Kunst - rühm kunstilise loovuse liike, mis taastoodavad visuaalselt tajutavat reaalsust. AI hõlmab: maali, graafikat, skulptuuri, arhitektuuri, kunsti ja käsitööd.

Maalimine -üks peamisi AI tüüpe; maailma kunstiline kujutamine tasapinnal värviliste materjalide abil. See on AI, kunstiliste kujutiste loomine värvidega.

Graafika -üks AI tüüpidest. Erinevalt maalist on graafika peamine väljendusvahend joonistamine. Graafika (kreeka keelest - ma kirjutan) on rohkem kui muud tüüpi tehisintellekti lähedasem kirjutamisele, joonistamisele, kokkuleppelistele märkidele, kuna selle oluliseks visuaalseks vahendiks on valge paberilehe tasapind, millele on kantud jooned, punktid, jooned ja laigud. . Graafika on maalile lähedane, kuid kui värv on peamine kunstilise väljenduse vahend ja toimib lahutamatult joonega, mis ei ole alati selge, võib olla summutatud, varjutatud chiaroscuro poolt, mõnikord vaevu aimatav, siis graafikas on joon peamised väljendusvahendid. Graafika rohkem kui maalimine, skemaliseerib, ratsionaliseerib ja konstrueerib subjekti. Mõiste "graafika" jaguneb vastavalt pildi loomise meetodile kahte tüüpi: "trükitud või ringlusgraafika" ja "ainulaadne graafika". Unikaalne graafika - teoste loomine ühes eksemplaris (joonis, monotüüpia, aplikatsioon jne) Trükigraafika - trükivormide loomine, millest on võimalik saada mitu väljatrükki. Sõltuvalt ajakava eesmärgist jaguneb see tüüpideks: molbertigraafika (molbert joonis, trükk); raamatugraafika (illustratsioonid, vinjetid, pritsekraanid, kaaned jne); ajakirjade ja ajalehtede graafika; rakendusgraafika (plakat jne); arvutigraafika; tööstusgraafika.

Skulptuur - ( lat. Lõikasin välja, nikerdan) - AI tüüp, mille teosed on kolmemõõtmelise kujuga ja valmistatud tahkest või plastist.

Skulptuuri liigid:

1.ümmargune(saate ringi jalutada, vaadata igast küljest), monumentaalne (reklaamib olulisi avalikke üritusi, mõeldud massi tajumiseks + park - purskkaevud, vaasid, erinevad figuurid); molbert (skulptuurportreed, figuurid, skulptuurirühmad muuseumides ja kunstisalongides); dekoratiivsed.

2. kergendust– ühel küljel kujutatud objekt, mis kujutab tasapinnast kõrgemal väljaulatuvat kumerat kujutist. Reljeefpildil on kaks varianti: bareljeef- kumer kujutis üksikutest inimfiguuridest, tervetest rühmadest või mis tahes savist, marmorist, puidust jne valmistatud esemetest. Kõrge kergendus - see on figuuri kõrge reljeef, mis ulatub rohkem kui poole mahust välja. See on seotud arhitektuuriga. Koos kumera reljeefiga on selle teine ​​variant - süvareljeef - vastureljeef. Vastureljeef - süvareljeef, mis saadakse tavapärase reljeefi mehaanilisel jäljendil pehmes materjalis (savi, vaha) või kipsvormi eemaldamisel reljeefist.

Arhitektuur- (kreeka "peaehitaja") - ehituskunst, arhitektuur. Üks vanimaid kunstiliike, mis väljendab konkreetse ajaloolise ajastu rahva maailmavaadet religioossetes ja ühiskondlikes hoonetes, mis määrab kunstistiili. Arhitektuuri tajutakse sünteesis igasuguse kunsti ja kunstilise loovusega, inimtegevusega üldiselt. Peamised väljendusvahendid, mida arhitektuuris kasutatakse, on mahtude plastilisus, mõõtkava, rütm, proportsionaalsus, aga ka pindade tekstuur ja värvus. Arhitektuuristruktuurid peegeldavad ajastu kunstistiili, nagu iga teise kunstiliigi teosed.

Dekoratiiv- ja tarbekunst -(lad. “kaunistan”) kunstiliik, millel on oma eriline kunstiline tähendus ja oma dekoratiivne kujundlikkus ning mis on samas otseselt seotud inimeste igapäevaste vajadustega. Klassifikatsioon: 1. materjali järgi: metall, keraamika, tekstiil, puit. 2. Vastavalt teostustehnikale (nikerdamine, maalimine, tikkimine, trükkimine, valamine, tagaajamine, intarsia jne). 3. Vastavalt eseme (mööbel, mänguasjad) kasutamise funktsionaalsetele tunnustele.

Kultuuriuuringute kontrolltöö teemal:

Kaunite kunstide liigid ja tehnikad

a) GRAAFIKA

b) VÄRI

c) SKULPTUR

3. Viited

1. Kaunite kunstide liigid ja nende tunnused

Kaasaegse haridussüsteemi ees seisva meie ühiskonna üks peamisi ülesandeid on isiksusekultuuri kujundamine. Selle ülesande asjakohasus on seotud elusüsteemi ning kunstiliste ja esteetiliste väärtuste revideerimisega. Noorema põlvkonna kultuuri kujunemine on võimatu ilma ühiskonna eksisteerimise käigus kogunenud kunstiväärtustele viitamata. Seega ilmneb kunstiajaloo aluste uurimise vajadus.

Teatud ajastu kunsti täielikuks mõistmiseks on vaja orienteeruda kunstiajaloo terminoloogias. Teadke ja mõistke iga kunsti olemust. Ainult kategoorilis-kontseptuaalse süsteemi omamise korral suudab inimene kunstimälestiste esteetilist väärtust täielikult teadvustada.

Kunst (loominguline peegeldus, tegelikkuse reprodutseerimine kunstipiltides.) eksisteerib ja areneb omavahel seotud tüüpide süsteemina, mille mitmekesisus tuleneb iseenda (kunstilise loovuse protsessis kuvatava reaalse maailma) mitmekülgsusest.

Kunstiliigid on ajalooliselt väljakujunenud loometegevuse vormid, millel on võime elu sisu kunstiliselt realiseerida ja mis erinevad selle materiaalse kehastuse viiside poolest (sõna kirjanduses, heli muusikas, plastilised ja värvimaterjalid kujutavas kunstis jne).

Kaasaegses kunstiajalookirjanduses on välja kujunenud teatav kunstide klassifitseerimise skeem ja süsteem, kuigi ühtset ikka veel pole ja need on kõik suhtelised. Kõige tavalisem skeem on selle jagamine kolme rühma.

Esimene hõlmab ruumilist või plastilist kunsti. Selle kunstirühma jaoks on ruumiline konstruktsioon kunstilise kujutise avalikustamisel hädavajalik – kujutav kunst, dekoratiiv- ja rakenduskunst, arhitektuur, fotograafia.

Teise rühma kuuluvad ajutised või dünaamilised kunstid. Neis omandab võtmetähtsuse ajas rulluv kompositsioon - Muusika, Kirjandus.

Kolmas rühm on ruumilis-ajalised tüübid, mida nimetatakse ka sünteetilisteks ehk vaatemängulisteks kunstideks – Koreograafia, Kirjandus, Teatrikunst, Kinematograafia.

Erinevate kunstiliikide olemasolu on tingitud sellest, et ükski neist ei suuda oma vahenditega anda maailmast kunstilist terviklikku pilti. Sellist pilti saab luua ainult kogu inimkonna kunstikultuur tervikuna, mis koosneb üksikutest kunstiliikidest.

Kujutav kunst on rühm kunstilise loovuse liike, mis taastoodavad visuaalselt tajutavat reaalsust. Kunstiteostel on objektiivne vorm, mis ei muutu ajas ja ruumis. Kaunite kunstide hulka kuuluvad: maal, graafika, skulptuur.

A) GRAAFIKA

Graafika (kreeka keelest tõlgituna - "kirjutan, joonistan") on ennekõike joonistamine ja kunstilised trükitööd (gravüür, litograafia). See põhineb võimalustel luua ekspressiivne kunstivorm, kasutades lehe pinnale kantud eri värvi jooni, lööke ja laike.

Graafika eelnes maalimisele. Algul õppis inimene jäädvustama esemete piirjooni ja plastilisi vorme, seejärel eristama ja taasesitama nende värve ja toone. Värvi valdamine oli ajalooline protsess: kõiki värve ei saadud korraga selgeks.

Graafika eripäraks on lineaarsed seosed. Esemete vorme reprodutseerides annab edasi nende valgustatust, valguse ja varju vahekorda jne. Maali tabab maailma värvide tegelikke seoseid, värvis ja värvi kaudu väljendab esemete olemust, nende esteetilist väärtust, kalibreerib nende sotsiaalne eesmärk, vastavus või vastuolu keskkonnaga.

Ajaloolise arengu käigus hakkas värv tungima joonistusse ja trükigraafikasse ning nüüd on graafikas juba värviliste värvipliiatsidega joonistamine - pastell ja värviline graveerimine ning vesivärvidega maalimine - akvarell ja guašš. Erinevas kunstiajalooalases kirjanduses on graafika kohta erinevaid seisukohti. Mõnes allikas on graafika maaliliik, teistes aga kujutava kunsti omaette alamliik.

B) VÄRI

Maalikunst on lame kujutav kunst, mille eripära seisneb maalide abil kujutamises, mis on kantud kunstniku loomingulise kujutlusvõime poolt transformeeritud reaalse maailma kujutise pinnale.

