רנה מגריט תיאור הציפיות הגדולות. רנה מגריט, ציורים, חידות פילוסופיות וסוריאליזם

18.07.2017 אוקסנה קופנקינה

רנה מגריט. ראיית רוח (דיוקן עצמי). 54 על 64.9 ס"מ. 1936. אוסף פרטי. Artchive.ru

אין טיפה של יציבה באמנות של רנה מגריט. הוא לא "מעניין" את הצופה בעזרת ציוריו המסתוריים. במקום זאת, הוא קורא לחשוב.

ציור נעים לעין אינו אמנות עבור מגריט. זה ריק לגמרי בשבילו.

כיום, אנציקלופדיות מגדירות את מגריט כסוריאליסט מצטיין. המאסטר לא יאהב את זה. הוא נמנע מהפסיכואנליזה ולא אהב את פרויד.

לאחר ששבר פעם אחת את קשריו היצירתיים עם אנדרה ברטון (התיאורטיקן של הסוריאליזם), הוא אסר אי פעם לקרוא לעצמו סוריאליסט.

הוא הפך לחלוץ הריאליזם הקסום. מגריט היה בדרך כלל אמן חופשי, לא מוכן להיפרד מהחופש שלו בשם ההכרה. לכן כתב רק מה שחשוב לו.

מחלוקת נקודת מוצא

רנה נולד ב-21 בנובמבר 1898 בעיר לסין (בלגיה). לאחר זמן קצר נולדו שלושה אחים נוספים.

ילדות מאושרת הסתיימה עבור האמן העתידי בגיל 14. בשנת 1912 טבעה אמו את עצמה בנהר. כשראה כיצד תושבי העיר שלפו את גופתה חסרת החיים של אמו, רנה הצעיר ניסה להבין את הסיבה למה שקרה. הוא תמיד האמין בכוחה של המחשבה. אתה רק צריך להתאמץ, ואז המוח ימצא את התשובות.

כיום, היסטוריונים של האמנות מתווכחים על ההשפעה על הצייר של הטרגדיה של הילדות. יש הסבורים כי בחסות הדרמה הזו הופיעה סדרת ציורים המתארים בתולות ים. נכון, למגריט יש בתולות ים להיפך: עם חלק עליון של דג ותחתית אנושית.

רנה מגריט. המצאה קולקטיבית. 1934 אוסף אמנות של נורדריין-וסטפאליה, דיסלדורף. Wikiart.org

אחרים, מבלי להכחיש את ההשפעה של העמוד הקודר הזה של הביוגרפיה, עדיין נוטים לראות את טבעו של הכישרון באישיותו של האמן.

ר' מגריט. דְיוֹקָן. 1935 MOMA, ניו יורק

הוא היה איש חזון אמיתי. הוא המציא משחקים ובידור חסרי תקדים. אבל הלך הרוח הרומנטי של רנה היה זר לאחיו. הם מעולם לא הצליחו להפוך לאנשי משפחה.

מי יודע, אולי יש לנו דיוקן של אחד מאחיו. מה שמשקף את מערכת היחסים הקרירה בין קרובי דם.

אתה רואה את העין בבייקון? אני חושב, בלשון המעטה, אתה צריך לא לאהוב אדם כדי לצייר דיוקן כזה שלו.

אהבה לכל החיים

אבל אשתו, ג'ורג'ט ברגר, הפכה לאדם קרוב באמת עבורו. הם נפגשו כבני נוער. ולאחר שנפגשו בטעות בגן הבוטני כמבוגרים, הם לא נפרדו שוב.

ג'ורג'ט הייתה המוזה והחברה הכי טובה שלו. מגריט הקדיש לה יותר מבד אחד שלו, והיא הקדישה לו את כל חייה.

רק סיפור אחד האפיל על חיי המשפחה שלהם. לאחר 13 שנות נישואים, מגריט החלה להתעניין באישה אחרת. ג'ורג'ט נקמה בו כשניהלה רומן עם חברו. הם חיו בנפרד 5 שנים.

בתקופה זו, משום מה, צייר מגריט את הדיוקן הזה של ג'ורג'ט.

רנה מגריט. ג'ורג'ט. 1937 מוזיאון לאמנויות יפות, בריסל. Wikiart.org

הדיוקן הזה דמוי גלויה במיוחד. פתיחות כזו אופיינית כמעט לכל ציוריו של מגריט.

בשנת 1940, בני הזוג התאחדו שוב. והם לא נפרדו.

לאחר מותו של בעלה, נזכרה ג'ורג'ט שעד עכשיו, כשהיא מביטה בציוריו, היא מדברת איתו ולעתים קרובות מתווכחת.

מגריט לא רצה לגלם את אהבתו כסוג של קלישאה. במאמץ להגיע למהות התחושה הזו, הוא יוצר את הבד "אוהבים". עליה פניהם של צעירים עטופים בסדינים.

רנה מגריט. אוהבים. 54 x 73.4 ס"מ. 1928 המוזיאון לאמנות מודרנית (MOMA), ניו יורק. Renemagritte.org

יצירה זו בולטת באנונימיות שלה. איננו רואים את פני הגיבורים. חוסר אישיות כזו אופיינית כמעט לכל יצירותיו של האמן.

גם אם לא היה רעלה על הפנים, תווי הפנים נחסמו על ידי חפץ רגיל. למשל, תפוח.

רנה מגריט. בן אדם. 116 על 89 ס"מ. 1964. אוסף פרטי. Artchive.ru

הכרה וחובה אזרחית

בשנת 1918, הצעיר סיים את לימודיו באקדמיה המלכותית לאמנויות יפות. לאחר שעבר את סף ה"עלמא", החל לחפש בכאב פרנסה.

הוא לא יכול היה לצאת נגד הרעיון שלו, להסתגל לטעמו של הציבור. לכן, הוא קיבל עבודה בבית מלאכה שצייר טפטים.

קשה לדמיין סתירה עצובה יותר: האמן, שיותר מכל ניסה ללכוד את המחשבה, נאלץ לצייר פרחים על הטפט.

אבל רנה המשיך לכתוב בזמנו הפנוי. גיבורי ציוריו הם חפצים רגילים. או ליתר דיוק, הרעיונות החבויים מאחוריהם.

