Tretyakov Gallery of Art of the 20th century hvordan komme seg dit. Tretyakov-galleriet på Krim-sjakten. Historie og generell informasjon

  • Institutt for staten Tretyakov Gallery presenterer russisk kunstXXårhundre- avantgarde, konstruktivisme, sosialistisk realisme, etc.
  • Malerier og skulpturer fra 1900-1960-tallet vises i andre etasje.
  • Mesterverk av Malevich(første versjon av "Black Square" og andre komposisjoner), Mark Chagall, Wassily Kandinsky og andre artister.
  • Å se verk russisk samtidskunst(1950-tallet til i dag), må du gå til tredje etasje.
  • Gallerivertene tematiske utstillinger pedagogisk arbeid utføres - foredrag, diskusjoner, filmvisninger.
  • Det er et kreativt senter for barn.

Seksjonen av State Tretyakov Gallery på Krymsky Val er helt viet til russisk kunst fra det 20. århundre. Det er her den første svarte firkanten, Tatlins Letatlins, Mashkovs stilleben og Konchalovskys portretter, Petrov-Vodkins Bathing the Red Horse, hovedsymbolene for sosialistisk realisme og verkene til de viktigste nonkonformistene vises. Et besøk på dette museet kan sammenlignes med en reise til Russland på 1900-tallet.

utstilling

Museumsrommet med permanent utstilling er delt i to etasjer. Hoveddelen av samlingen presenteres i andre etasje: malerier og skulpturer fra 1900- til 1960-tallet. Tredje etasje er okkupert av en samling av moderne russisk kunst: fra 1950-tallet til i dag. De første fem rommene i andre etasje er dedikert til den tidlige russiske avantgarden: kunstnerne fra Jack of Diamonds og Donkey Tail-foreningene (M. Larionov og, P. Konchalovsky, I. Mashkov) og individuelle mestere: N. Pirosmani , V. Tatlin, A. Lentulov og andre. Neste seksjon (sal 5, 6, 9) - verk av den klassiske russiske avantgarden på 1910-tallet: "Black Square" og andre suprematistiske komposisjoner av Kazimir Malevich, "Running Landscape ” av Ilya Klyun, verk av Olga Rozanova, motrelieffer av Tatlin, “Composition VII” av Wassily Kandinsky, “Above the City” av Marc Chagall, “Venice” av Alexandra Exter, komposisjoner av Pavel Filonov.

I hallene 6, 7, 8, 10, 11 kan du se verkene til konstruktivistiske kunstnere: Alexander Rodchenko, Varvara Stepanova, Lyubov Popova, Lazar Lissitzky, Georgy Shtenberg og OBMOKhU-foreningen.

Rom 15-25 viser malerier fra midten av 1920-tallet og begynnelsen av 1930-tallet, en periode som er vanskelig å definere, da avantgarde-tendenser gradvis viker i bakgrunnen. Dette er verk av vidt forskjellige mestere, hvorav noen (A. Drevin, G. Rublev og andre) ikke hadde mulighet til å stille ut i løpet av livet, jobbet for seg selv og en smal krets, mens andre for eksempel A. Deineka og Yu. Pimenov, ble sentrale skikkelser i den offisielle stilen.

Klassiske verk av sosialistisk realisme presenteres parallelt i de samme rommene. Blant dem er "Målvakt" av Alexander Deineka, Isaak Brodsky, portretter av M. Nesterov og P. Korin, "Uforglemmelig møte" av Vasily Evfanov, "Stalin og Voroshilov i Kreml" av Alexander Gerasimov, "New Moscow" av Yuri Pimenov , «Letter from the Front» av Alexander Laktionova, «Again deuce» av Fedor Reshetnikov.

Utstillingen av salene 27-37 markerer en ny periode i russisk historie - Khrusjtsjov-tinningen på 1950- og 1960-tallet og fortsettelsen av de yngre generasjonenes kunstneriske søken. Dette er arbeidet til kunstnerne Tair Salakhov, Viktor Popkov, brødrene Sergei og Alexei Tkachev, Geliy Korzhev, Pavel Nikonov, Dmitry Zhilinsky, Tatyana Nazarenko.

Nonkonformistisk kunst som har utviklet seg siden andre halvdel av 1950-tallet presenteres i rom 30-35. Ikke-konformister godtok ikke den offisielle linjen av sovjetisk kunst og hadde følgelig ikke muligheten til å stille ut mye. På jakt etter en individuell stil vender disse kunstnerne seg til de glemte tradisjonene til den russiske avantgarden og vestlig modernisme. Denne perioden er representert i Statens Tretyakov Gallery-samling av Vladimir Yakovlev, Anatoly Zverev, Lev Kropivnitsky, Oscar Rabin, Vladimir Nemukhin, Mikhail Roginsky, Dmitry Plavinsky, Dmitry Krasnopevtsev, Vladimir Veisberg, Viktor Pivovarov og Vladimir Yankilevsky.

Samlingen av malerier av representanter for de nyeste trendene, utstilt i hallene i fjerde etasje, etterfylles hvert år. Når det gjelder tidsramme, krysser den samlingen av malerier fra andre halvdel av århundret. Her vises verkene til slike mestere som Ilya Kabakov, Francisco Infante, Konstantin Zvezdochetov, Yuri Albert, Oleg Kulik, Ivan Chuikov, Dmitry Prigov og andre.

Galleri aktiviteter

Utstillingen på Krymsky Val ble åpnet i 1986, tre år etter ferdigstillelsen av bygningen, som opprinnelig var ment for Galleriet. Bygningen ble tenkt som en fortsettelse av parken. Gorky, så formen ligner en parkpaviljong. Av samme grunn har den en åpen underdel med frittstående støtter, stor lengde og lavt antall etasjer. Store utstillingsrom gir museet mulighet til å gjennomføre store utstillingsprosjekter dedikert til ulike perioder av kunsthistorien. På 2000-tallet, utstillinger «Karl Bryullov. Til 200-årsjubileet for hans fødsel", "In the circle of Malevich", "OSKAR RABIN. TRE LIV. Retrospektiv", "Viktor Popkov. 1932-1974" og andre. På 2010-tallet – "Dmitry Prigov. Fra renessansen til konseptualisme og utover", "Natalia Goncharova. Mellom øst og vest", "Pit Mondrian (1872–1944) - veien til abstraksjon", "Konstantin Korovin. Maleri. Teater. Til 150-årsjubileet for hans fødsel", "Hva er sannhet? NIKOLAI GE. Til 180-årsjubileet for hans fødsel”, “ALEXANDER LABAS. I det 20. århundres hastighet osv.

Museet driver et aktivt pedagogisk arbeid. Store utstillinger ledsages av foredrag, diskusjoner og filmvisninger. Det er også en egen forelesningssal med sykluser om russisk kunsthistorie for voksne, kreative verksteder for barn, spesialkurs og «Kunstkritikkskolen» for ungdom.

Spør enhver innbygger i Russland om de kjenner til det mest kjente kunstmuseet i Moskva, og de fleste av respondentene vil svare at det er Tretjakovgalleriet. Selv de som ikke er interessert i kunst har hørt om museet. Og de som er interessert sidestiller det med et ekte tempel!

Samlingene hans er virkelig uvurderlige, og ikke bare fra et materiell synspunkt - utstillingen av Tretyakov-galleriet dekker perioden fra 1000- til 1900-tallet, fra det gamle Russland til den sovjetiske perioden, takket være at du kan føle russisk historie og komme nærmere forståelsen av nasjonal identitet.

Historie og generell informasjon

I dag er Tretyakov-galleriet et helt kompleks av restaurerte bygninger som ligger i forskjellige gater i Moskva. De viktigste inkluderer:

  • hovedbygningen er det tidligere herskapshuset til Pavel Tretyakov på adressen: Lavrushinsky lane, 10 (her kan du også inkludere ingeniørbygningen ved siden av den - Lavrushinsky lane, 12, hvor, i tillegg til utstillings- og konferanserom, det tekniske og tekniske tjenester til museet er plassert);
  • det såkalte "New Tretyakov Gallery" - en ny paviljong bygget på 80-tallet av forrige århundre ved bredden av Moskva-elven på adressen: Krymsky Val, 10.

I tillegg er grenene til Tretyakov Gallery:

  • det nåværende kirkemuseet for St. Nicholas (plassert på 9, Maly Tolmachevsky Lane, er en bygning ved siden av ingeniørbygningen i Lavrushinsky Lane. Det er her det uvurderlige ikonet til Vladimir Guds mor, som er nesten 900 år gammelt ), beholdes;
  • husmuseet til Viktor Vasnetsov (Vasnetsov-bane, 13);
  • minnemuseum-leilighet til Vasnetsov (Furmanny-bane, 6);
  • museumsverksted for A.S. Golubkina (Big Lyovshinsky Lane, 12);
  • hus-museum til P.D. Korina (Malaya Pirogovskaya gate, 16).

De som er mer interessert i den førrevolusjonære perioden med maleri (fra det 11. til det 19. århundre) bør ta turen til en vakker bygning, som ligner på et gammelt russisk tårn, som ligger i Lavrushinsky Lane. Moderne mesterverk fra det 20. århundre har funnet et hjem i et nytt galleri i stil med tidlig sovjetisk modernisme på Krymsky Val.

Merk!
Omtrent 1,5 millioner mennesker besøker Tretjakovgalleriet hvert år. Det er ikke vanskelig å beregne at et gjennomsnitt på rundt 5 tusen besøkende kommer for å beundre maleriene per dag, men i helgene er antallet mye høyere. Så for å besøke galleriet, hvis mulig, bør du velge en ukedag.

Tretjakovgalleriet er over 160 år gammelt! En kort utflukt i historien

Det er kjent at representanten for handelsklassen, Pavel Tretyakov, begynte å samle samlingen sin i 1856 (han var da bare 24 år gammel). Han fokuserte oppmerksomheten på verkene til russiske mestere. Opprinnelig ble maleriene oppbevart i spesialtildelte rom i kjøpmannsgården, men antallet vokste så raskt at det måtte bygges et eget toetasjes hus i nærheten for å romme nye utstillinger. I forbindelse med den videre utvidelsen av samlingen dukket det opp nye bygninger og lokaler på eiendommens territorium, senere kombinert til et enkelt kompleks.

Pavel Tretyakovs bror Sergei samlet også kunst, men han foretrakk vesteuropeiske mestere, som unngikk konkurranse mellom brødrene. Sergejs for tidlige død (i 1892), som i tillegg til sin egen samling testamenterte en betydelig del av formuen til byen Moskva, inkludert halvparten av huset i Lavrushinsky Lane, ble grunnen til at Pavel Tretyakov kombinerte begge deler. samlinger til én og overføre dem til byen. På den tiden besto galleriets utstilling av mer enn 1000 malerier av kjente kunstnere (sammen med skulpturer, smykker, skisser, grafiske tegninger - ca. 2000 gjenstander).

Nå har statskassen for russisk kunst mer enn 180 000 utstillinger!

I tillegg til Tretyakov-brødrene spilte Igor Emmanuilovich Grabar, som ble utnevnt til museumsforvalter i 1913, en stor rolle i utviklingen av museet. Det er han som har fortjenesten av å systematisere den etterlatte arven og gjøre en privat, faktisk, samling til et museum i verdensklasse. Så, Igor Grabar:

  • utførte et stort forskningsarbeid på studiet av malerier;
  • introduserte et nytt prinsipp for deres plassering (kronologisk);
  • kompilerte den første vitenskapelige katalogen;
  • var initiativtaker til opprettelsen av restaureringsverkstedet og var dets leder.

