Alustades dialoogi maailmakultuuriga, ei raiska kaasaegne inimene oma jõupingutusi selle tasemele tõusmiseks, vaid, vastupidi, püüab seda taandada oma tasemele. (keegi tark)
Enne fotograafia leiutamist nähti maalimises vahendit ehk keskkonna selgemaks peegeldamiseks. Maalimist peeti seda paremaks, seda autentsemalt näitas see tegelikku maailma. Fotograafia tulekuga 1839. aastal ja kino tulekuga 1895. aastal avardus maalikunsti tuntus märgatavalt, kuigi teised järgivad praegu veel kitsalt funktsionaalset äri.
Mis vahe on fotol ja maalil?
Bato Dugaržapov "Jõulud".
Foto jäädvustab meie jaoks hetke, teisisõnu objekti väga spetsiifilise hetkeseisundi. Maalikunstnik, ükskõik kui hoolikalt ja usutavalt ta detaile välja kirjutas, kirjutab esmalt selle ÜLDISE, mida ta mudelis näeb, ehk teisisõnu kõige omapärasema ja ilmekama.
Seetõttu on foto (välja arvatud väga harvaesinevad fotokunstnike tööd) entsüklopeedia pildiga sarnane illustratsioon: selline näeb välja orav, lapsed, ja selline nägi fotoalbumi omanik välja 20 aastat tagasi, kui ta vannitati vannis.
Bato Dugaržapov "Krimm".
Kaasaegne maalikunstnik on keeldunud loodust kopeerimast – pildistamine ja filmimine muudavad selle veelgi paremaks ja kiiremaks. Naturalism surub maalikunsti korduste ja banaalsuse ummikusse. Lisaks ei saa loodust taastoota. Kui vaataja aktsepteerib ainult pildi kõige pealiskaudsemat nüanssi - teabe edastamist “kus mis seisis”, siis on maali teadlikkus väga kurnatud ja moonutatud.
Pilt erineb fotost põhimõtteliselt tehtu mitte-identsuse poolest ja sellest on saanud põhimõtteline erinevus värvilise ja fotograafilise pildi vahel. Maalikunstnik otsustab vabast tahtest, mida ja kuidas jätta, mida ja kuidas esile tõsta, mida pildilt välja jätta, mõnikord isegi vastupidiselt pinnapealsele tervele mõistusele.
Bato Dugaržapov "Terrass".
Värviline maal lõuendil pretendeerib terviklikkusele ja universaalsusele nii maalitud objekti näitamisel kui ka sellest mälestuste edasiandmisel. Arusaamatul moel ilmub tasasele lõuendile köide, kunstniku tehtud elav ja ilus maailm.
Saame siseneda pildile ja kuulda lindude laulu, tunda õitsva heinamaa lõhna, tunda päikese poolt soojendatud veesoojust, näha liikumist – mõistes selgelt, et see kõik toimub eranditult meie mõtetes ja meie ees ning et see kõik on meile Looja poolt antud.
Mis on "alla prima"?
Bato Dugaržapov "Hommik".
Kui enne seda tervitati ehteviisi detailide peensusteni väljakirjutamist, kui pilti maaliti kuid, isegi aastaid ja seejärel hoolikalt lakiti, siis 19-20. sajandil ilmus mõiste “alla prima” – alates aastast. ladina keeles "all prima vista" (1. pilgul) ja tähendab spontaanset maalimist impastovärviga.
Maal on valmis peale esimest seanssi. Värvid segatakse enamasti skaalal, kus need tunduvad värsked ja helendavad. Vabas õhus kirjutades on see väga sobiv töömeetod.
Pastolisus avaldub reljeefis, ereda kihi kumeruses, plastilises pintslitõmbes ning aitab rõhutada eseme materiaalset külge ja anda dünaamilisust. Maalid on fotodest mahukamad ja informatiivsemad, suudavad publikut sensuaalselt mõjutada kohalike värvilaikudega, ilma asjatute täpsustuste ja detailide täpsustamiseta. Aeg-ajalt isegi selle konkretiseerimise puudumise tõttu.
Bato Dugaržapov "Keskpäev. Paadid.
Esmapilgul juhuslike tõmmete ja heledate laikude vaheldumine on fotost palju emotsionaalsem ning iidne poleeritud maneeriga annab edasi liikumist - päikeselaikude mängu murul, helkimist veele, õõtsuvaid lehti jne.
Paraku ei vaevu värvilise kultuuri mõttes täiesti metsik vaataja, olles näinud laiaulatuslike tõmmete ja triipudega kirjutatud alla prima teoseid, hoo maha võtta ja piiluda, vaid punnitab põsed ja koos sõnad "Ma võin ka niimoodi määrida," läheb oma eeliste teadvusega kaugemale, otsides lakitud lokkis maalitud loomingut, kus pole vaja kujutlusvõimet ja empaatiat.
Laseme tal minna ja hiljem näeme näiteks kunstnik Bato Dugaržapovi maali "Plein Air". Mida me sellel põneval pildil näeme?
Bato Dugarzhapovi plein Air.
Need, kes tahavad näha, kuidas tegelaste kingad õmmeldakse – ei midagi. Teadlikkuse lainele häälestunud vaataja näeb esmalt palju päikesevalgust. Siis näeme mitut suvekleidis kunstnikku molbertite juures ja habemega kunstnikku teksades ja pintslid käes. Siis on soe kiviaed, mille kohal on päikesest valgustatud looklevad wisteriad, lehestikuvahedes sinine taevas, valli parapet ja meri selle taga. Seetõttu pole lehestik detailides ja soontes välja kirjutatud, et see liigub, õõtsub ja valgus ka liigub, varjud liiguvad ja peegeldus merelt kauguses muutub iga minutiga ...
Pildi meeleolu on täiesti fenomenaalne, kiirgab lihtsalt valgust ja positiivset. Ja samal ajal on võimatu osutiga osutada ja selgitada - see on see ja siin on midagi. Seda on vaja vaid pildist veidi eemaldudes ja päris pikalt vaadates näha. Samas on see ainult fail, ma kujutan ise ette – kuidas see originaalis toimima peaks!
Bato Dugaržapov "Sketšid".
Samamoodi „avaldub ennast” maal “Õpingutest”. Alguses - kaootilised päikesevalguse laigud ja mere peegeldused. Siis - hallipäine maalikunstnik kummardunud molbertile. Siis - meri ise: haigutav meri, see liigub, muretseb, lainetest tulev päike pimestab tegelikult silmi (kuidas see on tehtud, on ebareaalne mõista), meres - mäed, kivikesed ja paadid, vasakul jälle ronitaim, võib-olla viinamarjad.
Kirjeldamatult on edasi antud kuuma hommiku atmosfäär (ja see on hommik, sest kui päike on kõrgel, siis meri niisama ei sädele, läheb siniseks), lõunaranniku ilu ja imetlus selle ilu vastu.
Bato Dugaržapov "Lõuna õhtu"
Bato Dugaržapovi maalid on sukeldunud ebatavalisse helendavasse keskkonda, mis räägib kunstniku kõrgeimast värvilisest kultuurist, kitsast värvi- ja ruumisuhete tunnetusest. Tema tööd paistavad silma värskuse, joonte ja värvilaikude rütmilisuse, romantilise elevuse, valguse-ruumi suhete kitsa tajumise poolest.
Erilise kergusega, suurte tõmmetega loob ta tervikliku, tervikliku looduspildi värvide, valguse ja tegeliku dünaamika poolest... kõik sädeleb päikesekiirtes, isegi seal, kus on vari, sädelevad peegeldused, mis on eriti silmatorkav ja lõbus. Vabalt visatud värvid asetsevad üksteise peal ning moodustavad mitmevärvilise harmoonia ja rütmi, milles värvide mäng on eriti oluline.
Bato Dugaržapov "Como järv".
Bato Dugarzhapov sündis 1966. aastal Chitas. Ta on lõpetanud Tomski kunstikooli ja pealinna munitsipaalakadeemia akadeemilise kunstiinstituudi. IN JA. Surikov. Kunstniku tööd on erakogudes Venemaal, USA-s, Prantsusmaal, Itaalias ja Hispaanias.
K. Yu Starokhamskaja
Alustades dialoogi maailmakultuuriga, ei raiska kaasaegne inimene jõupingutusi oma tasemele tõusmiseks, vaid, vastupidi, püüab seda alandada oma tasemele. (keegi tark)
Enne fotograafia leiutamist nähti maalimises vahendit keskkonna võimalikult täpseks kajastamiseks. Maalimist peeti seda paremaks, seda autentsemalt peegeldas see tegelikku maailma. Fotograafia tulekuga 1839. aastal ja kino tulekuga 1895. aastal laienes arusaam maalikunstist märgatavalt, kuigi teised järgivad endiselt kitsalt funktsionaalset hoiakut.
