Tretyakov Gallery of Art ng ika-20 siglo kung paano makarating doon. Tretyakov gallery sa Crimean shaft. Kasaysayan at pangkalahatang impormasyon

• Kagawaran ng Estado Tretyakov Gallery nagtatanghal sining ng RussiaXXsiglo- avant-garde, constructivism, sosyalistang realismo, atbp.
• Ang mga pintura at eskultura mula 1900s-1960s ay ipinapakita sa ikalawang palapag.
• Mga obra maestra ni Malevich(unang bersyon ng "Black Square" at iba pang komposisyon), Mark Chagall, Wassily Kandinsky at iba pang mga artista.
• Para makakita ng mga gawa kontemporaryong sining ng Russia(1950s hanggang sa kasalukuyan), kailangan mong pumunta sa ikatlong palapag.
• Nagho-host ang gallery pampakay na mga eksibisyon isinasagawa ang gawaing pang-edukasyon - mga lektura, talakayan, screening ng pelikula.
• Mayroong creative center para sa mga bata.

Ang seksyon ng State Tretyakov Gallery sa Krymsky Val ay ganap na nakatuon sa sining ng Russia noong ika-20 siglo. Dito ipinakita ang unang Black Square, Tatlin's Letatlins, Mashkov's still lifes at Konchalovsky's portraits, Petrov-Vodkin's Bathing the Red Horse, ang mga pangunahing simbolo ng sosyalistang realismo at ang mga gawa ng pinakamahalagang nonconformists. Ang pagbisita sa museo na ito ay maihahambing sa isang paglalakbay sa Russia noong ika-20 siglo.

paglalahad

Ang espasyo ng museo na may permanenteng eksibisyon ay nahahati sa dalawang palapag. Ang pangunahing bahagi ng koleksyon ay ipinakita sa ikalawang palapag: mga kuwadro na gawa at mga eskultura mula 1900s hanggang 1960s. Ang ikatlong palapag ay inookupahan ng isang koleksyon ng kontemporaryong sining ng Russia: mula 1950s hanggang sa kasalukuyan. Ang unang limang silid sa ikalawang palapag ay nakatuon sa unang bahagi ng Russian avant-garde: ang mga artista ng mga asosasyon ng Jack of Diamonds at Donkey Tail (M. Larionov at, P. Konchalovsky, I. Mashkov) at mga indibidwal na master: N. Pirosmani , V. Tatlin, A. Lentulov at iba pa. Ang susunod na seksyon (bulwagan 5, 6, 9) - mga gawa ng klasikal na Russian avant-garde noong 1910s: "Black Square" at iba pang Suprematist na komposisyon ni Kazimir Malevich, "Running Landscape ” ni Ilya Klyun, gawa ni Olga Rozanova, counter-relief ni Tatlin, “Composition VII” ni Wassily Kandinsky, “Above the City” ni Marc Chagall, “Venice” ni Alexandra Exter, mga komposisyon ni Pavel Filonov.

Sa bulwagan 6, 7, 8, 10, 11 makikita mo ang mga gawa ng mga constructivist artist: Alexander Rodchenko, Varvara Stepanova, Lyubov Popova, Lazar Lissitzky, Georgy Shtenberg at ang OBMOKhU association.

Ang mga kuwarto 15-25 ay nagpapakita ng mga painting mula sa kalagitnaan ng 1920s at unang bahagi ng 1930s, isang panahon na mahirap tukuyin, kapag ang mga avant-garde tendencies ay unti-unting nawawala sa background. Ang mga ito ay mga gawa ng ibang-iba na mga master, ang ilan sa kanila (A. Drevin, G. Rublev at iba pa) ay walang pagkakataon na magpakita sa kanilang buhay, nagtrabaho para sa kanilang sarili at isang makitid na bilog, habang ang iba, halimbawa, A. Deineka at Yu. Pimenov, ay naging mga pangunahing pigura ng opisyal na istilo.

Ang mga klasikal na gawa ng sosyalistang realismo ay ipinakita nang magkatulad sa parehong mga puwang. Kabilang sa mga ito ang "Goalkeeper" ni Alexander Deineka, Isaak Brodsky, mga larawan ng M. Nesterov at P. Korin, "Hindi Makakalimutang Pagpupulong" ni Vasily Evfanov, "Stalin at Voroshilov sa Kremlin" ni Alexander Gerasimov, "New Moscow" ni Yuri Pimenov , "Liham mula sa Harap" ni Alexander Laktionova, "Again deuce" ni Fedor Reshetnikov.

Ang paglalahad ng mga bulwagan 27-37 ay nagmamarka ng isang bagong panahon sa kasaysayan ng Russia - ang pagtunaw ng Khrushchev noong 1950s at 1960s at ang pagpapatuloy ng mga masining na paghahanap ng mga nakababatang henerasyon. Ito ang gawain ng mga artista na sina Tair Salakhov, Viktor Popkov, magkapatid na Sergei at Alexei Tkachev, Geliy Korzhev, Pavel Nikonov, Dmitry Zhilinsky, Tatyana Nazarenko.

Ang nonconformist na sining na binuo mula noong ikalawang kalahati ng 1950s ay ipinakita sa mga silid 30-35. Hindi tinanggap ng mga nonconformist ang opisyal na linya ng sining ng Sobyet at, nang naaayon, ay hindi nagkaroon ng pagkakataong magpakita ng malawakan. Sa paghahanap ng isang indibidwal na istilo, ang mga artistang ito ay bumaling sa mga nakalimutang tradisyon ng avant-garde ng Russia at Western modernism. Ang panahong ito ay kinakatawan sa koleksyon ng State Tretyakov Gallery nina Vladimir Yakovlev, Anatoly Zverev, Lev Kropivnitsky, Oscar Rabin, Vladimir Nemukhin, Mikhail Roginsky, Dmitry Plavinsky, Dmitry Krasnopevtsev, Vladimir Veisberg, Viktor Pivovarov, at Vladimir Yankilevsky.

Ang koleksyon ng mga kuwadro na gawa ng mga kinatawan ng pinakabagong mga uso, na ipinakita sa mga bulwagan ng ikaapat na palapag, ay pinupunan bawat taon. Sa mga tuntunin ng time frame, ito ay sumasalubong sa koleksyon ng mga kuwadro na gawa sa ikalawang kalahati ng siglo. Ipinapakita dito ang mga gawa ng mga masters tulad ng Ilya Kabakov, Francisco Infante, Konstantin Zvezdochetov, Yuri Albert, Oleg Kulik, Ivan Chuikov, Dmitry Prigov at iba pa.

Mga aktibidad sa gallery

Ang eksposisyon sa Krymsky Val ay binuksan noong 1986, tatlong taon pagkatapos ng pagkumpleto ng gusali, na orihinal na inilaan para sa Gallery. Ang gusali ay ipinaglihi bilang isang pagpapatuloy ng Park. Gorky, kaya ang hugis nito ay kahawig ng isang park pavilion. Para sa parehong dahilan, mayroon itong bukas na mas mababang bahagi na may mga free-standing na suporta, isang malaking haba at isang mababang bilang ng mga palapag. Ang malalaking eksibisyon ay nagbibigay ng pagkakataon sa museo na magsagawa ng mga pangunahing proyekto sa eksibisyon na nakatuon sa iba't ibang panahon ng kasaysayan ng sining. Noong 2000s, ang mga eksibisyon na "Karl Bryullov. Sa ika-200 anibersaryo ng kanyang kapanganakan", "Sa bilog ng Malevich", "OSKAR RABIN. TATLONG BUHAY. Retrospective", "Viktor Popkov. 1932-1974" at iba pa. Noong 2010s - "Dmitry Prigov. Mula sa Renaissance hanggang Conceptualism at higit pa", "Natalia Goncharova. Sa pagitan ng Silangan at Kanluran", "Pit Mondrian (1872–1944) - ang landas sa abstraction", "Konstantin Korovin. Pagpipinta. Teatro. Sa ika-150 anibersaryo ng kanyang kapanganakan", "Ano ang katotohanan? NIKOLAI GE. Sa ika-180 anibersaryo ng kanyang kapanganakan", "ALEXANDER LABAS. Sa bilis ng ika-20 siglo, atbp.

Ang museo ay nagsasagawa ng aktibong gawaing pang-edukasyon. Ang mga malalaking eksibisyon ay sinamahan ng mga lektura, talakayan at pagpapalabas ng pelikula. Mayroon ding hiwalay na lecture hall na may mga cycle sa kasaysayan ng Russian art para sa mga matatanda, creative workshop para sa mga bata, mga espesyal na kurso at ang "School of Art Criticism" para sa mga kabataan.

Tanungin ang sinumang residente ng Russia kung alam nila ang pinakasikat na museo ng sining sa Moscow at karamihan sa mga sumasagot ay sasagot na ito ay ang Tretyakov Gallery. Kahit na ang mga hindi interesado sa sining ay narinig ang tungkol sa museo. At ang mga interesado ay itinutumbas ito sa isang tunay na templo!

Ang kanyang mga koleksyon ay tunay na hindi mabibili ng salapi, at hindi lamang mula sa isang materyal na pananaw - ang paglalahad ng Tretyakov Gallery ay sumasaklaw sa panahon mula ika-11 hanggang ika-20 siglo, mula sa Sinaunang Rus hanggang sa panahon ng Sobyet, salamat sa kung saan maaari mong madama ang kasaysayan ng Russia. at lumapit sa pag-unawa sa pambansang pagkakakilanlan.

Kasaysayan at pangkalahatang impormasyon

Ngayon ang Tretyakov Gallery ay isang buong complex ng mga naibalik na gusali na matatagpuan sa iba't ibang mga kalye ng Moscow. Ang pinakamahalaga ay kinabibilangan ng:

• ang pangunahing gusali ay ang dating mansyon ni Pavel Tretyakov sa address: Lavrushinsky lane, 10 (dito maaari mo ring isama ang engineering building na katabi nito - Lavrushinsky lane, 12, kung saan, bilang karagdagan sa mga exhibition at conference room, ang engineering at teknikal ang mga serbisyo ng museo ay matatagpuan);
• ang tinatawag na "New Tretyakov Gallery" - isang bagong pavilion na itinayo noong 80s ng huling siglo sa dike ng Moskva River sa address: Krymsky Val, 10.

Bilang karagdagan, ang mga sangay ng Tretyakov Gallery ay:

• ang kasalukuyang simbahan-museum ng St. Nicholas (matatagpuan sa 9, Maly Tolmachevsky Lane, ay isang gusali na katabi ng gusali ng engineering sa Lavrushinsky Lane. Dito na ang napakahalagang icon ng Vladimir Ina ng Diyos, na halos 900 taong gulang ), ay itinabi;
• bahay-museum ni Viktor Vasnetsov (Vasnetsov lane, 13);
• memorial museum-apartment ng Vasnetsov (Furmanny lane, 6);
• museo-workshop ng A.S. Golubkina (Big Lyovshinsky Lane, 12);
• bahay-museum ng P.D. Korina (Malaya Pirogovskaya street, 16).

Ang mga mas interesado sa pre-rebolusyonaryong panahon ng pagpipinta (mula ika-11 hanggang ika-19 na siglo) ay dapat magtungo sa isang magandang gusali, katulad ng isang lumang tore ng Russia, na matatagpuan sa Lavrushinsky Lane. Ang mga kontemporaryong obra maestra ng ika-20 siglo ay nakahanap ng isang tahanan sa isang bagong gallery sa istilo ng maagang modernismo ng Sobyet sa Krymsky Val.

Tandaan!
Halos 1.5 milyong tao ang bumibisita sa Tretyakov Gallery bawat taon. Hindi mahirap kalkulahin na ang isang average ng halos 5 libong mga bisita ay humahanga sa mga pagpipinta bawat araw, ngunit sa katapusan ng linggo ang kanilang bilang ay mas mataas. Kaya upang bisitahin ang gallery, kung maaari, dapat kang pumili ng isang karaniwang araw.

Ang Tretyakov Gallery ay higit sa 160 taong gulang! Isang maikling iskursiyon sa kasaysayan

Ito ay kilala na ang kinatawan ng klase ng mangangalakal, si Pavel Tretyakov, ay nagsimulang kolektahin ang kanyang koleksyon noong 1856 (siya ay 24 taong gulang lamang noon). Itinuon niya ang kanyang pansin sa mga gawa ng mga masters ng Russia. Sa una, ang mga kuwadro na gawa ay itinago sa mga espesyal na inilaan na silid ng mansyon ng mangangalakal, ngunit ang bilang ng mga ito ay mabilis na lumaki anupat ang isang hiwalay na dalawang palapag na bahay ay kailangang itayo sa malapit upang mapaunlakan ang mga bagong eksibit. Kaugnay ng karagdagang pagpapalawak ng koleksyon, ang mga bagong gusali at lugar ay lumitaw sa teritoryo ng ari-arian, na kalaunan ay pinagsama sa isang solong kumplikado.

Ang kapatid ni Pavel Tretyakov na si Sergei ay nangolekta din ng sining, ngunit mas gusto niya ang mga master sa Kanlurang Europa, na umiwas sa kompetisyon sa pagitan ng mga kapatid. Ang napaaga na pagkamatay ni Sergei (noong 1892), na, bilang karagdagan sa kanyang sariling koleksyon, ay ipinamana sa lungsod ng Moscow ng isang makabuluhang bahagi ng kanyang kapalaran, kabilang ang kalahati ng bahay sa Lavrushinsky Lane, ay naging dahilan para pagsamahin ni Pavel Tretyakov ang pareho. mga koleksyon sa isa at ilipat ang mga ito sa lungsod. Sa oras na iyon, ang eksposisyon ng gallery ay binubuo ng higit sa 1,000 mga kuwadro na gawa ng mga sikat na artista (kasama ang mga eskultura, alahas, sketch, graphic na mga guhit - mga 2,000 item).

Ngayon ang treasury ng Russian art ay may higit sa 180,000 exhibit!

Bilang karagdagan sa mga kapatid na Tretyakov, si Igor Emmanuilovich Grabar, na hinirang na isang tagapangasiwa ng museo noong 1913, ay may malaking papel sa pag-unlad ng museo. Siya ang may merito ng pag-systematize ng legacy na naiwan at gawing isang world-class na museo ang isang pribado, sa katunayan, koleksyon. Kaya, Igor Grabar:

• nagsagawa ng isang malaking gawaing pananaliksik sa pag-aaral ng mga kuwadro na gawa;
• ipinakilala ang isang bagong prinsipyo ng kanilang pagkakalagay (chronological);
• pinagsama-sama ang unang pang-agham na katalogo;
• ay ang nagpasimula ng paglikha ng restoration workshop at naging pinuno nito.