Det er verdt å nevne hvor mye han gjorde for å bevare mesterverk under de vanskelige årene med revolusjonen og borgerkrigen.

Igor Grabar var ikke bare en god arrangør, men også en talentfull artist. Et av maleriene hans fikk plass i selve Tretjakovgalleriet - i rom nr. 38 kan du se den berømte "februarblå", malt i 1904.

Utstilling og hovedattraksjoner

Mesterverk av Lavrushinsky Lane

Den mest kjente og populære blant muskovitter og gjester i hovedstaden er den gamle bygningen til Tretyakov Gallery i Lavrushinsky Lane. Den gjennomgikk en massiv renovering som varte fra 1986 til 1996. Salene på museet fikk moderne belysning og et oppdatert interiør.

Spesielt verdifulle mesterverk ble plassert i spesielle kapsler laget av skuddsikkert glass, koblet til et komplekst system for å overvåke tilstanden til temperatur og fuktighet.

En spesiell hall ble bygget for et stort panel av Mikhail Vrubel "Princess of Dreams", som hadde ligget i lagerrom i nesten et århundre. Andre rom har blitt pusset opp.

Hvis du har tenkt å besøke galleriet uten guide, bør du lage en reiserute for turen på forhånd. Tenk på hvilken tidsperiode (eller hvilken artist) du er mest interessert i. Du skal være klar over at det er nesten umulig å se alle utstillingene på ett besøk - det er 62 saler i galleriet og ikke alle er åpne samtidig.

Topp 10 mest kjente malerier av Lavrushinsky Lane:

  • 1) «Kristi tilsynekomst for folket» av A. Ivanov (sal nr. 10)
  • 2) "Uequal Marriage" av V. Pukirev (sal nr. 16)
  • 3) "Troika" av V. Perov (sal nr. 17)
  • 4) "Ukjent" av Kramskoy (sal nr. 20)
  • 5) "Morgen i en furuskog" av I. Shishkin (sal nr. 25)
  • 6) "Bogatyrs" av V. Vasnetsov (sal nr. 26)
  • 7) "Boyar Morozova" av V. Surikov (sal nr. 28)
  • 8) "Ivan the Terrible and his son Ivan" av I. Repin (sal nr. 30)
  • 9) “Demon (sittende) av M. Vrubel (sal nr. 33).
  • 10) Ikonet "Trinity" av Andrey Rublev (rom nr. 60).

Denne listen inkluderte ikke malerier av Serov, Levitan, Kustodiev, Aivazovsky, men de er også verdt oppmerksomhet! I tillegg til malerier og ikoner i hovedbygningen kan du se grafikk, skisser, skulpturer, skisser.

Hall av gammelt russisk maleri

Historieinteresserte og ortodokse kristne vil bli tiltrukket av ikonmalerhallen som ligger i første etasje. Spesielt verdifulle ikoner er plassert her i spesielle glasskasser, der den nødvendige temperaturen og fuktigheten opprettholdes. Her kan du se verkene til Andrei Rublev, samt ortodokse helligdommer malt av ukjente mestere i perioden fra 1000- til 1600-tallet.

Husk at den mest kjente av ikonene - ikonet til Guds mor til Vladimir - ligger i en egen bygning - St. Nicholas-kirken. Du kan komme hit både gjennom ingeniørbygningen (Lavrushinsky lane, 12), og fra Maly Tolmachevsky lane.

Hall of Ilya Repin

Verkene til en av de mest kjente russiske kunstnerne er plassert i rom nummer 30. Inntil nylig hang også Repins beryktede verk «Ivan the Terrible and his son Ivan» her, men i mai 2018 ble det angrepet igjen, alvorlig skadet og igjen sendt til restaurering. Moskva-domstolen estimerte kostnadene for restaureringsarbeidet til 5 til 10 millioner rubler.

Ikke desto mindre forble andre kjente malerier av den store russiske kunstneren i salen:

  • "Vi forventet ikke"
  • "libelle",
  • "Høstbukett"
  • "Kosakkene skriver et brev til den tyrkiske sultanen",
  • "Prinsesse Sophia i Novodevichy-klosteret",
  • portretter av Mussorgsky, Shevchenko, Tolstoy.

I tillegg er det i Repin-hallen du kan se et portrett av selveste Pavel Mikhailovich Tretyakov.

Mikhail Vrubel Hall

En av de nye salene ble bygget under den siste rekonstruksjonen spesielt for utstillingen av det enorme lerretet "Princess Dream" (størrelsen er 7,5 x 14 meter), samt andre storstilte verk av kunstneren. Faktisk er 2 saler reservert for verkene til Mikhail Vrubel (nr. 32 og nr. 33). En av dem har et podium for å romme orkesteret, da det arrangeres musikalske kvelder her.

1900-tallets kunst i grenen på Krymsky Val

I 1986 ble hovedbygningen (i Lavrushinsky Lane) stengt for en langvarig restaurering. De fleste lerretene ble flyttet til et nytt bygg - en nybygd gren på Krymsky Val. I 1996 ble gjenoppbyggingen fullført, men kunstverkene fra 1900-tallet kom ikke tilbake. Vi bestemte oss for å legge igjen de mest moderne utstillingene i den nye avdelingen. I dag er det i denne bygningen du kan se den russiske avantgarden: verk av Malevich, Kandinsky, Petrov-Vodkin.

Det skal bemerkes at den nye bygningen er mye mer romslig, dessuten ligger den på et veldig pittoresk sted ved bredden av Moskva-elven, overfor Kultur- og rekreasjonsparken. Gorky med sine dammer og vakre smug. Så å se dette hjørnet av Moskva er selvfølgelig verdt det. Mer enn 5000 utstillinger har blitt samlet under taket til Det nye Tretjakovgalleriet. I tillegg holdes det jevnlig utstillinger dedikert til samtidskunst her.

Eksperter identifiserer hovedmesterverkene til grenen på Krymsky Val:

  1. "Black Suprematist Square" av Kazimir Malevich (sal nr. 6);
  2. "Komposisjon VII" av Wassily Kandinsky (sal nr. 9);
  3. "Above the City" av Marc Chagall (sal nr. 9);
  4. "Bathing the Red Horse" av Kuzma Petrov-Vodkin (sal nr. 13);
  5. «Future Pilots» av Alexander Deineka (sal nr. 16).

Informasjon til besøkende

  • Tretjakovgalleriet er stengt på mandag. Åpningstider tirsdag, onsdag og søndag: fra 10-00 til 18-00. Torsdag, fredag ​​og lørdag: 10.00 til 21.00.
  • Billettprisen for en voksen (i skrivende stund) er 500 rubler. Veteraner og funksjonshemmede veteraner fra den store patriotiske krigen, vernepliktige, invalide fra gruppe I og II, personer under 18 år, samt noen andre kategorier av borgere har rett til gratis adgang til museet (en detaljert liste er på museets offisielle nettside - se nedenfor).
  • På onsdager kan du besøke ingeniørbygningen og filialen til museet på Krymsky Val gratis. Du kan også komme til Tretyakov-galleriet gratis på "Museernes natt" (vanligvis holdt i andre halvdel av mai).

Vær oppmerksom på at de berømte maleriene til Tretyakov-galleriet ofte er "borte" og reiser til andre land og kontinenter. Hvis du ønsker å se enkelte malerier, sjekk på forhånd om det er fri tilgang til dem.

Interaktiv omvisning i museet i Lavrushinsky Lane

Slik bruker du det interaktive turvinduet:
ved å trykke kort på venstre museknapp på en av de hvite pilene i turvinduet, vil du bevege deg i tilsvarende retning (venstre, høyre, fremover, etc.), ved å trykke og holde venstre knapp - snu musen i forskjellige retninger : du kan se deg rundt uten å bevege deg fra stedet. Ved å klikke på den svarte firkanten i øvre høyre hjørne av det interaktive turvinduet, vil du bli tatt til fullskjermvisningsmodus.

1. Sal med maleri av V.M. Vasnetsov "Bogatyrs".

2. Sal med mesterverket til A.A. Ivanov, Kristi tilsynekomst for folket.

3. Hall I.I. Shishkin. (Lavrushinsky bane 10).

4. Hall of M. Vrubel og hans panel "Princess Dream".

5. Haller av gammel russisk kunst fra XII-XVII århundrer.

Hvor ligger den og hvordan kommer man seg dit

Hovedbygningen til Tretyakov Gallery, hvor de fleste av de mest kjente utstillingene er konsentrert, ligger i Lavrushinsky lane, 10. Den mest praktiske måten å komme seg hit på er med metro. De nærmeste stasjonene er Tretyakovskaya (Kaluzhsko-Rizhskaya eller Kalininskaya grener, ca. 400 m fra museet) og Novokuznetskaya (Zamoskvoretskaya-linjen, litt over 800 m fra museet).

Filialen på 10 Krymsky Val ligger i nærheten av Oktyabrskaya metrostasjon (Koltsevaya Line). Avstanden fra T-banestasjonen til museet er ca. 1 km. I tillegg, i umiddelbar nærhet av galleriet (ca. 400 m) er det et busstopp Gorky Park (bussrute nr. 2).

Offisiell nettside til Tretyakov Gallery: https://www.tretyakovgallery.ru

Fra utstillingen som vi gikk for å bli kjent med den permanente utstillingen av galleriet, løp vi nettopp gjennom de første rommene med verkene til primitive kunstnere fra begynnelsen av 1900-tallet ... Kanskje forgjeves, men etter Korovin, den oppriktige primitivismen til Natalia Goncharova og Niko Pirosmani ser på en eller annen måte merkelig ut. Generelt sakte vi bare ned på maleriene til grunnleggerne av kunstsamfunnet "Jack of Diamonds" Pyotr Konchalovsky og Ilya Mashkov. Og selv da - ikke i deres favorittportretter og stilleben, men i landskap som vekker assosiasjoner til maleriene til Paul Cezanne. Det er ingen tilfeldighet at kritikerne i løpet av deres modenhet kalte Jacks of Diamonds "Russian Cezannes". Det er et hyggelig eksempel på kreativ fremgang - fra primitivt og opprør til fullverdig maleri ...




Ilya Mashkov, Italia. Ikke lyv. Landskap med akvedukt, 1913



Ilya Mashkov, Genfersjøen. Glion", 1914



Pyotr Konchalovsky "Siena. Signoria-plassen, 1912


Men andre medlemmer av "Jack of Diamonds" - A. Lentulov, R. Falk, V. Rozhdestvensky - falt under påvirkning av fransk kubisme. Siden Lena og jeg ikke er fans av denne trenden, gikk vi gjennom disse salene noe forvirret, selv om det antas at "Kubismen spilte en usedvanlig viktig rolle i selvbestemmelsen til russisk maleri på begynnelsen av 1900-tallet, den påvirket dannelsen av den russiske avantgarden og ga impulser til nye kunstneriske bevegelser. Kubismen gjenoppbygger naturen, ødelegger den organiske ("tilfeldige") formen og skaper en ny, mer perfekt." Han, med Malevichs ord, endret "malerens verdensbilde og maleriets lover."



