מתוך פתיחת דיאלוג עם התרבות העולמית, האדם המודרני אינו מבזבז את מאמציו כדי לעלות לרמתה, אלא להיפך, מנסה לצמצם אותה לשלו. (מישהו חכם)
לפני המצאת הצילום, הציור נתפס ככלי אולי לשיקוף ברור יותר של הסביבה. הציור נחשב לטוב יותר, ככל שהראה את העולם האמיתי בצורה אותנטית יותר. עם הופעת הצילום ב-1839 והקולנוע ב-1895, התרחבה מאוד המודעות לציור, אם כי אחרים דבקים כרגע בעניין המצומצם.
מה ההבדל בין תמונה לציור?
באטו דוגרז'אפוב "חג המולד".
תמונה תופסת עבורנו רגע, במילים אחרות, מצב מאוד ספציפי, רגעי של אובייקט. אולם הצייר, לא משנה כמה בזהירות ובאופן סביר הוא כתב את הפרטים, כותב תחילה את הגנרל שהוא רואה בדגם, במילים אחרות, המוזר והאקספרסיבי ביותר.
לכן, צילום (למעט יצירות נדירות מאוד של אמני צילום) הוא איור הדומה לתמונה באנציקלופדיה: כך נראה סנאי, ילדים, וכך נראה בעל אלבום התמונות לפני 20 שנה כאשר הוא היה רחצה באמבטיה.
באטו דוגרז'אפוב "קרים".
הצייר המודרני סירב להעתיק את הטבע – צילום וצילום יעשו אותו אפילו טוב ומהיר יותר. הנטורליזם דוחף את הציור למבוי סתום של חזרה ובנאליות. בנוסף, לא ניתן לשחזר את הטבע. כאשר הצופה מקבל רק את הניואנס השטחי ביותר של התמונה - העברת מידע "איפה מה עמד", אז המודעות לציור תהיה מדולדלת מאוד ומעוותת.
התמונה שונה מהותית מהצילום באי-זהות הנעשה, וזה הפך להבדל המהותי בין תמונה צבעונית לצילום. הצייר מחליט מרצונו החופשי מה ואיך להשאיר, מה ואיך להבליט, מה להוציא מהתמונה, לפעמים אפילו בניגוד לשכל הישר השטחי.
באטו דוגרז'אפוב "מרפסת".
ציור צבעוני על קנבס מתיימר להיות שלם ואוניברסלי בהצגת האובייקט המצויר ובהעברת זיכרונות ממנו. בצורה בלתי מובנת מופיע כרך על בד שטוח, עולם חי ויפה מעשה ידי האמן.
אנחנו יכולים להיכנס לתמונה ולשמוע את הציפורים שרות, להריח את ריח האחו הפורח, להרגיש את חום המים המחוממים על ידי השמש, לראות את התנועה - להבין בבירור שכל זה קורה אך ורק במוחנו ומולנו, ו שכל זה ניתן לנו על ידי הבורא.
מה זה "אללה פרימה"?
באטו דוגרז'אפוב "בוקר".
אם לפני כן התקבל בברכה אופן התכשיטים של כתיבת פרטים לפרטים הקטנים ביותר, כאשר התמונה צוירה במשך חודשים, או אפילו שנים ולאחר מכן לכה קפדנית, הרי שבמאה ה-19-20 הופיע המושג "אללה פרימה" - מ. הלטינית "הכל פרימה ויסטה" (במבט ראשון) ופירושו ציור ספונטני עם צבע אימפסטו.
הציור מוכן לאחר הפגישה הראשונה. צבעים מעורבים בעיקר בסקאלה, שם הם נראים רעננים וזוהרים. כשכותבים באוויר הפתוח, זוהי שיטת עבודה מתאימה מאוד.
פסטוסיות מתבטאת בהקלה, קמורות השכבה הבהירה, במשיכת מכחול פלסטית ומשמשת להדגשת הצד החומרי של האובייקט ולהענקת דינמיות. ציורים נפחיים ואינפורמטיביים יותר מתמונות, הם יכולים להשפיע בחושניות על הקהל עם כתמי צבע מקומיים, ללא הבהרות מיותרות ופירוט של פרטים. מפעם לפעם אפילו בשל היעדר קונקרטיזציה זו.
באטו דוגרז'אפוב "צהריים. סירות.
התחלופה של משיכות אקראיות וכתמים בהירים במבט ראשון היא הרבה יותר רגשית מתצלום, והאופן המלוטש הקדום משדר תנועה - משחק של כתמי שמש על הדשא, בוהק במים, עלים מתנדנדים וכו'.
למרבה הצער, הצופה, פרוע לחלוטין במובן של תרבות צבעונית, לאחר שראה את יצירותיו של אלה פרימה, הכתובות במשיכות ופסים גורפים, אינו טורח לעצמו להאט ולהציץ, אלא מנפח את לחייו ועם מילים "אני יכול גם למרוח את זה ככה", עם תודעת היתרון שלו הולך רחוק יותר בחיפוש אחר יצירות מצוירות מתולתל לכה שבהן אין צורך בדמיון ואמפתיה.
בואו נשאיר אותו, ובהמשך נראה, למשל, ציור של האמן באטו דוגרז'אפוב "פליין אייר". מה אנחנו רואים בתמונה המרתקת הזו?
באטו דוגרז'אפוב פליין אייר.
מי שרוצה לראות איך תופרים את הנעליים של הדמויות - כלום. הצופה, המכוון לגל המודעות, רואה תחילה הרבה אור שמש. אחר כך אנחנו רואים כמה אמנים בשמלות קיץ ליד כן ציור ואמן מזוקן בג'ינס ועם מברשות בידו. אחר כך יש חומת אבן חמה עם ויסטריות מפותלות מוארות בשמש מעליהן, שמיים כחולים במרווחי העלווה, מעקה של הסוללה והים מאחוריה. לכן העלווה לא כתובה בפרטים ובעורקים, שהיא זזה, מתנדנדת, וגם האור זז, צללים זזים, וההשתקפות מהים למרחוק משתנה מדי דקה...
מצב הרוח של התמונה הוא פנומנלי לחלוטין, הוא פשוט פולט אור וחיובי. ויחד עם זאת, אי אפשר להצביע עם מצביע ולהסביר - זה זה, והנה משהו. יש צורך לראות זאת רק על ידי התרחקות מעט מהתמונה והסתכלות עליה די הרבה זמן. יחד עם זאת, זה רק קובץ, אני מתאר לעצמי – איך הוא צריך לפעול במקור!
באטו דוגרז'אפוב "סקיצות".
באופן דומה, הציור "על לימודים" "מבטא את עצמו". בהתחלה - כתמים כאוטיים של אור שמש והשתקפויות של הים. ואז - צייר אפור שיער רכון מעל כן ציור. ואז - הים עצמו: הים הפעור, הוא זז, דואג, בוהק השמש מהגלים בעצם מסמא את העיניים (איך הוא עשוי לא ריאלי לממש), בים - הרים, חלוקי נחל וסירות, שוב משמאל צמח מטפס, אולי ענבים.
האווירה של בוקר לוהט מועברת בצורה שאין לתאר (וזה בוקר, כי כשהשמש גבוהה הים לא נוצץ ככה, הוא הופך לכחול), יופיו של החוף הדרומי וההתפעלות מהיופי הזה.
באטו דוגרז'אפוב "ערב דרומי"
ציוריו של באטו דוגרז'אפוב שקועים בסביבה זוהרת יוצאת דופן, המדברת על התרבות הצבעונית הגבוהה ביותר של האמן, על מודעות צרה לצבע וליחסים מרחביים. יצירותיו בולטות ברעננותן, מהירות הקצב של קווים וכתמי צבע, התרוממות רוח רומנטית, תפיסה צרה של יחסי אור-מרחב.
בקלות רבה, במשיכות גדולות, הוא יוצר תמונה שלמה ואינטגרלית של הטבע בצבע, באור ובדינמיקה ממשית... הכל נוצץ בקרני השמש, גם איפה שיש צל, השתקפויות נוצצות, וזה בולט במיוחד ומשעשע. כשהם זורקים בחופשיות, הצבעים מונחים זה על גבי זה ויוצרים הרמוניה וקצב רב צבעוני, שבהם יש חשיבות מיוחדת לשטפי הצבעים.
באטו דוגרז'אפוב "אגם קומו".
באטו דוגרז'אפוב נולד ב-1966 בצ'יטה. הוא סיים את בית הספר לאמנות בטומסק ואת המכון האקדמי העירוני לאמנות מטרופוליטן. IN AND. סוריקוב. עבודותיו של האמן נמצאות באוספים פרטיים ברוסיה, ארה"ב, צרפת, איטליה וספרד.
ק יו סטארוקאמסקאיה
מתחיל דיאלוג עם התרבות העולמית, אדם מודרני לא מבזבז מאמצים כדי לעלות לרמה שלה, אלא להיפך, מנסה להוריד אותה לרמה שלו. (מישהו חכם)
לפני המצאת הצילום, הציור נתפס ככלי לשיקוף הסביבה בצורה מדויקת ככל האפשר. הציור נחשב לטוב יותר, ככל שהוא שיקף בצורה אותנטית יותר את העולם האמיתי. עם הופעת הצילום ב-1839 והקולנוע ב-1895, ההבנה של הציור התרחבה באופן משמעותי, אם כי אחרים עדיין דבקים בגישה פונקציונלית מצומצמת.