Maalimine jaguneb:

Monumentaalne - fresko (itaaliast Fresco) - märjale krohvile maalimine vees lahjendatud värvidega ja mosaiik (prantsuse mosaiigist) värviliste kivide kujutis, smalt (Smalt - värviline läbipaistev klaas.), Keraamilised plaadid.

Molbert (sõnast "masin") - lõuend, mis luuakse molbertile.

Maali esindavad mitmesugused žanrid (žanr (prantsuse žanr, ladina keelest genus, genitive generis - perekond, liik) on kunstiline, ajalooliselt väljakujunenud sisemine jaotus kõigis kunstiliikides.):

Portree on peamine ülesanne anda edasi ettekujutust inimese välisest välimusest, paljastada inimese sisemaailm, rõhutada tema individuaalsust, psühholoogilist ja emotsionaalset kuvandit.

Maastik - reprodutseerib ümbritsevat maailma kõigis selle vormides. Meremaastiku kuvandit defineerib termin marinism.

Natüürmort - majapidamistarvete, tööriistade, lillede, puuviljade pilt. Aitab mõista teatud ajastu maailmapilti ja viisi.

Ajalooline žanr - räägib ajalooliselt olulistest hetkedest ühiskonna elus.

Leibkonnažanr - peegeldab inimeste igapäevaelu, konkreetse etnilise rühma tuju, kombeid, traditsioone.

Ikoonimaal (kreeka keelest tõlgituna "palvekujutis") on inimese muutumise teele suunamise peamine eesmärk.

Animalism on looma kujutamine kunstiteose peategelasena.

XX sajandil. maali iseloom muutub tehnoloogilise progressi mõjul (foto- ja videotehnika ilmumine), mis toob kaasa uute kunstiliikide – multimeediakunsti – tekkimise.

B) SKULPTUR

Skulptuur on ruumiline ja visuaalne kunst, mis uurib maailma plastilistes kujundites.

Peamised skulptuuris kasutatavad materjalid on kivi, pronks, marmor, puit. Ühiskonna praeguses arenguetapis, tehnoloogilises arengus on skulptuuride loomiseks kasutatud materjalide arv laienenud: teras, plast, betoon ja teised.

Skulptuure on kahte peamist tüüpi: mahuline kolmemõõtmeline (ringikujuline) ja reljeef:

Kõrge reljeef - kõrge reljeef,

Bareljeef - madal reljeef,

Vastureljeef – reljeef.

Määratluse järgi on skulptuur monumentaalne, dekoratiivne, molbert.

Monumentaalne - kasutatakse linna tänavate ja väljakute kaunistamiseks, ajalooliselt oluliste kohtade, sündmuste jms tähistamiseks. Monumentaalskulptuur sisaldab:

monumendid,

monumendid,

Mälestusmärgid.

Molbert - mõeldud lähedalt kontrollimiseks ja mõeldud interjööri kaunistamiseks.

Dekoratiivne - kasutatakse igapäevaelu kaunistamiseks (pisikesed plastesemed).

2. Kaunite kunstide tehnikad

Maalitehnika - kunstiliste materjalide ja vahendite kasutamise tehnikate kogum.

Traditsioonilised värvimistehnikad: enkaustika, tempera, seina (lubi), liim ja muud värvimisviisid. Alates 15. sajandist on populaarseks muutunud õlivärvidega maalimise tehnika; 20. sajandil ilmusid sünteetilised värvid polümeeridest (akrüül, vinüül jne) valmistatud sideainega. Maalikuks nimetatakse ka guašši, akvarelli, hiina tinti ja pooljoonistustehnikat – pastelli.

Akvarell

Akvarell - maalimine akvarellidega. Akvarelli peamine kvaliteet on pildi läbipaistvus ja kergus.

Akvarell on üks raskemaid maalitehnikaid. Akvarelliga maalimise näiline lihtsus ja kergus on petlik. Akvarellmaalimine eeldab pintsliga töötamise oskust, tooni ja värvi nägemise oskust, värvide segamise ja paberile värvikihi kandmise seaduspärasuste tundmist. Akvarellis on palju tehnikaid: töötamine kuiva paberiga, töö märja paberiga ("A la Prima"), akvarellpliiatsite, tindi kasutamine, mitmekihiline värvimine, kuivpintslitöö, täitmine, pesemine, paleti noa kasutamine, sool, segatehnika kasutamine.

Akvarell, hoolimata näilisest lihtsusest ja joonistamise kergusest, on kõige keerulisem maalitehnika. Akvarellmaalimine eeldab pintsliga töötamise oskust, tooni ja värvi nägemise oskust, värvide segamise ja paberile värvikihi kandmise seaduspärasuste tundmist.

Akvarellitööde jaoks on paber üks olulisemaid materjale. Oluline on selle kvaliteet, tüüp, reljeef, tihedus, teralisus, suurus. Sõltuvalt paberi omadustest kantakse akvarellvärve paberile erineval viisil, imendub, kuivatatakse.

Akvarellis on palju kunstitehnikaid: töötamine märjal paberil ("A la Prima"), töötamine kuiva paberiga, täitmine, pesemine, akvarellpliiatsite kasutamine, tint, töö kuiva pintsliga, paleti noa kasutamine, sool, mitmekihiline maalimine, segatehnika kasutamine.

Märg-märjal tehnikas kasutatakse akvarellivoolu, et luua ebatavalisi värviefekte. Selle tehnika kasutamine eeldab teadmisi paberi niiskusesisalduse kohta ja kogemusi tehnika endaga.

Varjutamine on akvarellis väga huvitav tehnika. Sujuvad värviüleminekud võimaldavad tõhusalt kujutada taevast, vett, mägesid.

Paletinuga kasutatakse mitte ainult õlimaal, vaid ka akvarellmaal. Paletinoaga saate rõhutada mägede, kivide, kivide, pilvede, merelainete piirjooni, kujutada puid, lilli.

Soola imavaid omadusi kasutatakse akvarellis huvitavate efektide tekitamiseks. Soola abil saab heinamaa kaunistada lilledega, saada pildile liikuva õhukeskkonna, liigutavad tooniüleminekud.

Mitmekihiline maalimine on värvirikas. Mitmekihilises maalis kasutatakse kõiki akvarelliga töötamise kunstilisi võtteid.

Pliiats

Pliiats on materjal joonistamiseks. Eristage musta pliiatsi ja värvilisi pliiatseid. Pliiatsijoonistus tehakse paberile viirutuse, toonilaikude, chiaroscuro renderdamise abil.

Akvarellpliiatsid on teatud tüüpi värvilised pliiatsid, mis on vees lahustuvad. Akvarellpliiatsite kasutamise võtted on mitmekesised: akvarellpliiatsiga joonise hägustamine veega, töötamine vees leotatud akvarellpliiatsiga, pliiatsiga töötamine märjal paberil jne.

joonistamine on keerulisem.

Pliiatsi abil saate lõputult palju toone, tooni gradatsioone. Joonisel on kasutatud erineva pehmusastmega pliiatseid.

Nad alustavad tööd graafilise joonise kallal konstruktiivse joonisega, s.t. objekti väliskontuuride joonis konstruktsioonijoonte abil, tavaliselt keskmise pehmusega pliiatsiga H, HB, B, F, seejärel toonjoonis, millel puuduvad objektide kontuurjooned ja objektide piirid on viirutusega tähistatud, vajadusel kasuta pehmemaid pliiatseid. Kõige kõvem on 9H, pehmeim on 9B.

Pliiatsijoonistusel on soovitav teha võimalikult vähe parandusi ja kasutada kustutuskummi ettevaatlikult, et mitte plekke jätta, et joonistus näeks värske ja korralik. Pliiatsijoonistusel on parem samadel põhjustel varjutamist mitte kasutada. Tooni rakendamiseks kasutatakse viirutustehnikat. Löögid võivad olla erineva suuna, pikkuse, harvendamise, pliiatsisurve poolest. Löögi suuna (horisontaalne, vertikaalne, kaldu) määrab objekti kuju, suurus, pinna liikumine joonisel.

Pliiatsiportree on väga realistlik ja valgusküllane. Tõepoolest, pliiatsi abil saate edastada palju toone, pildi sügavust ja mahtu, chiaroscuro üleminekuid.

Pliiatsijoonistus fikseeritakse fiksaatoriga, mistõttu joonistus ei kaota oma selgust, ei määrdu isegi käega puudutades ning püsib kaua.

Õli

Õlimaal lõuendile on kõige populaarsem maalitehnika. Õlimaal annab meistrile piiramatul hulgal võimalusi ümbritseva maailma meeleolu kujutamiseks ja edasiandmiseks. Pastased või õhulised läbipaistvad jooned, mille kaudu on nähtav lõuend, reljeefi loomine palettnoaga, glasuurimine, läbipaistvate või läbipaistmatute värvide kasutamine, erinevad värvide segamise variatsioonid - kõik see õlimaali tehnikate mitmekesisus võimaldab kunstnikul meeleolu leida ja edasi anda , kujutatud objektide maht, õhukeskkond, loovad illusiooniruumi, andmaks edasi ümbritseva maailma varjundite rikkust.

Õlimaalil on oma eripära - pilt on maalitud mitmes kihis (2-3), iga kiht vajab olenevalt kasutatud materjalidest mitu päeva kuivamist, seega tavaliselt maalitakse õlimaal mitmest päevast mitme nädalani.