יש סדרה של ציורים שליליים, שבהם האמן מצייר בכוונה, למשל, מקטרת ומשאיר חתימה: "זה לא מקטרת". ובכך מפנה את תשומת הלב למה שעומד מאחורי המעטפת המוכרת של הנושא.

רנה מגריט. בוגדנות בתמונות (זה לא צינור). 63.5 על 93.9 ס"מ. 1948. אוסף פרטי. Wikiart.org.

כל ציור של מגריט הוא סיפור עצמאי שנון. מרכיבי הקנבס אינם מתפשטים, אינם מתעוותים. הם מציאותיים וניתנים לזיהוי.

אבל במצטבר הקומפוזיציה הם יוצרים איזה רעיון חדש לגמרי. המאסטר טען כי משמעות מיוחדת "תפורה" בכל אחד מציוריו. בלי בלאגן חסר טעם.

מה, למשל, המשמעות של גשם של אנשים? האמן עצמו מעולם לא פענח את ציוריו. כל אחד מחפש לעצמו סאבטקסט נסתר.

רנה מגריט. גולקונדה. 100 על 81 ס"מ. 1953. אוסף פרטי, יוסטון. Artchive.ru

ב-1927 נפתחה התערוכה הראשונה של רנה, שלא זכתה להצלחה קריטית. והזוג מגריט עוזב לפריז, בירת האמנות האוונגרדית.

לאחר שיתוף פעולה קצר עם חוג ברטון, האמן בוחר את דרכו ומגיע במהירות להצלחה.

בני זמננו זוכרים שרנה היה שונה מכל האמנים. מעולם לא הייתה לו בית מלאכה משלו. ובבית בו התגורר מגריט, לא הייתה אי סדר האופיינית לצייר. מגריט אמר שצבע נוצר כדי להיות מיושם על קנבס, לא למרוח על הרצפה.

עם זאת, הציורים שלו היו "נקיים" באותה מידה ואפילו יבשים למדי. קווים ברורים, צורות מושלמות. ריאליזם אולטימטיבי, הופך לאשליה.

רנה מגריט. תנאי הקיום האנושי. 1934 אוסף פרטי. Artchive.ru

עם תחילת המלחמה החל מגריט לצייר תמונות שלא אופיינו לסגנונו. התקופה " " תיקרא הפעם על ידי מבקרי אמנות.

רנה האמין שזו חובתו האזרחית לכתוב תמונות המאשרות חיים, לתת לצופה תקווה. יונת השלום עם זנב של פרחים היא דוגמה חיה לאומנות ה"צבאית" של מגריט.

רנה מגריט. סימן מבשר טובות. 1944 אוסף פרטי. Wikiart.org

השיג אלמוות

לאחר המלחמה, חזר מגריט לסגנונו הרגיל, וחשב הרבה על מוות וחיים.

די להיזכר בפרודיות שלו על ציורים מפורסמים של אמנים אחרים, שם החליף את כל הדמויות בארונות קבורה. כך נראית התמונה "מרפסת" בפרשנות של מגריט.

רנה מגריט. פרספקטיבה ב': המרפסת של מאנה. 80 x 60 ס"מ. מוזיאון לאמנויות יפות 1950, גנט. Artchive.ru

מגריט מזהה את גדולתו של המוות לפני המחשבה. האנשים האלה, אנשים אמיתיים שפעם הצטלמו לאדוארד מאנה, כבר לא בחיים. וכל מחשבותיהם לנצח הלכו אל השכחה.

אבל האם מגריט הצליח לרמות את המוות? אשתו ג'ורג'ט טענה שכן! הוא חי בציוריו, בחידות, חידות, שכל אחד נושא בפני עצמו. וקורא לצופה למצוא את התשובה שלו.

לאחר מותה של האמנית מסרטן הלבלב ב-1967, ג'ורג'ט שמרה עד סוף ימיה על כל מה שהיה שייך לבן זוגה המוכשר - מברשות, פלטה, צבעים. ועל כן הציור עדיין עמד הציור הבלתי גמור "אימפריית האור".

רנה מגריט. אימפריית האור. 146 על 114 ס"מ. שנות ה-50. אוסף פגי גוגנהיים בוונציה.

למי שלא רוצה לפספס את המעניין ביותר על אמנים וציורים. השאירו את המייל שלכם (בטופס מתחת לטקסט) ותוכלו לדעת על מאמרים חדשים בבלוג שלי.

בקשר עם

כאן פרסמתי ציורים של רנה מגריט עם כותרות. גם כמה עובדות על האופי והפילוסופיה של האיש הזה. מי שרוצה ללמוד עוד על הביוגרפיה של האמן הזה, אני ממליץ לך לצפות בסרט מונסיניור מגריט.

דחיתי את הפוסט הזה הרבה זמן, לא בגלל שאני לא אוהב את רנה מגריט, אלא להפך בגלל המשמעות של התופעה הזו. למעשה, להבנתי, עמודי התווך של הסוריאליזם בציור הם שני אנשים: סלבדור דאלי ורנה מגריט. הם כמו טולקין ולואיס בפנטזיה. למגריט ודאלי היו וממשיכים להשפיע על כל הסוריאליסטים.

עם זאת, הם היו שני אנשים שונים לחלוטין, שונים ככל שהתמונות שלהם שונות. רנה מגריט, בניגוד לדאלי, ולכל הסוריאליסטים האחרים, לא אהב לזעזע את הציבור, לא ניהל מריבות, לא השתמש בציפורני זבובים להשראה, ובילה את כל חייו עם אישה אחת - אשתו ג'ורג'ט, מוזה ראשית, נשמה ודוגמנית.

הפילוסופיה של רנה מגריט

מה שמסקרן הוא שהאיש שנחשב יחד עם דאלי לקלאסיקה של סוריאליזם, אפילו לא הכיר בפילוסופיה של מגמה זו, שבה הפסיכואנליזה תפסה את אחד המקומות המרכזיים. הבלגי האמין שאי אפשר לנתח יצירתיות, שזו חידה, חידה פילוסופית, אבל לא נושא הניתוח הפרוידיאני.

בהתחשב בפילוסופיה זו, אין זה מפתיע שרבות מיצירותיו גורמות לרוב לתמיהה ולתחושה שהאמן לועג לך. ברור שעמימות וסמליות כאלה תרמו לעובדה שנוצרו פארודיות ומתקנים רבים על ציוריו. פופולרי במיוחד בהקשר זה הוא הציור "בן האדם".