במה שונה צילום מציור?
באטו דוגרז'אפוב "חג המולד".
צילום תופס עבורנו רגע, כלומר מצב קונקרטי לחלוטין, מיידי של אובייקט. האמן, לעומת זאת, לא משנה כמה מפורט ואמין הוא כותב את הפרטים, קודם כל כותב את ה-GENERAL שהוא רואה בדגם, כלומר, האופייני והאקספרסיבי ביותר.
לכן, צילום (למעט יצירות נדירות מאוד של אמני צילום) הוא איור הדומה לתמונה באנציקלופדיה: כך נראה סנאי ילדים, וכך נראה בעל אלבום התמונות לפני 20 שנה כשהיה רחוץ באמבטיה.
באטו דוגרז'אפוב "קרים".
האמן המודרני סירב להעתיק את הטבע - הרבה יותר טוב ומהיר לעשות צילום וצילום. הנטורליזם דוחף את הציור למבוי סתום של חזרה ובנאליות. בנוסף, לא ניתן לשחזר את הטבע. כאשר הצופה קולט רק את ההיבט השטחי ביותר של התמונה - העברת המידע "איפה מה עמד", אזי הבנת הציור תתדלדל מאוד ותעוות.
הציור שונה מהותית מהצילום על ידי אי-זהות הנברא, וזה הפך להבדל המהותי בין הדימוי הציורי לצילומי. האמן מחליט ברצונו מה ואיך להשאיר, מה ואיך להבליט, מה להוציא מהתמונה, לפעמים אפילו בניגוד לשכל הישר השטחי.
באטו דוגרז'אפוב "מרפסת".
ציור שמן ציורי על בד מתיימר להיות שלם ואוניברסלי בהצגת האובייקט המצויר ובהעברת הרושם ממנו. בצורה לא מובנת, מופיע כרך על בד שטוח, עולם חי ויפה שיצר האמן.
אנחנו יכולים להיכנס לתמונה ולשמוע את הציפורים שרות, להריח את ריח האחו הפורח, להרגיש את חום המים המחוממים על ידי השמש, לראות את התנועה - מתוך הבנה ברורה שכל זה קורה רק במוחנו ומולנו, ו שהמחבר העביר לנו את כל זה.
מה זה "אללה פרימה"?
באטו דוגרז'אפוב "בוקר".
אם קודם לכן התקבל בברכה סגנון התכשיטים של כתיבת פרטים לפרטים הקטנים ביותר, כאשר התמונה צוירה במשך חודשים, או אפילו שנים ולאחר מכן לכה בקפידה, אז במאה ה-19-20 הופיע המושג "אללה פרימה" - מה לטינית "הכל פרימה ויסטה" (במבט ראשון) ופירושו ציור ספונטני עם צבע אימפסטו.
הציור מוכן לאחר הפגישה הראשונה. צבעים מעורבים בעיקר על הפלטה שם הם נראים רעננים וזוהרים. כשכותבים en plein air, זוהי דרך עבודה מתאימה מאוד.
פסטוסיות מתבטאת בהקלה, אי אחידות של שכבת הצבע, במכת פלסטית ומשמשת להדגשת הצד החומרי של הנושא ולהענקת דינמיות. ציורים נפחיים ואינפורמטיביים יותר מתצלומים, הם יכולים להשפיע רגשית על הקהל עם כתמי צבע מקומיים, ללא הבהרות ופירוט מיותרים של פרטים. לפעמים אפילו בגלל היעדר קונקרטיזציה זו.
באטו דוגרז'אפוב "צהריים. סירות.
החילוף בין משיכות כאוטיות לכאורה וכתמים בהירים היא הרבה יותר רגשית מצילום והאופן המלוטש הישן משדר תנועה - משחק של כתמי שמש על הדשא, בוהק על המים, עלים מתנדנדים וכו'.
למרבה הצער, צופה פרוע לחלוטין במובן של תרבות ציורית, לאחר שראה את יצירותיו של אלה פרימה, הכתובות במשיכות ופסים גורפים, אינו טורח לעצור ולהציץ, אלא מנפח את לחייו ובמלים "אני יכול גם למרוח את זה ככה", עם תודעת עליונותו שלו הולך רחוק יותר בחיפוש אחר יצירות מצוירות מתולתל לכה, שבהן אין צורך בדמיון ואמפתיה.
בואו נניח לו, ואז נשקול, למשל, את התמונה של האמן באטו דוגרז'אפוב "פליין אייר". מה אנחנו רואים בתמונה המעניינת הזו?
באטו דוגרז'אפוב פליין אייר.
מי שרוצה לראות איך תופרים את הנעליים של הדמויות - כלום. הצופה, המכוון לגל ההבנה, רואה קודם כל הרבה אור שמש. אחר כך אנחנו רואים כמה אמנים בשמלות קיץ ליד כן ציור ואמן מזוקן בג'ינס ועם מברשות בידו. ואז מופיע חומת אבן חמימה עם ויסטריות מפותלות מוארות בשמש מעליהן, שמיים כחולים במרווחי העלווה, מעקה של הסוללה והים מאחוריה. העלווה אינה כתובה בפרטים ובעורקים כי היא זזה, מתנדנדת, וגם האור זז, הצללים זזים, וההשתקפות מהים מרחוק משתנה מדי דקה...
מצב הרוח של התמונה הוא פנומנלי לחלוטין, הוא פשוט מקרין אור וחיובי. ויחד עם זאת, אי אפשר להצביע עם מצביע ולהסביר - זה זה, והנה משהו. צריך לראות את זה רק על ידי התרחקות מעט מהתמונה והסתכלות עליה מספיק זמן. וזה רק קובץ, אני מתאר לעצמי איך הוא צריך לפעול במקור!
באטו דוגרז'אפוב "סקיצות".
באופן דומה, הציור "על לימודים" "מבטא את עצמו". ראשית - כתמים כאוטיים של אור שמש והשתקפויות של הים. ואז - האמן אפור השיער רכן לעבר כן הציור. ואז - הים עצמו: הים הזוהר, הוא זז, דואג, השתקפויות השמש מהגלים מעוורות כמעט את העיניים (אי אפשר להבין איך זה נעשה), בים - סלעים, אבנים וסירות, משמאל שוב צמח מטפס, אולי ענבים.
האווירה של בוקר חם מועברת בצורה מדהימה (וזה בוקר, כי כשהשמש גבוהה הים לא נוצץ ככה, הוא הופך לכחול), היופי של החוף הדרומי וההתפעלות מהיופי הזה.
באטו דוגרז'אפוב "ערב דרומי"
ציוריו של באטו דוגרז'אפוב שקועים בסביבה זוהרת מיוחדת, המדברת על התרבות הציורית הגבוהה של האמן, על הבנה עדינה של צבע ויחסים מרחביים. יצירותיו בולטות ברעננותן, מהירות הקצב של קווים וכתמי צבע, התרוממות רוח רומנטית, תפיסה עדינה של יחסי אור-חלל.
בקלות מיוחדת, במשיכות גדולות, הוא יוצר תמונה שלמה ואינטגרלית של הטבע בצבע, באור ובדינמיקת החיים... הכל נוצץ בקרני השמש, גם איפה שיש צל, השתקפויות נוצצות, וזה בולט במיוחד ומשמח. בהשלכה חופשית, הצבעים נופלים זה על גבי זה ויוצרים הרמוניה וקצב רב צבעוני, שבהם יש חשיבות מיוחדת למשחק הגוונים.
באטו דוגרז'אפוב "אגם קומו".
באטו דוגרז'אפוב נולד ב-1966 בצ'יטה. הוא סיים את בית הספר לאמנות בטומסק ואת המכון הלאומי לאמנות אקדמית במוסקבה. IN AND. סוריקוב. עבודותיו של האמן נמצאות באוספים פרטיים ברוסיה, ארה"ב, צרפת, איטליה וספרד.
ק יו סטארוקאמסקאיה
"הבנתי מזמן שעבור היסטוריונים של אמנות, ביטוי עצמי חשוב יותר מהחומר."
אלדר ריאזאנוב
"למה אני, בנו של צייר מוסקבה מפורסם, שביליתי את ילדותי ונעוריי בין אמנים, שהאוסף שלהם מכיל יותר ציורים ורישומים מאשר בכל מוזיאון אזורי אחר, שאקשיב להיסטוריונים לאמנות, שמעולם לא החזיקו אפילו מכחולים בידיהם ?"
אלכסנדר גרמיטסקיך
בוויקיפדיה, המונח "ציור" ביחס לציור מוגדר כ"יצירת אמנות שיש לה אופי שלם (להבדיל מסקיצה ולימוד) וערך אמנותי עצמאי". המושגים "אטודה", "סקיצה" ו"סקיצה" ביחס לציור מקובצים בדרך כלל בוויקיפדיה ומתמצים למושג אחד - סקיצה, חומר הכנה לציור של האמן עצמו.
