Tänapäeval on Joe Hisaishi üks kuulsamaid Jaapani heliloojaid maailmas. Pealegi on tema nimi tegelikult Mamoru Fujisawa, kuid ta töötab pseudonüümi all, mis kõrva järgi meenutab selle omanikule Ameerika helilooja ja muusiku Quincy Jonesi nime - iidolit.
Ta alustas muusikaga väga varakult. Alates viiendast eluaastast mängis ta viiulit. Üheksateistkümneaastaselt astus ta Muusikakõrgkooli helilooja osakonda. Ja 32-aastaselt andis ta välja oma esimese autorialbumi "Informatsioon", mis sisaldas kompositsioone tema lemmikstiilis - muusikaline minimalism.
Aasta hiljem viis saatus Joe Hisaishi Jaapani populaarsete koomiksite režissööri Hayao Miyazaki juurde, kes soovitas heliloojal luua Nausicaä jaoks heliseeria Tuule oru mangast. Joe nõustus ja mõne aja pärast töötas ta juba Miyazaki samanimelise täispika mängufilmi heliriba ja täieliku muusikalise saate kallal. Ja just see töö ülistas Hisaishit kogu laiale maailmale!
Seejärel lõi helilooja veel mitu korda filmidele meloodiaid. Ta töötas koos sellise tunnustatud maailmarežii meistriga nagu Takeshi Kitano (filmide "Sonatin", "Ilutulestik", Kikujiro, "Kutid on tagasi", "Vend Yakuza" jt jaoks). Ja Jaapani filmiakadeemia pälvis teda neli korda.
Lüürikast
Tema meloodiad on nagu oksad, mis tuule käes värisevad. Haiku ja kaasaegse Jaapani muusika haiku. Kui olete neid kuulnud, soovite neid ikka ja jälle kuulata. Seal on paus ja ületamine on selgelt tunda. Selle särava helilooja ja pianisti 15 sooloalbumil on kõik, mis teeb elu elamisväärseks. Lugu Fööniksi linnust Jaapani tõlgenduses. Saate püsti tõusta, kui teil on millelegi toetuda... Pole ime, et just Joe Hisaishi meloodiad valiti 1998. aastal Nagano paraolümpiamängude muusikaliseks saateks.
2004. aastal sai sellest andekast jaapanlasest New Japan Philharmonic Orchestra sisikonnas sündinud World Dream Orchestra direktor. Hisaishi mängib klassikalist ja kaasaegset muusikat. Ja ta on täiesti õnnelik, kuigi talle ei meeldi sellest palju rääkida.
Lõppude lõpuks saab ainult õnnelik inimene komponeerida nii helget, positiivset, rahvuslikest motiividest küllastunud muusikat. Vaadake ja kuulake vapustavat duetti tšellistiga – teile meeldib see. Laadige end hea tujuga, vaadates looja ja esineja inspireeritud nägusid.
Jaapani traditsiooniline muusika kujunes välja Hiina, Korea ja teiste Kagu-Aasia riikide mõjul. Vaevalt on säilinud need muusikavormid, mis eksisteerisid Jaapanis enne naabertraditsioonide pealetungi.
Seetõttu võib Jaapani muusikatraditsiooni julgelt pidada kõigi sellesse tunginud nähtuste sünteesiks, mis aja jooksul omandasid ainulaadsed rahvuslikud tunnused.
Peamised teemad rahvaluule sisus
Jaapani folkloori mõjutavad kaks religiooni: budism ja šintoism. Jaapani legendide põhiteemad on üleloomulikud tegelased, vaimud, maagiliste jõududega loomad. Samuti on folklooris olulisel kohal õpetlikud jutud tänulikkusest, ahnusest, kurvad lood, vaimukad mõistujutud ja humoreskid.
Kunsti ülesanne on looduse kummardamine, muusika ülesanne on saada osaks ümbritsevast maailmast. Seetõttu on helilooja mõte allutatud mitte idee väljendamisele, vaid olekute ja loodusnähtuste ülekandmisele.