Mille poolest foto erineb maalist?
Bato Dugaržapov "Jõulud".
Foto jäädvustab meie jaoks hetke ehk objekti täiesti konkreetse hetkeseisundi. Kunstnik aga, ükskõik kui detailselt ja usutavalt ta detaile välja kirjutab, kirjutab ennekõike selle ÜLDISE, mida ta mudelis näeb ehk kõige iseloomulikuma ja ilmekama.
Seetõttu on fotograafia (välja arvatud väga harvaesinevad fotokunstnike tööd) entsüklopeedia pildiga sarnane illustratsioon: selline näeb välja orav, lapsed, ja selline nägi välja fotoalbumi omanik 20 aastat tagasi. kui teda vannis vannitati.
Bato Dugaržapov "Krimm".
Tänapäeva kunstnik on keeldunud loodust kopeerimast – palju parem ja kiirem on teha pildistamist ja filmimist. Naturalism surub maalikunsti korduste ja banaalsuse ummikusse. Lisaks ei saa loodust taastoota. Kui vaataja tajub pildist vaid kõige pealiskaudsemat külge – info edastamist "kus mis seisis", siis arusaam maalikunstist on äärmiselt kurnatud ja moonutatud.
Pilt erineb fotograafiast põhimõtteliselt loodava mitte-identiteedi poolest ning sellest on saanud põhimõtteline erinevus pildilise ja fotograafilise kujutise vahel. Kunstnik otsustab oma tahtega, mida ja kuidas jätta, mida ja kuidas esile tõsta, mida pildilt välja jätta, mõnikord isegi pinnapealse terve mõistuse vastaselt.
Bato Dugaržapov "Terrass".
Maaliline õlimaal lõuendil pretendeerib oma terviklikkusele ja universaalsusele maalitud objekti näitamisel ja mulje edastamisel. Arusaamatul moel ilmub tasasele lõuendile köide, kunstniku loodud elav ja ilus maailm.
Saame siseneda pildile ja kuulda lindude laulu, tunda õitsva heinamaa lõhna, tunda päikese käes soojendatud veesoojust, näha liikumist – mõistes selgelt, et see kõik toimub ainult meie mõtetes ja meie ees ning et autor on seda kõike meile edastanud.
Mis on "alla prima"?
Bato Dugaržapov "Hommik".
Kui varem oli teretulnud ehtekunst detailide peensusteni väljakirjutamisel, kui pilti maaliti kuid või isegi aastaid ja seejärel hoolikalt lakiti, siis 19.-20. sajandil ilmus mõiste "alla prima" - alates Ladina keeles “all prima vista” (esmapilgul) ja tähendab spontaanset maalimist impastovärviga.
Maal on valmis peale esimest seanssi. Värvid segatakse enamasti paletil, kus need tunduvad värsked ja helendavad. Plen airi kirjutamisel on see väga sobiv tööviis.
Pastolisus avaldub reljeefis, värvikihi ebatasasuses, plastilises tõmbes ning aitab rõhutada teema materiaalset külge ja anda dünaamilisust. Maalid on mahukamad ja informatiivsemad kui fotod, need võivad emotsionaalselt mõjutada publikut kohalike värvilaikudega, ilma asjatute täpsustuste ja detailide täpsustamiseta. Mõnikord isegi selle konkretiseerimise puudumise tõttu.
Bato Dugaržapov "Keskpäev. Paadid.
Pealtnäha kaootiliste tõmmete ja heledate laikude vaheldumine on palju emotsionaalsem kui fotograafia ja vana lihvitud maneeri annab edasi liikumist - päikeselaikude mängu murul, helkimist veele, õõtsuvaid lehti jne.
Pildikultuuri mõttes üdini metsik vaataja, olles näinud alla prima laiaulatuslike tõmmete ja triipudega kirjutatud töid, ei vaevu paraku peatuma ja piiluma, vaid punnitab põsed ja sõnadega “I võib seda ka niimoodi määrida”, läheb enese üleoleku teadvusega kaugemale, otsides lakitud, lokkis maalitud loomingut, kus pole vaja fantaasiat ja empaatiat.
Laseme tal minna ja siis vaatleme näiteks kunstnik Bato Dugaržapovi pilti "Plein Air". Mida me sellel huvitaval pildil näeme?
Bato Dugarzhapovi plein Air.
Need, kes tahavad näha, kuidas tegelaste kingad õmmeldakse – ei midagi. Mõistmise lainele häälestunud vaataja näeb ennekõike palju päikesevalgust. Siis näeme mitut suvekleidis kunstnikku molbertite juures ja habemega kunstnikku teksades ja pintslid käes. Siis ilmub soe kiviaed, mille kohal on päikesest valgustatud looklevad wisteeriad, lehestikuvahedes sinine taevas, valli parapet ja meri selle taga. Lehestikku ei kirjutata detailides ja veenides välja, sest see liigub, õõtsub ja valgus ka liigub, varjud liiguvad ja peegeldus merelt kauguses muutub iga minutiga ...
Pildi meeleolu on täiesti fenomenaalne, lihtsalt kiirgab valgust ja positiivset. Ja samal ajal on võimatu osutiga osutada ja selgitada - see on see ja siin on midagi. Seda pead nägema vaid pildist veidi eemaldudes ja piisavalt kaua vaadates. Ja see on ainult fail, ma kujutan ette, kuidas see originaalis toimima peaks!
Bato Dugaržapov "Sketšid".
Samamoodi „avaldub ennast” maal “Õpingutest”. Esiteks - päikesevalguse kaootilised laigud ja mere peegeldused. Siis - hallipäine kunstnik kummardus molberti poole. Siis - meri ise: särav meri, see liigub, muretseb, päikese peegeldused lainetelt teevad peaaegu silmad pimedaks (ei saa aru, kuidas seda tehakse), meres - kivid, kivid ja paadid, vasakul jälle ronitaim, võimalik, et viinamarjad.
Uskumatult on edasi antud kuuma hommiku atmosfäär (ja see on hommik, sest kui päike on kõrgel, siis meri niisama ei sädele, läheb siniseks), lõunaranniku ilu ja imetlus selle ilu vastu.
Bato Dugaržapov "Lõuna õhtu"
Bato Dugaržapovi maalid on sukeldunud erilisse helendavasse keskkonda, mis räägib kunstniku kõrgest pildikultuurist, värvi- ja ruumisuhete peenest mõistmisest. Tema tööd paistavad silma värskuse, joonte ja värvilaikude rütmilisuse, romantilise elevuse, valguse-ruumi suhete peene tajumise poolest.
Erilise kergusega, suurte löökidega loob ta tervikliku, tervikliku looduspildi värvide, valguse ja eludünaamika poolest ... päikesekiirtes sädeleb kõik, isegi seal, kus on vari, sädelevad peegeldused, mis on eriti silmatorkav ja meeldiv. Vabalt visatud värvid langevad üksteise peale ja moodustavad mitmevärvilise harmoonia ja rütmi, milles varjundite mäng on eriti oluline.
Bato Dugaržapov "Como järv".
Bato Dugarzhapov sündis 1966. aastal Chitas. Ta on lõpetanud kunstikooli Tomskis ja Moskva Riikliku Akadeemilise Kunstiinstituudi. IN JA. Surikov. Kunstniku tööd on erakogudes Venemaal, USA-s, Prantsusmaal, Itaalias ja Hispaanias.
K. Yu Starokhamskaja
"Sain juba ammu aru, et kunstiajaloolaste jaoks on eneseväljendus olulisem kui sisu."
Eldar Rjazanov
„Miks peaksin mina, kuulsa Moskva maalikunstniku poeg, kes veetsin oma lapsepõlve ja nooruse kunstnike keskel, kelle kogus on rohkem maale ja joonistusi kui üheski teises regionaalmuuseumis, kuulama kunstiajaloolasi, kes pole kunagi isegi pintsleid käes hoidnud ?”
Aleksander Gremitskihh
Vikipeedias on mõiste "maal" seoses maaliga defineeritud kui "kunstiteos, millel on terviklik iseloom (erinevalt visandist ja uurimusest) ja iseseisev kunstiline väärtus". Maaliga seotud mõisted “etüüd”, “visand” ja “visand” on Vikipeedias üldiselt ühte patta pandud ja taanduvad ühele mõistele – eskiisile, kunstniku enda maali ettevalmistavale materjalile.