בוא נראה אם זה נכון בפועל:
אני חייב לומר שכל הטרמינולוגיה האמנותית נוצרה עוד במאה ה-19, אם לא אפילו קודם לכן. באותם ימים, לא רק כאן, אלא ברחבי אירופה, אנשים הגונים היו אמורים לדבר אך ורק בצרפתית, כפי שמעידה הטרמינולוגיה שעדיין משתמשים בה בציור. אז המילה "אטודה" באה מהצרפתית "etude", ו"סקיצה" - מהצרפתית "esquisse", למשל. לקוחות הציירים התגוררו בעיקר בחדרים מרווחים מאוד, בלשון המעטה, שדרשו עיטור בקנבסים ענקיים, שמטבע הדברים אי אפשר היה לצייר מהחיים. ברור שבתנאים כאלה הוערך רק המוצר הסופי - תמונה גדולה (אבל, אגב, הוא שולם באופן בלעדי). מכיוון שהעבודות הטבעיות, שאליהן בעצם שייכות הסקיצות, אף אחד לא עלה בדעתו לתלות על הקיר, אי אפשר היה להשיג עבורן כסף, ולכן, אם הן נכתבו, זה היה רק כחומר חזותי תומך לאיזו תמונה גדולה והיו אפילו פחות חשובים מסקיצות, שנכתבו בקפידה כי היה צריך להגיש אותן לאישור הלקוח.
לשם, מ"תקופת אוצ'קוב וכיבוש קרים", נדדו ההגדרות המיושנות של מונחים אמנותיים לויקיפדיה! כן, וגם במילונים אחרים, אוי ואבוי, ומשם - לראש שלנו.
עם זאת, עד סוף המאה ה-19, עם הדמוקרטיזציה של החברה, השתנו באופן דרמטי הדעות לגבי מה יכול להיות התוצר הסופי בציור, כביכול. אם עדיין האשימו את האימפרסיוניסטים הצרפתים באופי האטיוד של עבודתם, אז א.ק. סבראסוב דחק בתלמידיו "ללמוד מהטבע". מבין האמנים הרוסים, קונסטנטין קורובין, למשל, התפרסם דווקא בזכות לימודיו הטבעיים; הוא למעשה לא כתב ציורים נושאיים כלל. אנחנו כבר חיים במאה ה-21, אבל ביחס לציור ממשיכים להשתמש בהבנת המינוח שלו לפני 200 שנה, פרדוקס, ותו לא!
אי הבנה של מונחי הציור הפשוטים ביותר המשמשים בדיבור היומיומי, על בסיס הבנה כה עתיקה שלהם, שנכפתה בכוונה על הציבור הרחב על ידי מבקרי אמנות מכובדים, שכמו שזה די ברור, בדיוק בגלל שהם מקצועית לא מבינים כלום באמנות , יכול לבלבל אדם רגיל. לכן, במאמר זה ברצוני לשקול את המונחים הנפוצים העיקריים בציור ביחס למצב הנוכחי.
משמעויות המילה "כתוב"(עם הדגשה על ההברה השנייה, כמובן)
ברוסית, למילה "לכתוב" יש את המשמעות הבסיסית "לכתוב אותיות ומספרים". בציור, אנשי מקצוע משתמשים במילה "צייר תמונה" כמונח. אם האמן אומר: "ציירתי תמונה", אז במקרה זה הוא לא משתמש בטרמינולוגיה מקצועית, אלא פשוט מדבר בשפה יומיומית, כמו אנשים רגילים שאינם קשורים לפעילות אמנותית. במובן הטרמינולוגי, הם מציירים בפחם, סנגווין, עיפרון, פסטל, אבל לא ציור שמן. "התמונה הזו של האמן מצוירת בשמן", יכול לומר רק אדם שרחוק מלהצייר. ואין בזה שום דבר נורא, זה לא כל כך חשוב. זה לא משנה שאתה לא יודע מה זה קראפלק אדום או צהוב קדמיום ומעולם לא שמעתם על סוג של אומבר או סיינה שרופה. שמות של צבעים אמנותיים, שמציינים במדויק צבעים מסוימים (אחרי הכל, אדום, צהוב וכחול הם שונים), זה ממש לא הכרחי למי שאינו מומחה לדעת, והיסטוריונים של אמנות אינם פולשים למונחים מדויקים מקצועיים כל כך.
מצד שני, האדונים האלה ש"יודעים אמנות", או, בפשטות, מבקרים, כלומר עיתונאים שכותבים על אמנות, כפו בהצלחה על כל שאר האנשים את הרעיון השקרי שאמנות, הם אומרים, "צריכה להיות מובנת. ” מי יודע על אמנות? כמובן, אף אחד מלבד היסטוריונים של האמנות!
כך הוסבר לנו בהצלחה שבאומנויות היפות איננו יודעים ואינם מבינים דבר. והדבר הכי מעניין הוא שאנחנו לגמרי מסכימים עם זה! את מי לא תשאלו: "אני לא מבין בציור", "אני לא מבין באמנות" ..., וברוח זו.
ומה יש בעצם להבין? אמנות, כולל אמנות יפה, נוצרת עבורנו, אנשים רגילים, ולא עבור "מומחים", היא פונה לאסתטיקה, הטבועה בכולנו מטבעה. באמנות, עבור הצופה, הקורא, המאזין, יש רק שני קריטריונים - אוהב ו- dislike. האם תקרא ספר משעמם? צופה בסרט גרוע או מחזה? האם תקשיב לאופרה, למוזיקה, לשיר שאתה לא אוהב? האם אתה מחשיב את קזימיר מלביץ' כאמן מבריק, ואת ולמיר כלבניקוב כמשורר מבריק? לֹא? בראבו! אתה גדול באומנות!
אבל כדי שאתה ואני נהיה, כפי שפיטר ניסחתי זאת, "לזהות משוטים אחרים שאינם יודעים", יש צורך, בכל זאת, להבהיר לעצמנו כמה נפוצים, שנמצאים לעתים קרובות במונחי דיבור יומיומי הקשורים לציור כאן מקרה.
חומר לתמונת האמן
אנשים שאינם אנשי מקצוע, לפי הצעתם של כל אותם היסטוריונים של אמנות, מאמינים בדרך כלל שציור שמן אמיתי צריך להיות מצויר אך ורק על קנבס, ואלמנטים בסיסיים אחרים, כמו קרטון אמנותי, אינם ראויים כלל לתשומת לב. אז המונה ליזה לא צריכה להיחשב כציור, כי ליאונרדו השתמש בלוח טיליה לעבודתו.
קרטון מסומן כך שצבעים לא יספגו בו קומפוזיציה לבנה, מה שנקרא פריימר, המורכב מגיר ודבק, או פריימר צבעוני, אם האמן דורש זאת, כלומר קרטון אמנות מיוחד, נוח לעבודה באופן מפתיע, במיוחד באוויר הפתוח. קרטון הוא חומר קומפקטי, צפוף למדי, שאינו נובע בלחץ מברשת, בניגוד לקנבס. בהשפעת שינויי הטמפרטורה והלחות בחדר, הקנבס לפעמים צונח, לפעמים נמתח, צבעים ממנו מתפוררים עם הזמן, אבל לא מקרטון. צביעה על קרטון עמידה כמו הקרטון עצמו, והקנבס אפילו עולה על הקרטון מבחינת עמידות.
ניתן לומר את אותו הדבר על קרטון קשיח, אם כי הוא הרבה יותר כבד מקרטון. אמנים סובייטים פיתחו לעתים קרובות את הלוח הקשיח בעצמם, או אפילו בפשטות, כדי להפוך אותו לנוח יותר לכתיבה והמברשת לא קפיצה, הם הדביקו במיוחד את הקנבס המעובד על הלוח הקשיח. הנה דוגמה חיה עבורך, טבע דומם עם לילך הוא די בגודל תמונה:
ומה עם הקנבס? אמני האימפריה הרוסית עבדו איתו באופן בלעדי עד 1862, אז החלה התעשייה הרוסית לייצר קרטון אמנותי.
הקנבס דורש אלונקה כבדה בתוספת מתיחה טובה של הקנבס עליו. יחד עם זאת, יש להמתין זמן רב עד שהצבע יתייבש לאחר סיום העבודה, אחרת לא ניתן לגלגל את הקנבס, שכן הצבעים הרטובים ידבקו זה לזה והתמונה תיהרס לחלוטין. צבעים יכולים להתייבש במשך חודש שלם. כאן האמן מתחיל זמן השבתה מאולץ. לצורך ההובלה, התמונה, אם היא גדולה, מוסרת מהאלונקה, מקופלת בזהירות על גבי בטן גדול כשהציור כלפי מעלה כדי לא לפגוע בציור. השלב הבא - לאחר המסירה למקום, יש למתוח שוב את הקנבס על האלונקה, בצורה נכונה, ללא עיוותים, קמטים בפינות וצניחות, אך ללא מתח יתר (כל זה עלול לפגוע גם בשכבת הצביעה). ועם הזמן, קנבס שנמתח על אלונקה, בהשפעת שינויי לחות וטמפרטורה, עלול לצנוח או להיפך להימתח יותר מדי, מה שעלול אפילו לאיים לקרוע את הבד. זה, בתורו, יכול לגרום לשכבת הצבע להתקלף, להרוס או להרוס את הציור. זו הסיבה שבאולמות ובמחסנים של מוזיאוני אמנות לפקח כל כך בקפדנות על קביעות הלחות והטמפרטורה.