די בורגר הגון :) זה לא דאלי בשבילך עם חליפת החלל שלו :)

באופן כללי, מגריט היה אדם שקט ורגוע, והדברים המעניינים ביותר קרו בראשו. אולי בגלל זה נעשו כל כך מעט סרטים על רנה מגריט, בניגוד לדאלי.

לא אפרט כאן ביובש את העובדות מהביוגרפיה שלו, 100,500 אנשים אחרים כבר עשו את זה בשבילי. אני לא חושב שבשביל זה אנשים הולכים לבלוג, אחרי הכל, בשביל זה יש pediwiki. אם אתה רוצה להסתכל מקרוב על הביוגרפיה של האמן הזה, אני ממליץ לך לראות את הסרט מסייה רנה מגריט (מסייה רנה מגריט) 1978. זה יותר מעניין מקריאת טקסט יבש בוויקיפדיה (עם כל הכבוד לפדוויקי).

ציורים מאת רנה מגריט עם כותרות

כל מה שהאיש הזה רצה לספר לנו - הוא אמר בציוריו. ציוריו של רנה מגריט, בניגוד ללחץ הסוער של חזיונותיו הגחמניים של דאלי, רגועים ופילוסופיים יותר. בנוסף, הבדים של מגריט חדורים בחוש הומור מאוד מוזר. מה ששווה רק תמונה שלו של צינור, עם חתימה בתחתית - זה לא צינור.

La Philosophie dans le boudoir (פילוסופיה בבודואר)

La Magie noire (קסם שחור) אומרים שכל הדימויים הנשיים בציוריו הם דימויים של אשתו. כשמסתכלים על התמונה הזו, אתה מתחיל להבין מדוע הוא חי כל חייו עם אישה אחת. לדעתי הרבה יותר יפה מגאלה.
La Memoire (זיכרון).
Cosmogonie Elementaire (קוסמוגוניה יסודית).
La Naissance de l'idole (הולדת אליל).
La Belle captive (השבי היפה).
L'Invention collective (המצאה קולקטיבית), ציור מאת רנה מגריט.
Les Amants (המאהבים), רנה מגריט, ציורים, סוריאליזם. Le Therapeute II (מטפל II), רנה מגריט, אמנים, סוריאליזם.

Le Fils de l'homme (בן האדם), רנה מגריט. אחד הציורים המפורסמים ביותר של האמן.
Le Faux miroir (מראה מזויפת),
Le Coup au coeur (מכה אל הלב)

אחד האמנים הבולטים של המאה הקודמת, רנה מגריט (1898-1967) היה מבלגיה. בשנת 1912, טבעה אמו את עצמה בנהר, מה שכנראה עשה רושם רב על האמן העתידי בן העשרה דאז, אולם, בניגוד לאמונה הרווחת, אין להפריז בהשפעה של אירוע זה על יצירתו של המחבר. מגריט החזיר מילדות מספר זיכרונות אחרים, לא כל כך טרגיים, אבל לא פחות מסתוריים, עליהם הוא עצמו אמר שהם באו לידי ביטוי ביצירתו.

התחנך באקדמיה לאמנויות יפות בבריסל, הושפע תחילה מאוד מהדאדאיזם והקוביזם. 1925 הייתה נקודת מפנה ביצירתו: הציור "שושני פיקרד" סימן סגנון חדש וגישה חדשה - "ריאליזם פואטי". האמן עובר ל"מרכז הסוריאליזם" - פריז, שם הוא משתתף בכל התערוכות הסוריאליסטיות. ובשנת 1938, הגלריה לאמנות בלונדון ארגנה את התערוכה הגדולה הראשונה של המאסטר הבלגי.

בתחילת שנות ה-50 האמנות של מגריט זוכה להכרה בינלאומית הולכת וגוברת, כפי שמעידות תערוכותיו הגדולות ברומא, לונדון, ניו יורק, פריז ובריסל. בשנת 1956, זכה מגריט, כנציג מצטיין של תרבות בלגיה, בפרס גוגנהיים היוקרתי.

המאפיין העיקרי של מגריט הוא אווירת המסתורין ביצירותיו. תחושת המסתורין, כידוע, טבועה באמנות אמיתית. "תמיד התייחסתי למגריט כאמן דמיוני, מאסטר שעומד איפשהו ברמה של ג'ורג'יון", כתב הרברט ריד. מילים אלו מכילות את המפתח לפואטיקה של מגריט.

בציור "מראה שווא" (1929), שביטא את אמונתו האידיאולוגית של האמן, כל החלל תפוס בדימוי של עין ענקית. רק במקום הקשתית, הצופה רואה שמיים כחולים קיציים עם עננים שקופים מרחפים על פניהם. הכותרת מסבירה את הרעיון של התמונה: אברי החישה משקפים רק את המראה של הדברים, מבלי להעביר את מעמקי העולם הנסתרים, את סודותיו. רק הבלתי תואם עוזר, לפי מגריט, לתפוס את משמעות ההוויה. תמונה יכולה להיוולד רק מהתכנסות של שתי מציאויות רחוקות יותר או פחות.

מגריט ילך לפי השיטה הזו לאורך כל הקריירה שלו, מה שבולט במיוחד בציוריו ה"פילוסופיים". אחד מהם הוא החופשה של הגל (1958).

"הציור האחרון שלי", כתב, "התחיל בשאלה: איך לתאר כוס מים בתמונה בצורה כזו שהיא לא תהיה אדיש לנו? אבל יחד עם זאת, ובצורה כזו. זה לא יהיה מוזר במיוחד, שרירותי או חסר חשיבות. אחד במילה כדי שאפשר יהיה לומר: גאוני (בוא נשאיר בושה מיותרת).
התחלתי לצייר את המשקפיים בזה אחר זה (שלושה סקיצות), בכל פעם במכה לרוחב (סקיצה). אחרי המאה או מאה וחמישים
ציור, הקו הפך מעט רחב יותר (מתאר). בהתחלה, המטריה עמדה בתוך הזכוכית (סקיצה), אבל אז אבל אז התברר שהיא נמצאת מתחתיה (סקיצה).
אז מצאתי פתרון לשאלה המקורית: איך אפשר לתאר כוס מים בצורה גאונית. מהר מאוד הבנתי שהנושא הזה יכול לעניין מאוד את הגל (הוא גם גאון), כי הנושא שלי משלב שניים הפוכים
שאיפות: לא רוצה מים (דוחה אותם) ורוצה מים (קולט אותם). אני חושב שהוא היה אוהב או מוצא את זה מצחיק (למשל, בחגים). לכן קראתי לתמונה "החופשה של הגל".