Õlimaali jaoks on kõige vastuvõetavam linane lõuend. Linane kangas on vastupidav, elava tekstuuriga. Linased lõuendid on erineva tera suurusega. Peeneteralist siledamat lõuendit kasutatakse portreepildis ja peeneteralises maalimises. Jämedateraline lõuend sobib tugeva tekstuuriga maalimiseks (kivid, kivid, puud), impastomaalimiseks ja palettnoaga värvimiseks. Varem kasutati maalimisel glasuuritehnikat, kandes värvi õhukeste kihtidena, nii andis linakihi karedus pildile elegantsi. Nüüd kasutatakse maalimisel sageli impasto-löökide tehnikat. Maali ekspressiivsuse seisukohalt on aga oluline lõuendi kvaliteet.

Puuvillane lõuend on vastupidav ja odav materjal, mis sobib pastatõmmetega maalimiseks.

Õlimaalides kasutatakse ka selliseid aluseid nagu kotiriie, vineer, puitkiudplaat, metall ja isegi paber.

Lõuendid on venitatud papile ja kanderaamile. Pappil olevad lõuendid on õhukesed ja tavaliselt ei ole suured ega ületa 50x70 suurust. Need on kerged ja neid on lihtne transportida. Kanderaamil olevad lõuendid on kallimad, kanderaamil valmis lõuendid võivad ulatuda 1,2x1,5 meetrini. Valmis maal on raamitud.

Enne õliga töötamist liimitakse ja krunditakse lõuendid. See on vajalik selleks, et õlivärv ei hävitaks lõuendit ja et värv asetseks lõuendil hästi.

Õlivärvidega maalid kirjutatakse kõige sagedamini lõuendi molbertile sättides. Õlimaalis kasutatakse palettnoaga töötamise tehnikat. Paletinuga - painduvast terasest tööriist kumera käepidemega noa või spaatli kujul. Paletinoa teistsugune vorm aitab saavutada erinevaid tekstuure, reljeefi, volüümi. Paletinoaga saab teha ka ühtlaseid ja sujuvaid lööke. Paletinoa tera saab kasutada ka õhukeste joonte loomiseks – vertikaalsed, horisontaalsed, kaootilised.

Pastelne

Pastell on üks väga ebatavalisi pildimaterjali liike. Pastellmaal on õhuline ja õrn. Pastellitehnika peensus ja elegants annab piltidele elavuse, kusagil muinasjutulise ja maagilise. "Kuivade" pastellide tehnikas kasutatakse laialdaselt "varjutamise" tehnikat, mis annab pehmete üleminekute ja värvi õrnuse efekti. Karedale paberile kantakse pastell. Paberi värvus on oluline. Taustavärv, mis ilmub läbi pastellide tõmmete, kutsub esile teatud meeleolu, nõrgendab või võimendab pildi värviefekte. Pastellmaalid kinnitatakse fiksaatoriga ja hoitakse klaasi all.

Pastellitehnika saavutas laialdase populaarsuse ja saavutas haripunkti 18. sajandil. Pastellil on võime anda igale süžeele ebatavaline pehmus ja õrnus. Selles tehnikas saate teha mis tahes objekte - maastikest inimeste joonistusteni.

Pastelli eelised on kunstniku jaoks suures vabaduses: see võimaldab eemaldada ja katta terveid pildikihte, igal ajal peatada ja jätkata tööd. Pastellis on ühendatud maalimise ja joonistamise võimalused. Ta oskab joonistada ja kirjutada, töötada varjundiga või maalilise kohaga, kuiva ja märja pintsliga.

Pastellitehnikad on mitmekesised. Pastelseid lööke hõõrutakse sõrmedega, spetsiaalsete blenderitega, nahkrullidega, siidist kandiliste pintslitega, pintslitega, pehmete tampoonidega. Pastelltehnika on väga peen ja keerukas oma pastelsete värvide "glasuuride" ülekatetega. Pastell on kaetud laikude, löökide, klaasidega.

Pastellipliiatsidega töötamiseks on vaja aluseid, mis hoiavad pastellvärvi ja ei lase sellel maha valguda. Pastellid töötavad töötlemata paberil, nagu "tõrvik", joonistuspaber, liivapaber, lahtisel, fliisval papil, seemisnahal, pärgamendil, lõuendil. Parim alus on seemisnahk, millele on kirjutatud osa klassikaks saanud teoseid. Pastellijoonised kinnitatakse spetsiaalsete fiksaatoritega, mis ei lase pastellil maha valguda.

Edgar Degas oli ületamatu pastellimeister. Degasel oli terav silm ja eksimatu joonistus, mis võimaldas tal saavutada pastellides enneolematuid efekte. Kunagi varem pole pastelljoonistused olnud nii värisevad, meisterlikult hoolimatud ja nii hinnalise värviga. Oma hilisemates, pidulikku tulede kaleidoskoopi meenutavates töödes oli E. Degas kinnisideeks soov anda edasi stseeni rütmi ja liikumist. Värvidele erilise läike andmiseks ja kuma panemiseks lahustas kunstnik pastelli kuuma veega, muutes selle omamoodi õlivärviks ja kandis pintsliga lõuendile. 2007. aasta veebruaris müüdi Londonis Sotheby's Degase pastell "Kolm lilla seelikuga tantsijat" 7,87 miljoni dollari eest. Venemaal

pastelle tegid sellised meistrid nagu Repin, Serov, Levitan, Kustodiev, Petrov-Vodkin.

Sanguina

Joonistusmaterjali sangviini värvivalik ulatub pruunist kuni punaseni. Sangviiniku abil kanduvad hästi edasi inimkeha toonid, mistõttu näevad sangviiniku tehtud portreed väga loomulikud välja. Sangviini abil elust joonistamise tehnika on tuntud juba renessansiajast (Leonardo da Vinci, Raphael). Sageli kombineeritakse sanguine söe või Itaalia pliiatsiga. Suurema vastupidavuse tagamiseks kinnitatakse sangviinilised joonised fiksaatoriga või asetatakse klaasi alla.

Sanguina on tuntud juba antiikajast. Just siis võimaldas sangviinik lisada joonisele lihavärvi. Sangviiniline joonistustehnika levis laialt renessansiajal. Renessansikunstnikud töötasid välja ja kasutasid laialdaselt "kolme pliiatsi" tehnikat: nad kandsid toonitud paberile sangviini või seepia ja söega joonise ning tõstsid seejärel soovitud alad valge kriidiga esile.

Sõna "sanguine" pärineb ladinakeelsest sõnast "sanguineus" - "verepunane". Need on punakaspruunid pliiatsid. Sanguina on valmistatud peeneks jahvatatud põletatud siennast ja savist. Sarnaselt pastell, süsi ja kastmega on sanguine pehme materjal, mis vormitakse tootmise käigus ruudukujulisteks või ümarateks värvipliiatsiks.

Sangviiniku abil kanduvad hästi edasi inimkeha toonid, mistõttu näevad sangviiniku tehtud portreed väga loomulikud välja.

Sangviinitehnikat iseloomustab laiade löökide ja varjutamise kombinatsioon teravalt teritatud sangviinikplokkide löökidega. Ilusad sangviinilised joonistused saadakse toonitud taustal, eriti kui alusmaterjalile on lisatud süsi ja kriiti (“kolme pliiatsi” tehnika).

Joonistamiseks valitakse sellist tooni sangviinik, mis sobib paremini looduse omadustega. Näiteks punaka sangviiniga on hea joonistada alasti keha, hallikaspruuni või seepia sangviiniga maastikku.

Mõnikord kombineeritakse sanguine söega, mis annab külma varjundi. Soojade ja külmade varjundite kontrast annab sellistele töödele erilise võlu.

Suurema vastupidavuse tagamiseks saab sangviinijooniseid fikseerida fiksaatoriga või asetada klaasi alla.

Tempera

Tempera (ladina "temperare" - ühendamiseks) - värvide sideaine, mis koosneb looduslikust või kunstlikust emulsioonist. Enne J. Van Eycki õlivärvide täiustamist (XV sajand) oli keskaegne munatempera üks populaarsemaid ja levinumaid värvimisliike Euroopas, kuid järk-järgult kaotas see oma tähtsuse.

19. sajandi teisel poolel algas hilisema õlimaali pettumus uute värvisideainete otsingutel ning taas äratab huvi unustusehõlma vajunud tempera, mille hästisäilinud tööd kõnekalt kõnelevad enda eest.

Vastupidiselt õlimaalile ja vanale temperale ei nõua uus tempera maalijalt konkreetset maalimissüsteemi, andes talle selles osas täieliku vabaduse, mida ta saab kasutada ilma maali tugevust kahjustamata. Tempera, erinevalt õlist, kuivab kiiresti. Lakiga kaetud temperamaalid ei jää värvi poolest alla õlimaalile ning muutumatuse ja vastupidavuse poolest ületavad temperavärvid isegi õlivärvi.

Graafilised materjalid ja tehnikad on mitmekesised, kuid reeglina on aluseks paberileht. Suurt rolli mängib paberi värv ja tekstuur. Värvilised materjalid ja tehnikad määrab graafika tüüp.

molbert graafika Sõltuvalt tehnika olemusest jaguneb see kahte tüüpi: trükkimine ja joonistamine.

printida- prantsuse estamper - tembeldama, muljet avaldama - mulje paberil. Esialgset kujutist ei tehta otse paberile, vaid mingist kõvast materjalist plaadile, millelt seejärel trükitakse joonis, millele trükitakse pressiga. Sel juhul võite saada mitte ühe trükise eksemplari, vaid palju, see tähendab graafilist pilti kopeerida. Trükkimist kasutatakse ka rakendusgraafikas, plakatitel ja raamatuillustratsioonidel. Aga seal tehakse trükivorm originaalist, kunstniku tehtud fotomehaaniliselt, masinaga. Trükigraafika puhul loob trükiplaadi kunstnik ise, nii saadakse hulk koopiaid ehtsatest teostest.

sama kunstiväärtusega teosed, säilitades täielikult autori loomingulise loomingu elava ja vahetu jälje.