לקרטון אמנותי יתרונות רבים. הוא קל, יוצא לאוויר הפתוח, ניתן למקם אותו במסגרת עץ מיוחדת עם קליפס, שעליה ידית חגורה לנשיאה. רעיון למכשיר שימושי זה ניתן על ידי ציור של מסגרת כזו לסקיצות, שנשמר בניירות של אבי, שאבי הזמין מאיזה נגר. הנה הציור:
לפעמים הצייר לוקח איתו שני קרטון לסקיצות בבת אחת. תחילה משתמשים באחד ואז אם
התאורה או מצב הרוח השתנו, או שמניע אחר משך תשומת לב, האמן לוקח קרטון שני וכותב עליו כבר. לאחר שסיים את העבודה, הוא הופך את הקרטונים, עדיין גולמיים, בתוך המסגרת ומתקן אותם בעזרת מהדקים. קרטונים לא נוגעים זה בזה. יחד עם זאת, הציור נותר שלם וללא פגע. זה יתייבש בסדנה.
לכן, לאחר 1862, כאשר הוקם הייצור התעשייתי של קרטון אמנות יסודי, הציירים החלו בהדרגה לנסוע יותר ויותר לאוויר הפתוח עם קרטון.
רבותי, מבקרי אמנות, שאינם יודעים דבר כלל על כל זה, ולא כתבו אפילו סקיצה אחת בעצמם, מזלזלים בקרטון אמנותי, משום מה רואים בציור על קרטון כבלתי גמור בעליל, מתוך נטייה רק מהעובדה שבעיקר אטיודים, אשר, כפי שנראה להלן, הן תמיד גמורות, מעובדות בקפידה, לעתים קרובות דורשות עבודה רבה מאוד. זאת ועוד, הומצאה גם המילה "אטיוד", ששימשה מילה נרדפת לעבודה לא גמורה, רשלנות ו...חוסר שלמות! אבל הרשו לי לשאול, מה הקשר בין חוסר הזהירות של הביצוע או חוסר השלמות של התמונה למה שהיא כתובה עליו? כן, ואין סקיצות על קנבסים, נכון?
אגב, הציור בסגנון הריאליזם הסוציאליסטי של האמן הסובייטי ניקולאי אובצ'יניקוב "בסדנה", שבספטמבר 2016 V.V. פוטין נתן D.A. מדבדב כתוב על קרטון.
למען האמת, זה לא ציור, אלא מחקר בקנה מידה מלא שנעשה על ידי האמן ישירות בבית המלאכה של המפעל, אבל מינוח זה יידון להלן.
הדבר החשוב ביותר הוא לא החומר שעליו מוחל הציור, אלא כיצד הצליח האמן לשקף את המציאות, מצב הרוח, רגשותיו ולהסגיר אותם לצופה. לחומר הבסיס, בין אם זה קנבס, קרטון, קרטון, נייר, קרטון או אפילו ברזל דק מגולוון, אין שום קשר אליו. כישרון, ניסיון, בית ספר טוב לאמנות חשובים. אומרים שבאברמצבו ש.י. ממונטוב שינה פעם את הגג של הבית. אִמָא. ורובל הרים חתיכת ברזל לגג וכתב עליה לילך. אז מה עכשיו, זה לא ורובל?
הנה "דיוקנו של D.P. Smirnova, עובד מפעל טריוקגורנאיה, סגן הסובייטי העליון של ברית המועצות"
יצירותיו של האמן הסובייטי סרגיי פדורוביץ' סולוביוב. הוא עשוי גם על ברזל מגולוון. הדיוקן, בזכות גודלו היותר מהצנוע של 37.5X31.5 ס"מ והשם הרשמי שכזה, הוא ללא ספק מחקר אמיתי לפורטרט גדול בהזמנה אישית של מוביל ייצור. ככל הנראה, כשהדוגמנית הגיעה להצטלם בסטודיו של האמן, לא היה לו שום דבר אחר בהישג יד, אז הוא צייר דיוקן נשי קטן גמור לחלוטין, שאותו הוא, אולי עם כמה שינויים קלים, העביר לקנבס גדול.לפעמים, בגלל המחסור בכל דבר באותה תקופה, ציירו אמנים סובייטים בצבעי שמן אפילו על נייר, שממש לא נועד לכך. אז, במיוחד, לפעמים אבי פעל. ואז, לאחר מותו של אבי, נאלצתי להדביק את הנייר הזה על קרטון. נייר ("ירד שלג" על קרטון, שמן; 61.5x82; 1969)
למה, הם אפילו כתבו על יוטה מתוך שקים קרועים! וזה הסתדר טוב!
הנה, למשל, עבודתו של האב "היו"ר". הסיפור שלה הוא כדלקמן: אביה קיבל נסיעת עסקים לאחת מהחוות הקיבוציות באלטאי, אי שם ליד בייסק, עם המשימה לכתוב את היו"ר שם, גיבור העבודה הסוציאליסטית. בחווה הקיבוצית, כמובן, לא היה קנבס, שלא לדבר על קנבס, אז האב קרע איזה שקית ענקית, משך אותו על מאולתר, מיד דפק אלונקה, פיתח את היוטה וצייר דיוקן של היו"ר. לאחר מכן, כבר 50 שנה לאחר האירועים, נאלצתי לגרור את העבודה הזו לאלונקה רגילה ממילא.
או הנה נוף הסתיו "סתיו ארגמן", שכתב האב אי שם בכפר נידח, גם הוא בטכנולוגיה דומה:
לפיכך: אם תכתוב תמונה ענקית בגודל רב-מטרים, ברצונך, תצטרך לצייר אותה על קנבס אך ורק לצורך הובלה שלאחר מכן, ולא כדי שיהיה לה ערך אמנותי!
במקרים אחרים, זה לא משנה על מה לכתוב, אחרת הראשונים שנקנו על ידי P.M. טרטיאקוב שני ETUDE M.A. Vrubel ON CARDBOARD, הם לא ייצגו שום ערך אמנותי.
מחקרים וסקיצות
אטיוד הוא, אחרי הכל, מה שאתה אומר, די גמור, קטן יחסית בגודלו, כלומר טִבעִיעבודה שנעשית באוויר הפתוח (נוף) או, נניח, בסטודיו (טבע דומם, פורטרט) והיא יצירה עצמאית לחלוטין. עם זאת, סקיצות יכולות לשמש גם בעתיד לציור תמונה גדולה, לפעמים אפילו קנבס רב-מטרי ענק, מה שכבר אפשרי רק בסטודיו. לחדר עבודה, במיוחד לנופים, יש לרוב מידות, באופן גס, לא עולים על 60 על 80 ס"מ, כלומר גודל נוח לנשיאה על ידי אדם אחד. הנה דוגמה למחקר שדה כזה:
אטיוד יכול להיות מפגש אחד, כתוב במפגש אחד, כלומר ביום אחד. אבל זה קורה לעתים רחוקות למדי, לעתים קרובות הרבה יותר לימוד דורש כמה, או אפילו הרבה מפגשים. לימוד רב מפגשים, במיוחד אם מדובר בנוף טבעי, מצריך לעיתים מספר שנות עבודה. זה קורה בדרך כלל כאשר מזג האוויר משתנה בחדות ולאורך זמן, והמצב הרצוי יופיע כעת כבר בשנה הבאה. ובכן, למשל, אתה כותב סתיו זהוב בשמש הבהירה, נותרו עוד כמה מפגשים, והנה יורד גשם במשך חודש שלם, שלא מרצונך תצטרך להגיע למקום הזה בשנה הבאה.
בדרך זו, אטיוד הוא יצירה טבעית, יצירת אמנות מוגמרת, שהושקעה בה כמות לא מבוטלת של עמל על ידי הצייר, כלומר בשפת היומיום, ציור שמן מוגמר בגודל קטן יחסית.
כמובן, יש גם אטיודים לא גמורים, אבל תמונה גדולה של כמה מטרים יכולה להיות גם לא גמורה. אז, כפי שאנו יכולים לראות, הרעיון של היסטוריונים אמנות מכובדים, שהיה מיושן מזמן, איבד את משמעותו הקודמת במשך יותר מ-100 שנה, הוא שמחקר הוא בהכרח משהו לא גמור ובעל ערך אמנותי מועט, שלמרבה הצער , השקיעו בנו חזק בראש, ומה שמשתקף, אבוי, אפילו במילונים, היום כבר מזמן אין שמץ של בסיס.
סְקִיצָה
סקיצה שונה מאטיוד בכך שהיא נעשית תמיד אך ורק על מנת להתכונן לציור נושאי גדול (קומפוזיציה מרובת דמויות בנושא מסוים. "בוקר ההוצאה להורג של סטרלטסי" של סוריקוב, למשל). השלמות לא תמיד קיימת במערכון, ובמקרה זה יש לה אופי של מערכון. נשווה שתי סקיצות ליצירות גדולות של האמנית הסובייטית קלאודיה טוטבול. במקרה הראשון, הסקיצה נעשתה עבורי, כחומר עבודה (סקיצה לפאנל לביתן הקוסמוס ב-VDNKh)
במקרה השני (סקיצה של תקרת התקרה של תיאטרון האופרה והבלט של עבאי באלמה-אתא), הסקיצה נעשתה לאישור המועצה האמנותית, כפי שמעידים החתימות והחותמות בחלק השמאלי התחתון והעליון של המועצה האמנותית. סְקִיצָה. לכן, הוא הושלם לחלוטין וגמור, ללא סקיצות, כלומר. אין כאן ריח של רשלנות או חוסר יכולת. באדריכלות, למשל, זה יהיה מודל של המבנה האדריכלי המתאים.