Vaatame, kas see on praktikas tõsi:
Pean ütlema, et kogu kunstiterminoloogia kujunes välja 19. sajandil, kui mitte isegi varem. Sel ajal pidid korralikud inimesed rääkima mitte ainult siin, vaid kogu Euroopas eranditult prantsuse keeles, mida tõendab maalikunstis siiani kasutatav terminoloogia. Nii et sõna "etüüd" pärineb prantsuse "etude" ja "sketch" - näiteks prantsuse "esquisse". Maalikunstnike kliendid elasid peamiselt väga avarates, pehmelt öeldes ruumides, mis nõudsid kaunistamist tohutute lõuenditega, mida loomulikult ei olnud võimalik loodusest maalida. On selge, et sellistes tingimustes hinnati ainult lõpptoodet - suurt pilti (kuid, muide, maksti eranditult). Kuna loodusest pärit tööd, mille juurde visandid tegelikult kuuluvad, ei tulnud pähegi kellelgi seinale riputada, nende eest ei olnud võimalik raha saada ja seetõttu, kui need ka kirjutati, siis ainult toetava visuaalina. materjal mõne suure pildi jaoks ja olid isegi vähem olulised kui visandid, mis olid hoolikalt välja kirjutatud, sest need tuli esitada tellijale kinnitamiseks.
Sealt rändasid "Otšakovi ja Krimmi vallutamise ajast" Vikipeediasse kunstiterminite ammu iganenud definitsioonid! Jah, ja paraku ka teistes sõnaraamatutes ja sealt edasi - meie pähe.
Kuid 19. sajandi lõpuks, koos ühiskonna demokratiseerumisega, olid vaated selle kohta, milline võiks olla maalikunsti nii-öelda lõpptoode, kardinaalselt muutunud. Kui endiselt süüdistati prantsuse impressioniste nende loomingu etüüdiloomuses, siis A.K. Savrasov kutsus oma õpilasi üles "õppima loodusest". Vene kunstnikest sai näiteks Konstantin Korovin kuulsaks just loodusõpingute poolest, temaatilisi maale ta praktiliselt üldse ei kirjutanud. Me elame juba 21. sajandil, kuid maalikunstiga seoses kasutame jätkuvalt selle 200 aasta tagust mõistet, paradoks, ja ei midagi enamat!
Argikõnes kasutatavate kõige lihtsamate maalikunsti mõistete väärarusaam, lähtudes nii iidsest arusaamast neist, mille on laiemale avalikkusele teadlikult peale surunud lugupeetud kunstikriitikud, kes, nagu on ilmselge, just seetõttu, et nad ei mõista kunstis PROFESSIONAALSELT midagi. , võib tavainimese segadusse ajada. Seetõttu tahaksin selles artiklis käsitleda peamisi maalikunstis sagedamini kasutatavaid termineid seoses praeguse olukorraga.
SÕNA "KIRJUTA" TÄHENDUSED(muidugi aktsendiga teisel silbil)
Vene keeles on sõna "kirjutamine" põhitähendus "tähtede ja numbrite kirjutamine". Maalimisel kasutavad professionaalid terminina sõna "maali pilt". Kui kunstnik ütleb: "Ma maalisin pildi", siis sel juhul ei kasuta ta erialast terminoloogiat, vaid räägib lihtsalt igapäevast keelt, nagu tavalised inimesed, keda kunstitegevusega ei seostata. Terminoloogilises mõttes joonistavad nad söe, sangviini, pliiatsi, pastelliga, kuid mitte õlimaaliga. "See kunstniku pilt on maalitud õliga," võib öelda vaid maalimisest kaugel olev inimene. Ja selles pole midagi kohutavat, see pole nii oluline. Pole tähtis, et te ei tea, mis on punane kraplak või kaadmiumkollane ja pole kunagi kuulnud mingist umbrist või põlenud siennast. Kunstivärvide nimetusi, mis tähistavad täpselt teatud värve (punane, kollane ja sinine on ju erinevad), pole mittespetsialistil absoluutselt vaja teada ja kunstiajaloolased ei riiva nii kitsalt professionaalseid täppistermineid.
Teisest küljest surusid need "kunsti eest vastutavad" härrad või lihtsamalt öeldes kriitikud, see tähendab kunstiteemadel kirjutavad ajakirjanikud kõigile teistele inimestele edukalt peale valemõtte, et kunst nende sõnul "peaks". mõistetakse." Kes teab kunstist? Muidugi ei keegi muu kui kunstiajaloolased!
Nii selgitati meile edukalt, et kaunites kunstides me midagi ei tea ega mõista. Ja mis kõige huvitavam, oleme sellega täiesti nõus! Kellelt te ei küsi: "Ma ei saa maalimisest aru", "Ma ei mõista kunsti" ... ja selles vaimus.
Ja mida seal tegelikult mõista on? Kunst, sealhulgas kujutav kunst, on loodud meile, tavalistele inimestele, mitte "spetsialistidele", see apelleerib esteetikale, mis on meile kõigile omane loomult. Kunstis on vaataja, lugeja, kuulaja jaoks ainult kaks kriteeriumi – meeldib ja ei meeldi. Kas sa loed igavat raamatut? Kas vaatate halba filmi või näidendit? Kas kuulate ooperit, muusikat, lugu, mis teile ei meeldi? Kas peate Kazimir Malevitšit geniaalseks kunstnikuks ja Velimir Hlebnikovi geniaalseks luuletajaks? Mitte? Braavo! Sa oled kunstis suurepärane!
Kuid selleks, et sina ja mina oleksime, nagu Peeter I ütles, "teistest võhiklikest lollidest äratundmiseks", on siiski vaja enda jaoks selgeks teha mõned üldlevinud, igapäevases kõnepruugis sageli esinevad maalikunstiga seotud terminid. juhtum.
MATERJAL KUNSTNIKU PILDI JUURDE
Mitteprofessionaalid arvavad kõigi samade kunstiajaloolaste ettepanekul tavaliselt, et tõeline õlimaal tuleks maalida eranditult lõuendile ja muud põhitõed, nagu kunstiline papp, ei vääri üldse tähelepanu. Siis ei tasu Mona Lisat maaliks pidada, sest Leonardo kasutas oma tööks pärnalauda.
Papp, mis on krunditud nii, et värvid ei imbuks sellesse valge koostisega, on tööks üllatavalt mugav kriidist ja liimist koosnev nn krunt või värviline krunt, kui kunstnik seda nõuab, st spetsiaalne kunstpapp, eriti vabas õhus. Papp on kompaktne, üsna tihe materjal, mis erinevalt lõuendist ei vetru pintsli survel. Ruumi temperatuuri ja niiskuse muutuste mõjul lõuend mõnikord vajub, mõnikord venib, sellest pärit värvid murenevad aja jooksul, kuid mitte papist. Papile maalimine on sama vastupidav kui papp ise ja lõuend ületab vastupidavuse poolest isegi papi.
Sama võib öelda ka puitkiudplaadi kohta, kuigi see on palju raskem kui papp. Nõukogude kunstnikud kruntisid kiudplaadi sageli ise või isegi lihtsalt, et kirjutamine oleks mugavam ja pintsel ei vedruks, kleepisid nad krunditud lõuendi spetsiaalselt kiudplaadile. Siin on teile ilmekas näide, sirelitega natüürmort on üsna pildisuurune:
Ja kuidas on lõuendiga? Vene impeeriumi kunstnikud töötasid ainult temaga kuni 1862. aastani, mil Vene tööstus hakkas tootma kunstilist pappi.
Lõuendi jaoks on vaja rasket kanderaami ja sellel olevat lõuendit hästi venitada. Samas tuleb pärast töö lõppu kaua oodata, kuni värv kuivab, muidu ei saa lõuendit kokku rullida, kuna märjad värvid kleepuvad kokku ja pilt rikub täielikult. Värvid võivad kuivada terve kuu. Siin alustab kunstnik sunnitud seisakuid. Transportimiseks eemaldatakse pilt, kui see on suur, kanderaamilt, volditakse ettevaatlikult suurele babiinile, maal ülespoole, et maali mitte kahjustada. Järgmine etapp - pärast kohale toimetamist venitage lõuend uuesti kanderaamile, õigesti, ilma moonutusteta, nurkades kortsude ja longuseta, kuid ilma liigse pingeta (see kõik võib ka maalikihti kahjustada). Ja aja jooksul võib kanderaamile venitatud lõuend niiskuse ja temperatuuri muutuste mõjul vajuma või vastupidi liiga palju venida, mis võib isegi lõuendi rebenemisega ähvardada. See võib omakorda põhjustada värvikihi ketendamist, mis rikub või rikub maali. Seetõttu jälgige kunstimuuseumide saalides ja laoruumides nii rangelt niiskuse ja temperatuuri püsivust.