Nararapat na banggitin kung gaano niya ginawa upang mapanatili ang mga obra maestra sa mahihirap na taon ng rebolusyon at Digmaang Sibil.

Si Igor Grabar ay hindi lamang isang mahusay na tagapag-ayos, kundi isang mahuhusay na artista. Ang isa sa kanyang mga pagpipinta ay nakahanap ng isang lugar sa Tretyakov Gallery mismo - sa silid No. 38 makikita mo ang sikat na "February Blue", na ipininta noong 1904.

Exposition at pangunahing atraksyon

Mga obra maestra ng Lavrushinsky Lane

Ang pinakasikat at tanyag sa mga Muscovites at mga bisita ng kabisera ay ang lumang gusali ng Tretyakov Gallery sa Lavrushinsky Lane. Sumailalim ito sa napakalaking pagsasaayos na tumagal mula 1986 hanggang 1996. Ang mga bulwagan ng museo ay nakatanggap ng modernong ilaw at isang na-update na interior.

Ang mga partikular na mahalagang obra maestra ay inilagay sa mga espesyal na kapsula na gawa sa bulletproof na salamin, na konektado sa isang kumplikadong sistema para sa pagsubaybay sa estado ng temperatura at halumigmig.

Ang isang espesyal na bulwagan ay itinayo para sa isang malaking panel ni Mikhail Vrubel "Princess of Dreams", na nakahiga sa mga bodega sa halos isang siglo. Ang ibang mga kuwarto ay inayos.

Kung balak mong bisitahin ang gallery nang walang gabay, dapat kang gumawa ng itinerary para sa paglilibot nang maaga. Isipin kung aling yugto ng panahon (o kung aling artist) ang pinaka-interesado ka. Dapat mong malaman na halos imposibleng makita ang lahat ng mga eksposisyon sa isang pagbisita - mayroong 62 na bulwagan sa gallery at hindi lahat ng mga ito ay bukas nang sabay-sabay.

Nangungunang 10 pinakasikat na pagpipinta ng Lavrushinsky Lane:

• 1) "Ang Pagpapakita ni Kristo sa mga Tao" ni A. Ivanov (bulwagan Blg. 10)
• 2) "Hindi pantay na Kasal" ni V. Pukirev (bulwagan No. 16)
• 3) "Troika" ni V. Perov (bulwagan No. 17)
• 4) "Hindi Kilala" ni Kramskoy (bulwagan No. 20)
• 5) "Morning in a pine forest" ni I. Shishkin (bulwagan No. 25)
• 6) "Bogatyrs" ni V. Vasnetsov (bulwagan No. 26)
• 7) "Boyar Morozova" ni V. Surikov (bulwagan No. 28)
• 8) "Ivan the Terrible at ang kanyang anak na si Ivan" ni I. Repin (bulwagan No. 30)
• 9) “Demonyo (nakaupo) ni M. Vrubel (bulwagan Blg. 33).
• 10) Ang icon na "Trinity" ni Andrey Rublev (kuwarto No. 60).

Ang listahang ito ay hindi kasama ang mga kuwadro na gawa ni Serov, Levitan, Kustodiev, Aivazovsky, ngunit karapat-dapat din silang pansinin! Bilang karagdagan sa mga pagpipinta at mga icon sa pangunahing gusali, maaari mong makita ang mga graphics, sketch, sculpture, sketch.

Hall ng sinaunang pagpipinta ng Russia

Ang mga mahilig sa kasaysayan at mga Kristiyanong Orthodox ay maaakit ng icon painting hall na matatagpuan sa unang palapag. Ang mga partikular na mahalagang icon ay inilalagay dito sa mga espesyal na kaso ng salamin, sa loob kung saan pinananatili ang kinakailangang temperatura at halumigmig. Dito makikita mo ang mga gawa ni Andrei Rublev, pati na rin ang mga Orthodox shrine na ipininta ng mga hindi kilalang master sa panahon mula ika-11 hanggang ika-17 siglo.

Alalahanin na ang pinakasikat sa mga icon - ang icon ng Ina ng Diyos ng Vladimir - ay matatagpuan sa isang hiwalay na gusali - ang Simbahan ng St. Nicholas. Maaari kang makarating dito sa pamamagitan ng engineering building (Lavrushinsky lane, 12), at mula sa Maly Tolmachevsky lane.

Hall ng Ilya Repin

Ang mga gawa ng isa sa mga pinakasikat na artista ng Russia ay inilalagay sa numero ng silid 30. Hanggang kamakailan lamang, ang kasumpa-sumpa na gawa ni Repin na "Ivan the Terrible at ang kanyang anak na si Ivan" ay nakabitin din dito, ngunit noong Mayo 2018 muli itong inatake, malubhang napinsala at muling ipinadala para sa pagpapanumbalik. Tinantya ng Moscow Court ang halaga ng pagpapanumbalik ng trabaho sa 5 hanggang 10 milyong rubles.

Gayunpaman, ang iba pang mga sikat na pagpipinta ng mahusay na artista ng Russia ay nanatili sa bulwagan:

• "Hindi namin inaasahan"
• "Dragonfly",
• "Palumpon ng Taglagas"
• "Ang Cossacks ay sumulat ng isang liham sa Turkish Sultan",
• "Prinsesa Sophia sa Novodevichy Convent",
• mga larawan ng Mussorgsky, Shevchenko, Tolstoy.

Bilang karagdagan, ito ay sa Repin Hall na makikita mo ang isang larawan ni Pavel Mikhailovich Tretyakov mismo.

Mikhail Vrubel Hall

Ang isa sa mga bagong bulwagan ay itinayo sa panahon ng huling muling pagtatayo partikular para sa eksibisyon ng malaking canvas na "Princess Dream" (ang laki nito ay 7.5 x 14 metro), pati na rin ang iba pang malalaking gawa ng artist. Sa katunayan, 2 bulwagan ang nakalaan para sa mga gawa ni Mikhail Vrubel (No. 32 at No. 33). Ang isa sa kanila ay may podium upang mapaunlakan ang orkestra, dahil dito ginaganap ang mga musical evening.

Sining ng ika-20 siglo sa sangay sa Krymsky Val

Noong 1986, ang pangunahing gusali (sa Lavrushinsky Lane) ay sarado para sa isang mahabang pagpapanumbalik. Karamihan sa mga canvases ay inilipat sa isang bagong gusali - isang bagong itinayong sangay sa Krymsky Val. Noong 1996, natapos ang muling pagtatayo, ngunit ang mga gawa ng sining noong ika-20 siglo ay hindi bumalik. Nagpasya kaming iwanan ang pinakamodernong mga eksibit sa bagong sangay. Ngayon ay nasa gusaling ito na makikita mo ang Russian avant-garde: gawa ni Malevich, Kandinsky, Petrov-Vodkin.

Dapat pansinin na ang bagong gusali ay mas maluwag, bukod sa, ito ay matatagpuan sa isang napakagandang lugar sa mga pampang ng Moscow River, sa tapat ng Park of Culture and Recreation. Gorky kasama ang mga lawa at magagandang eskinita. Kaya't upang makita ang sulok na ito ng Moscow, siyempre, ay katumbas ng halaga. Mahigit sa 5,000 exhibit ang nakolekta sa ilalim ng bubong ng New Tretyakov Gallery. Bilang karagdagan, ang mga eksibisyon na nakatuon sa kontemporaryong sining ay regular na ginaganap dito.

Tinutukoy ng mga eksperto ang mga pangunahing obra maestra ng sangay sa Krymsky Val:

1. "Black Suprematist Square" ni Kazimir Malevich (bulwagan No. 6);
2. "Komposisyon VII" ni Wassily Kandinsky (bulwagan No. 9);
3. "Above the City" ni Marc Chagall (bulwagan No. 9);
4. "Bathing the Red Horse" ni Kuzma Petrov-Vodkin (bulwagan No. 13);
5. "Future Pilots" ni Alexander Deineka (bulwagan No. 16).

Impormasyon para sa mga bisita

• Ang Tretyakov Gallery ay sarado sa Lunes. Mga oras ng pagbubukas sa Martes, Miyerkules at Linggo: mula 10-00 hanggang 18-00. Huwebes, Biyernes at Sabado: 10:00 hanggang 21:00.
• Ang presyo ng tiket para sa isang may sapat na gulang (sa oras ng pagsulat) ay 500 rubles. Ang mga beterano at may kapansanan na mga beterano ng Great Patriotic War, mga conscript, mga invalid ng mga grupo I at II, mga taong wala pang 18 taong gulang, pati na rin ang ilang iba pang mga kategorya ng mga mamamayan ay may karapatan sa libreng pagpasok sa museo (isang detalyadong listahan ay nasa opisyal na website ng museo - tingnan sa ibaba).
• Sa Miyerkules, maaari mong bisitahin ang gusali ng engineering at ang sangay ng museo sa Krymsky Val nang libre. Maaari ka ring pumunta sa Tretyakov Gallery nang libre sa "Night of Museums" (karaniwang gaganapin sa ikalawang kalahati ng Mayo).

Mangyaring tandaan na ang mga sikat na painting ng Tretyakov Gallery ay madalas na "malayo", naglalakbay sa ibang mga bansa at kontinente. Kung gusto mong makakita ng ilang mga painting, suriin nang maaga kung may libreng access sa mga ito.

Interactive na paglilibot sa museo sa Lavrushinsky Lane

Paano gamitin ang interactive na window ng paglilibot:
sa pamamagitan ng maikling pagpindot sa kaliwang pindutan ng mouse sa alinman sa mga puting arrow sa window ng paglilibot, lilipat ka sa kaukulang direksyon (kaliwa, kanan, pasulong, atbp.), Sa pamamagitan ng pagpindot at pagpindot sa kaliwang pindutan - i-on ang mouse sa iba't ibang direksyon : maaari kang tumingin sa paligid nang hindi gumagalaw sa kinalalagyan nito. Sa pamamagitan ng pag-click sa itim na parisukat sa kanang sulok sa itaas ng interactive na window ng paglilibot, dadalhin ka sa full screen view mode.

1. Hall na may painting ni V.M. Vasnetsov "Bogatyrs".

2. Hall na may obra maestra ng A.A. Ivanov, Ang Pagpapakita ni Kristo sa mga Tao.

3. Hall I.I. Shishkin. (Lavrushinsky lane 10).

4. Hall ng M. Vrubel at ang kanyang panel na "Princess Dream".

5. Mga Hall ng Old Russian art ng XII-XVII na siglo.

Saan ito matatagpuan at kung paano makarating doon

Ang pangunahing gusali ng Tretyakov Gallery, kung saan ang karamihan sa mga pinakasikat na exhibit ay puro, ay matatagpuan sa Lavrushinsky lane, 10. Ang pinaka-maginhawang paraan upang makarating dito ay sa pamamagitan ng metro. Ang pinakamalapit na mga istasyon ay Tretyakovskaya (Kaluzhsko-Rizhskaya o Kalininskaya branches, mga 400 m mula sa museo) at Novokuznetskaya (Zamoskvoretskaya line, mahigit 800 m lamang mula sa museo).

Ang sangay sa 10 Krymsky Val ay matatagpuan malapit sa Oktyabrskaya metro station (Koltsevaya Line). Ang distansya mula sa istasyon ng metro hanggang sa museo ay halos 1 km. Bilang karagdagan, sa agarang paligid ng gallery (mga 400 m) mayroong isang hintuan ng bus na Gorky Park (ruta ng bus No. 2).

Opisyal na website ng Tretyakov Gallery: https://www.tretyakovgallery.ru

Mula sa eksibisyon kung saan kami nagpunta upang makilala ang permanenteng paglalahad ng gallery, tumakbo lamang kami sa mga unang ilang silid na may mga gawa ng mga primitive na artista noong unang bahagi ng ika-20 siglo ... Marahil ay walang kabuluhan, ngunit pagkatapos ng Korovin, ang taos-puso Ang primitivism nina Natalia Goncharova at Niko Pirosmani ay mukhang kakaiba. Sa pangkalahatan, bumagal lamang kami sa mga pagpipinta ng mga tagapagtatag ng lipunan ng sining na "Jack of Diamonds" na sina Pyotr Konchalovsky at Ilya Mashkov. At kahit na pagkatapos - hindi sa kanilang mga paboritong portrait at buhay pa rin, ngunit sa mga landscape na pumukaw ng mga asosasyon sa mga kuwadro na gawa ni Paul Cezanne. Ito ay hindi nagkataon na sa mga taon ng kanilang kapanahunan, tinawag ng mga kritiko ang Jacks of Diamonds na "Russian Cezannes". Mayroong isang kaaya-ayang halimbawa ng malikhaing pag-unlad - mula sa primitive at paghihimagsik hanggang sa ganap na pagpipinta ...

Ilya Mashkov, Italya. Huwag magsinungaling. Landscape na may aqueduct, 1913

Ilya Mashkov, Lake Geneva. Glion", 1914

Pyotr Konchalovsky "Siena. Signoria Square, 1912

Ngunit ang iba pang mga miyembro ng "Jack of Diamonds" - A. Lentulov, R. Falk, V. Rozhdestvensky - ay nahulog sa ilalim ng impluwensya ng French cubism. Dahil hindi kami mga tagahanga ni Lena ng trend na ito, lumakad kami sa mga bulwagan na ito na medyo nalilito, kahit na pinaniniwalaan na "Ang Cubism ay gumanap ng isang napakahalagang papel sa pagpapasya sa sarili ng pagpipinta ng Russia sa simula ng ika-20 siglo, naimpluwensyahan nito ang pagbuo ng Russian avant-garde at nagbigay ng impetus sa mga bagong artistikong kilusan. Binubuo muli ng Cubism ang kalikasan, sinisira ang organic (“random”) na anyo at lumilikha ng bago, mas perpekto.” Siya, sa mga salita ni Malevich, ay nagbago "ang pananaw sa mundo ng pintor at ang mga batas ng pagpipinta."

Narito kami ay lohikal na lumalapit sa sikat na "Black Square". Para sa: "Ang sining ng Russia, na dumaan sa lahat ng mga yugto ng ebolusyon ng French cubism sa maikling panahon at natutunan ang mga aralin ng pinakabagong pagpipinta ng Pransya, sa lalong madaling panahon ay higit na nalampasan ito sa pagiging radikal ng mga konklusyon ng artistikong. Ang suprematism at constructivism ay naging pangunahing konklusyon mula sa cubism sa lupa ng Russia. Ang gawain nina K. Malevich at V. Tatlin, ang dalawang sentral na pigura ng avant-garde ng Russia, na nagpasiya sa landas ng pag-unlad nito, ay nabuo sa ilalim ng malalim na impluwensya ng konsepto ng cubist.
"Noong 1915, ang paglikha ng "Black Square" ni Malevich ay ang simula ng Suprematism, isa sa mga pinaka-radikal na paggalaw ng avant-garde. Ang "Black Square" ay isang tanda ng isang bagong sistema ng sining, hindi ito naglalarawan ng anuman, ito ay libre mula sa anumang koneksyon sa makalupang, layunin na mundo, bilang isang "zero ng mga anyo", sa likod nito ay ganap na di-objectivity. Ganap na pinalaya ng suprematism ang pagpipinta mula sa pag-andar ng larawan.
Mahirap magkomento sa kasaysayan, ang kakanyahan ng pag-unlad - lahat ay may lugar at oras nito. Ngunit ang "di-objectivity" at pagpipinta, na walang "pictorial function" para sa ilang kadahilanan ay hindi hawakan ang panloob na mga string, ang aming mga kaluluwa ay umaabot sa maganda ... At si Malevich mismo, pagkaraan ng mga taon, ay bumalik sa hindi gaanong radikal na pagpipinta ...