סקיצה לציור יכולה להיות תמונה שלמה, ואפילו כתובה או עקבה בקפידה, של יד, רגל, אוזן, פנים, דמות או ראש של אדם, סוס, כלב, חיות אחרות, או אפילו טרקטור, משאית, כמה סוג של חפץ, או פריט לבוש, כל מה שמעניין את הצייר כרגע, באופן כללי, כל דבר שיכול להיכנס לתמונה הגדולה העתידית של האמן. יתרה מכך, כל זה יכול לפעמים להתאים על אותה פיסת קנבס, קרטון או קשיח.
סקיצות כאלה, לפעמים לא גמורות, ברישול, שנעשו בחופזה, נקראות גם סקיצות, כלומר, מה שהאמן "שרטט" על גיליון נייר, קרטון, קנבס וכו' בתהליך של עיצוב קומפוזיציה מרובת דמויות.
בנוסף, סקיצות נקראות גם סקיצות מהירות שנעשו על ידי האמן באופן ספונטני, בהשפעת הרגע. דוגמה לכך היא הסקיצה של V.G. Gremitskikh "Away" 25.5x17 נייר, עיפרון; שנות ה-40.
V.G. נייר גרמיטסקי "ביקור", עיפרון; 25.5x17; שנות ה-40 |
כפי שניתן לראות, האמן, על פיסת נייר העטיפה הראשונה שהגיעה לידיו, בדיוק כך, לעצמו, שרטט בעיפרון פשוט, גם הוא כנראה תחוב מתחת לזרועו, את סצינת הז'אנר שבה צפה.
אבל האמן המוסקבה איגור רדומן צייר את אבי, כשהוא נח על מיטה אי שם בבית האמנים האקדמיצ'סקאיה דאצ'ה:
אמנים בכל מיני פגישות ופגישות, רבות בימי ברית המועצות, היו משועממים כל הזמן, והיו משועשעים מהעובדה שהם עושים רישומי עיפרון זה של זה. יש לי הרבה סקיצות דומות של אמנים שונים באוסף שלי.
סקיצה אפשר לעשות לא רק עם עיפרון, אלא גם עם צבעי שמן, סנגווין, פסטל, פחם, עט וכל דבר, אפילו עט כדורי, כי אמן אמיתי לא יכול לחיות דקה בלי המקצוע שלו. עבור אמנים ריאליסטים, זו רק סוג של מאניה מקצועית ברמה של רפלקס מותנה, הדורשת הכשרה מתמדת, שיפור מיומנויות, מה שלמעשה מייחד אמן אמיתי שמקדיש את כל חייו לאמנות מדי יום ומדי שעה. -נקראים אמנים "מודרניים" ואמנים אוונגרדים שאתה לא צריך כדי להיות מסוגל לעשות כלום, ולכן אין צורך בהכשרה - אין מיומנות, אין מה לחדד, דע את עצמך לצייר ריבועים ומשולשים!
אגב, הסקיצה, בהתאם לזמן שיש לאמן להשלים אותה, יכולה להפוך גם לציור גמור לחלוטין. כאן יש לנו דיוקן ילדים גמור לחלוטין בעיפרון "וולודיה במשחק" מאת צייר מורום וסילי וסילייביץ' סרוב, אבל בכל זאת - זו סקיצה!
סקיצות הן עזר בתהליך עבודתו של האמן על תמונה נושאית גדולה. סקיצות נעשות לא רק בשמן, אלא גם בפחם או בעיפרון, בטמפרה וכו'. בסקיצה, בנוסף, ניתן לארגן את כל הציור הרב-איור הגדול העתידי של האמן.
כדוגמה, נוכל להביא שני רישומים לציור נושאי גדול "הגנרלים של מלחמת האזרחים" מאת האמן הסובייטי גריגורי גורדון, שהוא, למעשה, דיוקן קבוצתי של המפקדים האדומים המפורסמים ביותר של מלחמת האזרחים.
בהתחלה, הצייר החליט פשוט לסדר את כולם על רקע כרזה אדומה,
אבל אז הרכב כזה נראה לו משעמם, והוא החליט לסבך את זה קצת:
כפי שניתן לראות, במקרה זה, הסקיצות נעשות בטמפרה, ובנוסף, למרות הסקיצות של שתי העבודות, כלומר. חוסר שלמות ורשלנות לכאורה של ביצוע, כל גיבורי התמונה הגדולה העתידית ניתנים לזיהוי. אנו רואים בבירור את וורושילוב, בודיוני, שצ'ורס, פרונזה, צ'פאייב, פרקהומנקו וכו'.
והנה סקיצה לציור נושאי גדול "מעצר אלכסנדר אוליאנוב" מאת אמן מורום שהוזכר כבר V.V. סרוב:
כמובן, התוצאה עשויה להיות שונה מהכוונה המקורית. אמן אמיתי, ככלל, לא מוציא דבר חדש מראשו. הוא כל הזמן מתעמק בנושא שמעניין אותו. הוא מהרהר בזה, חושב על זה מחדש, מתבונן הרבה, קורא את הספרות הרלוונטית. אם יש נוף בתמונה הנושאית העתידית, נכתבים מחקרים טבעיים מתאימים, אשר מועברים לאחר מכן, בדרך כלל בצורה מעט שונה, לתמונה. לפעמים פרטים בודדים מכמה מחקרים בקנה מידה מלא מועברים לתמונה גדולה בבת אחת.
אולם, מחקר בקנה מידה מלא, בניגוד לסקיצה וסקיצה, הוא, כפי שכבר ראינו, יצירה עצמאית ובהכרח גמורה לחלוטין. הנה דוגמה מצוינת בשבילך. לאחר שקיבל הזמנה לציור נושאי גדול "לנין וגורקי בגורקי", באביב 1952, ערך אבי טיולים רבים ללנינסקיה גורקי שליד מוסקבה וצייר שם שתי רישומים גדולים, שניהם על בד. ראשית, גורקי. אביב. בד, שמן; 60x80 ס"מ",
ולאחר מכן - "בגבעות לנין, שמן על בד; 78.5x57 ס"מ.
לאחר מכן, בתמונה הגדולה האחרונה, האב לקח את המחקר השני כבסיס, דחף מעט את השלבים והניח מולם את מקסים גורקי מדבר עם לנין. מתוך האטוד "גורקי. אביב." הוא קיבל מצב טבע מוקדם יותר ברקע, והצמצם מאוד את הנוף עצמו עם הביתן לעומת הדמויות המרכזיות. אף על פי כן, שני המחקרים, כל אחד בפני עצמו, הם נוף פארק עצמאי לחלוטין, שאינו שונה מנופי הטבע הרבים האחרים של אביו. אם לא הייתי מספר את הסיפור הזה כאן, אתה, אם היית מבקר אמנות לפחות שלוש פעמים, לעולם לא היית מנחש ששתי העבודות האלה שימשו ליצירת תמונה של ריאליזם סוציאליסטי, נכון? אז איך אפשר לומר שלמערכונים אין אופי שלם וערך אמנותי עצמאי? (זכור את ההגדרה בויקיפדיה).
תמונה מרובת דמויות נושאית גדולה דורשת עבודה עצומה וארוכה עליה, נוכחות של מספר עצום של סקיצות וסקיצות. הוא נכתב אך ורק בסדנה, לרוב במשך שנים רבות. קח לפחות את א.א. איבנוב עם הציור הענק שלו "הופעתו של ישו לעם" עליו עבד האמן במשך עשרים שנה - מ-1837 עד 1857, או את וסילי סוריקוב, שעבד על כל אחד מציוריו במשך שלוש עד חמש שנים.
מה ההבדל בין תמונה ממחקר?
אטיוד, בהיותו יצירת אמנות עצמאית וגמורה לחלוטין, שונה מציור בעיקר בכך שהוא מצויר מהחיים. התמונה מצוירת אך ורק בסדנה על בסיס כמות עצומה של חומר - סקיצות, סקיצות, סקיצות, רישומי עיפרון וצילומים. לפעמים צריך ללמוד כמות גדולה של ספרות וכתבי עת, בעוד העלילה, כלומר נושא התמונה, מומצאת על ידי האמן עצמו, או מוכתבת על ידי הלקוח. וחשוב מכך, הציור מגלם תמיד את הכוונה המקדימה של האמן, בעוד שהסקיצה כתובה בעיקר באופן ספונטני - האמן לוקח את ספר הסקיצות והולך לחפש מניע, כלומר. מהסוג שהוא יכתוב. בכל מקום שראה, הוא עצר שם וכתב.
אין חריגים ורישומים, שנכתבו במיוחד כדי ליצור ציורים נושאיים גדולים. במקרה שהזכרתי למעלה, אבי מצא תחילה ביתן בגורקי לנינסקי, החליט להעמיד מולו את לנין וגורקי, ורק אז צייר עם הביתן הזה שני מחקרים מהטבע.
בעיקרון אפשר להגיד את זה כל מה שנכתב מהטבע הוא אטיוד, בין אם זה נוף, טבע דומם או דיוקן, וכל מה שדורש תוכנית ראשונית, עבודה ארוכה עם חומרי הכנה רבים ומגוונים - זו תמונה.