מגריט בולט בחדות בקרב הסוריאליסטים: בניגוד אליהם, הוא לא משתמש באלמנטים פנטסטיים, אלא רגילים, שצולמו בדרכים מוזרות. כזה הוא ציורו המפורסם "רכוש אישי" (1952).

ה"מפתח" כאן הוא גם השם. היפרטרופיות "אישיות" לממדים מפלצתיים. החדר הופך למעין "מיקרוקוסמוס", סגור, סחוט, למרות השמיים עם עננים שמרחפים עליו במקום קירות. כל הדברים כאן השתנו באופן מוזר, כאילו התעוררו לחיים, רכשו מראה לא תועלתני, אם כי, כמו תמיד אצל מגריט, החפצים לא שינו את המראה, המרקם, הצבע שלהם והם "ניתנים לזיהוי" לחלוטין. הצופה, כבדרך אגב, מתפעל מהברק הכחלחל של זכוכית הזכוכית, מרקם רהיטי עץ, מיומנות העברת השתקפויות מראה. אבל סתם כך, כי נראה שהחפצים זכו לעצמאות, כאילו הם מדברים בשם בעליהם, תוך שהם גוזלים לחלוטין את תפקידו ה"מוביל". הם עצמם הפכו ל"אישיות" ונראה שהם מדברים זה עם זה.

אחד המאפיינים של הציור המוקדם של מגריט הוא ה"ספרותיות" שלו במובן הטוב של המילה. מגריט מסתובב במעגל של משוררים, פילוסופים, סופרים, חוקר את היצירות התיאורטיות של הרומנטיקנים המפורסמים של המאה ה-19. הוא הושפע מאוד מיצירותיו של המשורר והפילוסוף הרומנטי האנגלי של תחילת המאה ה-19. סמואל טיילור קולרידג', שהעריץ בעיקר את הסמליות באמנות - "כפיפות מוחלטת של החומר לרוח שהחומר הופך לסמל שדרכו הרוח חושפת את עצמה".

המחשה לרעיון זה הוא, במיוחד, הציור המפורסם של מגריט "שחרור" ("טיסה אל השדות"), שנוצר ב-1933.

נוף מוזר נפתח מחלון שבור. גבעות ערב ירקרקות, עצים כחולים כדוריים, שמי אם פנינה שקופים, מרחקים כחולים. תוך שימוש מבריק בטכניקות של ציור טונאלי, האמן יוצר מצב רוח של התרוממות רוח משמחת, ציפייה למשהו יוצא דופן, נפלא. הגוון החם של הווילונות בחזית משפר את הרושם של האווריריות של הנוף הקסום הזה... נראה שהציורים של מגריט נעשו ביד רגועה וחסרת פחד. אמן צבע, מגריט משתמש בו במשורה, במשורה. ב"שחרור" סמליות צבע משמשת לביטוי אסוציאציות מורכבות. כתמים של כחול, ורוד, צהוב ושחור נותנים לתמונה מלאות צבע מדהימה וחיות.

המקוריות של עבודתו של רנה מגריט תתגלה בצורה מלאה יותר אם נפנה לנושא "סוריאליזם ופרוידיאניות". התיאורטיקן הראשי של הסוריאליזם, אנדרה ברטון, פסיכיאטר במקצועו, ייחס חשיבות מכרעת לפסיכואנליזה של פרויד בעת הערכת עבודתו של האמן. השקפות פרוידיאניות לא אומצו רק על ידי סוריאליסטים רבים – היא הפכה לדרך החשיבה שלהם. לדוגמה, עבור סלבדור דאלי, על פי הודאתו, עולם הרעיונות של פרויד היה חשוב לא פחות לעולם הכתובים עבור אמנים מימי הביניים או עולם המיתולוגיה העתיקה עבור אדוני הרנסנס.

"שיטת האסוציאציה החופשית" שהציע זיגמונד פרויד, "תיאוריית הטעויות", "פירוש החלומות" שלו נועדו בעיקר לזיהוי הפרעות נפשיות חולניות למטרת ריפוי. גם הפרשנות ליצירות האמנות שהציע פרויד כוונה לכך. אבל עם הבנה זו, האמנות מצטמצמת לגורם מסוים, כביכול, "מרפא". זה היה הכשל של גישתם של התיאורטיקנים של הסוריאליזם ליצירות אמנות. מגריט היה מודע לכך היטב, וציין באחד ממכתביו ב-1937: "האמנות, כפי שאני מבין אותה, אינה נתונה לפסיכואנליזה. היא תמיד בגדר תעלומה". האמן היה אירוני לגבי הניסיונות לפרש את ציוריו בעזרת פסיכואנליזה: "הם החליטו שה"מודל האדום" שלי הוא דוגמה לתסביך סירוס. לאחר שהאזנתי למספר הסברים מהסוג הזה, עשיתי ציור לפי כל "כללים" של הפסיכואנליזה. באופן טבעי, הם ניתחו אותה באותו אופן. זה נורא לראות איזה סוג של לעג אדם שעשה ציור תמים אחד יכול להיות נתון לו... אולי הפסיכואנליזה עצמה היא הנושא הטוב ביותר עבור פסיכואנליטיקאי.

לכן מגריט סירב בעקשנות לקרוא לעצמו "סוריאליסט". הוא קיבל ברצון את האפיון של "ריאליסט קסמים". כיוון זה אופייני ל"תקופה הבלגית" של יצירתו - החל משנת 1930, אז חזר מגריט לנצח מפריז לבריסל.

המסורות של האמנות ההולנדית הישנה השפיעו לטובה על עבודתו של מגריט. בציור "פלאגיאט" (1960), מספר פרטים-סמלים מושכים תשומת לב.