Kazimir Malevich "Black Square", 1915

Ngunit gaano kaganda pagkatapos ng ilang mga bulwagan ng Suprematism upang makita ang mga maliliwanag na kulay at kahanga-hangang anyo ng Kustodiev, Kandinsky at ang aming minamahal na Bogaevsky! Sa wakas, isang tunay na kapistahan ng sining!

Boris Kustodiev "Sailor and Sweetheart", 1921

Nikolay Kulbin "Sun bath", 1916

Wassily Kandinsky "Rider George the Victorious", 1915

Konstantin Bogaevsky "Mga Alaala ng Mantegna", 1910

Konstantin Bogaevsky "Landscape na may mga puno", 1927

Pagkatapos nito, natagpuan namin ang aming sarili sa malaking bulwagan ng pinaka-marangyang Alexander Deineka - nakakalungkot na noong nakaraang taon ay hindi kami nakarating sa isang retrospective na eksibisyon ng kanyang mga gawa sa parehong Tretyakov Gallery, ngunit nakarating kami sa isang katamtamang eksibisyon ng kanyang at mga graphics ni Nissky sa Sevastopol Art Museum ...

Alexander Deineka "Goalkeeper", 1934

Alexander Deineka "Kalye sa Roma", 1935

Alexander Deineka "Ina", 1932

Peter Williams "Rally", 1930

Yuri Pimenov "Bagong Moscow", 1937

Nikolai Zagrekov "Babaeng may T-square", 1929

Georgy Nissky "Autumn. Semaphores", 1932

Konstantin Istomin "Mga Unibersidad", 1933

Konstantin Istomin "Sa Bintana", 1928

Sa susunod na bulwagan, ginanap ang eksibisyon na "The Joy of Work and the Happiness of Life" - isang uri ng makulay na tableta laban sa backdrop ng isang medyo kakila-kilabot na pagpipinta ng panahon ni Stalin. Ilang mga larawan lamang ang natitira sa aking memorya - nais kong kalimutan ang natitira kaagad pagkatapos mapanood ...

Georgy Rublev "Portrait of I.V. Stalin", 1935

"Sa mga tuntunin ng kapangyarihan ng akusatoryo," ang isinulat ng kritiko ng sining na si E. Gromov, "ang larawang ito ni Stalin ay maihahambing lamang sa tula ni O. Mandelstam ("Nabubuhay tayo, hindi inaamoy ang bansa sa ilalim natin ..."). Ang artist na si Rublev, na sa isang pagkakataon ay ganap na nakalimutan, ay hindi inisip ang larawang ito bilang isang satirical. Ngunit napagtanto ko na para sa kanya maaari kang makapasok sa Gulag. Ang Stalin ni Rublev ay walang "malawak na dibdib ng mga Ossetian." Siya ay, bilang ito ay, isang unscrewed serpentine figure, kung saan ang isang bagay na parang demonyo, siya ay tulad ng kahila-hilakbot, tuso, mabisyo. Ang artista noon ay mahilig kay Pirosmani, sa paraang ipininta niya ang larawang ito. Sumulat ako at natakot: lumabas ang isang nakakatakot na larawan. Ang larawan ay natagpuan sa mga lumang canvases ni Rublev pagkatapos ng kanyang kamatayan.

Robert Falk "Remembrance", 1930

Kazimir Malevich "Mga Sister", 1930

Alexander Drevin "Gazelles", 1931

Alexander Laktionov "Liham mula sa harap", 1947

Kaya dahan-dahan nating narating ang sosyalistang realismo sa pamamagitan ng malalaking larawan ng mga kongreso at talumpati ni Kasamang Stalin. At gusto ko pang itago ang isang bagay mula sa "pagdiriwang ng buhay" na ito sa camera bilang isang alaala, ngunit isang napakabangis na tagapag-alaga ang napunta sa mga bulwagan na ito - walang tiket para sa pagkuha ng mga larawan, huwag mag-shoot! At hindi mo ipapaliwanag sa kanya na ang museo ay lumalabag sa ating konstitusyonal na “karapatan na malayang maghanap, tumanggap, magpadala, gumawa at magpamahagi ng impormasyon sa anumang legal na paraan”, at ang pagbebenta ng “karapatan sa paggawa ng pelikula” ng mga museo ay ganap na labag sa batas. . Sa katunayan, ang museo ay unang ilegal na naghihigpit sa mga karapatan ng mga bisita na mangolekta ng impormasyon, at pagkatapos ay aalisin ang paghihigpit na ito sa isang bayad. Gayunpaman, ito ay nakakasakit lamang na lyrics - hindi lang namin alam na ang photography ay binayaran at hindi bumili ng tiket, ngunit hindi namin nakita ang punto sa pagbabalik ... At sa katunayan, sa sandaling ito, ang sining ng ang ika-20 siglo ay medyo napagod na sa amin, at ang tanawin mula sa bintana ay nag-aanyaya sa susunod na museo. Ngunit una, kailangan naming dumaan sa labirint hanggang sa dulo ... At ang palabas na ito ay hindi para sa mahina ng puso - ang mga bulwagan ng ganap na modernong sining ay tila sa amin ay isang konsentrasyon ng madilim na kakila-kilabot, isang uri ng ganap na madilim na enerhiya, kawalan ng pag-asa. . Sa pangkalahatan, mabilis kaming tumakbo sa kanila - gusto namin ng hangin, at ... ! Muli naming tiningnan ang kanyang eksibisyon upang hindi umalis sa gusaling ito ng Tretyakov Gallery na may mabigat na puso. Ito ay tunay na sining - maliwanag at nagpapatibay sa buhay! Nang magsaya, mas lumayo kami upang ibabad ang ating sarili sa kultura - sa lumang gusali, gusto ko, alam mo, Vrubel, Levitan, ...

Tretyakov Gallery sa Krymsky Val, Mayo 18, 2013, 10:00–0:00 - bisitahin ang permanenteng eksibisyon at mga eksibisyon (halimbawa, Boris Orlov at Mikhail Nesterov) buong araw nang walang bayad, isang espesyal na muling pagbabangon ang inaasahan sa lobby. Ang isang souvenir shop ay nilagyan doon, kung saan magbebenta sila ng mga bag at notebook na may mga guhit ng mga artista noong ika-20 siglo, isang silid-aklatan kung saan maaari kang tumingin sa mga katalogo at magasin sa sining, at isang zone para sa pagkamalikhain ng mga bata. Sa malapit, ilalagay ng artist na si Proteus Temen ang pag-install na "Balls". Ang kusina ng Delicatessen restaurant ay matatagpuan sa courtyard ng museo, ang musika ay patutugtog doon mula 19.00 hanggang 00.00: Nikita Zeltser sa piano at DJ Taras 3000.

Mga araw ng libreng pagbisita sa museo

Tuwing Miyerkules, ang pagpasok sa permanenteng eksibisyon na "The Art of the 20th Century" at pansamantalang mga eksibisyon sa (Krymsky Val, 10) ay libre para sa mga bisita na walang guided tour (maliban sa eksibisyon na "Ilya Repin" at ang proyektong "Avant-garde sa tatlong dimensyon: Goncharova at Malevich").

Ang karapatan sa libreng pag-access sa mga eksposisyon sa pangunahing gusali sa Lavrushinsky Lane, ang Engineering Building, ang New Tretyakov Gallery, ang bahay-museum ng V.M. Vasnetsov, museo-apartment ng A.M. Ang Vasnetsov ay ibinibigay sa mga sumusunod na araw para sa ilang mga kategorya ng mga mamamayan:

Una at ikalawang Linggo ng bawat buwan:

para sa mga mag-aaral ng mas mataas na institusyong pang-edukasyon ng Russian Federation, anuman ang anyo ng edukasyon (kabilang ang mga dayuhang mamamayan-mga mag-aaral ng mga unibersidad ng Russia, nagtapos na mga mag-aaral, adjuncts, residente, assistant trainees) sa pagtatanghal ng isang student card (hindi naaangkop sa mga taong nagpapakita card ng mag-aaral na nagsasanay) );

para sa mga mag-aaral ng sekondarya at pangalawang dalubhasang institusyong pang-edukasyon (mula sa 18 taong gulang) (mga mamamayan ng Russia at mga bansa ng CIS). Sa una at ikalawang Linggo ng bawat buwan, ang mga mag-aaral na may hawak na ISIC card ay may karapatang bumisita sa eksibisyon na "Art of the 20th Century" sa New Tretyakov Gallery nang walang bayad.

tuwing Sabado - para sa mga miyembro ng malalaking pamilya (mga mamamayan ng Russia at mga bansa ng CIS).

Mangyaring tandaan na ang mga kondisyon para sa libreng pag-access sa mga pansamantalang eksibisyon ay maaaring mag-iba. Suriin ang mga pahina ng eksibisyon para sa mga detalye.

Pansin! Sa opisina ng tiket ng Gallery, ang mga tiket sa pagpasok ay binibigyan ng isang halaga ng mukha na "walang bayad" (sa pagtatanghal ng mga nauugnay na dokumento - para sa mga nabanggit na bisita). Kasabay nito, ang lahat ng mga serbisyo ng Gallery, kabilang ang mga serbisyo sa iskursiyon, ay binabayaran alinsunod sa itinatag na pamamaraan.

Pagbisita sa museo sa mga pampublikong pista opisyal

Mahal na mga bisita!

Mangyaring bigyang-pansin ang mga oras ng pagbubukas ng Tretyakov Gallery kapag pista opisyal. Ang pagbisita ay binabayaran.

Pakitandaan na ang pagpasok gamit ang mga electronic ticket ay isinasagawa sa first-come, first-served basis. Maaari mong gawing pamilyar ang iyong sarili sa mga patakaran para sa pagbabalik ng mga electronic ticket sa.

Binabati kita sa paparating na holiday at naghihintay kami sa mga bulwagan ng Tretyakov Gallery!

Karapatan ng kagustuhang pagbisita Ang Gallery, maliban kung itinatadhana ng isang hiwalay na pagkakasunud-sunod ng pamamahala ng Gallery, ay ibinibigay sa pagtatanghal ng mga dokumentong nagpapatunay ng karapatan sa mga kagustuhang pagbisita:

• mga pensiyonado (mga mamamayan ng Russia at mga bansa ng CIS),
• buong cavaliers ng Order of Glory,
• mga mag-aaral ng sekondarya at pangalawang espesyal na institusyong pang-edukasyon (mula 18 taong gulang),
• mga mag-aaral ng mas mataas na institusyong pang-edukasyon ng Russia, pati na rin ang mga dayuhang estudyante na nag-aaral sa mga unibersidad ng Russia (maliban sa mga estudyanteng nagsasanay),
• mga miyembro ng malalaking pamilya (mga mamamayan ng Russia at mga bansa ng CIS).

Bumili ng pinababang tiket ang mga bisita sa mga kategorya sa itaas ng mga mamamayan.

Karapatan ng libreng pagpasok Ang pangunahin at pansamantalang paglalahad ng Gallery, maliban sa mga kaso na ibinigay para sa isang hiwalay na utos ng pamamahala ng Gallery, ay ibinibigay para sa mga sumusunod na kategorya ng mga mamamayan sa pagtatanghal ng mga dokumentong nagpapatunay ng karapatan sa libreng pagpasok:

• mga taong wala pang 18 taong gulang;
• mga mag-aaral ng mga faculty na dalubhasa sa larangan ng pinong sining ng pangalawang dalubhasa at mas mataas na institusyong pang-edukasyon ng Russia, anuman ang anyo ng edukasyon (pati na rin ang mga dayuhang estudyante na nag-aaral sa mga unibersidad ng Russia). Ang clause ay hindi nalalapat sa mga taong nagpapakita ng mga student card ng "trainee students" (sa kawalan ng impormasyon tungkol sa faculty sa student card, isang sertipiko mula sa institusyong pang-edukasyon na may sapilitan na indikasyon ng faculty ay ipinakita);
• mga beterano at invalid ng Great Patriotic War, mga manlalaban, dating menor de edad na mga bilanggo ng mga kampong piitan, ghetto at iba pang mga lugar ng detensyon na nilikha ng mga Nazi at kanilang mga kaalyado noong Ikalawang Digmaang Pandaigdig, iligal na sinusupil at ni-rehabilitate ang mga mamamayan (mga mamamayan ng Russia at mga bansang CIS );
• mga sundalo ng militar ng Russian Federation;
• Bayani ng Unyong Sobyet, Bayani ng Russian Federation, Full Cavaliers ng "Order of Glory" (mga mamamayan ng Russia at CIS na bansa);
• mga taong may kapansanan ng mga grupo I at II, mga kalahok sa pagpuksa ng mga kahihinatnan ng sakuna sa Chernobyl nuclear power plant (mga mamamayan ng Russia at mga bansa ng CIS);
• isang kasamang may kapansanan ng pangkat I (mga mamamayan ng Russia at mga bansa ng CIS);
• isang kasamang may kapansanan na bata (mga mamamayan ng Russia at mga bansa ng CIS);
• mga artista, arkitekto, taga-disenyo - mga miyembro ng nauugnay na malikhaing Unyon ng Russia at mga paksa nito, mga istoryador ng sining - mga miyembro ng Association of Art Critics ng Russia at mga paksa nito, mga miyembro at empleyado ng Russian Academy of Arts;
• mga miyembro ng International Council of Museums (ICOM);
• mga empleyado ng mga museo ng sistema ng Ministri ng Kultura ng Russian Federation at ang mga nauugnay na Kagawaran ng Kultura, mga empleyado ng Ministri ng Kultura ng Russian Federation at mga ministri ng kultura ng mga nasasakupang entidad ng Russian Federation;
• mga boluntaryo sa museo - pasukan sa eksposisyon na "Art of the XX century" (Krymsky Val, 10) at sa Museum-apartment ng A.M. Vasnetsov (mga mamamayan ng Russia);
• mga guide-interpreter na mayroong accreditation card ng Association of Guide-Translators at Tour Managers ng Russia, kabilang ang mga kasama ng grupo ng mga dayuhang turista;
• isang guro ng isang institusyong pang-edukasyon at isa na kasama ng isang pangkat ng mga mag-aaral ng sekundarya at sekundaryong dalubhasang institusyong pang-edukasyon (kung mayroong isang excursion voucher, subscription); isang guro ng isang institusyong pang-edukasyon na may akreditasyon ng estado ng mga aktibidad na pang-edukasyon kapag nagsasagawa ng napagkasunduang sesyon ng pagsasanay at may espesyal na badge (mga mamamayan ng Russia at mga bansa ng CIS);
• isang kasama ng isang grupo ng mga mag-aaral o isang grupo ng mga sundalo ng militar (kung mayroong isang excursion voucher, subscription at sa panahon ng isang sesyon ng pagsasanay) (mga mamamayan ng Russia).