בהחלט, ציור יכול להיקרא בד יצירת עידן בגודל גדול, ולפעמים פשוט עצום. היה אמן כזה היינריך איפוליטוביץ' סמיראדסקי. אז הוא צייר ציורים כל כך גדולים שהם נתלו מהתקרה בסטודיו והגיעו עד הרצפה, ושתזכרו, זה היה רחוק מלהתרחש בחרושצ'וב. לכן, האקדמיה והפרופסור של האקדמיה הקיסרית לאמנויות נאלצו כל הזמן לטפס במדרגות, לפעמים היו לו יצירות ענק כאלה. G.I. סמיראדסקי היו בעיקר ציורי פנטזיה גדולים על נושאים עתיקים, שאת עלילותיהם הוא לקח מראשו, מכיוון שהוא, באופן טבעי, לא יכול היה להתבונן בחייו האמיתיים של יוון העתיקה ורומא בתקופת הקיסר נירון במו עיניו.
עם זאת, התמונה יכולה להיות צנועה למדי בגודלה, במיוחד עבור ציורי ז'אנר, כלומר ציורים של אמנים המתארים סצנות יומיומיות. לדוגמה, "השידוכים של מייג'ור" המפורסם של פאבל פדוטוב יש גודל אטיוד למדי - רק 58.3x75 ס"מ. אבל, כפי שאתה עצמך מבין, ברור שהוא לא נכתב מהטבע ממש בסלון של הסוחר.
התמונה ההיסטורית בכלל היא דבר פנטזיה בלבד. שני האחים ואסנצוב, למשל, כתבו על חומר היסטורי, אבל שונה מאוד. האחד שיחזר את החיים והארכיטקטורה של מוסקבה במאות ה-14 וה-17, השני לקח בסיס אגדות עם ואפוסים רוסיים. אבל אם אפולינריס, ברצינות, ברמה המדעית, שעסק בהיסטוריה ובארכאולוגיה, היה חבר בחברות היסטוריות וארכיאולוגיות שונות, בהיותו תומך נלהב בהפצת הידע על ההיסטוריה, ביקש לשחזר את החיים והשקפות של ימי הביניים מוסקבה "כפי שהייתה" על בסיס מסמכים עתיקים ותוצאות חפירות ארכיאולוגיות, שבהן הוא עצמו השתתף לפעמים באופן אישי, ציוריו של אחיו הבכור, ויקטור, כבר היו בטבע פנטזיה גרידא.
ציורי קרב נמצאים באותה קטגוריה. לצייר אותם מהחיים ממש בשדה הקרב, כפי שכמה נשים מתולדות האמנות מדמיינות, זה פשוט מגוחך. צייר הקרבות הרוסי המפורסם V.V. ורשג'ין, שצפה בעצמו בקרבות רבים, ולעתים אף לקח בהם חלק ישיר, צייר את ציוריו אך ורק מהזיכרון, באופן טבעי בסטודיו, על סמך רישומים רבים שערך בתיאטראות של מבצעים צבאיים. בנוסף, וסילי ואסילביץ' קרא הרבה, ראיין עדי ראייה, הוציא הרבה כסף על אביזרים - הוא קנה נשק, מדים, ציוד, שאותם שאב מהחיים, ובכך הכין סקיצות לציורים שהגה.
ציורים גדולים המתארים נוף הם גם דברים לא טבעיים, אלא שהומצאו על ידי האמן מראשו ונעשו על בסיס סקיצות טבעיות. פעם ראיתי במקרה סקיצה בגודל של כ-60 על 80 ס"מ, שעל בסיסה I.I. שישקין צייר את הציור הגדול והמפורסם שלו "שיפון", כבר בגודל 107 על 187 ס"מ. הסקיצה הייתה על קנבס ותוארה הכל כמו בתמונה, רק שהדרך לא עברה ישר מהצופה אל האורנים, אלא קצת הצידה ומספר האורנים היה שונה. במקרה זה, המחקר מהטבע שימש בבירור בסיס ליצירת תמונה גדולה עם נוף, אך כשלעצמו מדובר ביצירה גמורה לחלוטין ומעוצבת בקפידה.
כך, אפשר לדבר לא רק על סקיצה לציור, אלא גם על סקיצה לציור, אם הסקיצה נכתבת במיוחד עבורו. לרוב זה חל על הנוף. אם I.I. שישקין הגביל את עצמו לסקיצה שהוזכרה לעיל, ומשום מה לא התחיל לכתוב עליה יצירה בגודל גדול, אז עכשיו יתהדרו מבקרי האמנות של גלריה טרטיאקוב בציור של I.I. שישקין "שיפון" 60X80 ס"מ, לא חושד שמדובר במחקר מהטבע.
בואו נסכם:
ציור, בניגוד לסקיצה, מצריך בהכרח תוכנית ראשונית של האמן, התלבטות ארוכה, ותמיד נבדל ביסודיות הביצוע והעיטור, כביכול, בכתיבה. ציור בכל גודל מצויר תמיד על ידי האמן בסטודיו על בסיס החומר המגוון ביותר: צילומים, סקיצות הכנה וסקיצות, ובמידת הצורך על סמך לימודי שטח כתובים מראש. תמונה, אפילו קטנה, ועוד יותר גדולה בגודלה, תמיד מצוירת לא באוויר הפתוח, גם אם מדובר בנוף (נסו לגרור איתכם קולוסוס כזה אל השדה או אל היער!) , אבל בסטודיו של האמן. תמונה גדולה בהחלט כתובה על קנבס, מה שלא נובע מנוחות יוצאת דופן של קנבסים גדולים להובלה.
תמונה נושאית - כפועל יוצא מהמונח עצמו, זוהי תמונה על נושא ספציפי. לרוב מדובר בהרכב רב דמויות בגודל גדול. מונח זה עלה כבר בתולדות האמנות הסובייטית, ולכן הוא משמש לרוב עבור יצירות של מה שנקרא ריאליזם סוציאליסטי, למשל, על נושא המלחמה האזרחית, הפטריוטית הגדולה, או, נניח, "לנין באוקטובר". מכיוון שגודלן של יצירות כאלה הוא לרוב פשוט עצום, הצייר, כמובן, עובד על תמונה כזו בסטודיו שלו, וכותב אותה על קנבס. "הקוזקים כותבים מכתב לסולטן הטורקי" I.E. רפין, שגודלו הוא 2.03 על 3.58 מטר, יכול בעיקרון להיקרא גם ציור נושאי, אם כי אין שם ריח של ריאליזם סוציאליסטי. הוא נכתב גם על ידי איליה אפימוביץ' בסדנה על בסיס סקיצות וסקיצות רבות, כמו גם, למשל, "גרשי דוברות על הוולגה" (1.31 על 2.81 מ').
ציור ז'אנר - השם בא מהמילה הצרפתית "ז'אנר" - זו יצירה בדרך כלל
ציור ז'אנר קטן יכול להתבצע לא רק על קנבס, אלא גם על קרטון או קשיח. חומר זה החל להיות מופץ באופן נרחב כבר במאה ה-20.
יש גם דבר כזה דיוקן ז'אנר. סתם דיוקן הוא דיוקן של אדם על רקע נייטרלי, אבל כשיש רקע שמתאר חפצים, אנשים או אפילו נוף תעשייתי שמניע את הצופה, למשל, לעיסוק של המתואר, אז זה כבר דיוקן ז'אנר. דוגמה לכך היא דיוקן הנשי הז'אנר "וותיק מעבודת הכרייה" מאת האמנית הסובייטית קלאודיה אלכסנדרובנה טוטבול שכבר הוזכר כאן:
אטיוד, כפי שאמרנו למעלה, היא יצירה עצמאית גמורה לחלוטין, אבל בהחלט טבעית. זוהי יצירת אמנות עצמאית לחלוטין, אך היא יכולה לשמש גם כחומר עזר לתמונה גדולה של האמן, דבר שאינו פוגם מערכה האמנותי. זה יכול להיות טבע דומם, דיוקן, נוף, פנים. המחקר, בשל גודלו הקטן יחסית, כתוב על כל החומרים הנ"ל, אך העיקר בו, כמובן, הוא איכות עבודתו של הצייר, יכולתו לבנות קומפוזיציה בטבע דומם, לשקף. דמות הדוגמנית פורטרט, להעביר את ההתרגשות או שלוות הים, את הקור של יער חורפי, את היופי של שקיעה, את הקסם של סתיו זהוב או את מצב הרוח האביבי של הטבע בנוף.
סקיצה היא עבודת עזר, מטרתה לתקן את הרעיון של הרכב העתיד
תמונה נושאית. כדוגמה, ניקח סקיצה לציור "ארצות הבתולה" מאת E. D. Ishmametov. בו, האמן פיתח את הקומפוזיציה והצבע, הדמויות, התנוחות של הדמויות, ולאחר מכן צייר תמונה גדולה בנושא זה. הצייר תמיד חושב על הסקיצה לתמונה בזהירות רבה. בדרך כלל, סקיצה מאופיינת בחוסר שלמות מסוים, חוסר שלמות. זאת בשל העובדה שהאמן לרוב אינו צריך לסיים אותו, הנה משימה נוספת - פיתוח אפשרויות להרכב התמונה העתידית, חידוד העיצוב המקורי שלה. לכן, לרוב הסקיצה יש אופי של סקיצה. אבל זו יכולה להיות גם עבודה גמורה לחלוטין, מצויירת בקפידה, במיוחד כאשר הסקיצה מיועדת לאישור ועדת הבחירה, כפי שכבר ראינו בדוגמה של סקיצת התקרה לתיאטרון. אבאי באלמה-אתא מאת קלאודיה טוטבול.סקיצה, אם היא נעשית בתהליך של עבודה על ציור, היא גם עבודת עזר גרידא, לא גמורה, לא מצוירת לפרטי פרטים.