בצד שמאל על השולחן אנו רואים את התמונה של קן ושלוש ביצים - הסמליות של השילוש. כמו קוסם, נראה שהאמן מממש לנגד עינינו את דימויי הפנטזיה שלו, והם הופכים לגן יפהפה נושא פירות - סמל לדמיון יצירתי חי. מגריט יוצר דימוי פיוטי מתוחכם ורוחני. בהתבוננות בתמונה, אפשר רק להעריץ את גווני הוורוד, הכחלחל, אם הפנינה העדינים ביותר - מראה מדהים באמת.

בשנות ה-30 מגריט, יחד עם אמנותו של בוש, חוקר לעומק את יצירתו של בן ארצו, המחזאי והפילוסוף מוריס מאטרלינק, שכתב ב-1889 באוסף "חממות": "סמל הוא כוח טבע, אך נפשו של אדם אינה יכולה לעמוד בפניו. חוקים... אם אין סמל, אין יצירת אמנות".

מאטרלינק חייבת למגריט את היכולת לפתח השוואה לרשת שלמה של דימויים שהפנטזיה של האמן הופכת לעולם האמיתי. בציור טירוף הגדולה (1948) מתואר נר בוער על מעקה אבן על רקע ים התכלת האינסופי - כסמל לשבריריות של חיי אדם. בקרבת מקום צומחים אחד מהשני כמה פלג גוף עליון (סמל לחושניות). ובשמיים עם עננים קפואים ויפים (במגריט - סמל של נצחיות), הצופה רואה צורות גיאומטריות כחולות "בלתי גופניות", המסמלות "רעיונות טהורים", ובלון - סמל של "מחשבה טהורה" מופשטת.

בעזרת ערכת צבעים מחושבת עדינה, האמן "משכלל" את הרעיון המרכזי. "חושניות" הוא צבע בשר חם. "צורות טהורות" נפתרות בטונאליות כחלחלה קרה, התואמת את הסמליות ובו זמנית יוצרות תחושה של מרחב חסר גבולות.

"אנו משוטטים באקראי בעמק, לא מבינים שכל התנועות שלנו משוכפלות ורוכשות את המשמעות האמיתית שלהן על פסגת ההר", כתב מאטרלינק באוצר הצנועים, "וצריך שמדי פעם יבוא מישהו. אלינו ואמר, "הבט למעלה, תראה מה אתה, תראה מה אתה עושה. אנחנו לא גרים כאן, החיים שלנו שם למעלה. המבט הזה שהחלפנו בחושך, המילים האלה שלא. הגיוני למרגלות ההר, תראה, מה הם הפכו ולמה הם מתכוונים שם, מעל הגבהים המושלגים.

רעיון זה של מטרלינק בא לידי ביטוי בציור של מגריט "החזקה של ארנהיים" (1962).

רק בשבירת זכוכית שעליה מצויר תמונה כוזבת, ניתן לראות את המציאות במלוא הדרו הזוהר, סבור האמן. כאן, על ראשי ההרים שמטרלינק דיבר עליהם, האמת אורבת.

הציור "תשובה בלתי צפויה" (1933) מגלם רעיון נוסף של מטרלינק: "אין ימים שליליים בחיים. לכו, חזרו, צאו שוב - תמצאו את מה שאתם צריכים בדמדומים. אבל לעולם אל תשכח את זה אתה קרוב לדלת אולי אחד מאותם חריצים צרים בדלתות החושך, שדרכם ניתנת לנו ההזדמנות לחזות לרגע את כל מה שצריך לקרות במערת האוצרות שטרם התגלו.

התמונה נראית כמו סוג של סמל של תעלומה מרגשת - הכל כאן כל כך אינטגרלי, "טבעי", אם ניתן לייחס את ההגדרה הזו לאחת החיבורים המסתוריים והמיסטיים ביותר של מגריט. "הדלת השבורה" הפתוחה היא סמל למימד אחר, רצוף תעלומות רבות.

כמה מחברים הכותבים על מגריט מכריזים עליו כ"אמן האבסורד", שלציוריו אין משמעות. אם זה היה המצב, אם מטרת האמן הייתה לתאר רק את "האבסורד של הקיום היומיומי שלנו", זו הייתה יצירתיות ברמת הפאזל, ולא האמנות הרצינית שהיא. מגריט כתב: "אנחנו שואלים את התמונה באקראי, במקום להקשיב לה. ואנחנו מופתעים כשהתשובה שאנו מקבלים אינה גלויה".

האמנות שלו כונתה לעתים קרובות "חלומות ערים". האמן הבהיר: "הציורים שלי אינם חלומות מנומנמים, אלא חלומות מתעוררים". לא פלא שהסוריאליסט הבולט מקס ארנסט, שראה את תערוכתו בניו יורק בתחילת שנות ה-50, אמר: "מגריט לא ישנה ואינה ערה. הוא מאיר. הוא כובש את עולם החלומות".

"בלי מסתורין, לא העולם ולא הרעיון אפשריים," מגריט מעולם לא נמאס לחזור. וכאפגרף לאחד מהדיוקנאות העצמיים שלו, הוא נקט את הקו של המשורר הצרפתי של המאה ה-19. לאוטרימונט: "לפעמים אני חולם, אבל אף פעם לא מאבד לרגע את המודעות לזהות שלי".

מכאן הפרשנות הבלתי צפויה של "פנימי וחיצוני" ביצירותיו של מגריט.

להלן פרשנותו של האמן לציורו "מסגרות חיים" (1934): "מול החלון שאנו רואים מתוך החדר, הצבתי תמונה המתארת ​​בדיוק את החלק הזה בנוף שהוא סוגר. כך, העץ בתמונה מסתיר את העץ העומד מאחור מחוצה לו. עבור הצופה, העץ נמצא גם בתוך החדר בתמונה וגם בחוץ בנוף האמיתי. כך אנו רואים את העולם. אנו רואים אותו מחוצה לנו ובמקום באותו הזמן רואים את הייצוג שלו בתוך עצמנו. לכן, לפעמים אנחנו שמים בעבר את מה שקורה בהווה. כך, הזמן והמרחב משתחררים מהמשמעות הטריוויאלית שהתודעה הרגילה מעניקה להם."