Her nærmer vi oss logisk sett den berømte «Svarteplassen». For: "Russisk kunst, etter å ha gått gjennom alle stadier av utviklingen av fransk kubisme på kort tid og etter å ha lært leksjonene fra det siste franske maleriet, overgikk den snart betydelig i radikaliteten til kunstneriske konklusjoner. Suprematisme og konstruktivisme ble hovedkonklusjonene fra kubismen på russisk jord. Arbeidet til K. Malevich og V. Tatlin, de to sentrale skikkelsene i den russiske avantgarden, som bestemte veien for dens utvikling, ble dannet under dyp innflytelse fra det kubistiske konseptet.»
"I 1915 var etableringen av den "svarte firkanten" av Malevich begynnelsen på suprematismen, en av de mest radikale bevegelsene i avantgarden. Den "svarte firkanten" var et tegn på et nytt kunstsystem, den skildret ingenting, den var fri fra enhver forbindelse med den jordiske, objektive verden, og var et "null av former", bak som er absolutt ikke-objektivitet. Suprematismen frigjorde maleriet fullstendig fra den billedlige funksjonen.
Det er vanskelig å kommentere historien, essensen av utvikling – alt har sin plass og sin tid. Men "ikke-objektivitet" og maleri, blottet for en "bildefunksjon" av en eller annen grunn, berører ikke de indre strengene, sjelen vår strekker seg etter det vakre ... Og Malevich selv, år senere, vendte tilbake til mindre radikalt maleri ...



Kazimir Malevich "Black Square", 1915





Men hvor hyggelig etter flere haller av Suprematisme å se de lyse fargene og praktfulle formene til Kustodiev, Kandinsky og vår elskede Bogaevsky! Endelig en skikkelig kunstfest!




Boris Kustodiev "Sjømann og kjæreste", 1921



Nikolay Kulbin "Solbad", 1916



Wassily Kandinsky "Rider George the Victorious", 1915



Konstantin Bogaevsky "Memories of Mantegna", 1910



Konstantin Bogaevsky "Landskap med trær", 1927


Etter det befinner vi oss i den enorme salen til den mest luksuriøse Alexander Deineka - det er synd at vi i fjor ikke kunne komme til en retrospektiv utstilling av verkene hans i det samme Tretyakov-galleriet, men vi fikk til en beskjeden utstilling av hans og Nisskys grafikk i Sevastopol kunstmuseum ...




Alexander Deineka "Målvakt", 1934



Alexander Deineka "Gate i Roma", 1935



Alexander Deineka "Mor", 1932



Peter Williams "Rally", 1930



Yuri Pimenov "New Moscow", 1937



Nikolai Zagrekov "Girl with a T-square", 1929



Georgy Nissky "Høst. Semaforer", 1932



Konstantin Istomin "Universiteter", 1933



Konstantin Istomin "Ved vinduet", 1928


I neste sal ble utstillingen «Arbeidsgleden og livslykken» holdt – en slags fargerik pille på bakgrunn av et ganske forferdelig maleri fra Stalin-tiden. Bare noen få bilder gjensto i minnet mitt - jeg ønsket å glemme resten umiddelbart etter å ha sett ...





Georgy Rublev "Portrett av I.V. Stalin", 1935


"Når det gjelder anklagende makt," skriver kunstkritiker E. Gromov, "kan dette portrettet av Stalin bare sammenlignes med O. Mandelstams dikt ("Vi lever, lukter ikke landet under oss ..."). Kunstneren Rublev, som en gang var helt glemt, oppfattet ikke dette portrettet som et satirisk. Men jeg innså at for ham kan du komme inn i Gulag. Rublevs Stalin har ikke «det brede brystet av ossetere». Han har liksom en avskrudd slangefigur, der noe diabolsk ser ut til å være, han er like forferdelig, lumsk, ondskapsfull. Kunstneren var da glad i Pirosmani, på hvis måte han malte dette portrettet. Jeg skrev og ble redd: et grotesk bilde kom ut. Portrettet ble funnet i Rublevs gamle lerreter etter hans død.



Robert Falk "Remembrance", 1930



Kazimir Malevich "Sisters", 1930



Alexander Drevin "Gazelles", 1931



Alexander Laktionov "Brev fra forsiden", 1947


Og slik nådde vi sakte sosialistisk realisme med enorme bilder av kamerat Stalins kongresser og taler. Og jeg ønsket til og med å ha noe fra denne "livets feiring" i kameraet som et minne, men en veldig glupsk vaktmester havnet i disse hallene - det er ingen billett for å ta bilder, ikke skyt! Og du vil ikke forklare henne at museet krenker vår konstitusjonelle «rett til fritt å søke, motta, overføre, produsere og distribuere informasjon på noen lovlig måte», og at museers salg av «retten til å filme» er fullstendig ulovlig. . Faktisk begrenser museet først ulovlig rettighetene til besøkende til å samle informasjon, og fjerner deretter denne begrensningen mot et gebyr. Dette er imidlertid bare støtende tekster - vi visste bare ikke at fotografering ble betalt og kjøpte ikke billett, men vi så ikke poenget med å returnere ... Og faktisk, i dette øyeblikk, kunsten å 1900-tallet hadde allerede blitt ganske slitne, og utsikten fra vinduet vinket innbydende til neste museum. Men først måtte vi gå gjennom labyrinten til slutten ... Og dette opptoget er ikke for sarte sjeler - salene til absolutt moderne kunst virket for oss en konsentrasjon av dyster redsel, en slags helt mørk energi, håpløshet . Generelt løp vi gjennom dem ganske raskt - vi ville ha luft, og ... ! Vi så igjen på utstillingen hans for ikke å forlate denne bygningen til Tretjakovgalleriet med tungt hjerte. Dette er ekte kunst - lys og livsbekreftende! Etter å ha muntret opp, gikk vi videre for å mette oss med kultur - i den gamle bygningen ønsket jeg, du vet, Vrubel, Levitan, ...




Tretyakov-galleriet på Krymsky Val, 18. mai 2013, 10:00–0:00 - besøk den permanente utstillingen og utstillingene (for eksempel Boris Orlov og Mikhail Nesterov) gratis hele dagen, en spesiell vekkelse forventes i lobbyen. En suvenirbutikk vil være utstyrt der, hvor de vil selge vesker og notatbøker med tegninger av kunstnere fra det 20. århundre, et bibliotek hvor du kan se gjennom kataloger og magasiner om kunst, og en sone for barns kreativitet. I nærheten vil kunstneren Proteus Temen sette installasjonen «Balls». Kjøkkenet til restauranten Delicatessen vil ligge i gårdsplassen til museet, der spilles musikk fra kl. 19.00 til 00.00: Nikita Zeltser på piano og DJ Taras 3000.

Gratis besøksdager på museet

Hver onsdag er det gratis adgang til den permanente utstillingen «The Art of the 20th Century» og midlertidige utstillinger i (Krymsky Val, 10) for besøkende uten omvisning (bortsett fra utstillingen «Ilya Repin» og prosjektet «Avant-garde» i tre dimensjoner: Goncharova og Malevich").

Retten til fri tilgang til utstillinger i hovedbygningen i Lavrushinsky Lane, Engineering Building, New Tretyakov Gallery, husmuseet til V.M. Vasnetsov, museumsleilighet til A.M. Vasnetsov tilbys på følgende dager for visse kategorier av borgere:

Første og andre søndag i hver måned:

    for studenter ved høyere utdanningsinstitusjoner i Den russiske føderasjonen, uavhengig av utdanningsform (inkludert utenlandske statsborgere-studenter ved russiske universiteter, doktorgradsstudenter, adjunkter, innbyggere, assistentpraktikanter) ved fremvisning av et studentkort (gjelder ikke for personer som presenterer student trainee-kort) );

    for studenter ved videregående og videregående spesialiserte utdanningsinstitusjoner (fra 18 år) (borgere i Russland og CIS-landene). På den første og andre søndagen i hver måned har studenter som har ISIC-kort rett til å besøke utstillingen "Art of the 20th Century" i New Tretyakov Gallery gratis.

hver lørdag - for medlemmer av store familier (borgere i Russland og CIS-land).

Vær oppmerksom på at betingelsene for gratis tilgang til midlertidige utstillinger kan variere. Sjekk utstillingssidene for detaljer.

Merk følgende! På billettkontoret til Galleriet leveres inngangsbilletter med en pålydende verdi på "gratis" (mot fremvisning av relevante dokumenter - for de ovenfor nevnte besøkende). Samtidig betales alle galleriets tjenester, inkludert ekskursjonstjenester, i henhold til fastsatt prosedyre.

Besøker museet på helligdager

Kjære besøkende!

Vær oppmerksom på åpningstidene til Tretyakov-galleriet på helligdager. Besøket er betalt.

Vær oppmerksom på at påmelding med elektroniske billetter gjennomføres etter førstemann til mølla-prinsippet. Du kan sette deg inn i reglene for retur av elektroniske billetter på.

Gratulerer med den kommende ferien, og vi venter i salene til Tretyakov-galleriet!

Rett til fortrinnsbesøk Galleriet, med unntak av det som er fastsatt i en egen ordre fra galleriets ledelse, leveres ved fremvisning av dokumenter som bekrefter retten til fortrinnsbesøk:

  • pensjonister (borgere i Russland og CIS-land),
  • fulle kavalerer av Glory Order,
  • studenter ved videregående og videregående spesialpedagogiske institusjoner (fra 18 år),
  • studenter ved høyere utdanningsinstitusjoner i Russland, så vel som utenlandske studenter som studerer ved russiske universiteter (bortsett fra studentpraktikanter),
  • medlemmer av store familier (borgere i Russland og CIS-land).
Besøkende av de ovennevnte kategoriene av borgere kjøper en redusert billett.

Rett til gratis inngang De viktigste og midlertidige utstillingene til galleriet, bortsett fra tilfeller gitt av en egen ordre fra galleriets ledelse, er gitt for følgende kategorier av borgere ved fremvisning av dokumenter som bekrefter retten til gratis adgang:

  • personer under 18 år;
  • studenter ved fakulteter som spesialiserer seg innen kunstfag ved videregående spesialiserte og høyere utdanningsinstitusjoner i Russland, uavhengig av utdanningsform (samt utenlandske studenter som studerer ved russiske universiteter). Bestemmelsen gjelder ikke for personer som fremviser studentkort til "praktikantstudenter" (i mangel av opplysninger om fakultetet i studentkortet, attest fra lærestedet med obligatorisk angivelse av fakultet fremvises);
  • veteraner og invalider fra den store patriotiske krigen, stridende, tidligere mindreårige fanger i konsentrasjonsleire, gettoer og andre interneringssteder opprettet av nazistene og deres allierte under andre verdenskrig, ulovlig undertrykte og rehabiliterte borgere (borgere i Russland og CIS-landene );
  • militærtjenestemenn fra den russiske føderasjonen;
  • Helter fra Sovjetunionen, Helter fra Den russiske føderasjonen, Full Cavaliers av "Order of Glory" (borgere i Russland og CIS-land);
  • funksjonshemmede i gruppe I og II, deltakere i avviklingen av konsekvensene av katastrofen ved atomkraftverket i Tsjernobyl (borgere i Russland og CIS-landene);
  • en medfølgende funksjonshemmet person i gruppe I (borgere fra Russland og CIS-land);
  • ett medfølgende funksjonshemmet barn (borgere fra Russland og CIS-land);
  • kunstnere, arkitekter, designere - medlemmer av de relevante kreative fagforeningene i Russland og dets fag, kunsthistorikere - medlemmer av Association of Art Critics of Russia og dets fag, medlemmer og ansatte ved det russiske kunstakademiet;
  • medlemmer av International Council of Museums (ICOM);
  • ansatte ved museer i systemet til Den russiske føderasjonens kulturdepartement og de relevante kulturavdelingene, ansatte i den russiske føderasjonens kulturdepartement og kulturdepartementene til de konstituerende enhetene i den russiske føderasjonen;
  • museumsfrivillige - inngang til utstillingen "Art of the XX century" (Krymsky Val, 10) og til museumsleiligheten til A.M. Vasnetsov (borgere i Russland);
  • guide-tolker som har et akkrediteringskort fra Association of Guide-Translators and Tour Managers of Russia, inkludert de som følger med en gruppe utenlandske turister;
  • en lærer ved en utdanningsinstitusjon og en som følger en gruppe studenter ved videregående og videregående spesialiserte utdanningsinstitusjoner (hvis det er en ekskursjonskupong, abonnement); en lærer ved en utdanningsinstitusjon som har statlig akkreditering av utdanningsaktiviteter når han gjennomfører en avtalt treningsøkt og har et spesielt merke (borgere i Russland og CIS-landene);
  • en som følger en gruppe studenter eller en gruppe militærtjenestemenn (hvis det er en ekskursjonskupong, abonnement og under en treningsøkt) (borgere i Russland).

