Art of Africa - en oversikt i sammenheng med land og kulturer til individuelle folk

Afrikansk kunst (afrikansk kunst)

Art of Africa (afrikansk kunst) er et begrep som generelt brukes på kunsten i Afrika sør for Sahara. Tilfeldige observatører har ofte en tendens til å generalisere fra "tradisjonell" afrikansk kunst, men kontinentet er fullt av mennesker, samfunn og sivilisasjoner, hver med sin egen unike visuelle kultur. Denne definisjonen kan også inkludere kunsten til afrikanske diasporaer, for eksempel kunsten til afroamerikanere. Til tross for dette mangfoldet er det noen samlende kunstneriske temaer når man vurderer helheten i den visuelle kulturen på det afrikanske kontinentet. Å bruke afrikansk stil i interiøret er ganske enkelt. Nedenfor er noen viktige egenskaper ved afrikanske masker og figurer, analoger som kan kjøpes på Afroart Gallery.

Begrepet "Art of Africa" ​​inkluderer vanligvis ikke kunsten i områdene i Nord-Afrika langs Middelhavskysten, da disse områdene lenge har vært en del av ulike tradisjoner. I mer enn tusen år har kunst i disse områdene vært en integrert del av islamsk kunst, om enn med mange spesielle kjennetegn. Etiopisk kunst, med en lang kristen tradisjon, skiller seg også fra de fleste afrikanske land, hvor tradisjonelle afrikanske religioner (islam er utbredt i nord) dominerte inntil relativt nylig.

Historisk sett er afrikansk skulptur for det meste laget av tre og andre naturmaterialer som ikke har overlevd fra tidligere perioder enn i beste fall for noen hundre år siden; eldre keramiske figurer finnes på mange områder. Masker er viktige elementer i kunsten til mange folkeslag, sammen med menneskelige figurer, ofte svært stiliserte. Det er et stort utvalg av stiler, ofte varierende innenfor de samme opprinnelsesvilkårene, avhengig av hvordan objektet brukes, men brede regionale likheter er tydelige. Skulptur er mest vanlig blant stillesittende landbruksgrupper i elvedalene i Niger og Kongo i Vest-Afrika. Direkte skulpturer av guddommer er relativt sjeldne, men masker lages spesielt ofte for religiøse seremonier (ritualer). Afrikanske masker påvirket europeisk modernistisk kunst, som var inspirert av deres mangel på naturalisme. Siden slutten av 1800-tallet har det vært en økning i antall afrikansk kunst i vestlige samlinger, de beste av disse er nå utstilt i anerkjente museer og gallerier.

Senere utviklet vestafrikanske kulturer bronsestøping, som ble brukt til å lage relieffskulpturer og naturalistiske ledere av herskere, som den berømte Benin-bronse, for å dekorere palasser. Gylne figurvekter er en av typene små metallskulpturer produsert i perioden 1400-1900; noen ser ut til å skildre ordtak, og introduserer et narrativt element som er sjeldent i afrikansk skulptur; de kongelige regaliene inkluderte imponerende gylne skulpturelle elementer. Mange vestafrikanske figurer brukes i religiøse ritualer og inneholder ofte detaljer som er nødvendige for seremonielle ofringer. De mande-talende folkene i samme region lager gjenstander av tre med brede flate overflater og sylindriske armer og ben. I Sentral-Afrika er imidlertid de viktigste kjennetegnene hjerteformede ansikter, buet innover, med mønstre av sirkler og prikker.

Øst-Afrika, hvor det ikke er overflødig tre for utskjæring, er kjent for Tinga-Tinga-malerier og Makonde-skulpturer. Det er også tradisjon for å produsere tekstilkunst. Kulturen i Great Zimbabwe gjorde bygninger mer imponerende enn skulpturer, men de åtte klebersteinsfuglene fra Zimbabwe ser ut til å ha hatt spesiell betydning, og var sannsynligvis montert på monolitter. Moderne zimbabwiske klebersteinsskulptører har oppnådd betydelig internasjonal suksess. De eldste kjente sørafrikanske leirfigurene er fra mellom 400 og 600 e.Kr. f.Kr., de har sylindriske hoder med en blanding av menneskelige og dyreegenskaper.

Grunnleggende elementer i afrikansk kunst

Kunstnerisk kreativitet eller ekspressiv individualisme: Spesielt i vestafrikansk kunst er det en utbredt vekt på ekspressiv individualisme, samtidig som den er påvirket av forgjengernes arbeid. Et eksempel er den kunstneriske kreativiteten til Dan-folket, samt deres eksistens i den vestafrikanske diasporaen.

Vektlegging av menneskeskikkelsen: Menneskeskikkelsen har alltid vært hovedemnet for mye av afrikansk kunst, og denne vektleggingen har til og med påvirket enkelte europeiske tradisjoner. For eksempel, på 1400-tallet handlet Portugal med Sapi-folket nær Elfenbenskysten i Vest-Afrika, som skapte forseggjorte saltbøsser av elfenben som kombinerte trekk ved afrikansk og europeisk kunst, først og fremst ved å legge til menneskefiguren (menneskefiguren er vanligvis , dukket ikke opp i portugisiske saltbøsser). Menneskefiguren kan symbolisere levende eller døde, herskere, dansere eller ulike yrker som trommeslagere eller jegere, eller kan til og med være en antropomorf skildring av en gud eller ha en annen votivfunksjon. Et annet vanlig tema er menneske-dyr-hybriden.

Visuell abstraksjon: Afrikansk kunst har en tendens til å favorisere visuell abstraksjon fremfor naturalistisk skildring. Årsaken er at mange afrikanske verk generaliserer stilistiske normer. Ansett som generelt naturalistisk beskrivende, bruker gammel egyptisk kunst svært abstrakte og ensartede visuelle kanoner, spesielt i maleri, samt forskjellige farger for å representere kvalitetene og egenskapene til det som er avbildet.

Vekt på skulptur: Afrikanske kunstnere har en tendens til å foretrekke 3D-kunst fremfor 2D-arbeid. Selv mange afrikanske malerier eller stoffer skal føles tredimensjonale. Husmaling blir ofte sett på som et kontinuerlig design viklet rundt huset, og tvinger betrakteren til å gå rundt for å oppleve det til fulle; mens dekorerte stoffer bæres som dekorative eller seremonielle plagg, noe som gjør personen som bærer dem til en levende skulptur. I motsetning til den statiske formen for tradisjonell vestlig skulptur, skildrer afrikansk kunst dynamikk, beredskap for bevegelse.

Vektlegging av actionkunst: En utvidelse av utilitarismen og tredimensjonaliteten til tradisjonell afrikansk kunst er det faktum at mye av den er skapt for å brukes i handlingssammenheng i stedet for statisk. For eksempel blir tradisjonelle afrikanske masker og kostymer svært ofte brukt i felles, seremonielle sammenhenger hvor de «danses». De fleste samfunn i Afrika har navn på maskene sine, men dette ene navnet inkluderer ikke bare selve masken, men også dens betydning, dansen knyttet til den, og åndene som bor i den. Afrikansk tenkning skiller ikke den ene fra den andre.

Ikke-lineær skalering: Ofte ser en liten del av en afrikansk kunstnerisk komposisjon ut som en stor del, som diamanter i forskjellige skalaer i Kasai-mønstre. Louis Senghor, Senegals første president, kalte det "dynamisk symmetri". William Fagg, en britisk kunsthistoriker, sammenlignet dette med biolog D'Arcy Thompsons logaritmiske visning av naturlig vekst. Nylig har det blitt beskrevet i form av fraktal geometri.

Skalaen til afrikansk kunst

Inntil nylig refererte betegnelsen "afrikansk" vanligvis bare til kunsten "svart Afrika", folk som bor i Afrika sør for Sahara. De ikke-svarte folkene i Nord-Afrika, befolkningen på Afrikas horn (Somalia, Etiopia), så vel som kunsten i det gamle Egypt, som regel, var ikke inkludert i begrepet afrikansk kunst.

Imidlertid har det nylig vært et press blant afrikanske kunsthistorikere og andre forskere for å inkludere den visuelle kulturen i disse områdene, siden de alle i hovedsak er innenfor de geografiske grensene til det afrikanske kontinentet.

Poenget er at ved å inkludere alle afrikanske folk og deres visuelle kultur i afrikansk kunst, vil ikke-profesjonelle få en dypere forståelse av det kulturelle mangfoldet på kontinentet. Siden tradisjonelle afrikanske, islamske og middelhavskulturer ofte slo seg sammen, har forskere funnet ut at det gir liten mening å trekke et klart skille mellom muslimske regioner, det gamle Egypt, Middelhavet og urfolks svarte afrikanske samfunn.

Endelig har kunsten til den afrikanske diasporaen i Brasil, Karibien og det sørøstlige USA også begynt å bli inkludert i studiet av afrikansk kunst. Kombinasjonen av kunst med utenlandske påvirkninger skjuler mangelen på iboende kunstnerisk fortjeneste, spesielt i perioden før sivilisasjonens inntog på kontinentet, hentet fra kulturer med en lengre utviklingshistorie.

Afrikansk kunst - materialer

Afrikansk kunst tar mange former og er laget av en rekke materialer. Smykker er en populær kunstform som brukes til å indikere rangering, gruppemedlemskap eller rent for estetikk. Afrikanske smykker er laget av materialer så forskjellige som tigerøye, hematitt, sisal, kokosnøttskall, perler og ibenholt. Skulpturer kan være av tre, keramikk eller skåret i stein, som de berømte Shona-skulpturene, og dekorert eller skulpturert keramikk kommer fra mange regioner. Det finnes ulike former for tekstiler, inkludert kitenzh, bogolan og kent stoff. Sommerfuglvinger eller farget sandmosaikk er populært i Vest-Afrika.

