Art of Africa - isang pangkalahatang-ideya sa konteksto ng mga bansa at kultura ng mga indibidwal na tao

sining ng Africa (Sining ng Africa)

Ang Art of Africa (African art) ay isang terminong karaniwang ginagamit sa sining ng sub-Saharan Africa. Kadalasan ang mga kaswal na tagamasid ay may posibilidad na mag-generalize mula sa "tradisyonal" na sining ng Africa, ngunit ang kontinente ay puno ng mga tao, komunidad at sibilisasyon, bawat isa ay may sariling natatanging visual na kultura. Maaaring kabilang din sa kahulugang ito ang sining ng mga African diaspora, gaya ng sining ng mga African American. Sa kabila ng pagkakaiba-iba na ito, may ilang pinag-iisang tema ng sining kung isasaalang-alang ang kabuuan ng visual na kultura ng kontinente ng Africa. Ang paglalapat ng istilong African sa interior ay medyo madali. Nasa ibaba ang ilang mahahalagang katangian ng mga African mask at figurine, ang mga analogue nito ay mabibili sa Afroart Gallery.

Ang terminong "Sining ng Africa" ​​​​ay hindi karaniwang kasama ang sining ng mga lugar ng Hilagang Africa sa baybayin ng Mediterranean, dahil ang mga lugar na ito ay matagal nang bahagi ng iba't ibang mga tradisyon. Sa loob ng mahigit isang libong taon, ang sining sa mga lugar na ito ay naging mahalagang bahagi ng sining ng Islam, kahit na may maraming espesyal na katangian. Ang sining ng Ethiopia, na may mahabang tradisyong Kristiyano, ay naiiba rin sa karamihan sa mga bansang Aprikano, kung saan ang mga tradisyonal na relihiyong Aprikano (ang Islam ay laganap sa hilaga) ay nangingibabaw hanggang kamakailan lamang.

Sa kasaysayan, ang eskultura ng Aprika ay kadalasang gawa sa kahoy at iba pang mga likas na materyales na hindi nakaligtas mula sa mga naunang panahon kaysa, sa pinakamaganda, ilang siglo na ang nakalipas; Ang mga mas lumang ceramic figure ay matatagpuan sa maraming lugar. Ang mga maskara ay mahalagang elemento sa sining ng maraming tao, kasama ang mga pigura ng tao, na kadalasang naka-istilo. Napakaraming iba't ibang istilo, kadalasang nag-iiba-iba sa loob ng parehong mga termino ng pinagmulan, depende sa kung paano ginagamit ang bagay, ngunit makikita ang malawak na pagkakatulad sa rehiyon. Ang iskultura ay pinakakaraniwan sa mga nakaupong grupo ng agrikultura sa mga lambak ng ilog ng Niger at Congo sa Kanlurang Africa. Ang mga direktang eskultura ng mga diyos ay medyo bihira, ngunit ang mga maskara ay kadalasang ginagawa para sa mga relihiyosong seremonya (ritwal). Naimpluwensyahan ng mga maskara ng Africa ang modernong sining ng Europa, na inspirasyon ng kanilang kakulangan ng naturalismo. Mula noong huling bahagi ng ika-19 na siglo, nagkaroon ng pagtaas sa bilang ng mga sining ng Africa sa mga koleksyon ng Kanluran, na ang pinakamaganda ay ipinapakita na ngayon sa mga kilalang museo at gallery.

Nang maglaon, ang mga kultura ng West Africa ay bumuo ng bronze casting, na ginamit upang gumawa ng mga relief sculpture at naturalistic na pinuno ng mga pinuno, tulad ng sikat na Benin Bronze, upang palamutihan ang mga palasyo. Golden figured weights ay isa sa mga uri ng maliliit na metal sculpture na ginawa noong panahon 1400-1900; ang ilan ay lumilitaw na naglalarawan ng mga salawikain, na nagpapakilala ng isang elemento ng pagsasalaysay na bihira sa eskultura ng Aprika; kasama sa royal regalia ang pagpapataw ng mga gintong elemento ng eskultura. Maraming mga pigurin sa Kanlurang Aprika ang ginagamit sa mga ritwal ng relihiyon at kadalasang naglalaman ng mga detalyeng kailangan para sa mga seremonyal na sakripisyo. Ang mga taong nagsasalita ng Mande sa parehong rehiyon ay gumagawa ng mga bagay mula sa kahoy na may malawak na patag na ibabaw at cylindrical na mga braso at binti. Sa Central Africa, gayunpaman, ang pangunahing nakikilalang mga katangian ay hugis pusong mga mukha, hubog sa loob, na may mga pattern ng mga bilog at tuldok.

Ang Silangang Africa, kung saan walang labis na kahoy para sa pag-ukit, ay kilala sa mga pagpipinta ng Tinga-Tinga at mga eskultura ng Makonde. Mayroon ding tradisyon ng paggawa ng sining ng tela. Ang kultura ng Great Zimbabwe ay nag-iwan ng mga gusali na mas kahanga-hanga kaysa sa mga eskultura, ngunit ang walong soapstone na ibong Zimbabwe ay mukhang may espesyal na kahalagahan, at malamang na naka-mount sa mga monolith. Nakamit ng mga kontemporaryong Zimbabwean soapstone sculptor ang makabuluhang internasyonal na tagumpay. Ang pinakalumang kilalang bilang ng luad sa South Africa ay mula sa pagitan ng 400 at 600 AD. BC, mayroon silang mga cylindrical na ulo na may pinaghalong katangian ng tao at hayop.

Mga pangunahing elemento ng sining ng Africa

Masining na pagkamalikhain o nagpapahayag na indibidwalismo: Sa partikular na sining ng Kanlurang Aprika, mayroong malawakang diin sa nagpapahayag na indibidwalismo, habang kasabay nito ay naiimpluwensyahan ng gawain ng mga nauna. Ang isang halimbawa ay ang artistikong pagkamalikhain ng mga Dan, pati na rin ang kanilang pag-iral sa West African diaspora.

Pagbibigay-diin sa pigura ng tao: Ang pigura ng tao ay palaging pangunahing paksa para sa karamihan ng sining ng Aprika, at ang pagbibigay-diin na ito ay nakaimpluwensya pa nga sa ilang tradisyon sa Europa. Halimbawa, noong ikalabinlimang siglo, nakipagkalakalan ang Portugal sa mga taong Sapi malapit sa Ivory Coast sa Kanlurang Africa, na lumikha ng detalyadong mga ivory salt shaker na pinagsama ang mga katangian ng sining ng Aprika at Europa, pangunahin sa pamamagitan ng pagdaragdag ng pigura ng tao (ang pigura ng tao ay karaniwang , ay hindi lumitaw sa Portuguese salt shaker). Ang pigura ng tao ay maaaring sumasagisag sa buhay o patay, mga pinuno, mananayaw, o iba't ibang propesyon tulad ng mga drummer o mangangaso, o maaaring maging isang antropomorpikong paglalarawan ng isang diyos o may ibang votive function. Ang isa pang karaniwang tema ay ang hybrid ng tao-hayop.

Visual abstraction: Ang sining ng Africa ay may posibilidad na pabor sa visual abstraction kaysa naturalistic na paglalarawan. Ang dahilan ay ang maraming mga gawang Aprikano ay nag-generalize ng mga pangkakanyahang kaugalian. Itinuturing sa pangkalahatan na naturalistikong naglalarawan, ang sinaunang sining ng Egypt ay gumagamit ng lubos na abstract at pare-parehong mga visual na canon, lalo na sa pagpipinta, pati na rin ang iba't ibang kulay upang kumatawan sa mga katangian at katangian ng inilalarawan.

Pagbibigay-diin sa sculpture: Mas gusto ng mga African artist ang 3D artwork kaysa 2D work. Kahit na maraming mga African painting o tela ay dapat makaramdam ng three-dimensional. Ang pagpipinta ng bahay ay madalas na nakikita bilang isang tuluy-tuloy na disenyo na nakabalot sa bahay, na pinipilit ang manonood na maglakad-lakad upang maranasan ito nang lubos; habang ang mga pinalamutian na tela ay isinusuot bilang pandekorasyon o seremonyal na kasuotan, na ginagawang isang buhay na eskultura ang taong may suot nito. Hindi tulad ng static na anyo ng tradisyonal na Western sculpture, ang sining ng Africa ay naglalarawan ng dinamika, kahandaan para sa paggalaw.

Pagdidiin sa sining ng aksyon: Isang extension ng utilitarianism at three-dimensionality ng tradisyunal na sining ng Africa ay ang katotohanan na karamihan sa mga ito ay nilikha upang magamit sa konteksto ng aksyon sa halip na static. Halimbawa, ang mga tradisyunal na African mask at costume ay kadalasang ginagamit sa mga komunal, seremonyal na konteksto kung saan ang mga ito ay "sinasayaw". Karamihan sa mga lipunan sa Africa ay may mga pangalan para sa kanilang mga maskara, ngunit kabilang sa isang pangalan na ito hindi lamang ang maskara mismo, kundi pati na rin ang kahulugan nito, ang sayaw na nauugnay dito, at ang mga espiritu na naninirahan sa loob nito. Ang pag-iisip ng Aprikano ay hindi naghihiwalay sa isa sa isa.

Non-linear scaling: Kadalasan ang isang maliit na bahagi ng isang African artistikong komposisyon ay mukhang malaking bahagi, tulad ng mga diamante sa iba't ibang kaliskis sa mga pattern ng Kasai. Tinawag itong "dynamic symmetry" ni Louis Senghor, ang unang pangulo ng Senegal. Si William Fagg, isang British art historian, ay inihambing ito sa logarithmic na pagpapakita ng natural na paglaki ng biologist na si D'Arcy Thompson. Kamakailan lamang, ito ay inilarawan sa mga tuntunin ng fractal geometry.

Ang sukat ng sining ng Africa

Hanggang kamakailan lamang, ang pagtatalagang "African" ay karaniwang tumutukoy lamang sa sining ng "Black Africa", mga taong naninirahan sa sub-Saharan Africa. Ang mga di-itim na tao ng North Africa, ang populasyon ng Horn of Africa (Somalia, Ethiopia), pati na rin ang sining ng Sinaunang Ehipto, bilang panuntunan, ay hindi kasama sa konsepto ng sining ng Africa.

Gayunpaman, kamakailan lamang ay isang push sa mga African art historian at iba pang mga iskolar na isama ang visual na kultura ng mga lugar na ito, dahil lahat sila ay mahalagang nasa loob ng geographic na mga hangganan ng kontinente ng Africa.

Ang punto ay sa pamamagitan ng pagsasama ng lahat ng mga taong Aprikano at ang kanilang visual na kultura sa sining ng Aprika, ang mga hindi propesyonal ay magkakaroon ng mas malalim na pag-unawa sa pagkakaiba-iba ng kultura ng kontinente. Dahil ang mga tradisyonal na kulturang Aprikano, Islamiko, at Mediteraneo ay madalas na nagsanib, natuklasan ng mga iskolar na hindi gaanong makabuluhan ang pagguhit ng malinaw na pagkakaiba sa pagitan ng mga rehiyong Muslim, sinaunang Ehipto, Mediteraneo, at mga katutubong itim na lipunang Aprikano.

Sa wakas, ang sining ng African diaspora sa Brazil, Caribbean, at timog-silangang Estados Unidos ay nagsimula na ring isama sa pag-aaral ng sining ng Aprika. Itinatago ng kumbinasyon ng sining na may mga dayuhang impluwensya ang kakulangan ng intrinsic artistic merit, lalo na sa panahon bago ang pagdating ng sibilisasyon sa kontinente, na dinala mula sa mga kulturang may mas mahabang kasaysayan ng pag-unlad.

African sining - mga materyales

Ang sining ng Africa ay may maraming anyo at ginawa mula sa iba't ibang mga materyales. Ang alahas ay isang sikat na anyo ng sining na ginagamit upang ipahiwatig ang ranggo, pagiging miyembro ng grupo, o para lamang sa aesthetics. Ang mga alahas ng Africa ay ginawa mula sa mga materyales na magkakaibang gaya ng tiger's eye, hematite, sisal, bao ng niyog, kuwintas, at ebony. Ang mga sculpture ay maaaring kahoy, ceramic, o inukit sa bato, tulad ng sikat na Shona sculptures, at ang pinalamutian o nililok na pottery ay nagmumula sa maraming rehiyon. Mayroong iba't ibang anyo ng mga tela, kabilang ang kitenzh, bogolan at kent na tela. Ang mga pakpak ng paruparo o may kulay na sand mosaic ay sikat sa West Africa.