Besøkende av de ovennevnte kategoriene av borgere mottar en inngangsbillett med en pålydende verdi på "Gratis".

Vær oppmerksom på at vilkårene for fortrinnsrett til midlertidige utstillinger kan variere. Sjekk utstillingssidene for detaljer.

Det 20. århundres kunst

Zinaida Evgenievna Serebryakova. "Bak toalettet. Selvportrett. 1909

Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin (1861–1939). Bader en rød hest 1912. Olje på lerret. 160 x 186

I 1912 dukket et maleri av K. S. Petrov-Vodkin "Bathing a Red Horse" opp på World of Art-utstillingen, som ble oppfattet av publikum, kunstnere og kritikere som et tegn på fornyelse. På begynnelsen av 1910-tallet, da gamle ideer om kunst var i ferd med å bli foreldet, og voldelig kasting fant sted i det kunstneriske miljøet, så maleriet «Bading the Red Horse» for mange ut til å være ideen som kunne forene gammelt og nytt, «venstre» og "høyre", akademikere og miriskusniki. Kunstneren "bygde" et monumentalt verk, ga det "programmering", og fant en betydelig form som er i stand til å uttrykke et dypt og romslig innhold. Bildet ble en modell av kunstnerisk integritet, den absolutte legemliggjørelsen av en kunstnerisk beslutning, som på begynnelsen av 1900-tallet var et sjeldent fenomen i russisk maleri. Den kombinerte organisk en rekke tradisjoner - gamle russiske ikoner og monumentale malerier fra renessansen, dekorativ kunst, jugendstilen og nesten klassisk plastisitet i tolkningen av figurer.

Maleriets rom er organisert på en slik måte at det, takket være den høye horisontlinjen, som så å si er utenfor selve komposisjonen, hever seg og faktisk strekker seg mot betrakteren, begrenset til selve lerretets plan. . Samtidig forsvinner ikke dybden: seeren føler det på grunn av den store reduksjonen av figurene i den andre planen.

Forfatteren, som det var, argumenterer med de impresjonistiske malemetodene, som mange kunstnere var under trolldommen på den tiden, forblir på avstand fra det kubistiske prinsippet om transformasjon av form, han er heller ikke interessert i futuristiske eksperimenter.

Et annet trekk ved dette bildet er karakteristisk for hele arbeidet til Petrov-Vodkin: til tross for at handlingen til arbeidet er bevisst hverdagslig (bade en hest), er det ingen historie om hendelsen i den. Og selv om handlingen er ganske klar, klarer maleren å heve den til et eller annet idealbilde. En av teknikkene han oppnår målet med er tolkningen av farger, først og fremst hovedfiguren (den røde hesten). Samtidig er det ingen "plakat" med sin bevisste fengende. Snarere er det tradisjoner for gammel russisk kunst: en rød hest finnes ofte på ikoner (rød er vakker). Bildets tydelig følte patos, uttrykket av spiritualitet som en dypt indre stat, gjør det til legemliggjørelsen av det nasjonale russiske verdensbildet. Et staffeliverk, på grunn av sin indre betydning, åndelige innhold og fravær av tilfeldige detaljer, oppfattes som en monumental skapelse.

Evgeny Evgenievich Lansere (1875–1946). Keiserinne Elizaveta Petrovna i Tsarskoye Selo 1905. Papir på papp, gouache. 43,5 x 62

En yngre samtid av kunstnerne i "Kunstens verden", Lansere snakker mesterlig det figurative språket til "retrospektive drømmere", løsrevet og gjenskaper samtidig ironisk livsstilen til hoffets tinsel fra det "gyldne" XVIII århundre. Utgangen til Elizabeth Petrovna med følget hennes tolkes av kunstneren som en slags teaterforestilling, der den majestetiske figuren til keiserinnen oppfattes som en fortsettelse av fasaden til palasset. Komposisjonen er bygget på kontrasten til en storslått rettsprosesjon, den sjarmerende prakten til barokkarkitektur og den øde parterren i en vanlig park. Kunstneren er fascinert av overlappingen mellom elementer av arkitektonisk utsmykning og toalettdetaljer. Keiserinnens toget ligner et hevet teatralsk gardin, bak hvilket vi overrasker hoffskuespillere som skynder seg å utføre sine vanlige roller. Gjemt i haugen av ansikter og figurer er en "skjult karakter" - en ung afrikaner som flittig bærer det keiserlige toget. En merkelig detalj ble ikke skjult for kunstnerens blikk - en ulukket snusboks i favorittherrens masete hender. Flimringen av mønstre og fargeflekker skaper en følelse av et gjenopplivet øyeblikk fra fortiden.

Konstantin Andreevich Somov (1869–1939). Dame i blått 1897–1900. Lerret, olje. 103 x 103

«Lady in Blue» er et portrettmaleri som viser kunstneren E. M. Martynova, en nær venn av forfatteren og hans klassekamerat ved Kunstakademiet. Foran oss er en gammel stilisert park og en kvinne kledd i en luksuriøs kjole fra 1700-tallet med sin komplekse åndelige verden. Det retrospektive portrettet skapt av kunstneren er et nytt fenomen i russisk kunst. Detaljene i den "galante alderen" kombinert i bildet og det raffinerte utseendet til den lengsende damen i sølvalderen formidler til slutt ånden til en kompleks og kontroversiell epoke.

Sammensetningen er basert på en sammenligning av planer og deres koloristiske løsning. Den slanke kvinnelige figuren passer perfekt inn i det firkantede formatet på lerretet, noe som gir portrettet en viss representativitet. Iriseringen av den dypblå fargen på heltinnens antrekk setter i gang gjennomsiktigheten av de blåaktige skyggene til det fint malte ansiktet, åpne skjøre skuldre og understreker uttrykksevnen til gesten til vakre hender. All plastisiteten til modellen minner om de store mesterne fra tidligere tider. En gammel park med en dam og et par som spiller musikk i det fjerne, står i tydelig kontrast til stemningen til personen som blir portrettert. Det er snarere et parkminne, der tiden har dempet alle farger, og bladene på busken, som er bakgrunnen for figuren i blått, er en merkelig "livløs" farge (slik er løvet på gamle falmede billedvev) . Koblingen mellom fortid og nåtid er her en mannsfigur, i form som forfatteren av bildet er gjettet.

I Somovs arbeid inntar portrettet av E. M. Martynova en spesiell plass, aldri igjen vil han skape noe som tilsvarer "Lady in Blue" når det gjelder sublimitet, poesi og bildets renhet, når det gjelder uttrykksevne og oppnådd en viss " absolutt» kunstnerisk legemliggjøring.

Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov (1870–1905). Dammen 1902–1903. Lerret, olje. 177 x 216

I maleriene til Borisov-Musatov er det alltid en følelse av et spennende, uforklarlig mysterium. Hovedmotivet, som kunstneren oppdager verden skjult under disen av farger, er edle reir, råtnende gamle eiendommer. De jevne musikalske rytmene til Borisov-Musatovs komposisjoner gjengir igjen og igjen favoritttemaene hans: dette er hjørnene av parken og kvinnelige figurer som ser ut til å være bilder av menneskesjeler som vandrer i søvnens halvvirkelige rike.

Maleriet "Reservoir" ble opprettet i parken til eiendommen til prinsesse Prozorova-Golitsyna Zubrilovka på den lykkeligste tiden for kunstneren: Elena Vladimirovna Alexandrova gikk med på å bli hans kone. Kunstneren ble stilt av søsteren hans, Elena Borisova-Musatova, og bruden, som legemliggjorde bildene av evig femininitet.

Til tross for at lerretet ble malt fra naturen - en faktisk park med en dam og ekte kvinner, så alle i det noe utenom denne verden. Bildets mystiske semi-virkelighet og tidløshet ble den mest poetiske manifestasjonen av den symbolistiske visjonen om drømmenes verden. Reservoaret, hvis konturer faktisk var en ideell sirkel, er av kunstneren avbildet som en stor oval, med kantene som strekker seg utover lerretet. Denne geometriske formen, så elsket av Musatov, gjenspeiles av et lignende, men mindre skjørt av en av heltinnene, lagt i en vakker oval. Kombinasjonen deres setter umiddelbart en viss musikalsk rytme for hele verket. Den særegne konstruksjonen av komposisjonen - utelukkelsen av horisontlinjen fra bildet - er en viktig teknikk. Ved å bruke den bringer maleren bevisst den første og andre planen nærmere hverandre, noe som gjør lerretet flatere. Heltinnene, som ligger i forgrunnen, er under dammen, og selve vannoverflaten, rolig og klar som himmelen, henger bokstavelig talt over dem. Som et resultat blir illusjonen av et ekte speil skapt, hevet og plassert vertikalt. Fra et vanlig landskap fødes et helt annet bilde, en ny virkelighet – som var svært karakteristisk for symbolistiske kunstnere.

Philip Andreevich Malyavin (1869–1940). Virvelvind 1906. Olje på lerret. 223 x 410

I sitt arbeid nærmet kunstneren seg til det tradisjonelle folketemaet for russisk maleri på sin egen måte, og understreket det kraftige elementære prinsippet i kvinnelige bilder, og ga dem monumentalitet. Det dristige maleriet av Malyavin, med sine betingede bakgrunner, store figurer, grunne rom og uvanlig klangfulle farger, er ettertrykkelig dekorativt. Men på begynnelsen av 1900-tallet betraktet samtiden det som en slags utfordring.

I maleriet «Hvirvelvind» sprer bondekvinner seg i en dans som «fabelaktige heltinner av gamle russiske epos». I sin runddans involverer de elementene i naturen. Fladrende klær danner spontane strømmer av fargerike strøk, som minner om enten hete flammer, eller kalde vannstråler, eller vindens brennende pust, eller enger dekket med blomster. De frie bevegelsene til børsten, som tilsvarer rytmen til virvelvinddansen, gir en spesiell dynamikk til bildet. I. E. Grabar rådet Malyavin til å male med spesielle, langtørrende malinger. Som et resultat begynte maleriet å ligne vulkansk lava, effekten av en slags bevegelig mosaikk dukket opp. Former og farger flyter på hverandre og skaper indre spenninger. Dette øker uttrykksevnen til bildet, bygget i skjæringspunktet mellom ulike stilistiske trender - impresjonisme og modernitet. Verket ble skapt under den første russiske revolusjonen. I handlingen, i den flammende røde fargen, kan man samtidig se både håpet om en åndelig gjenfødelse og en forutanelse om voldsomme destruktive krefter.