Jaapani kultuuri sümbolid
Esimene seos Jaapaniga on sakura (Jaapani kirss). Riigis toimub selle õitsemise imetlemise eriline tseremoonia - khaanid. Puust lauldakse korduvalt Jaapani haiku luules. Jaapani rahvalaulud peegeldavad loodusnähtuste sarnasust inimeluga.
Kraana ei jää populaarsuselt alla sakurale - õnne ja pikaealisuse sümbolile. Pole asjata, et Jaapani origamikunst (paberfiguuride voltimine) on muutunud populaarseks kogu maailmas. Kraana valmistamine tähendab õnne meelitamist. Kraana kujutis esineb paljudes Jaapani lauludes. Ka muud sümbolid on võetud välismaailmast. Jaapani kultuuri sümboolika on loomulik sümboolika.
Peamised laulu- ja tantsužanrid
Nagu teisedki rahvad, on ka Jaapani rahvamuusika arenenud iidsetest maagilistest vormidest ilmalikeks žanriteks. Enamiku nende kujunemist mõjutasid budistlikud ja konfutsianistlikud õpetused. Jaapani muusikažanrite peamine klassifikatsioon:
- religioosne muusika,
- teatrimuusika,
- gagaku õukonnamuusika,
- rahvapärased argilaulud.
Vanimateks žanriteks peetakse budistlikke laule shomyo ja õukonnamuusika gagaku. Religioossete laulude teemad: budistlik õpetus (kada), õpetuspõhimõtted (rongi), palverännakulaulud (goeika), ülistuslaulud (vasan). Šintomuusika – muusika jumalatele meeldimiseks, lühikesed laulu- ja tantsutsüklid kostüümides.
Ilmalik žanr hõlmab õukonnaorkestrimuusikat. Gagaku on Hiinast pärit ansambel, mis esitab instrumentaalset (kangen), tantsu (bugaku) ja vokaalmuusikat (wachimono).
Jaapani rahvatantsud saavad alguse rituaalsetest tegevustest. Tants on käte ja jalgade kummaline terav liigutus, tantsijaid iseloomustavad väänatud näoilmed. Kõik liigutused on sümboolsed ja arusaadavad ainult initsiatiivile.
Jaapani kaasaegset tantsu on kahte tüüpi: odori – argitants teravate liigutuste ja hüpetega ning mai – lüürilisem tants, mis on eripalve. odori stiilist sündis kabuki tants ja hiljem ka maailmakuulus teater. Mai stiil moodustas Noh-teatri aluse.
Umbes 90% tõusva päikese maa muusikast on vokaalne. Rahvamuusika tegemise olulised žanrid on laulujutud, laulud koto, shamiseni ja ansamblite saatel, rituaalsed rahvalaulud: pulma-, töö-, püha-, lastelaulud.
Rahvapärlite seas on tuntuim jaapani laul laul "Sakura" (see tähendab "Cherry"):
Laadi MÄRKUSED ALLA -
Muusikariistad
Peaaegu kõik Jaapani muusikariistade esivanemad toodi 8. sajandil saartele Hiinast või Koreast. Esinejad märgivad vaid pillide välist sarnasust Euroopa ja Aasia mudelitega, praktikas on heli eraldamisel oma eripärad.
Koto- Jaapani kannel, keelpill, mis kehastab draakonit. Koto keha on pikliku kujuga ja esineja küljelt vaadates on püha looma pea paremal ja saba vasakul. Heli ammutatakse siidist paeltest sõrmeotste abil, mis asetatakse pöidlale, nimetissõrmele ja keskmisele sõrmele.
shamisen- lutsu sarnane keelpill. Seda kasutatakse traditsioonilises Jaapani Kabuki teatris ja see on Jaapani kultuuri tunnus: shamiseni värviline kõla etnilises muusikas on sama sümboolne kui balalaika heli vene muusikas. Shamisen on rändmuusikute (17. sajand) peamine instrument.