Kasaysayan ng sining ng Africa

Ang pinagmulan ng sining ng Africa ay matagal pa bago naitala ang kasaysayan. Ang African rock art sa Sahara sa Niger ay naglalaman ng mga larawan ng higit sa 6,000 taon na ang nakalilipas. Kasama ng sub-Saharan Africa, ang sining ng kulturang Kanluranin, sinaunang mga painting at artifact ng Egypt, at mga katutubong katimugang sining ay malaki rin ang naiambag sa sining ng Aprika. Kadalasan, na naglalarawan sa kasaganaan ng nakapaligid na kalikasan, ang sining ay nabawasan sa mga abstract na interpretasyon ng mga hayop, buhay ng halaman, o natural na mga pattern at anyo. Ang kaharian ng Nubian ng Kush sa kasalukuyang Sudan ay nasa malapit at madalas na pagalit na pakikipag-ugnayan sa Egypt at gumawa ng monumental na iskultura, karamihan ay nagmula sa mga istilo na hindi nangingibabaw sa hilaga. Sa Kanlurang Africa, ang pinakaunang kilalang iskultura ay nagmula sa kulturang Nok, na umunlad sa tinatawag ngayon na Nigeria sa pagitan ng 500 B.C. e. at 500 AD e. na may mga pigurin na luad, bilang panuntunan, na may mga pinahabang katawan at isang anggular na hugis.

Ang mas sopistikadong mga diskarte sa sining ay binuo sa sub-Saharan Africa noong ika-10 siglo, ang ilan sa mga pinakakilalang tagumpay ay kinabibilangan ng tansong gawa mula sa Igbo Ukwu at Ile Ife na palayok at gawang metal. Ang mga paghahagis ng tanso at tanso, na kadalasang pinalamutian ng garing at mamahaling bato, ay naging napaka-prestihiyoso sa karamihan ng Kanlurang Aprika, kung minsan ay limitado sa gawain ng mga artisan sa korte, na kinikilalang may royalty, tulad ng tanso ng Benin.

Impluwensya sa Kanluraning sining

Matagal nang itinuturing ng mga Kanluranin ang sining ng Africa bilang "primitive". Ang termino ay may kasamang mga negatibong konotasyon ng underdevelopment at kahirapan. Ang kolonisasyon at ang pangangalakal ng alipin sa Africa noong ikalabinsiyam na siglo ay nagpatibay sa opinyon ng Kanluranin sa paniniwalang ang sining ng Africa ay kulang sa teknikal na kakayahan dahil sa mababang katayuan sa sosyo-ekonomiko.

Sa simula ng ikadalawampu siglo, ang mga artista tulad nina Picasso, Matisse, Vincent van Gogh, Paul Gauguin at Modigliani ay nakilala at naging inspirasyon ng sining ng Africa. Sa isang sitwasyon kung saan ang itinatag na avant-garde ay lumaban sa mga limitasyon na ipinataw ng serbisyo ng visual na mundo, ipinakita ng sining ng Africa ang kapangyarihan ng lubos na organisadong mga anyo, na ginawa hindi lamang sa pamamagitan ng kaloob ng paningin, ngunit din, at madalas higit sa lahat, ng kapangyarihan ng imahinasyon, damdamin, mystical at relihiyosong karanasan. Nakita ng mga artistang ito ang pormal na pagiging perpekto, pagiging sopistikado na sinamahan ng kahanga-hangang kapangyarihang nagpapahayag sa sining ng Africa. Ang paggalugad at pagtugon sa sining ng Africa ng mga artista noong unang bahagi ng ikadalawampu siglo ay nag-ambag sa isang pagsabog ng interes sa abstraction, ang organisasyon at muling pagsasaayos ng mga anyo, at ang paggalugad ng emosyonal at sikolohikal na mga lugar na hanggang ngayon ay hindi nakikita sa Kanluraning sining. Sa mga pondong ito, nabago ang katayuan ng fine art. Ang sining ay tumigil sa pagiging simple at pangunahin na aesthetic, ngunit naging isang tunay na sasakyan para sa pilosopikal at intelektwal na diskurso, at samakatuwid ay mas tunay at malalim na aesthetic kaysa dati.

Impluwensiya sa Kanluraning arkitektura

Ang arkitektura ng Europa ay labis na naimpluwensyahan ng sining ng Africa. Ang mga pioneer tulad nina Antonio Sant Elia, Le Corbusier, Pier Luigi Nervi, Theo van Desburg at Erich Mendelssohn ay mga eskultor at pintor din. Nakakita ng bagong repertoire ng mga pangunahing simbolo sa Africa ang futurist, rationalist, at expressionist na arkitektura; sa isang pormal na antas, ang espasyo ay binubuo na ngayon ng mga isahan na anyo na tumutukoy hindi lamang sa proporsyon at sukat ng tao, kundi pati na rin sa sikolohiya nito; ang mga ibabaw ay namodelo ng mga geometric na pattern. Noong 1950s, binago ng mga arkitekto ng Europa ang mga gusali sa malalaking eskultura, na pinapalitan ang hindi kinakailangang palamuti (kaya pinuna ni Adolf Loos) sa pamamagitan ng pagsasama ng mga naka-texture na fresco at malalaking bas-relief sa mga dingding. Noong dekada ng 1960, naimpluwensyahan ng African Art ang Brutalism, kapwa sa wika at simbolismo, lalo na sa yumaong Le Corbusier, Oscar Niemeyer at Paul Rudolph. Ang makapangyarihang gawa ni John Lautner ay nakapagpapaalaala sa mga artifact ng Yoruba; Ang mga sensuous na disenyo ni Patricio Pouchulu ay nagpaparangal sa mga eskultura na gawa sa kahoy ng Dogon at Baule. Hindi tulad ng Europa, ang sining ng Aprika ay hindi kailanman nagtakda ng mga hangganan sa pagitan ng sining ng katawan, pagpipinta, iskultura, at arkitektura; salamat dito, ang mga Kanluraning arkitekto ay maaari na ngayong lumawak patungo sa iba't ibang masining na pagpapahayag.

tradisyonal na sining

Inilalarawan ng tradisyonal na sining ang pinakasikat at pinag-aralan na mga anyo ng sining ng Aprika na karaniwang makikita sa mga koleksyon ng museo. Mas tama na lumikha ng isang istilong Aprikano sa interior sa tulong lamang ng mga naturang item. Ang mga maskara na gawa sa kahoy na naglalarawan ng mga tao, hayop o gawa-gawang nilalang ay isa sa mga pinakakaraniwang nakikitang anyo ng sining sa West Africa. Sa orihinal na konteksto, ang mga seremonyal na maskara ay ginagamit para sa mga pagdiriwang, pagsisimula, pag-aani, at paghahanda para sa digmaan. Ang mga maskara ay isinusuot ng pinili o pinasimulang mananayaw. Sa panahon ng seremonya, ang mananayaw ay pumasok sa isang malalim na kawalan ng ulirat at sa ganitong estado siya ay "nakikipag-usap" sa kanyang mga ninuno. Maaaring magsuot ng mga maskara sa tatlong magkakaibang paraan: patayo, na tinatakpan ang mukha, tulad ng mga helmet, na tinatakpan ang buong ulo, at gayundin sa anyo ng isang crest sa ibabaw ng ulo, na kadalasang natatakpan ng materyal, bilang bahagi ng isang pagbabalatkayo. Ang mga maskara ng Africa ay kadalasang kumakatawan sa mga espiritu, at pinaniniwalaan na ang mga espiritu ng ninuno ay nagtataglay ng mga nagsusuot nito. Karamihan sa mga African mask ay gawa sa kahoy at maaaring palamutihan ng garing, buhok ng hayop, mga hibla ng gulay (tulad ng raffia), mga pigment (tulad ng kaolin), mga bato, at mga semi-mahalagang bato.

Ang mga estatwa ay kadalasang gawa sa kahoy o garing, kadalasang nilagyan ng mga shell ng cowrie, mga elemento ng metal at mga spike. Pangkaraniwan din ang mga damit na pampalamuti at may kasamang isa pang mahalagang bahagi ng sining ng Africa. Ang isa sa mga pinaka masalimuot na uri ng mga tela ng Aprika ay ang makulay at may guhit na tela ng kent mula sa Ghana. Ang Bogolan na may masalimuot na pattern ay isa pang kilalang pamamaraan.

Kontemporaryong African Art

Ang Africa ay tahanan ng isang umuunlad na kontemporaryong visual arts culture. Ito, sa kasamaang-palad, ay hindi sinaliksik hanggang kamakailan, dahil sa diin ng mga iskolar at kolektor sa tradisyonal na sining. Ang mga kilalang kontemporaryong artista ay kinabibilangan ng: El Anatsui, Marlene Dumas, William Kentridge, Karel Nal, Kendell Geers, Yinka Shonibare, Zerihun Yetmgeta, Odhiambo Siangla, Elias Jengo, Ola Oguibe, Lubaina Himid at Bili Bidjocka, Henry Tayali. Ang mga art biennial ay ginaganap sa Dakar, Senegal, at Johannesburg, South Africa. Maraming kontemporaryong African artist ang kinakatawan sa mga koleksyon ng museo at ang kanilang trabaho ay maaaring makakuha ng mataas na presyo sa mga art auction. Sa kabila nito, maraming mga kontemporaryong African artist ang nahihirapang maghanap ng mga merkado para sa kanilang trabaho. Maraming mga kontemporaryong sining ng Africa ang humiram ng malaki mula sa kanilang tradisyonal na mga nauna. Kabalintunaan, ang pagbibigay-diin sa abstraction ay nakikita ng mga Kanluranin bilang isang imitasyon ng mga European at American cubist at totemic artist tulad nina Pablo Picasso, Amadeo Modigliani at Henri Matisse, na, noong unang bahagi ng ikadalawampu siglo, ay labis na naimpluwensyahan ng tradisyonal na sining ng Africa. Napakahalaga ng panahong ito para sa ebolusyon ng makabagong Kanluranin sa sining biswal, na inilarawan ng pambihirang pagpipinta ni Picasso na The Maidens of Avignon.

Ngayon, si Fathi Hassan ay itinuturing na isang maagang exponent ng kontemporaryong black African art. Ang kontemporaryong sining ng Africa ay unang ipinakilala noong 1950s at 1960s sa South Africa ng mga artista tulad nina Irma Stern, Cyril Fraden, Walter Battiss at sa pamamagitan ng mga gallery tulad ng Goodman Gallery sa Johannesburg. Nang maglaon, tumulong ang mga galeriya sa Europa tulad ng October Gallery sa London at mga kolektor gaya nina Jean Pigozzi, Arthur Walter at Gianni Baiocchi sa Roma na palawakin ang interes sa paksa. Maraming mga eksibisyon sa Museo ng African Art sa New York at ang African Pavilion sa 2007 Venice Biennale, na nagpakita ng African na koleksyon ng kontemporaryong sining ni Sindika Dokolo, ay malayo na ang nagawa sa paglaban sa marami sa mga alamat at prejudices na sumasalot sa kontemporaryong sining ng Africa. Ang appointment ng Nigerian Okwui Enwezor bilang Artistic Director ng Documenta 11 at ang kanyang African-centric na pananaw sa sining ay nagtulak sa mga karera ng hindi mabilang na mga African artist sa internasyonal na yugto.

Ang isang malawak na hanay ng higit pa o hindi gaanong tradisyonal na mga anyo ng sining, o mga adaptasyon ng tradisyonal na istilo sa kontemporaryong panlasa, ay nilikha para ibenta sa mga turista at iba pa, kabilang ang tinatawag na "Aboriginal Art". Maraming masiglang sikat na tradisyon ang nag-asimila ng mga impluwensyang Kanluranin sa mga istilong Aprikano, tulad ng mga detalyadong fantasy coffins sa hugis ng mga eroplano, kotse o hayop ng mga lungsod sa Kanlurang Aprika at mga banner ng club.

mga bansa at tao

Zambia

Habang ang mundo ay tumitingin sa ibang direksyon, ang sining ay umuunlad sa Zambia sa kakaunting paraan. Ang Zambia ay marahil ang tahanan ng ilan sa mga pinaka-malikhain at mahuhusay na artista sa mundo. Ang pagnanais ng mga artista sa Zambia para sa pagkamalikhain ay napakalakas na gagamitin nila ang anumang bagay. Mula sa burlap hanggang sa pintura ng kotse, kahit na ang mga lumang sheet ay kadalasang ginagamit bilang kapalit ng canvas bilang mga art materials. Ang mga labi at mga labi ay ginagawang mga gawa ng sining na kadalasang napakaganda sa kanilang sukat. Ang tradisyon ng sining, sa Kanluraning konsepto ng termino, sa Zambia ay nagsimula noong kolonyal na panahon at patuloy na lumago mula noon. Salamat sa Lechwe Foundation, ang sining ng Zambian ay garantisadong tahanan sa bansa kung saan ito nilikha.