Historie om afrikansk kunst

Opprinnelsen til afrikansk kunst ligger lenge før nedtegnet historie. Afrikansk bergkunst i Sahara i Niger inneholder bilder fra mer enn 6000 år siden. Sammen med Afrika sør for Sahara har kunsten til vestlig kultur, gamle egyptiske malerier og gjenstander, og urbefolkningens sørlige håndverk også bidratt sterkt til afrikansk kunst. Ofte, som skildrer overfloden av den omkringliggende naturen, ble kunst redusert til abstrakte tolkninger av dyr, planteliv eller naturlige mønstre og former. Det nubiske riket Kush i dagens Sudan var i nær og ofte fiendtlig kontakt med Egypt og produserte monumental skulptur, for det meste avledet fra stiler som ikke dominerte i nord. I Vest-Afrika kommer den tidligste kjente skulpturen fra Nok-kulturen, som blomstret i det som nå er Nigeria mellom 500 f.Kr. e. og 500 e.Kr e. med leirefigurer, som regel, med langstrakte kropper og en kantete form.

Mer sofistikerte kunstteknikker ble utviklet i Afrika sør for Sahara rundt 1000-tallet, noen av de mest bemerkelsesverdige prestasjonene inkluderer bronsearbeid fra Igbo Ukwu og Ile Ife keramikk og metallarbeid. Bronse- og kobberstøpegods, ofte utsmykket med elfenben og edelstener, ble svært prestisjefylte i store deler av Vest-Afrika, noen ganger begrenset til arbeidet til hoffhåndverkere, identifisert med kongelige, som bronse i Benin.

Innflytelse på vestlig kunst

Vestlendinger har lenge sett på afrikansk kunst som "primitiv". Begrepet bærer med seg negative konnotasjoner av underutvikling og fattigdom. Kolonisering og slavehandel i Afrika i det nittende århundre befestet vestlig mening i troen på at afrikansk kunst manglet tekniske evner på grunn av sin lave sosioøkonomiske status.

På begynnelsen av det tjuende århundre møtte kunstnere som Picasso, Matisse, Vincent van Gogh, Paul Gauguin og Modigliani og ble inspirert av afrikansk kunst. I en situasjon der den etablerte avantgarden motsto begrensningene som ble pålagt av tjenesten til den visuelle verden, demonstrerte afrikansk kunst kraften til høyt organiserte former, produsert ikke bare av synets gave, men også, og ofte fremfor alt, av fantasi, følelser, mystisk og religiøs opplevelse. Disse kunstnerne så formell perfeksjon, raffinement kombinert med fenomenal uttrykkskraft i afrikansk kunst. Utforskningen og responsen til afrikansk kunst av kunstnere på begynnelsen av det tjuende århundre bidro til en eksplosjon av interesse for abstraksjon, organisering og omorganisering av former, og utforskning av emosjonelle og psykologiske områder som hittil ikke har vært sett i vestlig kunst. Med disse midlene ble kunstens status endret. Kunst har sluttet å være enkelt og primært estetisk, men har også blitt et sant redskap for filosofisk og intellektuell diskurs, og derfor mer virkelig og dypt estetisk enn noen gang før.

Innflytelse på vestlig arkitektur

Europeisk arkitektur var sterkt påvirket av afrikansk kunst. Pionerer som Antonio Sant Elia, Le Corbusier, Pier Luigi Nervi, Theo van Desburg og Erich Mendelssohn var også skulptører og malere. Futuristisk, rasjonalistisk og ekspresjonistisk arkitektur fant et nytt repertoar av primære symboler i Afrika; på et formelt nivå er rommet nå sammensatt av entallsformer som ikke bare refererer til menneskelige proporsjoner og skala, men også til dets psykologi; overflater er modellert med geometriske mønstre. I løpet av 1950-årene forvandlet europeiske arkitekter bygninger til storskala skulpturer, og erstattet unødvendig dekorasjon (så kritisert av Adolf Loos) ved å integrere teksturerte fresker og store basrelieffer på veggene. I løpet av 1960-tallet påvirket afrikansk kunst brutalismen, både i språk og symbolikk, spesielt i slutten av Le Corbusier, Oscar Niemeyer og Paul Rudolph. Det kraftige verket til John Lautner minner om Yoruba-artefakter; De sanselige designene til Patricio Pouchulu hedrer treskulpturene til Dogon og Baule. I motsetning til Europa har afrikansk kunst aldri satt grenser mellom kroppskunst, maleri, skulptur og arkitektur; takket være dette kan vestlige arkitekter nå utvide seg mot ulike kunstneriske uttrykk.

tradisjonell kunst

Tradisjonell kunst beskriver de mest populære og studerte formene for afrikansk kunst som ofte finnes i museumssamlinger. Det er mer riktig å lage en afrikansk stil i interiøret ved hjelp av nettopp slike gjenstander. Tremasker som viser mennesker, dyr eller mytiske skapninger er en av de mest sett kunstformene i Vest-Afrika. I den opprinnelige sammenhengen brukes seremonielle masker til feiringer, innvielser, høsting og forberedelse til krig. Maskene tas på av den valgte eller igangsatte danseren. Under seremonien går danseren inn i en dyp transe og i denne tilstanden "kommuniserer" han med sine forfedre. Masker kan brukes på tre forskjellige måter: vertikalt, dekker ansiktet, som hjelmer, som dekker hele hodet, og også i form av en kam over hodet, som vanligvis er dekket med materiale, som en del av en forkledning. Afrikanske masker representerer ofte ånder, og det antas at forfedres ånder besitter de som bærer dem. De fleste afrikanske masker er laget av tre og kan pyntes med elfenben, dyrehår, vegetabilske fibre (som raffia), pigmenter (som kaolin), steiner og halvedelstener.

Statuene er vanligvis laget av tre eller elfenben, ofte innlagt med cowrie-skjell, metallelementer og pigger. Dekorative klær er også vanlig og inkluderer en annen betydelig del av afrikansk kunst. En av de mest intrikate variantene av afrikanske tekstiler er det fargerike, stripete kentstoffet fra Ghana. Bogolan med et intrikat mønster er en annen velkjent teknikk.

Afrikansk samtidskunst

Afrika er hjemsted for en blomstrende moderne visuell kunstkultur. Dette var dessverre lite undersøkt inntil nylig, på grunn av vektleggingen av forskere og samlere på tradisjonell kunst. Viktige samtidskunstnere inkluderer: El Anatsui, Marlene Dumas, William Kentridge, Karel Nal, Kendell Geers, Yinka Shonibare, Zerihun Yetmgeta, Odhiambo Siangla, Elias Jengo, Ola Oguibe, Lubaina Himid og Bili Bidjocka, Henry Tayali. Kunstbiennaler arrangeres i Dakar, Senegal og Johannesburg, Sør-Afrika. Mange afrikanske samtidskunstnere er representert i museumssamlinger og deres arbeid kan få høye priser på kunstauksjoner. Til tross for dette har mange afrikanske samtidskunstnere problemer med å finne markeder for arbeidet sitt. Mange afrikanske samtidskunster låner tungt fra sine tradisjonelle forgjengere. Ironisk nok blir denne vektleggingen av abstraksjon av vestlendinger sett på som en imitasjon av europeiske og amerikanske kubistiske og totemiske kunstnere som Pablo Picasso, Amadeo Modigliani og Henri Matisse, som på begynnelsen av det tjuende århundre var sterkt påvirket av tradisjonell afrikansk kunst. Denne perioden var svært viktig for utviklingen av vestlig modernisme i billedkunsten, karakterisert ved Picassos gjennombruddsmaleri The Maidens of Avignon.

I dag regnes Fathi Hassan som en tidlig eksponent for moderne svart afrikansk kunst. Afrikansk samtidskunst ble først introdusert på 1950- og 1960-tallet i Sør-Afrika av kunstnere som Irma Stern, Cyril Fraden, Walter Battiss og gjennom gallerier som Goodman Gallery i Johannesburg. Senere europeiske gallerier som October Gallery i London og samlere som Jean Pigozzi, Arthur Walter og Gianni Baiocchi i Roma bidro til å utvide interessen for emnet. Tallrike utstillinger ved Museum of African Art i New York og African Pavilion på Venezia-biennalen i 2007, som viste frem Sindika Dokolos afrikanske samling av samtidskunst, har gått langt i å bekjempe mange av mytene og fordommene som plager afrikansk samtidskunst. Utnevnelsen av nigerianske Okwui Enwezor som kunstnerisk leder for Documenta 11 og hans afrikansk-sentriske visjon om kunst har drevet karrieren til utallige afrikanske kunstnere til den internasjonale scenen.

Et bredt spekter av mer eller mindre tradisjonelle former for kunst, eller tilpasninger av tradisjonell stil til moderne smaker, skapes for salg til turister og andre, inkludert såkalt "Aboriginal Art". Mange kraftige populære tradisjoner assimilerer vestlig påvirkning i afrikanske stiler, for eksempel de forseggjorte fantasikistene i form av fly, biler eller dyr fra vestafrikanske byer og klubbbannere.

land og folk

Zambia

Mens verden ser i en annen retning, blomstrer kunsten i Zambia på magre midler. Zambia er kanskje hjemmet til noen av de mest kreative og talentfulle artistene i verden. Ønsket om kreativitet hos kunstnere i Zambia er så sterkt at de vil bruke hva som helst. Fra burlap til billakk, til og med gamle ark brukes ofte i stedet for lerret som kunstmateriale. Avfall og rusk blir omgjort til kunstverk som ofte er slående i sin skala. Den fine kunsttradisjonen, i det vestlige konseptet av begrepet, i Zambia går tilbake til kolonitiden og har vokst jevnt siden siden. Takket være Lechwe Foundation er zambisk kunst garantert et hjem i landet der den ble skapt.