Ang mga bisita ng nasa itaas na kategorya ng mga mamamayan ay tumatanggap ng tiket sa pagpasok na may halagang "Libre".

Pakitandaan na maaaring mag-iba ang mga kundisyon para sa kagustuhang pagpasok sa mga pansamantalang eksibisyon. Suriin ang mga pahina ng eksibisyon para sa mga detalye.

Sining ng ika-20 siglo

Zinaida Evgenievna Serebryakova. "Sa likod ng banyo. Self-portrait. 1909

Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin (1861–1939). Naliligo sa pulang kabayo 1912. Langis sa canvas. 160x186

Noong 1912, ang isang pagpipinta ni K. S. Petrov-Vodkin na "Bathing a Red Horse" ay lumitaw sa World of Art exhibition, na napansin ng publiko, mga artista, at mga kritiko bilang isang tanda ng pag-renew. Noong unang bahagi ng 1910s, nang ang mga lumang ideya tungkol sa sining ay nagiging lipas na, at ang marahas na paghagis ay naganap sa masining na kapaligiran, ang pagpipinta na "Bathing the Red Horse" para sa marami ay tila ideya na maaaring magkasundo ng luma at bago, "kaliwa" at "tama", mga akademiko at miriskusniki. Ang artist ay "nagtayo" ng isang monumental na gawain, binibigyan ito ng "programming", sa paghahanap ng isang makabuluhang anyo na may kakayahang magpahayag ng malalim at malawak na nilalaman. Ang larawan ay naging isang modelo ng artistikong integridad, ang ganap na sagisag ng isang masining na desisyon, na sa simula ng ika-20 siglo ay isang bihirang kababalaghan sa pagpipinta ng Russia. Organikong pinagsama nito ang iba't ibang mga tradisyon - sinaunang mga icon ng Russia at mga monumental na pagpipinta ng Renaissance, pandekorasyon na sining, estilo ng Art Nouveau at halos klasikal na plasticity sa interpretasyon ng mga figure.

Ang espasyo ng pagpipinta ay isinaayos sa paraang, salamat sa mataas na linya ng abot-tanaw, na kung saan, sa labas ng komposisyon mismo, ito ay tumataas at aktwal na umaabot patungo sa manonood, na limitado sa aktwal na eroplano ng canvas. . Kasabay nito, hindi nawawala ang lalim: nararamdaman ito ng manonood dahil sa malakihang pagbawas ng mga figure ng pangalawang plano.

Ang may-akda, tulad nito, ay nakikipagtalo sa mga impresyonistikong pamamaraan ng pagpipinta, sa ilalim ng spell kung saan maraming mga artista sa oras na iyon, ay nananatiling malayo sa prinsipyo ng cubist ng pagbabago ng anyo, hindi rin siya interesado sa mga futuristic na eksperimento.

Ang isa pang tampok ng larawang ito ay katangian ng buong gawain ng Petrov-Vodkin: sa kabila ng katotohanan na ang balangkas ng trabaho ay sadyang araw-araw (naliligo ang isang kabayo), walang kuwento tungkol sa kaganapan sa loob nito. At kahit na ang balangkas ay medyo malinaw, ang pintor ay namamahala upang itaas ito sa ilang perpektong imahe. Ang isa sa mga pamamaraan kung saan nakamit niya ang kanyang layunin ay ang interpretasyon ng kulay, lalo na ang pangunahing pigura (ang pulang kabayo). Kasabay nito, walang "poster" na may sadyang kaakit-akit. Sa halip, may mga tradisyon ng sinaunang sining ng Russia: ang isang pulang kabayo ay madalas na matatagpuan sa mga icon (ang pula ay maganda). Ang malinaw na nadama na mga pathos ng larawan, ang pagpapahayag ng espirituwalidad bilang isang malalim na panloob na estado, ay ginagawa itong sagisag ng pambansang pananaw sa mundo ng Russia. Ang isang gawa sa easel, dahil sa panloob na kahalagahan nito, espirituwal na nilalaman at kawalan ng mga random na detalye, ay itinuturing bilang isang monumental na paglikha.

Evgeny Evgenievich Lansere (1875–1946). Empress Elizaveta Petrovna sa Tsarskoye Selo 1905. Papel sa karton, gouache. 43.5x62

Ang isang mas bata na kontemporaryo ng mga artista ng "World of Art", si Lansere ay mahusay na nagsasalita ng matalinghagang wika ng "retrospective dreamers", nang hiwalay at sa parehong oras ay balintuna na muling nililikha ang estilo ng buhay ng court tinsel ng "ginintuang" XVIII na siglo. Ang paglabas ni Elizabeth Petrovna kasama ang kanyang retinue ay binibigyang kahulugan ng artist bilang isang uri ng teatro na pagganap, kung saan ang maringal na pigura ng empress ay nakikita bilang isang pagpapatuloy ng harapan ng palasyo. Ang komposisyon ay itinayo sa kaibahan ng isang kahanga-hangang prusisyon sa korte, ang kakaibang karilagan ng baroque na arkitektura at ang desyerto na parterre ng isang regular na parke. Ang artist ay nabighani sa magkakapatong sa pagitan ng mga elemento ng dekorasyong arkitektura at mga detalye ng banyo. Ang tren ng empress ay kahawig ng isang nakataas na kurtina sa teatro, kung saan nagulat kami sa mga aktor sa korte na nagmamadaling gampanan ang kanilang karaniwang mga tungkulin. Nakatago sa tambak ng mga mukha at pigura ay isang "nakatagong karakter" - isang batang Aprikano, masipag na nagdadala ng imperyal na tren. Ang isang kakaibang detalye ay hindi lingid sa tingin ng pintor - isang hindi nakasara na snuffbox sa maselan na mga kamay ng paboritong ginoo. Ang pagkutitap ng mga pattern at mga batik ng kulay ay lumilikha ng pakiramdam ng muling nabuhay na sandali ng nakaraan.

Konstantin Andreevich Somov (1869–1939). Lady in Blue 1897–1900. Canvas, langis. 103x103

Ang "Lady in Blue" ay isang portrait-painting na naglalarawan sa artist na si E. M. Martynova, isang malapit na kaibigan ng may-akda at kanyang kaklase sa Academy of Arts. Nasa harap namin ang isang lumang naka-istilong parke at isang babaeng nakasuot ng marangyang damit noong ika-18 siglo kasama ang kanyang kumplikadong espirituwal na mundo. Ang retrospective portrait na nilikha ng artist ay isang bagong phenomenon sa Russian art. Ang mga detalye ng "magiting na edad" na pinagsama sa larawan at ang pinong hitsura ng nananabik na ginang ng Panahon ng Pilak sa huli ay naghahatid ng diwa ng isang masalimuot at kontrobersyal na panahon.

Ang komposisyon ay batay sa isang paghahambing ng mga plano at ang kanilang coloristic na solusyon. Ang payat na babaeng pigura ay akmang-akma sa parisukat na format ng canvas, na nagbibigay sa larawan ng isang tiyak na representasyon. Ang iridescence ng malalim na asul na kulay ng kasuotan ng pangunahing tauhang babae ay nagtatakda ng transparency ng mala-bughaw na mga anino ng pinong pininturahan na mukha, buksan ang marupok na mga balikat, at binibigyang-diin ang pagpapahayag ng kilos ng magagandang kamay. Ang lahat ng plasticity ng modelo ay nakapagpapaalaala sa mga dakilang masters ng mga nakaraang panahon. Isang lumang parke na may lawa at mag-asawang tumutugtog ng musika sa di kalayuan ay malinaw na kabaligtaran sa mood ng taong inilalarawan. Sa halip, ito ay isang pag-alaala sa parke, kung saan ang oras ay naka-mute ang lahat ng mga kulay, at ang mga dahon ng bush, na kung saan ay ang background para sa figure sa asul, ay isang kakaibang "walang buhay" na kulay (tulad ng mga dahon sa lumang kupas tapiserya) . Ang link sa pagitan ng nakaraan at kasalukuyan dito ay isang pigura ng lalaki, sa anyo kung saan nahulaan ang may-akda ng larawan.

Sa gawain ni Somov, ang larawan ni E. M. Martynova ay sumasakop sa isang espesyal na lugar, hindi na siya muling lilikha ng anumang bagay na katumbas ng "Lady in Blue" sa mga tuntunin ng kadakilaan, tula at kadalisayan ng imahe, sa mga tuntunin ng pagpapahayag at nakamit ang isang tiyak na " ganap" masining na sagisag.

Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov (1870–1905). Pond 1902–1903. Canvas, langis. 177x216

Sa mga kuwadro na gawa ni Borisov-Musatov, palaging may pakiramdam ng isang kapana-panabik, hindi maipaliwanag na misteryo. Ang pangunahing motibo, kung saan natuklasan ng artista ang mundo na nakatago sa ilalim ng manipis na ulap ng mga kulay, ay mga marangal na pugad, nabubulok na mga lumang estate. Ang makinis na ritmo ng musika ng mga komposisyon ni Borisov-Musatov ay paulit-ulit na nagpaparami ng kanyang mga paboritong tema: ito ang mga sulok ng parke at mga babaeng figure na tila mga larawan ng mga kaluluwa ng tao na gumagala sa semi-real realm ng pagtulog.

Ang pagpipinta na "Reservoir" ay nilikha sa parke ng ari-arian ng Prinsesa Prozorova-Golitsyna Zubrilovka sa pinakamasayang oras para sa artist: Si Elena Vladimirovna Alexandrova ay sumang-ayon na maging kanyang asawa. Ang artista ay ipinakita ng kanyang kapatid na babae, si Elena Borisova-Musatova, at ang nobya, na naglalaman ng mga imahe ng walang hanggang pagkababae.

Sa kabila ng katotohanan na ang canvas ay ipininta mula sa kalikasan - isang aktwal na parke na may lawa at tunay na mga babae, lahat ay nakakita dito ng isang bagay na wala sa mundong ito. Ang mahiwagang semi-reality at timelessness ng larawan ay naging pinaka-makatang pagpapakita ng simbolistang pangitain ng mundo ng mga pangarap. Ang reservoir, na ang mga balangkas ay sa katunayan ay isang perpektong bilog, ay inilalarawan ng artist bilang isang malaking hugis-itlog, na ang mga gilid nito ay umaabot sa kabila ng canvas. Ang geometriko na anyo na ito, na minamahal ng Musatov, ay sinasabayan ng isang katulad ngunit mas maliit na palda ng isa sa mga pangunahing tauhang babae, na inilatag sa isang magandang hugis-itlog. Ang kanilang kumbinasyon ay agad na nagtatakda ng isang tiyak na ritmo ng musika para sa buong trabaho. Ang kakaibang pagtatayo ng komposisyon - ang pagbubukod ng linya ng abot-tanaw mula sa larawan - ay isang mahalagang pamamaraan. Gamit ito, sadyang pinaglapit ng pintor ang una at pangalawang plano, na ginagawang mas flat ang canvas. Ang mga pangunahing tauhang babae, na matatagpuan sa harapan, ay nasa ibaba ng lawa, at ang tubig mismo, tahimik at malinaw na parang kalangitan, ay literal na nakabitin sa kanila. Bilang isang resulta, ang ilusyon ng isang tunay na salamin ay nilikha, itinaas at inilagay nang patayo. Mula sa isang ordinaryong tanawin, isang ganap na naiibang imahe ang ipinanganak, isang bagong katotohanan - na napaka katangian ng mga simbolistang artista.

Philip Andreevich Malyavin (1869–1940). Ipoipo 1906. Langis sa canvas. 223x410

Sa kanyang trabaho, nilapitan ng artista ang tradisyonal na tema ng katutubong para sa pagpipinta ng Russia sa kanyang sariling paraan, na binibigyang diin ang makapangyarihang elementong prinsipyo sa mga babaeng imahe, na nagbibigay sa kanila ng monumentalidad. Ang matapang na pagpipinta ng Malyavin, na may mga kondisyong background, malalaking pigura, mababaw na espasyo at hindi pangkaraniwang tunog na kulay, ay mariing pandekorasyon. Gayunpaman, sa simula ng ika-20 siglo, itinuturing ito ng mga kontemporaryo bilang isang uri ng hamon.

Sa pagpipinta na "Whirlwind", ang mga babaeng magsasaka ay nagkalat sa isang sayaw tulad ng "mga kamangha-manghang bayani ng mga lumang epiko ng Russia." Sa kanilang pabilog na sayaw ay kinabibilangan nila ang mga elemento ng kalikasan. Ang mga kumakaway na damit ay bumubuo ng mga kusang daloy ng mga makukulay na hampas, na nagpapaalala sa alinman sa mainit na pagkislap ng apoy, o malamig na jet ng tubig, o ang nag-aapoy na hininga ng hangin, o mga parang na natatakpan ng mga bulaklak. Ang mga libreng paggalaw ng brush, na tumutugma sa ritmo ng sayaw ng ipoipo, ay nagbibigay ng isang espesyal na dynamism sa larawan. Pinayuhan ni I. E. Grabar si Malyavin na magpinta gamit ang mga espesyal na pintura na matagal nang natutuyo. Bilang isang resulta, ang pagpipinta ay nagsimulang maging katulad ng volcanic lava, ang epekto ng isang uri ng gumagalaw na mosaic ay lumitaw. Ang mga anyo at kulay ay lumulutang sa isa't isa, na lumilikha ng panloob na pag-igting. Pinahuhusay nito ang pagpapahayag ng larawan, na itinayo sa intersection ng iba't ibang mga usong pangkakanyahan - impresyonismo at modernidad. Ang gawain ay nilikha noong unang rebolusyong Ruso. Sa balangkas nito, sa nagliliyab na pulang kulay, makikita ng isa ang parehong pag-asa para sa isang espirituwal na muling pagsilang at isang premonisyon ng laganap na mapanirang pwersa.