Shakuhachi- Jaapani bambusflööt, üks puhkpillide rühma fue esindajatest. Shakuhachi heli eraldamine ei sõltu mitte ainult õhuvoolust, vaid ka instrumendi teatud kaldenurgast. Jaapanlased kipuvad esemeid animeerima ja muusikariistad pole erand. Shakuhachi vaimu taltsutamiseks võib kuluda mitu kuud.
taiko- trumm. Tööriist oli sõjalistes operatsioonides asendamatu. Teatud löökide seerial taikole oli oma sümboolika. Trummimäng on suurejooneline: Jaapanis on esituses olulised nii muusikalised kui ka teatraalsed aspektid.
laulukausid- Jaapani muusikainstrumentide tunnusjoon. Analooge pole praktiliselt kuskil. Jaapani kausside helil on tervendavad omadused.
Singing Wells (Suikinkutsu) - Veel üks unikaalne tööriist, milleks on maasse maetud tagurpidi kann, mille peale asetatakse vesi. Põhjas oleva augu kaudu satuvad tilgad sisse ja teevad kella meenutavaid hääli.
Jaapani muusika stiilijooned
Jaapani muusika modaalne struktuur erineb põhimõtteliselt Euroopa süsteemist. Aluseks võetakse 3, 5 või 7 tooni skaala. Ärevus ei ole suurem ega väike. Jaapani rahvamuusika intonatsioon on eurooplase kõrva jaoks harjumatu. Paladel ei pruugi olla korrapärast rütmilist korraldust – meetrum, rütm ja tempo muutuvad sageli. Vokaalmuusika ülesehitust ei juhi mitte pulss, vaid esineja hingeõhk. Seetõttu sobib see hästi mediteerimiseks.
Noodikirja puudumine on veel üks Jaapani muusika tunnusjoon. Enne Meiji ajastut (st enne Euroopa salvestusmudeli riiki jõudmist) kehtis märkimissüsteem joonte, kujundite, märkide kujul. Need sümboliseerisid esituse soovitud keelpilli, sõrmitsemist, tempot ja iseloomu. Konkreetseid noote ja rütme ette ei kirjutatud ning meloodiat oli võimatu ette teadmata mängida. Rahvaluule suulise edasiandmise tõttu põlvest põlve on palju teadmisi kadunud.
Minimaalne dünaamiline kontrast on jaapani muusikat eristav stiilitunnus. Ei toimu järske üleminekuid forte’st klaverile. Mõõdukus ja väikesed dünaamika variatsioonid võimaldavad saavutada idale iseloomulikku väljendusrikkust. Jaapani traditsiooni haripunkt on näidendi lõpus.
Rahvamuusikud ja traditsioonid
Jaapani muusika esmamainimisest (8. sajand) saame teada, et valitsus keskendus Hiina ja Korea traditsioonide uurimisele. Viidi läbi erireformid, mis määrasid gagaku õukonnaorkestri repertuaari. Jaapani heliloojate muusika ei olnud populaarne ja seda esitati vähem auväärsetes kontserdisaalides.
9.-12. sajandil toimuvad Hiina traditsioonides muutused ja muusikas ilmnevad esimesed rahvuslikud jooned. Seega on Jaapani pärimusmuusika kirjandusest ja teatrist lahutamatu. Sünkretism kunstis on Jaapani kultuuri peamine erinevus. Seetõttu ei piirdu rahvamuusikud enamasti ühe erialaga. Näiteks koto mängija on ka laulja.
19. sajandi keskel algas Euroopa muusikasuundade areng. Kuid Jaapan ei võta lääne muusikat oma traditsiooni arendamise aluseks. Need kaks voolu arenevad paralleelselt ilma segunemiseta. Kultuuripärandi säilitamine on jaapanlaste üks peamisi ülesandeid.
Lahkumineks tahame teid rõõmustada veel ühe imelise videoga.
Jaapani laulukaevud
Kolmapäeval, 5. veebruaril teatas “Jaapanlase Beethovenina” tuntud helilooja Mamoru Samuragochi, et viimased 18 aastat on talle muusikat kirjutanud teine inimene. See autor lõi kõik Beethoveni olulisemad teosed, sealhulgas sümfoonia "Hiroshima" ja "Reekviem" 2011. aasta maavärina ja tsunami ohvrite mälestuseks. Enne seda ütles Samuragochi, et 1999. aastal kaotas ta täielikult kuulmise ja kirjutab muusikat ainult tänu oma “sisemisele helitundele”.
