimetasid oma muusikalisi ja dramaatilisi teoseid draama muusikas või draama muusika kohta; nimetus "ooper" hakati neile kandma esimesel poolel 17. sajandil. Hiljem mõned ooperiheliloojad näiteks Richard Wagner, naasis taas nimetuse "muusikadraama" juurde.

aastal avati esimene avalike etenduste ooperimaja 1637 sisse Veneetsia; varem oli ooper ainult õukonna meelelahutuseks. Eurydicet võib pidada esimeseks suuremaks ooperiks Jacopo Peri aastal esinenud 1597 . Veneetsias on pärast avalike vaatemängude avamist 65 aasta jooksul ilmunud 7 teatrit; Neile kirjutati erinevatelt heliloojatelt 357 ooperit (kuni 40). Ooperi pioneerid olid: Saksamaal - Heinrich Schütz("Daphne" 1627 ), Prantsusmaal - Camber("La pastorale", 1647), Inglismaal - Purcell; Hispaanias ilmusid alguses esimesed ooperid XVIII sajandid; Venemaal kirjutas Araya esimesena iseseisvale venekeelsele tekstile ooperi (Cephal ja Procris) (1755). Esimene vene keeles kirjutatud vene ooper on "Tanjuša ehk õnnelik kohtumine", muusika F. G. Volkov (1756).

AT 1868 Armeenia helilooja Tigran Chukhajyan loob ooperi Arshak II"- esimene ooper muusikaajaloos Ida.

Ooperi tekkelugu võib pidada iidseks tragöödiaks. Iseseisva žanrina tekkis ooper 16. ja 17. sajandi vahetusel Itaalias Firenze linna muusikute, filosoofide ja poeetide ringis. kutsuti kunstisõprade ring "kaamera". "Kamerata" osalejad unistasid Vana-Kreeka tragöödia taaselustamisest, ühendades draama, muusika ja tantsu ühes etenduses. Esimene taoline etendus toimus 1600. aastal Firenzes ning seal räägiti Orpheusest ja Eurydiceest. On olemas versioon, et esimene muusikaline etendus koos lauluga lavastati 1594. aastal Vana-Kreeka müüdi süžeel jumal Apolloni võitlusest madu Pythoniga. Tasapisi hakkasid Itaalias tekkima ooperikoolid Roomas, Veneetsias ja Napolis. Seejärel levis ooper kiiresti üle Euroopa. 17. sajandi lõpus ja 18. sajandi alguses kujunesid välja peamised ooperitüübid: ooper – seria (suur tõsine ooper) ja ooper – buffa (koomiline ooper).

1. Ooper Venemaal

Ooper ilmus Venemaale 18. sajandi lõpus, kui Peterburis avati Vene teater. Algul olid ainult välismaised ooperid. Esimesed vene ooperid olid koomilised. Fominit peetakse üheks loojaks. 1836. aastal toimus Peterburis Glinka ooperi "Elu tsaarile" esietendus. Ooper Venemaal on omandanud täiusliku vormi, selle tunnused on kindlaks määratud: peategelaste eredad muusikalised omadused, kõnekeelsete dialoogide puudumine. 19. sajandil pöördusid kõik parimad vene heliloojad ooperi poole.