Ang Lechwe Foundation ay itinatag ni Cynthia Zukas. Isang artist mismo, kaibigan niya ang maraming artista sa Zambia noong unang bahagi ng 1980s, kasama na si William Bwalya Miko, na masayang naaalala kung paano babalik si Zukas mula sa isang paglalakbay sa ibang bansa na may mga maleta na puno ng mga materyales sa sining upang ibigay sa mga lokal na artista na walang access sa mga ito. mga kasangkapan. Noong 1986, nakatanggap siya ng mana at nagpasya na oras na para suportahan ang mga artist nang mas malaki, at nilikha ang Lechwe Trust. Layunin nila na magbigay ng scholarship sa mga artista na gustong pormal na mag-aral o dumalo sa mga art workshop at kurso. Bilang karagdagan, nagpasya silang magsimulang mangolekta, na nagbibigay ng artistikong pamana para sa Zambia, gayunpaman may mga gawa ng mga nakatira sa Zambia o may mga link sa bansa. Mayroon na ngayong higit sa 200 mga gawa ng sining mula sa mga pintura hanggang sa iskultura, mula sa mga ukit hanggang sa mga sketch, isang pamana na dapat ipagmalaki ng mga Zambian, ngunit kakaunti ang nakakaalam ng pagkakaroon nito. O hindi bababa sa iyon ang kaso hanggang sa kamakailang eksibisyon. Ang kakulangan sa promosyon ng eksena sa sining sa Zambia ang tanging isyu na dapat tugunan ng mga artista.

Exhibition ng Lechwe Foundation

Ang "Destiny" ay isang pangunahing halimbawa ng kahalagahan ng gawain ng Lechwe Foundation. Sa orihinal na pagpipinta ni Henry Teiali na Destiny (1975–1980), kitang-kita ang pakikibaka para sa pagkakakilanlan sa panahon ng pag-unlad.

Ang pagpipinta ni Henry Tayali na "Destiny"

Sa harapan, isang napakaraming tao ang umaakyat at nagtatrabaho, na may dalang mga bakal na beam, pala, habang sila ay tila nakakulong sa isang malaking, nababalot ng singaw, modernong lungsod. Ang lungsod mismo ay pininturahan sa naka-mute na kulay abo, kayumanggi na kulay, gayunpaman, ang karamihan ay nakadamit ng maliliwanag na kulay. Ayon sa katalogo ng eksibisyon at isang artikulo ng lokal na magasin na The Lowdown, ang pagpipinta na ito ay nagkaroon ng mahaba at kawili-wiling buhay. Noong 1966 ang pagpipinta ay naibenta kay Tim Gibbs, anak ng noo'y Southern Rhodesian Governor na si Sir Humphrey Gibbs. Noong 1980, naglakbay si Teyali sa ngayon-independiyenteng Zimbabwe upang ibalik ang kanyang pagpipinta. Hindi nakakagulat na siya ay tinanggihan, ngunit binigyan ng pahintulot na hiramin ang pagpipinta para sa mga eksibisyon. Nilibot ni Destiny ang London, Zambia at Paris bago bumalik sa Gibbs. Noong 1989 namatay si Henry Teiali at muling ipinakita ang Destiny sa London ng Lechwe Foundation. Tumagal ito ng dalawang taon, ngunit pagmamay-ari na ngayon ng pundasyon ang pagpipinta, ang ubod ng kanilang kahanga-hangang koleksyon.

Ang mga artista sa Zambia ay nahaharap sa partikular, bagaman tiyak na hindi kakaiba, mga hamon. Kahit ngayon, ang mga materyales tulad ng mga pintura ng langis, brush, canvases ay kailangan pa ring i-import mula sa South Africa at ito ay ginagawang mahal ang mga ito. Ang kawalan ng isang pampublikong aklatan at mga journal ng paksa ay nangangahulugan na ang mga artista ay pinagkaitan ng pagkakataong mag-aral ng mas matatag na mga artista o madama ang pakiramdam ng pagiging kabilang sa isang mas malawak na internasyonal na komunidad. Isang taon lamang ang nakalipas, kung gusto mong mag-aral ng sining sa Zambia, mayroon lamang isang kursong makukuha sa bansa, ang Sertipiko sa Edukasyon sa Sining, na naghanda sa iyo para sa pagtuturo kaysa sa paggawa ng sining.

Dalawang painting ng mga artist mula sa dalawang magkaibang henerasyon: Henry Teyali (1943-1987) sa kaliwa at ang buhay na artist na si Stary Mwaba. At, siyempre, ang mga pagtatangka ay ginagawa upang ibenta ang kanilang trabaho. Sa mga bansang mas matatag sa ekonomiya, iilan lamang sa mga artista ang maaaring tunay na mag-claim na naghahanapbuhay mula sa kanilang sining lamang, ngunit hindi marami sa mga taong ito sa Zambia. Ito ay hindi lamang dahil mas kaunti ang mga taong may sapat na kita na gustong bumili ng pagpipinta, ngunit dahil din sa pagkiling ng ilang mga turista at mga expat na inaakala nilang bibili ng trabaho sa murang halaga, sa halaga ng isang souvenir, ngunit ang mga presyo ay lumalabas na mas mataas. Ang pagrereklamo na ang trabaho ay sobrang mahal ay isang buto ng pagtatalo. Ang Lusaka ay isa sa mga pinakamahal na lungsod sa sub-Saharan Africa sa mga tuntunin ng mga renta at presyo ng produkto, at, tulad ng nabanggit sa itaas, ang mga kagamitan sa sining ay partikular na mahal. Sinasabi ng mga artista na ang mga presyo ng kanilang mga likhang sining ay medyo nagpapakita ng kanilang mga realidad sa ekonomiya, at ang ilang mga artista ay nag-exhibit sa buong mundo at pakiramdam nila ay may karapatan silang humingi ng karagdagang pera. Ang mga mababang numero ng benta ay nagpapahiwatig na marami, sayang, ay hindi sumasang-ayon dito. Ang mababang benta ay maaari ding resulta ng ibang bagay. Napakakaunting tao sa labas ng napakaliit na mundo ng sining ng Zambian ang nakakaalam kung gaano kaaktibo ang mga artista sa kasalukuyan. Ang isang sulyap sa mga internasyonal na magazine ng sining ay nagpapakita ng kakulangan ng saklaw ng sub-Saharan Africa, na may iilan lamang na mga artista tulad nina Chris Ofili at Yinka Shonibair na nakarating sa Europa at US. Maraming mga kontemporaryong Zambian artist tulad nina Zenzele Chulu at Stari Mwaba na nagpakita ng internasyonal na naniniwala na ito ay dahil gusto ng mundo ng sining na makita ang sining ng Africa sa loob ng isang napaka-espesipiko, etnosentrikong stereotype. Bilang resulta, madalas silang hinihiling na lumahok sa mga eksibisyon na istilong Aprikano, na naghihigpit sa kanilang mga aktibidad, na nakakadismaya sa mga artista. Gaya ng sabi ni Mwaba, "Ako ba ay isang African artist o isang African artist?" At higit sa lahat, bakit mahalaga pa rin ang tanong na ito?

Gayunpaman, ang Lusaka ay sumasalubong sa mga artista, at ang Henry Tayali Gallery - ang nangungunang fine art gallery ng Lusaka - ay puno ng halos sahig hanggang kisame ng mga gawa ng sining, at habang sila ay may kaunting patak ng mga bisita (ilang araw, sila sabihin, wala sa lahat), ang gallery ay ang sentro ng aktibidad. Bakit? Well, sa isang bansa kung saan limitado ang mga oportunidad sa trabaho, mas mabuting maging isang artista at magtrabaho kaysa maghintay para sa isang trabaho na maaaring hindi dumating. Ang paaralan ay hindi posible para sa isang malaking bilang ng mga bata na ang mga magulang ay walang pera o oras, na kadalasang ginugugol sa pagtulong sa paligid ng bahay. Ngunit sa pamamagitan ng sining, naipapahayag ng isang tao ang kanyang sarili nang walang kakayahang magbasa at magsulat. Ang komunidad ng artista ay mainit at palakaibigan, puno ng mga taong nauunawaan na ang kanilang pinakamayamang mapagkukunan ay ang kanilang mga sarili; ang mga bagong miyembro ay malugod na tinatanggap. Mayroong higit na abstract at marahil ay bihirang din na nasasabing pagganyak - pagmamalaki at pagnanais na ilarawan at galugarin ang Zambia sa pamamagitan ng larawang paraan. Sa pamamagitan ng kanilang trabaho, ang mga artista ng Zambia ay nagpapakita ng dignidad at pag-unawa sa mabuti at masama sa kanilang lipunan. Nagtatanong sila, nag-iimbestiga at minsan nanghuhusga. Gustung-gusto ng mga artista dito ang sining, hinahangad nila ito, at ito ay isang mapagpasyang kontribusyon sa kanilang kamalayan sa sarili, ang kanilang kahulugan ng layunin.

Ang kasaysayan ng Zambia ay puno ng mga talento at mga karakter, kahit na ang kanilang mga pagsasamantala at mga tagumpay ay hindi palaging naitala nang maayos. Kunin mo si Aquila Simpasa. Sa isang pagkakataon, si Simpasa ay isang sikat na artista sa buong mundo, at ang eskultura at pagguhit ang kanyang napiling media, ngunit ang sining ay napakalalim na nakatanim sa kanya kung kaya't siya ay nagpinta at lumikha din ng musika. Kaibigan niya si Eddie Grant at nakasama sina Jimi Hendrix at Mick Jagger. Si Simpasa ay isang pangunahing natuklasan. Sa kasamaang palad, nagkaroon din siya ng mga isyu sa kalusugan ng isip at namatay na medyo bata noong 1980s, at mula noon ay nawala sa virtual na kalabuan. Ang mga kasabayan niya na nabubuhay pa ay nakakaalala sa kanya. Bilang tugon sa isang kahilingan para sa komento mula sa kanyang kaibigan na si Simpasu, ang artist na si Patrick Mwimba ay nagkomento: "Siya ang pinakamahusay na artist ng Zambian." Ang mga kuwento tungkol sa kanya ay dumadaan mula sa bibig hanggang sa bibig, na, tulad ng mismong artista at sa kanyang buhay, ay hindi gaanong naidokumento. Parehong binanggit nina William Miko at Zenzel Chulu kung paano naniniwala ang ilan na buhay pa rin siya tulad ni Elvis, naging alamat na siya at ngayon salamat sa Lechwe Trust na nakakapagsalita ang alamat sa pamamagitan ng kanyang trabaho.

Hindi maikakaila na malayo na ang narating ng Lechwe Trust sa paglutas ng marami sa mga problemang kinakaharap ng mga artistang Zambian. Sa pamamagitan ng pagbili ng sining sa isang patas na presyo, ang ilang mga artista ay maaaring manatili sa Zambia at magtrabaho sa halip na umalis ng bansa tulad ng marami, kabilang si Henry Teyali. Tinulungan ng foundation si William Miko na umunlad bilang isang artista at nag-aral sa ibang bansa sa Europa. Sa kalaunan ay bumalik siya sa trabaho at tumulong sa pundasyon. Ang Lychee ang nag-iisang pondo sa Zambia. Ang bansa ay puno ng mga NGO, kakaunti, kung mayroon man, na interesado sa eksena ng sining. Gayunpaman, "Hindi ka magkakaroon ng pag-unlad nang walang pag-unlad ng sining at kultura," sabi ni William Miko. Ibinigay niya ang halimbawa ng Japan, na may isang siglo na ang edad at lubos na iginagalang na artistikong tradisyon. Naniniwala siya na ang tradisyong ito ng inspirasyon, pagkamalikhain at pagsusumikap ay nakatulong sa pagbabagong-anyo ng Japan sa naging teknolohiyang hub nito ngayon. Ang walang sawang suporta ng Lechwe Foundation para sa eksena ng sining ng Zambian ay maaaring maging susi sa pag-secure ng pagkilala, lalo na ngayong nagpasya silang bumuo ng sarili nilang gallery.

Mali

Ang mga pangunahing pangkat etniko sa Mali ay ang Bambara (kilala rin bilang ang Bamana) at ang Dogon. Ang mas maliliit na grupong etniko ay binubuo ng mga mangingisda ng Mark at Bozo sa Ilog Niger. Ang mga sinaunang sibilisasyon ay umunlad sa mga lugar tulad ng Djene at Timbuktu, kung saan natuklasan ang napakaraming uri ng sinaunang tanso at terakota.

Dalawang pigurin ng Chivara Bambara, c. huli sa ika-19 - maaga Ika-20 siglo, Art Institute of Chicago. Babae (kaliwa) at lalaki, patayong bersyon

Mga taong Bambara (Mali)

Ang mga taong Bambara ay umangkop sa maraming artistikong tradisyon at nagsimulang lumikha ng mga gawa ng sining. Bago ang pera ay naging pangunahing puwersang nagtutulak sa paglikha ng kanilang mga gawa ng sining, ginamit lamang nila ang kanilang mga kakayahan bilang isang sagradong gawain upang ipakita ang espirituwal na pagmamataas, mga paniniwala sa relihiyon at mga kaugalian. Ang isang halimbawa ng isang gawa ng sining ay ang Banam mask n "tomo. Ang iba pang mga estatwa ay nilikha para sa mga tao, tulad ng mga mangangaso at mga magsasaka, upang ang iba ay makapag-iwan ng mga alay pagkatapos ng mahabang panahon ng agrikultura o grupong pangangaso. Kasama sa mga estilistang variation ng Bambara ang mga eskultura, mga maskara. at mga headdress na naglalarawan ng mga naka-istilo o makatotohanang mga tampok o weathered o petrified patinas.Hanggang kamakailan, ang paggana ng mga bagay na ito ay nababalot ng misteryo, ngunit sa nakalipas na dalawampung taon, ipinakita ng pananaliksik na ang ilang uri ng figure at headdress ay nauugnay sa isang hanay ng mga lipunang bumubuo sa istruktura ng buhay Bambara. Noong 1970- x, isang grupo ng humigit-kumulang dalawampung TjiWara figure, maskara, at headdress na kabilang sa tinatawag na "Segu" na istilo ay nakilala. Ang istilo ay nakikilala sa pamamagitan ng mga tipikal na flat face nito , nagwawalis ng mga ilong, may tatsulok na peklat sa buong katawan, at nakabukaka ang mga braso.