Järgmisel päeval toimus tööde tegeliku autori pressikonverents. Selgus, et selleks oli muusikaõpetaja Takashi Niigaki, kes mitte ainult ei kuulutanud ennast, vaid süüdistas ka "jaapanlast Beethovenit", et tema kurtus oli võlts. Niigaki sõnul unustas Samuragochi, kes tavaliselt luges huultelt ja suhtles žestidega, mõnikord ja hakkas normaalselt dialoogi pidama. Advokaadid Mamoru Samuragochi eitavad seda: väidetavalt on nende kliendil riikliku komisjoni poolt kinnitatud puudetunnistus. Ennast paljastanud helilooja ajakirjanikega ühendust ei saa – ta tegi ülestunnistuse advokaatide vahendusel, kes märgivad, et Samuragochi on äärmiselt masenduses ega suuda veel üksi oma kuulajate ees vabandada.
Näib, et Samuragochi peab kogu riigi ees vabandama. Tema viimaste aastate loomingu ajalugu on tegelikult Jaapani ajalugu, mis on üle elanud rea sõdu ja looduskatastroofe. Tema 2011. aastal Tokyo sümfooniaorkestri salvestatud "Hiroshimat" kutsuti rahvasuus "Lootuse sümfooniaks". Samuragochi teoste salvestusi müüakse tohututes tiraažides klassikalise muusika jaoks, tema teosed on tuntud üle maailma. 2013. aastal tegi NHK isegi dokumentaalfilmi "Hinge meloodia" Samuragochi reisist Fukushima-1 õnnetusest mõjutatud Tohoku piirkonda.
Mamoru Samuragochi enda elu on otseselt seotud Jaapani ajaloo ühe peamise katastroofiga. Tema ema ja isa on mõlemad hibakushad, Hiroshima ja Nagasaki aatomipommiplahvatuste ohvrid. Need inimesed Jaapanis saavad kõiki vajalikke hüvesid ja hüvesid, kuid ühiskond hoidub neist siiski kõrvale – hibakushad ei taha tööle võtta ja nad sõlmivad abielusid peamiselt omavahel. Lapsed sellistesse peredesse sünnivad sageli puudega.
Lapsepõlves ei avaldunud Samuragochi haigus kuidagi. Kompanii Samon Promotion, kellega helilooja koostööd tegi, ametliku veebisaidi andmetel hakkas ta klaverit õppima nelja-aastaselt. Kuni kümnenda eluaastani hoolitses poisi eest tema ema; siis otsustas ta, et pojale pole "midagi õpetada" ja ta hakkas muusikat komponeerima. Noorukieas hakkas Samuragochi iseseisvalt muusikateooriat õppima. Pärast keskkooli lõpetamist keeldus ta spetsialiseeritud ülikooli astumast, kuna arvas, et nad ei pööranud 20. sajandi klassikalisele muusikale piisavalt tähelepanu.
Iseõppinud helilooja sai seitsmeteistkümneaastaselt aru, et kaotab kuulmise. Esimeste kurtuse sümptomitega kaasnesid tugevad peavalud, kuid Samuragochi jätkas muusikaõpinguid. 1988. aastal tehti talle ettepanek hakata rokkbändi vokalistiks, kuid ta keeldus, sest tema vend suri samal aastal traagiliselt.
Kuulsus tuli Samuragochile 1990. aastate lõpus – ilmselt siis, kui ta oli juba Niigaki palganud. Helilooja sai tuntuks eelkõige populaarsete videomängude heliribade loojana – 1996. aastal Resident Evil ja 1999. aastal Onimusha. Mängu Onimusha "Symphonic Suite of the Rising Sun" äratas Samuragochi loomingule mitte ainult mängijate, vaid ka kaasaegse klassikalise muusika austajate tähelepanu. Pärast mängu väljaandmist rääkis Samuragochi avalikkusele, et tema peas töö kallal töötades "käis pidev mürin, nagu mürarikkas katlaruumis". Ta rõhutas, et ei tahaks olla puudega helilooja, kelle teoseid haletsuse pärast ei kritiseerita. Seetõttu varjas ta oma haigust seni, kuni tema tööd tema isiksusest eraldi hinnati.
