שיר עם איטלקי: מסע לאורך מאות שנים. איך לנגן במנדולינה. טקסט נפוליטני מקורי

אמנות עממית בעל פה של איטלקים עשירה ביצירות מז'אנרים שונים. באזורי צפון הארץ נפוצים שירים ליריים-נרטיביים. פולקלוריסטים איטלקים מאמינים שמקורם של השירים הללו באפוס הקלטים.

שירים ליריים אופייניים למרכז ודרום איטליה - סטרמבוטי . סוג זה של אמנות עממית בעל פה מקורו לראשונה בסיציליה, ולכן שירים כאלה נקראים גם סיציליאנים. באותו אי נפוצים סיפורים ושירים דתיים (באוקטבות) בעלי תוכן מוסרי, והצגות של תיאטרון הבובות העממי נשמרות עד היום ( אוֹפֵּרָה del גולם ). הנושאים שלהם לקוחים בעיקר מהאפוס הצרפתי.

בכל אזורי הארץ יש סיפורי עם ( פייב ), סיפורים קצרים (גזופ- ti ), פתגמים ( פתגם ) וחידות ( אינדובינלי ).

שירי עם איטלקיים מאוד מלודיים, שהקצב, הלחן והתוכן שלהם משתנים מאזור לאזור. בצפון ובצפון מערב המדינה נפוצים שירים אפי-ליריים הנקראים קנזונה. הם אופייניים במיוחד לפיימונטה. ייתכן שפיימונטה הייתה זו שהייתה האזור שממנו התפשט הקנזון מצרפת לשאר איטליה. אזורי טרנטינו, ונטו ופריולי מאופיינים בשירי מילים חד-שורים. וילוטי , מורכב משתי ריבועים.

כל העולם מכיר את שירי הגונדוליירים הוונציאניים - ברכרולים, המובחנים על ידי החלקות של המנגינה והקצב התואם את משיכות המשוטים.

השירים הסיציליאניים נבדלים במגוון גדול - מרינרים, פרנריאנים, נציגים וכו'.

באזורים הדרומיים, במיוחד בקמפניה, נפוצים בעיקר שירים ליריים - סטורנלים, המורכבים, ככלל, משני פסוקים מחורזים בני אחת עשרה הברות. מהעיר הראשית של קמפניה, נאפולי, מגיע השם של כל הז'אנר הזה - "סני נפוליטני". בפאתי נאפולי - Piedigrotta - נערכת תחרות שנתית לשיר הטוב ביותר. מגיעים לכאן משתתפים ומאזינים מכל הארץ.

באי סרדיניה נפוצים מאוד שירים מונוסטרופיים ליריים, שיש להם הרבה מן המשותף הן בצורתם והן בתוכן עם המילים הספרדיות.

הז'אנר העיקרי של אמנות עממית בעל פה של תושבי אומבריה הוא השירה הדתית כביכול, בעיקר שירים, המספרים על פרקים מחייו של ישו.

שירי ערש מלודיים מאוד מושרים באזורים רבים באיטליה.

בעשורים האחרונים, שירי עם איטלקיים, בהשפעת תוכניות מוזיקליות המשודרות ברדיו, איבדו במידה רבה את אופיים המסורתי: גם אופי הלחן וגם אוצר המילים שלהם משתנים. אז, כבר חצי מאה, שירים ליריים עממיים, במיוחד אלה ששרים על פרידה, כוללים רכבת וסירת קיטור, ובשנים האחרונות אפילו מטוס. השירים מאבדים את השפה האלגורית שלהם. גם אוצר המילים של השירים האפיים-ליריים השתנה, למשל, במקום חרבים ורובים, הופיעו בהם אקדחים ומקלעים.

ריקוד. כלי נגינה

במקומות, ריקודי עם איטלקיים עדיין רוקדים, הנבדלים על ידי הגיוון, היופי והטמפרמנט של הביצועים שלהם. לפני כמה עשורים הייתה הטרנטלה (ריקוד, כנראה ממוצא קדום) פופולרי מאוד בקרב תושבי הדרום, שביצועו לווה בדרך כלל במכות על הטמבורין. בלאציו, ריקוד בקצב מהיר מאוד היה נפוץ - סלטארלו,

רקדו בזוגות בליווי גיטרה. במחוזות לומברדיה עדיין רוקדים את מה שנקרא ברגמסקה, ובפרובינציות הוונציאניות - ריקוד ממוצא פריוליאני - פורלנה. סיציליה מאופיינת בריקוד איטי - סיציליאנה. באזורים מסוימים של סרדיניה, נקרא ריקוד ממוצא עתיק מאוד (כנראה יווני עתיק). duru - duru , או בלון ב טונדו (לרקוד בריקוד עגול). זה בדרך כלל מלווה בקפיצות ובצרחות.