Mga maskara ng Mali

May tatlong major at isang minor na uri ng Bambara mask. Ang unang uri, na ginagamit ng lipunang N "tomo, ay may tipikal na disenyong tulad ng suklay sa mukha, isinusuot sa panahon ng mga sayaw at maaaring takpan ng mga shell ng cowrie. Ang pangalawang uri ng maskara, na nauugnay sa lipunan ng Como, ay may spherical ulo na may dalawang sungay ng antelope sa itaas at isang pinalaki, pipi na bibig Ginagamit ang mga ito sa panahon ng mga sayaw, ngunit ang ilan ay may makapal, ossified coating na nakuha mula sa iba pang mga seremonya kung saan ang mga libations ay ibinubuhos sa kanila.

Kanaga mask na ibinebenta sa Afroart Gallery

Ang pangatlong uri ay nauugnay sa lipunang Nama at inukit sa hugis ng ulo ng ibon, habang ang pang-apat, minor na uri, ay isang inilarawang ulo ng hayop at ginagamit ng lipunang Goryeo. Ang iba pang mga maskara ng Bambara ay kilala na umiiral, hindi tulad ng mga inilarawan sa itaas, hindi sila maaaring iugnay sa ilang mga lipunan o mga seremonya. Ang mga bambara carver ay sikat sa mga zoomorphic na headdress na isinusuot ng mga miyembro ng TJI-Wara society. Bagama't iba ang mga ito, lahat sila ay nagpapakita ng napaka-abstract na katawan, kadalasang may kasamang zigzag pattern na kumakatawan sa takbo ng araw mula silangan hanggang kanluran, at isang ulo na may dalawang malalaking sungay. Ang Bambara ng lipunang Tji-Wara ay nagsusuot ng headdress habang sumasayaw sa kanilang mga bukirin sa oras ng pagtatanim, umaasa na madagdagan ang kanilang mga pananim.

Mga figurine ng Mali

Pangunahing ginagamit ang mga pigurin ng Bambara sa taunang mga seremonya ng lipunang Guang. Sa mga seremonyang ito, isang grupo ng hanggang pitong pigura, na may sukat sa pagitan ng 80 at 130 cm ang taas, ay dinadala sa kanilang mga santuwaryo ng mga matataas na miyembro ng lipunan. Ang mga eskultura ay hinugasan, muling nilalangis, at ang mga sakripisyo ay dinadala sa kanilang mga altar. Ang mga figure na ito, na ang ilan ay mula sa pagitan ng ika-14 at ika-16 na siglo, ay karaniwang nagpapakita ng tipikal na crested hairstyle, na kadalasang pinalamutian ng isang anting-anting.
Ang dalawa sa mga figure na ito ay binigyan ng malaking kahalagahan sa isang nakaupo o nakatayo na buntis na figure na tinatawag na Guandousou, na kilala sa Kanluran bilang "Queen of Bambara", at isang lalaking figure na tinatawag na Guantigui, na karaniwang inilalarawan na may hawak na kutsilyo. Ang dalawang pigura ay napapaligiran ng mga kasamang Guannyeni figure, nakatayo o nakaupo sa iba't ibang posisyon, may hawak na sisidlan, isang instrumentong pangmusika, o kanilang mga dibdib. Noong 1970s, maraming pekeng mula sa Bamako na batay sa mga eskulturang ito ang pumasok sa merkado.

Ang iba pang mga pigura ng Bambara, na tinatawag na Dyonyeni, ay pinaniniwalaang nauugnay sa alinman sa timog na lipunan ng Dyo o sa lipunan ng Kwore. Ang mga babaeng ito o hermaphroditic figure ay karaniwang may ganitong mga geometric na katangian

Kadalasang nagsasalita tungkol sa sining ng Africa, ang ibig nilang sabihin ay makulay at makulay na mga maskarang Aprikano. Gayunpaman, ang sining ng Africa ay hindi lamang mga maskara, ngunit isang bagay na higit pa. At ngayon ay pag-uusapan natin ang tungkol sa pang-alaala na iskultura.

Sa paglipas ng mga siglo, ang mga sub-Saharan African artist ay nag-imortal para sa mga inapo ng marami sa mga namumukod-tanging personalidad ng kanilang lipunan sa isang kapansin-pansing magkakaibang repertoire ng mga panrehiyong sculptural idioms, naturalistic at abstract. Sa una, ang mga larawang eskultura (sculptural portraits) ay nagsisilbing panlipunang patnubay para sa mga susunod na henerasyon at upang maalala nila ang kanilang mga ninuno. Gayunpaman, ang sining ng Africa sa parehong oras ay hindi maaaring ituring bilang isang pansamantalang abstraction ng mga archetypes ng lipunan. Sa isang purong pormal na antas, ang pag-andar ng archetype ay hindi masyadong halata. Sa halip, maaari nating masubaybayan ang koneksyon ng pagkamalikhain ng Africa sa mga totoong makasaysayang kaganapan na naganap sa isang pagkakataon sa kontinente. Sa antas na ito, ang sining ng Africa ay may espesyal na kahalagahan.

Maskara ng Inang Reyna. Nigeria, Benin. Ivory, bakal, tanso.

Ang ivory mask na ito ay isa sa dalawang magkatulad na gawa, ang isa ay nasa British Museum. Bagama't bihira ang mga larawan ng kababaihan sa masining na tradisyon ng Benin, ang dalawang maskarang ito ay naging simbolo ng pamana ng dinastiya, na nagpapatuloy hanggang ngayon. Ang maskara ay pinaniniwalaang ginawa noong unang bahagi ng ika-16 na siglo para sa isang hari bilang parangal sa kanyang ina.

Sa Benin, ang garing ay nauugnay sa puting kulay at ang diyos ng dagat, Olokun, at nagsisilbing simbolo ng kadalisayan ng ritwal.

Ang maskara ay isang sensuous idealized portrait. Isinasaalang-alang ng trabaho ang paksa at samakatuwid ay nakikita namin ang malambot na modelo ng mga tampok ng mukha at maraming mga detalye tulad ng mga guhit sa noo at mga coral bead sa ibaba ng baba kung saan nakikita namin ang isang hilera ng mga naka-istilong snakehead.

Parehong ulo. Nigeria, Benin. Tanso.

Ang mga pinuno ng Kaharian ng Benin sa kasalukuyang Nigeria ay binabaybay ang kanilang angkan pabalik sa isang naghaharing dinastiya na nagsimula noong ika-14 na siglo. Ang titulong "Oba", o hari, ay ipinapasa sa panganay ng bawat sunod na hari. Ang unang tungkulin ng bawat bagong hari ay maglagay ng larawan ng kanyang ama sa tanso at ilagay ito sa isang altar sa palasyo. Ang altar ay sumasakop sa isang mahalagang lugar sa mga ritwal ng palasyo at nauunawaan na nag-uugnay sa mga gawa ng kasalukuyang hari sa mga gawa ng kanyang mga ninuno.

Ang idealized naturalism ng gawaing ito ay naglalarawan sa hari sa kanyang kalakasan. Ang headdress ay isang stylization ng beaded outfit, pati na rin ang collar.

ulo ng libing. Ghana. Kultura ng Akan. Terracotta.

Simula sa ikalawang kalahati ng ika-16 na siglo, ang tradisyon ng terracotta portrait sculpture ay may mahalagang papel sa mga seremonya ng libing at ginugunita ang mga patay. Sa oras na iyon, ito ay ang prerogative lamang ng maharlika at maharlikang pamilya. Ang ganitong mga ulo ng libing ay may napakalaking pagkakaiba-iba ng estilista. Ang kanilang mga sukat ay nag-iiba mula sa pitong sentimetro hanggang sa natural na laki, at maaari rin silang parehong guwang at solid, bilugan at angular.

Parehong may mga hayop na sakripisyo mula sa altar ng Ezomo. Nigeria, Benin. Tanso.

Ang mga bagay na ganito ay gawa sa terakota, kahoy o tanso, depende sa katayuan ng taong pinaglaanan ng mga ito. Ang eskultura ay bahagi ng komposisyon. Kadalasan ang mga ito ay may parehong uri at isang kuwento tungkol sa isang katulad na gawain sa paglalarawan ng susunod na larawan.

Altar ng Ezomo Ehenua. Nigeria, Benin. Tanso.

Inilalarawan ng altar ang isang mahalagang makasaysayang sandali na nauugnay sa paghahari ni Akenzua the First. Noong unang bahagi ng ika-18 siglo, hinamon ng isang rebeldeng warlord ang pamamahala ni Akenzua at nagbanta sa katatagan at pagkakaisa ng kaharian. Si Ekhenua at ang ilan sa kanyang mga kumander ng militar ay may mahalagang papel sa pagpapanumbalik ng kaayusan. Bilang tanda ng pasasalamat, bilang parangal sa mga kabayanihan ng Ekhenua, nilikha ang sculptural composition na ito. Gumamit ang artist dito ng mga figure na may iba't ibang laki upang ipahiwatig ang kamag-anak na katayuan ng mga taong inilalarawan sa frieze. Sa tuktok, si Ekhenua mismo sa armor ng labanan, na may hawak na mga tropeo ng militar sa kanyang mga kamay. Sa paligid niya ay isang grupo ng mga miniature na sundalo, katulong at pari. Ang frieze ay naglalarawan ng dalawang hanay ng mga sundalo, kung saan mapapansin ng isa ang Portuges, na malinaw na nagpapahiwatig ng lawak kung saan ang mga kapangyarihan ng Europa ay abala sa pagsuporta sa pamahalaan ng Benin noong panahong iyon.

Commemorative figurine ng isang musikero sa korte. Ivory Coast. Terracotta.

Ang clay figurine na ito ng isang court musician ay nilikha upang samahan ang funerary sculptural portrait ng Akan ruler. Nang mamatay ang pinuno, dinala ang kanyang larawan sa sementeryo at nanatili doon sa mga larawan ng mga nakaraang henerasyon ng mga pinuno at pinuno. Ang mga eskultura ng mga courtier na tulad nito ay iniwan din malapit sa libingan upang aliwin at suportahan ang namatay sa kabilang buhay. Ang isang hindi pangkaraniwang uri ng headdress ay nagpapahiwatig ng espesyal na katayuan ng musikero ng korte. Ang may guhit na leeg ay nagpapahiwatig ng kalusugan at kagalingan, habang ang mga marka sa pisngi, noo, at mga templo ay nagpapahiwatig ng etnisidad. Idiniin ng mga kamay ng pigurin ang plauta sa kanilang mga labi. Ang gawain, sa kabila ng medyo primitive na hitsura nito, ay napaka-nagpapahayag, tulad ng makikita mula sa tiyak na ikiling ng ulo at makitid na mga mata: ang lahat ay nagpapahiwatig na ang musikero ay ganap na nasisipsip sa pagtugtog ng plauta.

Ulo ng alaala. Ghana. Terracotta na may mga fragment ng kuwarts.

Ang eleganteng terracotta head na ito ay isang commemorative portrait. Ang idealized na presentasyon, mahinahon na pagpapahayag, balanseng komposisyon ay idinisenyo upang isama ang mga positibong katangian ng mga pinuno. Nilikha ng posthumously, ang mga imahe ng mga hari na tulad nito ay inilagay sa mga sementeryo kasama ng mga larawan ng mga nakaraang pinuno. Bilang isang patakaran, ang bawat larawan ay sinamahan ng mga larawan ng kanyang mga tagapaglingkod, na umaliw sa namatay pagkatapos ng kamatayan. Sama-sama silang lumikha ng buong sculptural complex na nagpapanatili ng memorya ng mga iginagalang na tao. Ang tradisyon ng paggawa ng gayong mga eskultura ay nagsimula noong hindi bababa sa ika-17 siglo. at may maraming mga tampok na pangkakanyahan. Ang eskultura na ito, halimbawa, ay may mas natural na mga tampok ng mukha, habang ang iba ay gumagamit ng mataas na istilong anyo. Bagaman ang pangunahing pokus sa naturang iskultura ay nasa ulo at leeg lamang, maraming iba pang mga larawan na naglalarawan ng isang tao sa buong paglaki at maging sa dinamika.