Kunstilisel papil on palju eeliseid. See on kerge, õue minev, saab asetada spetsiaalsesse klambritega puitraami, mille peal on kandmiseks rihma käepide. Sellest kasulikust seadmest annab aimu minu isa paberites säilinud joonis sellisest visandite raamist, mille isa tellis mõnelt puusepalt. Siin on joonis:
Mõnikord võtab maalikunstnik visandite tegemiseks kaasa kaks pappi korraga. Kõigepealt kasutatakse ühte ja siis kui
valgustus või meeleolu on muutunud või mõni muu motiiv on tähelepanu äratanud, võtab kunstnik teise papi ja juba kirjutab sellele. Töö lõpetanud, keerab ta veel toored kartongid raami sisse ja kinnitab need klambritega. Karbid ei puutu üksteisega kokku. Samal ajal jääb maal puutumata ja kahjustamata. See kuivab töökojas.
Seetõttu hakkasid maalrid pärast 1862. aastat, mil asutati krunditud kunstpapi tööstuslik tootmine, tasapisi üha rohkem kartongiga vabas õhus reisima.
Härrased, kunstikriitikud, kes sellest kõigest üldse midagi ei tea ega ole ise ainsatki visandit kirjutanud, suhtuvad kunstipappi põlglikult, pidades kartongile maalimist millegipärast ilmselgelt pooleliolevaks, lähtudes vaid sellest, et tegemist on peamiselt kirjutatud kartongile etüüdid, mis, nagu allpool näeme, on alati viimistletud, hoolikalt läbimõeldud tööd, mis nõuavad sageli väga suurt tööjõudu. Pealegi leiutati ka sõna “etüüd”, mida kasutati sünonüümina tegemata töö, hooletuse ja ... mittetäielikkuse kohta! Aga küsin, mis on teostuse lohakus või pildi mittetäielikkus pistmist sellele, millele see on kirjutatud? Jah, ja lõuenditel pole visandeid, kas pole?
Muide, nõukogude kunstniku Nikolai Ovtšinnikovi sotsialistliku realismi stiilis maal “Poes”, mis 2016. aasta septembris V.V. Putin andis D.A. Medvedev on kirjutatud papile.
Rangelt võttes pole tegemist maaliga, vaid kunstniku poolt otse tehasetöökojas tehtud täismahus uurimusega, kuid sellest terminoloogiast tuleb allpool juttu.
Kõige olulisem pole mitte materjal, millele maal on kantud, vaid see, kuidas kunstnik suutis peegeldada tegelikkust, meeleolu, oma tundeid ja neid vaatajale reeta. Alusmaterjalil, olgu selleks lõuend, papp, puitkiudplaat, paber, plaat või isegi õhuke tsingitud raud, pole sellega midagi pistmist. Tähtis on talent, kogemus, hea kunstikool. Nad ütlevad, et Abramtsevos S.I. Mamontov vahetas kunagi majal katust. M.A. Vrubel võttis katuseraua tüki ja kirjutas sellele sireli. Mis siis nüüd, see pole Vrubel?
Siin on “Tryokhgornaja manufaktuuri töötaja, NSV Liidu Ülemnõukogu saadiku D. P. Smirnova portree”
Nõukogude kunstniku Sergei Fedorovitš Solovjovi teosed. See on valmistatud ka tsingitud rauast. Portree on tänu oma enam kui tagasihoidlikule suurusele 37,5x31,5 cm ja sellisele ametlikule nimele selgelt tõeline etüüd ühe tootmisjuhi eritellimusel tehtud suure portree jaoks. Ilmselt ei olnud modellil kunstniku ateljeesse poseerima tulles midagi muud käepärast, mistõttu maalis ta täiesti valmis väikese naiseportree, mille siis, võib-olla väikeste muudatustega, suurele lõuendile üle kandis.Mõnikord maalisid nõukogude kunstnikud tolleaegse kõige nappuse tõttu õlivärvidega isegi paberile, mis polnud selleks täiesti ette nähtud. Nii et eriti vahel tegutses mu isa. Siis, pärast isa surma, pidin selle paberi papile kleepima. ("Lumi sadas" paber papil, õli; 61,5x82; 1969)
Miks, nad kirjutasid isegi rebitud kottidest kotiriietele! Ja see õnnestus hästi!
Siin on näiteks isa töö "Esimees". Tema lugu on järgmine: tema isa sai ärireisi ühte Altai kolhoosi, kuhugi Biiski lähedale, ülesandega kirjutada sealne esimees, sotsialistliku töö kangelane. Kolhoosis muidugi polnud lõuendit, rääkimata krunditud, nii et isa kiskus lahti mingi tohutu koti, tõmbas eksprompt peale, lõi kohe kanderaami kokku, krundis kotiriie ja maalis esimehe portree. Seejärel, juba 50 aastat pärast sündmusi, pidin selle töö juba tavalisele kanderaamile tirima.
Või siin on sügismaastik "Crimson Autumn", mille isa on kirjutanud kuskil kauges külas, samuti sarnase tehnoloogiaga:
Seega: KUI KIRJUTATE SUUR MITMEMEETRISE PILDI, siis tahes-tahtmata, peate selle maalima lõuendile AINULT HILJEMISE TRANSPORTI tarbeks, mitte selleks, et sellel oleks kunstiväärtus!
Muudel juhtudel pole vahet, millele peale kirjutada, muidu on esimesed P.M. Tretjakov kaks ETüüdi M.A. Vrubel PAPIL, need ei esindaks mingit kunstilist väärtust.
ÕPINGUD JA ESKITSED
Etüüd on lõppude lõpuks, mida iganes sa ütled, üsna viimistletud, suhteliselt väikese suurusega, nimelt loomulik töö, mis tehakse vabas õhus (maastik) või ütleme ateljees (natüürmort, portree) ja on täiesti iseseisev töö. Eskiisidega saab aga tulevikus maalida ka suure pildi, vahel isegi tohutu mitmemeetrise lõuendi, mis on juba praegu võimalik vaid stuudios. Õppetöö, eriti maastike jaoks, on enamasti jämedalt öeldes mõõtmetega, mis ei ületa 60 x 80 cm, see tähendab, et suurus on mugav ühele inimesele kaasas kanda. Siin on näide sellisest väliuuringust:
Etüüd võib olla ühe seansi, kirjutatud ühe seansi jooksul, see tähendab ühe päeva jooksul. Kuid seda juhtub üsna harva, palju sagedamini nõuab uuring mitut või isegi mitut seanssi. Mitmesessiooniline uuring, eriti kui tegemist on loodusmaastikuga, nõuab mõnikord mitu aastat tööd. Tavaliselt juhtub see siis, kui ilmad muutuvad järsult ja pikaks ajaks ning soovitud seisund ilmneb nüüd juba järgmisel aastal. No näiteks kirjutad särava päikese käes kuldset sügist, paar seanssi on veel jäänud ja siis sajab terve kuu vihma, tahes-tahtmata pead sa järgmisel aastal sellesse kohta tulema.
Sellel viisil, etüüd on loomulik teos, valmis kunstiteos, mille kallale on maalija kulutanud parajalt tööjõudu ehk igapäevakeeles suhteliselt väikeses mõõdus valmis õlimaal.
Muidugi on ka lõpetamata etüüde, aga mitmemeetrine suur pilt võib ka pooleli jääda. Niisiis, nagu näeme, on lugupeetud kunstiajaloolaste ammu aegunud, enam kui 100 aastaks oma endise tähenduse kaotanud idee, et uurimus on tingimata midagi lõpetamata ja vähese kunstiväärtusega, mis kahjuks. , panid nad kindlalt meisse pähe ja see, mis kajastub, paraku, isegi sõnaraamatutes, pole tänapäeval olnud pikka aega vähimatki alust.
SKITS
Sketš erineb etüüdist selle poolest, et seda tehakse alati üksnes selleks, et valmistuda suureks temaatiliseks maaliks (mitmefiguuriline kompositsioon konkreetsel teemal. Surikovi “Streltsy hukkamise hommik” näiteks). Eskiisis ei esine alati terviklikkust ja sel juhul on sellel visandi iseloom. Võrdleme nõukogude kunstniku Claudia Tutevoli kahte visandit suurte teoste jaoks. Esimesel juhul tehti eskiis mulle töömaterjaliks (VDNKh Cosmose paviljoni paneeli visand)
Teisel juhul (Alma-Atas asuva Abai ooperi- ja balletiteatri laeplafooni eskiis) koostati eskiis kunstinõukogule kinnitamiseks, mida tõendavad allkirjad ja templid alumises ja ülemises vasakus osas. eskiis. Seetõttu on see täiesti valmis ja viimistletud, ei mingit visandlikkust, st. siin pole lohakusest ega oskamatusest haisugi. Näiteks arhitektuuris oleks see vastava arhitektuurse struktuuri mudel.