Jaapan hindas nii helilooja loovust kui isiksust. Ajakirjanduses on levinud Samuragochi meelitav hüüdnimi – "Jaapanlane Beethoven". Helilooja ütles, et vaatamata pidevatele müradele peas ja migreenile ei kaotanud ta absoluutset muusikakõrva. Samuti ei teinud ta saladust, et põeb neurootilist depressiooni ja ärevusneuroosi. Helilooja traagilise kuvandi täiendas tema välimus - pikad mustad juuksed, tumedad pidulikud ülikonnad ja alati päikeseprillid. Pole ime, et 2000. aastal teatas ta, et loobub kogu oma muusikast, mille ta kirjutas enne kuulmise kaotamist, ja alustab tööd nullist – samm, mis sobis suurepäraselt tema sünge kuvandiga. Esimene teos, mille helilooja "uues elus" lõi, oli sümfoonia tuumaplahvatusest.
2008. aastal tuli Hiroshima Sümfooniaorkestri esiettekandele Hiroshima 1. sümfoonia. Samal ajal andis linn Samuragotchile kunstipanuse eest üle auhinna, mille pälvisid eri aegadel Yoko Ono ja disainer Issey Miyake. 2011. aastal salvestas selle sümfoonia Tokyo Symphony Orchestra poolt, salvestust müüdi 100 000 plaadi tiraažis, mis on klassika jaoks haruldane.
Üht tragöödiat käsitleva teose edu kiiluvees võttis Samuragochi ette muusika kirjutamise teisest tragöödiast. Pärast maavärinat, tsunamit ja Fukushima-1 tuumaelektrijaama õnnetust sõitis ta koos võttegrupiga katastroofipaikadesse. Lääne meedia kirjeldab üht puudutavat stseeni dokumentaalfilmist järgmiselt: kurt helilooja mängib tüdrukuga, kelle ema Fukushima õnnetuses hukkus, ja otsustab pühendada talle reekviemi. Muide, ta pühendas Hiroshima ka väikesele Jaapani tüdrukule puuetega laste keskusest, mida ta 2000. aastal külastas.
Samal ajal kui Samuragochi auhindu vastu võttis ja pühendusi jagas, töötas 1996. aastal tema poolt tööle võetud Takashi Niigaki osalise tööajaga Toho Gakueni muusikakoolis õpetajana. Lisaks kirjutas ta kõik kuulsa helilooja nime all avaldatud teosed, sellest kellelegi rääkimata. Niigaki sõnul hakkas ta juba ammu muretsema, et on kelmuse kaasosaline. Samal ajal kui südametunnistus salaautorit piinas, maksis Samuragochi talle töö eest regulaarselt. Vaid 18-aastase koostöö jooksul maksis kurt helilooja oma kolleegile umbes 7 miljonit jeeni (69 tuhat dollarit). Niigakil tekkis kiusatus oma salategevusest lahkuda, kuid tema "tööandja" teatas, et sellisel juhul sooritab ta enesetapu.
Kummalisel kombel aitas Niigaki varjust välja pääseda Sotši olümpia. Helilooja sai teada, et Jaapanit esindab taliolümpial Vancouveri olümpiapronks ja maailmameister iluuisutaja Daisuke Takahashi. Sportlane peab sõitma väidetavalt Samuragochi kirjutatud muusika saatel. Niigaki otsustas, et peaks nüüd avama. "Ma ei suutnud taluda mõtet, et kogu maailm peaks Takahashit meie pettuse kaasosaliseks," ütles ta pressikonverentsil, mille ta neljapäeval kutsus. Samal päeval, 6. veebruaril ilmus Jaapani meedias üksikasjalik intervjuu Niigakiga.
Ilmselgelt sai Samuragochi teada, et Hiroshima tõeline autor oli ajakirjanikega rääkinud, ja otsustas mingil põhjusel oma ülestunnistusest ette jõuda. Päev enne ajalehe ilmumist juristide vahendusel tehtud kiireloomuline avaldus näib olevat meeleheitel mehe tegu. Samuragochil on väga kahju, et ta oma fänne reetis ja kõigile teistele pettumust valmistas. Ta saab aru, et tehtul ei ole õigustust,” teatasid advokaadid 5. veebruaril. Niigaki nime aga selles kiirustatud ülestunnistuses ei mainitud.