Lechwe Foundation ble grunnlagt av Cynthia Zukas. Hun var selv kunstner og var venn med mange kunstnere i Zambia på begynnelsen av 1980-tallet, inkludert William Bwalya Miko, som med glede husker hvordan Zukas ville komme tilbake fra en utenlandsreise med kofferter fulle av kunstmateriale å gi til lokale kunstnere som ikke hadde tilgang til dem.verktøy. I 1986 fikk hun en arv og bestemte seg for at det var på tide å støtte artister mer betydelig, og Lechwe Trust ble opprettet. Deres formål var å gi stipend til kunstnere som formelt ønsket å studere eller delta på kunstverksteder og kurs. I tillegg bestemte de seg for å begynne å samle, og gi en kunstnerisk arv til Zambia, men det er verk av de som har bodd i Zambia eller har forbindelser med landet. Det er nå mer enn 200 kunstverk fra malerier til skulpturer, fra graveringer til skisser, en arv som zambiere burde være stolte av, men få vet om dens eksistens. Eller det var i hvert fall slik frem til den nylige utstillingen. Mangelen på promotering av kunstscenen i Zambia er det eneste problemet kunstnere bør ta opp.

Utstilling av Lechwe Foundation

"Destiny" er et godt eksempel på viktigheten av arbeidet til Lechwe Foundation. I Henry Teialis originale maleri Destiny (1975–1980) er kampen for identitet i en tid med fremgang tydelig.

Henry Tayalis maleri "Destiny"

I forgrunnen klatrer og jobber et mylder av menneskeskikkelser, bærer på jernbjelker, spader, mens de ser ut til å være innelåst i en enorm, dampinnhyllet, moderne by. Selve byen er malt i dempede grå, brune nyanser, men publikum er kledd i lyse farger. I følge utstillingskatalogen og en artikkel fra lokalmagasinet The Lowdown har dette maleriet hatt et langt og interessant liv. I 1966 ble maleriet solgt til Tim Gibbs, sønn av den daværende sørrhodesiske guvernøren Sir Humphrey Gibbs. I 1980 reiste Teyali til det nå uavhengige Zimbabwe for å få tilbake maleriet sitt. Det er ikke overraskende at han fikk avslag, men fikk tillatelse til å låne maleriet til utstillinger. Destiny turnerte London, Zambia og Paris før han returnerte til Gibbs. I 1989 hadde Henry Teiali dødd og Destiny ble igjen vist i London av Lechwe Foundation. Det tok to år, men stiftelsen eier nå maleriet, kjernen i deres imponerende samling.

Kunstnere i Zambia står overfor spesielle, men absolutt ikke unike, utfordringer. Selv i dag må materialer som oljemaling, pensler, lerreter fortsatt importeres fra Sør-Afrika, og dette gjør dem uoverkommelig dyre. Fraværet av folkebibliotek og fagtidsskrifter gjør at kunstnere fratas muligheten til å studere mer etablerte kunstnere eller føle tilhørighet til et bredere internasjonalt samfunn. For bare et år siden, hvis du ønsket å studere kunst i Zambia, var det bare ett kurs tilgjengelig i landet, Certificate in Arts Education, som forberedte deg på undervisning i stedet for å lage kunst.

To malerier av kunstnere fra to ulike generasjoner: Henry Teyali (1943-1987) til venstre og den levende kunstneren Stary Mwaba. Og det gjøres selvfølgelig forsøk på å selge arbeidet deres. I økonomisk mer stabile land er det bare noen få kunstnere som virkelig kan hevde å leve av kunsten sin alene, men det er ikke mange av disse menneskene i Zambia. Dette er ikke bare fordi det er færre personer med tilstrekkelig inntekt som er villige til å kjøpe maleriet, men også på grunn av fordommene til noen turister og expats som antar at de forventer å kjøpe verket til en rimelig pris, på bekostning av en suvenir, men prisene viser seg å være høyere. Å klage på at arbeidet er overpriset er et stridsfelt. Lusaka er en av de dyreste byene i Afrika sør for Sahara når det gjelder husleie og produktpriser, pluss, som nevnt ovenfor, er kunstrekvisita spesielt dyre. Kunstnerne hevder at prisene på kunstverkene deres reflekterer deres økonomiske realiteter, pluss at noen kunstnere har stilt ut internasjonalt og føler at de har rett til å be om mer penger. Lave salgstall tyder på at mange dessverre ikke er enige i dette. Lavt salg kan også være et resultat av noe annet. Svært få mennesker utenfor den svært lille zambiske kunstverdenen vet hvor aktive kunstnere er for øyeblikket. Et blikk på internasjonale kunstmagasiner avslører mangelen på dekning av Afrika sør for Sahara, med bare noen få kunstnere som Chris Ofili og Yinka Shonibair som har klart å bryte seg inn i Europa og USA. Mange moderne zambiske kunstnere som Zenzele Chulu og Stari Mwaba som har stilt ut internasjonalt tror dette er fordi kunstverdenen ønsker å se afrikansk kunst innenfor en veldig spesifikk, etnosentrisk stereotypi. Som et resultat blir de ofte bedt om å delta i utstillinger i afrikansk stil, som begrenser deres aktiviteter, noe som frustrerer kunstnerne. Som Mwaba sier: "Er jeg en afrikansk kunstner eller en afrikansk kunstner?" Og enda viktigere, hvorfor betyr dette spørsmålet fortsatt?

Likevel sprekker Lusaka i sømmene av kunstnere, og Henry Tayali Gallery - Lusakas fremste kunstgalleri - er fylt nesten gulv til tak med kunstverk, og selv om de bare har en beskjeden strøm av besøkende (noen dager har de si, ingen i det hele tatt), er galleriet sentrum for aktivitet. Hvorfor? Vel, i et land der jobbmulighetene er begrenset, er det bedre å være kunstner og jobbe enn å vente på en jobb som kanskje aldri kommer. Skole er ikke mulig for et stort antall barn hvis foreldre ikke har penger eller tid, som ofte brukes til å hjelpe til i huset. Men gjennom kunsten kan man uttrykke seg uten evne til å lese og skrive. Kunstnermiljøet er varmt og vennlig, fullt av mennesker som forstår at deres rikeste ressurs er dem selv; nye medlemmer tas imot med åpne armer. Det er en mer abstrakt og kanskje også sjelden artikulert motivasjon – stolthet og lyst til å skildre og utforske Zambia gjennom billedlige virkemidler. Gjennom sitt arbeid utstråler zambiske kunstnere verdighet og forståelse for det gode og det dårlige i samfunnet deres. De spør, de undersøker og noen ganger dømmer de. Kunstnerne her elsker rett og slett kunst, de lengter etter det, og dette er et avgjørende bidrag til deres selvbevissthet, deres følelse av hensikt.

Zambias historie er full av talenter og karakterer, selv om deres bedrifter og prestasjoner ikke alltid er godt dokumentert. Ta Aquila Simpasa. En gang var Simpasa en verdenskjent kunstner, og skulptur og tegning var hans foretrukne medier, men kunsten var så dypt inngrodd i ham at han malte og også skapte musikk. Han var venn med Eddie Grant og hang ut med Jimi Hendrix og Mick Jagger. Simpasa var en stor oppdager. Dessverre hadde han også psykiske problemer og døde relativt ung på 1980-tallet, og har siden forsvunnet inn i virtuell uklarhet. De av hans samtidige som fortsatt er i live husker ham godt. Som svar på en forespørsel om kommentar fra vennen Simpasu, kommenterte artisten Patrick Mwimba: "Han var den beste zambiske artisten." Historier om ham går fra munn til munn, som akkurat som kunstneren selv og hans liv er lite dokumentert. William Miko og Zenzel Chulu har begge nevnt hvordan noen tror han fortsatt lever som Elvis, han har blitt en legende og nå takket være Lechwe Trust kan legenden snakke gjennom arbeidet hans.

Det kan ikke nektes at Lechwe Trust har kommet langt i å løse mange av problemene zambiske artister står overfor. Ved å kjøpe kunst til en rimelig pris kan noen kunstnere bli i Zambia og jobbe i stedet for å forlate landet som mange, inkludert Henry Teyali. Stiftelsen hjalp William Miko med å utvikle seg som kunstner og studere i utlandet i Europa. Han vendte etter hvert tilbake til jobb og hjalp stiftelsen. Lychee er det eneste slike fond i Zambia. Landet er fullt av frivillige organisasjoner, få, om noen, interessert i kunstscenen. Men "Du kan ikke ha utvikling uten utvikling av kunst og kultur," fastslår William Miko. Han gir eksemplet med Japan, som har en hundre år gammel og høyt respektert kunstnerisk tradisjon. Han mener at denne tradisjonen med inspirasjon, kreativitet og hardt arbeid har bidratt til å transformere Japan til det teknologiknutepunktet det har blitt i dag. Lechwe Foundations utrettelige støtte til den zambiske kunstscenen kan være nøkkelen til å sikre anerkjennelse, spesielt nå som de har bestemt seg for å bygge sitt eget galleri.

Mali

De viktigste etniske gruppene i Mali er Bambara (også kjent som Bamana) og Dogon. Mindre etniske grupper består av Mark- og Bozo-fiskerne i Niger-elven. Gamle sivilisasjoner blomstret i områder som Djene og Timbuktu, hvor et stort utvalg av eldgamle bronse- og terrakottafigurer er blitt oppdaget.