Maali visand võib olla terviklik ja isegi hoolikalt kirjutatud või jälgitud kujutis inimese, hobuse, koera, teiste loomade käe, jala, kõrva, näo, figuuri või pea või isegi traktori, veoauto või mõne inimese peast. mingi ese või riidetükk, kõik, mis maalikunstnikku parasjagu huvitab, üldiselt kõik, mis kunstniku tulevasesse suurpilti võib siseneda. Pealegi mahub see kõik mõnikord samale lõuendile, papile või puitkiudplaadile.
Selliseid, mõnikord lõpetamata, hooletult, kiirustades tehtud visandeid nimetatakse ka visanditeks, see tähendab seda, mida kunstnik suure mitmefiguurilise kompositsiooni kujundamise käigus paberilehele, papile, lõuendile vms “visandis”.
Lisaks nimetatakse visandeid ka kiirsketšideks, mille kunstnik on teinud spontaanselt, hetke mõjul. Näiteks on visandatud V.G. Gremitskikh "Eemal" 25,5x17 paber, pliiats; 1940. aastad.
V.G. Gremitsky "Visiting" paber, pliiats; 25,5x17; 1940. aastad |
Nagu näha, vaatas kunstnik kõige esimesele kätte sattunud ümbrispaberile niisama, lihtsa pliiatsiga visandatud, samuti ilmselt kaenla alla pistetud žanristseen.
Kuid Moskva kunstnik Igor Radoman maalis mu isa, puhates kuskil Akademicheskaya Dacha kunstnike majas voodil:
Kunstnikel kõikvõimalikel koosolekutel ja koosolekutel, mida nõukogude ajal oli palju, oli pidevalt igav ja neile tegi nalja see, et nad tegid üksteisest pliiatsiga visandeid. Minu kollektsioonis on palju sarnaseid visandeid erinevatelt kunstnikelt.
Visandit saab teha mitte ainult pliiatsiga, vaid ka õlivärvide, sangviini, pastelli, söe, pastaka ja kõige muuga, isegi pastapliiatsiga, sest tõeline kunstnik ei saa elada minutitki ilma oma ametita. Realistlike kunstnike jaoks on see lihtsalt teatud tüüpi tingrefleksi tasemel professionaalne maania, mis nõuab pidevat treenimist, oskuste parandamist, mis tegelikult eristab tõelist kunstnikku, kes pühendab kogu oma elu kunstile iga päev ja iga tund, sellest. -nimetatakse "moodsateks" kunstnikeks ja avangardkunstnikeks, kes ei pea midagi tegema ja seetõttu pole koolitust vaja - pole oskusi, pole midagi lihvida, maalige ruute ja kolmnurki ise!
Muide, eskiis võib olenevalt ajast, mille kunstnik peab selle valmima, muutuda ka täiesti valmis jooniseks. Siin on Muromi maalikunstniku Vassili Vassiljevitš Serovi täiesti valmis pliiatsiga lasteportree "Volodya at the Game", kuid sellegipoolest on see eskiis!
Visandid on abiks kunstniku tööprotsessis suurel temaatilisel pildil. Visandid tehakse mitte ainult õlis, vaid ka söes või pliiatsis, temperas jne. Eskiisis saab lisaks järjestada kogu tulevase suure kunstniku mitmefiguurilise maali.
Näitena võib tuua kaks visandit Nõukogude kunstniku Grigory Gordoni suurele temaatilisele maalile "Kodusõja kindralid", mis on tegelikult kodusõja kuulsaimate punaste komandöride grupiportree.
Algul otsustas maalikunstnik need kõik lihtsalt punase bänneri taustal ritta seada,
kuid siis tundus selline kompositsioon talle igav ja ta otsustas seda veidi keerulisemaks muuta:
Nagu näha, on antud juhul eskiisid tehtud temperas ning lisaks vaatamata mõlema töö visandilisusele, s.o. teostamise ebatäielikkus ja näiline hooletus, on kõik tulevase suure pildi kangelased üsna äratuntavad. Näeme selgelt Vorošilovit, Budjonnõit, Shchorsit, Frunzet, Tšapajevit, Parkhomenkot jne.
Ja siin on eskiis juba mainitud Muromi kunstniku V.V. suurele temaatilisele maalile "Aleksander Uljanovi arreteerimine". Serov:
Muidugi on tulemus tõenäoliselt erinev algsest kavatsusest. Tõeline kunstnik reeglina uut asja peast välja ei aja. Ta süveneb pidevalt teda huvitavasse teemasse. Ta mõtiskleb selle üle, mõtleb ümber, vaatleb palju, loeb vastavat kirjandust. Kui tulevases temaatilises pildis on maastik, kirjutatakse vastavad loodusuuringud, mis hiljem, tavaliselt veidi muudetud kujul, kantakse üle pildile. Mõnikord kantakse üksikud detailid mitmest täismahus uuringust korraga suurele pildile.
Täismõõdus uurimus on aga erinevalt eskiisist ja eskiisist, nagu juba nägime, iseseisev ja tingimata täielikult valmis töö. Siin on teile suurepärane näide. Saanud tellimuse suurele temaatilisele maalile "Lenin ja Gorki Gorkis", tegi isa 1952. aasta kevadel palju reise Moskva lähedale Leninskije Gorkisse ja maalis seal kaks suurt visandit, mõlemad lõuendile. Esiteks, Gorki. Kevad. lõuend, õli; 60x80 cm",
ja siis - “Lenini mägedes õli lõuendil; 78,5x57 cm.
Seejärel võttis isa lõplikul suurel pildil aluseks teise uuringu, lükkas sammud veidi tagasi ja asetas Maksim Gorki Leniniga vestlema nende ette. Etüüdist „Gorki. Kevad." ta võttis taustaks varasema loodusseisundi, vähendades kesksete kujudega võrreldes paviljoniga oluliselt maastikku ennast. Sellegipoolest on mõlemad uurimused, kumbki iseenesest, täielik iseseisev pargimaastik, mis ei erine tema isa paljudest teistest loodusmaastikest. Kui ma poleks seda lugu siin rääkinud, poleks teie, kui oleksite vähemalt kolm korda kunstikriitik, iialgi osanud arvata, et mõlemat teost kasutati sotsialistliku realismi pildi loomiseks, eks? Kuidas siis öelda, et visanditel pole terviklikku iseloomu ja iseseisvat kunstilist väärtust? (Meenuta määratlust Vikipeedias).
Suur temaatiline mitmekujuline pilt nõuab selle kallal tohutut ja pikka tööd, tohutu hulga visandite ja visandite olemasolu. See on kirjutatud eranditult töökojas, sageli mitu aastat. Võtke vähemalt A. A. Ivanov oma tohutu maaliga “Kristuse ilmumine rahvale”, mille kallal kunstnik töötas kakskümmend aastat - aastatel 1837–1857, või Vassili Surikov, kes töötas iga oma maali kallal kolm kuni viis aastat.
MIS ERINEB PILT UURINGUST?
Etüüd, olles iseseisev ja täielikult viimistletud kunstiteos, erineb maalist eelkõige selle poolest, et see on maalitud elust. Pilt on maalitud eranditult töökojas tohutu hulga materjali põhjal - visandid, visandid, visandid, pliiatsi visandid ja fotod. Mõnikord tuleb uurida suurel hulgal kirjandust ja perioodikat, samas kui süžee ehk pildi teema on kunstniku enda väljamõeldud või tellija dikteeritud. Ja mis veelgi olulisem, maal kehastab alati KUNSTNIKU EELKAVATSUST, samas kui sketš on KIRJUTATUD ENAMAST SPONTAANSELT - kunstnik võtab visandivihiku ja läheb motiivi otsima, s.t. selline, nagu ta kirjutab. Kus ta nägi, seal ta peatus ja kirjutas.
Pole erandeid ja visandeid, mis on kirjutatud spetsiaalselt suurte temaatiliste maalide loomiseks. Eespool mainitud juhtumi puhul leidis mu isa kõigepealt Gorki Leninskist lehtla, otsustas, et paneb selle ette Lenini ja Gorki ning alles siis maalis selle vaatetorniga kaks uurimust loodusest.
Põhimõtteliselt võib nii öelda kõik, mis on loodusest kirjutatud, on etüüd, olgu selleks siis maastik, natüürmort või portree ja kõik, mis eeldab eelplaani, pikka tööd arvukate ja mitmekesiste ettevalmistusmaterjalidega - see on pilt.