Kas Niigaki tõesti otsustas 18-aastasest kelmusest rääkida puhtast armastusest iluuisutamise ja eriti Daisuke Takahashi vastu, pole teada. Võimalik, et seitsmest miljonist jeenist tagasihoidliku muusikaõpetaja kuulsuse puudumisel ei piisanud. Samuragochi pole oma endise "kolleegi" esitust veel kommenteerinud.
Vahepeal hakkasid Jaapani muusikatööstuse esindajad Samuragochit boikoteerima. Plaadifirma Nippon Columbia kavatseb lõpetada tema muusika plaatide müügi, juhtivad orkestrid kustutavad tema teosed oma repertuaarist ja tühistavad eelseisvad kontserdid; Kyushu Sümfooniaorkester teatas koguni, et kavatseb kohtusse kaevata, et hüvitada kuulajatele kõikide Samuragochi muusikaga kontsertide piletid. Hiroshima võimud jätavad "Beethoveni" ilma 2008. aastal välja antud auhinnast. Tundub, et nüüd ei võta keegi arvesse helilooja neuroosi ja depressiooni. Kuna Samuragochi kurtuses oli kahtlus, ei huvita kunagise rahvuskangelase vaimne seisund enam kedagi.
Teadmatult muusikamaailmas skandaali tekitanud iluuisutaja Takahashi ütles, et astub kaks aastat tagasi kirjutatud "Sonatino for Violin" all siiski üles ühes lühikavas. Sportlane rõhutas ametlikus avalduses, et tal lihtsalt pole aega teise programmi ette valmistada – meeste isiklik turniir peetakse 13. veebruaril. Ta avaldas lootust, et mõlema helilooja ülestunnistused ei sega tema esinemist olümpial.
Peatselt Sotšis etenduvast "Sonatinost viiulile" võib saada reekviem kogu rikutud "Jaapani Beethoveni" loomingule või valjuhäälne algus 43-aastase Niigaki ametlikule muusikukarjäärile. Kuid paraku seekord ilusat žesti ei tule - kompositsiooni "Sonatino for Violin" autorit ei ole rahvusvahelise uisuliidu veebisaidil Takahashi profiilil märgitud.
Konichiwa!(jaapani keelest こんにちは - Tere!)
Nii klassikaline kui ka kaasaegne Jaapani muusika on müsteerium, helide ruum, kus tuleb mitte ainult kuulata, vaid kuulata. Loodushääled, maailma hääled, kus me loodusega koos eksisteerime.
Maitske Jaapani muusikat kaasaegsetelt artistidelt, nii klassikalist klaverit kui ka jaapani instrumentaalmuusikat elektroonilises žanris. Miks ma teile seda soovitan, sest Jaapani loodus ja muusika on mõistatus.
Jaapani instrumentaalmuusika kaasaegsetelt kunstnikelt:
Meeldiva häälega võluv jaapanlanna, ta on ka helilooja ja helitehnik. Muusika on valdavalt instrumentaalne, kerge salapära ja kohati ootamatute üleminekutega.
Andekas noor muusik Jaapanist, kes kasutab oma muusikas sülearvutit ja tervet orkestrit traditsioonilisi instrumente: klaver, kitarr, viiul, tšello, bass, saksofon, klarnet.
Erilist hõngu tema instrumentaalmuusikasse toovad elektroonilised trummid, mida mängitakse otse sülearvuti klaviatuuril.
Äärmiselt ebatavaline noor helilooja. See, mida see jaapanlane teeb, on kirjeldamatu.
Oma muusikas miksib ta palju kõlavaid instrumente, muutes live-pillide kõla elektrooniliseks ning muutes elektroonika elavaks ja ettearvamatuks.
Ema! Piim! See on kõige ettearvamatum ja ebatavalisem muusika ainult kahe instrumendi - akordioni ja kontrabassi - kombinatsioonis. Akordionist Yuko Ikoma ja kontrabassimängija Kosuke Shimizu duo, keda teavad paljud Jaapani kohvikute, teatrite ja kunstimuuseumide püsikülastajad. Nende muusikat kirjeldas "Japanese New Exotica" kui "kino kõrvadele".