Mis tahes tahkest materjalist - puidust, metallist, linoleumist - trükiplaadi loomise protsessi nimetatakse graveerimiseks (prantsuse sõnast graver - lõigatud). Joonis tekib lõigates, kratsides mõne terava tööriistaga - nõela, lõikuriga. Graaveeringu trükiplaadilt trükitud graafilisi töid nimetatakse graveeringuteks.

lame graveering- joonistus ja taust on samal tasemel;

kumer graveering- värv katab joonise pinna - joonis on taustatasemest kõrgemal;

sügav graveerimine- värv täidab süvendid, joonis on allpool tausta taset.

Sõltuvalt materjalist, millest trükiplaat on valmistatud, on erinevat tüüpi graveerimisi:

Litograafia- kivi (lubjakivi) pind on trükivorm. Kivi on väga sujuvalt poleeritud ja rasvatustatud. Kujutis kantakse litograafilisele kivile spetsiaalse õlise litograafilise tindi või pliiatsiga. Kivi niisutatakse veega, seejärel rullitakse värv, kleepudes ainult eelnevalt peale kantud mustrile. Litograafia leiutati 1798. aastal. 19. sajandil levis see molberti- ja ühiskonnakriitilises ajakirjagraafikas. (Prantsuse kunstnik Honore Daumier: "Eesriie alla, mängitakse farssi" 1834, "Rue Transnonin, 15. aprill 1834" 1834, 1837–1851 - ligikaudu 30 litograafilist seeriat - "Robert Maner", "Pariisi tüübid", " Austusväärne kodanlane, "Õigluse töötajad".)

Algraphia- tasatrükk, teostustehnika sarnaneb litograafiaga, kuid kivi asemel kasutatakse alumiiniumplaati.

Puugravüür- graveerimine puidule, lõigatud spetsiaalse lõikuriga. Värv rullub originaalplaadi tasapinnale. Paberile printides jäävad lõikuri poolt välja lõigatud alad valgeks. Prindid on kontuurijoonis paksude mustade joontega. Puulõiketrükk tekkis keskajal seoses trükivajadusega. (Saksa kunstnikud Albrecht Durer: "Neli ratsanikku" 1498 ja Hans Holbein Noorem gravüüride sari "Surmapildid" 1524-1525)

Linoollõige- graveerimine linoleumile. Tehnika on väga lähedane puugravüüridele. Linoleum on odav ja taskukohane materjal. Linoollõiget on võrreldes puulõigetega lihtsam teostada kasutatud materjali sünteetilise päritolu tõttu (ühtlus, lõikuri tööd segavate tehiskiudude puudumine).

Metalli graveerimine teostatakse tsingile, vasele, rauale, terasele. Metalligraveerimine jaguneb söövitusega ja söövitamata trükkimiseks. Seda tüüpi graveerimise tehnikaid on suur hulk - kuivnõeltehnika (kõige lähedasem autori graafikale, kuna sellel pole suurt tiraaži), metsotinta ("must trükk"), ofort, akvatinta, pehme lakk (või rebimislakk ).

Söövitamine- prantsuse keelest eau-forte - lämmastikhape. Joonistus kriimustatakse graveerimisnõelaga metallplaati katvasse happekindla lakikihi sisse. Kriimustatud kohad söövitatakse happega ning saadud sügavuspilt täidetakse värviga ja trükitakse paberile. (Prantsuse kunstnik Jacques Callot: sari "Suured sõjakatastroofid" 1633, sari "Alaväärsem" 1622)

Kuiv nõel- joonistus kantakse otse metallile, kraapides tugeva nõela otsaga metallplaadi pinnale.

Metsotint- itaalia keelest mezzo - keskmine ja toon - värviline. Süvagravüüri tüüp, mille puhul metalltahvli pind on lõikuriga karestatud, andes trükkimisel ühtlase musta tausta. Pildi heledatele kohtadele vastavad tahvli lõigud kraabitakse, silutakse, poleeritakse.

Akvatinta- itaalia keelest akvatinta - graveerimismeetod, mis põhineb metallplaadi pinna happesöövitamisel keevitatud asfaldi või kampolitolmuga ja pintsliga hapet tõrjuva lakiga kantud kujutisega. Sellel on tohutult palju toone mustast valgeni.

Mis puutub skulptuuritehnikasse, siis selle tüüpe saab rühmitada erinevate põhimõtete järgi. Ühe põhimõtte kohaselt võib skulptuuritehnika jagada kolme järgmisesse rühma:

Kui kunstniku käsi on kogu töö lõpetanud (savi, kivi, puidu töötlemine).

Kui kunstniku töö valmib tulega (keraamika).

Kui kunstnik annab ainult tulevase kuju mudeli (pronksi valatud).

Teise põhimõtte järgi jaguneb skulptuuritehnika kolmeks, kuid juba erinevaks põhirühmaks:

Pehmetes materjalides (vaha, savi) modelleerimine on tehnika, mida me nimetame kitsamas tähenduses "plastiks".

Tahkete materjalide (puit, kivi, elevandiluu) töötlemine ehk "skulptuur" selle sõna otseses tähenduses.

Metalli valamine ja tagaajamine.

Bibliograafia

1. A. V. Lunatšarski Kaunitest kunstidest

2. L. A. Nemenskaja kujutav kunst. Kunst inimese elus

Õpetamine

Vajad abi teema õppimisel?

Meie eksperdid nõustavad või pakuvad juhendamisteenust teile huvipakkuvatel teemadel.
Esitage taotlus märkides teema kohe ära, et saada teada konsultatsiooni saamise võimalusest.

Loob selle tingimata kellegi jaoks, eeldades, et seda loetakse, kuulatakse, võetakse ära ja hinnatakse. Kunst on dialoogiline, see on alati vähemalt kahe – looja ja vaataja – koosmõju. Jäädvustades kunstilistesse kujunditesse teda puudutavaid teemasid, tõstes hingepõhjast millegi suhtes peeneid tundeid ja muljeid, pakub kunstnik oma loominguga mõtisklemiseks, kaasaelamiseks või vaidlusteks teemasid ning vaataja roll on mõista, aktsepteerida neid mõista. Seetõttu on kunstiteose tajumine tõsine töö, mis on seotud nii vaimse kui ka vaimse tegevusega, mõnikord nõuab eriväljaõpet ja erilisi esteetilisi, kultuurilisi ja ajaloolisi teadmisi, siis teos avaneb, selle haare laieneb, näidates kunsti sügavust. kunstniku isiksus ja maailmavaade.

Kaunid kunstid

Kujutuskunst on inimese kõige iidseim loometegevuse liik, mis on sellega tuhandeid aastaid saatnud. Isegi eelajaloolisel ajastul maalis ta loomade figuure, andes neile maagilisi jõude.

Kaunite kunstide peamised liigid on maalikunst, graafika ja skulptuur. Kunstnikud kasutavad oma töös erinevaid materjale ja tehnikaid, luues ümbritsevast maailmast väga erilisel moel kunstilisi pilte. Maalimine kasutab selleks kogu värvide ja varjundite rikkust, graafikat - ainult varjude mängu ja rangeid graafilisi jooni, skulptuur loob kolmemõõtmelisi käegakatsutavaid kujundeid. Maal ja skulptuur jagunevad omakorda molbertiks ja monumentaalseks. Molbertiteosed luuakse spetsiaalsetel pinkidel või molbertite kammerlikuks eksponeerimiseks näitustel või muuseumide saalides, monumentaalsed maali- ja skulptuuriteosed aga kaunistavad hoonete fassaade või seinu ning linnaväljakuid.

Kaunite kunstide liigid on ka dekoratiiv- ja tarbekunst, mis sageli toimivad maali, graafika ja skulptuuri sünteesina. Majapidamistarvete kaunistamise kunst eristub mõnikord sellise leiutatuse ja originaalsusega, et see kaotab oma utilitaarse funktsiooni. Näitustel ja muuseumide saalides on aukohal andekate kunstnike loodud majapidamistarbed.

Maalimine

Maalimine on endiselt kunstilises loovuses üks prioriteetseid kohti. See on kunst, millega saab palju ära teha. Pintsli ja värvide abil suudab see kõige täiuslikumalt edasi anda kogu nähtava maailma ilu ja mitmekesisust. Iga kunstniku loodud pilt ei ole ainult välise reaalsuse peegeldus, see sisaldab sügavat sisemist sisu, tundeid, looja emotsioone, tema mõtteid ja kogemusi.

Värv ja valgus on maalimisel kaks peamist väljendust, kuid töö tegemiseks on palju tehnikaid. õli guašš, pastell, tempera. Maalitehnikate hulka kuulub ka mosaiik- ja vitraažkunst.

Graafika

Graafika on kujutava kunsti liik, mis maaliga võrreldes ei püüa edasi anda kogu ümbritseva maailma värvilist täiust, selle keel on tinglikum, sümboolsem. Graafiline pilt on joonis, mis on loodud joonte, laikude ja löökide kombinatsiooniga, valdavalt ühe musta värviga, mõnikord piiratud ühe või mitme lisavärvi – enamasti punase – kasutamisega.