Kindlasti võib maali nimetada epohhiloovaks suure ja mõnikord lihtsalt tohutu suurusega lõuendiks. Seal oli selline kunstnik Heinrich Ippolitovich Semiradsky. Nii et ta maalis nii suured maalid, et need riputati ateljees lakke ja jõudsid põrandani, ja pange tähele, Hruštšovis ei juhtunud seda kaugeltki. Seetõttu pidi akadeemik ja Keiserliku Kunstiakadeemia professor pidevalt trepist üles ronima, tal oli vahel nii tohutuid töid. G.I. Semiradsky olid enamasti suured fantaasiamaalid iidsetel teemadel, mille süžeed ta peast võttis, kuna loomulikult ei saanud ta oma silmaga jälgida Vana-Kreeka ja Rooma tegelikku elu keiser Nero ajal.
Pilt võib aga olla mõõtmetelt üsna tagasihoidlik, eriti žanrimaalide ehk igapäevastseene kujutavate kunstnike maalide puhul. Näiteks kuulus Pavel Fedotovi "Majori matš" on üsna etüüdi mõõtmetega - kõigest 58,3x75 cm, kuid nagu te ise aru saate, pole see selgelt kirjutatud loodusest otse kaupmehe elutoas.
Ajalooline pilt üldiselt on eranditult fantaasia asi. Mõlemad vennad Vasnetsov kirjutasid näiteks ajaloolisele materjalile, kuid väga erinevalt. Üks taastas Moskva elu ja arhitektuuri 14. ja 17. sajandil, teine võttis aluseks vene rahvajutud ja eeposed. Kui aga ajaloo ja arheoloogiaga tegelev Apollinaris, tõsiselt, teaduslikul tasandil, kuulus erinevate ajaloo- ja arheoloogiaühingute hulka, olles kirglik ajalooalaste teadmiste levitamise toetaja, püüdis taasluua keskaegset elu ja vaateid. Moskva "nagu oli" iidsete dokumentide ja arheoloogiliste väljakaevamiste tulemuste põhjal, millest ta ise mõnikord isiklikult osa võttis, olid tema vanema venna Viktori maalid juba puhtalt fantaasia iseloomuga.
Lahingumaalingud kuuluvad samasse kategooriasse. Maalida neid loodusest otse lahinguväljal, nagu mõned kunstiajaloo daamid ette kujutavad, on lihtsalt naeruväärne. Kuulus vene lahingumaalija V.V. Vereštšagin, kes jälgis isiklikult paljusid lahinguid ja võttis mõnikord neist isegi otse osa, maalis oma maalid eranditult mälu järgi, loomulikult stuudios, tuginedes arvukatele visanditele, mille ta tegi sõjaliste operatsioonide teatrites. Lisaks luges Vassili Vassiljevitš palju, intervjueeris pealtnägijaid, kulutas palju raha rekvisiidile - ta ostis relvi, vormirõivaid, varustust, mille ta siis elust ammutas, valmistades nii ette visandid oma eostatud maalide jaoks.
Suured maastikku kujutavad maalid on samuti mitte loomulikud, vaid kunstniku peast välja mõeldud ja loodusvisandite põhjal tehtud asjad. Kord juhtusin nägema umbes 60 x 80 cm suurust eskiisi, mille põhjal I.I. Šiškin maalis oma kuulsa suure maali “Rukis”, suurusega juba 107 x 187 cm. Eskiis oli lõuendil ja kujutas kõike samamoodi nagu pildil, ainult et tee ei läinud vaataja juurest otse mändide poole, vaid mõnevõrra külgsuunas. ja mändide arv oli erinev . Looduslik uurimus oli antud juhul selgelt aluseks suure maastikumaali loomisel, kuid iseenesest on tegemist läbinisti viimistletud ja hoolikalt meisterdatud tööga.
Seega saab rääkida mitte ainult maali eskiisist, vaid ka maali eskiisist, kui eskiis on spetsiaalselt selle jaoks kirjutatud. Enamasti kehtib see maastiku kohta. Kui I.I. Šiškin piirdus ülalmainitud visandiga ega hakanud millegipärast sellele suuremahulist teost kirjutama, siis nüüd uhkeldasid Tretjakovi galerii kunstikriitikud I. I. maaliga. Shishkin "Rukis" 60x80 cm, kahtlustamata, et see on uurimus loodusest.
TEEME KOKKUVÕTE:
Maal, erinevalt eskiisist, nõuab tingimata kunstniku eelplaani, pikka kaalumist ning eristub alati teostuse ja kaunistamise põhjalikkusega, nii-öelda väljakirjutamisega. Igas suuruses maali maalib kunstnik alati ateljees kõige mitmekesisema materjali põhjal: fotode, ettevalmistavate visandite ja visandite ning vajadusel ka eelnevalt kirjutatud väliuuringute põhjal. Pilt, isegi väike ja veelgi enam suur, maalitakse alati mitte vabas õhus, isegi kui see on maastik (proovige selline koloss endaga põllule või metsa lohistada!) , Aga kunstniku ateljees. Kindlasti on lõuendile kirjutatud suur pilt, mis tuleneb millestki muust kui suurte lõuendite erakordsest mugavusest transportimisel.
Temaatiline pilt - nagu terminist endast tuleneb, on see pilt konkreetsel teemal. Enamasti on see suure suurusega mitmefiguuriline kompositsioon. See mõiste tekkis juba nõukogude kunstiajaloos, nii et seda kasutatakse kõige sagedamini nn sotsialistliku realismi teoste puhul, näiteks kodusõja, Suure Isamaasõja või näiteks "Lenini oktoobris" teemal. Kuna selliste tööde suurus on sageli lihtsalt tohutu, töötab maalikunstnik loomulikult oma ateljees sellise pildi kallal ja kirjutab selle lõuendile. "Kasakad kirjutavad Türgi sultanile kirja" I.E. Repinit, mille suurus on 2,03 x 3,58 meetrit, võib põhimõtteliselt nimetada ka temaatiliseks maaliks, kuigi sotsialistlikust realismist pole seal haisugi. Selle kirjutas töökojas ka Ilja Efimovitš paljude visandite ja visandite põhjal, aga ka näiteks "Praamvedurid Volgal" (1,31 x 2,81 m).
Žanrimaal - nimi tuleb prantsuse sõnast "žanr" - see on töö tavaliselt
Väikese žanrimaali saab teha mitte ainult lõuendile, vaid ka kartongile või puitkiudplaadile. Seda materjali hakati laialdaselt levitama juba 20. sajandil.
On olemas ka selline asi nagu žanriportree. Lihtsalt portree on inimese portree neutraalsel taustal, kuid kui on taust, mis kujutab objekte, inimesi või isegi tööstusmaastikku, mis annab vaatajale märku näiteks kujutatava inimese ametist, siis on see juba žanri portree. Näitena võib tuua siin juba mainitud Nõukogude kunstniku Claudia Alexandrovna Tutevoli žanri naiseportree "Kaevandustöö veteran":
Etüüd, nagu eespool ütlesime, on täiesti valmis iseseisev teos, kuid kindlasti loomulik. See on täiesti iseseisev kunstiteos, kuid võib toimida ka abimaterjalina suure kunstnikupildi jaoks, mis ei kahanda sugugi selle kunstilist väärtust. See võib olla natüürmort, portree, maastik, interjöör. Uurimus on oma suhteliselt väiksuse tõttu kirjutatud kõikidele ülaltoodud materjalidele, kuid peamine on selles muidugi maalikunstniku töö kvaliteet, oskus natüürmortis kompositsiooni üles ehitada, peegeldada. modelli tegelaskuju portrees, et anda edasi mere elevust või rahu, talvise metsa külma, päikeseloojangu ilu, kuldse sügise võlu või looduse kevadmeeleolu maastikul.
Sketš on abitöö, selle eesmärk on fikseerida idee tuleviku kompositsioonist
temaatiline pilt. Võtame näitena visandi E. D. Ishmametovi maalile "Neitsi maad". Selles töötas kunstnik välja tegelaste kompositsiooni ja värvi, tegelased, poosid ning maalis seejärel sellel teemal suure pildi. Maalikunstnik mõtleb pildi eskiisi alati väga hoolikalt läbi. Tavaliselt iseloomustab visandit teatav mittetäielikkus, mittetäielikkus. Selle põhjuseks on asjaolu, et kunstnik ei pea seda enamasti viimistlema, siin on veel üks ülesanne - tulevase pildi kompositsiooni võimaluste väljatöötamine, selle esialgse kujunduse viimistlemine. Seetõttu on visandil enamasti visandi iseloom. Kuid see võib olla ka täiesti viimistletud, hoolikalt joonistatud töö, eriti kui eskiis on mõeldud valikukomisjoni kinnitamiseks, nagu nägime juba teatri laesketši näitel. Abai Alma-Atas, autor Claudia Tutevol.Ka eskiis, kui seda tehakse pildi kallal töötades, on puhtalt abitöö, lõpetamata, detailselt välja joonistamata.