Alexander Nikolaevich Benois (1870–1960). Walk of the King 1906. Papel sa canvas, watercolor, gouache, bronze paint, silver paint, graphite pencil, pen, brush. 48x62

Ang pangalan ng A. N. Benois ay nauugnay sa paglitaw noong 1898 ng asosasyong "World of Art", isa sa mga tagapagtatag at pinuno ng ideolohiya kung saan siya. Si Benois ay isang pintor, teorista at kritiko ng sining, sumulat siya ng maraming monograp at pag-aaral sa parehong mga indibidwal na masters ng pagpipinta at sa kasaysayan ng sining sa pangkalahatan. Ang gawain ni Benois na artista ay pangunahing nakatuon sa dalawang tema: "Pransya ng panahon ng "Hari ng Araw"" at "Petersburg ng ika-18 - unang bahagi ng ika-19 na siglo", na nakapaloob sa isang tiyak na uri ng makasaysayang pagpipinta, na lumilikha ng isang espesyal na "retrospective" na pagtingin sa nakaraan. Ang artist ay bumaling sa mga temang ito sa kanyang makasaysayang mga kuwadro na gawa at mga gawa sa landscape na ginawa mula sa kalikasan sa St. Petersburg at sa mga nakapalibot na palasyo, pati na rin sa France, sa Versailles, kung saan siya madalas at sa mahabang panahon bumisita.

Sa paglalarawan sa mga lakad ng hari, walang pinansin ang may-akda: alinman sa mga tanawin ng parke na may arkitektura ng hardin (ipininta sila mula sa buhay), o mga pagtatanghal sa teatro, napaka-sunod sa mga sinaunang panahon, o mga pang-araw-araw na eksena na iginuhit pagkatapos ng masusing pag-aaral ng makasaysayang materyal. Ang King's Walk ay isang napaka-epektibong gawain. Nakipagkita ang manonood kay Louis XIV, naglalakad sa paligid ng kanyang utak. Taglagas na sa Versailles: ang mga puno at shrub ay nalaglag ang kanilang mga dahon, ang kanilang mga hubad na sanga ay nag-iisa sa kulay abong kalangitan. Kalmado ang tubig. Tila walang makakagambala sa tahimik na lawa, sa salamin kung saan makikita ang parehong pangkat ng eskultura ng fountain at ang magarbong prusisyon ng monarko at ng kanyang mga kasama.

Sa pagmumuni-muni sa panahon ni Louis XIV, isinulat ni Benois: "Wala akong espesyal na kulto ng personalidad ni Louis Catorz ... Ngunit ang pagkapagod ng katandaan ng panahon, ang simula ng pagbaba ng panlasa, na pumalit sa pagmamataas ng kabataan, kawalang-ingat at isang pakiramdam ng marilag na kagandahan, biglang ginawa ang mundong ito sa aking mundo."

Igor Emmanuilovich Grabar (1871-1960). Chrysanthemums 1905. Canvas, tempera, pastel. 98x98

Ang I. E. Grabar ay isang unibersal na pigura sa kulturang sining ng Russia: isang artista, mananalaysay ng sining, guro, tagapagbalik, museo at pampublikong pigura. Mula 1913 hanggang 1925 siya ang direktor ng Tretyakov Gallery, lumikha siya ng isang bagong eksposisyon sa museo, batay sa siyensya at may maingat na naisip na konsepto, na naging isang uri ng modelo para sa kasunod na muling paglalahad ng museo.

Tinanggap ni Grabar ang paghahanap ng mga French masters, aktibong gumagamit ng mga diskarte ng divisionism - ang hiwalay na aplikasyon ng mga pintura sa canvas. Ang "Chrysanthemums" ay ang pinakakahanga-hangang still life ng artist. Ang mga luntiang bouquet ng mga bulaklak ay iniharap sa isang maliwanag na silid, na parang nasa bukas na hangin. Ang espasyo ay puno ng hangin, kung saan ang init ng sikat ng araw sa labas ng mga bintana ay pinagsama sa lamig ng loob. Ang kaakit-akit na ibabaw ay binubuo ng mga fractional relief stroke na naghahatid ng vibration ng liwanag at hangin na kapaligiran. Ang kulay ay nabubulok sa mainit at malamig na mga tono, kaya ang maberde na kulay ng mga dilaw na chrysanthemum, ang paglalaro ng dilaw at asul, rosas at berdeng mga gradasyon sa ibabaw ng tablecloth, ang ina-ng-perlas na kinang ng plorera. Ang pagkutitap ng mga makukulay na stroke ay lumilikha ng epekto ng isang nababago, mobile na kapaligiran na sumisipsip ng mga reflex ng kulay at bumabalot sa mga bagay sa silid. Gayunpaman, ang pamamaraan na ito ay nagpapahintulot sa artist na tumpak na ihatid ang texture ng mga bagay: ang transparency ng salamin, mahalagang porselana pinggan, ang nakasisilaw na kaputian ng isang starched tablecloth, ang lambot at velvety ng chrysanthemums.

Sergei Timofeevich Konenkov (1874-1971). Nike 1906. Marble. 32x19x12

Si S. T. Konenkov ay isang artista na ang gawain ay pinangungunahan ng lalim at karunungan ng malawak na makasagisag na paglalahat, katapangan, pagluwalhati sa kagandahan ng tao at sa kanyang marangal na mga impulses, ang kanyang pagnanais para sa kalayaan. Ang ulo ng marmol na "Nike" ay isa sa mga pinakamahusay na gawa ng Konenkov. Ang mahusay na mga ideya ng oras, ang simbolismo ng mga makabuluhang kaganapan, ang master ay nagawang ipahayag sa mga gawa ng anumang genre at laki. Kaya, ang maliit na laki ng "Nike" ay nananakop sa kanyang maningning na inspirasyon. Ang ideya ng Tagumpay ay kinakatawan ng iskultor sa imahe ng isang napakabata na batang babae na may binibigkas na pambansang tampok na Ruso. Ang modelo para sa iskultor ay isang empleyado ng pagawaan ng Trekhgornaya. Ang imahe ng Nike, nang hindi nawawala ang portrait na karakter nito, ay naging isang patula na sagisag ng kagalakan, paglipad, hindi pagkasira. Ang kamangha-manghang, tunay na patula na muling pag-iisip ng kalikasan ay isa sa pinakamalakas na katangian ng akda ni Konenkov.

Marami sa mga pinakamahusay na gawa ng master ay gawa sa marmol. Kadalasan ito ay mga gawa kung saan, sa mga salita ng iskultor, "ang magagandang anyo ng tao ay naglalaman ng pinakamahusay na mga katangian ng pagkatao ng isang tao"

Natalya Sergeevna Goncharova (1881–1962). Self-Portrait with Yellow Lilies 1907. Langis sa canvas. 58.2x77

Si N. S. Goncharova, isa sa mga unang "Amazons of the avant-garde", isang babaeng artista ng isang bagong pormasyon, ay nagpinta ng isang self-portrait sa kanyang Moscow workshop, ang kanyang mga gawa ng impresyonistikong panahon ay ipinakita sa interior. Ang canvas ay nakasulat na nagpapahayag, ang mga matulin na hagod ay nakapagpapaalaala sa pagpipinta ni Van Gogh. Ang imahe ay maliwanag at liriko, binibigyan ito ng mga bulaklak ng isang espesyal na poetics - isang palumpon ng mga liryo, na pinindot ang Goncharov sa sarili nito. Nagsisilbi rin itong coloristic accent, na nakatayo laban sa pangkalahatang background ng canvas bilang isang maliwanag na pulang spot.

Mikhail Fedorovich Larionov (1881–1964). tagsibol. The Seasons (New Primitive) 1912. Langis sa canvas. 118x142

Ang pinuno ng kilusang avant-garde ng Russia noong huling bahagi ng 1900s - unang bahagi ng 1910s, si M.F. Larionov ay nagbigay ng malaking kahalagahan sa taos-puso, walang muwang at sa unang sulyap ng walang kabuluhang pagkamalikhain ng mga bata, dahil ito ay palaging direkta at nagmumula sa kailaliman ng kamalayan ng bata. Ang paggaya sa pagguhit ng isang walang muwang na bata, ang artista ay nagsumikap na lumikha ng mga gawa na kasing tapat at kusang-loob. Sa pagtingin sa mundo sa pamamagitan ng mga mata ng isang bata, nagsulat si Larionov ng isang cycle ng mga painting na "The Seasons", kung saan ang bawat season ay naglalaman ng isang simpleng imahe ng isang babaeng figure, at sa tabi nito ay sumusunod sa isang paliwanag na nakasulat na sadyang nanggigitata. Gayunpaman, ang embodiment ng plano ay naging hindi malalim na bata.

Ang tagsibol ay napapaligiran ng malamya na may pakpak na mga anghel, ang isang ibon sa tagsibol ay nagdadala sa kanya ng isang sanga na may namumulaklak na mga putot; malapit sa kanan, na nababakuran ng isang patayong guhit, ay tumutubo sa mismong puno na maaaring ipakahulugan bilang ang Biblikal na Puno ng Kaalaman. Sa kanang bahagi ng ibabang "rehistro" ng larawan, ang mga profile ng lalaki at babae ay inilalarawan, sa magkabilang panig na nakaharap sa Puno ng Kaalaman - mga larawan ng primitive na Adan at Eba, na tila nakakaranas ng paggising ng malambot na damdamin, tulad ng paggising ng kalikasan. , at, marahil, nakatikim na ng Ipinagbabawal na prutas. Sa parehong espasyo, medyo sa ibaba, isa pang biblikal na kuwento ang nahulaan - "Pagpapaalis mula sa Paraiso". Sa kaliwang larangan ng parehong mas mababang "rehistro" ay sumusunod sa isang walang muwang na paglalarawan ng tagsibol, na parang ginawa ng isang bata: "Ang tagsibol ay malinaw, maganda. Sa mga maliliwanag na kulay, na may puting ulap", kung saan, gayunpaman, ang isang tiyak na tuso ng artist ay nadama. Pagkatapos ng lahat, hindi nagkataon na sa subtitle ng pamagat ay nabasa natin ang "New Primitive" at nagtatapos sa pag-iisip sa "... sa isang walang hanggang paksa."

Alexander Yakovlevich Golovin (1863–1930). Larawan ni F. I. Chaliapin bilang Holofernes 1908. Canvas, tempera, pastel. 163.5x212

"Portrait of F. I. Chaliapin in the role of Holofernes" ay isa sa mga pinakamahusay na gawa ng artist at set designer na si A. Ya. Golovin. Ni-reproduce nito ang mise-en-scène mula sa opera ni A. N. Serov na si Judith. Si Chaliapin-Holofernes ay nakahiga sa isang marangyang kama sa isang napakagandang kagamitang tolda, hawak ang isang tasa sa kanyang kanang kamay, at nakaturo sa unahan na may mapagmataas na kilos sa kanyang kaliwa. Ang komposisyon ng canvas ay itinayo alinsunod sa mga batas ng easel painting, at ang foreshortening ng modelo at di-makatwirang pag-iilaw ng mga bagay ay nagbibigay sa trabaho ng katangian ng fresco painting. Ang pigura ni Chaliapin sa papel ng komandante ng Assyrian ay halos sumanib sa background, na ginagawa itong parang isang uri ng pandekorasyon na pattern. Ang canvas ay natatakpan ng parang alon na paggalaw, na siyang pangunahing plastic motif na nagpapahayag ng likas na solusyon sa musikal sa imahe ng isang oriental commander. Ang coloristic na tunog ng trabaho ay napakayaman. Sa theatrical portrait na ito ni Golovin, ang napakatingkad na kulay ng costume at headdress ng artist ay tila binibigyang-diin ang kagandahan ng boses ng mahusay na Russian singer.

Konstantin Alekseevich Korovin (1861–1939). Roses and Violets 1912. Langis sa canvas. 73.2x92

Ang pagbuo ng impresyonismo sa pagpipinta ng Russia ay konektado sa pangalan ni K. A. Korovin. Noong 1910s, naging interesado si Korovin sa mga still life, na naglalaman ng kanyang mga makabagong paghahanap sa larangan ng theatrical scenery. Madalas siyang nagpinta ng mga rosas - maluho at maselan, mga simbolo ng pagnanasa at kagalakan ng pagiging. Sa pamamagitan ng mga sweeping stroke, ang artist ay lumilikha ng isang "portrait" ng bawat bulaklak, at ang kanyang mga rosas ay namumulaklak sa canvas, na kapansin-pansin sa walang kupas na pagiging bago ng mga kulay.

Ang isang still life na may mga rosas, isang maliit na bouquet ng purple violets, isang pulang orange, isang sugar bowl at isang coffee pot ay inilalarawan sa background ng isang bukas na bintana kung saan matatanaw ang gabi ng Parisian boulevard. Ang kalye ay ginagawa ng kumikislap na liwanag ng mga parol sa isang makamulto na kurap ng mga ilaw; ang still life ay naiilawan mula sa loob ng silid at lumilitaw na hindi natural na maliwanag. Ang liwanag ay tila lumikha ng isang mahiwagang laro ng pagbabago ng katotohanan.

Nikolai Petrovich Krymov (1884–1958). landscape ng Moscow. Rainbow 1908. Langis sa canvas. 59x69

Ang pinakaunang mga pagpipinta ng batang si Nikolai Krymov ay nagpakita na ang isang naninirahan sa lungsod ay pumasok sa pagpipinta ng landscape ng Russia, nakikita ang kagandahan ng mundo sa mga bahay ng lungsod at maraming kulay na bubong, upang madama ang lihim na buhay ng kalikasan sa gitna ng pagmamadali at ingay ng lungsod. . Canvas "Moscow landscape. Rainbow" ay sumasakop sa isang espesyal na lugar sa gawain ni Krymov. Pinagsasama nito ang simbolistang pananaw ng mundo at ang mga impresyonistikong paghahanap ng artist: ang bahaghari ay literal na nabulok sa mga kulay, at ang tanawin mismo sa kabuuan ay isang mystical na sulat ng makalangit at makalupang mundo sa mga mata ng simbolista.

Ang imahe ng mundo ay tila marupok at laruan, na parang nakikita sa mga mata ng isang bata. Ang bahaghari ay tumatakip sa kalawakan, ang mga fragment nito ay dumadausdos sa mga bubong, kumikinang sa mga bintana; tumatakbo ang isang bata sa landas ng parisukat na may isang turntable sa kanyang mga kamay - isang laruang "prototype" ng bahaghari. Sa motley na mundong ito, itinago ng may-akda ang kanyang mga inisyal sa isang karatula sa tindahan.

Ang larawan ay sumisimbolo sa tagumpay ng nabagong mundo, kung saan ang liwanag ng bahaghari ay tumagos sa bawat butil ng pagkatao. Ang kaakit-akit na paraan ni Krymov ay nag-aambag sa ningning ng ibabaw. Ang mga relief stroke ay lumilikha ng epekto ng mahalagang, iridescent majolica glaze sa ibabaw ng canvas.