To figurer av Chivara Bambara, ca. sent 19. - tidlig 20. århundre, Art Institute of Chicago. Kvinne (venstre) og mannlig, vertikal versjon

Bambara-folk (Mali)

Bambara-folket tilpasset mange kunstneriske tradisjoner og begynte å lage kunstverk. Før penger ble den viktigste drivkraften bak skapelsen av kunstverkene deres, brukte de evnene sine kun som et hellig håndverk for å vise åndelig stolthet, religiøs tro og skikker. Et eksempel på et kunstverk er Banam-masken n "tomo. Andre statuer ble skapt for mennesker, som jegere og bønder, slik at andre kunne forlate tilbud etter en lang jordbruksesong eller gruppejakter. Bambaras stilistiske variasjoner inkluderer skulpturer, masker og hodeplagg som skildrer stiliserte eller realistiske trekk eller forvitrede eller forsteinede patinaer. Inntil nylig var funksjonen til disse objektene innhyllet i mystikk, men i løpet av de siste tjue årene har forskning vist at visse typer figurer og hodeplagg var assosiert med en rekke I løpet av 1970-x ble det identifisert en gruppe på rundt tjue TjiWara-figurer, masker og hodeplagg som tilhører den såkalte "Segu"-stilen. Stilen er gjenkjennelig på sine typiske flate ansikter , feid nese, trekantede arrdannelser over hele kroppen og spredte armer.

Mali masker

Det er tre store og en mindre type bambaramaske. Den første typen, brukt av N "tomo-samfunnet, har en typisk kamlignende design over ansiktet, bæres under danser og kan dekkes med cowrie-skjell. Den andre typen maske, assosiert med Como-samfunnet, har en sfærisk form hode med to antilopehorn på toppen og en forstørret, flat munn. De brukes under danser, men noen har et tykt, forbenet belegg hentet fra andre seremonier der drikkoffer helles over dem.

Kanaga maske selges på Afroart Gallery

Den tredje typen er assosiert med Nama-samfunnet og er skåret i form av et fuglehode, mens den fjerde, mindre typen, er et stilisert dyrehode og brukes av Goryeo-samfunnet. Andre Bambara-masker er kjent for å eksistere, i motsetning til de som er beskrevet ovenfor, kan de ikke assosieres med visse samfunn eller seremonier. Bambaraskjærere er kjent for de zoomorfe hodeplaggene som bæres av medlemmer av TJI-Wara-samfunnet. Selv om de er forskjellige, viser de alle en svært abstrakt kropp, ofte inkludert et sikksakkmønster som representerer solens gang fra øst til vest, og et hode med to store horn. Bambaraen fra Tji-Wara-samfunnet bærer hodeplagg mens de danser på åkrene sine ved plantetid, i håp om å øke avlingene sine.

Figurer av Mali

Bambara-figurer brukes først og fremst under de årlige seremoniene til Guang-samfunnet. Under disse seremoniene blir en gruppe på opptil syv figurer, som måler mellom 80 og 130 cm i høyden, båret ut av sine helligdommer av seniormedlemmer av samfunnet. Skulpturene vaskes, oljes på nytt, og ofre blir brakt til altrene deres. Disse figurene, hvorav noen stammer fra mellom 1300- og 1500-tallet, viser vanligvis den typiske kamfrisyren, ofte utsmykket med en talisman.
To av disse figurene ble gitt stor betydning for en sittende eller stående gravid figur kalt Guandousou, kjent i vesten som "dronningen av Bambara", og en mannsfigur kalt Guantigui, som vanligvis er avbildet med en kniv. De to figurene var omgitt av medfølgende Guannyeni-figurer, stående eller sittende i forskjellige posisjoner og holdt et fartøy, et musikkinstrument eller brystene deres. I løpet av 1970-tallet kom en rekke forfalskninger fra Bamako som var basert på disse skulpturene på markedet.

Andre Bambara-figurer, kalt Dyonyeni, antas å være assosiert med enten det sørlige Dyo-samfunnet eller Kwore-samfunnet. Disse kvinnelige eller hermafroditiske figurene har vanligvis disse geometriske trekkene

Når de ofte snakker om Afrikas kunst, betyr de bare fargerike og fargerike afrikanske masker. Imidlertid er afrikansk kunst ikke bare masker, men noe mye mer. Og i dag skal vi snakke om minneskulptur.

Gjennom århundrene har afrikanske kunstnere sør for Sahara udødeliggjort for ettertiden mange av de fremragende personlighetene i samfunnet deres i et bemerkelsesverdig mangfoldig repertoar av regionale skulpturelle idiomer, naturalistiske og abstrakte. I utgangspunktet fungerte slike skulpturelle bilder (skulpturportretter) som sosiale retningslinjer for de neste generasjonene og slik at de husker sine forfedre. Imidlertid kan afrikansk kunst på samme tid ikke betraktes som en midlertidig abstraksjon av samfunnets arketyper. Rent formelt er funksjonen til arketypen slett ikke åpenbar. I stedet kan vi ganske spore sammenhengen mellom afrikansk kreativitet og virkelige historiske hendelser som fant sted på en gang på kontinentet. På dette nivået har afrikansk kunst en spesiell betydning.

Dronningmorens maske. Nigeria, Benin. Elfenben, jern, kobber.

Denne elfenbensmasken er ett av to identiske verk, hvorav det ene er i British Museum. Selv om bildene av kvinner er sjeldne i den kunstneriske tradisjonen i Benin, har disse to maskene blitt et symbol på arven fra dynastiet, som fortsetter til i dag. Masken antas å ha blitt laget på begynnelsen av 1500-tallet for en konge til ære for sin mor.

I Benin er elfenben assosiert med den hvite fargen og havets gud, Olokun, og fungerer som et symbol på rituell renhet.

Masken er et sanselig idealisert portrett. Arbeidet tar hensyn til temaet og derfor ser vi mykt modellerte trekk i ansiktet og mange detaljer som striper på pannen og korallperler under haken hvor vi ser en rad stiliserte slangehoder.

Begge hodet. Nigeria, Benin. Bronse.

Lederne for kongeriket Benin i dagens Nigeria sporer sin avstamning tilbake til et regjerende dynasti som begynte på 1300-tallet. Tittelen "Oba", eller konge, blir gitt videre til den førstefødte til hver påfølgende konge. Den første plikten for hver ny konge er å støpe et portrett av sin far i bronse og plassere det på et alter i palasset. Alteret inntar en viktig plass i palassritualer og forstås som å forbinde den nåværende kongens gjerninger med hans forfedres gjerninger.

Den idealiserte naturalismen i dette verket skildrer kongen i sin beste alder. Hodeplagget er en stilisering av det perlekledde antrekket, det samme er kragen.

Gravhode. Ghana. Akan kultur. Terrakotta.

Fra andre halvdel av 1500-tallet spilte tradisjonen med portrettskulptur i terrakotta en viktig rolle i begravelsesritualer og minnet de døde. På den tiden var det kun adelens og kongefamiliens privilegium. Slike gravhoder har et veldig stort stilistisk mangfold. Størrelsene deres varierer fra syv centimeter til naturlig størrelse, og de kan også være både hule og solide, avrundede og kantete.

Begge med offerdyr fra Ezomo-alteret. Nigeria, Benin. Bronse.

Gjenstander av denne typen ble laget av terrakotta, tre eller bronse, avhengig av statusen til personen de er dedikert til. Skulpturen er en del av komposisjonen. Vanligvis er de av samme type og en historie om ett lignende verk i beskrivelsen av det neste bildet.

Ezomo Ehenuas alter. Nigeria, Benin. Bronse.

Alteret skildrer et viktig historisk øyeblikk assosiert med Akenzua den førstes regjeringstid. På begynnelsen av 1700-tallet utfordret en opprørsk krigsherre Akenzuas styre og truet rikets stabilitet og enhet. Ekhenua og flere av hans militære befal spilte en sentral rolle i å gjenopprette orden. Som et tegn på takknemlighet, til ære for de heroiske fortjenestene til Ekhenua, ble denne skulpturelle komposisjonen skapt. Kunstneren her brukte figurer i forskjellige størrelser for å indikere den relative statusen til personene som er avbildet i frisen. På toppen, Ekhenua selv i kamprustning, med militære trofeer i hendene. Rundt ham er en gruppe miniatyrsoldater, tjenere og prester. Frisen skildrer to rader med soldater, blant dem kan man legge merke til portugiserne, noe som tydelig indikerer i hvilken grad de europeiske maktene var opptatt med å støtte regjeringen i Benin på den tiden.

Minnefigur av en hoffmusiker. Elfenbenskysten, Terracotta.

Denne leirfiguren av en hoffmusiker ble laget for å akkompagnere det skulpturelle gravportrettet av Akan-herskeren. Da herskeren døde, ble portrettet hans brakt til kirkegården og ble værende der blant portrettene til tidligere generasjoner av ledere og herskere. Skulpturer av hoffmenn som denne ble også stående i nærheten av gravstedet for å trøste og støtte den avdøde i etterlivet. En uvanlig type hodeplagg indikerer hoffmusikerens spesielle status. En stripet nakke antyder helse og velvære, mens merker på kinnene, pannen og tinningene indikerer etnisitet. Hendene på figuren presser fløyten til leppene. Verket er, til tross for det ganske primitive utseendet, veldig uttrykksfullt, som det kan sees fra den spesifikke vippingen av hodet og smale øyne: alt tyder på at musikeren er fullstendig oppslukt av å spille fløyte.

Minnehode. Ghana. Terrakotta med fragmenter av kvarts.

Dette elegante terrakottahodet er et minneportrett. Idealisert presentasjon, rolig uttrykk, balansert komposisjon er designet for å legemliggjøre de positive egenskapene til linjalene. Laget posthumt ble bilder av konger som denne plassert på kirkegårder blant portrettene til tidligere herskere. Som regel ble hvert portrett ledsaget av bilder av hans tjenere, som trøstet den avdøde etter døden. Sammen skapte de hele skulpturelle komplekser som holder minnet om respekterte mennesker. Tradisjonen med å lage slike skulpturer går tilbake til minst 1600-tallet. og har mange stilistiske trekk. Denne skulpturen har for eksempel mer naturalistiske ansiktstrekk, mens noen andre bruker svært stiliserte former. Selv om hovedfokuset i en slik skulptur kun er på hodet og nakken, er det mange andre portretter som skildrer en person i full vekst og til og med i dynamikk.