הוא כתוב או מצויר במהירות, אבל לאמנים טובים אין בו חוסר זהירות. אתה יכול לכתוב במהירות, למשל, ראש של דוגמנית, שיהפוך מאוחר יותר לדיוקן מוגמר ומרהיב, או שאתה יכול לעשות סקיצה מהירה של איזו דמות שאולי תידרש מאוחר יותר כדי ליצור את הקומפוזיציה של תמונה גדולה, ואת הסקיצה תישאר יצירה עצמאית, מעניינת לאספנים וחובבים. הנה, למשל, מערכון של V.G. גרמיטסקי "ריקוד":עם זאת, כפי שראינו לעיל, סקיצות יכולות להיות גם עצמאיות לחלוטין.
גם לסקיצה יש בדרך כלל אופי של סקיצה, אבל סקיצה היא בעצם תוכנית לתמונה עתידית, כל ההרכב שלה, בעוד שרטוט לתמונה הוא שרטוט מהיר של משהו שבאופן עקרוני ניתן לכלול בעתיד תְמוּנָה.
לגבי כמה מונחים נפוצים אחרים בציור:
פעם הופתעתי מאוד לגלות שצוות עובדים הוא "ציור שמן ללא ציור ברור של דמויות של אנשים או בעלי חיים". למעשה, צוות הוא דמויות קטנות של אנשים או בעלי חיים, שהאמן רשם בנוף כדי להחיות אותו.
מונח נוסף מציור נוף הוא מזלג כוונון. זוהי נקודת אור, בניגוד ברקע הכללי של הנוף. בדרך כלל זה סוג של כוח אדם. דוגמה לכך היא עבודתו של אמן טשקנט
V.M. קובינין "נוף הרים" עם דמות של ילדה לבושה בבגדים לאומיים אדומים בוהקים.
זה מוזר כשכל ציור שמן, אפילו קטן, ואפילו כתוב על קרטון, נקרא קנבס. "פשתן הוא בד פשתן חלק וצפוף מהאריגה הפשוטה ביותר; הזנים הדקים ביותר נקראו קמבריק, הגסים ביותר - קנבס, קנבס, שווים וכו'. (ויקיפדיה). לפיכך, הקנבס אינו יכול להיות לא קרטון או קנבס, ביחס לצביעה זה בהחלט קנבס.
בציור, ציורים בגדלים עצומים נקראים קנבסים, ובדרך כלל על נושא בעידן כלשהו. לפיכך, אנו יכולים לומר שרק קנבסים יצאו מתחת למכחול של וסילי סוריקוב, אבל קונסטנטין קורובין התפרסם בעיקר בזכות עבודות האטיוד שלו. אם אפשר בהחלט לקרוא ל"הגל התשיעי" של אייבזובסקי בד, אז ביחס לעבודה הקטנה שהוזכרה כבר "פרש טרי" מאת פדוטוב, זה יהיה פשוט מגוחך, למרות העובדה שהוא מצוייר גם על בד.
עוד קצת על קרקעות: מה זה ג'סו? זהו פריימר מיוחד, גם הוא על בסיס גיר, המשמש לכיסוי לוח עץ. בעבר, במערב אירופה, תמונות נכתבו לעתים קרובות על הלוחות, ברוסיה - אייקונים, ותמיד. זה חומר מאוד לא נוח. בהולנד, פעם, יובשו הלוחות במשך 50 שנה, רק לאחר מכן הם נלקחו לעבודה. כעת אמנים ממעטים להשתמש בגסו, שכן הצבע, יחד עם שכבה עבה של פריימר, נקרע בקלות עם הזמן או ממכה קלה. כן, וציירי אייקונים מודרניים משתמשים בו פחות ופחות.
לסיכום, אני אתן עוד כמה איורים לצורך הבהירות:
עבודתו של V.G. גרמיטסקי, שמכונה "אטיוד". זהו למעשה, כפי שהשם מרמז, דיוקן ז'אנר חד-פעמי של פועלת בקנה מידה מלא, שצויר ממש במקום עבודתה בהקמת תחנת הכוח ההידרואלקטרית Kuibyshev.
והנה דיוקן ז'אנר של האמן טשקנט ולרי קובינין:
ברור שאין זה דיוקן של מפגש בודד, כאן האמן ייסר בבירור את עמיתו, ששימש לו מודל, במספר הפגישות, מה שניכר הן מהכתיבה הקפדנית של היצירה והן מגודלה. אף על פי כן, דיוקן גברי זה אינו ציור, אלא מחקר שדה רב מפגשים, שאינו פוגם מערכו האמנותי.
כהוכחה לקביעה האחרונה, שקול את הדיוקן הנשי המפורסם "הנערה באור השמש". בת דודתו, מריה סימונוביץ' V.A. סרוב צייר מהטבע לאורך כל קיץ 1888, ותפס כל יום שמש (בימים מעוננים הוא צייר את הנוף "בריכה מגודלת"). תוכנית ראשונית (אמרנו למעלה שגם לאמן המפורסם לא היה, הוא רק רצה, כדבריו, "לכתוב משהו מעודד".
לפיכך, כאן אנו עוסקים בלא יותר מאשר מחקר טבעי מרובה מפגשים טיפוסי, שנכתב מתוך גחמה, מתוך רצון מיידי. למזלו של P.M. טרטיאקוב, שקנה את העבודה הזו, עדיין לא ידע ש"לימוד - באמנות פלסטית - הוא סקיצה הכנה לעבודה עתידית". (ויקיפדיה) כן, ולנטין סרוב הראה מידה קיצונית של חוסר מקצועיות, והוציא על איזה שני סקיצות הכנה - דיוקן של ילדה ונוף עם בריכה, אפילו 90 יום!
אפשר להביא עוד דוגמאות רבות דומות, אבל אני חושש שכבר עייפתי מאוד את הקורא. אני מקווה שבכל זאת הצלחתי לתרום את תרומתי הצנועה להסבר לקהל הרחב כמה מהמונחים האמנותיים הנפוצים ביותר, שבהם לפעמים, למען האמת, אפילו האמנים עצמם מתבלבלים.
אלכסנדר גרמיטסקיך
על האווטאר: V.M. קובינין "לבזאר יום ראשון. קרקלפקסטן". שמן על בד 98x178. 1971 (זהו ציור ז'אנר גדול טיפוסי)
וואו, ציור מעולה! - החמיא לעבודה ומיד פגע באמנית בטרמינולוגיה לא נכונה
אתם בטח יודעים, חברים, שאמן טוב אך מושפע עלול להיעלב אם תגידו לו שהוא מצייר את התמונה שלו. זה כמו להגיד שספינות מפליגות בים... אבל כולנו יודעים שספינות שטים בים!
ובכל זאת, אדם שרחוק מאמנות יפה לא יכול לומר במדויק מהו ציור, מהו רישום וכיצד הם שונים זה מזה. לכן, "ציור" ו"כתיבה" הם זהים עבורו. אבל נסה לומר למאסטר שיש לו "ציור" טוב על הבד!
אין דרך קלה יותר לפגוע באופי יצירתי רגיש, אם כי צופה פשוט לא יבין מיד מה לא בסדר ופוגע כאן.
ציור ורישום הם מושגים קרובים ואף קשורים, אך מופרדים בבירור זה מזה. כמו כן ידוע מתי מציירים תמונות ומתי מציירים אותן.
בואו ננסה להבין את זה טרמינולוגיה באמנות החזותית. תאמין לי, זה לא חשוב רק למי שעוסק ביצירתיות, אלא גם מעניין.
ההבדל בין ציור לציור
מדבר בשפה רשמית קפדנית, צִיוּר - זוהי תמונה של כל תמונות, אובייקטים ותופעות במישור. אתה יכול לצייר עם גיר, עט, עיפרון, צבעים - כל מה שמשאיר עקבות על משטח מסוים.
בכלל, גם גירוד עם יהלום על זכוכית או למשל גרפיקה בעט בשיעור וקעקוע זה גם ציור.
אבל צִיוּר - גם זה דימוי של חפצים ותופעות, אבל רק עם שימוש בצבעים. כלומר, אם מדברים בשפה יבשה וצורנית, הציור הוא אחת האפשרויות לציור, שבה מכחול משמש ככלי, והצבעים הם האמצעי שיוצר תמונה.
במילים אחרות, ציור הוא גרפיקה ונחשבבאופן רשמי, כל מה שנעשה על הנייר הוא גרפיקה, ולמרבה הפלא, צבעי מים נחשבים גם לגרפיקה. למרות שעבודות רבות נחשבות כציוריות וגם על הנייר
אז כל מה שיש על הנייר הוא גרפיקה, וכל השאר הוא ציור... על קנבס, עץ, זכוכית, קיר
זוכרים שיעורי ציור בבית הספר? שם כל הנושא נקרא כך: אמנות יפה. לא היו שיעורים נפרדים בציור או רישום, רק היום לימדו אותם לעבוד עם שמן, ולמחרת - עם עפרונות.