Tag: sining

19-20 SIGLO
SINING NG BAYAN NG AFRICA 19-20 SIGLO
Ang pagkatalo ng mga pyudal na estado ng Kanluran at Equatorial Africa at ang kanilang kultura ay hindi makagambala sa kusang pag-unlad ng katutubong sining, sa partikular na sining. Ang mga tribo at mamamayan ng Africa ay patuloy na lumikha sa isang malawak na iba't ibang mga genre ng iskultura, pagpipinta at dekorasyon. Ang pinakadakilang kayamanan ng anyo at aesthetic na pagiging perpekto ay nakamit sa larangan ng iskultura.

Kasabay nito, magiging mali, kapag nailalarawan ang sining ng Africa, na limitado sa isang paglalarawan ng isang iskultura, na higit sa lahat ay isang likas na kulto. Ang artistikong pagkamalikhain ng mga Aprikano ay hindi limitado sa sining na kulto sa layunin nito. Kapag pinag-aaralan ang sining ng mga tao ng Africa. ang isa ay dapat ding bumaling sa pandekorasyon at inilapat na sining, na hindi mapaghihiwalay na nauugnay sa paggawa, sa pang-araw-araw na paraan ng pamumuhay ng mga tao, kung saan malinaw na ipinahayag ang malikhaing imahinasyon at isang pakiramdam ng aesthetic na halaga ng paggawa ng tao.

Pangunahing naaangkop ito sa iba't ibang uri ng mga bangko, dumi, mangkok, lalo na sa magagandang inukit na mga kopita ng Congo.

Sa pagsasalita ng mga gamit sa bahay, dapat isaalang-alang ng isa ang kapaligiran kung saan sila matatagpuan, iyon ay, sa bahay. Kaya, ang mga mangkok at inukit na kagamitang gawa sa kahoy sa Sudan ay inilalagay sa adobe, kadalasang pinipinturahan ang mga elevation. Sa mga lugar ng rainforest, kung saan karaniwan ang mga tirahan na gawa sa kahoy, ang mga dingding at sahig ay natatakpan ng mga banig na may kumplikadong geometric na wicker pattern. Sa rehiyon ng steppe, nangingibabaw ang mga gusali ng adobe, pinalamutian ng lahat ng uri ng, kadalasang kakaiba ang hugis, pininturahan na mga ledge, hamba, cornice, at kung minsan ay inukit na mga haligi, lintel, atbp.

Ang pag-on sa aktwal na iskultura at sculptural na larawang inukit, para sa kaginhawaan ng pamilyar dito, kinakailangan na ipamahagi ang kanyang mga gawa sa tatlong pangunahing grupo ng genre. Ang unang pangkat ay binubuo ng mga inukit na eskultura ng kahoy. Ito ay karaniwang isang imahe ng iba't ibang espiritu, ninuno o ilang makasaysayang figure, at sa mga tribo na may nabuong mitolohiya - at mga diyos. Ang pangalawang grupo ay binubuo ng mga maskara na ginagamit sa mga ritwal ng pagsisimula ng mga kabataang lalaki at babae sa mga miyembro ng tribo. Kasama sa parehong grupo ang mga maskara ng mga mangkukulam, mga maskara ng sayaw at mga maskara ng mga lihim na alyansa. Sa wakas, ang ikatlong grupo ay sculptural carving, na nagpapalamuti ng iba't ibang uri ng relihiyoso at mga gamit sa bahay.

Ang mga mamamayan ng ilang rehiyon ng Kanlurang Aprika, pangunahin sa baybayin ng Upper Guinea, mula Liberia hanggang sa bukana ng Niger, ay napanatili ang tradisyonal na kasanayan sa paghahagis ng tanso. Naturally, sa mga lugar na ito, kasama ang kahoy na iskultura, ang tansong iskultura ay nilikha din. Naabot niya ang kanyang rurok sa Ang mga tao sa timog Nigeria ay ang Yoruba, Bini at Ijo.

Ang kasanayan sa pag-ukit ng kahoy, pag-adorno ng mga banig, kuwintas, pagbuburda, atbp. ay karaniwan sa lahat ng mga tao sa Tropical Africa, parehong Kanluran at Silangan at Timog, na nagpapahiwatig ng artistikong talento ng mga Aprikano. Gayunpaman, sa labas ng Kanlurang Aprika, halos wala kaming makitang aktwal na mga larawang eskultura. Totoo, sa mga mamamayan ng South Africa, ang mga gamit sa sambahayan -: tungkod, head coaster, kutsara - ay madalas na pinalamutian ng mga larawang inukit. Kabilang sa mga tao sa kagubatan na bahagi ng Mozambique, iyon ay, timog-silangan ng Africa, mayroong mga maskara at inukit na mga pigura ng mga ninuno. Ngunit sa pangkalahatan, kahit na ang pinakamahusay na mga halimbawa ng artistikong pagkamalikhain ng East at South Africa ay mas mababa kaysa sa mga gawa ng mga artista sa kanlurang bahagi nito.

Sa sukdulan sa kanluran ng Sudan, isang napaka-katangiang grupo ang kinakatawan ng eskultura ng mga tribo ng mga isla ng Bnssagos: Bidyo at iba pa. Ang mga eskultura ng tribong Baga, na naninirahan sa baybayin ng French at Portuguese Guinea, ay may napakaespesyal na istilo. Dagdag pa, sa kolonya ng Ingles ng Sierra Leone at Liberia, isang espesyal na istilo ng iba't ibang paglalarawan ng pigura ng tao ang nabuo, na makikita sa mga larawang inukit at sa mga maskara. Ang mga makabuluhang gawa ng sining ay nilikha ng mga tao ng Ivory Coast - ang Baule at Atutu tribes. Higit pang silangan, sa Gold Coast, sa katimugang Togo at Dahomey, ang pangunahing pokus ng mga lokal na artista ay bronze sculpture. Ang mga kakaibang maliliit na "mrammuo" na mga pigurin, na nilayon para sa pagtimbang ng gintong buhangin, ay hindi tumutugma sa aming ideya ng mga timbang. Ang mga nagpapahayag na larawan ng mga tao at hayop ay tunay na mga gawa ng sining. Ang mga gawa ng mga katutubong masters ng southern Nigeria - ang mga Yoruba tribes - ay nasa mataas na antas din.

Sa mas malayong silangan, sa Cameroon at sa mga lugar na katabi ng Congo Basin, gayundin sa Gabon, ang sining ng pag-ukit ng kahoy ay ipinakita sa anyo ng mga pinalamutian na trono, pews, mga frame ng bintana ng pinto at mga maskara sa pagsasayaw.

Sa rehiyon ng Congo, dalawang rehiyon ang dapat makilala - ang rehiyon ng mas mababang bahagi ng Congo River at ang rehiyon ng southern Congo. Ang una sa mga lugar na ito ay kinakatawan ng inukit na kahoy na iskultura ng mga tribong Bavili at Bakongo, napaka nagpapahayag, ngunit medyo magaspang at eskematiko sa anyo. Sa kabaligtaran, ang eskultura ng pangalawang rehiyon ng rehiyon ng mga mamamayan ng Baluba, Bapende, at iba pa ay nakikilala sa pamamagitan ng isang malinaw na kalmado ng mga imahe at kagandahan ng anyo. Ang istilong katabi ng lugar na ito ay ang rehiyon ng hilagang Angola, na pinakamahusay na kinakatawan ng mga ukit ng mga taong Wachivokwe.

Sa pangkalahatan, tama nating matatawag na realist ang inukit na iskultura ng West Africa. Gayunpaman, ang kanyang pagiging totoo ay napaka orihinal. Una, ang tradisyunal na sining ng vayanpya ay nabuo sa mga kondisyon ng pag-usbong ng inilapat na sining at dekorasyon. Ang visual art ng sculpting mismo ay naging konektado sa mga elemento ng folk ornamental fantasy sa pamamagitan ng malapit na hindi mapaghihiwalay na mga ugnayan. Kasabay nito, ang isang pakiramdam ng direktang aesthetic na kagandahan ng paggawa, ang kasanayan sa paggawa ng isang tao, ay natagpuan ang pagpapahayag nito sa sculptural carving. Ang nasabing iskultura ay sabay-sabay na nakikita bilang isang nakalarawan na imahe at bilang isang bagay - ang bunga ng labor craftsmanship, kasama ang mga batas nito sa pagproseso ng materyal, pagpapakita ng mga form, atbp. n ay natutukoy sa isang malaking lawak ng pagka-orihinal ng kanyang aesthetic kagandahan. Kasabay nito, ang kulto - mahiwagang - layunin ng mga eskultura na ito ay natukoy ang mataas na proporsyon sa kanilang makasagisag na solusyon ng mga motif ng isang kondisyon na simbolikong kalikasan, na walang kagyat na tulad-buhay na panghihikayat, ngunit gayunpaman ay tradisyonal na naiintindihan ng bawat miyembro ng tribo.

Ang katangian para sa isang kakaibang pag-unawa sa mga batas ng artistikong pangkalahatan ng anyo (iyon ay, pag-highlight sa pangunahing, pinaka-mahalaga sa imahe) ay ang saloobin ng mga masters ng African art sa tanong ng paglilipat ng mga proporsyon ng katawan ng tao. Sa pangkalahatan, ang master ay may kakayahang tama na maihatid ang mga proporsyon ng n, kapag isinasaalang-alang niya na kinakailangan, nakayanan niya ang gawain nang lubos na kasiya-siya. Ang pag-on sa imahe ng mga ninuno, ang mga artista ay madalas na lumikha ng mga imahe na medyo tumpak sa proporsyon, dahil sa kasong ito ito ay kanais-nais na pinaka-tumpak at ganap na ihatid ang lahat ng katangian sa istraktura ng katawan ng tao. Gayunpaman, madalas na ang iskultor ng Africa ay nagpapatuloy mula sa posisyon na ang ulo ay ang pinakamalaking kahalagahan sa imahe ng isang tao, lalo na ang mukha, na maaaring makakuha ng napakalaking pagpapahayag, samakatuwid, na may walang muwang na prangka, nakatuon siya sa ulo, na naglalarawan. ito bilang sobrang laki. Kaya, halimbawa, sa mga pigura ng Bakongo, na kumakatawan sa mga espiritu ng mga sakit, ang mga ulo ay sumasakop hanggang sa dalawang-ikalima ng laki ng buong pigura, na naging posible upang mapabilib ang manonood sa isang nakakatakot na ekspresyon ng mukha ng isang mabigat na espiritu na may partikular na puwersa.

Kapag ang tagapag-ukit ay nagsimulang gumawa ng isang pigura, kadalasan ay kailangan niyang harapin ang isang cylindrical na piraso ng kahoy. Ang mga modernong mananalaysay ng sining sa Europa, tulad ni Frey, ay nagtalo na ang African artist ay nakakaramdam ng kumpletong kalayaan sa plastik, na nakikita ang anyo sa tatlong dimensyon, at hindi nakakaranas ng anumang kahirapan, na ginulo mula sa planar na imahe. Ito ay higit na tama, maliban na ang pangangatwiran na ito ay batay sa kasanayan ng isang modernong European sculptor na sinanay sa mga paaralan ng sining at sanay sa pagguhit, iyon ay, ang representasyon ng isang three-dimensional na bagay sa isang eroplano. Ang African carver ay walang ganoong kasanayan. Lumapit siya sa sculpture, direktang pinagmamasdan ang realidad na nakapaligid sa kanya. Sa pagitan niya at ng buhay ay walang hadlang sa anyo ng isang dalawang-dimensional na imahe ng mga bagay sa isang eroplano. Ang African sculptor ay lumilikha ng mga imahe nang direkta sa dami. Samakatuwid, ang artistang Aprikano ay may napakatalim na pakiramdam ng anyo, at kung kailangan niyang mag-ukit ng patayong imahe ng isang tao mula sa isang cylindrical na piraso ng kahoy, hindi siya nahihirapang ipahayag sa loob ng makitid na mga hangganan ng volumetric na form na ito ang kaukulang imahe ng kilusan, at kung kinakailangan, upang ipahayag ang mapusok na direksyon ng kilusang ito. Ang higpit ng materyal ay nagpapakita lamang ng sarili sa mga kasong iyon kapag ang artist ay nahaharap sa isang gawain na hindi karaniwan para sa kanyang mga kasanayan, halimbawa, kapag sinubukan niyang ilarawan ang isang mangangabayo. Sa katunayan, kailangan niyang harapin ang isang pigura na ang mga contour ay hindi na magkasya sa silindro. Kung sinusubukan ng artist na mapanatili ang mga kinakailangang proporsyon, kung gayon ang imahe ng rider mismo ay magiging napakaliit. Ang isang katulad na hamon, halimbawa, ay kinakaharap ng mga Yoruba artist kapag nais nilang ilarawan si Odudua, ang mythical founder ng Yoruba state. Ayon sa tradisyon, ang mythical progenitor na ito ay dapat sumakay ng kabayo tulad ng isang panginoon. Ang iskultor, na nais na ilarawan ang hari, ay natural na itinuro ang lahat ng kanyang pansin sa kanyang imahe, at ang kabayo sa buong komposisyon ay gumaganap ng isang subordinate na papel para sa kanya. Sa esensya, itinuring niya ito bilang isa sa mga simbolikong katangian ng maharlikang kapangyarihan, katulad ng sungay na hawak ng hari sa kanyang kanang kamay, o isang palakol sa kanyang kaliwa. Ito ay hindi nakakagulat, samakatuwid, na ang pigura ng kabayo ay malinaw na hindi proporsyonal na nabawasan na may kaugnayan sa buong imahe. Ang paglalarawan ng isang tao, ang African artist, tulad ng nabanggit na, ay nakatuon sa kanyang pansin sa ulo. Ito ay inilalarawan nang may partikular na pangangalaga, at ang lahat ng mga tampok na katangian ng headdress ng tribo ay minarkahan dito. Kaya, halimbawa, ang mga figure ng bast ay nailalarawan sa pamamagitan ng mataas na bukas na mga noo, dahil ang buhok sa korona ng bast ay ahit at ang buong hairstyle ay puro sa likod ng ulo1. Ang mga marka ng tribo ay palaging maingat na minarkahan sa mukha: isang tattoo o, mas tiyak, mga peklat. Ang madilim na kulay ng balat ng mga Aprikano ay ginagawang imposible na mag-aplay ng isang tattoo, kaya't ito ay pinalitan ng mga paghiwa sa balat, na, kapag gumaling, ay nagbibigay ng mga peklat ng isang mapula-pula-lilang kulay. Ang mga palatandaan na inilapat sa noo o sa mga pisngi ay ginagawang posible na palaging ipahiwatig na kabilang sa isang partikular na tribo.