Tag: kunst

19-20 ÅRHUNDRET
FOLKEKUNST I AFRIKA 19-20 ÅNDER
Nederlaget til de føydale statene i Vest- og Ekvatorial-Afrika og deres kultur kunne ikke avbryte den spontane utviklingen av folkekunst, spesielt brukskunst. Afrikas stammer og folk fortsatte å skape i et bredt utvalg av sjangre av skulptur, maleri og ornament. Den største formrikdom og estetisk perfeksjon ble dermed oppnådd innen skulpturfeltet.

Samtidig vil det være feil, når man karakteriserer Afrikas kunst, å begrense seg til en beskrivelse av én skulptur, som i overveiende grad er av kultart. Afrikanernes kunstneriske kreativitet er på ingen måte begrenset til kunst som er kult i sin hensikt. Når du studerer kunsten til folkene i Afrika. man bør også vende seg til dekorativ og brukskunst, som er uløselig knyttet til arbeid, med folkets hverdagsliv, der kreativ fantasi og en følelse av den estetiske verdien av menneskelig arbeid kommer til uttrykk på levende vis.

Dette gjelder først og fremst ulike typer benker, krakker, skåler, spesielt de fantastiske utskårne begre i Kongo.

Når vi snakker om husholdningsartikler, må man ta hensyn til miljøet de befinner seg i, det vil si hjemme. Så boller og utskårne treredskaper i Sudan er plassert på adobe, ofte malte forhøyninger. I områder av regnskogen, hvor treboliger er vanlige, er vegger og gulv dekket med matter med komplekse geometriske kurvmønstre. I stepperegionen dominerer adobebygninger, dekorert med alle slags, ofte bisarrt formede, malte avsatser, karmer, gesimser og noen ganger utskårne søyler, overliggere osv.

Når det gjelder den faktiske skulpturen og skulpturelle utskjæringen, er det nødvendig å fordele verkene hennes i tre hovedsjangergrupper for å gjøre det lettere å bli kjent med den. Den første gruppen består av utskårne treskulpturer. Dette er i bunn og grunn et bilde av ulike ånder, forfedre eller visse historiske skikkelser, og blant stammer med en utviklet mytologi – og guder. Den andre gruppen består av masker brukt i ritualene for innvielse av unge menn og kvinner til medlemmer av stammen. Den samme gruppen inkluderer masker av trollmenn, dansemasker og masker fra hemmelige allianser. Til slutt er den tredje gruppen skulpturell utskjæring, som pryder et bredt utvalg av religiøse og husholdningsartikler.

Folkene i en rekke regioner i Vest-Afrika, hovedsakelig på kysten av Øvre Guinea, fra Liberia til munningen av Niger, har bevart den tradisjonelle ferdigheten til bronsestøping. Naturligvis, i disse områdene, sammen med treskulptur, ble det også laget bronseskulpturer. Hun nådde sitt høydepunkt kl Folkene i det sørlige Nigeria er Yoruba, Bini og Ijo.

Ferdigheten til å skjære ut tre, dekorere matter, perler, broderier, etc. er vanlig blant alle folkene i tropisk Afrika, både vestlige og østlige og sørlige, noe som indikerer afrikanernes kunstneriske talent. Men utenfor Vest-Afrika finner vi nesten ikke faktiske skulpturelle bilder. Riktignok, blant folkene i Sør-Afrika er husholdningsartikler -: stokk, hodebryst, skjeer - ofte dekorert med utskjæringer. Blant folkene i skogdelen av Mosambik, det vil si Sørøst-Afrika, er det masker og utskårne trefigurer av forfedre. Men generelt sett er selv de beste eksemplene på den kunstneriske kreativiteten i Øst- og Sør-Afrika mye dårligere enn verkene til kunstnere i den vestlige delen.

I det ytterste vest av Sudan er en svært karakteristisk gruppe representert ved skulpturen av stammene på Bnssagos-øyene: Bidyo og andre Skulpturer av Baga-stammen, som bor på kysten av Fransk og Portugisisk Guinea, har en helt spesiell stil. Videre, i den engelske kolonien Sierra Leone og Liberia, utviklet det seg en spesiell stil med forskjellige skildringer av den menneskelige figuren, reflektert både i utskjæringer og i masker. Betydelige kunstverk ble skapt av folkene i Elfenbenskysten - Baule- og Atutu-stammene. Lenger øst, på Gold Coast, i det sørlige Togo og Dahomey, var hovedfokuset for lokale kunstnere støpt bronseskulptur. Ganske særegne små "mrammuo"-figurer, beregnet på å veie gylden sand, samsvarer ikke med vår idé om vekter. Disse uttrykksfulle bildene av mennesker og dyr er sanne kunstverk. Arbeidene til folkemestre i Sør-Nigeria - Yoruba-stammene - er også på et høyt nivå.

Lenger øst, i Kamerun og i områdene ved siden av Kongo-bassenget, samt i Gabon, presenteres treskjærerkunsten i form av rikt dekorerte troner, kirkebenker, dørvindusrammer og dansende masker.

I Kongo-regionen bør to regioner skilles - regionen i de nedre delene av Kongo-elven og regionen i det sørlige Kongo. Det første av disse områdene er representert av utskåret treskulptur av Bavili- og Bakongo-stammene, veldig uttrykksfulle, men noe grove og skjematiske i formen. Tvert imot, skulpturen av den andre regionen i regionen til folkene Baluba, Bapende og andre utmerker seg ved en klar stillhet av bilder og eleganse av form. Stilistisk ved siden av dette området ligger regionen i Nord-Angola, best representert av utskjæringene til Wachivokwe-folket.

Generelt kan vi med rette kalle den utskårne skulpturen i Vest-Afrika i utgangspunktet realistisk. Imidlertid er realismen hennes ekstremt særegen. For det første tok den tradisjonelle kunsten vayanpya form under betingelsene for blomstringen av brukskunst og ornamentikk. Den visuelle kunsten å skulpturere viste seg å være forbundet med elementene i folkelig dekorativ fantasi ved nære uatskillelige bånd. Samtidig fant en følelse av arbeidskraftens direkte estetiske skjønnhet, arbeidskunnskapen til en person, sitt uttrykk i skulpturell utskjæring. En slik skulptur oppfattes samtidig både som et billedlig bilde og som en ting - frukten av arbeidshåndverk, med dets lover om bearbeiding av materiale, avslørende former, etc. n bestemmes i stor grad av originaliteten til dens estetiske sjarm. Samtidig bestemte det kult - magiske - formålet med disse skulpturene den høye andelen i deres figurative løsning av motiver av en betinget symbolsk natur, blottet for umiddelbar livaktig overtalelsesevne, men likevel tradisjonelt forståelige for hvert medlem av stammen.

Karakteristisk for en særegen forståelse av lovene for kunstnerisk generalisering av form (det vil si å fremheve det viktigste, mest essensielle i bildet) er holdningen til mestrene i afrikansk kunst til spørsmålet om å overføre proporsjonene til menneskekroppen. Generelt er mesteren i stand til å formidle proporsjonene til n riktig, når han anser det som nødvendig, takler han oppgaven ganske tilfredsstillende. Når det gjelder bildet av forfedrene, lager kunstnere ofte bilder som er ganske nøyaktige i forhold, siden det i dette tilfellet er ønskelig å mest nøyaktig og fullstendig formidle alt som er karakteristisk i menneskekroppens struktur. Imidlertid går den afrikanske billedhuggeren oftest fra posisjonen at hodet er av størst betydning i bildet av en person, spesielt ansiktet, som kan få en enorm uttrykksevne, derfor fokuserer han med naiv rett på sak på hodet, og skildrer den er for stor. Så, for eksempel, i figurene til Bakongo, som representerer sykdommers ånder, okkuperer hodene opptil to femtedeler av størrelsen på hele figuren, noe som gjorde det mulig å imponere betrakteren med et skremmende uttrykk av ansiktet til en formidabel ånd med spesiell kraft.

Når skjæreren begynner å lage en figur, må han vanligvis forholde seg til et sylindrisk trestykke. Moderne europeiske kunsthistorikere, som Frey, hevder at den afrikanske kunstneren føler fullstendig plastisk frihet, oppfatter formen i tre dimensjoner, og opplever ingen problemer med å bli distrahert fra det plane bildet. Dette er stort sett riktig, bortsett fra at dette resonnementet er basert på praksisen til en moderne europeisk billedhugger som ble utdannet ved kunstskoler og er vant til å tegne, det vil si representasjonen av et tredimensjonalt objekt på et plan. Den afrikanske skjæreren har ikke slike ferdigheter. Han nærmer seg skulpturen og observerer virkeligheten rundt ham direkte. Mellom ham og livet er det ingen barriere i form av et todimensjonalt bilde av objekter på et plan. Den afrikanske skulptøren lager bilder direkte i volum. Derfor har den afrikanske kunstneren en veldig sans for form, og hvis han må skjære ut et vertikalt bilde av en person fra et sylindrisk trestykke, finner han det ikke vanskelig å uttrykke det tilsvarende innenfor de smale grensene til denne volumetriske formen. bilde av bevegelsen, og om nødvendig å uttrykke den heftige retningen til denne bevegelsen. Materialets stivhet viser seg bare i de tilfellene når kunstneren står overfor en oppgave som er uvanlig for hans ferdigheter, for eksempel når han prøver å skildre en rytter. Faktisk må han da forholde seg til en figur hvis konturer ikke lenger passer inn i sylinderen i det hele tatt. Hvis kunstneren prøver å opprettholde de nødvendige proporsjonene, vil bildet av rytteren selv være uoverkommelig lite. En lignende utfordring står for eksempel Yoruba-kunstnere overfor når de ønsker å skildre Odudua, den mytiske grunnleggeren av Yoruba-staten. I følge tradisjonen skulle denne mytiske stamfaderen ri på hest som en herre. Billedhuggeren, som ønsket å fremstille kongen, rettet naturlig all oppmerksomhet mot bildet hans, og hesten i hele komposisjonen spilte en underordnet rolle for ham. I hovedsak behandlet han det som en av de symbolske egenskapene til kongemakt, det samme som hornet som kongen holder i sin høyre hånd, eller en øks i sin venstre. Det er derfor ikke overraskende at hestens figur er klart uforholdsmessig redusert i forhold til hele bildet. Som skildrer en person, fokuserer den afrikanske kunstneren, som allerede nevnt, oppmerksomheten på hodet. Den er avbildet med spesiell forsiktighet, og alle de karakteristiske trekkene til stammens hodeplagg er merket på den. Således er for eksempel bastfigurene preget av høye åpne panner, siden håret på bastens krone ble barbert og hele frisyren er konsentrert på baksiden av hodet1. Stammemerkene er alltid nøye merket i ansiktet: en tatovering eller, mer presist, arr. Den mørke hudfargen til afrikanere gjør det umulig å bruke en tatovering, så den erstattes av snitt i huden, som, når de er helbredet, gir arr av en rødlilla farge. Tegnene som er påført på pannen eller på kinnene gjør det mulig å alltid indikere tilhørighet til en bestemt stamme.