מכאן האמונה הרווחת שציור הוא רק וריאנט של רישום. פורמלית, זה כך, במציאות - אחרת.
Fine Arts - The Art of Capturing Images = Fine Arts, שילוב של סוגים שונים של ציור, גרפיקה, פיסול
למעשה, היררכיה כזו היא בירוקרטיה של ממש. באמנות החזותית כיום ישנה חלוקה ברורה: צִיוּר- זו עבודה עם מברשת וצבעים על חומרים צפופים, צִיוּרהוא השימוש בכל החומרים האחרים על הנייר.
זה אולי לא כל כך קפדני ומדעי, אבל עולם האמנות אהוב על רבים מכיוון שהוא לא כפוף למדע, ולכן חוקיו לא בהכרח חייבים להתאים לסיווג ולטרמינולוגיה קפדנית.
יש ניואנס נוסף: לחשוב על המילה "צִיוּר"- הוא מורכב משני חלקים: "לחיות"ו "לִכתוֹב". אפשר לפרש את זה בדרכים שונות, אבל אמנים רבים אומרים שהעבודה עם צבעים חיה בדיוק בגלל שהצבעים עצמם מתייבשים לאחר יישום על הבד ומשנים במידת מה את תכונותיהם, כלומר, הם חיים את חייהם.
ולתמונה עצמה יש חיים דינמיים משלה, התמונה חיה.אוֹ תֵאוּר- לכתוב בצורה חיה... בכלל, המילה תיאור נשמעת גבוהה ויפה לדעתי
מתבונן בתמונות חיות ומשקף אותן
אז, הבנו את החלק הזה: ציור הוא עבודה עם צבעים, ציור הוא שימוש באמצעים אחרים. יתר על כן, ציור כן ציור, מונומנטלי ודקורטיבי, שונה גם מצורות ציור דומות.
הם שמים צבע על הקירות - אנחנו מדברים על ציור, מקשטים אותם בעפרונות - זה כבר ציור.
ציור או ציור?
שאלה נוספת, חריפה לא פחות, היא איך קוראים לתהליך יצירת התמונה. נראה שאם נוצרת תמונה, אז מציירים אותה. ואם הם מדברים על מכתב, הם בדרך כלל מתכוונים לטקסט.
כאן יש למינוח שורשים היסטוריים עמוקים.הציור ברוסיה התפתח בהדרגה מציור אייקונים, כאשר המאסטרים החלו לנסות להחיות, להפוך את המוטיבים התנ"כיים לחיים יותר, תוך שימוש באותן טכניקות, ולאחר מכן עברו לחלוטין לציורים שאין להם שום קשר לדת.
אבל מאז אייקונים במקור "כתבתי", אז נדדה המילה הזו לציור והיום מצוירים גם ציורי שמן.
לעתים קרובות אני חוטא ובדרך כלל "מצייר" את התמונות שלי
אם אנחנו מדברים על רישום, אז כל העבודות כאן מצוירות, לא משנה כמה הן עשויות להיות משמעותיות. אפשר כמובן לומר שהאמן "כתב" בד אפי בעיפרון, אבל זו לא יותר מאשר חירות.
האם אתה יכול לצייר על קנבס?
באופן כללי נהוג לומר שמציירים על קנבס בשמן, אבל למשל פשוט מציירים על נייר. אבל אלה אינם כללים מוחלטים.
לדוגמה, לפני ציור עם צבעים, האמן עשוי לעשות סקיצה בעיפרון על הבד.זהו ציור, מחברו מצייר. ורק כאשר מוחל צבע על הציור הזה, התמונה מתחילה להצטייר.
אמנם, אף אחד לא אסר לצייר בעפרונות, פחם על קנבס... השאלה היחידה היא שציור על בד בד לא נוח במיוחד לטכניקות יבשות, אלא אם כן, כמובן, זה מקום שאפשר להשתמש בו בכל דבר.
הדבר נכון לגבי כל יסוד אחר, לא רק ציור כן ציור מאפשר לך לצייר תמונות. לדוגמה, ציור מונומנטליכולל ציור תמונות עם צבעים על אובייקטים אדריכליים שונים של החזית, ציור דקורטיבי- זהו מכתב על חפצים ופרטים שונים של הפנים, - אלו הם ציורי קיר בתוך החדר עם ציורי קיר שונים וציורי קיר - חבטות
יחד עם זאת, אם ניקח כוס או כד ונצבע אותם, למשל, בדיו, זה כבר יהיה ציור דקורטיבי. זה אומר שזה לא תלוי בבסיס אם אנחנו עוסקים בציור או ברישום. הכל תלוי בחומרים איתם נוצרת התמונה.
ולבסוף: אל תניחו שציור מיועד למקצוענים, ורישום הוא לחובבנים. בכלל לא! לעתים קרובות, עפרונות, פסטלים או עפרונות יוצרים יצירות שהן לא פחות גרנדיוזיות ומפוארות מציורי שמן או אקריליק.
והמורכבות של יצירת יצירה, למשל, רק בעפרונות, היא גבוהה מאוד. לכן, אם אתה אוהב לצייר, אין צורך בכלל לענות את עצמך ולהכריח את עצמך לכתוב עם צבעים בלי להיכשל - זה בהחלט אפשרי ליצור יצירות מופת עם מה שאתה הכי אוהב.
מאסטרים של פורטרטים בגרפיקה
רק במקרה הזה, אגב, תוכל לבטא את עצמך ואת הרגשות שלך במלואם בעבודה שלך, בין אם על קנבס, נייר, זכוכית או על הקיר! אלה הם העיקריים, וחומרים וטכניקות הם רק כלים, ביניהם אתה בוחר את הנוח לך ביותר.
חברים לכתבה לא אבוד בין מאמרים רבים אחרים באינטרנט,לשמור בסימניות.אז אתה יכול לחזור לקרוא בכל עת.
שאל את השאלות שלך למטה בתגובות, אני בדרך כלל עונה על כל השאלות במהירות
עשה את העבודה הדרושה.חקור את היצירה, הכירו יצירות אחרות של המחבר, השוו את החתימות, בחנו אותן מקרוב. שיפור הידע שלך חשוב מאוד כדי להעריך את התמונה ולהבין מה לחפש כדי לקבוע את האותנטיות.
בקרו במוזיאון ותראו את הפטינה.אם תבקשו לראות את גב הציור, העובדים יעזרו לכם לעשות זאת. העריכו את התחושה והמראה של יצירות אמנות ישנות. העריכו את העומק ומספר השכבות שנדרשו כדי להשיג את הצבע הרצוי עבור האמן.
הסתכל על הפטינה של העץ כדי לקבוע אם הוא עתיק.קבע כיצד המסגרת מורכבת, באילו מסמרים ומהדקים משתמשים.
חפש שערות מברשת.בעותקים של ציורים נותרו לפעמים שערות ממברשות זולות על הבד עצמו.
השתמש בחוש הריח שלך.אם אתה מצליח להתקרב אליה, הריח אותה. הצבע מתייבש לאורך זמן, לוקח שנים עד שהציור מפסיק לחלוטין להריח.
תחליט איך התמונה גורמת לך להרגיש.נתח הכל כמכלול. לדוגמה, לזיופים רבים אין מספיק עומק צבע, שכבות. קל לצלם יצירה, אבל אי אפשר להעביר את שכבות הצבע של ציור.
הכל חייב להתאים.בדקו אם הכל משתלב בתמונה - למשל המסגרת והקנבס, גם קשה לזייף את הפטינה.
בקש הערכה.אם אתה באמת אוהב עבודה כלשהי, אתה צריך למשוך צד שלישי שיכול להעריך ללא משוא פנים את התמונה. כיצד תוכלו להיות בטוחים שניתן לסמוך על השמאי? עליו להיות בעל תעודה מאיגוד מקצועי אחד או יותר של שמאי אמנות, ניסיון עם אמן מסוים. רצוי לא סוחר אומנות או מתווך. דוגמה לכך היא http://www.bernardewell.com, שהוא מומחה לסלבדור דאלי שציוריו מועתקים לעתים קרובות. גלה כיצד הציורים של האמן הזה נמכרים - אילו בתי מכירות פומביות מוכרים אותם, באיזה גודל הם, מתי הם מוכרים, ועם איזה סוכן?
שים לב שחלק מהסוחרים, במיוחד אלו שבספינות תענוגות, עשויים לנסות לרמות את הקונה על ידי מכירת הציור במחיר מנופח. חפש את החתימה והמספר - הם צריכים להיות שם תמיד. ציורים ללא חתימה אינם בעלי עניין רב, כי ניתן ליצור עותקים רבים כאלה.
חקור את הגלריה.על יצירות אמנות רבות יהיו מדבקות גלריה או מידע על הגב. בדוק את הגלריה כדי לראות אם זה המקרה. במקרים מסוימים, המסגרת והלהב צריכים להראות סימני בלאי. קצוות עץ לא יכולים להישאר חדים כל כך לאחר 50 או 100 שנים, המסגרת עצמה צריכה להתייבש. בחן את המוניטין של האמן. גלה שכמה סופרים חתמו על טופס ריק, ולאחר מכן הועתקה חתימתם לציורים. זהו סימן שלילי, ולכן לציורים שלהם מחיר נמוך יותר. זה ידוע שלפעמים סלבדור דאלי עשה זאת.
טוען...