Kung ikukumpara sa ulo, ang katawan ay binibigyang kahulugan nang mas simple. Ito ay maingat na itinala lamang kung ano ang mahalaga mula sa punto ng view ng master: mga palatandaan ng sex at isang tattoo. Tulad ng para sa mga detalye ng damit at alahas, bihirang ilarawan ang mga ito. Sa huli, hindi mahirap makarating sa konklusyon na, sa kabila ng pagiging totoo sa paglipat ng mga naturang detalye, ang kanilang pag-andar ay higit sa lahat ay isang ritwal na kalikasan, na tumutulong na "kilalanin" ang isa o ibang karakter. Samakatuwid ang kalayaan kung saan ang mga detalyeng ito mismo ay nakakuha ng isang inilarawan sa pangkinaugalian na pandekorasyon na interpretasyon o hinabi sa kabuuang komposisyon ng kabuuan, na malinaw na nagpapahayag sa mga ritmo nito. Ang lakas ng kakaibang pagiging totoo ng mga eskultura ng Aprika ay dahil hindi lamang at hindi dahil sa mga makatotohanang detalyeng ito. Ang pinakamahalaga ay ang panghihikayat ng mga ritmo ng iskultura sa kabuuan, na malinaw na naghahatid ng kalikasan at kakanyahan ng paggalaw, pati na rin ang pagtaas ng pagpapahayag sa paghahatid ng pangkalahatang emosyonal na estado ng imahe: kahanga-hangang galit, kalmado, malambot na kakayahang umangkop ng paggalaw. o ang matinding impetuosity nito, atbp.

Ang isang mahalagang katangian ng maraming mga pigurin ng Kongo ay ang mga indentasyon sa ulo at tiyan ng mga pigurin. Ang ganitong mga imahe ay karaniwang ginawa pagkatapos ng kamatayan ng isang tao sa pamamagitan ng utos ng kanyang mga tagapagmana. Ipinapalagay na ang espiritu ng namatay ay mananahan sa kanyang imahe sa loob ng ilang panahon, upang iwanan ito magpakailanman. Upang ang espiritu ng namatay ay manirahan sa pigurin, kumuha sila ng pulbos mula sa mga nasunog na buto ng namatay at, kasama ang iba't ibang mga gamot, ibinuhos sa mga recess na ito, na isinara ang mga ito ng isang tapunan. Pagkatapos lamang na siya ay itinuturing na "animate" at siya ay hinarap ng isang panalangin para sa tulong. Ang pigurin ay kabilang sa mga dambana ng sambahayan hangga't ang alaala ng namatay ay napanatili pa rin, at pagkatapos ay itinapon ito. Dahil ang statuette ay dapat maglarawan ng isang namatay na ninuno, natural na sinubukan nilang bigyan ito ng mga tampok na portrait hangga't maaari. Samakatuwid, kailangan nitong magkaroon ng lahat ng pisikal na katangian na nagpapakilala sa namatay. Kung mayroon siyang anumang pisikal na depekto, ang pigurin ay nagpaparami rin nito. Naturally, ang espesyal na pansin ay binabayaran sa eksaktong paglipat ng tattoo.

Nang ang isang manlalakbay sa pagtatapos ng huling siglo ay tumagos sa loob ng Congo, nakilala niya ang mga tao na naalala ang pagbisita sa kanilang tribo dalawampung taon bago ang ekspedisyon ng Aleman ng Wissman. Ipinakita ng manlalakbay sa mga matatanda ang aklat ng Wissmann, kung saan mayroong isang imahe ng dating pinuno. Sa kabila ng katotohanan na tumpak na ipinarating ng larawan ang mga tampok ng mukha ng namatay, wala sa mga matatandang tao ang nakakilala sa kanya, dahil ang bahagi ng tattoo sa kanyang mukha ay nawawala sa libro. Pagkatapos ay inalok silang iguhit ang kanyang larawan, at kusang-loob nilang inilarawan ang isang napaka-eskematiko na mukha sa papel, na tumpak na nagpapahiwatig ng buong tattoo. Malinaw na ipinapakita ng halimbawang ito na ang naturang "portrait" ay inilaan hindi upang ihatid ang imahe at katangian ng namatay, ngunit upang ilarawan ang mga katangiang "sign" na nagsisiguro sa kanyang pagkilala. Totoo, sa ilang mga figurine ng ganitong uri, ang mga simulain ng paglilipat ng aktwal na panlabas na pagkakahawig ng portrait, iyon ay, ang ilang mga indibidwal na tampok sa istraktura ng mukha, ay kapansin-pansin din.

Gayunpaman, hindi lahat ng mga pigurin ay nauugnay sa kulto ng mga patay na ninuno. Sa matinding kanluran ng Africa, sa mga isla ng Bissagos, ang mga labi ng orihinal na populasyon ng bansa ay nakaligtas hanggang ngayon: isang maliit na tribo ng Bidyo. Bawat nayon ng biyogo ay may pigurin na ibinibigay sa babaeng may asawa. Pigura Ito, ayon sa mga lokal na paniniwala, ay nakakatulong sa pagsisimula ng pagbubuntis. Sa sandaling maramdaman ng babae na siya ay naglihi, ibinalik niya ang pigurin na ito sa matanda, na ipinasa ito sa susunod na babae.

Ang iskultura ng Aprika ay bihirang ipininta. Karaniwang pinapanatili nito ang natural na kulay ng kahoy. Ang materyal para sa iskultura ay halos palaging ang tinatawag na mahogany o ebony, iyon ay, ang pinaka-siksik at matitigas na bato. Tanging ang mga tagapag-ukit ng mga tribo ng Cameroon at ilang rehiyon ng Sudan, ang Congo kung minsan ay gumagamit ng magaan, malambot na kahoy na may madilaw-dilaw na kayumanggi at pagkatapos ay dilaw na kulay. Mas madaling iproseso ang malambot na mga species ng puno, ngunit hindi sila matatag. Ang mga pigurin na gawa sa malambot na kahoy ay malutong, malutong at madaling atakehin ng anay. Ang mga ukit na gawa sa matigas na kahoy ay tila hindi pininturahan; sa kabaligtaran, ang mga gawa sa magaan na kahoy ay halos palaging polychrome. Marahil ito ay konektado sa ilang paraan sa pagtatangkang protektahan sila mula sa pagkawasak.

Mayroon lamang tatlong kulay sa African palette: puti, itim at pula-kayumanggi. Ang batayan para sa mga puting pintura ay kaolin, para sa itim - karbon, para sa pula-kayumanggi - pulang uri ng luad. Tanging sa mga eskultura ng polychrome ng ilang mga tribo ay dilaw, o, bilang ito ay tinatawag na, "ang kulay ng isang limon." Ang asul at berde ay matatagpuan lamang sa eskultura at mga painting sa Dahomey at southern Nigeria. Kaugnay nito, kagiliw-giliw na tandaan na sa mga wika ng Kanlurang Africa mayroong mga pagtatalaga lamang para sa itim, puti at pula-kayumanggi. Ang lahat ng madilim na tono (kabilang ang madilim na asul na kalangitan) ay tinatawag na itim, ang mga light tone (kabilang ang mapusyaw na asul na kalangitan) ay tinatawag na puti.

Kaya, ang mga pigurin ay bihirang pininturahan, ngunit halos palaging pinalamutian sila o, mas tiyak, pupunan ng mga damit at alahas. Ang mga singsing ay inilagay sa mga kamay ng mga pigurin, ang mga kuwintas ay inilagay sa leeg at katawan, at isang apron ang inilagay sa mga balakang. Kung ang pigurin ay isang espiritu kung saan ang mga kahilingan ay tinutugunan, kung gayon ang mga kuwintas, mga shell ng cowrie ay madalas na dinadala sa kanya bilang isang regalo, na ganap na sumasakop sa buong imahe.

Pagbabalik sa mga artistikong katangian ng African sculpture, dapat itong bigyang-diin muli na ang mga African artist ay nakamit ang mahusay na karunungan sa paglipat ng ritmo at sa compositional na paghahambing ng mga volume. Kung maingat mong suriin ang pigura ng bast, madaling makita na ito ay nakaayos nang napakahusay. Ang malaking ulo ay balanse ng masa ng katawan. Kung ang mga paa ay hindi proporsyonal na malaki, pagkatapos ito ay ginagawa upang magbigay ng katatagan sa buong pigura. Nararamdaman ng artist ang lakas ng tunog at alam kung paano ito bibigyan ng kalmado, balanseng mga anyo. Ang buong pigura sa kabuuan ay magkakasuwato. Ang mahigpit na simetrya ng pigura ay nagbibigay ito ng katangian ng kalmado at katatagan. Hindi ito nangangahulugan na karamihan sa mga numero ay walang dinamika. Kaya, kung bumaling tayo sa isa pang pigura ng bast, kung gayon ang ibang solusyon sa imahe at komposisyon ay agad na nakakakuha ng mata. Sa unang kaso, ang pigurin ay naglalaman ng kadakilaan at kalmado, sa pangalawa - ang bilis.

Ang mga maskara ay kumakatawan sa isang espesyal na kategorya ng kahoy na inukit na iskultura. Ang kanilang layunin ay malapit na konektado sa mga kakaibang institusyon ng primitive na komunidad - mga ritwal ng pagsisimula at mga lihim na unyon. Sa isang primitive tribal society, ang lahat ng miyembro ng isang tribo ay isang mahigpit na pagkakaugnay na grupo. Ito ay nakatali lalo na sa pamamagitan ng komunal na pagmamay-ari ng lupa, pangangaso at pangingisda. Ang ari-arian ng komunidad ay ang batayan ng ekonomiya para sa pagkakaroon ng buong tribo. Ang lahat ng miyembro ng tribo ay pinagsama-sama ng mga kaugalian ng pagtulong sa isa't isa. Ang pagpapahayag ng pagkakaisa ng genus ay isang karaniwang generic na pangalan, kadalasan ang pangalan ng isang hayop o bagay, ang tinatawag na totem. Ang mga kaugalian ng totemismo ay lumitaw noong sinaunang panahon; Ang mga miyembro ng primitive na komunidad ay kinuha bilang isang totem - ang pagtatalaga ng isang uri-tribo - ang pangalan ng isang hayop. Sa gayon, hinahangad ng isang tao na matiyak ang tagumpay sa pangangaso kung ang totem ay isang hayop sa pangangaso - isang antelope, kalabaw, atbp. - o upang sumali sa kanyang lakas kung ang isang agila, leon o leopardo ay pinili bilang isang totem.

Ang mga nakaligtas sa primitive totemism ay napanatili sa ilang mga lugar hanggang kamakailan sa ilang mga tribo ng Africa. Ang mga bakas ng totemism ay pinakamalinaw na nakikita sa mga ritwal ng pagsisimula, iyon ay, ang pagsisimula ng mga kabataan na umabot sa pagdadalaga sa bilang ng mga ganap na miyembro ng tribo. Ang mga ritwal na ito ay lubhang magkakaibang, ngunit ang batayan ng mga ito sa lahat ng dako ay ang gawain ng pagtuturo sa mga kabataang lalaki at babae na nagiging miyembro ng isang tribo o angkan ng lahat ng mga tradisyon, mga alamat tungkol sa pinagmulan ng tribo, kasaysayan nito, atbp. Kasama rin sa pagsasanay ang praktikal na impormasyon at kasanayan. Ang pagsasanay ay palaging isinasagawa sa isang espesyal na setting: ang kabataan ay inalis mula sa nayon, at sa ambon ng tropikal na kagubatan, sa gabi, ang mga matatandang tao, ang mga tagapag-ingat ng mga tradisyon ng tribo, ay lumalabas sa harap ng mga bagong dating, nakabalot mula ulo hanggang paa ng damo at dahon, na may mga maskara sa kanilang mga ulo, na naglalarawan ng mga espiritu, o mga ninuno, tribo. Ang bawat maskara ay may sariling pangalan, sariling sayaw at sariling ritmo. Ang mga kalahok sa pantomime ay umaawit ng mga awitin kung saan inaawit ang mga pangyayari sa nakaraan.