Sissejuhatus

Uurimisteema asjakohasus.

Igal ajalooperioodil on oma aktuaalsed teemad. Kaasaegne maailm kogeb kolmandat tehnoloogilist revolutsiooni. Reklaam tekib siin tootmise funktsioonina, piltide tootmise tööstusena. See varustab kaupu ja teenuseid konkreetsete märkidega, kehtestab prestiižse tarbimise normid.

Reklaamipildis tähenduste omistamine keskendub ainult ühele teemale – reklaamitavale tootele. Reaalsuse tunnetamine, selle mõistmine saavutatakse ainult läbi reklaamitava asja omamise. Reklaam on ideoloogiline tekst, mis on loodud teatud ideoloogia kujundamiseks, hoidmiseks või korrigeerimiseks – lõputu tarbimine.

Reklaami jaoks on eriti oluline kunstivahendite ja -meetodite kasutamine. Kunst on alati olnud reklaamis ja kõigis teistes inimtegevuse valdkondades kõige olulisem komponent. Kunst on see suurepärane oskus ja nägemus, mis suudab hinge puhuda igale varem elutule nähtusele. Kunsti on reklaamis kasutatud selle tegevuse algusest peale, seetõttu on tänapäeval eriti oluline uurida kunsti kasutamise kogemusi reklaamis, et täiustada järjepidevuse alusel kaasaegse reklaami meetodeid ja võtteid.

Käesoleva töö eesmärk on tuvastada kujutava kunsti ja reklaami suhe A. Toulouse-Lautreci ja A. Mucha loomingu näitel.

Selle eesmärgi saavutamiseks on vaja lahendada järgmised ülesanded:

1) käsitleb kaunite kunstide kui loometegevuse liigi eripära;

2) selgitab välja maalimise eripära;

3) käsitleb kujutava kunsti ja reklaami koosmõju ajalugu;

4) arvestab kuulsate kunstnike loominguga reklaamivaldkonnas;

5) välja selgitada A. Toulouse-Lautreci loovuse eripärad reklaamis;

6) selgitab välja A. Mucha reklaamialase loomingu eripära.

Õppeobjektiks on kujutav kunst reklaamis.

Uuringu teemaks on A. Toulouse-Lautreci ja A. Mucha tööd reklaami vallas.

Töö koosneb sissejuhatusest, 1. peatükist, 2. peatükist, järeldusest, kirjanduse loetelust. Esimeses peatükis vaadeldakse kaunite kunstide kui loometegevuse liigi spetsiifikat, avatakse maalikunsti eripära, vaadeldakse kujutava kunsti ja reklaami koosmõju ajalugu. 2. peatükis vaadeldakse kuulsate kunstnike loomingut reklaami vallas ning avatakse ka A. Toulouse-Lautreci ja A. Mucha reklaamitöö eripära.

Kaunite kunstide eripära

Kujutav kunst kui omamoodi loominguline tegevus

Mõelge kujutava kunsti eripäradele, tehke kindlaks kujutava kunsti peamised liigid.

"Kunst on kultuurivorm, mis on seotud subjekti võimega elumaailma esteetiliseks arendamiseks, selle kujundlikul ja sümboolsel viisil taasesitamiseks, tuginedes loomingulise kujutlusvõime ressurssidele." Kulturoloogia. XX sajand. Entsüklopeedia. 2 köites. - T. 1 - Peterburi, 1998. - S. 274 ..

Kunsti määratlemise kriteeriumid on erinevad: need sõltuvad kultuuri eripärast, milles kunstnik loob, loomise kohast ja ajast ning teose tajumisest.

Kõige laiemas mõttes kasutatakse mõistet "kunst" kahes tähenduses:

1. Kunst on oskus, oskus, oskus, osavus, mis tahes töö tegemise oskuse kõrge hindamine. Sageli hindavad nad just nii inimest, kes mitte ainult ei tee oma tööd professionaalselt, vaid teeb seda kaunilt, lihtsalt või kuidagi eriliselt inspireeritult. Seetõttu võib majahoidja lehti pühkides tunda ennast või olla teiste poolt luuletajana.

2. Kunst on loominguline tegevus, mis on suunatud kunstiteoste, esteetiliselt ekspressiivsete vormide loomisele.

Kui ühendate need kaks väärtust, saate järgmise definitsiooni:

Kunst on oskusel ja oskusel põhinev kunstiline tegevus Ryklin M. Kunst kui takistus. - M .: Kirjastus "AdMarginem", 1997. - S. 12 ..

Kunsti alla kuuluvad kirjandus, muusika, teater, kujutav kunst, kino ja televisioon. Igal kunstiliigil on oma keel.

Kirjandus on sõna kunst; muusika on heliharmoonia maailm; kino, teater – süntees kirjandusest, muusikast, näitlemisest.

Kujutavas kunstis kuvatakse ümbritseva elu nähtusi joonte, toonisuhete, värvikombinatsioonide, ruumiliste vormide, eredate rütmide abil.

Kujutav kunst on plastiliste kunstide kompleks, mis oli algselt seotud staatiliste kujutiste ja materiaalsete vormide loomisega. Kaunite kunstiteosed tekivad visuaalse tajusfääri esteetilise arengu tulemusena.

Kaunid kunstid liigitatakse loominguliste jõupingutuste rakendusobjektide, kasutatud kunstiliste ja tehniliste vahendite ning ajalooliselt väljakujunenud loovuse kontseptsioonide järgi. Need on skulptuur, maal, graafika, fotograafia, digimaal, arvutigraafika, kunst ja käsitöö, mikrominiatuur, kalligraafia, disain, arhitektuur.

Kaunile kunstile on iseloomulikud teosed, mille esteetilist väärtust ja kujundlikkust tajutakse puht visuaalselt. Kujutava kunsti teosed võivad olla mitteobjektiivsed ja isegi mittemateriaalsed (ekraanisäästja, raamatu kirjatüüp), kuid olenemata materiaalsusest ja objektiivsusest on tüüpilistel kujutava kunsti teostel objekti tunnused (piiratud ruum, stabiilsus ajas). Objektide genereerimise oskus on kujutava kunsti kõige olulisem omadus, mis on seotud selle päritoluga, mis määras selle ajaloo ja arengu. Kujutav kunst loob kas iseseisvaid objekte, millel pole utilitaarset väärtust (skulptuur, maal, graafika, fotograafia), või korrastab esteetiliselt utilitaarseid objekte ja infomassiive (kunst ja käsitöö, disain). Kujutav kunst mõjutab aktiivselt objektiivse keskkonna ja virtuaalse reaalsuse tajumist Suur Nõukogude Entsüklopeedia: 30 köites - M .: "Nõukogude entsüklopeedia", 1969-1978

Seega iseloomustab kujutavat kunsti reaalsusnähtuste peegeldus. Pilte joonte, toonisuhete, värvikombinatsioonide, ruumiliste vormide, eredate rütmide abil.

1. Kunsti roll ühiskonnas.

2. Kaunite kunstide liigid (maal, graafika, arhitektuur, skulptuur, kunst ja käsitöö).

3. Kaunite kunstide žanrid (mütoloogiline, religioosne, igapäevane, ajalooline, lahing, portree, maastik, loomalik; natüürmort) (konspekti koostamine).

4. Kaunite kunstide arenguetapid (konspekti koostamine).

1. Kunst on üks sotsiaalse teadvuse vorme. Kunsti keskmes on tegelikkuse kunstiline ja kujundlik peegeldus. Kunst tunneb ja hindab maailma, kujundab inimeste vaimset kuvandit, nende tundeid ja mõtteid, maailmapilti, harib inimest, avardab tema silmaringi, äratab loomingulisi võimeid. Kunst on põhimõtteliselt rahvakunst.

Kunsti tunnetuslik roll lähendab seda teadusele. Kunstnik, nagu ka teadlane, püüab mõista elunähtuste mõtet, näha juhuslikus, mööduvas kõige iseloomulikumaid ja tüüpilisemaid mustreid reaalsuse arengus. Reaalsuse sügav tundmine on lõppkokkuvõttes seotud sooviga seda muuta ja täiustada. Inimene valdab loodusjõude, õpib tundma ühiskonna arengu seaduspärasusi, et muuta maailma vastavalt kollektiivi, ühiskonna seatud vajadustele ja eesmärkidele Erinevalt teadusest väljendab kunst tõde mitte abstraktsetes mõistetes, vaid konkreetses. elu täis pilte.

Kunsti eesmärk on paljastada nende tõeline olemus ümbritseva elu nähtustes, näidata muljetavaldavates piltides selgelt inimese ja ühiskonna jaoks kõige olulisemat. Üks peamisi kunstilisi võtteid on pildi üldistamine, selle tüpiseerimine. See võimaldab elavalt näidata elus ilusat, paljastada inetut, kurja. Iga ajastu kunst on lahutamatult seotud rahvuskultuuri ja ajalooliste tingimustega, klassivõitlusega, ühiskonna vaimse elu tasemega.

2. Kaasaegse haridussüsteemi ees seisva meie ühiskonna üks peamisi ülesandeid on isiksusekultuuri kujundamine. Noorema põlvkonna kultuuri kujunemine on võimatu ilma ühiskonna eksisteerimise käigus kogunenud kunstiväärtustele viitamata. Teatud ajastu kunsti täielikuks mõistmiseks on vaja orienteeruda kunstiajaloo terminoloogias. Teadke ja mõistke iga kunsti olemust. Ainult kategoorilis-kontseptuaalse süsteemi omamise korral suudab inimene kunstimälestiste esteetilist väärtust täielikult teadvustada.