Jaapani muusik, kirjutab kerget instrumentaalmuusikat pigem modernses klassikas/ambient-žanris, siiski iseloomuliku jaapanipärase meeleoluga. Need on kohati ootamatud üleminekud ühelt harmoonialt teisele, kuid üldiselt on need erinevalt teiste Jaapani heliloojate muusikast üsna rahulikud ja vaoshoitud.
(duetist)
Yuko Ikoma soolomuusika unikaalsus seisneb selles, et kõik muusikalised osad esitatakse muusikakastil. Kuidas see mängumuusika andeka jaapanlanna lapselikus ettekujutuses kõlab, on tema väike karbike saladusega.
Eksperimentaalne muusika ambient-žanris ümbritsevate helidega. Ebatavalised tugevalt sämplitud helid asenduvad etteaimatava harmooniaga sujuva meloodiaga.
Ettearvatavus - lihtsalt tundub, et minut ei möödu, kuna kogu meloodia struktuur on lahti võetud eraldi radadeks, kus iga heli kuulub iseendale ja jällegi, nagu Legost, on meloodia kokku pandud.
(Jaapani kaasaegne klassikaline muusika)
Kaks venda Jaapanist esitavad kaasaegset klassikalist Jaapani muusikat Tsugaru-jamiseni stiilis. Nende muusika on segu tempokast etteastest, mida esitatakse traditsioonilistel Jaapani pillidel.
Populaarsuse saavutas tänu lääne rokkmuusika tõlgendamisele nende mängus.
2000. aastate alguses ilmusid müügile albumid sarjast New Japan Music. Sarja kuuluvad noorte Jaapani heliloojate ja muusikute laulud ja instrumentaalid, kes ühendavad oskuslikult Jaapani rahvamuusika traditsioone ja kaasaegseid süntesaatoreid. Albumid müüdi väga kiiresti läbi ja paraku enam uuesti välja ei antud. Internetis pole nende kohta peaaegu mingit teavet.
Kuni 2000. aastateni seostati idamaist etnilist muusikat sageli Hiina Ooperi haruldaste etendustega (80ndate lõpus ja 90ndate alguses Moskvas), katkenditega Cao Caost ja Syunyukunist, mis jäid kodumaistele teatrikülastajatele ja muusikasõpradele meelde. ebatavalised instrumendid ja vapustavalt kaunid maastikud.
Aastatel 2000–2000 andis Landy Star Music välja 4 New Japan Music sarja albumit. Näib, et pärast Enigmat ei üllataks midagi etnilist koos elektroonilise muusikaga, kuid andekad Jaapani muusikud said sellega siiski hakkama. Nad ühendasid väga peenelt Jaapani rahvamuusika rütmid, budistlikud mantrad analoog- ja digitaalsüntesaatoritel esitatava elektroonilise muusikaga.
Vaatame iga albumit lähemalt.
1. Uus Jaapani muusika, 2000 – Idatuul. Albumi lõid kaks andekat Jaapani muusikut: Seishi Kyoda ja Kazumaza Yoshioka Uttara-Kuru projekti raames (debüütalbum). Lugudes segatakse oskuslikult jaapani vertikaalse flöödi, koto (13-keeleline harf), teiste rahvamuusika instrumentide, analoog- ja digitaalsüntesaatorite helisid. Kogu album on läbi imbunud tuule filosoofiast. Kas sa tormad üle mere või tormad läbi möödunud ja tulevaste ajastute. Muusika haarab sind kergesti omaks ja sa lendad plaadi pöörlemise ajal kogu aeg. Isegi lugude pealkirjad räägivad enda eest: Lilled, Linnud, Tuuled ja Kuu, Meie elu, Talvetants.
Esimene album sarjast New Japan Music, 2000. Landy Star muusika. Muusika kas kõlab rahvalaulude rütmis või meenutab 80ndate mõtisklevaid meloodiaid või selle tempo kiireneb ja tunned end nagu moodsas diskos trendikas klubis. Kuid isegi hakates meenutama tänapäevaseid meloodiaid, ei ületa muusika teatud piiri, ei muutu konarlikuks, tungides su Hinge salajasematesse nurkadesse.