Alexander Nikolaevich Benois (1870–1960). Walk of the King 1906. Papir på lerret, akvarell, gouache, bronsemaling, sølvmaling, grafittblyant, penn, pensel. 48 x 62

Navnet på A. N. Benois er assosiert med fremveksten i 1898 av foreningen "World of Art", en av grunnleggerne og den ideologiske lederen som han var. Benois var en kunstner, teoretiker og kunstkritiker, han skrev mange monografier og studier om både individuelle malermestere og kunsthistorien generelt. Arbeidet til Benois kunstneren er hovedsakelig viet til to temaer: "Frankrike av "Solkongens tid"" og "Petersburg fra 1700- og begynnelsen av 1800-tallet", som ble nedfelt i en viss type historisk maleri, og skapte et spesielle "retrospektive" blikk på fortiden. Kunstneren henvendte seg til disse temaene i sine historiske malerier og landskapsverk laget av naturen i St. Petersburg og de omkringliggende palassene, så vel som i Frankrike, i Versailles, hvor han ofte og lenge besøkte.

Når han beskrev kongens turer, ignorerte forfatteren ingenting: verken parkutsikt med hagearkitektur (de ble malt fra livet), eller teaterforestillinger, veldig fasjonable i antikken, eller hverdagsscener tegnet etter en grundig studie av historisk materiale. King's Walk er et veldig effektivt verk. Seeren møter Ludvig XIV, og går rundt hans hjernebarn. Det er høst i Versailles: trærne og buskene har kastet bladene, de nakne grenene deres ser ensomme ut i den grå himmelen. Vannet er rolig. Det ser ut til at ingenting kan forstyrre den stille dammen, i speilet som både den skulpturelle gruppen av fontenen og den dekorative prosesjonen til monarken og hans følge gjenspeiles.

Benois reflekterte over Louis XIVs tid, og skrev: «Jeg hadde ikke en spesiell personlighetskult av Louis Catorz ... Men tidens senile tretthet, begynnelsen av en smaksnedgang, som erstattet ungdommelig arroganse, uforsiktighet og en følelse av majestetisk skjønnhet, gjorde plutselig denne verden til min verden."

Igor Emmanuilovich Grabar (1871-1960). Krysantemum 1905. Lerret, tempera, pastell. 98 x 98

I. E. Grabar er en universell figur i russisk kunstnerisk kultur: en kunstner, kunsthistoriker, lærer, restauratør, museum og offentlig figur. Fra 1913 til 1925 var han direktør for Tretjakovgalleriet, han skapte en ny utstilling i museet, vitenskapelig basert og med et nøye gjennomtenkt konsept, som ble en slags modell for senere museumsgjenutstillinger.

Grabar godtok søket til de franske mestrene, aktivt ved å bruke divisjonsteknikkene - den separate påføringen av maling på lerretet. «Krysantemum» er kunstnerens mest spektakulære stilleben. Frodige buketter av blomster presenteres i et godt opplyst rom, som i friluft. Rommet er fylt med luft, der varmen fra sollys utenfor vinduene kombineres med kjøligheten i interiøret. Den pittoreske overflaten består av brøkdel av relieffslag som formidler vibrasjonen fra lys- og luftmiljøet. Fargen brytes ned i varme og kalde toner, derav den grønnaktige nyansen til gule krysantemum, spillet av gule og blå, rosa og grønne graderinger på overflaten av duken, perlemorskimmeret til vasen. Flimringen av fargerike strøk skaper effekten av en foranderlig, mobil atmosfære som har absorbert fargereflekser og omslutter objektene i rommet. Imidlertid lar denne teknikken kunstneren på en påtakelig nøyaktig måte formidle teksturen til gjenstander: gjennomsiktigheten til glass, edle porselensfat, den blendende hvitheten til en stivt duk, ømheten og fløyelsmykheten til krysantemum.

Sergei Timofeevich Konenkov (1874-1971). Nike 1906. Marmor. 32x19x12

S. T. Konenkov er en kunstner hvis arbeid er dominert av dybden og visdommen til brede figurative generaliseringer, mot, glorifisering av menneskets skjønnhet og hans edle impulser, hans ønske om frihet. Marmorhode "Nike" er et av de beste verkene til Konenkov. Tidens store ideer, symbolikken til viktige hendelser, var mesteren i stand til å uttrykke i verk av enhver sjanger og størrelse. Så den lille "Nike" erobrer med sin strålende inspirasjon. Ideen om seier er legemliggjort av billedhuggeren i bildet av en veldig ung jente med uttalte nasjonale russiske trekk. Modellen for billedhuggeren var en ansatt ved Trekhgornaya-fabrikken. Bildet av Nike, uten å miste portrettkarakteren, ble til en poetisk legemliggjøring av glede, flukt, uovervinnelighet. Denne fantastiske, virkelig poetiske gjentenkningen av naturen er et av de sterkeste trekkene i Konenkovs verk.

Mange av mesterens beste verk er laget i marmor. Oftest er dette verk der, med skulptørens ord, "vakre menneskelige former legemliggjør de beste egenskapene til en persons karakter"

Natalya Sergeevna Goncharova (1881–1962). Selvportrett med gule liljer 1907. Olje på lerret. 58,2 x 77

N. S. Goncharova, en av de første "Amazons of the avant-garde", en kvinnelig kunstner av en ny formasjon, malte et selvportrett i sitt Moskva-verksted, hennes verk fra den impresjonistiske perioden presenteres i interiøret. Lerretet er skrevet ekspressivt, de raske strekene minner om Van Goghs maleri. Bildet er lett og lyrisk, blomster gir det en spesiell poetikk - en bukett liljer, som presser Goncharov til seg selv. Den fungerer også som en koloristisk aksent, og skiller seg ut mot den generelle bakgrunnen til lerretet som en lys rød flekk.

Mikhail Fedorovich Larionov (1881–1964). Vår. Årstidene (New Primitive) 1912. Olje på lerret. 118 x 142

Lederen for den russiske avantgardebevegelsen på slutten av 1900-tallet og begynnelsen av 1910-tallet, M.F. Larionov, la stor vekt på oppriktig, naiv og ved første øyekast useriøs barns kreativitet, siden den alltid er direkte og kommer fra dypet av barnets bevissthet. Etter å ha imitert en naiv barntegning, forsøkte kunstneren å lage verk som var like oppriktige og spontane. Når han så på verden gjennom øynene til et barn, skrev Larionov en syklus med malerier "Årtidene", der hver sesong legemliggjør et ukomplisert bilde av en kvinnelig figur, og ved siden av følger en forklaring skrevet bevisst slurvete. Imidlertid viste legemliggjørelsen av planen seg å ikke være barnslig dyp.

Våren er omgitt av klønete bevingede engler, en vårfugl bringer henne en gren med blomstrende knopper; i nærheten til høyre, inngjerdet av en vertikal stripe, vokser selve treet som kan tolkes som det bibelske kunnskapens tre. På høyre side av det nedre "registeret" av bildet er mannlige og kvinnelige profiler avbildet, på begge sider vendt mot Kunnskapens tre - bilder av primitive Adam og Eva, som tilsynelatende opplever oppvåkningen av ømme følelser, akkurat som naturen selv våkner , og har kanskje allerede smakt den forbudte frukten. På samme plass, ganske nedenfor, gjettes en annen bibelsk historie – «Utdrivelse fra paradis». I venstre felt i samme nedre «register» følger en naiv beskrivelse av våren, som om den var laget av et barn: «Våren er klar, vakker. Med lyse farger, med hvite skyer”, hvori imidlertid en viss list av kunstneren kjennes. Det er tross alt ingen tilfeldighet at vi i undertittelen til tittelen leser «Ny primitiv» og mentalt avslutter med «... om et evig tema».

Alexander Yakovlevich Golovin (1863–1930). Portrett av F. I. Chaliapin som Holofernes 1908. Lerret, tempera, pastell. 163,5 x 212

"Portrett av F. I. Chaliapin i rollen som Holofernes" er et av de beste verkene til kunstneren og scenografen A. Ya. Golovin. Den gjengav mise-en-scène fra A. N. Serovs opera Judith. Chaliapin-Holofernes sitter tilbakelent på en luksuriøs seng i et praktfullt møblert telt, holder en kopp i høyre hånd og peker fremover med en arrogant gest med venstre. Komposisjonen av lerretet er bygget i henhold til lovene for staffelimaling, og forkortingen av modellen og vilkårlig belysning av gjenstander gir verket karakter av freskomaleri. Figuren til Chaliapin i rollen som den assyriske sjefen smelter nesten sammen med bakgrunnen, noe som får den til å se ut som et slags dekorativt mønster. Lerretet er gjennomsyret av bølgelignende bevegelser, som er det viktigste plastiske motivet som uttrykker naturen til den musikalske løsningen til bildet av en orientalsk kommandør. Den koloristiske lyden av verket er ekstremt rik. I dette teatralske portrettet av Golovin ser det ut til at den rike lyse fargen på artistens kostyme og hodeplagg understreker skjønnheten til den store russiske sangerens stemme.

Konstantin Alekseevich Korovin (1861–1939). Roser og fioler 1912. Olje på lerret. 73,2 x 92

Dannelsen av impresjonisme i russisk maleri er forbundet med navnet K. A. Korovin. På 1910-tallet ble Korovin interessert i stilleben, som legemliggjorde hans innovative søk innen teaterscener. Han malte ofte roser - luksuriøse og delikate, symboler på lidenskap og glede ved å være. Med feiende strøk, skaper kunstneren et "portrett" av hver blomst, og rosene hans blomstrer på lerretet, slående med den stadige friskheten til fargene.

Et stilleben med roser, en liten bukett med lilla fioler, en rød appelsin, en sukkerskål og en kaffekanne er avbildet mot bakgrunnen av et åpent vindu med utsikt over kveldens parisiske boulevard. Gaten blir av lyktenes flimrende lys forvandlet til et spøkelsesaktig lysflimmer; stillebenet lyser fra rommet og fremstår unaturlig lyst. Lys ser ut til å skape et magisk spill med transformasjon av virkeligheten.

Nikolai Petrovich Krymov (1884–1958). Moskva landskap. Regnbue 1908. Olje på lerret. 59 x 69

Allerede de aller første maleriene av den unge Nikolai Krymov demonstrerte at en byboer gikk inn i russisk landskapsmaleri, i stand til å se skjønnheten i verden blant byhus og flerfargede tak, for å føle naturens hemmelige liv midt i byens mas og støy. . Lerret "Moskva landskap. Rainbow" inntar en spesiell plass i arbeidet til Krymov. Den kombinerer den symbolistiske visjonen om verden og kunstnerens impresjonistiske søk: regnbuen er bokstavelig talt dekomponert i farger, og landskapet i seg selv som helhet er en mystisk korrespondanse av den himmelske og jordiske verdenen i symbolistens øyne.

Bildet av verden virker skjørt og leketøy, som sett gjennom øynene til et barn. Regnbuen overskygger rommet, dens fragmenter glir over takene, glitrer i vinduene; et barn løper langs banen til torget med en platespiller i hendene - en leke "prototype" av regnbuen. I denne brokete verden gjemte forfatteren sine initialer på et butikkskilt.

Bildet symboliserer triumfen til den transformerte verden, der regnbuelys trenger inn i hver partikkel av væren. Krymovs pittoreske måte bidrar til overflatens glød. Relieffstrøk skaper effekten av dyrebar, iriserende majolicaglasur på overflaten av lerretet.