Kunstiliigid on ajalooliselt väljakujunenud loometegevuse vormid, millel on võime kunstiliselt realiseerida elu sisu ja mis erinevad selle materiaalse kehastuse viiside poolest.

MAALIMINE

Maalikunst on lame kujutav kunst, mille eripära seisneb maalide abil kujutamises, mis on kantud kunstniku loomingulise kujutlusvõime poolt transformeeritud reaalse maailma kujutise pinnale. Maalimine tähendab "elu kirjutama", "erksalt kirjutama", st reaalsust täielikult ja veenvalt edasi andma. Maalimine on värvide kunst.

Maalimine jaguneb:
- monumentaalne - fresko (itaaliast Fresco) - märjale krohvile maalimine vees lahjendatud värvidega ja mosaiik (prantsuse mosaiigist) värviliste kivide kujutis, smalt (Smalt - värviline läbipaistev klaas.), keraamilised plaadid.
- molbert (sõnast "masin") - lõuend, mis luuakse molbertile.

Maalimist esindavad mitmesugused žanrid:
- Portree - peamine ülesanne on anda edasi idee inimese välisest välimusest, paljastada inimese sisemaailm, rõhutada tema individuaalsust, psühholoogilist ja emotsionaalset kuvandit.
- Maastik – taastoodab ümbritsevat maailma kogu selle vormide mitmekesisuses. Meremaastiku kuvandit defineerib termin marinism.
- Natüürmort - majapidamistarvete, tööriistade, lillede, puuviljade kujutis. Aitab mõista teatud ajastu maailmapilti ja viisi.
- Ajalooline žanr - räägib ajalooliselt olulistest hetkedest ühiskonna elus.
- Leibkonnažanr - peegeldab inimeste igapäevaelu, konkreetse etnilise rühma tuju, kombeid, traditsioone.
- Ikoonimaal (kreeka keelest tõlgituna "palvekujutis") - põhieesmärk on suunata inimene ümberkujunemise teele.
- Animalism – kujutlus loomast kui kunstiteose peategelasest.

Mis tahes pinnale kantud värvidega (õli, tempera, akvarell, guašš jne) tehtud kunstiteost nimetatakse nn. maalimine.

Tempera – munakollasele uhmerdatud taimne värv, mida kasutati Vana-Egiptuses (praegu polüvinüülatsetaat, sünteetiline, kaseiinõli). Tempera lahjendatakse veega ja pärast kuivatamist seda maha ei pesta. Õlivärve on kasutatud alates renessansist 16. sajandil. Guašš - läbipaistmatud, mattvärvid, tihedad, veega lahjendatud, iga guaššvärv sisaldab valget, ilmus keskajal. Akvarell - värvib taimsele liimile, lahjendatud veega. Need ilmusid 16. sajandil. Molbertimaal - maalid, mis on maalitud lõuendile, paberile, papile, monteeritud molbertile. Monumentaalmaal - suured maalid hoonete sise- ja välislaagritel (seinad, laed, sambad, sambad, toed jne), freskod, paneelid, maalid, mosaiigid.

Märkida tuleks ka selliseid maalitüüpe nagu dekoratiivmaal, ikoonimaal, miniatuurne, teatri- ja dekoratiivmaal. Mosaiik (ladina keelest musiqum, sõna otseses mõttes pühendatud mu-zamile) on üks monumentaalkunsti liike. Mosaiigi kujutised ja kaunistused koosnevad mitmesugustest kividest, klaasist (smalt), keraamikast, puidust ja muudest materjalidest.

Graafika(kreeka keelest grapho - ma kirjutan, ma joonistan) - pilt tasapinnal, kasutades jooni, lööki, kontuuri, täppi ja tooni. Graafikat nimetatakse must-valge kunstiks. See aga ei välista värvide kasutamist graafikas. Graafika alla kuuluvad ka paberile tehtud mitmevärvilised tööd: värvilised graveeringud, joonistused värvipliiatsitega, sangviinikpastellid, akvarellid.

Graafika hõlmab joonistamist ja erinevat tüüpi trükigraafikat (graveerimine puidule (ksülograafia), metallile (söövitus), linoollõige - linoleumile, litograafia kivile).

Vastavalt eesmärgile on ajakava jagatud järgmisteks tüüpideks:
- molbert - tegelik joonis;
- raamat ja ajaleht-ajakiri;
- rakenduslikud õnnitluskaardid, värvilised kalendrid, plaatide ümbrikud;
- tööstusgraafika - erinevate pakendite etiketid, tööstus- ja toidukaupade kujundus;
- plakat (prantsuse keelest tõlgitud - teade, plakat) - graafika tüüp, sisutihe, meeldejääv pilt, mis on mõeldud kõigile tähelepanu pööramiseks, millele on lisatud tekst (poliitiline, propaganda, hariduslik, reklaam, keskkonna-, spordi-, teatri-, filmireklaam jne). d.);
- graafiline disain - fondid ja erinevad sümboolsed kujutised.

Arhitektuur- (lat. arhitektura, kreeka keelest archi - pealik ja tektos - ehitama, püstitama), arhitektuur (ze - vene savi, püstitama) - ehituskunst.

Kolm tüüpi arhitektuuri:
1. Mahulised ehitised - religioossed (kirikud, templid), avalikud (koolid, teatrid, staadionid, kauplused), tööstuslikud (tehased, tehased) ja muud ehitised.
2. Maastikuarhitektuur - vaatetornid, sillad, purskkaevud ja trepid väljakutele, puiesteedele, parkidele.
3. Linnaplaneerimine - uute linnade loomine ja vanade rekonstrueerimine.

Arhitektuuristruktuuride vormid sõltuvad geograafilistest ja klimaatilistest tingimustest, maastiku iseloomust, päikesevalguse intensiivsusest, seismilisest ohutusest jne. Arhitektuur ei reprodutseeri reaalsust vahetult, see ei ole pildiline, vaid ilmekas.

Skulptuur(lat. sculptura, sõnast sculpo – lõika, nikerda, skulptuur, plastik) – kujutava kunsti liik, milles kunstnik loob ruumilisi kujutisi. Skulptuur hõlmab kaunite kunstide teoseid, mis on loodud nikerdamise, nikerdamise, skulptuuri, valamise ja reljeefiga.

Kokkuleppel on skulptuur:
- monumentaalne (monumendid, memoriaalansamblid);
- molbert (muuseum: kujud, portreed, žanristseenid);
- monumentaalne ja dekoratiivne (dekoratiivskulptuur aedades ja parkides, reljeefid ja kujud);
- väikevormide skulptuur.

Žanri järgi jaguneb skulptuur järgmisteks osadeks:
- portree;
- žanr (majapidamine - mitmesuguste igapäevaste stseenide reprodutseerimine);
- loomalik (loomakujutis);
- ajalooline (ajalooliste isikute portreed ja ajaloolised stseenid)

Skulptuuride tüübid:

Ümmargune, reaalses ruumis vabalt paigutatud:

Pea; büst; skulptuurirühm.

Reljeef (tõlkes prantsuse keelest - tõsta) - kunstivorm, milles ruumilised kujutised asuvad tasapinnal - skulptuuritüüp, mis on mõeldud peamiselt frontaalseks tajumiseks.

Vastureljeef – sügav reljeef, mida kasutatakse prinditud piltide või läbi valguse vaatamise jaoks.

Sügava kontuuriga ja kuju kumera modelleerimisega reljeefi kasutati Vana-Egiptuses.

Bareljeef (fr. bareljeef - madalreljeef) - omamoodi kumer reljeef, milles kujutis (figuur, objekt, ornament) ulatub tasapinnast kõrgemale vähem kui poole võrra selle mahust.

Kõrgreljeef (fr. hout-relief - high reljeef) on reljeefi liik, mille puhul kujutised (figuurid, objektid) ulatuvad tasapinnast kõrgemale üle poole oma mahust ja üksikud osad võivad tasapinnast täielikult kõrvale kalduda.

dekoratiivkunstid(lat. dekoro - kaunistada) - üks plastilise kunsti liike. See on jagatud järgmisteks osadeks:

monumentaalne ja dekoratiivne: vitraaž (lat. vitrum - klaas) - värvilisest klaasist dekoratiivkunstiteos; maalid, freskod; mosaiik-, dekoratiiv-, maastikuaiaskulptuur;

DPI- dekoratiivkunsti valdkond: kunstitoodete loomine, millel on igapäevaelus praktiline eesmärk ja mida eristab dekoratiivne ühtlus. Esemed ei peaks olema mitte ainult mugavad, vaid peaksid pakkuma inimesele esteetilist naudingut.

Disain (ing. disain - kujundada, kujundada, joonistada) - uute objektide, tööriistade, seadmete loomise protsess, ainevaldkonna kujunemine. Selle eesmärk on inimelu tervikliku esteetilise keskkonna korraldamine. Disainivaldkond - kodumasinad, nõud, mööbel, tööpingid, sõidukid, tööstusgraafika, rõivad, meik, fütodisain jne.

3. Maali žanrid

Portree(fr. pilt) - kujutis inimesest või inimrühmast. Lisaks välistele sarnasustele püüavad kunstnikud portrees edasi anda inimese iseloomu, tema vaimset maailma.

Eristama intiimne, tseremoniaalne, rühm, laste portreed.

autoportree- kunstniku enda kujutamine.