הרברט ריד ציין: "מגריט מובחן בחומרת הצורות ובבהירות הראייה המובהקת. הסמליות שלו טהורה ושקופה, כמו זכוכית החלונות שהוא כל כך אוהב לתאר. רנה מגריט מזהיר מפני שבריריות העולם. כמו גושי קרח." זוהי דוגמה לאחת הפרשנויות האפשריות למטאפורות המעורפלות של מגריט. ניתן לראות במוטיב חלון הזכוכית של אמן זה גם גבול בין שני עולמות - הממשי והלא מציאותי, הפואטי והיומיומי, בין המודע ללא מודע.

בציור "בן האדם" (1964) מתואר האדם המודרני על רקע קיר המפריד בינו לבין המרחבים העצומים של האוקיינוס ​​והשמיים, המסמל את האינסוף. תפוח התלוי מול פניו של אדם נותן מסתוריות לתמונה. תפוח זה יכול להיתפס הן כפרי עץ הדעת, והן כסמל לטבע, שאדם מנסה להבין. יחד עם זאת, פרט זה נותן הרמוניה למראה הפרוזאי של בורגני מסודר.

ניתן לראות בציור "גולקונדה" (1953) מטפורה ממומשת: אנשים "בעלי משקל" הפכו לחסרי משקל. יש אירוניה שמסתתרת בשם: אחרי הכל, גולקונדה היא עיר חצי-אגדית בהודו, המפורסמת בהצבת הזהב והיהלומים שלה, ונראה שהאנשים האלה נמשכים לזהב. האמן תלוי בחלל חסר גבולות כמה עשרות לבושים בקפידה - עם כובעי באולר, עניבות ומעילים אופנתיים - רנטיירים, תוך שמירה על שוויון נפש מוחלט.

באחד מציוריו המאוחרים של מגריט, "הזר המוכן" (1956), גבר לבוש באותו כובע באולר ומעיל, עומד עם גבו אל הצופה במרפסת, מהרהר בפארק הערב. ועל גבו נמצא "האביב" של בוטיצ'לי, צועד בפרחים ובברק של צבעים. מה זה? מימוש הפרשה "האדם עובר, האמנות נשארת"? או, אולי, אדם שמתפעל מהפארק, נזכר בציור של בוטיצ'לי? התשובה לא ברורה.

האמן מבקש להרוס את הרעיון הרגיל של הידוע, הבלתי משתנה, כדי לגרום לאובייקט לראות בממד חדש, ולהוביל את הצופה לבלבול. בקנבסים שלו הוא יצר עולם של פנטזיה וחלומות מדברים אמיתיים, מטביל את הצופים באווירה של חלומות ומסתורין. האמן ידע בצורה מבריקה איך "לכוון" את רגשותיהם. נראה שהעולם שיצר האמן הוא סטטי ועמיד, אבל הסוריאליסטי תמיד פולש אל הרגיל, הורס את העולם המוכר הזה (תפוח רגיל בחדר, גדל, מעקר אנשים או קטר קיטור קופץ מהאח במלואו מהירות - "זמן פירסינג", 1939).

הציור המועתק בתדירות הגבוהה ביותר הוא בריאת האדם (1935). דימוי הים בציור על כן ציור הניצב מול חלון פתוח מתמזג באורח פלא עם נוף הים ה"אמיתי" הנשקף מהחלון.

הנושא של רבים מציוריו של מגריט היה מה שנקרא "המציאות הנסתרת". חלק מהתמונה, למשל, הפנים של הדמות הראשית, מכוסים במשהו (תפוח, זר פרחים, ציפור). מגריט מסביר את משמעות העבודות הללו כך: "הדבר המעניין בציורים האלה הוא הנוכחות של הפתוח והנסתר שפרצו לפתע לתודעתנו, שבטבע לעולם אינם נפרדים זה מזה".

ב-Lovers, רנה מגריט מראה שכאשר אנו מאוהבים באמת, העיניים שלנו עצומות.

במאמץ להבין את המשמעות החמקמקה של ציוריו של מגריט, "להסביר" אותם, מוחו של הצופה נאחז בשניהם בטירוף. האמן "זורק" לו את שם התמונה (הוא הופיע בדרך כלל לאחר השלמת העבודה). מגריט העניק לכותרת תפקיד מכריע בתפיסת התמונה. על פי זיכרונותיהם של קרובי משפחה וחברים, כאשר המציא שמות, הוא דן בהם לעתים קרובות עם סופרים אחרים. הנה מה שהאמן עצמו אמר על כך: "הכותרת היא אינדיקציה לתפקוד התמונה", "הכותרת צריכה להכיל רגש תוסס", "הכותרת הטובה ביותר של התמונה היא פואטית. היא לא צריכה ללמד כלום, אלא במקום זאת, הפתיע ומרתק."

רבים מהכותרים של הציורים הם מדעיים במכוון, והאירוניה נראית בהם: "מנורה פילוסופית" (1937), "שבחי הדיאלקטיקה" (1937), "ידע טבעי" (1938), "מסכת על תחושות" (1944). ). כותרים אחרים יוצרים אווירה של מסתורין פואטי: דיאלוג שנקטע על ידי הרוח (1928), מפתח לחלומות (1930), משך כאב (1939), אימפריית האור (1950), חדר האורחים של אלוהים (1958).

את הציור "אימפריית האור" צייר מגריט בעשור האחרון לחייו, אך מיד הפך אולי ליצירתו הפופולרית ביותר. כל כך פופולרי שאספנים רבים היו מוכנים לשלם כל כסף רק כדי שיהיה אחד מהעותקים שלה באוסף שלהם.

אז מהי התמונה הזו שכבשה את מוחותיהם של אנשים ברחבי העולם? במבט חטוף, זה נראה פשוט ואפילו לא יומרני. הבית על גדת אגם קטן חבוי בצל עצים רחבי ידיים. החלונות בקומה השנייה בוערים באור נעים, פנס בודד נותן את האור הידידותי שלו למטייל שיכול להיות כאן בלילה חשוך. זה נראה - לילה רגיל, די ריאליסטי. כל אמן "מסורתי" יכול לכתוב ציור כזה.