Pavel Varfolomeevich Kuznetsov (1878-1968). Gabi sa steppe 1912. Langis sa canvas. 96.7x105.1

Ang isa sa mga nangungunang master ng Blue Rose, si P. V. Kuznetsov, ay naglakbay sa Gitnang Asya noong 1912–1913, na nagbabalik ng mga alaala sa buhay ng mga taga-Silangan at mga gawa na nakakuha ng marami sa kanyang nakita. Sa pagpipinta na "Evening in the Steppe", inilarawan ng artist ang isang eksena mula sa buhay ng mga Kyrgyz nomads. Ang mga kababaihan ay abala sa pang-araw-araw na gawain, ang mga tupa ay nanginginain nang mapayapa, ang kapayapaan at katahimikan ay ibinuhos sa paligid.

Ang nagpapahingang kalikasan at tao ay nasa magkatugmang pagkakaisa. Walang labis na mga detalye sa komposisyon: tanging lupa, langit, manipis na mga puno, ilang tupa at dalawang babaeng pigura, na natatakpan ng malambot na liwanag; walang mga tiyak na topograpikal o etnikong katangian dito, dahil sa kung saan ang mga hangganan ng inilalarawan ay itinutulak hiwalay sa mga unibersal na kaliskis. Ang espasyo ay papalapit na sa conventionality, ang mga magaan na malalawak na stroke ay tila naghahatid ng kanyang kalmado at kahit na paghinga.

Wassily Vasilyevich Kandinsky (1866-1944). Improvisation 7 1910. Langis sa canvas. 97x131

Ang V. V. Kandinsky ay itinuturing na isa sa mga tagapagtatag ng abstract painting. Nakita niya ang landas ng bagong sining sa pagnanais na ihatid ang panloob na nilalaman ng mga panlabas na anyo ng mundo at, bilang resulta nito, sa pagtanggi sa makatotohanang pagpapakita nito. Sa kanyang trabaho, hinahangad ng artista na ihatid ang mga personal na damdamin hindi sa tulong ng mga layunin na anyo (sa pamamagitan nito o sa balangkas na iyon), ngunit sa mga paraan lamang ng larawan. Kaya, halimbawa, sa halip na ang karaniwang mga genre ng makasagisag na sining, ginamit niya ang impresyon, improvisasyon at komposisyon.

Ang improvisasyon ay isang pagpapahayag ng mga proseso ng isang panloob na kalikasan na nangyayari bigla, karamihan ay hindi sinasadya. Ang "Improvisation 7" ay isa sa mga unang gawa ni Kandinsky. Ang layunin ng mundo dito ay dissolved sa paggalaw ng mga eroplano at mga linya, complexly harmonized sa kulay.

Kazimir Severinovich Malevich (1878–1935). Larawan ng artist M. V. Matyushin 1913. Langis sa canvas. 106.5x106.7

Noong 1913, lumitaw ang isang artistikong direksyon sa mga futurist ng Russia - cubo-futurism. Ang mga tagalikha nito ay naghangad na i-synthesize ang mga ideya ng futurism at cubism. Ang pangunahing gawain ng futurism ay upang ihatid ang isang pakiramdam ng paggalaw.

Binubuo ni Malevich ang larawan ni Matyushin mula sa iba't ibang mga geometric na eroplano, na sa unang sulyap ay ginagawa siyang nauugnay sa estilo ng mga gawa ng cubist ng Picasso at Braque. Ngunit mayroon ding isang makabuluhang pagkakaiba: ang mga tagapagtatag ng cubism ay ipininta pangunahin sa monochrome, habang ang Malevich ay aktibong gumagamit ng mayaman na mga kulay. Ang isa pang tampok ng larawan: para sa lahat ng abstractness, ang mga makatotohanang detalye ay nakakalat sa canvas. Kaya, halimbawa, ang bahagi ng noo na may buhok na sinuklay sa isang tuwid na paghihiwalay ay eksaktong inuulit ang hairstyle ni Matyushin, ayon sa patotoo ng mga taong nakakakilala sa kanya. Ito lang marahil ang detalyeng nagpapahiwatig na may portrait tayo sa harapan. Si Matyushin ay hindi lamang isang artista, kundi isang kompositor din, kaya madaling hulaan na ang linya ng mga puting parihaba na naghahati sa larawan nang pahilis ay isang piano keyboard (at walang mga itim na key - isang pahiwatig sa pagka-orihinal ng sistema ng musika ni Mikhail Vasilyevich Matyushin).

Stanislav Yulianovich Zhukovsky (1875–1944). Joyful May 1912. Langis sa canvas. 95.3x131.2

Si S. Yu. Zhukovsky, isang Ruso na artista na nagmula sa Poland, sa pagpipinta na "Joyful May" ay naglalarawan sa loob ng isang bahay ng bansa, sa pamamagitan ng bukas na bintana kung saan ang isang mainit na maaraw na araw ng Mayo ay pumasok, na binago ang buong silid na may paglalaro ng liwanag. Ang gawain ay nagpapatuloy sa mga tradisyon ng panloob na pagpipinta ng panahon ng romantikismo, lalo na ang paaralan ng A. G. Venetsianov. Ang interior na puno ng araw ay pininturahan sa ilalim ng impluwensya ng impresyonismo, ang bersyon ng Ruso na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang liriko na tala.

Ang mga lumang dingding na gawa sa kahoy, mga upuang istilo ng imperyo na may asul na upholstery, na inilagay sa pagitan ng mga pagbubukas ng bintana, at mga larawan ng mga naninirahan sa bahay na ito, na matagal nang patay, ay maaaring sabihin ng maraming. Ang loob ay puno ng motibo ng malalim na nostalgia. Narito ang lahat ay humihinga sa nakaraan, ngunit ang masayang liwanag na kumakalat sa lahat ng dako ng Mayo ay pinipigilan ang mga maliliit na tala at unti-unting nabubuhay ang loob na ito. Mga asul na bulaklak sa iluminado na windowsill - bilang isang simbolo ng pag-renew na dumating sa lumang bahay, na katangian ng lahat ng kalikasan.

Boris Mikhailovich Kustodiev (1878–1927). Maslenitsa 1916. Tempera sa canvas. 61x123

Ang mga canvases ng pintor, graphic artist at theater artist na si B. M. Kustodiev sa tema ng mga pagdiriwang ng taglamig at mga pista opisyal ay puno ng kagalakan at kasiyahan. Kabilang sa mga ito, ang gitnang lugar ay kabilang sa imahe ng Russian Maslenitsa na may pagsakay sa kabayo, mga suntukan at mga booth. Ang holiday na ito para sa artist ay tulad ng isang karnabal, kung saan ang lahat ay pandekorasyon at maganda: ang mga taong mayaman na nakadamit ng mga makukulay na shawl at fur coat ay naglalakad sa paligid; mga kabayong nagmamadali, pinalamutian ng mga laso, mga kampanilya at mga bulaklak na papel; at maging ang kalikasan mismo ay tila nagsuot ng pinakamagagandang damit.

Sa kanyang maraming mga pagpipinta na nakatuon sa Maslenitsa at iba pang mga kasiyahan, mahalaga para kay Kustodiev na bigyang-diin ang nakakahilo na ipoipo ng mga damdamin. Marahil iyon ang dahilan kung bakit ang pangunahing motibo para sa paggalaw sa kanila ay palaging naging isang hindi makontrol na trio ng karera. Ang dynamics ng mga gawang ito ay batay sa compositional techniques ng theatrical at decorative art: ang contrasting play ng liwanag at anino, ang paggamit ng backstage. Ang mga canvases na ito ay napakadekorasyon sa kanilang kulay at komposisyon na kahawig nila ng mga kakaibang pininturahan na mga kahon. Ang mas nakakagulat ay ang katotohanan na ang karamihan sa mga gawa ng master ay isinulat mula sa memorya at kumakatawan sa mga pangkalahatang larawan ng Rus sa kabuuan. Ang kanilang mga bayani ay nililinis ng lahat ng negatibo: sila ay mabait, patula, puno ng dignidad at nabubuhay, iginagalang ang mga batas at tradisyon. At mayroong isang hindi sinasadyang pakiramdam na ang paraan ng patriyarkal na mundo ay hindi maiiwasang umuurong sa nakaraan.

Robert Rafaelovich Falk (1886–1958). Mga pulang muwebles 1920. Langis sa canvas. 105x123

Si R. R. Falk ay isang pintor, draftsman, theater artist, isang miyembro ng mga asosasyon tulad ng World of Art, Jack of Diamonds, at kalaunan ay OMX at AHRR. Ang mga canvases ng artist na ito ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang perpektong naihatid na dami ng anyo. Sa ilang mga gawa, ipinakilala ng master ang isang matalim na pagpapapangit, na nagpapahintulot sa kanya na bigyang-diin ang panloob na pag-igting sa larawan.

Mapapansin din ito sa pagpipinta na "Red Furniture": sa kabila ng katotohanan na walang mga character sa loob nito, ang mga pagbabago sa mga anyo at ang pagpapahayag ng kulay ay puspos ng mga emosyon na ang manonood ay hindi sinasadya na may pakiramdam ng nakakagambala na pag-iisip. Ang impresyon ay pinahusay ng temperamental, kahit na "nasasabik" na paraan ng pagpipinta, na binibigyang diin ang intensity ng ritmo na nabuo ng mga bagay na matatagpuan sa silid at ang mga anino na bumabagsak mula sa kanila. Ang mga upuan na may matataas na likod at sofa ay "nakasuot" ng mga pulang takip. Itinatago nila ang mga tunay na anyo ng muwebles at binibigyan ito ng malabong balangkas. Sa gitna ng komposisyon ay isang talahanayan, sa ibabaw kung saan nagaganap ang isang uri ng labanan: ang mga itim at puting kulay ay nagbanggaan - bilang isang imahe ng ganap na kabaligtaran at sa parehong oras ang walang hanggang pagkakaisa ng mundo.

David Petrovich Shterenberg (1881–1948). Aniska 1926. Langis sa canvas. 125x197

Si D. P. Shterenberg ay isa sa mga aktibong organizer at miyembro ng Society of Easel Artists. Ang mga gawa ng master ay nailalarawan sa pamamagitan ng nagpapahayag na talas ng mga imahe, laconic na komposisyon, pangkalahatan at kalinawan ng pagguhit, sadyang planar na pagtatayo ng espasyo.

Gayunpaman, ang pangunahing tauhang babae ng artista ay hindi isang masayahin, nasisiyahang atleta, ngunit isang batang babae na magsasaka, kung saan ang memorya ng taggutom noong 1920s ay napanatili magpakailanman. Nakatayo siya malapit sa mesa, sa ibabaw nito ay isang plato na may crust ng itim na tinapay. Ang mesa ay ganap na walang laman, ito ay isang hubad na patlang na may isang bagay lamang na simbolo - tinapay. Tumanggi si Shterenberg na kopyahin ang katotohanan nang detalyado, na lumilikha ng isang kumbensyonal na ilusyon na asul-kayumanggi na espasyo.

Sa matipid, ngunit tiyak na nababagay na paraan ng kulay at komposisyon, muling nililikha ni Shterenberg ang trahedya ng panahon.

Sergei Alekseevich Luchishkin (1902–1989). Lumipad ang lobo 1926. Langis sa canvas. 69x106

S. A. Luchishkin - Sobyet artist, sumali sa post-rebolusyonaryong "ikalawang alon" ng Russian avant-garde, lumahok sa isang bilang ng mga pinaka-radikal na artistikong mga eksperimento noong 1920s. Ang paglalaro sa entablado, bilang isang panuntunan, ang napaka-dramatikong nilalaman ay nakikilala ang pinakamahusay na mga bagay ng easel ng master.

Ang imahe ng katotohanan na nilikha ng may-akda sa pelikulang "The Balloon Flew Away" ay sumasalungat sa opisyal na sining ng Sobyet noong 1920s. Ang pintor ay naglalarawan ng matataas na bahay, na parang iniipit ang espasyo sa pagitan nila. Sa isang bakanteng bakuran, sa likuran, na napapalibutan ng isang bakod, ay isang batang babae. Tinitingnan niya ang bola na lumilipad sa walang katapusang bakanteng espasyo. Ang mga bintana ay nagpapakita ng mga eksena ng pang-araw-araw na buhay ng mga naninirahan sa matataas na gusali. Ang artista ay hindi nagpapakita ng maliwanag na masayang kinabukasan ng mga taong Sobyet, ngunit nagsasabi tungkol sa tunay, malayo sa romantikong pang-araw-araw na buhay. Ang mga trahedya na palatandaan ay nagpapakita sa pamamagitan ng panlabas na kawalang-muwang: isang nakasabit na pigurin ng isang pagpapakamatay sa sulok ng pinakasikat na canvas ng master.

Marc Zakharovich Chagall (1887-1985). Sa itaas ng lungsod 1914–1918. Canvas, langis. 141x197

Ang kakayahang pagsamahin ang mataas sa karaniwan ay ang indibidwal na kalidad ng gawain ni M. Z. Chagall, isa sa mga pinakatanyag na kinatawan ng artistikong avant-garde ng ika-20 siglo. Ang pagpipinta na "Above the City" ay naglalarawan ng dalawang magkasintahan - ang artista at ang kanyang minamahal na si Bella, na mabilis na umaakyat sa Vitebsk, maganda at natural, na parang naglalakad lang sila sa mga landas ng parke. Ang magmahal, maging masaya at lumipad sa isang pang-araw-araw na lungsod ay natural na gaya ng pagyakap sa isa't isa - ang gayong ideya ay pinagtibay ng mga bayani.

Ang pagpipinta na ito ni Chagall ay nakalaan para sa isang kakaibang kapalaran. Bilang pag-aari ng State Tretyakov Gallery, ito ay naging marahil ang pinakasikat na gawa ng artist sa post-Soviet space. Ang dahilan nito ay higit sa lahat ay ang pagiging naa-access nito para sa panonood, kabaligtaran sa mga gawa ni Chagall, na mapagkakatiwalaang nakatago mula sa mga mata sa pamamagitan ng isang bakal na kurtina. Pabulusok sa mundo ng mga maliliit na bahay at mga bakod na bakod, na maingat na isinulat ng master, sinimulan mong mahuli ang iyong sarili sa pag-iisip na napunta ka sa Vitebsk ng kabataan ng Chagall - isang lungsod na, sayang, wala na. “Ang mga bakod at bubong ng wattle, mga log cabin at mga bakod, at lahat ng nagbubukas pa, sa likod ng mga ito, ay natuwa ako. Ano nga ba - makikita mo sa aking pagpipinta na "Above the city". At masasabi ko. Isang hanay ng mga bahay at kubol, bintana, tarangkahan, manok, isang nakasakay na pabrika, isang simbahan, isang banayad na burol (isang abandonadong sementeryo). Ang lahat ay isang sulyap, kung titingnan mo mula sa bintana ng attic, na nakadapa sa sahig, "ito ay isang quote mula sa autobiography" My Life ", na isinulat ni Chagall pagkatapos umalis sa Russia.