Sammenlignet med hodet tolkes kroppen enklere. Den noterer nøye bare det som er viktig fra mesterens synspunkt: tegn på sex og en tatovering. Når det gjelder detaljene i klær og smykker, er de sjelden avbildet. Til slutt er det ikke vanskelig å komme til konklusjonen at til tross for realismen i overføringen av slike detaljer, er deres funksjon hovedsakelig av rituell karakter, og hjelper til med å "gjenkjenne" en eller annen karakter. Derav friheten som disse detaljene i seg selv får en stilisert dekorativ tolkning med eller veves inn i helhetens komposisjon, skarpt uttrykksfulle i sine rytmer. Styrken til den særegne realismen til afrikanske skulpturer skyldes ikke bare og ikke så mye disse realistiske detaljene. Av stor betydning er overtalelsesevnen til rytmene til skulpturen som helhet, som skarpt formidler bevegelsens natur og essens, samt økt uttrykk for å formidle den generelle følelsesmessige tilstanden til bildet: fantastisk sinne, ro, myk fleksibilitet i bevegelsen. eller dens intense fremdrift osv.

Et vesentlig trekk ved mange Kongo-figurer er fordypningene i hodet og magen til figurene. Slike bilder ble vanligvis laget etter en persons død etter ordre fra hans arvinger. Det ble antatt at den avdødes ånd ville bo i bildet hans i noen tid, for å forlate det for alltid. For at den avdødes ånd skulle bo i figuren, tok de pulver fra de brente beinene til den avdøde, og sammen med forskjellige medisiner helte de i disse fordypningene og lukket dem med en kork. Først etter det ble hun ansett som "animert", og hun ble tiltalt med en bønn om hjelp. Figuren var blant husholdningshelligdommene så lenge minnet om den avdøde fortsatt var bevart, og så ble den kastet. Siden statuetten skulle forestille en avdød stamfar, er det naturlig at de forsøkte å gi den portretttrekk så mye som mulig. Derfor måtte den ha alle de fysiske egenskapene som kjennetegner den avdøde. Hvis han hadde en fysisk defekt, gjengir figuren det også. Naturligvis gis spesiell oppmerksomhet til den nøyaktige overføringen av tatoveringen.

Da en reisende på slutten av forrige århundre trengte inn i det indre av Kongo, møtte han folk som husket et besøk til deres stamme tjue år før av den tyske ekspedisjonen til Wissmann. Den reisende viste de gamle Wissmanns bok, hvor det var et bilde av den tidligere lederen. Til tross for at bildet nøyaktig formidlet ansiktstrekkene til den avdøde, gjenkjente ingen av de gamle ham, siden en del av tatoveringen i ansiktet hans manglet i boken. Deretter ble de tilbudt å tegne portrettet hans, og de avbildet villig et veldig skjematisk ansikt på papir, som nøyaktig indikerte hele tatoveringen. Dette eksemplet viser ganske tydelig at et slikt "portrett" ikke var ment å formidle bildet og karakteren til den avdøde, men å skildre attributive "tegn" som sikret hans gjenkjennelse. Riktignok i noen figurer av denne typen er rudimentene for å overføre den faktiske eksterne portrettlikheten, det vil si visse individuelle trekk i ansiktsstrukturen, også merkbare.

Ikke alle figurer var imidlertid assosiert med kulten av døde forfedre. I det ytterste vest av Afrika, på øyene Bissagos, har restene av den opprinnelige befolkningen i landet overlevd til i dag: en liten Bidyo-stamme. Hver biyogo-landsby har en figur som gis til kvinnen som er gift. Figur Dette, ifølge lokal oppfatning, bidrar til utbruddet av graviditet. Så snart kvinnen føler at hun har blitt gravid, gir hun denne figuren tilbake til den eldste, som gir den videre til neste kvinne.

Afrikansk skulptur er sjelden malt. Den beholder vanligvis treets naturlige farge. Materialet for skulptur er nesten alltid den såkalte mahogni eller ibenholt, det vil si de mest tette og harde bergartene. Bare utskjærere av stammene i Kamerun og noen regioner i Sudan, Kongo bruker noen ganger lyse, myke tresorter som har en gulbrun og deretter gul farge. Det er lettere å behandle myke treslag, men de er ustabile. Figurer laget av mykt tre er sprø, sprø og utsatt for angrep av termittmaur. Utskjæringer laget av hardtre ser ut til å aldri bli malt; tvert imot er de laget av lyse tresorter nesten alltid polykrome. Kanskje det på en eller annen måte henger sammen med et forsøk på å beskytte dem mot ødeleggelse.

Det er bare tre farger i den afrikanske paletten: hvit, svart og rød-brun. Grunnlaget for hvit maling er kaolin, for svart - kull, for rød-brun - røde varianter av leire. Bare i de polykrome skulpturene til noen stammer er gul, eller, som det kalles, "fargen på en sitron." Blått og grønt finnes bare i skulpturer og malerier i Dahomey og Sør-Nigeria. I denne forbindelse er det interessant å merke seg at på språkene i Vest-Afrika er det betegnelser bare for svart, hvit og rød-brun. Alle mørke toner (inkludert den mørkeblå himmelen) kalles svart, lyse toner (inkludert den lyseblå himmelen) kalles hvit.

Så figurer ble sjelden malt, men nesten alltid ble de dekorert eller mer presist supplert med klær og smykker. Ringer ble satt på hendene på figurene, perler ble satt på nakken og overkroppen, og et forkle ble satt på hoftene. Hvis figuren var en ånd som forespørsler ble adressert til, ble perler, cowrie-skjell ofte brakt til ham som en gave, som fullstendig dekket hele bildet.

For å vende tilbake til de kunstneriske kvalitetene til afrikansk skulptur, bør det igjen understrekes at afrikanske kunstnere har oppnådd stor mestring i overføring av rytme og i komposisjonell sammenligning av volumer. Hvis du nøye undersøker figuren til bast, er det lett å se at den er arrangert veldig dyktig. Det store hodet balanseres av kroppens masse. Hvis føttene er uforholdsmessig store, gjøres dette for å gi stabilitet til hele figuren. Kunstneren føler volumet og vet å gi det rolige, balanserte former. Hele figuren som helhet er harmonisk. Den strenge symmetrien til figuren gir den karakteren av ro og stabilitet. Dette betyr ikke at de fleste figurer er blottet for dynamikk. Så hvis vi vender oss til en annen figur av basten, fanger en annen løsning på bildet og komposisjonen umiddelbart øyet. I det første tilfellet legemliggjør figuren storhet og ro, i det andre - hurtighet.

Masker representerer en spesiell kategori av utskårne treskulpturer. Deres formål er nært forbundet med de særegne institusjonene til det primitive samfunnet - innvielsesritualer og hemmelige fagforeninger. I et primitivt stammesamfunn er alle medlemmer av en stamme en tett sammensveiset gruppe. Den er først og fremst bundet av felles eierskap til jord, jakt- og fiskefelt. Felleseiendom er det økonomiske grunnlaget for hele stammens eksistens. Alle medlemmer av stammen er bundet sammen av skikker for gjensidig hjelp. Uttrykket for slektens enhet er et vanlig generisk navn, ofte navnet på et dyr eller en gjenstand, den såkalte totem. Totemismens skikker oppsto i oldtiden; medlemmer av det primitive samfunnet tok som et totem - betegnelsen på en snill stamme - navnet på et dyr. En person søkte dermed å sikre suksess i jakten dersom totemet var et jaktdyr – en antilope, bøffel osv. – eller å slå seg sammen med sin styrke dersom en ørn, løve eller leopard ble valgt som totem.

Overlevelser av primitiv totemisme har blitt bevart noen steder inntil nylig blant noen afrikanske stammer. Sporene av totemisme er tydeligst synlige i innvielsesritualene, det vil si innvielsen av unge mennesker som har nådd puberteten i antallet fullverdige medlemmer av stammen. Disse ritualene er svært mangfoldige, men grunnlaget for dem overalt er oppgaven å lære unge menn og kvinner som blir medlemmer av en stamme eller klan alle tradisjoner, legender om stammens opprinnelse, dens historie osv. Opplæringen omfatter også praktisk informasjon og ferdigheter. Treningen utføres alltid i en spesiell setting: ungdommen blir tatt bort fra landsbyen, og i tåken i den tropiske skogen, om natten, dukker de gamle menneskene, vokterne av stammens tradisjoner, opp foran nykommerne, pakket inn fra topp til tå i gress og løv, med masker på hodet, som viser ånder, eller forfedre, stamme. Hver maske har sitt eget navn, sin egen dans og sin egen rytme. Deltakere av pantomimen synger sanger der fortidens hendelser synges.