אבל האם זה נכון? מדוע, אם כן, מתעוררת חרדה מעורפלת, המאלצת את הצופה להציץ מקרוב יותר ויותר לתוך התמונה? החרדה הזו לא תעזוב עד שהיא תתבהר פתאום – השמיים, זה מה שיש! שמיים כחולים עם עננים רכים לבנים רצים בעליצות. וזה מאוחר בלילה! רק אל תשאלו איך זה אפשרי, כי שום דבר אינו בלתי אפשרי בעולמה של מגריט. כמו אף אחד אחר, האמן הזה אוהב לחבר את הבלתי תואם, להכניס לציוריו פרטים העומדים בניגוד כה חד זה לזה עד שהצופה חווה תחילה זעזוע קל, אבל אז מוחו מתחיל לעבוד כפול באינטנסיביות, בניסיון למצוא פתרון. להצגה המוצעת.

מגריט עצמו אמר את זה עליה: "שילבתי מושגים שונים באימפריית האור, כלומר, נוף הלילה והשמיים במלוא הדרו של אור היום. הנוף נוטה לחשוב על הלילה, השמיים - על היום. לדעתי, לתופעה הסימולטנית הזו של יום ולילה יש כוח להפתיע ולהקסים. ולכוח הזה אני קורא שירה.

רנה מגריט באופן אישי

"דיוקן עצמי" ("מבט ערני")

נזכר בילדותו, הוא כתב: "אני זוכר את התדהמה שלי כשראיתי לראשונה את לוח השחמט, את הכלים שעליו. רושם מפחיד! דפי מוזיקה, שבהם סימנים מסתוריים ציינו צליל ולא היו מילים! הנה יצירה מוקדמת אחת קטנה של האמן - "ג'וקי אבוד", שהפכה למניפסט היצירתי שלו.

הרוכב, ממהר במלוא המהירות על סוס מוקצף, הלך לאיבוד בתוך חורשה לא אמיתית של כלי שחמט ענקיים שצוירו בתווים מוזיקליים.

ציור "Carte Blanche" או "מכשול הריק".

מגריט כתב עליה: "דברים גלויים יכולים להיות בלתי נראים. אם, למשל, כמה אנשים רוכבים ביער, אז בהתחלה אתה רואה אותם, אז אתה לא רואה אותם, אבל אתה יודע שהם שם. בציור "קארט בלאנש", הרוכב מסתיר את העצים, והם מסתירים אותה. עם זאת, כוח החשיבה שלנו מקיף גם את הגלוי וגם את הבלתי נראה, ובעזרת הציור אני מגלה מחשבות".

ציור "התפצלות אסורה"

מעניין לציין שבמגריט רק תמונות של ציפור נקיות ממורכבויות אסוציאטיביות. ציפורים נושאות את האנרגיה החיובית של מעוף, לא יותר. אין ציפורים מתות, נופלות, עם כנפיים שבורות. הציפורים חיות, וכנפיהן מלאות בענני הסיררוס הבוהקים של מגריט כחול ולבן (Big Family, 1963).

ב-15 באוגוסט 1967, רנה מגריט מת מסרטן. אחד האמנים-קוסמים של המאה ה-20, שבחיים נראה כל כך כמו רוקח מכובד, הלך לעולמו.
הוא ניהל חיים שקטים ורגועים של גבר בלגי ברחוב, רחוק מהמהומה הבוהמית - אדם שקשה להבדיל מהקהל. חלומות, פרדוקסים, פחדים, סכנות מסתוריות הכריעו רק את ציוריו, לא את החיים. האמן נאבק בשעמום רק ביצירתיות. הקביעות של כל יום התאימה לו בצורה מושלמת, הוא אפילו צייר את רוב ציוריו בחדר האוכל ועד סוף ימיו העדיף את החשמלית על פני אמצעי תחבורה אחרים.
איכשהו, זמן קצר לפני מותו, מגריט, המאסטר המתוחכם הזה, אמר: "אני עדיין לא מבין את הסיבה למה אנחנו חיים ומתים". אולי האמן פשוט הצפין את הרמזים לסיבות ולמסתורין של הימצאות בציורי הפאזל שלו? הכל יכול להיות. אז כדאי שתסתכל עליהם!

ב-2 ביוני 2009 נפתח בבריסל מוזיאון חדש המוקדש ליצירתו של האמן הסוריאליסטי המפורסם רנה מגריט. המוזיאון המלכותי לאמנויות יפות הקצה עבורו חדר של 2.5 אלף מ"ר. התערוכה של מוזיאון רנה מגריט כוללת יותר מ-200 יצירות של המחבר - זהו האוסף הגדול בעולם.

אלוגיזם, אבסורד, שילוב של השונות החזותית הבלתי תואמת, הפרדוקסלית של דימויים ודמויות - זה הבסיס ליסודות הסוריאליזם. מייסד מגמה זו נחשב למי, בלב הסוריאליזם, ראה את התגלמותה של תורת התת-מודע של זיגמונד פרויד. על בסיס זה יצרו נציגים רבים של הכיוון יצירות מופת שלא שיקפו מציאות אובייקטיבית, אלא היו רק התגלמות של דימויים בודדים בהשראת התת מודע. הבדים שציירו הסוריאליסטים לא יכולים להיות תוצר של טוב או רע. כולם עוררו רגשות שונים אצל אנשים שונים. לכן, אנו יכולים לומר בביטחון שהכיוון הזה של המודרניזם הוא שנוי במחלוקת למדי, מה שתרם להתפשטותו המהירה בציור ובספרות.

סוריאליזם כאשליה וספרות של המאה העשרים

סלבדור דאלי, פול דלווא, רנה מגריט, ז'אן ארפ, מקס ארנסט, ג'ורג'יו דה צ'ריקו, איב טנגוי, מייקל פארקס ודורותי שיזוף הם עמודי התווך של הסוריאליזם שצמח בצרפת בשנות ה-20. כיוון זה לא היה מוגבל טריטוריאלית לצרפת, והתפשט למדינות ויבשות אחרות. הסוריאליזם הקל מאוד על תפיסת הקוביזם והאמנות המופשטת.

אחת ההנחות המרכזיות של הסוריאליסטים הייתה זיהוי האנרגיה של היוצרים עם תת המודע האנושי, המתבטאת בחלום, בהיפנוזה, בהזיות בזמן מחלה, או בתובנות יצירתיות אקראיות.