Pavel Varfolomeevich Kuznetsov (1878-1968). Kveld i steppen 1912. Olje på lerret. 96,7 x 105,1

En av de ledende mesterne av den blå rosen, P. V. Kuznetsov, reiste i Sentral-Asia i 1912–1913, og brakte tilbake minner om livet til de østlige folkene og verk som fanget mye av det han så. I maleriet "Kveld i steppen" skildret kunstneren en scene fra livet til kirgisiske nomader. Kvinner er opptatt med hverdagslige anliggender, sauer beiter fredelig, fred og stillhet strømmer rundt.

Hvilende natur og menneske er i harmonisk enhet. Det er ingen overflødige detaljer i komposisjonen: bare jord, himmel, tynne trær, flere sauer og to kvinneskikkelser, innhyllet i mykt lys; det er ingen spesifikke topografiske eller etniske kjennetegn her, på grunn av hvilke grensene til de avbildede blir skjøvet fra hverandre til universelle skalaer. Plassen nærmer seg konvensjonalitet, lette brede strøk ser ut til å formidle dens rolige og jevne pust.

Wassily Vasilyevich Kandinsky (1866-1944). Improvisasjon 7 1910. Olje på lerret. 97 x 131

V. V. Kandinsky regnes som en av grunnleggerne av abstrakt maleri. Han så veien til den nye kunsten i ønsket om å formidle det indre innholdet i verdens ytre former og, som et resultat av dette, i avvisningen av dens realistiske fremvisning. I sitt arbeid forsøkte kunstneren å formidle personlige følelser ikke ved hjelp av objektive former (gjennom dette eller det plottet), men bare med billedlige midler. Så for eksempel, i stedet for de vanlige sjangrene innen figurativ kunst, brukte han inntrykk, improvisasjon og komposisjon.

Improvisasjon er et uttrykk for prosesser av indre karakter som skjer plutselig, for det meste ubevisst. "Improvisation 7" er et av Kandinskys tidlige verk. Den objektive verden her er oppløst i bevegelsen av fly og linjer, komplekst harmonisert i farger.

Kazimir Severinovich Malevich (1878–1935). Portrett av kunstneren M. V. Matyushin 1913. Olje på lerret. 106,5 x 106,7

I 1913 dukket det opp en kunstnerisk retning blant russiske futurister - kubo-futurisme. Skaperne søkte å syntetisere ideene om futurisme og kubisme. Futurismens hovedoppgave er å formidle en følelse av bevegelse.

Malevich komponerte portrettet av Matyushin fra forskjellige geometriske plan, noe som ved første øyekast gjør ham relatert til stilen til de kubistiske verkene til Picasso og Braque. Men det er også en betydelig forskjell: grunnleggerne av kubismen malte hovedsakelig i monokrom, mens Malevich aktivt bruker rike farger. Et annet trekk ved bildet: for all abstraktheten er realistiske detaljer spredt på lerretet. Så, for eksempel, en del av pannen med hår kammet i en rett avskjed gjentar nøyaktig Matyushins frisyre, ifølge vitnesbyrd fra folk som kjente ham. Dette er kanskje den eneste detaljen som indikerer at vi har et portrett foran oss. Matyushin var ikke bare en artist, men også en komponist, så det er lett å gjette at linjen med hvite rektangler som deler bildet diagonalt er et pianotastatur (og uten svarte taster - et hint om originaliteten til det musikalske systemet til Mikhail Vasilyevich Matyushin).

Stanislav Yulianovich Zhukovsky (1875–1944). Gledelig mai 1912. Olje på lerret. 95,3 x 131,2

S. Yu. Zhukovsky, en russisk kunstner av polsk opprinnelse, i maleriet "Joyful May" avbildet interiøret i et landsted, gjennom det åpne vinduet som en varm solrik maidag bryter inn og forvandler hele rommet med et spill av lys. Verket fortsetter tradisjonene for interiørmaling fra romantikkens epoke, spesielt skolen til A. G. Venetsianov. Det solfylte interiøret ble malt under påvirkning av impresjonisme, den russiske versjonen er preget av en lyrisk note.

Gamle trevegger, stoler i empirestil med blå møbeltrekk, plassert langs dem mellom vindusåpninger, og portretter av innbyggerne i dette huset, som lenge har vært døde, kan fortelle mye. Interiøret er fylt med et motiv av dyp nostalgi. Her puster alt fortiden, men det frydefulle lyset som sprer seg overalt i mai demper småtonene og får dette interiøret til å våkne til liv litt etter litt. Blå blomster i den opplyste vinduskarmen - som et symbol på fornyelsen som har kommet til det gamle huset, som er karakteristisk for all natur.

Boris Mikhailovich Kustodiev (1878–1927). Maslenitsa 1916. Tempera på lerret. 61 x 123

Lerretene til maleren, grafikeren og teaterkunstneren B. M. Kustodiev med temaet vinterfester og høytider er fylt med glede og moro. Blant dem tilhører det sentrale stedet bildet av den russiske Maslenitsa med ridning, knyttnevekamper og boder. Denne ferien for kunstneren er som et karneval, der alt er dekorativt og vakkert: folk rikt kledd i fargerike sjal og pelsfrakker går rundt; hester som suser, dekorert med bånd, bjeller og papirblomster; og til og med naturen selv så ut til å ta på seg hennes beste klær.

I hans tallrike malerier dedikert til Maslenitsa og andre festligheter, var det viktig for Kustodiev å understreke følelsenes svimlende virvelvind. Kanskje er det derfor hovedmotivet for bevegelsen i dem alltid har blitt en ukontrollert racingtrio. Dynamikken i disse verkene er basert på komposisjonsteknikkene til teatralsk og dekorativ kunst: det kontrasterende spill av lys og skygge, bruken av backstage. Disse lerretene er så dekorative i sin farge og komposisjon at de ligner merkelige malte bokser. Desto mer overraskende er det at de fleste av mesterens verk er skrevet etter hukommelsen og representerer generaliserte bilder av Rus som helhet. Heltene deres er renset for alt negativt: de er snille, poetiske, fulle av verdighet og lever, og respekterer lovene og tradisjonene. Og det er en ufrivillig følelse av at veien til den patriarkalske verden uunngåelig går tilbake i fortiden.

Robert Rafailovich Falk (1886–1958). Røde møbler 1920. Olje på lerret. 105 x 123

R. R. Falk var en maler, tegner, teaterkunstner, medlem av slike foreninger som World of Art, Jack of Diamonds, og senere OMX og AHRR. Lerretene til denne kunstneren utmerker seg ved deres perfekt formidlede formvolum. I noen verk introduserte mesteren en skarp deformasjon, som tillot ham å understreke den indre spenningen i bildet.

Dette kan også bemerkes i maleriet "Røde møbler": til tross for at det ikke er noen karakterer i det, er endringene i former og fargeuttrykket så mettet med følelser at betrakteren ufrivillig har en følelse av forstyrrende varsel. Inntrykket forsterkes av den temperamentsfulle, til og med "spente" måten å male på, som understreker intensiteten i rytmen som dannes av objekter som befinner seg i rommet og skyggene som faller fra dem. Stoler med høy rygg og sofa er "kledd" i røde trekk. De skjuler de sanne formene til møblene og gir det et vagt omriss. I midten av komposisjonen er et bord, på overflaten som en slags kamp finner sted: svarte og hvite farger kolliderer - som et bilde på det absolutte motsatte og samtidig verdens evige enhet.

David Petrovich Shterenberg (1881–1948). Aniska 1926. Olje på lerret. 125 x 197

D. P. Shterenberg var en av de aktive arrangørene og medlemmene av Society of Easel Artists. Mesterens verk er preget av uttrykksfulle skarphet av bilder, lakonisk komposisjon, generalisering og klarhet i tegningen, bevisst plan konstruksjon av rommet.

Imidlertid er kunstnerens heltinne ikke en munter, fornøyd idrettsutøver, men en bondepike, i hvis sinn minnet om hungersnøden på 1920-tallet er for alltid bevart. Hun står nær bordet, på det er en tallerken med en skorpe av svart brød. Bordet er helt tomt, det er et bart felt med bare ett objekt-symbol - brød. Shterenberg nekter å gjengi virkeligheten i detalj, og skaper et konvensjonelt illusorisk blåbrunt rom.

Med sparsomme, men nøyaktig tilpassede midler for farge og komposisjon, gjenskaper Shterenberg tidens tragedie.

Sergei Alekseevich Luchishkin (1902–1989). Ballongen fløy bort 1926. Olje på lerret. 69 x 106

S. A. Luchishkin - sovjetisk kunstner, sluttet seg til den postrevolusjonære "andre bølgen" av den russiske avantgarden, deltok i en rekke av de mest radikale kunstneriske eksperimentene på 1920-tallet. Scenespill, som regel, skiller veldig dramatisk innhold ut de beste staffeli-tingene til mesteren.

Virkelighetsbildet som forfatteren skapte i filmen «The Balloon Flew Away» strider mot den offisielle sovjetiske kunsten på 1920-tallet. Kunstneren avbildet høye hus, som om han klemte rommet mellom dem. I en tom hage, i bakgrunnen, avgrenset av et gjerde, står en liten jente. Hun ser på ballen som flyr inn i det endeløse tomme rommet. Vinduene viser scener fra hverdagslivet til innbyggerne i høyhus. Kunstneren viser ikke den lyse lykkelige fremtiden til det sovjetiske folket, men forteller om den virkelige, langt fra romantiske hverdagen. Tragiske tegn viser seg gjennom den ytre naiviteten: en hengende figur av et selvmord i hjørnet av mesterens mest kjente lerret.

Marc Zakharovich Chagall (1887-1985). Over byen 1914–1918. Lerret, olje. 141 x 197

Evnen til å kombinere det høye med det vanlige er den individuelle kvaliteten på arbeidet til M. Z. Chagall, en av de mest kjente representantene for den kunstneriske avantgarden på 1900-tallet. Maleriet "Above the City" skildrer to elskere - kunstneren og hans elskede Bella, som svever over Vitebsk lett, grasiøst og så naturlig, som om de bare gikk langs stiene i parken. Å elske, å være lykkelig og å fly over en hverdagslig by er like naturlig som å holde hverandre i en omfavnelse – en slik idé bekreftes av heltene.

Dette maleriet av Chagall var bestemt til en merkelig skjebne. Å være eiendommen til State Tretyakov Gallery, har det blitt kanskje det mest populære verket til kunstneren i det post-sovjetiske rommet. Årsaken til dette var i stor grad tilgjengeligheten for visning, i motsetning til de Chagalls verkene, som var pålitelig skjult for nysgjerrige øyne av et jernteppe. Når du kaster deg ut i en verden av små hus og vaklevorne gjerder, så nøye skrevet ut av mesteren, begynner du å ta deg selv i tankene om at du havnet i Vitebsk fra Chagalls ungdom - en by som dessverre ikke eksisterer lenger. «Wattle gjerder og tak, tømmerhytter og gjerder, og alt som åpnet seg videre, bak dem, gledet meg. Hva akkurat - du kan se i mitt maleri "Over byen". Og jeg kan fortelle. En kjede av hus og boder, vinduer, porter, kyllinger, en oppbygd fabrikk, en kirke, en slak bakke (en forlatt kirkegård). Alt er med et blikk, hvis du ser fra loftsvinduet, plassert på gulvet, "dette er et sitat fra selvbiografien" My Life ", som Chagall skrev etter å ha forlatt Russland.