Lugude nimekiri:
1. Lilled, linnud, tuuled ja kuu (proloog)
2. Wings Of The Eagle
3.Talvetants
4. Esimene pilt
5. Neyuki
6.Puidust laev
7.Teine pilt
8. Meie elu
9. Niigata Okesa
10. Kolmas pilt
11 Kukkumine läbi pilve
12. Aizu Bandaisan
13. Lilled, linnud, tuuled ja kuu (epiloog)
Album New Japan Music II, 2002. Landy Star muusika. 2. Uus Jaapani muusika II, 2002 Jaapani helilooja Kazumaz Yoshioka projekt, kes lisas albumisse Jaapani muusikute lood, mille produtsent ta oli ja mille osad ta lood ise kirjutas. Muusika on läbimõeldud, mitmes loos näeme veidrat kombinatsiooni Jaapani meloodiatest ja jazzist. Albumi ilusaim lugu on The River. Üldiselt on selle albumi peateemaks jõgi. On ju Jõgi nagu meie Elu, vahel tormine, vahel rahulik ja mõtlik. Siin kõlavad erinevalt sarja New Japan Music esimesest albumist puhtalt jaapani instrumentaalid (Moegi (Light Green)), sagedamini kõlavad budistlikud mantrad, millest lendavad läbi vaid kerged elektroonilise muusika hingetõmbed.
Albumi New Japan Music II loomisel osalenud muusikud ja heliloojad. Lugude nimekiri:
1. Vaikne kuu – JIA PENG FANG
2. Moegi (heleroheline) – MIZUYO KOMIYA
3. Budistlik laul – KAZUMASA YOSHIOKA
4. Jõgi – JIA PENG FANG
5. Akanegumo (Roositaevas) – MIZUYO KOMIYA
6. Okinava - MASASHI ABE
7. Vana laste laul – HARUKI MINO
8. Tohno - TOON
9. Rohelised mäed – MASAJI WATANABE
10. Aidma (Taevasinine) – MIZUYO KOMIYA
Album New Japan Music III, 2002. Landy Star muusika. 3. Uus Jaapani muusika III, 2002 Tuli välja pruuni kaanega, aga kadus paraku kollektsioonist. Esitusstiil on lähedane projekti neljandale albumile. Helilooja ja produtsent - Seichi Kyoda.
4. Uus Jaapani muusika IV – maagia, 2002 Muusikalise esituse poolest ehk kõige raskem, maagiast läbi imbunud album. Albumi mitmes loos kõlavad India suutrad ning album ise on väga läbi imbunud budismi ideedest ja filosoofiast. Ta, nagu ka eelmised 4 albumit, on lahutamatult seotud elementidega, loodusega. Esimeses, nimilaulus kuuleme katusel vihmakohinat ja lainete mürinat, see viib meid mõtteliselt väikesesse jaapani majja mererannas, mille aknast vaatleme Maailma.
Osa New Japan Music III albumi lugusid lisati Magicusse. Osa laule koostas ja produtseeris Seiichi Kyoda.
Viimane IV album sarjast New Japan Music - Magic, 2002. Landy Star muusika. Lugude nimekiri:
1. Talvine tuul
2.Fudosan
3. Tsugaru
4. Meditsiinipreester
5.Cocoro
6 Ööpulk
7. Pühamu
8. Tsugaru (kordus)
9. Medicant Priest (remix)
10.Järelpilt
Järelsõna.
Artikli lõpus lisan, et idamaised meloodiad (näiteks jaapani) mõjuvad inimese psüühikale väga viljakalt, ühtlustades seda. Jaapani ja Hiina muusikud on muusika loomisel läbi imbunud looduse energiast ja helidest ning seetõttu on nende teosed väga kooskõlas inimese biorütmidega, normaliseerides tema vaimset ja füüsilist seisundit.
Teised fotod albumitest on postitatud minu veebisaidile Club Formel Eins -
Laadimine...