מאפיינים בולטים של סוריאליזם

סוריאליזם הוא כיוון מורכב בציור, שאמנים רבים הבינו ומבינים אותו בדרכם. לכן, אין זה מפתיע שהסוריאליזם התפתח בשני כיוונים שונים מבחינה מושגית. ניתן לייחס בבטחה את מירו, מקס ארנסט, ז'אן ארפ ואנדרה מאסון לענף הראשון, שבעבודותיו תפסו את המקום המרכזי דימויים שהופכים בצורה חלקה להפשטה. הענף השני לוקח כבסיס את התגלמות דימוי לא אמיתי שנוצר על ידי תת המודע של אדם, בדיוק הזוי. סלבדור דאלי, שהוא נציג אידיאלי של הציור האקדמי, פעל בכיוון זה. יצירותיו מתאפיינות בהעברה מדויקת של כיארוסקורו ובאופן כתיבה קפדני - לאובייקטים צפופים יש שקיפות מוחשית, בעוד שלמוצקות מתפשטות, דמויות מאסיביות ונפחיות רוכשות קלילות וחוסר משקל, וניתן לשלב כאלה שאינן תואמות לאחד.

ביוגרפיה של רנה מגריט

בדומה ליצירותיו של סלבדור דאלי היא עבודתו של רנה מגריט, אמן בלגי מפורסם שנולד בעיר לסין ב-1898. במשפחה, חוץ מרנה. היו שני ילדים נוספים, ובשנת 1912 קרה אסון שהשפיע על חייו ויצירתו של האמן העתידי - אמו מתה. זה בא לידי ביטוי בציור של רנה מגריט "לזכרו של מאק סננט", שצויר ב-1936. האמן עצמו טען שהנסיבות לא השפיעו על חייו ויצירתו.

בשנת 1916, רנה מגריט נכנס לאקדמיה לאמנויות בבריסל, שם הכיר את המוזה שלו ואשתו לעתיד, ג'ורג'ט ברגר. לאחר שסיים את לימודיו באקדמיה, רנה עבד על יצירת חומרי קידום מכירות, והתייחס לכך בצורה מזלזלת למדי. לפוטוריזם, לקוביזם ולדאדאיזם הייתה השפעה עצומה על האמן, אבל ב-1923 רנה מגריט ראה לראשונה את עבודתו של ג'ורג'יו דה צ'ריקו "שיר האהבה". זה היה הרגע הזה שהפך לנקודת המוצא להתפתחותו של רנה מגריט הסוריאליסטית. במקביל החלה היווצרותו של זרם בבריסל, ורנה מגריט הפך לנציגו יחד עם מרסל לקמטה, אנדרה סורי, פול נוגט וקמיל גמנס.

עבודתו של רנה מגריט.

יצירותיו של אמן זה תמיד היו שנויות במחלוקת ומשכו תשומת לב רבה.

במבט ראשון, הציור של רנה מגריט מלא בדימויים מוזרים שאינם רק מסתוריים, אלא גם מעורפלים. רנה מגריט לא נגע בסוגיית הצורה בסוריאליזם, הוא הכניס את החזון שלו למשמעות ולמשמעות של התמונה.

אמנים רבים מקדישים תשומת לב מיוחדת לכותרים. במיוחד רנה מגריט. תמונות עם השמות "זה לא מקטרת" או "בן אדם" מעוררות את ההוגה והפילוסוף בצופה. לדעתו, לא רק התמונה צריכה לעודד את הצופה להפגין רגשות, אלא גם הכותרת צריכה להפתיע ולגרום לך לחשוב.
באשר לתיאורים, סוריאליסטים רבים נתנו הערה קצרה לקנבסים שלהם. רנה מגריט אינו יוצא דופן. ציורים עם תיאורים תמיד היו נוכחים בפעילות הפרסום של האמן.

האמן עצמו כינה את עצמו "ריאליסט קסמים". המטרה שלו הייתה ליצור פרדוקס, והציבור צריך להסיק את המסקנות שלו. רנה מגריט בעבודותיו תמיד מתח בבירור קו בין הדימוי הסובייקטיבי לבין המציאות האמיתית.

ציור "אוהבים"

רנה מגריט צייר סדרת ציורים "אוהבים" בשנים 1927-1928 בפריז.

בתמונה הראשונה נראים גבר ואישה שהתמזגו בנשיקה. ראשיהם עטופים בבד לבן. הבד השני מתאר את אותם גבר ואישה בבד לבן, המביטים מהתמונה אל הציבור.

הבד הלבן ביצירתו של האמן גורם ועורר דיונים סוערים. יש שתי גרסאות. על פי הבד הלבן הראשון ביצירותיו של רנה מגריט הופיע בקשר למותה של אמו בילדות המוקדמת. אמו קפצה מהגשר אל הנהר. כשגופתה הוצאה מהמים, נמצאה בד לבן כרוך סביב ראשה. באשר לגרסה השנייה, רבים ידעו שהאמן היה מעריץ של Fantômas, גיבור הסרט הפופולרי. לכן, יכול להיות שהבד הלבן הוא מחווה לתשוקה לקולנוע.

על מה התמונה הזו? אנשים רבים חושבים שהציור "אוהבים" מגלם אהבה עיוורת: מתאהבים, אנשים מפסיקים לשים לב למישהו או משהו אחר מלבד הנפש התאומה שלהם. אבל אנשים נשארים מסתורין לעצמם. מצד שני, כשמסתכלים על נשיקת האוהבים, אפשר לומר שהם איבדו את ראשם מאהבה ותשוקה. הציור של רנה מגריט מלא ברגשות וחוויות הדדיות.

"בן אדם"

ציורו של רנה מגריט "בן האדם" הפך לסימן ההיכר של "ריאליזם קסום" והדיוקן העצמי של רנה מגריט. יצירה זו נחשבת לאחת היצירות השנויות במחלוקת של המאסטר.

האמן הסתיר את פניו מאחורי תפוח, כאילו אמר שהכל אינו כפי שהוא נראה, ושאנשים כל הזמן רוצים להיכנס לנפשו של אדם ולהבין את המהות האמיתית של הדברים. הציור של רנה מגריט גם מסתיר וגם חושף את מהותו של המאסטר עצמו.

רנה מגריט מילא תפקיד חשוב בהתפתחות הסוריאליזם, ועבודתו ממשיכה להלהיב את מוחותיהם של עוד ועוד דורות חדשים.