I motsetning til figurer, som alltid skildrer en person, skildrer masker oftest ansiktet til et dyr. Dette er forståelig, fordi masken i utgangspunktet er assosiert med dyrebeskyttere, totemene til klanen. Bøffelmasker av Kamerun-stammer, krokodillemasker fra Nunuma-stammen og mange andre er helt realistiske bilder av dyr.

Sammen med de eldste maskene-totemene ble maskene til de såkalte hemmelige fagforeningene utbredt. Disse hemmelige alliansene, hvis første rapporter går tilbake til 1500-tallet, representerer spiren til nye, allerede klasseforhold, som tar form i dypet av det primitive samfunnet. Dette er organisasjonene til stammeadelen og de rike, ved hjelp av disse holder de resten av stammen i lydighet. Fra de tidligere totem-innvielsene arvet hemmelige fagforeninger ritualet deres, men maskene, etter å ha mistet sin direkte forbindelse med totem-representasjoner, beholdt bare funksjonen som skremming og antok veldig bisarre former. Så, for eksempel, i masken til Nunuma-stammen ser vi en kombinasjon av bildet av en krokodille og en slags gnager. Blant maskene av denne typen kan man finne ganske ekstraordinære kombinasjoner, som tydelig viser at de originale ideene om stamfar-totemet har forsvunnet. Sammen med dyremasker er det mange masker som viser et menneskelig ansikt. Blant dem finner vi masker som forbløffer med sitt rolige, verdige utseende. Men sammen med dem er det helt monstrøse masker som utmerker seg ved intenst uttrykk. Ofte er det menneskelige ansiktet kombinert med egenskapene til udyret. Masker av denne typen er oftest malt. Spraglete farger bør ytterligere understreke den uvanlige, fantastiske naturen til figuren og inspirere til skrekk. Disse maskene skildrer vanligvis ånder og er designet for å skape frykt hos mennesker som ikke tilhører en hemmelig allianse. Maskene med rolige ansikter er tilsynelatende assosiert med forfedrekulten og skildrer vanligvis avdøde slektninger. Blant Dan-stammen i Liberia er slike masker laget med det uttrykkelige formålet å kommunisere med den avdøde. De bæres med seg, de blir henvendt til råd i vanskelige saker, de gjetter på fremtiden. Etter all sannsynlighet er disse maskene erstatninger for hodeskallene som noen ganger ble holdt i hytter på forfedrenes altere. Den siste gruppen med masker er av stor kunstnerisk interesse. De er veldig realistiske, du kan til og med finne funksjoner i portretter i dem. Disse maskene har vanligvis øynene lukket, noe som indikerer at vi har et bilde av den avdøde foran oss.

Nesten alltid er masken laget av et enkelt trestykke. Den er festet på hodet i forskjellige posisjoner. Den kan festes på kronen på hodet, den kan dekke hele hodet, den kan bare dekke ansiktet.

Ekte antikke masker gir inntrykk av høyt kunstnerskap. Selv i tilfellet når vi har en maske med en veldig bisarr tolkning av dyrenes munnkurv, imponerer den med sin uttrykksfullhet: en åpen munn, øyne festet på betrakteren tiltrekker seg ufrivillig oppmerksomhet. For å forbedre uttrykksevnen til masker av denne typen, tyr kunstnere til veldig særegne teknikker. For eksempel tolkes øynene og munnen som sylindre som stikker frem fra den flate overflaten av ansiktet. Nesen kobles til pannen, og brynryggene gir skygger rundt øynene. Dermed får ansiktet eksepsjonell uttrykksevne. Masker har som regel en viss indre rytme; de er skapt så å si i en viss «emosjonell nøkkel». I de siste tiårene har skulpturer og masker, på grunn av den gradvise overvinnelsen av tro og skikker som dateres tilbake til primitive tider, mistet sin magiske og religiøse karakter.

I økende grad produseres de for markedet for tilreisende og lokale kunstelskere. Kulturen for deres opptreden faller selvfølgelig samtidig. Former for afrikansk kunst, direkte assosiert med trolldomsverdenen og primitive religiøse ideer, forsvinner uunngåelig etter hvert som økonomien utvikler seg og selvbevisstheten til afrikanske folk vokser.

Men de fantastiske originale tradisjonene for kunstnerisk håndverk, en ekstraordinær følelse av rytme, uttrykksfull uttrykksevne, mestring av komposisjon, akkumulert av folket under betingelsene for primitiv felleskunst eller tidlig klassekunst, vil ikke forsvinne. De vil bli kreativt, nyskapende omarbeidet, transformert og stilt til tjeneste for de utviklende nasjonale kulturene til de afrikanske folkene som frigjør seg fra kolonialismens åk.

Med å dekorere hjemmene og husholdningsartikler, har folk strevet lenge. Arkeologer finner fortsatt forskjellige bekreftelser på eksistensen av den kunstneriske verdenen fra forskjellige tidsepoker. Disse bekreftelsene er forskjellige husholdningsartikler som folk prøvde å dekorere med forskjellige ornamenter som er karakteristiske for deres tid.

I paleolittisk tid prøvde primitive mennesker å gjengi verden rundt seg i nøyaktige og synlige bilder. Derfor var de viktigste temaene for paleolittisk kunst temaet dyr og temaet jakt. I utgangspunktet er hulemalerier bilder av dyr: mammuter, neshorn, okser, hester, huleløver og bjørner.

Andreplassen etter jaktscenene ble okkupert av bilder av oppstandelsesritualer og reproduksjon av dyr, som personifiserer magien til fruktbarhet. Også under utførelsen av fruktbarhetsritualer ble en person ofte avbildet, disse var hovedsakelig kvinnelige figurer. Fargingen av slike bilder ble laget i svarte, røde, gule og brune farger.

Senere, sammen med bilder av dyr, begynte den primitive mannen å bruke konvensjonelle tegn, forskjellige kombinasjoner av linjer som ligner på geometriske figurer. Dermed er grunnlaget for magisk semantikk lagt. Gradvis fører dette til abstrakte geometriske bilder av symboler, som dannet grunnlaget for opprettelsen av et ornament som en måte å dekorere på. Verktøy og våpen, husholdningsredskaper ble hovedsakelig dekorert med geometriske ornamenter, noen ganger ble disse gjenstandene dekket med utskårne eller skulpturerte bilder av dyr. Benarmbånd overrasker med originaliteten til ornamenter. Overrasker og gleder det fineste mønsteret som dekorerer dem i form av buktende striper, atskilt med parallelle sikksakk, eller et "sildbein"-mønster.

På slutten av det 3. årtusen f.Kr. fortsetter geometrisk ornamentikk å dominere i Europa. Kurvilineære, bølgete, båndlignende eller spiralmønstre forblir et karakteristisk mønster av kunstmetallprodukter. Keramiske kar er ofte dekorert med en spiral med en hevet prikk i midten. Et lignende ornament er også karakteristisk for Sentral-Europa i jernalderen (Hallstatt-kulturen, IX-VI århundrer f.Kr.).

latinsk kultur. (V-I århundrer f.Kr.). Keltisk ornament. I V - I århundrer. f.Kr e. i Vest-Europa var stammene til kelterne svært vanlige. Keltisk kunst - bruker abstrakte og blomstermotiver lånt fra grekerne og etruskerne. Også i den keltiske prydkunsten er det motiver knyttet til bildet av dyreverdenen og mennesket, lånt i øst.

Et ornament sammensatt av stiliserte former for mennesker, dyr og planter i form av trekanter, spiraler og prikker ble plassert på en metall- eller steingjenstand som skulle dekoreres. Bildene knyttet til begravelseskulten var forskjellige, de var preget av realisme og konkrethet.

Fra 500-tallet f.Kr. Keltiske håndverkere begynte å bruke og modifisere mønstre av ornamenter fra andre folk, og la derved opp en slags kunstnerisk "tidlig latensisk stil".

I midten av det IV århundre. til i. e. Motivene for ornamentet på produktene til kelterne er bilder av fugler og dyr. Brukskunstprodukter blir mer tilgjengelige for allmennheten. En slik økning i populariteten til brukskunst bidro til fremveksten av plasten "Middle La Tène-stilen", som ble utbredt i det 2. århundre f.Kr. f.Kr e. Det begynte å bruke et relieffmønster, ofte beriket med gravering.

"Senlatensisk stil" dukket opp i det 1. århundre. f.Kr. som følge av nedgangen for kunst og håndverk. I midten av III århundre. f.Kr. kelterne erobret deler av England. La Tène-kunsten de brakte til disse områdene ble omarbeidet av lokale håndverksskoler. Som et resultat av slik behandling ble det dannet en ny "øystil". Karakteristiske trekk ved denne stilen var bicornhjelmer i bronse; motiver av palmette, spiralkrøller rådde i ornamentet; reliefpornament er kombinert med et lineært gravert mønster. Fra det 1. århundre f.Kr e. utvidelsen av kelterne stoppet, det var ikke lenge til å påvirke arten av formene og motivene til ornamentet. Tolkningen av handlingen har blitt realistisk, bilder av eksotiske dyr dukker også opp.

Gradvis, fra de forskjellige og forskjellige elementene i det keltiske ornamentet, ble det dannet en enkelt stil, der dyriske og florale elementer dominerte. Kelternes kunst ble grunnlaget for kunsten til folkene i Frankrike, Sveits, Belgia og delvis England. I Irland og Skottland i det 7. - 9. århundre. denne kunsten nådde en ny blomstring, og den "nye keltiske stilen" oppsto.