See on kirjutatud või joonistatud kiiresti, kuid headel kunstnikel pole selles hoolimatust. Saate kiiresti kirjutada näiteks modelli pea, millest saab hiljem suurepärane valmis portree, või saate teha kiire visandi mõnest figuurist, mida võib hiljem vaja minna suure pildi kompositsiooni loomiseks, ja visandi. jääb iseseisvaks teoseks, huvitav kollektsionääridele ja amatööridele. Siin on näiteks sketš V.G. Gremitsky "Tants":Kuid nagu eespool nägime, võivad visandid olla ka täiesti sõltumatud.
Eskiisil on tavaliselt ka eskiisi iseloom, kuid eskiis on sisuliselt tulevikupildi plaan, kogu selle kompositsioon, samas kui eskiis pildi jaoks on kiire visand millestki, mida saab põhimõtteliselt tulevikku kaasata. pilt.
MÕNED TEISED VÄLVIMISMÕISTED:
Kord olin väga üllatunud, kui sain teada, et personal on „õlimaal, millel pole selgeid inimeste või loomade kujundeid”. Tegelikult on staffage väikesed inim- või loomafiguurid, mille kunstnik on selle taaselustamiseks maastikku kirjutanud.
Teine termin maastikumaalist on hääletushark. See on hele koht, mis on maastiku üldisel taustal kontrastne. Tavaliselt on see mingi personali komplekteerimine. Näiteks võib tuua ühe Taškendi kunstniku töö
V.M. Kovinin "Mäemaastik" erkpunastesse rahvusriietesse riietatud tüdruku figuuriga.
Kummaline, kui lõuendiks nimetatakse mis tahes õlimaali, isegi väikest ja isegi papile kirjutatud. “Lina on kõige lihtsama koega sile ja tihe linane kangas; õhemaid sorte nimetati kambriks, jämedamaid - lõuendiks, lõuendiks, võrdseks jne. (Wikipedia). Seega ei saa lõuend olla ei papp ega kiudplaat, maalimise suhtes on see kindlasti lõuend.
Maalikunstis nimetatakse lõuendiks ülisuurte mõõtmetega maale ja tavaliselt mõnel epohhilooval teemal. Seega võib öelda, et Vassili Surikovi pintsli alt tulid välja vaid lõuendid, kuid Konstantin Korovin sai tuntuks peamiselt oma etüüditöödega. Kui Aivazovski "Üheksandat lainet" võib üsnagi lõuendiks nimetada, siis juba mainitud Fedotovi väiketeose "Värske kavaler" suhtes jääb see lihtsalt naeruväärseks, hoolimata sellest, et see on ka lõuendile maalitud.
Veel veidi muldadest: Mis on gesso? See on spetsiaalne, samuti kriidil põhinev krunt, mida kasutatakse puitplaadi katmiseks. Varem kirjutati Lääne-Euroopas tahvlitele sageli pilte, Venemaal - ikoone ja alati. See on äärmiselt ebamugav materjal. Hollandis kuivatati omal ajal laudu 50 aastat, alles pärast seda viidi need tööle. Nüüd kasutavad kunstnikud gessot harva, kuna värv koos paksu krundikihiga puruneb aja jooksul või kerge löögi tõttu kergesti. Jah, ja kaasaegsed ikoonimaalijad kasutavad seda üha vähem.
Kokkuvõtteks annan selguse huvides veel mõned illustratsioonid:
V.G. Gremitsky, mida nimetatakse "Etüüdiks". See on tegelikult, nagu nimigi ütleb, täismahus ühe seansi žanri portree töötajast, mis on maalitud otse tema töökohal Kuibõševi hüdroelektrijaama ehitusel.
Ja siin on Taškendi kunstniku Valeri Kovinini žanriportree:
Tegemist ei ole ilmselgelt ühe seansi portreega, siin piinas kunstnik selgelt oma modelliks olnud kolleegi seansside arvuga, mis ilmneb nii töö hoolikast kirjutamisest kui ka suurusest. Sellegipoolest pole see meesportree maal, vaid mitmesessiooniline väliuuring, mis ei vähenda selle kunstilist väärtust.
Selle viimase väite tõestuseks mõelge kuulsale naiseportreele "Tüdruk päikesevalguses". Tema nõbu Maria Simonovitš V.A. Serov maalis loodusest terve 1888. aasta suve, püüdes iga päikselise päeva (pilvistel päevadel maalis ta maastiku “Võhakasvanud tiik”). Esialgne plaan (eespool ütlesime, et ka kuulsal kunstnikul seda polnud, ta tahtis lihtsalt tema sõnul "kirjutada midagi julgustavat".
Seega on siin tegemist vaid tüüpilise mitmesessioonilise loodusuuringuga, mis on kirjutatud hetkelise soovi järgi. Õnneks P.M. Selle teose ostnud Tretjakov ei teadnud veel, et "Uuring – kujutavas kunstis – on tulevase teose ettevalmistav sketš." (Wikipedia) Jah, ja Valentin Serov näitas üles äärmist ebaprofessionaalsust, kulutades kahele ettevalmistavale visandile - tüdruku portreele ja tiigiga maastikule - koguni 90 päeva!
Sarnaseid näiteid võiks tuua veel palju, aga ma kardan, et olen lugeja juba kõvasti ära tüüdanud. Loodan, et suutsin siiski anda oma tagasihoidliku panuse, et selgitada laiemale avalikkusele mõningaid enamkasutatavaid kunstitermineid, milles ausalt öeldes mõnikord isegi artistid ise segadusse lähevad.
Aleksander Gremitskihh
Avataril: V.M. Kovinin "Pühapäevaturule. Karakalpakstan." õli lõuendil 98x178. 1971 (See on tüüpiline suure žanri maal)
Vau, suurepärane maal! - kiitis tööd ja solvas kunstnikku kohe vale terminoloogiaga
Tõenäoliselt teate, sõbrad, et hea, kuid muljetavaldav kunstnik võib solvuda, kui ütlete talle, et ta maalib oma pildi. See on nagu öelda, et laevad sõidavad merel... aga me kõik teame, et laevad sõidavad meres!
Ometi ei oska kujutavast kunstist kaugel olev inimene sageli täpselt öelda, mis on maalimine, mis joonistamine ja mille poolest need üksteisest erinevad. Seetõttu on “joonistamine” ja “kirjutamine” tema jaoks üks ja seesama. Kuid proovige meistrile öelda, et tal on lõuendil hea "joonistus"!
Tundlikule loomingulisele natuurile pole lihtsamatki haiget teha, kuigi lihtne vaataja ei saa kohe aru, mis siin valesti ja solvav on.
Maalimine ja joonistamine on lähedased ja isegi seotud mõisted, kuid üksteisest selgelt eraldatud. Nagu ka hästi teada, millal pilte maalitakse ja millal maalitakse.
Proovime selle välja mõelda terminoloogia kujutavas kunstis. Uskuge mind, see pole mitte ainult oluline loovusega tegelejatele, vaid ka huvitav.
Erinevus maalimise ja joonistamise vahel
Rääkides ranges ametlikus keeles, joonistamine - see on pilt mis tahes kujutistest, objektidest ja nähtustest tasapinnal. Joonistada saab kriidi, pliiatsi, pliiatsi, värvidega – kõigega, mis konkreetsele pinnale jälgi jätab.
Üldjuhul on kasvõi teemandiga klaasile kriipimine või näiteks pliiatsiga tunnis graafika ja tätoveerimine ka joonistamine.
Aga maalimine - see on ka pilt objektidest ja nähtustest, kuid ainult värvide kasutamisega. Ehk siis kuivas ja formaalses keeles rääkides on maal üks joonistamise võimalustest, mille puhul kasutatakse vahendina pintslit ja pilti loovateks vahenditeks värvid.
Teisisõnu, joonistamine on graafika ja seda peetakse ametlikult on kõik, mis paberile tehakse, graafika ja kummalisel kombel peetakse graafikaks ka akvarelli. Kuigi paljusid töid peetakse pildilisteks ja ka paberil
Niisiis, kõik, mis on paberil, on graafika ja kõik muu on maalimine ... lõuendile, puidule, klaasile, seinale
Kas mäletate koolis joonistamistunde? Seal kutsuti kogu teemat nii: kujutav kunst. Maalimises ega joonistamises eraldi tunde ei olnud, lihtsalt täna õpetati töötama õliga ja järgmisel päeval - pliiatsitega.
Sellest ka laialt levinud arvamus, et maalimine on vaid joonistamise variant. Vormiliselt on see nii, tegelikkuses – muidu.