Hindi tulad ng mga figurine, na palaging naglalarawan ng isang tao, ang mga maskara ay kadalasang naglalarawan ng mukha ng isang hayop. Ito ay naiintindihan, dahil ang maskara ay karaniwang nauugnay sa mga parokyano ng hayop, ang mga totem ng angkan. Ang mga maskara ng kalabaw ng mga tribo ng Cameroon, mga maskara ng buwaya ng tribo ng Nunuma at marami pang iba ay ganap na makatotohanang mga larawan ng mga hayop.

Kasama ang pinaka sinaunang mask-totem, ang mga maskara ng tinatawag na mga lihim na unyon ay naging laganap. Ang mga lihim na alyansa na ito, ang mga unang ulat kung saan itinayo noong ika-16 na siglo, ay kumakatawan sa mikrobyo ng bago, naka-uri nang mga relasyon, na nahuhubog sa kaibuturan ng primitive na komunidad. Ito ang mga organisasyon ng maharlika ng tribo at mayayaman, sa tulong ng kung saan pinapanatili nila ang natitirang bahagi ng tribo sa pagsunod. Mula sa mga nakaraang pagsisimula ng totem, minana ng mga lihim na unyon ang kanilang ritwal, ngunit ang mga maskara, na nawala ang kanilang direktang koneksyon sa mga representasyon ng totem, ay pinanatili lamang ang tungkulin ng pananakot at nagkaroon ng mga kakaibang anyo. Kaya, halimbawa, sa maskara ng tribo ng Nunuma, nakikita natin ang isang kumbinasyon ng imahe ng isang buwaya at ilang uri ng daga. Kabilang sa mga maskara ng ganitong uri ang isa ay makakahanap ng medyo hindi pangkaraniwang mga kumbinasyon, na malinaw na nagpapakita na ang mga orihinal na ideya tungkol sa ancestor-totem ay nawala. Kasama ng mga maskara ng hayop, maraming mga maskara na naglalarawan ng mukha ng tao. Kabilang sa mga ito ay nakakita tayo ng mga maskara na humanga sa kanilang kalmado, marangal na hitsura. Gayunpaman, kasama ang mga ito ay may ganap na napakapangit na mga maskara na nakikilala sa pamamagitan ng matinding pagpapahayag. Kadalasan ang mukha ng tao ay pinagsama sa mga katangian ng hayop. Ang mga maskara ng ganitong uri ay madalas na pininturahan. Ang sari-saring kulay ay dapat higit na bigyang-diin ang hindi pangkaraniwang, kamangha-manghang katangian ng pigura at magbigay ng inspirasyon sa kakila-kilabot. Ang mga maskara na ito ay karaniwang naglalarawan ng mga espiritu at idinisenyo upang magtanim ng takot sa mga taong hindi kabilang sa isang lihim na alyansa. Ang mga maskara na may mga kalmadong mukha ay tila nauugnay sa kulto ng mga ninuno at naglalarawan ng mga karaniwang namatay na kamag-anak. Sa tribo ng Dan sa Liberia, ang mga naturang maskara ay ginawa para sa malinaw na layunin ng pakikipag-usap sa namatay. Ang mga ito ay isinusuot sa kanila, lumingon sila para sa payo sa mga mahihirap na kaso, hinuhulaan nila ang tungkol sa hinaharap. Sa lahat ng posibilidad, ang mga maskara na ito ay kapalit ng mga bungo na kung minsan ay inilalagay sa mga kubo sa mga altar ng ninuno. Ang huling pangkat ng mga maskara ay may malaking interes sa sining. Ang mga ito ay napaka-makatotohanan, maaari ka ring makahanap ng mga tampok ng portraiture sa kanila. Karaniwang nakapikit ang mga maskarang ito, na nagpapahiwatig na nasa harapan namin ang imahe ng namatay.

Halos palaging ang maskara ay ginawa mula sa isang piraso ng kahoy. Ito ay naayos sa ulo sa iba't ibang posisyon. Pwede sa korona ng ulo, kayang takpan ang buong ulo, mukha lang ang kayang takpan.

Ang mga tunay na antigong maskara ay nagbibigay ng impresyon ng mataas na kasiningan. Kahit na sa kaso kapag mayroon kaming isang maskara na may isang napaka-kakaibang interpretasyon ng muzzle ng hayop, humahanga ito sa pagpapahayag nito: isang bukas na bibig, ang mga mata na nakatutok sa manonood ay hindi sinasadyang makaakit ng pansin. Upang mapahusay ang pagpapahayag ng mga maskara ng ganitong uri, ang mga artista ay gumagamit ng mga kakaibang pamamaraan. Halimbawa, ang mga mata at bibig ay binibigyang kahulugan bilang mga silindro na nakausli pasulong mula sa patag na ibabaw ng mukha. Ang ilong ay kumokonekta sa noo, at ang mga gilid ng kilay ay nagbibigay ng mga anino sa paligid ng mga mata. Kaya, ang mukha ay tumatanggap ng pambihirang pagpapahayag. Ang mga maskara, bilang panuntunan, ay may isang tiyak na panloob na ritmo; sila ay nilikha, wika nga, sa isang tiyak na "emosyonal na susi". Sa nakalipas na mga dekada, ang mga eskultura at maskara, dahil sa unti-unting pagdaig sa mga paniniwala at kaugalian na itinayo noong sinaunang panahon, ay nawawala ang kanilang mahiwagang at relihiyosong katangian.

Dumarami, ang mga ito ay ginawa para sa merkado para sa pagbisita at mga lokal na mahilig sa sining. Ang kultura ng kanilang pagganap, siyempre, ay bumagsak sa parehong oras. Ang mga anyo ng sining ng Africa, na direktang nauugnay sa mundo ng pangkukulam at mga primitive na ideya sa relihiyon, ay hindi maiiwasang mawala habang umuunlad ang ekonomiya at lumalaki ang kamalayan sa sarili ng mga mamamayang Aprikano.

Ngunit ang kahanga-hangang orihinal na mga tradisyon ng artistikong bapor, isang pambihirang pakiramdam ng ritmo, pagpapahayag ng pagpapahayag, karunungan sa komposisyon, na naipon ng mga tao sa mga kondisyon ng primitive communal o early class art, ay hindi mawawala. Sila ay malikhain, innovatively reworked, transformed at ilagay sa serbisyo ng pagbuo ng pambansang kultura ng mga African mamamayan liberating ang kanilang mga sarili mula sa pamatok ng kolonyalismo.

Ang dekorasyon ng kanilang mga tahanan at mga gamit sa bahay, ang mga tao ay nagsusumikap sa mahabang panahon. Nakahanap pa rin ang mga arkeologo ng iba't ibang kumpirmasyon ng pagkakaroon ng artistikong mundo ng iba't ibang panahon. Ang mga kumpirmasyon na ito ay iba't ibang mga gamit sa bahay na sinubukan ng mga tao na palamutihan ng iba't ibang mga burloloy na katangian ng kanilang panahon.

Sa panahon ng Paleolithic, sinubukan ng mga primitive na tao na kopyahin ang mundo sa kanilang paligid sa tumpak at nakikitang mga imahe. Samakatuwid, ang pinakamahalagang tema ng Paleolithic art ay ang tema ng mga hayop at ang tema ng pangangaso. Karaniwan, ang mga pagpipinta ng kuweba ay mga larawan ng mga hayop: mga mammoth, rhino, toro, kabayo, mga leon sa kuweba at mga oso.

Ang pangalawang lugar pagkatapos ng mga eksena sa pangangaso ay inookupahan ng mga larawan ng mga ritwal ng muling pagkabuhay at pagpaparami ng mga hayop, na nagpapakilala sa mahika ng pagkamayabong. Gayundin, sa panahon ng pagganap ng mga ritwal ng pagkamayabong, ang isang tao ay madalas na inilalarawan, ang mga ito ay pangunahing mga babaeng figure. Ang pangkulay ng naturang mga imahe ay ginawa sa itim, pula, dilaw at kayumanggi na kulay.

Nang maglaon, kasama ang mga larawan ng mga hayop, ang primitive na tao ay nagsimulang gumamit ng mga maginoo na palatandaan, iba't ibang mga kumbinasyon ng mga linya na katulad ng mga geometric na numero. Kaya, ang mga pundasyon ng mahiwagang semantika ay inilatag. Unti-unti, ito ay humahantong sa abstract geometric na mga imahe ng mga simbolo, na naging batayan para sa paglikha ng isang dekorasyon bilang isang paraan ng dekorasyon. Ang mga tool at armas, mga kagamitan sa sambahayan ay pangunahing pinalamutian ng mga geometric na burloloy, kung minsan ang mga bagay na ito ay natatakpan ng mga inukit o nililok na larawan ng mga hayop. Ang mga pulseras ng buto ay humanga sa pagka-orihinal ng mga burloloy. Nagulat at natutuwa sa pinakamagandang pattern na nagpapalamuti sa kanila sa anyo ng mga meander stripes, na pinaghihiwalay ng mga parallel na zigzag, o isang pattern na "herringbone".

Sa pagtatapos ng ika-3 milenyo BC, patuloy na nangingibabaw ang geometriko na dekorasyon sa Europa. Ang curvilinear, wavy, ribbon-like o spiral pattern ay nananatiling isang katangian ng pattern ng art metal na mga produkto. Ang mga ceramic na sisidlan ay madalas na pinalamutian ng isang spiral na may nakataas na tuldok sa gitna. Ang isang katulad na dekorasyon ay katangian din ng Central Europe ng Iron Age (ang kultura ng Hallstatt, IX-VI siglo BC).

kulturang Latin. (V-I siglo BC). Celtic na palamuti. Sa V - I siglo. BC e., sa Kanlurang Europa ang mga tribo ng mga Celts ay karaniwan. Celtic art - gumagamit ng abstract at floral motifs na hiniram mula sa mga Greeks at Etruscans. Gayundin, sa Celtic ornamental art, may mga motif na nauugnay sa imahe ng mundo ng hayop at tao, na hiniram sa Silangan.

Isang palamuti na binubuo ng mga inilarawang anyo ng mga tao, hayop at halaman sa anyo ng mga tatsulok, spiral at tuldok ay inilagay sa isang bagay na metal o bato na pinalamutian. Ang mga imahe na nauugnay sa kulto ng libing ay naiiba, sila ay nakikilala sa pamamagitan ng pagiging totoo at konkreto.

Mula sa ika-5 siglo BC. Ang mga Celtic artisan ay nagsimulang gumamit at magbago ng mga pattern ng mga burloloy ng ibang mga tao, sa gayon ay nagdaragdag ng isang uri ng masining na "Early Latensian style".

Sa kalagitnaan ng IV siglo. sa i. e. Ang mga motif para sa dekorasyon sa mga produkto ng mga Celts ay mga larawan ng mga ibon at hayop. Ang mga inilapat na produkto ng sining ay nagiging mas naa-access sa pangkalahatang publiko. Ang ganitong pagtaas sa katanyagan ng inilapat na sining ay nag-ambag sa paglitaw ng plastik na "Estilo ng Middle La Tène", na naging laganap noong ika-2 siglo BC. BC e. Nagsimula itong gumamit ng pattern ng relief, na kadalasang pinayaman ng ukit.

Ang "Late Latensian style" ay lumitaw noong ika-1 siglo. BC. bunga ng paghina ng sining at sining. Sa kalagitnaan ng III siglo. BC. sinakop ng mga Celts ang ilang bahagi ng England. Ang sining ng La Tène na dinala nila sa mga teritoryong ito ay muling ginawa ng mga lokal na paaralan ng bapor. Bilang resulta ng naturang pagproseso, isang bagong, "istilo ng isla" ang nabuo. Ang mga katangian ng istilong ito ay mga bronze bicorn helmet; mga motif ng palmette, spiral curls ang nanaig sa ornament; relief ornament ay pinagsama sa isang linear engraved pattern. Mula sa ika-1 siglo BC e. ang pagpapalawak ng mga Celts ay tumigil, hindi ito nagtagal na nakakaapekto sa likas na katangian ng mga anyo at motif ng gayak. Ang interpretasyon ng balangkas ay naging makatotohanan, lumilitaw din ang mga larawan ng mga kakaibang hayop.