Afrika. De vanligste skildringene av Sør-Afrika er hovedsakelig bilder av jaktscener, kamper, danser, bilder assosiert med religiøs tro og mytologi. Oftest ble ritualer med kalleregn, begravelser og kultdanser avbildet. Utvilsomt gjenspeiles alt dette i kulturen og brukskunsten til Afrikas folk. Kulturen til det afrikanske folket er preget av bildet av dyrs hoder og figurer. Smykkekunsten i en rekke afrikanske land er preget av zoomorfe og antropomorfe ornamenter. For eksempel messinglodd i form av ville dyr - fra en elefant til en antilope, figurer av dansere eller kvinner som bærer vann.

I afrikanske møbler kan du finne en lang rekke former for hodestøtter i tre laget i form av skilpadder, krokodiller og andre dyr; figurer av fugler og dyr brukes til å dekorere detaljene til forskjellige gjenstander.

Kammene er dekorert med ulike utskårne mønstre, samt "rekads" - symboler på kraft som inneholder skremmende motiver. Figurer av ærede forfedre er dekorert med geometriske ornamenter som gjengir mønsteret av tatoveringer. I stoffets dekorative mønster er mønsteret av firkanter, trekanter og romber oftest funnet.

Indonesia. For brukskunsten i Indonesia, rundt 2000 f.Kr. e. keramiske produkter med utskårne ornamenter var karakteristiske. Senere dukket det opp bronsegjenstander, som var skjematiske figurer av mennesker dekorert med en spiralpynt, grytetrommer med et geometrisk mønster og stiliserte bilder av et menneskelig ansikt, fugler, etc.

Indonesisk språklig arkitektur brukte ofte malte utskjæringer for å dekorere vegger. Utskjæringer av totemdyr ble brukt til dekorasjon av støttesøyler og dører.

Indonesia har et bredt utvalg av gammelt håndverk, spesielt tre- og bambusutskjæring. På øyene Java, Sumatra, Nias og andre er stiliserte figurer av demoner, forfedre og totemdyr skåret ut. Matter, hatter, poser er vevd av farget bambus, palmeblader og urter. Smykker laget av gull og sølv med figurer av mytologiske skapninger og dyr, samt rikt dekorerte dolker - "kris" produseres.

For å dekorere klær er vevde og broderte mønstre veldig vanlig. I bildene på keramikk, utskårne eller blomsterdekorasjoner, figurer av mennesker og dyr, brukes dyak korchagi med et relieffbilde av drager.

Oseania. Kunsten til folkene i Oceania var ikke gjenstand for sterke endringer, da den var assosiert med religiøse og sosiale tradisjoner. Deres religiøse tro var hovedsakelig assosiert med fruktbarhet og forfedrekulter.

På øyene i New Guinea laget lokalbefolkningen keramikk og dekorerte det med spiralsnitt; ulike treredskaper i form av fugler eller menneskefigurer; Bambuskar ble som regel dekorert med utskårne geometriske ornamenter.

Kulturen i New Zealand er heltekulten, ønsket om å unngå tomhet når du dekorerer overflaten og den ganske hyppige bruken av spiralmotivet sammenlignet med andre dekorative motiver. For eksempel finnes spiralmotivet ikke bare i gjennombrudd eller preget treskjæring, men også i ansiktstatoveringer.

De polynesiske øyene er kjent for produksjon av stoffer fra barken - "tapa". Den dekorative effekten av disse stoffene ble oppnådd ved et veldig enkelt ornament. Oftest ble mønstrene bygget på grunnlag av en rombe eller et rutemønster, og hver øy brakte noe eget til dem. Noen ganger ble ornamentet dekket med vegetabilsk lakk.

Kunsten å tatovere ansikt og kropp nådde en stor kunstnerisk høyde på Marquesas- og Marshanøyene. Tatoveringen kan dekke hele kroppen med geometriske motiver. Det hadde ikke bare magisk, men også sosial betydning. For eksempel var sikksakkmønstre i ansiktet kun beregnet på ledere.

Mexico. I VIII-II århundrer. til i. e. i det gamle Mexico skjedde kanoniseringen av kultbilder og -symboler. Øglelignende og serpentinguder, antropomorfe guder - symboler på himmelen, ild, regn og fuktighet osv. - blir et obligatorisk arsenal av meksikansk kunst.

I perioden fra 1. til 9. århundre. n. e. kalt "klassisk", når kunsten ble underordnet adelens og prestenes interesser, dukker religiøs symbolikk opp. Sofistikerte fantastiske bilder, seremonielle bilder av herskere, personifikasjoner av liv og død er kombinert med kompleks ornamentikk og hieroglyfiske inskripsjoner.

I pyramidetemplene i Mexico okkuperte symbolske motiver en stor plass: slangehoder med åpne munner, praktfull fjærdrakt av deres slingrende kropper, jaguarhoder, antropomorfe bilder - hele den mangfoldige og levende verden av indisk mytologi. I tillegg til billedmotiver brukes også et "rent" ornament, dannet av veksling av geometriske elementer. Her er det brukt fjorten ulike motiver: et kors, en sikksakk, et polyeder, en kort trapp, et T-formet motiv og en rekke andre.

I den siste perioden av det gamle Mexico (X - begynnelsen av 1500-tallet) ble mange tradisjonelle trekk ved kunst bevart, i stedet for religiøse symboler, symboler på krig og militære scener okkupert.

Peru. Av størst interesse er keramikken i Peru. Her, i forskjellige perioder, ble keramikk dekorert enten med et abstrakt gravert mønster, eller med en stukkatur dekorativ, eller med en pittoresk ornament. Rød, mursteinrosa, mørk rød, oransje, mørkegrønn, grågrønn og ultramarin maling ble brukt til dekorasjon.

For å dekorere peruanske stoffer ble mytologiske og hverdagslige scener brukt, som hadde en veldig rik farge. Utvalget av fargeleggingen deres besto av opptil 190 forskjellige toner. Etter 800 f.Kr. e. Her ble det også laget stoff av billedvev, som ble brukt til kanting på klær; noen ganger ble det laget hele klær av det - en unka, en slags nåværende poncho. Det karakteristiske ornamentet til disse stoffene er dyrisk: fisk, fugler, rovdyr. Noen ganger er det bilder av mennesker (ledere, krigere, dansere eller mytologiske scener). I tillegg, i ornamentet av stoffer, var det en abstrakt dekor - et trappet ornament, en meander; grønnsak, ble sjelden brukt. Peruanerne brukte også broderi for å dekorere stoffer.

Artikkelen ble utarbeidet av Gorskaya Natalia. Reproduksjon av deler av eller hele teksten uten tillatelse fra forfatteren er forbudt.

Tegninger: Kirichenko V., Afonkina A.S.

Med sjangerens dynamikk og uttrykksfullhet har afrikansk kunst hatt en enorm innvirkning på samtidskunst og design. Flere svart-hvitt-illustrasjoner i denne artikkelen er hentet fra tradisjonell afrikansk kunst og representerer en liten del av den rike og kulturelle arven på kontinentet.

Blant illustrasjonene er det samlinger av autentiske gjenstander av maurisk mønstret stoff, utskårne Ashanti-dørpaneler, maliske antilopehodeplagg, etiopiske kors, sørafrikanske bergmalerier, tunisisk teppedesign.

Eksempler på afrikansk ornament-intriger med de uvanlige grafiske egenskapene til kunsten til Afrikas folk, gleder elskere av folkekunst og fans av den brutale sjangeren afrikansk skulptur. Ornamentprøver vil være nyttige for grafikere, designere og håndverkere.

1. mauriske tekstiler: i midten på sidene er det bilder av krypende øgler, i midten er det dyre- og antropomorfe figurer.

3. Tekstilmønstre Bambara (Mali).

4. På bakgrunnen er det et karakteristisk mønster av dekorasjon av ytterveggene til boliger, i midten er det et bilde av kongefamilien fra bronseplaketten Oba.

5. På bakgrunnen er et mønstret tekstilmotiv, i midten av bildet er hodeplagg i form av antiloper av Bambara-folket.

8. Putetrekk i nigeriansk lær.

9. Nigerianske mønstrede tekstiler med øglemotiver.

10. Bilder brukt i landbruksseremonier (Nigeria, Guinea).

11. På bakgrunnen - karakteristiske tekstil ornamenter av folkene i Kamerun og Nigeria. I midten er et fragment av en utskåret Kuyu (Kongo) dekorasjon.

12. Bilde av kongen med livvakter fra Benin bronseplaketter.

13. Nigeriansk gravering på et armbånd i elfenben.

14. Bronsefigur (Benin) mot bakgrunnen av Akan-ornamentet (Ghana).

15. Nigeriansk utskjæring på et elfenbensfartøy.

16. Et fragment av en utskåret utsmykning av Kongo mot bakgrunn av en blomstersmykke Zaire.

17. Skinntrekk av den mauretanske puten.

18. Prydmotiver brukt til å dekorere kar for oppbevaring av mat.

19. Nigeriansk tekstilornament og fragmenter av tegninger fra gull- og bronseornamenter.

20. Bilde av en jeger med et spyd mot bakgrunnen av en geometrisk ornament (Sør-Afrika).

21. Tegning på en Yoruba-lærtromme (Nigeria).

22. Bronsebilde av hodet til dronningen (Nigeria) mot bakgrunnen av et geometrisk ornament som brukes til å dekorere krigers skjold.

23. Detaljer om tekstilmalerier av flere sørafrikanske folk.

24. Ornamenter med motiver av fugler fra Baman (Mali) og Guinea.

25. Motiver av masker og farging av barkklær.

26. Ornament og tegning fra et bronsesel (Burkina Faso).

27. Bronsefigur av en jeger mot bakgrunnen av et nigeriansk zoomorfisk ornament.

28. Fragmenter av malerier av folkene i Nigeria.

29. Nigeriansk geometrisk utskjæring og et fragment av Yoriba-utskjæring.