Martiros Sergeevich Saryan (1880-1972). Fjell. Armenia 1923. Olje på lerret. 66 x 68

M. S. Saryan er den største mester i armensk maleri på 1900-tallet, som videreførte symbolismens tradisjoner. På maleriet «Fjell. Armenia» presenterer et kollektivt bilde av Armenia, og ikke spesifikke bilder av enkelte steder. Med sin lysstyrke og emosjonalitet er disse verkene nær de førrevolusjonære verkene til Saryan, og skiller seg fra sistnevnte bare i større monumentalisme. Etter å ha reist i nesten fire tiår alle de mest bemerkelsesverdige stedene i Armenia, og jobbet mye i naturen, skapte kunstneren et stort utvalg av landskap. På slutten av 1920-tallet endret metoden for Saryans arbeid innen landskapsfeltet. I stedet for hurtigtørkende temperamaling jobber han med oljemaling, som gjør det mulig å male landskap direkte fra naturen, og ikke etter hukommelsen, som før.

Pyotr Petrovich Konchalovsky (1867–1956). Portrett av V. E. Meyerhold 1938. Olje på lerret. 211 x 233

I løpet av perioden med masseundertrykkelse, kort før arrestasjonen og døden av Meyerhold, skapte P. P. Konchalovsky et portrett av denne enestående teaterfiguren. For den reformistiske direktøren Vsevolod Emilievich Meyerhold begynte 1938 dramatisk: 7. januar vedtok Kunstkomiteen en resolusjon om avvikling av Meyerhold State Theatre (GOSTIM).

For å understreke individets konflikt med den omgivende virkeligheten, samtidig som han skapte et portrett av regissøren, brukte kunstneren en kompleks komposisjonsløsning. Ved første øyekast ser det ut til at lerretet skildrer en drømmer hvis drømmer er nedfelt i fargede mønstre som dekker hele veggen og sofaen til gulvet. Men ser man nærmere, kan man gjette modellens smertefulle apati, løsrivelse fra omverdenen. Det er gjennom sammenstillingen av et lyst teppe, tett dekket med ornamenter, og den monokrome figuren til regissøren, som er illusorisk klemt og viklet inn i mønstrenes bisarre kurver, at Konchalovsky skaper en spesiell følelsesmessig spenning som avslører innholdet i bildet. .

Ilya Ivanovich Mashkov (1881–1944). Moskva mat 1924. Olje på lerret. 129 x 145

En av grunnleggerne av Jack of Diamonds kunstforening, I. I. Mashkov, snakket om maleriet sitt på følgende måte: "Jeg ønsket å bevise at vår sovjetiske malerkunst skulle føles i samsvar med vår tid og er forståelig, overbevisende, forståelig for enhver arbeidende person . Jeg ønsket å vise realistisk kunst i dette ukompliserte plottet. Stilleben "Khleby" er vårt vanlige Moskva-bakeri i sin tid ... og komposisjonen er så å si uforsiktig, klønete, men vår, Moskva, lokal og ikke parisisk ... Khleby er vår mor Russland ... innfødt, brød, orkester, orgel, kor." Kunstneren er imidlertid uoppriktig, han sier ikke at han malte stilleben etter hukommelsen.

Umiddelbart etter at dette verket dukket opp på utstillingen, ble det anerkjent som en klassiker av sovjetisk maleri. Offisiell sovjetisk kritikk bemerket korrespondansen mellom stilleben og oppgavene til sosialistisk realismemaleri: faktisk er det sult i landet, men i kunst er det en fantastisk overflod! Ikke desto mindre viste dette verket en enestående billedgave fra kunstneren: en dynamisk komposisjon, fargerikdom - alle disse funksjonene var iboende i kunstnerne til "Jack of Diamonds".

Vera Ignatievna Mukhina (1889–1953). Julia 1925. Tre. Høyde 180

Skulpturen til den enestående mesteren fra det XX århundre V. I. Mukhina ble anskaffet i 2006 for samlingen av State Tretyakov Gallery. Verket er allerede presentert i den permanente utstillingen til museet på Krymsky Val. Navnet på verket er knyttet til navnet på ballerinaen Podgurskaya, som var modellen. Forfatteren legemliggjorde et komplekst kunstnerisk konsept i en figur presentert i en spiralbevegelse. Dette er et sjeldent eksempel på treskulptur som har beholdt originaliteten til menneskeskapt håndverk. Den russiske kunsthistorikeren A. V. Bakushinsky kalte den «en virkelig rund skulptur».

Vera Ignatievna var veldig glad i dette verket og til de siste dagene holdt hun det i studioet sitt. I 1989 ble skulpturen "Julia" inkludert i den personlige utstillingen til V.I. Mukhina, arrangert innenfor veggene til galleriet for hennes hundreårsjubileum. Senere var plastmesterverket i familien til sønnen V. A. Zamkov, som testamenterte etter hans død for å overføre verket til samlingen til Statens Tretyakov-galleri.

Sarra Dmitrievna Lebedeva (1892–1967). Pike med sommerfugl 1936. Bronse. Høyde 215

"Girl with a Butterfly" er en bronseavstøpning av en hageskulptur designet for å dekorere Moskva Central Park of Culture and Leisure (det var en ukonservert sementversjon i parken). Plassiteten til statuen formidler den forsiktige bevegelsen til en jente som prøver å ikke skremme bort en sommerfugl som har landet på hånden hennes. I dette arbeidet, som i alt hennes arbeid, fremstår billedhuggeren og kunstneren Sarra Lebedeva som en subtil psykolog, som legger merke til den følelsesmessige tilstanden til modellen hennes, prøver å "stoppe øyeblikket" og beholde sommerfuglen.

Nikolai Konstantinovich Istomin (1886 (1887) -1942). Universiteter 1933. Olje på lerret. 125,5 x 141,5

Istomin, som fikk en kunstutdanning i München, medlem av Makovets og Four Arts-foreningene, ble etter deres likvidering på begynnelsen av 1930-tallet med i Association of Artists of Revolutionary Russia. I maleriet "Universiteter" tar kunstneren opp temaet ungdom, de fremtidige byggerne av sosialismen, som var relevant for kunsten fra Stalin-tiden. Men avgjørelsen av dette verket, både når det gjelder maleri og innhold, har lite til felles med plakatoptimismen til de tematiske maleriene fra disse årene. Den viser maleteknikkene som er karakteristiske for Istomin, som utviklet seg i den tidlige kreativitetens periode under påvirkning av fauvismen.

Et koselig rom med et stort firkantet vindu i en mørkegrønn vegg, bak er en rosa-perle (i motsetning til den dype, sterke fargen inni) vinterby. Mot lyset - grasiøse silhuetter av to jenter i svart, travel lesning. Heltinnene i verket ligner hverandre som tvillingsøstre. Ved første øyekast har vi en sjanger av hverdagen foran oss, men meningen med dette store, bredt og dristig malte lerretet er tydeligvis ikke i detaljene i historien og ikke i jentenes karakterer, ikke i deres aktiviteter. Dette bildet, ordinært i handlingen, ser ut til å være et åpent vindu inn i en annen, svunnen tid, og som om det fordyper betrakteren inn i den åndelige atmosfæren på 1930-tallet. Maleriet, med en streng, nærmest grafisk fargeskala, er lyrisk og skiller seg kraftig ut blant denne periodens pompøse kunstverk.

Pavel Dmitrievich Korin (1892–1967). Alexander Nevskiy. Sentral del av triptyken 1951. Olje på lerret. 72,5 x 101

Kunstneren laget et lerret som glorifiserer russiske våpen i en vanskelig periode for landet, under den store patriotiske krigen. Det sentrale bildet av triptyken skildrer prins Alexander Jaroslavich, med kallenavnet Nevskij for seieren over svenskene i slaget ved Neva i 1240 og kanonisert av den russisk-ortodokse kirke i 1549. Prinsen fremstår foran betrakteren som en målrettet, modig kommandør. En bredskuldret kriger kledd i rustning, holder et stort sverd foran seg, står på bakgrunn av endeløse russiske vidder og vokter årvåkent sine hjemland. Alexander Nevsky personifiserer motet og motet til det russiske folket, som er klare til å kjempe til siste dråpe blod for deres frihet og uavhengighet. "Jeg ønsket," husket kunstneren, "å formidle karakteren til en russisk person, å legemliggjøre motets ånd, som er et integrert trekk ved nasjonen, som oppmuntret folket i Russland til å kjempe til døden, til å gå fremover . Den ånden av ulydighet mot skjebnen, hvis vilje og standhaftighet gjenlyder både i The Tale of Igor's Campaign, og i Pushkins første vers, og i våre egne hjerter.

Basert på maleriet ble det senere laget mosaikker for Komsomolskaya-Koltsevaya-stasjonen i Moskva-metroen.

Yuri (George) Ivanovich Pimenov (1903–1977). Nye Moskva 1937. Olje på lerret. 140 x 170

Siden midten av 1930-tallet har Pimenov, en av grunnleggerne av Society of Easel Painters, jobbet med en serie malerier om Moskva, blant dem ble maleriet "New Moscow" spesielt populært. Med oppriktig entusiasme jobbet kunstnerne med å skape en ny sovjetisk mytologi, som krevde andre former. Maleriet "New Moscow" er ganske i samsvar med tidsånden. Komposisjonen er løst som en ramme fanget av en kameralinse. Forfatteren fokuserer på figuren til en kvinne som kjører bil, som er et enestående fenomen på 1930-tallet. Seeren ser ut til å sitte bak ryggen hennes og se på morgenoppdaterte Moskva fra en åpen bil. Den monolittiske hoveddelen av den nyoppførte Gosplan-bygningen, den frie avenyen og vidstrakten av torg, den skarlagenrøde bokstaven til den nylig åpnede t-banen - alt dette er et renovert Moskva. Farger, lek med mange nyanser og toner, et mobilt penselstrøk formidler bevegelsen til bilen og vibrasjonen i lys- og luftmiljøet. Den impresjonistiske skrivestilen gir verket friskhet og eleganse – slik skulle den nye hovedstaden ha blitt oppfattet, og med det det nye sovjetiske livet. Året for opprettelsen av dette lerretet motsier imidlertid klart det optimistiske temaet for den "lyse banen".

Alexander Mikhailovich Gerasimov (1881–1963). Portrett av en ballerina O. V. Lepeshinskaya 1939. Olje på lerret. 157 x 200

Malerens ekstraordinære talent, den muntre, "saftige" måten å male på - alt dette, da A. M. Gerasimov beveget seg oppover karrierestigen til sosialrealisme, fikk en seremoniell glans. Gerasimov skapte et helt galleri med portretter av fremtredende skikkelser fra sovjetstaten og kommunistpartiet i Sovjetunionen, militære ledere for den sovjetiske hæren, representanter for sovjetisk vitenskap, litteratur, teater og kunst. På bakgrunn av partifunksjonærer fikk kunstneren et utløp i portretter av den kreative intelligentsiaen (ballerina O. V. Lepeshinskaya, et gruppeportrett av de eldste kunstnerne I. N. Pavlov, V. N. Baksheev, V. K. Byalynitsky-Biruli, V. N. Meshkov) og andre.

Med upåklagelig teknikk, var Lepeshinskaya i stand til å reflektere sin egen, livlige, glitrende karakter i hvert bilde som ble skapt på ballettscenen. Artisten fanger ballerinaen i øvingsøyeblikket. Heltinnen frøs et øyeblikk foran publikum i et typisk dansetrinn - hun står på spisse sko, hendene er senket på tutuen hennes, hodet er litt snudd til siden, som om hun forbereder seg på neste utgang til midten av øvingshallen. Nok et øyeblikk - og ballerinaen fortsetter dansen. Øynene hennes brenner, hun er full av inspirasjon og kjærlighet til yrket sitt. På bildet er tradisjonell representativitet kombinert med et nytt blikk på kreativ aktivitet. Dans i livet til en ballerina er den høyeste meningen med hennes eksistens.