Martiros Sergeevich Saryan (1880-1972). Mga bundok. Armenia 1923. Langis sa canvas. 66x68

Si M. S. Saryan ang pinakadakilang master ng pagpipinta ng Armenian noong ika-20 siglo, na nagpatuloy sa mga tradisyon ng simbolismo. Sa painting na “Mountains. Armenia" ay nagpapakita ng isang kolektibong imahe ng Armenia, at hindi partikular na mga larawan ng anumang indibidwal na mga lugar. Sa kanilang ningning at emosyonalidad, ang mga gawang ito ay malapit sa mga pre-rebolusyonaryong gawa ni Saryan, na naiiba sa huli sa mas malaking monumentalismo. Ang pagkakaroon ng paglalakbay para sa halos apat na dekada ang lahat ng mga pinaka-kahanga-hangang mga lugar sa Armenia, nagtatrabaho ng maraming sa kalikasan, ang artist ay lumikha ng isang malaking iba't ibang mga landscape. Noong huling bahagi ng 1920s, nagbago ang paraan ng trabaho ni Saryan sa larangan ng landscape. Sa halip na mabilis na pagkatuyo ng mga tempera na pintura, nagtatrabaho siya sa mga pintura ng langis, na ginagawang posible na magpinta ng mga landscape nang direkta mula sa kalikasan, at hindi mula sa memorya, tulad ng dati.

Pyotr Petrovich Konchalovsky (1867–1956). Portrait of V. E. Meyerhold 1938. Langis sa canvas. 211x233

Sa panahon ng mass repression, ilang sandali bago ang pag-aresto at pagkamatay ni Meyerhold, si P. P. Konchalovsky ay lumikha ng isang larawan ng namumukod-tanging figure na ito sa teatro. Para sa direktor ng repormista na si Vsevolod Emilievich Meyerhold, nagsimula ang 1938 nang husto: noong Enero 7, pinagtibay ng Committee on Arts ang isang resolusyon sa pagpuksa ng Meyerhold State Theatre (GOSTIM).

Upang bigyang-diin ang salungatan ng indibidwal sa nakapaligid na katotohanan, habang lumilikha ng isang larawan ng direktor, gumamit ang artist ng isang kumplikadong solusyon sa komposisyon. Sa unang sulyap, tila ang canvas ay naglalarawan ng isang mapangarapin na ang mga pangarap ay nakapaloob sa mga kulay na pattern na sumasakop sa buong dingding at ang sofa hanggang sa sahig. Ngunit, sa pagtingin nang mas malapit, maaaring hulaan ng isang tao ang masakit na kawalang-interes ng modelo, detatsment mula sa labas ng mundo. Ito ay sa pamamagitan ng pagkakatugma ng isang maliwanag na karpet, nang makapal na natatakpan ng mga burloloy, at ang monochrome na pigura ng direktor, na illusoryly na pinipiga at nababalot sa kakaibang mga kurba ng mga pattern, na si Konchalovsky ay lumilikha ng isang espesyal na emosyonal na pag-igting na nagpapakita ng nilalaman ng imahe. .

Ilya Ivanovich Mashkov (1881–1944). Pagkain ng Moscow 1924. Langis sa canvas. 129x145

Ang isa sa mga tagapagtatag ng asosasyon ng sining ng Jack of Diamonds, I. I. Mashkov, ay nagsalita tungkol sa kanyang pagpipinta tulad ng sumusunod: "Nais kong patunayan na ang ating sining ng pagpipinta ng Sobyet ay dapat makaramdam ng kaayon sa ating panahon at naiintindihan, nakakumbinsi, naiintindihan ng bawat taong nagtatrabaho. . Nais kong magpakita ng makatotohanang sining sa simpleng balangkas na ito. Still life "Khleby" ay ang aming ordinaryong Moscow panaderya sa kanyang panahon... at ang komposisyon ay, bilang ito ay, pabaya, malamya, ngunit sa amin, Moscow, lokal, at hindi Parisian... Khleby ay ang aming ina Russia... katutubong, tinapay, orkestra, organ, koro.” Ang artista, gayunpaman, ay hindi matapat, hindi niya sinabi na ipininta niya ang kanyang buhay pa rin mula sa memorya.

Kaagad pagkatapos ng paglitaw ng gawaing ito sa eksibisyon, kinilala ito bilang isang klasiko ng pagpipinta ng Sobyet. Napansin ng opisyal na pagpuna ng Sobyet ang pagkakaugnay ng buhay na buhay sa mga gawain ng pagpipinta ng sosyalistang realismo: sa katunayan, may kagutuman sa bansa, ngunit sa sining ay may kamangha-manghang kasaganaan! Gayunpaman, ang gawaing ito ay nagpakita ng isang natatanging larawang regalo ng artist: isang dynamic na komposisyon, kayamanan ng kulay - lahat ng mga tampok na ito ay likas sa mga artista ng "Jack of Diamonds".

Vera Ignatievna Mukhina (1889–1953). Julia 1925. Puno. Taas 180

Ang iskultura ng natitirang master ng XX siglo V. I. Mukhina ay nakuha noong 2006 para sa koleksyon ng State Tretyakov Gallery. Ang gawain ay ipinakita na sa permanenteng eksibisyon ng museo sa Krymsky Val. Ang pangalan ng trabaho ay nauugnay sa pangalan ng ballerina na si Podgurskaya, na naging modelo. Ang may-akda ay naglalaman ng isang kumplikadong masining na konsepto sa isang pigura na ipinakita sa isang spiral na paggalaw. Ito ay isang pambihirang halimbawa ng eskulturang gawa sa kahoy na nagpapanatili sa pagka-orihinal ng gawa ng tao. Tinawag ito ng Russian art historian na si A. V. Bakushinsky na "isang tunay na bilog na iskultura."

Si Vera Ignatievna ay labis na mahilig sa gawaing ito at hanggang sa mga huling araw ay itinago niya ito sa kanyang studio. Noong 1989, ang iskultura na "Julia" ay kasama sa personal na eksibisyon ng V.I. Mukhina, na inayos sa loob ng mga dingding ng gallery para sa kanyang sentenaryo. Nang maglaon, ang plastic na obra maestra ay nasa pamilya ng kanyang anak na si V. A. Zamkov, na nagpamana pagkatapos ng kanyang kamatayan upang ilipat ang gawain sa koleksyon ng State Tretyakov Gallery.

Sarra Dmitrievna Lebedeva (1892–1967). Batang babae na may butterfly 1936. Bronze. Taas 215

Ang "Girl with a Butterfly" ay isang bronze casting ng isang landscape gardening sculpture na idinisenyo upang palamutihan ang Moscow Central Park of Culture and Leisure (mayroong hindi napreserbang bersyon ng semento sa parke). Ang kaplastikan ng rebulto ay nagpapahiwatig ng maingat na paggalaw ng isang batang babae na nagsisikap na huwag takutin ang isang paru-paro na dumapo sa kanyang kamay. Sa gawaing ito, tulad ng sa lahat ng kanyang trabaho, ang iskultor at artist na si Sarra Lebedeva ay lumilitaw bilang isang banayad na psychologist, na napansin ang emosyonal na estado ng kanyang modelo, sinusubukang "itigil ang sandali" at panatilihin ang butterfly.

Nikolai Konstantinovich Istomin (1886 (1887) -1942). Unibersidad 1933. Langis sa canvas. 125.5x141.5

Si Istomin, na nakatanggap ng edukasyon sa sining sa Munich, isang miyembro ng asosasyon ng Makovets at Four Arts, pagkatapos ng kanilang pagpuksa noong unang bahagi ng 1930s, ay sumali sa Association of Artists of Revolutionary Russia. Sa pagpipinta na "Mga Unibersidad", tinutugunan ng artista ang tema ng kabataan, ang hinaharap na mga tagabuo ng sosyalismo, na nauugnay sa sining ng panahon ng Stalin. Ngunit ang desisyon ng gawaing ito, kapwa sa mga tuntunin ng pagpipinta at nilalaman, ay may maliit na pagkakatulad sa poster na optimismo ng mga pampakay na pagpipinta ng mga taong iyon. Ipinapakita nito ang mga diskarte sa pagpipinta na katangian ng Istomin, na nabuo sa unang bahagi ng panahon ng pagkamalikhain sa ilalim ng impluwensya ng Fauvism.

Isang maaliwalas na silid na may malaking parisukat na bintana sa isang madilim na berdeng pader, sa likod nito ay isang pink-perlas (sa kaibahan sa malalim, malakas na kulay sa loob) taglamig lungsod. Laban sa liwanag - magagandang silhouette ng dalawang batang babae sa itim, abala sa pagbabasa. Ang mga pangunahing tauhang babae ng trabaho ay magkatulad sa isa't isa tulad ng kambal na kapatid na babae. Sa unang sulyap, mayroon kaming bago sa amin ng isang genre ng pang-araw-araw na buhay, ngunit ang kahulugan ng malaki, malawak at matapang na ipininta na canvas ay malinaw na wala sa mga detalye ng kuwento at hindi sa mga karakter ng mga batang babae, hindi sa kanilang mga aktibidad. Ang larawang ito, na karaniwan sa balangkas nito, ay tila isang bukas na bintana patungo sa isa pa, nakalipas na panahon, at parang nilulubog ang manonood sa espirituwal na kapaligiran noong 1930s. Ang pagpipinta, na may mahigpit, halos graphic na scheme ng kulay, ay liriko at namumukod-tangi sa mga bonggang gawa ng sining sa panahong ito.

Pavel Dmitrievich Korin (1892–1967). Alexander Nevskiy. Gitnang bahagi ng triptych 1951. Langis sa canvas. 72.5x101

Ang artist ay lumikha ng isang canvas na lumuluwalhati sa mga sandata ng Russia sa isang mahirap na panahon para sa bansa, sa panahon ng Great Patriotic War. Ang gitnang larawan ng triptych ay naglalarawan kay Prince Alexander Yaroslavich, na tinawag na Nevsky para sa tagumpay laban sa mga Swedes sa Labanan ng Neva noong 1240 at na-canonize ng Russian Orthodox Church noong 1549. Ang prinsipe ay lumilitaw sa harap ng manonood bilang isang may layunin, matapang na kumander. Ang isang malawak na balikat na mandirigma na nakasuot ng baluti, na may hawak na isang malaking espada sa kanyang harapan, ay nakatayo laban sa backdrop ng walang katapusang kalawakan ng Russia at maingat na binabantayan ang kanyang mga tinubuang lupain. Si Alexander Nevsky ay nagpapakilala sa tapang at tapang ng mga mamamayang Ruso, na handang lumaban hanggang sa huling patak ng dugo para sa kanilang kalayaan at kalayaan. "Nais kong," paggunita ng artista, "na ihatid ang katangian ng isang taong Ruso, na isama ang diwa ng katapangan, na isang mahalagang katangian ng bansa, na nag-udyok sa mga tao ng Russia na lumaban hanggang kamatayan, na sumulong. . Ang diwa ng pagsuway sa kapalaran, ang kalooban at katatagan nito ay umaalingawngaw pareho sa The Tale of Igor's Campaign, at sa mga unang taludtod ni Pushkin, at sa ating sariling mga puso.

Batay sa pagpipinta, ang mga mosaic ay ginawa sa kalaunan para sa istasyon ng Komsomolskaya-Koltsevaya ng Moscow metro.

Yuri (George) Ivanovich Pimenov (1903-1977). Bagong Moscow 1937. Langis sa canvas. 140x170

Mula noong kalagitnaan ng 1930s, si Pimenov, isa sa mga tagapagtatag ng Society of Easel Painters, ay nagtatrabaho sa isang serye ng mga pagpipinta tungkol sa Moscow, kung saan ang pagpipinta na "Bagong Moscow" ay naging lalong popular. Sa taimtim na sigasig, ang mga artista ay nagtrabaho sa paglikha ng isang bagong mitolohiya ng Sobyet, na nangangailangan ng iba pang mga anyo. Ang pagpipinta na "Bagong Moscow" ay medyo pare-pareho sa diwa ng panahon. Ang komposisyon ay nalutas bilang isang frame na nakunan ng isang lens ng camera. Nakatuon ang may-akda sa pigura ng isang babaeng nagmamaneho ng kotse, na isang hindi pa naganap na kababalaghan noong 1930s. Ang manonood ay tila nakaupo sa likuran niya at pinapanood ang umaga na na-update ang Moscow mula sa isang bukas na kotse. Ang monolitikong bulk ng bagong itinayong gusali ng Gosplan, ang libreng avenue at ang kalawakan ng mga parisukat, ang iskarlata na titik ng kamakailang binuksan na subway - lahat ito ay isang inayos na Moscow. Kulay, naglalaro ng maraming shade at tono, ang isang mobile brushstroke ay naghahatid ng paggalaw ng kotse at ang vibration ng liwanag at hangin na kapaligiran. Ang impresyonistikong istilo ng pagsulat ay nagbibigay ng pagiging bago at kagandahan ng trabaho - ganito dapat ang pag-unawa sa bagong kapital, at kasama nito ang bagong buhay ng Sobyet. Gayunpaman, ang taon ng paglikha ng canvas na ito ay malinaw na sumasalungat sa optimistikong tema ng "maliwanag na landas".

Alexander Mikhailovich Gerasimov (1881–1963). Larawan ng isang ballerina O. V. Lepeshinskaya 1939. Langis sa canvas. 157x200

Ang pambihirang talento ng pintor, ang masayahin, "makatas" na paraan ng pagpipinta - lahat ng ito, habang iniakyat ni A. M. Gerasimov ang hagdan ng karera ng panlipunang pagiging totoo, ay nakakuha ng isang seremonyal na pagtakpan. Gumawa si Gerasimov ng isang buong gallery ng mga larawan ng mga kilalang pigura ng estado ng Sobyet at ng Partido Komunista ng Unyong Sobyet, mga pinuno ng militar ng Hukbong Sobyet, mga kinatawan ng agham ng Sobyet, panitikan, teatro at sining. Laban sa background ng mga opisyal ng partido, ang artista ay nakatanggap ng isang outlet sa mga larawan ng creative intelligentsia (ballerina O. V. Lepeshinskaya, isang larawan ng grupo ng mga pinakalumang artista na sina I. N. Pavlov, V. N. Baksheev, V. K. Byalynitsky-Biruli, V. N. Meshkov) at iba pa.