במקומות מסוימים בדרום נשתמרו ריקודי פנטומימה טקסיים שנערכו בחגים דתיים מסוימים. האיכרים של כמה כפרים בקלבריה, סיציליה ובזיליקטה מבצעים פנטומימה המכונה "הספינה". שנים עשר אנשים יוצרים פירמידה: שישה מהם עומדים על הקרקע, ארבעה על כתפיהם ושניים בחלק העליון. הפירמידה נעה בקצב, מוקפת בהמון איכרים שרים.

שירים וריקודים מסורתיים נהגו לבצע בליווי כלי נגינה עממיים. באזורי הצפון הגיטרה הייתה נפוצה ביותר; בטוסקנה, לאציו וקמפניה, החלילית הייתה הנפוצה ביותר. באי סרדיניה, שירים וריקודים לוו בנגינה של חליל תלת חביות בשם לאונדה . בכפרי כל אזורי הארץ ניגנו בחליל חד-חבית, מפוחית ​​ומפוחית, ובערים - מנדולינה.

לאחרונה, במיוחד בתקופה שלאחר המלחמה, ריקודי עם עתיקים הולכים ומפנים את מקומם לריקודים מודרניים, הרוקדים לנגן תקליטים או לטייפ.

אמנות שימושית עממית

כמעט כל אזור באיטליה מפורסם בסוג כלשהו של אמנות עממית דקורטיבית, אשר נהוגה כאן במשך מאות שנים, ומעבירה מיומנויות ו מַרגִישׁיופי מדור לדור.

קֵרָמִיקָה

המוצרים של הקרמיקאים צבעוניים במיוחד. להפקה זו יש מסורות בנות מאות שנים באיטליה. כבר במאות Vlll - VII. לִפנֵי הַסְפִירָה ה. כלי חרס יווניים חדרו גם לחלקו הדרומי של חצי האי האפנינים יחד עם המתיישבים היוונים. מהמאה ה-6 לִפנֵי הַסְפִירָה ה. כלי חרס יווניים עם דמויות שחורות ואדומות הפכו לנפוצים. בתקופה הרומית הופיעו כלים עם קישוטים פרחוניים, לרוב בתבליט, מכוסים לכה אדומה עם ברק מתכתי.

בימי הביניים המוקדמים, חרס, כמו תחומים רבים אחרים של אומנות עממית, ירד לדעיכה.

עלייה חזקה חדשה של אמנות הקרמיקה באיטליה החלה במאה ה-15. המרכזים לייצור קרמיקה אמנותית בימי הביניים היו Faenza, Siena, Caffaggiolo, Castel Durante ועוד כמה.

מהרבע הראשון של המאה ה-16 בראש ייצור הקרמיקה האיטלקי עמדה העיר פאאנצה, שמשמה הגיעה המילה הבינלאומית "סיאנס", במובן הצר שמשמעותה מוצרים העשויים מחימר אפוי לבן עם רסיס נקבובי דק. פאיאנס מכונה לעתים קרובות גם קרמיקה מזוגגת - מיוליקה, שגם היא נעשתה בכמויות גדולות וממשיכה להיות מיוצרת בפאנסה. השם "מג'וליקה" מגיע מאחד מהאיים הבלאריים - מיורקה (באיטלקית - מג'וליקה), משם הביאו הגנואים בשנת 1115 לראשונה כלי קרמיקה ספרדית-מורית ולוחות מזוגגים לחצי האי האפניני, שהפכו למודלים עבור קדרים איטלקיים.

בתקופת הזוהר של ייצור המיוליקה (מאות XV-XVII), נעשה שימוש בחימר צהבהב ולבנבן, ובמקום זיגוג אנגוב ועופרת, הוא כוסה בזיגוג אטום שאינו נקבובי מתערובת של תחמוצות עופרת ופח. הכלי נשרף בטמפרטורה גבוהה, הזיגוג התמזג עם הציור שהוחל עליו והפך לשכבה מבריקה אחידה, הנצמדת היטב לבסיס החימר של המוצר.