Maastik(fr. paus - paikkond, kodumaa) - looduspilt, maastikutüübid, maastik. Maastik jaguneb: maa-, linna-, tööstus-, mere- jne; võib olla ajalooline, kangelaslik, fantastiline, lüüriline, eepiline.

Natüürmort(fr. naturemorte - surnud loodus) - elutute objektide (juurviljad, puuviljad, lilled, majapidamistarbed, riistad, toit, mäng, kunstiatribuudid) kujutis.

Lahingu žanr(prantsuse keelest bataille - lahing, lahing) on ​​pühendatud sõja, lahingute, sõjakäikude ja sõjaväeelu episoodide teemadele.

Ajalooline- pühendatud ajaloolistele nähtustele ja sündmustele.Väga sageli leidub neid kahte žanri ühes teoses, moodustades ajalooline lahingžanr.

Kodune peegeldab inimeste igapäevast elu, teatud ajaloolise aja ühiskondlikku ja rahvuslikku elulaadi, kombeid ja eluolu.

loomalik (lat. loom - loom) seostub maalikunstis, graafikas, skulptuuris loomade kujutisega.

Mütoloogiline või vapustavalt eepiline pühendatud sündmustele ja kangelastele, millest räägivad müüdid, legendid, legendid, jutud ja muinasjutud, maailma rahvaste eeposed.

Mõne maaližanri määratluste kiireks ja tõhusaks meeldejätmiseks võib lastele pakkuda, et nad õpiksid need poeetilises vormis pähe.

4. Kodu- ja välismaise kunsti- ja pedagoogilise mõtte ning kunstikasvatusliku praktika arendamine kaunite kunstide arengu kontekstis. Joonistamisoskus on inimese jaoks alati olnud ja ei ole väikese tähtsusega ning selle kasutamine on olnud ja on jätkuvalt üks inimestevahelise suhtluse vahendeid. Inimene hakkas oma joonistamisoskusi arendama iidsetest aegadest. juba primitiivsed inimesed enne saavutas selles suurt edu, mida tõendavad arheoloogide leitud joonised. Nende piltide hulgast leiame veenvalt renderdatud pildi stepihobusest põhjapõdrast ja muid stseene päriselust.

Kogemusi joonte ja mustrite joonistamisel, loomade ja isegi inimeste kujutamisel on inimestel kogunenud tuhandeid aastaid. Ürginimene maalis söe ja terava kiviga, ookervärvidega. Sellele viitavad säilinud seinte ja lagede maalid Combareli, Les Eizi, Altamira (Hispaania) koobastes Sahara mägistes piirkondades, Uuralite neemekoopas.

Eriti oluline on märkida, et kõik need kujutised olid maagilise rituaalse iseloomuga ja olid seega omamoodi inimmõtte edasikandumise vorm. Selle põhjal tekkis ja arenes kiri, algul piktograafiline (joonistus), seejärel ideograafiline, kus iga märk vastas sõnale või selle osale ja lõpuks alfa-helile. Ürginimene omandas joonistamise oskused vahetu vaatluse ja jäljendamise teel. Paleoliitikumi ajastul haridust kui sellist ei olnud.

Neoliitikumi põllumajanduslik ja käsitöönduslik iseloom muutis inimese suhtumist kunsti. Inimese joonistamise oskust hakati kasutama oma käsitöö esemete kaunistamine, peamine keraamika valmistamise viis. Keraamilised esemed olid kaetud kaunistustega. Erinevates riikides olid sellel oma tüübid ja omadused. Sellega seoses hakkasid tekkima õppemeetodid. Kunst-käsitööline ei jäänud oma õpilase edu suhtes enam ükskõikseks. Nii hakati välja töötama tehnikaid ja õppemeetodeid. Aga selgelt välja töötatud treeningupõhimõtteid veel polnud. Tõeline kunstide õpetamine koos koolide korraldamisega tekkis alles tsivilisatsiooni ajastul.

Vana-Egiptuse koolikorraldus. Haridus- ja koolitussüsteem, kaanonid Vana-Egiptuses. Ajalooürikud annavad tunnistust, et Vana-Egiptuses õpetati koolides koos joonistamisega ka joonistamist. Pärast kooli lõpetamist pidi noormees suutma mõõta ja joonistada põllu pindala, visandada korruseplaani, joonistada ja joonistada kanaliskeemi. Nii kohtame joonistamist üldharidusliku õppeainena esmakordselt muistsete egiptlaste seas.

Lapsi lugema ja kirjutama õpetades pöörati põhitähelepanu joonistamisele, kuna hieroglüüfikirja olemus eeldas igasuguste esemete kujutamist. Vana-Egiptuses sai esmakordselt koolitamise õppeaineks joonistamine, mis ei olnud enam sporaadiline, vaid süsteemne. Kõigi kunstnike-õpetajate õppemeetod ja -süsteem olid ühesugused, sest kinnitatud kaanonid ja reeglid nägid ette kõigi kehtestatud normide rangeimat järgimist.

Samuti tuleb märkida, et egiptlased panid aluse joonistamise praktika teoreetilisele põhjendamisele. Nad olid esimesed, kes kehtestasid kujutise seadused ja õpetasid neid uuele põlvkonnale. Kas õppeprotsessi enda - didaktika - teooria oli olemas, pole teada, kuid ilmselt oli midagi sellist, kuna kaanonite olemasolu räägib selgetest pildi reeglitest ja seadustest, mida õpilased pidid rangelt järgima.

Vana-Egiptuses joonistama õppimine ei põhine mitte ümbritseva maailma teadmistel, vaid sellel skeemide ja kaanonite päheõppimine, näidiste kopeerimine.

Koolitus ja haridus Vana-Kreekas Vana-Kreeka kunstnikud lähenesid koolituse ja kasvatuse probleemile uutmoodi ning rikastasid oluliselt õpetamismeetodeid. Nad kutsusid noori kunstnikke üles hoolikalt uurima reaalsust, leidma selles harmooniat ja väitsid, et kõige ilusam asi elus on inimene. Kreeka kunstnikud tõid oma teoreetilistes töödes välja, et maailmas valitseb range seaduspärasus ja ilu olemus peitub harmoonilises korras, sümmeetrias, osade ja terviku harmoonias, õigetes matemaatilistes suhetes. Niisiis, aastal 432 eKr. e. Sikyone'is kirjutas Argose skulptor Polikleitos teose "Kaanon" inimese kehaosade ideaalsest proportsionaalsest suhtest. Oma teoreetiliste seisukohtade illustreerimiseks lõi ta kuju "Dorifor" ehk "Odamees", mida hakati kasutama hariva, visuaalse abivahendina. Sellest skulptuurist ei teinud joonistusi mitte ainult kaunite kunstide õppivad noormehed, vaid ka üldhariduskoolide õpilased. Kreeka kunstnikud-õpetajad kehtestasid esmakordselt joonistamise õpetamise meetodi aastal mis põhines looduse joonistamisel. Vana-Kreekas hakati joonistamist pidama üldhariduslikuks õppeaineks.

Vana-Rooma ajastu näib, et see oleks pidanud arendama Kreeka kunstnike-õpetajate saavutusi. Roomlased austasid silmapaistvaid kunstiteoseid. Eriti hindasid nad Kreeka kunstnike töid. Rikkad inimesed kogusid maalikogusid ja keisrid ehitasid avalikke pinakoteeke (muuseume).

Kuid tegelikkuses ei lisanud roomlased metoodikasse ja õpetamissüsteemi midagi uut. Nad kasutasid ainult Kreeka kunstnike saavutusi; pealegi ei suutnud nad säilitada paljusid väärtuslikke sätteid joonistamise õpetamise meetodist.

Keskajal realistliku kunsti saavutused oleks tagasi lükatud. Keskaja kunstnikud ei teadnud ei tasapinnal pildi konstrueerimise põhimõtteid ega kreeklaste väljatöötatud õpetamismeetodeid. Kristluse kujunemise ajal hävitati barbaarselt nii Kreeka suurte meistrite teoreetilised teosed kui ka paljud kuulsad kaunite kunstide teosed.

Renessanss avab uue ajastu nii kaunite kunstide arenguloos kui ka joonistamise õpetamise meetodite vallas. Kuigi joonistamist õppeainena kooli õppekavasse ei võetud, andis renessanss nii kutse- kui ka üldhariduse joonistamise õppemeetodite teooriasse suure panuse. Selle aja kunstnikud arendavad uuesti kaunite kunstide teooriat ja samal ajal ka joonistamise õpetamise meetodeid.

Andes õpetamismeetodile teadusliku põhjenduse, käsitleb Alberti joonistamist mitte mehaanilise, vaid mõistuse harjutusena. Selline tark suhtumine andis Michelangelole hiljem võimaluse öelda: "Nad joonistavad peaga, mitte kätega."

Pöörakem tähelepanu õppematerjalide esitamise metoodilisele järjestusele Alberti töös. Esimeses raamatus esitab ta range haridussüsteemi. Tutvumine algab punktist ja sirgjoontest, seejärel tutvutakse erinevate nurkade, siis tasapindade ja lõpuks kolmemõõtmeliste kehadega. Järgides järjestust, tutvustab Alberti õpilasele lineaarse perspektiivi põhisätteid, selgitab nägemiskiirte omadusi. Siin käsitleb ta ka õhuperspektiivi küsimusi. Alberti peab väga tähtsaks õpetaja isiklikku demonstratsiooni.