Mikhail Vasilyevich Nesterov (1862–1942). Portrett av billedhuggeren V. I. Mukhina 1940. Olje på lerret. 75 x 80

Maleriet viser Vera Mukhina, en sovjetisk skulptør, forfatteren av mange kjente verk, inkludert den berømte gruppen "Worker and Collective Farm Woman", presentert på verdensutstillingen i Paris i 1937. Vera Ignatievna gjør de siste tilleggene til prototypen av fremtidig skulptur. I den ene hånden holder hun et lite stykke leire, og med den andre øker hun volumet til en av heltene. Den fanger direkte kreativiteten, øyeblikket da et ekte kunstverk blir født fra et formløst stykke leire.

Det kompositoriske sentrum av verket er en knallrød brosje som holder kragen på en hvit bluse. Nesterov kontrasterer konsentrasjonen til Mukhina med den raske dynamikken, den desperate impulsen hun formidler i sin skapelse. Takket være denne følelsesmessige kontrasten får "Portrett av billedhuggeren V. I. Mukhina" spesiell uttrykksevne, et aktivt indre liv, og avslører derved den komplekse karakteren til Vera Ignatievna selv.

Tair Teimurazovich Salakhov (født i 1928). Portrett av komponisten Kara Karaev 1960. Olje på lerret. 121 x 203

I portrettet av den fremragende aserbajdsjanske komponisten Kara Karaev forsøkte kunstneren å vise den vanskelige prosessen med musikkens fødsel. En konsentrert positur, lukket fra et psykologisk synspunkt fra betrakteren, snakker om den største konsentrasjonen om den indre stemmen. Den kreative prosessen kan være intens og lang, hvor det ytre livet ser ut til å fryse for en person fordypet i seg selv, eller trekker ut i urimelig lang tid på én tone til en løsning er funnet. Er det ikke derfor det lange svarte pianoet virker så uendelig, mot bakgrunnen som den sittende komponistens skikkelse vises. Bildet av dette musikkinstrumentet setter den målte rytmen til komposisjonen og fungerer som den nødvendige kontrasten for helten kledd i en hvit genser. Kunstneren bringer de stive konturene til Karaevs figur og interiørgjenstander nesten til et grafisk opplegg. Det indre kunstnerskapet til komponisten, hans talent, kreative spenning avsløres av fargesystemet.

Grigory Ivanovich Kepinov (Grigor Ovanesovich Kepinyan) (1886–1966). Kvinnelig overkropp 1934–1946. Marmor. Høyde 71

Den berømte sovjetiske billedhuggeren G. I. Kepinov, som studerte ved Julien Academy i Paris, anså det som sin plikt å bevare akademiske tradisjoner innen skulptur. Han laget portretter av mange samtidige.

Marmoren "Female Torso" er en fantastisk skulpturell utførelse av kvinnelig skjønnhet, men i motsetning til dens klassiske forståelse er dette heroisk skjønnhet, i tråd med tidens idealer. Den vakre nakne kroppen er anspent, bevegelsen av frigjøringen av figuren fra steinblokken minner om de uferdige verkene til Michelangelo.

Oleg Konstantinovich Komov (1932–1994). Glass 1958. Bronse. Høyde 60

Den skulpturelle bronsekomposisjonen "Glass" ble skapt av O.K. Komov et år før han ble uteksaminert fra Moscow Art Institute. V. I. Surikov. Forfatterens stil er definert som en streng stil (eller streng realisme), som først og fremst oppsto i maleriet på slutten av 1950-tallet – begynnelsen av 1960-tallet og poetiserte vanlige menneskers hverdag, deres styrke og vilje. Den alvorlige stilen var preget av ønsket om monumentalitet av bildet, som også avslører den skulpturelle komposisjonen til Komov.

Hans heltinne er en enkel ung arbeider, hvis sterke hender - som hendene til millioner av mennesker som henne - bygger et land. Det harde livet og det vanskelige arbeidet overlevde nåde og skjørhet. "Adel" er ikke på moten: arbeid er hederlig. Den rolige tilliten til arbeiderens positur står i kontrast til glassets prekære posisjon, og hele komposisjonen gir inntrykk av en enhet av disse motsetningene.

Rommet blir en av de ledende komponentene i dette arbeidet. Hans forhold til en kvinneskikkelse er sammensatt og tvetydig. Den brede gesten til heltinnens hender er åpen for omverdenen, og samhandler aktivt med den, men plassen hennes er begrenset av konturene til glasset hun er klemt i, som i en ramme. Glass er et prisme som hun forstår verden gjennom, men også en usynlig vegg mellom henne og denne verden.

Arkady Alekseevich Plastov (1893-1972). Våren 1954. Olje på lerret. 123 x 210

En av de fremragende representantene for Moskva-malerskolen, A. A. Plastov, fortsatte i sitt arbeid tradisjonene til V. A. Serov, A. E. Arkhipov og mesterne i Union of Russian Artists. Lojalitet til bondetemaet, der «menneskekjøttet ville bli vist med all sin vanvidd i den ytterste intensitet og sannhet», fargeorganiskhet og umiddelbarhet i inntrykket i det «store» bildet er karakteristisk for kunstnerens verk fra 1940-1950-tallet.

I maleriet "Vår" klarte maleren å fange idealet om kvinnelig skjønnhet, kroppslig og åndelig, som lever i fantasien til enhver person og som regel ikke er nedfelt i det virkelige liv. Kulden, litt løsrivelse av bokstaven, det rørende bildet av et barn, enkelheten og naturligheten til handlingen setter dette verket på en pidestall av ren glede og kysk kjærlighet, utilgjengelig for sanseoppfatning. Plastov kalte verket "Vår" (og ikke "I det gamle badehuset"), og understreket dermed dets metaforiske natur og husker hele det assosiative spekteret av bilder av verdenskunst knyttet til dette ordet.

XX-XXI ÅRHUNDRE 1922. "Mars mot Roma" Benito Mussolini, Denne hertugen ("lederen") gjør Roma til sentrum av italiensk fascisme. Leggingen av hovedgaten til Via dei Fori Imperiali. 1943. Etter den ødeleggende bombingen av Roma av allierte fly, ble Mussolini arrestert av

Fra Rhodos bok. Guide forfatter Furst Florian

XX-XXI århundrer 1912. Italia erobrer Rhodos, og deretter resten av Dodekanesene. 1923. Lausanne-traktaten sikrer italienernes dominans over øya. 1943. Tyskland okkuperer Rhodos og i 1944 deporterer alle Rhodos-jøder fra øya. 1945. greske tropper

Fra boken Kryssordguide forfatter Kolosova Svetlana

Kunstnere fra det XX århundre 3 Rouault, Georges - fransk maler. Yuon, Konstantin Fedorovich - russisk maler. 4 Ekteskap, Georges - fransk maler. Gris, Juan - spansk maler. Dali, Salvador - spansk maler. Dufy, Raoul - fransk maler. Fernand - fransk

Fra boken Krig og fred [I termer og definisjoner] forfatter Rogozin Dmitry Olegovich

KAPITTEL 6 Militær kunst. Operasjonell kunst LUFTDOMINASJON avgjørende luftoverlegenhet til en av partene i luftrommet i et operasjonsteater, en viktig operasjonsretning eller i et bestemt område. Tillater Luftforsvaret så vel som Hæren

Fra boken Budapest og forsteder. Guide forfatter Bergmann Jürgen

XIX-XX århundrer 1848. Organisasjonen Young Hungary, ledet av poeten Sandor Petofi, tar til orde for borgerlig-demokratiske reformer i landet og reiser marsrevolusjonen. Om høsten begynner habsburgerne å undertrykke opprøret. Sandor Petofi døde i 1849 og kjempet for

Fra boken Lisboa. Guide forfatter Bergmann Jürgen

XX og XXI århundrer 1908. En hard kamp for å styrte monarkiet. Attentatforsøket på kong Carlos I og tronfølgeren Luis Filipe. 5. oktober 1910. Republikkens erklæring. Kong Manuel II flykter til England. 1926. Militærdiktatur: oppløsning av parlamentet, oppsigelse av politisk

Fra boken Århundrets forbrytelser forfatter Blundell Nigel

Nigel Blundell Encyclopedia of World Sensations of the 20th Century VOLUME 1: Crimes

Fra boken Different hits. Guide av Weeldoon

Popadans i oldtiden (til 1800-tallet) Nytt 30.10.2014 Grinberga Oksana Koroleva. Overlev for ikke å bli gal Posnyakov Andrey Wild field Korchevsky Yuri Atlant. Selger av tid Yuriy Korchevsky Gold of the Dead. Adelsmannen Korchevsky Yuri Storm of Time

Fra boken Hvordan bli forfatter ... i vår tid forfatter Nikitin Yuri

Kunst og... falsk kunst Ikke alle vet at det i litteraturen, som i enhver form for kunst, er en oppdeling i kunst og falsk kunst, selv om dette burde være åpenbart. For eksempel er kjærlighet kunst, men sex er falsk. Det er klart, forfalskninger

Fra boken Tanker, aforismer, sitater. Business, karriere, ledelse forfatter Dushenko Konstantin Vasilievich

Kunst å like. Kommunikasjonskunsten Se også "PR" (s. 178); "Jobb med mennesker. Teamwork ”(s. 307) Den mest nyttige av alle kunster er kunsten å behage Philip Chesterfield (1694–1773), engelsk diplomat og forfatter Det må antas at hvis en fornuftig person ikke har noe ønske om

Fra boken The State Tretyakov Gallery forfatter forfatter ukjent

1700-tallskunst av Louis Caravaque. "Portrett av keiserinne Anna Ioannovna". 1730 Ivan Nikitich Nikitin (ca. 1680-1742) Portrett av grev G. I. Golovkin 1720-tallet. Lerret, olje. 73,4x90,9 grev Gavriil Ivanovich Golovkin (1660–1734) - en av de trofaste medarbeiderne til Peter I, den første kansleren til den russiske

Fra forfatterens bok

Kunst fra første halvdel av 1800-tallet Vasily Andreevich Tropinin. "Lacemaker". 1823 Orest Adamovich Kiprensky (1782–1836). Portrett av grevinne E. P. Rastopchina 1809. Olje på lerret. 61x77 kvinners bilder laget av den anerkjente portrettmesteren O. A. Kiprensky - en uvurderlig side i

Fra forfatterens bok

Kunst fra andre halvdel av 1800-tallet Vasily Vladimirovich Pukirev. "Ulikt ekteskap". 1862 Konstantin Dmitrievich Flavitsky (1830–1866). Prinsesse Tarakanova 1863. Olje på lerret. 187,5x245 Historien om bedrageri i Russland er et tema som konstant agiterte fantasien til russiske kunstnere.

Fra forfatterens bok

Kunst fra det 20. århundre Zinaida Evgenievna Serebryakova. "Bak toalettet. Selvportrett. 1909 Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin (1861–1939). Bader en rød hest 1912. Olje på lerret. 160x186I 1912 på utstillingen "World of Art" var det et maleri av K. S. Petrov-Vodkin "Bathing a Red Horse", som

Artikkelvurdering:
1 stjerne2 stjerner3 stjerner4 stjerner5 stjerner(Ingen vurderinger ennå)
Laster inn...
Del med venner:
Relaterte artikler
Lukk
Finn på stedet
For eksempel: typer gips