Kaunid kunstid – piltide jäädvustamise kunst = Fine Arts, erinevat tüüpi maalikunsti, graafika, skulptuuri kombinatsioon
Tegelikult on selline hierarhia tõeline bürokraatia. Tänapäeva kujutavas kunstis on selge jaotus: maalimine- see on töö pintsliga ja värvid tihedatel materjalidel, joonistamine on kõigi muude materjalide kasutamine paberil.
See ei pruugi olla nii range ja teaduslik, kuid kunstimaailm on paljude jaoks armastatud, sest see ei allu teadusele ja seetõttu ei pea selle seadused tingimata vastama rangele klassifikatsioonile ja terminoloogiale.
On veel üks nüanss: mõtle sõna peale "maal"- koosneb kahest osast: "elus" ja "kirjutada". Seda võib tõlgendada erinevalt, kuid paljud kunstnikud ütlevad, et värvidega töötamine on elujõuline just seetõttu, et värvid ise pärast lõuendile kandmist kuivavad ja muudavad mõnevõrra oma omadusi ehk elavad oma elu.
Ja pildil endal on oma dünaamiline elu, pilt on elav. Või kujutamine- elavalt kirjutada... Üldiselt kõlab sõnakujutus minu meelest kõrgelt ja kaunilt
Elavate piltide vaatamine ja nende üle mõtisklemine
Niisiis, oleme selle osaga tegelenud: maalimine on värvidega töötamine, joonistamine on muude vahendite kasutamine. Veelgi enam, molbertimaal, nii monumentaalne kui ka dekoratiivne, erineb sarnastest joonistusvormidest.
Nad panevad seintele värvi - me räägime värvimisest, kaunistage neid värvipliiatsidega - see on juba joonistamine.
Maalimine või maalimine?
Teine, mitte vähem terav küsimus on, kuidas pildi loomise protsessi nimetada. Tundub, et kui pilt luuakse, siis seda joonistatakse. Ja kui nad räägivad kirjast, siis tavaliselt peavad nad silmas teksti.
Siin on terminoloogial sügavad ajaloolised juured. Maalitöö arenes Venemaal järk-järgult välja ikoonimaalist, kui meistrid hakkasid sama tehnikat kasutades püüdma taaselustada, erksamaks muuta piiblimotiive ja läksid seejärel täielikult üle maalidele, millel polnud religiooniga mingit pistmist.
Aga kuna ikoonid algselt "kirjutas", siis rändas see sõna maalikunsti ja tänapäeval maalitakse ka õlimaale.
Ma patustan sageli ja tavaliselt "maalin" oma pilte
Kui me räägime joonistamisest, siis kõik siinsed tööd on maalitud, ükskõik kui olulised need ka poleks. Muidugi võib öelda, et kunstnik "kirjutas" pliiatsiga eepilise lõuendi, kuid see pole midagi muud kui vabadus.
Kas saate lõuendile maalida?
Üldiselt on kombeks öelda, et maalitakse lõuendile õliga, aga näiteks joonistatakse lihtsalt paberile. Kuid need ei ole absoluutsed reeglid.
Näiteks, enne värvidega maalimist võib kunstnik teha lõuendile pliiatsi visandi. See on joonis, selle autor joonistab. Ja alles siis, kui sellele joonisele värvi kantakse, hakatakse pilti maalima.
Kuigi, keegi ei keelanud pliiatsitega joonistamist, söega lõuendile ... küsimus on ainult selles, et kangast lõuendile joonistamine ei ole kuivtehnika puhul kuigi mugav, kui see pole muidugi koht, kus kõike saab kasutada.
Sama kehtib ka kõigi muude põhitõdede kohta, mitte ainult molbertvärvimine ei võimalda teil pilte maalida. Näiteks, monumentaalmaal hõlmab erinevatele fassaadi arhitektuuriobjektidele värvidega piltide maalimist, dekoratiivne maalimine- see on kiri erinevatel interjööri objektidel ja detailidel, - need on ruumis seinamaalingud erinevate freskode ja seinamaalingutega - tüükad
Samas, kui me võtame klaasi või kannu ja värvime selle näiteks tindiga, on see juba dekoratiivne joonistus. See tähendab, et alusest ei sõltu, kas tegeleme maalimise või joonistamisega. See kõik puudutab materjale, millest pilt luuakse.
Ja lõpuks: ärge eeldage, et maalimine on professionaalidele ja joonistamine amatööridele. Üldse mitte! Sageli loovad pliiatsid, pastellid või värvipliiatsid teoseid, mis pole vähem grandioossed ja suurejoonelised kui õli- või akrüülmaalid.
Ja näiteks ainult pliiatsitega teose loomise keerukus on väga suur. Seetõttu, kui teile meeldib joonistada, pole vaja ennast piinata ja sundida end tõrgeteta värvidega kirjutama - on täiesti võimalik luua meistriteoseid sellega, mis teile kõige rohkem meeldib.
Portreede meistrid graafikas
Ainult sel juhul, muide, suudad ennast ja oma emotsioone oma töös täielikult väljendada, olgu lõuendil, paberil, klaasil või seinal! Just nemad on esmased ning materjalid ja tehnikad on vaid tööriistad, mille hulgast valite endale kõige mugavama.
Sõbrad artikli juurde pole kadunud paljude muude Interneti-artiklite hulgas,järjehoidjatesse salvestada.Nii et saate lugemise juurde igal ajal naasta.
Esitage oma küsimusi allpool kommentaarides, tavaliselt vastan kõigile küsimustele kiiresti
Tehke vajalikud tööd. Tutvuge teosega, tutvuge teiste autori töödega, võrrelge signatuure, uurige neid tähelepanelikult. Oma teadmiste täiendamine on väga oluline, et hinnata pilti ja mõista, mida autentsuse kindlakstegemiseks otsida.
Külastage muuseumi ja vaadake patinat. Kui palud näha maali tagakülge, aitavad töömehed seda teha. Hinda vanade kunstiteoste tunnet ja välimust. Hinnake kunstniku soovitud värvi saavutamiseks vajalike kihtide sügavust ja arvu.
Vaadake puidu patinat, et teha kindlaks, kas see on iidne. Tehke kindlaks, kuidas raam on kokku pandud, milliseid naelu ja kinnitusvahendeid kasutatakse.
Otsige harjaga karvu. Maalide koopiatel on mõnikord lõuendil endal odavate pintslite karvu jäänud.
Kasutage oma haistmismeelt. Kui teil õnnestub talle lähedale pääseda, nuusutage teda. Värv kuivab kaua, kulub aastaid, enne kui maal täielikult lõhnab.
Otsustage, kuidas pilt teid tunneb. Analüüsige kõike tervikuna. Näiteks paljudel võltsingutel pole piisavat värvisügavust, kihte. Teost on lihtne kopeerida, kuid maali värvikihte pole võimalik üle kanda.
Kõik peab klappima. Kontrollige, kas pildil kõik kokku sobivad - näiteks raam ja lõuend, samuti on patinat raske võltsida.
Küsi hindamist. Kui teile mõni töö väga meeldib, peate kaasama kolmanda osapoole, kes suudab pilti erapooletult hinnata. Kuidas olla kindel, et hindajat saab usaldada? Tal peab olema ühe või mitme kunstihindajate kutseühingu tunnistus, kogemus konkreetse kunstnikuga. Eelistatavalt mitte kunstikaupmees või maakler. Näide on http://www.bernardewell.com, mis on Salvador Dali ekspert, kelle maale sageli kopeeritakse. Uurige, kuidas selle kunstniku maalid müüvad – millised oksjonimajad neid müüvad, mis suuruses need on, millal müüakse ja millise agendiga?
Pidage meeles, et mõned edasimüüjad, eriti kruiisilaevad, võivad üritada ostjat petta, müües maali kõrge hinnaga. Otsige allkirja ja numbrit – need peaksid alati olemas olema. Ilma allkirjata maalid pakuvad vähe huvi, sest selliseid koopiaid saab teha palju.
Tutvuge galeriiga. Paljude kunstiteoste tagaküljel on galeriikleebised või teave. Vaadake galeriist, kas see on nii. Mõnel juhul peaks raamil ja teradel olema kulumisjälgi. Puidust servad ei saa jääda nii teravaks 50 või 100 aasta pärast, raam ise peab kuivama. Uurige kunstniku mainet. Uurige, et mõned kirjanikud kirjutasid alla tühjale ankeedile, misjärel nende allkiri kopeeriti maalidele. See on negatiivne märk ja seetõttu on nende maalidel madalam hind. On teada, et mõnikord tegi seda Salvador Dali.
Laadimine...