Järgmine töö, millel oli suur mõju joonistamise õpetamise meetodi kujunemisele, on Leonardo da Vinci maaliraamat. See raamat puudutab joonistamise küsimusi ja mis kõige tähtsam, Leonardo vaatleb joonistamist kui tõsist teadusdistsipliini. Ta tegeles anatoomiliste uuringutega, kehtestades inimkeha proportsionaalsuse seadused, pühendas palju aega joonistusteooria teaduslikule põhjendamisele.

Renessansiajastu kunstnike tegevust kokku võttes märgime kõigepealt kolossaalset tööd, mida nad tegid joonistusreeglite teadusliku ja teoreetilise põhjendamise alal. Nende perspektiivitöö aitas kunstnikel toime tulla keerulise probleemiga, mis seisneb objektide ruumilise kujundi tasapinnal konstrueerimises. Paljud perspektiivist haaratud renessansikunstnikud pühendasid oma aja täielikult sellele teemale.

See tähtis töö algas kunstide akadeemia, avati 16. sajandi lõpus. Sellest ajast hakati joonistamist õpetama eriõppeasutustes. Joonistamist on võimatu omandada ilma tõsiste teaduslike teadmisteta. Joonistamisega tegeledes õpib õpilane samal ajal maailma tundma. Siit järeldus: õppetundide joonistamine on kasulik kõigile. See idee hakkab haarama mitte ainult kunstiinimesi, vaid ka rahvahariduse tegelasi.

Seisukoha joonistamise kui üldharidusliku õppeaine eeliste kohta väljendas suur tšehhi õpetaja JA. Komensky oma "Suures didaktikas". Tõsi, Comenius ei julgenud veel joonistamist kooli õppekavasse kohustusliku õppeainena võtta. Kuid tema joonistamist puudutavate mõtete väärtus seisnes selles, et need olid tihedalt seotud pedagoogika küsimustega. Meie jaoks on eriti väärtuslikud Comeniuse mõtted õppemeetodite uurimise vajadusest.

Peaaegu samaaegselt Comeniusega hakkas joonistamise üldhariduslikku väärtust kaitsma inglise keele õpetaja ja filosoof John Locke. Olles aga spetsialist, ei saanud J. Locke anda metoodilisi juhiseid joonistamise õpetamisel. Ta piirdus üldiste aruteludega õppimise kasulikkusest

Joonistamisest kui üldhariduslikust ainest rääkis lähemalt prantsuse filosoof-entsüklopedist Jacques-Jean Rousseau. Ta uskus, et joonistamist tuleks õpetada eranditult loodusest ja lapsel ei tohiks olla ühtegi teist õpetajat peale looduse enda.

Palju väärtuslikke mõtteid joonistamise õpetamise meetodi kohta avaldas Johann Wolfgang Goethe. Ta ütles, et joonistamiskunsti valdamiseks on vaja teadmisi, teadmisi ja teadmisi.

Hoolimata autoriteetsetest väidetest joonistamise kui üldharidusliku õppeaine tohutu rolli kohta, ei võetud ei 17. ega 18. sajandil joonistamist koolide õppekavadesse. Alles 19. sajandi alguses hakkas see koolitegemise ringi jõudma. Initsiatiiv selles küsimuses kuulus Šveitsi õpetajale Johann Heinrich Pestalozzi. Pärast Pestalozzit on joonistamine üldhariduskoolides kindlalt oma kohta saavutamas. Pole juhus, et kunstiõpetajad nimetasid teda koolimetoodika isaks.

Eriline roll peaks Pestalozzi sõnul kuuluma joonistamisele põhikoolis. Pestalozzi väidab, et joonistamine peaks eelnema kirjutamisele, mitte ainult sellepärast, et see hõlbustab tähtede kirjutamise omandamise protsessi, vaid ka seetõttu, et seda on lihtsam assimileerida. Pestalozzi uskus, et joonistamise õppimine peaks toimuma loodusest, kuna loodus on ligipääsetav vaatlemiseks, puudutamiseks ja mõõtmiseks.

Pestalozzi teene seisneb selles, et ta ühendas esimesena kooliõpetuse teaduse kunstiga, tõstatas küsimuse joonise iga positsiooni metoodilise arendamise vajadusest. Pestalozzi uskus, et silma arendamiseks peaks olema üks meetod, vormide mõistmiseks - teine, tehnoloogia jaoks - kolmas. Seda tööd tegid tema õpilased ja järgijad.

Väga kuulsad olid Joseph Schmidti, Pestalozzi õpilase, Peter Schmidi, Soldani, vendade Dupuiside Galliardi teosed. Joonistamist õpetades pidas I. Schmidt vajalikuks spetsiaalsete harjutuste väljatöötamist: 1) arendada kätt ja valmistada see ette joonistamiseks; 2) luua ja leida kauneid vorme; 3) kujutlusvõime arendamiseks; 4) objektide geomeetrilisel joonisel; 5) perspektiivis.

Kaunite kunstide roll esteetilises kasvatuses on tohutu, kodumaine pedagoogikateadus käsitleb esteetilise kasvatuse probleemi laiemalt, ei taanda seda üksnes kunstikasvatusele. Esteetilise kasvatuse vahendid on nii meid ümbritsev reaalsus kui ka teaduslikud teadmised maailmast, mis paljastavad objektiivsete loodusseaduste ilu; ja töö, ja inimeste sotsiaalsed suhted ja elu ja palju muud.

1735. aastal ilmus mittesaksa ja samal ajal ka vene keeles I. D. Preisleri joonistamise õpik “Põhireeglid ehk joonistuskunsti lühijuhend”. Treening Preisleri süsteemi järgi algab sirgete ja kõverate joonte, geomeetriliste kujundite ja ruumiliste kehade joonistamisega, misjärel liigub õpilane edasi inimkeha osade, seejärel pea ja lõpuks kogu figuuri joonistamise juurde.Nagu enamik kunstnikke, joonistab õpilane ka kunstnikke. õpetajad, Preisler pani joonistamise õpetamise aluseks geomeetria ja loodusest joonistamise. Preisler hoiatab aga, et geomeetriliste kujundite kasutamine tuleb ühendada perspektiivireeglite ja -seaduste ning ka anatoomia tundmisega.

Joonistamise õpetamise meetodid nõukogude koolis.

20ndatel. Nõukogude koolis sai joonistamine tervikliku õppekava osaks.

Uute programmide aluseks ei olnud visuaalse kirjaoskuse õpetamine, vaid ühekülgsed katsed arendada loomingulisi võimeid, pakkudes lastele täielikku vabadust. 1920. aastate alguses ei õpetatud paljudes koolides lastele korrektset, realistlikku joonistamist. Formalistlikud nipid ei muutnud mitte ainult metoodika olulisust, vaid moonutasid ka üldhariduskoolis joonistamise õpetamise eesmärke ja eesmärke. Joonistamine mitte ainult ei andnud lastele midagi vaimseks arenguks, vaid segas sisuliselt nende esteetilist haridust.

1940. aastateks asus nõukogude joonistuskool kindlalt realistliku kunsti teed. Kinnitatakse joonistamise õpetamise põhimõtted ja meetodid. Haridusliku joonistamise probleemidele on vaja sügavamat teaduslikku lahendust.

50ndatel ja 60ndatel ilmus hulk teaduslikke uurimistöid, mis mitmeti rikastasid õppemeetodite teooriat. Need tööd aitasid joonistamise metoodikutel oma ülesannete lahendamisele õigemini läheneda.

Koolide metoodilise töö tõhustamiseks 1950. aastatel tekkis idee luua spetsiaalsed joonistamise õpikud. Varem ei ilmunud ei Venemaal ega välismaal joonistusõpikuid noorematele ja keskkoolidele.

1957. aastal ilmusid esimesed prooviõpikud esimesele ja teisele klassile (autor N. N. Rostovtsev) ja seejärel metoodiline märkus neile. 1961. aastal ilmus veel kaks õpikut - kolmandale ja neljandale klassile (autor N.N. Rostovtsev). Kõik need õpikud põhinesid P.P. süsteemil. Chistyakova, kes õpetab lapsi loodusest joonistama alates õppimise esimestest sammudest. Sellest ajast - 60ndate algusest - hakkasid süstemaatiliselt ilmuma eksperimentaalsed joonistamise õpikud, kuid mitte piisavalt.

1970. aastal vaadati üle ja kinnitati uued õppekavad, kus sõnastati kaunite kunstide õpetamise eesmärgid ja ülesanded ning määrati õppematerjali sisu. Esteetilise kasvatuse ülesannete laienemine, mineviku suurte kunstnike ja väljapaistvate kaasaegsete kunstnike loominguga tutvumine viis selleni, et "joonistamise" aine asemel tekkis uus õppeaine - "kaunid kunstid". Palju uut. asjad on toodud üldhariduskoolide üldsüsteemi : Algkool muudeti nelja-aastaselt kolmeaastaseks; ja uuesti neljaks aastaks; üksikute ainete, sh kaunite kunstide süvendatud õppimiseks on sisse viidud spetsiaalsed valikkursused.

Kaunite kunstide õpetamise metoodika üldharidusasutustes areneb praegu väga intensiivselt. Paljud huvitavad arengud sellistelt autoritelt nagu E. I. Kubõškina, V. S. Kuzin, T. S. Komarova, B. M. Nemensky, E. E. Rožkova, N. N., E. V. Šorokhov, A. S. Khvorostov, T. Ya. Esimest korda üle aastate ilmusid kujutava kunsti õpikud alg- ja keskkoolidele.