Unti-unti, mula sa magkakaibang at magkakaibang mga elemento ng dekorasyon ng Celtic, nabuo ang isang solong istilo, kung saan namamayani ang mga elemento ng animalistic at floral. Ang sining ng mga Celts ay naging batayan ng sining ng mga mamamayan ng France, Switzerland, Belgium, at bahagyang England. Sa Ireland at Scotland noong ika-7 - ika-9 na siglo. ang sining na ito ay umabot sa isang bagong pamumulaklak, at ang "Bagong istilong Celtic" ay lumitaw.

Africa. Ang pinakakaraniwang mga paglalarawan ng South Africa ay nakararami sa mga larawan ng mga eksena sa pangangaso, labanan, sayaw, mga larawang nauugnay sa mga paniniwala sa relihiyon at mitolohiya. Kadalasan, ang mga ritwal ng pagtawag ng ulan, paglilibing, at mga sayaw ng kulto ay inilalarawan. Walang alinlangan, ang lahat ng ito ay makikita sa kultura at inilapat na sining ng mga tao ng Africa. Ang kultura ng mga taong Aprikano ay nailalarawan sa pamamagitan ng imahe ng mga ulo at pigurin ng mga hayop. Ang sining ng alahas ng ilang mga bansa sa Africa ay nailalarawan sa pamamagitan ng zoomorphic at anthropomorphic na mga burloloy. Halimbawa, ang mga timbang na tanso sa anyo ng mga ligaw na hayop - mula sa isang elepante hanggang sa isang antelope, mga pigura ng mga mananayaw o babaeng may dalang tubig.

Sa African furniture, makakahanap ka ng iba't ibang uri ng mga kahoy na headrest na ginawa sa anyo ng mga pagong, buwaya at iba pang mga hayop; ang mga pigurin ng mga ibon at hayop ay ginagamit upang palamutihan ang mga detalye ng iba't ibang bagay.

Ang mga suklay ay pinalamutian ng iba't ibang mga inukit na pattern, pati na rin ang "rekads" - mga simbolo ng kapangyarihan na naglalaman ng mga nakakatakot na motif. Ang mga figurine ng mga iginagalang na ninuno ay pinalamutian ng mga geometric na burloloy na nagpaparami ng pattern ng mga tattoo. Sa pandekorasyon na pattern ng tela, ang pattern ng mga parisukat, tatsulok at rhombus ay madalas na matatagpuan.

Indonesia. Para sa inilapat na sining ng Indonesia, mga 2000 BC. e., ang mga produktong ceramic na may mga inukit na burloloy ay katangian. Nang maglaon, lumitaw ang mga bagay na tanso, na mga eskematiko na pigura ng mga tao na pinalamutian ng spiral ornament, cauldron-drum na may geometric na pattern at mga naka-istilong larawan ng mukha ng tao, mga ibon, atbp.

Ang katutubong arkitekturang Indonesian ay kadalasang gumagamit ng mga larawang inukit upang palamutihan ang mga dingding. Ang mga ukit ng mga hayop na totem ay ginamit sa dekorasyon ng mga haligi at pintuan ng suporta.

Ang Indonesia ay may iba't ibang uri ng mga sinaunang sining, lalo na ang pag-ukit ng kahoy at kawayan. Sa mga isla ng Java, Sumatra, Nias, at iba pa, inukit ang mga naka-istilong pigurin ng mga demonyo, ninuno, at totem na hayop. Ang mga banig, sombrero, bag ay hinabi mula sa tininang kawayan, dahon ng palma at mga halamang gamot. Ang mga alahas na gawa sa ginto at pilak na may mga pigura ng mga mitolohiyang nilalang at hayop, pati na rin ang mga dagger na pinalamutian nang sagana - "kris" ay ginawa.

Upang palamutihan ang mga damit, ang mga habi at burda na mga pattern ay karaniwan. Sa mga larawan sa mga keramika, inukit o bulaklak na burloloy, mga pigura ng mga tao at hayop, ginagamit ang dyak korchagi na may relief na imahe ng mga dragon.

Oceania. Ang sining ng mga tao ng Oceania ay hindi napapailalim sa malakas na pagbabago, dahil nauugnay ito sa mga tradisyon sa relihiyon at panlipunan. Ang kanilang mga paniniwala sa relihiyon ay pangunahing nauugnay sa pagkamayabong at mga kulto ng ninuno.

Sa mga isla ng New Guinea, ang mga lokal ay lumikha ng palayok at pinalamutian ito ng mga spiral incisions; iba't ibang mga kagamitang gawa sa kahoy sa anyo ng mga ibon o mga pigura ng tao; Ang mga sisidlan ng kawayan, bilang panuntunan, ay pinalamutian ng mga inukit na geometric na burloloy.

Ang kultura ng New Zealand ay ang kulto ng mga bayani, ang pagnanais na maiwasan ang kawalan ng laman kapag pinalamutian ang ibabaw at ang medyo madalas na paggamit ng spiral motif kumpara sa iba pang mga pandekorasyon na motif. Halimbawa, ang spiral motif ay matatagpuan hindi lamang sa openwork o embossed woodcarving, kundi pati na rin sa mga tattoo sa mukha.

Ang mga isla ng Polynesian ay sikat sa paggawa ng mga tela mula sa bark - "tapa". Ang pandekorasyon na epekto ng mga telang ito ay nakamit ng isang napaka-simpleng palamuti. Kadalasan, ang mga pattern ay itinayo batay sa isang rhombus o isang pattern ng checkerboard, at ang bawat isla ay nagdala ng sarili nitong bagay sa kanila. Minsan ang dekorasyon ay natatakpan ng barnis ng gulay.

Ang sining ng pag-tattoo sa mukha at katawan ay umabot sa isang mahusay na artistikong taas sa Marquesas at Marshan Islands. Maaaring takpan ng tattoo ang buong katawan na may mga geometric na motif. Mayroon itong hindi lamang mahiwagang, kundi pati na rin ang panlipunang kahulugan. Halimbawa, ang mga pattern ng zigzag sa mukha ay inilaan lamang para sa mga pinuno.

Mexico. Sa VIII-II na siglo. sa i. e. sa sinaunang Mexico, naganap ang canonization ng mga imahe at simbolo ng kulto. Ang mga diyos na tulad ng butiki at ahas, mga anthropomorphic na diyos - mga simbolo ng kalangitan, apoy, ulan at kahalumigmigan, atbp. - naging isang obligadong arsenal ng sining ng Mexico.

Sa panahon mula ika-1 hanggang ika-9 na siglo. n. e., tinatawag na "klasikal", kapag ang sining ay pinailalim sa mga interes ng maharlika at mga pari, lumilitaw ang simbolismo ng relihiyon. Ang mga sopistikadong kamangha-manghang mga imahe, mga seremonyal na imahe ng mga pinuno, mga personipikasyon ng buhay at kamatayan ay pinagsama sa kumplikadong dekorasyon at hieroglyphic na mga inskripsiyon.

Sa mga templo ng pyramid ng Mexico, ang mga simbolikong motif ay sinakop ang isang malaking lugar: ang mga ulo ng ahas na may bukas na mga bibig, kahanga-hangang balahibo ng kanilang mga nanginginig na katawan, mga ulo ng jaguar, mga imaheng antropomorpiko - ang buong magkakaibang at makulay na mundo ng mitolohiya ng India. Gayundin, bilang karagdagan sa mga pictorial motif, ginagamit ang isang "dalisay" na dekorasyon, na nabuo sa pamamagitan ng paghalili ng mga geometric na elemento. Labing-apat na iba't ibang motif ang ginagamit dito: isang krus, isang zigzag, isang polyhedron, isang maikling hagdan ng hagdan, isang hugis-T na motif at marami pang iba.

Sa huling panahon ng Sinaunang Mexico (X - simula ng ika-16 na siglo), maraming tradisyunal na tampok ng sining ang napanatili, sa halip na mga simbolo ng relihiyon, mga simbolo ng digmaan at mga eksena ng militar ang inookupahan.

Peru. Ang pinakamalaking interes ay ang mga keramika ng Peru. Dito, sa iba't ibang mga panahon, ang mga palayok ay pinalamutian ng alinman sa isang abstract na engraved pattern, o may isang stucco na pandekorasyon, o may isang nakamamanghang palamuti. Ang pula, brick-pink, dark red, orange, dark green, gray-green at ultramarine na mga pintura ay ginamit para sa dekorasyon.

Upang palamutihan ang mga tela ng Peru, ginamit ang mga mitolohiko at pang-araw-araw na mga eksena, na may napakayaman na kulay. Ang hanay ng kanilang mga kulay ay binubuo ng hanggang sa 190 iba't ibang mga tono. Pagkatapos ng 800 BC. e. ginawa rin dito ang tapestry-type na tela, na ginamit para sa pag-ukit sa mga damit; kung minsan ang buong damit ay ginawa mula dito - isang unka, isang uri ng kasalukuyang poncho. Ang katangiang palamuti ng mga telang ito ay animalistic: isda, ibon, mandaragit na hayop. Minsan may mga larawan ng mga tao (mga pinuno, mandirigma, mananayaw o mga eksena sa mitolohiya). Bilang karagdagan, sa dekorasyon ng mga tela, mayroong isang abstract na palamuti - isang stepped ornament, isang meander; gulay, ay bihirang ginagamit. Gumamit din ang mga Peruvian ng burda upang palamutihan ang mga tela.

Ang artikulo ay inihanda ni Gorskaya Natalia. Ipinagbabawal ang pagpaparami ng bahagi o lahat ng teksto nang walang pahintulot ng may-akda.

Mga Guhit: Kirichenko V., Afonkina A.S.

Sa dynamics at expressiveness ng genre, ang African art ay nagkaroon ng malaking epekto sa kontemporaryong sining at disenyo. Ang ilang mga itim at puti na mga guhit sa artikulong ito ay kinuha mula sa tradisyonal na sining ng Africa at kumakatawan sa isang maliit na bahagi ng mayaman at kultural na pamana ng kontinente.

Kabilang sa mga ilustrasyon ay mayroong mga compilations ng mga tunay na artifact ng Moorish patterned fabric, carved Ashanti door panels, Malian antelope headdresses, Ethiopian crosses, South African rock paintings, Tunisian carpet design.

Mga halimbawa ng African ornament intrigue na may mga hindi pangkaraniwang graphic na katangian ng mga pinong sining ng mga tao ng Africa, natutuwa sa mga mahilig sa katutubong sining at mga tagahanga ng brutal na genre ng African sculpture. Ang mga sample ng dekorasyon ay magiging kapaki-pakinabang sa mga graphic artist, designer at craftsmen.

1. Mga tela ng Moorish: sa gitna sa mga gilid ay mga larawan ng mga gumagapang na butiki, sa gitna ay mga zoo- at anthropomorphic figure.

3. Mga pattern ng tela Bambara (Mali).

4. Sa background mayroong isang katangian na pattern ng dekorasyon ng mga panlabas na dingding ng mga tirahan, sa gitna mayroong isang imahe ng maharlikang pamilya mula sa tansong plaka na Oba.

5. Sa background ay isang patterned textile motif, sa gitna ng imahe ay mga headdress sa anyo ng mga antelope ng mga taong Bambara.

8. Nigerian leather cushion cover.

9. Mga tela na may pattern ng Nigerian na may motif ng butiki.

10. Mga larawang ginagamit sa mga seremonyang pang-agrikultura (Nigeria, Guinea).

11. Sa background - katangian ng mga burloloy sa tela ng mga tao ng Cameroon at Nigeria. Sa gitna ay isang fragment ng isang inukit na dekorasyong Kuyu (Congo).

12. Larawan ng hari na may mga bodyguard mula sa Benin na mga plakang tanso.

13. Pag-ukit ng Nigerian sa isang pulseras na garing.

14. Bronse figurine (Benin) laban sa background ng Akan ornament (Ghana).

15. Pag-ukit ng Nigerian sa isang sisidlang garing.

16. Isang fragment ng isang inukit na dekorasyon ng Congo laban sa background ng isang floral ornament.

17. Balat na takip ng unan ng Mauritanian.

18. Mga pandekorasyon na motif na ginagamit upang palamutihan ang mga sisidlan para sa pag-iimbak ng pagkain.

19. Nigerian textile ornament at mga fragment ng mga guhit mula sa ginto at tansong mga palamuti.

20. Larawan ng isang mangangaso na may sibat laban sa background ng isang geometric na palamuti (South Africa).

21. Pagguhit sa Yoruba leather drum (Nigeria).

22. Tansong imahe ng ulo ng reyna (Nigeria) laban sa background ng isang geometric na palamuti na ginamit upang palamutihan ang mga kalasag ng mga mandirigma.

23. Mga detalye ng mga pagpipinta ng tela ng ilang mga tao sa South Africa.

24. Mga burloloy na may motif ng mga ibon ng Baman (Mali) at Guinea.

25. Mga motif ng maskara at pangkulay ng mga damit ng balat.

26. Pagpapalamuti at pagguhit mula sa isang tansong selyo (Burkina Faso).

27. Tansong pigurin ng isang mangangaso laban sa background ng isang Nigerian zoomorphic ornament.

28. Mga fragment ng mga painting ng mga tao ng Nigeria.

29. Nigerian geometric carving at isang fragment ng Yoriba carving.