Ang pagkakaroon ng hindi nagkakamali na pamamaraan, nagawa ni Lepeshinskaya na ipakita ang kanyang sarili, masigla, kumikinang na karakter sa bawat imahe na nilikha sa ballet stage. Nahuli ng artista ang ballerina sa sandali ng pag-eensayo. Ang pangunahing tauhang babae ay natigilan sandali sa harap ng madla sa isang tipikal na hakbang ng sayaw - nakatayo siya sa sapatos na pointe, ang kanyang mga kamay ay nakababa sa kanyang tutu, ang kanyang ulo ay bahagyang lumiko sa gilid, na parang naghahanda para sa susunod na paglabas sa gitna. ng rehearsal room. Isa pang sandali - at ipagpapatuloy ng ballerina ang sayaw. Nag-aapoy ang kanyang mga mata, puno ng inspirasyon at pagmamahal sa kanyang propesyon. Sa larawan, ang tradisyonal na pagiging kinatawan ay pinagsama sa isang bagong hitsura sa malikhaing aktibidad. Ang sayaw sa buhay ng isang ballerina ay ang pinakamataas na kahulugan ng kanyang pag-iral.

Mikhail Vasilyevich Nesterov (1862–1942). Larawan ng iskultor na si V. I. Mukhina 1940. Langis sa canvas. 75x80

Inilalarawan ng pagpipinta si Vera Mukhina, isang iskultor ng Sobyet, ang may-akda ng maraming sikat na mga gawa, kabilang ang sikat na grupong "Worker and Collective Farm Woman", na ipinakita sa World Exhibition sa Paris noong 1937. Si Vera Ignatievna ay gumagawa ng mga huling karagdagan sa prototype ng hinaharap na iskultura. Sa isang kamay ay may hawak siyang maliit na piraso ng luwad, at sa isa pa ay pinapataas niya ang volume ng isa sa mga bayani. Direktang kinukuha nito ang pagkilos ng pagkamalikhain, ang sandali kung kailan ang isang tunay na gawa ng sining ay ipinanganak mula sa isang walang hugis na piraso ng luad.

Ang compositional center ng trabaho ay isang maliwanag na pulang brotse na may hawak na kwelyo ng isang puting blusa. Inihahambing ni Nesterov ang konsentrasyon ng Mukhina sa mabilis na dinamismo, ang desperadong salpok na inihahatid niya sa kanyang paglikha. Salamat sa emosyonal na kaibahan na ito, ang "Portrait of the sculptor V. I. Mukhina" ay tumatanggap ng espesyal na pagpapahayag, isang aktibong panloob na buhay, sa gayon ay inilalantad ang kumplikadong karakter ni Vera Ignatievna mismo.

Tair Teimurazovich Salakhov (ipinanganak noong 1928). Larawan ng kompositor na si Kara Karaev 1960. Langis sa canvas. 121x203

Sa larawan ng pambihirang kompositor ng Azerbaijani na si Kara Karaev, hinahangad ng artist na ipakita ang mahirap na proseso ng pagsilang ng musika. Ang isang puro pose, sarado mula sa punto ng view ng sikolohiya mula sa viewer, ay nagsasalita ng sukdulang konsentrasyon sa panloob na boses. Ang proseso ng paglikha ay maaaring maging matindi at mahaba, kung saan ang panlabas na buhay ay tila nag-freeze para sa isang tao na nahuhulog sa kanyang sarili, o nag-drag sa hindi makatwirang mahabang panahon sa isang tala hanggang sa makahanap ng solusyon. Hindi ba't ang mahabang itim na piano ay tila walang katapusan, sa background kung saan ipinakita ang nakaupo na pigura ng kompositor. Ang imahe ng instrumentong pangmusika na ito ay nagtatakda ng sinusukat na ritmo ng komposisyon at nagsisilbing kinakailangang kaibahan para sa bayaning nakasuot ng puting jumper. Dinadala ng artist ang matibay na contours ng figure at interior na item ni Karaev sa halos isang graphic scheme. Ang panloob na kasiningan ng kompositor, ang kanyang talento, malikhaing pag-igting ay ipinahayag ng sistema ng kulay.

Grigory Ivanovich Kepinov (Grigor Ovanesovich Kepinyan) (1886–1966). Babaeng torso 1934–1946. Marmol. Taas 71

Ang sikat na iskultor ng Sobyet na si G. I. Kepinov, na nag-aral sa Julien Academy sa Paris, ay itinuturing na kanyang tungkulin na mapanatili ang mga tradisyong pang-akademiko sa iskultura. Gumawa siya ng mga larawan ng maraming mga kontemporaryo.

Ang marmol na "Female Torso" ay isang kahanga-hangang sculptural embodiment ng babaeng kagandahan, ngunit hindi katulad ng klasikal na pag-unawa nito, ito ay kabayanihan na kagandahan, na naaayon sa mga mithiin ng panahon. Ang magandang hubad na katawan ay panahunan, ang paggalaw ng paglabas ng pigura mula sa bloke ng bato ay nakapagpapaalaala sa hindi natapos na mga gawa ni Michelangelo.

Oleg Konstantinovich Komov (1932–1994). Salamin 1958. Tanso. Taas 60

Ang bronze sculptural composition na "Glass" ay nilikha ni O.K. Komov isang taon bago magtapos mula sa Moscow Art Institute. V. I. Surikov. Ang istilo ng may-akda ay tinukoy bilang isang malubhang istilo (o matinding pagiging totoo), na lumitaw lalo na sa pagpipinta noong huling bahagi ng 1950s - unang bahagi ng 1960s at ginawang tula ang pang-araw-araw na buhay ng mga ordinaryong tao, ang kanilang lakas at kalooban. Ang matinding estilo ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagnanais para sa monumentalidad ng imahe, na nagpapakita rin ng sculptural na komposisyon ng Komov.

Ang kanyang pangunahing tauhang babae ay isang simpleng kabataang manggagawa, na ang malalakas na kamay - tulad ng mga kamay ng milyun-milyong taong tulad niya - ay nagtatayo ng isang bansa. Ang malupit na buhay at mahirap na trabaho ay lumampas sa biyaya at kahinaan. Ang "maharlika" ay wala sa uso: ang trabaho ay marangal. Ang kalmado na kumpiyansa ng pose ng manggagawa ay kaibahan sa walang katiyakan na posisyon ng salamin, at ang buong komposisyon ay nagbibigay ng impresyon ng pagkakaisa ng mga magkasalungat na ito.

Ang espasyo ay naging isa sa mga nangungunang bahagi ng gawaing ito. Ang kanyang relasyon sa pigura ng isang babae ay kumplikado at hindi maliwanag. Ang malawak na kilos ng mga kamay ng pangunahing tauhang babae ay bukas sa labas ng mundo, aktibong nakikipag-ugnayan dito, ngunit ang kanyang espasyo ay limitado sa pamamagitan ng mga contour ng salamin kung saan siya ay pinipiga, na parang nasa isang frame. Ang salamin ay isang prisma kung saan nauunawaan niya ang mundo, ngunit isang hindi nakikitang pader sa pagitan niya at ng mundong ito.

Arkady Alekseevich Plastov (1893-1972). Spring 1954. Langis sa canvas. 123x210

Isa sa mga natitirang kinatawan ng paaralan ng pagpipinta ng Moscow, si A. A. Plastov ay nagpatuloy sa kanyang gawain ang mga tradisyon ng V. A. Serov, A. E. Arkhipov at ang mga masters ng Union of Russian Artists. Ang katapatan sa tema ng magsasaka, kung saan "ipapakita ang laman ng tao sa lahat ng siklab nito sa sukdulan at katotohanan", ang organicity ng kulay at immediacy ng impresyon sa "malaking" larawan ay katangian ng mga gawa ng artist noong 1940s-1950s.

Sa pagpipinta na "Spring", pinamamahalaan ng pintor na makuha ang perpekto ng babaeng kagandahan, katawan at espirituwal, na nabubuhay sa imahinasyon ng bawat tao at, bilang panuntunan, ay hindi nakapaloob sa totoong buhay. Ang lamig, ilang detatsment ng liham, ang nakakaantig na imahe ng isang bata, ang pagiging simple at pagiging natural ng balangkas ay naglalagay sa gawaing ito sa isang pedestal ng dalisay na kasiyahan at malinis na pag-ibig, hindi naa-access sa pandama. Tinawag ni Plastov ang gawaing "Spring" (at hindi "Sa lumang bathhouse"), sa gayon ay binibigyang-diin ang likas na metaporiko nito at naaalala ang buong magkakaugnay na hanay ng mga imahe ng sining ng mundo na nauugnay sa salitang ito.

XX-XXI SIGLO 1922. "March on Rome" Benito Mussolini, This Duce ("lider") ang naging sentro ng Italian fascism. Ang paglalagay ng harap na kalye ng Via dei Fori Imperiali. 1943. Matapos ang mapangwasak na pambobomba sa Rome ng Allied aircraft, si Mussolini ay inaresto ng

Mula sa aklat ng Rhodes. Gabay may-akda Furst Florian

XX-XXI siglo 1912. Nakuha ng Italy ang Rhodes, at pagkatapos ay ang iba pang mga isla ng Dodecanese. 1923. Tinitiyak ng Treaty of Lausanne ang dominasyon ng mga Italyano sa isla. 1943. Sinakop ng Germany ang Rhodes at noong 1944 ay ipinatapon ang lahat ng mga Hudyo ng Rhodes mula sa isla. 1945. mga tropang Greek

Mula sa aklat na Crossword Guide may-akda Kolosova Svetlana

Mga artista ng XX siglo 3 Rouault, Georges - pintor ng Pranses Yuon, Konstantin Fedorovich - pintor ng Russia 4 Kasal, Georges - pintor ng Pranses Gris, Juan - pintor ng Espanyol Dali, Salvador - pintor ng Espanyol Dufy, Raoul - pintor ng Pranses. Fernand - Pranses

Mula sa aklat na War and Peace [In terms and definitions] may-akda Rogozin Dmitry Olegovich

KABANATA 6 Sining militar. Operational art AIR DOMINATION mapagpasyang air superiority ng isa sa mga partido sa airspace sa isang teatro ng mga operasyon, isang mahalagang direksyon sa pagpapatakbo o sa isang partikular na lugar. Pinapayagan ang Air Force pati na rin ang Army

Mula sa aklat na Budapest at suburbs. Gabay may-akda Bergmann Jürgen

XIX-XX siglo 1848. Ang organisasyong Young Hungary, na pinamumunuan ng makata na si Sandor Petofi, ay nagtataguyod ng mga burges-demokratikong reporma sa bansa at itinaas ang Rebolusyong Marso. Sa taglagas, sinimulan ng mga Habsburg na sugpuin ang pag-aalsa. Namatay si Sandor Petofi noong 1849 na ipinaglalaban

Mula sa aklat na Lisbon. Gabay may-akda Bergmann Jürgen

XX at XXI siglo 1908. Isang matinding pakikibaka para ibagsak ang monarkiya. Ang pagtatangkang pagpatay kay Haring Carlos I at ang tagapagmana ng trono, si Luis Filipe. Oktubre 5, 1910. Proklamasyon ng Republika. Si Haring Manuel II ay tumakas patungong England. 1926. Diktadurang militar: paglusaw ng parlyamento, pagwawakas ng pampulitika

Mula sa aklat na Crimes of the Century may-akda Blundell Nigel

Nigel Blundell Encyclopedia of World Sensations of the 20th Century VOLUME 1: Mga Krimen

Mula sa librong Different hits. Gabay ni Weeldoon

Popadans noong sinaunang panahon (hanggang sa ika-19 na siglo) Bago noong 10/30/2014 Grinberga Oksana Koroleva. Mabuhay na hindi mabaliw Posnyakov Andrey Wild field Korchevsky Yuri Atlant. Nagbebenta ng oras Yuriy Korchevsky Gold ng mga patay. Nobleman Korchevsky Yuri Storm of Time

Mula sa aklat na Paano maging isang manunulat ... sa ating panahon may-akda Nikitin Yuri

Sining at… pekeng sining Hindi alam ng lahat na sa panitikan, tulad ng sa anumang uri ng sining, mayroong paghahati sa sining at pekeng sining, bagama't dapat itong maging halata. Halimbawa, ang pag-ibig ay sining, ngunit ang pakikipagtalik ay peke. Malinaw, peke

Mula sa aklat na Thoughts, aphorisms, quotes. Negosyo, karera, pamamahala may-akda Dushenko Konstantin Vasilievich

Sining na gusto. Ang sining ng komunikasyon Tingnan din ang "PR" (p. 178); "Makipagtulungan sa mga tao. Pagtutulungan ng magkakasama ”(p. 307) Ang pinakakapaki-pakinabang sa lahat ng sining ay ang sining ng kasiya-siya. Philip Chesterfield (1694–1773), Ingles na diplomat at manunulat Dapat ipagpalagay na kung ang isang makatwirang tao ay walang pagnanais

Mula sa aklat na The State Tretyakov Gallery may-akda hindi kilala ang may-akda

18th century na sining ni Louis Caravaque. "Larawan ni Empress Anna Ioannovna". 1730 Ivan Nikitich Nikitin (Mga 1680-1742) Portrait of Count G. I. Golovkin 1720s. Canvas, langis. 73.4x90.9 Count Gavriil Ivanovich Golovkin (1660–1734) - isa sa mga tapat na kasama ni Peter I, ang unang chancellor ng Russian

Mula sa aklat ng may-akda

Sining ng unang kalahati ng ika-19 na siglo Vasily Andreevich Tropinin. "Lacemaker". 1823 Orest Adamovich Kiprensky (1782–1836). Portrait of Countess E. P. Rastopchina 1809. Langis sa canvas. 61x77 Mga larawan ng kababaihan na nilikha ng kinikilalang master ng portrait na O. A. Kiprensky - isang napakahalagang pahina sa

Mula sa aklat ng may-akda

Sining ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo Vasily Vladimirovich Pukirev. "Hindi pantay na kasal". 1862 Konstantin Dmitrievich Flavitsky (1830–1866). Prinsesa Tarakanova 1863. Langis sa canvas. 187.5x245 Ang kasaysayan ng impostor sa Russia ay isang paksa na patuloy na nagpapagulo sa imahinasyon ng mga artistang Ruso.

Mula sa aklat ng may-akda

Sining ng ika-20 siglo Zinaida Evgenievna Serebryakova. "Sa likod ng banyo. Self-portrait. 1909 Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin (1861–1939). Naliligo sa pulang kabayo 1912. Langis sa canvas. 160x186Noong 1912 sa eksibisyon na "World of Art" mayroong isang pagpipinta ni K. S. Petrov-Vodkin na "Bathing a Red Horse", na