מה שבזמננו נקרא מיוליקה באיטליה כולל כל מיני קרמיקות חימר אדום ( טרה קוטה ) ומלבן, עם רסיס בעל נקבוביות גדולות, מכוסה בזיגוג שקוף ( ורניס ) או אמייל אטום ( smalto ). קרמי Faenza מודרניים לא רק מחקים את הדגמים המפורסמים של העבר, אלא גם יוצרים דגמים חדשים, שולטים בטכניקות חדשות. כיום, אומנים רבים בפאנסה מייצרים כלים בצורות מופשטות, מעוטרים בציורים, שהמוטיבים שלהם לקוחים מהציור המופשט המודרני.

פאנזה הוא ביתו של המכון הממלכתי לקרמיקה. קרמיקאים ממדינות שונות מגיעים לכאן כדי לשפר את כישוריהם. יש גם את המוזיאון הבינלאומי לקרמיקה, שבו מרוכזים אוספי קרמיקה אמנותית איטלקית. בעיר מתקיימת מדי שנה תערוכת קרמיקה.

באיטליה המודרנית, ייצור קרמיקה מפותח, עם זאת, בעיקר באזורי הדרום והאיים: אפוליה, סיציליה, אברוצו, מוליסה, קלבריה, סרדיניה, מרשה ועוד כמה. בתי מלאכה ומפעלים קטנים באזורים אלה מייצרים, בנוסף לקרמיקה ביתית (כלי שולחן וכלי מטבח, הנרכשים בעיקר על ידי איכרים), פריטי נוי (כלים, אגרטלים, פסלונים), המיוצאים או נמכרים לרוב לתיירים זרים.

צורות נפוצות של כלים הנפוצות בכל אזורי דרום הארץ: קערה; boccale - ספל גדול למים או יין; bgossa - כלי כדורי גדול, עם פיה וידית אחת או שתיים, שבו מאוחסן לרוב יין; כל מיני צלוחיות למים ויין: כדוריות עם צוואר קצר וידית אחת; כמוהם, אבל בלי ידית; צורה מוארכת עם שתי ידיות; שטוח ללא ידיות, עם לולאות להשחלת החבל; בייגלה וכו'.

כל הכלים הללו מכוסים בדרך כלל באמייל וגלזורות צבעוניים וצבועים בצבעי זיגוג יתר או תת-זיגוג, ולעתים מעוטרים בדמויות תבליט.

אזורים רבים באיטליה, ולעתים קרובות מרכזים בודדים של ייצור קרמיקה, הם בעלי מאפיינים אופייניים הן בבחירת צורות הכלים והן בקישוט האמנותי שלהם.

המרכז העיקרי של ייצור הקרמיקה הסיציליאנית הוא Caltagirone. הרבה כלי חרס מגיעים גם מבתי המלאכה של Terranova, Licata, Ajira, Partiniko, Canikatti ו-Schiatta.

אגרטלי הפרחים הסיציליאנים הידועים כבר בימי הביניים המוקדמים הם צבעוניים מאוד - גרסט . לעתים קרובות הם עשויים בצורת ראש אנושי. הגוף של צלוחיות סיציליאניות עשוי לעתים קרובות באותה צורה. לעתים קרובות הכלים הם בצורת דמות אנושית באורך מלא. כאלה הם בקבוקי הפוליכרום ( פיאשטי ) ומנורות ( לוצרני ). ב-Caltagirone, בנוסף (מהמאה ה-17 ועד היום), מייצרים פסלוני חימר לא אפויים של קדושים - presepi , שאותם נהוג להציב בפינת החדר בחגים דתיים, תוך חיקוי סצנות מחייו של ישוע המשיח.

בנוסף לקרמיקה אומנותית, מייצרים כאן מגוון כלי בית, למשל, גדולים רבעון למשלוח מים, קערות מרק, קטנות קנאט למים ויין ועוד הרבה.

המרכזים הגדולים ביותר של כלי חרס אמנותיים בסרדיניה הם אוריסטנו, ססארי וקליארי. אגרטלי אוריסטן מוכרים בעיקר בכל הארץ. צורתם ועיטורים שלהם מתוארכים לקדרות של יוון העתיקה (אנלוגים לאגרטלים הללו התגלו במהלך חפירות בקנוס שבאפוליה). מדובר בכלי השקיה גדולים המעוטרים בתמונות תבליט של פרחים, בעלי חיים או אנשים.

בקומונה של דורגלי (ססארי), סוג מסורתי של כלי חרס הוא ייצור של כלי חרס אדום בצורת חיות בית: כדים לכביסה בצורת תרנגול, תרנגולת, אווז וכו'. דפוס שרוט (גרפיטי) ומכוסה באמייל רב צבעוני. בקליארי, כמו בסיציליה, כלים עשויים בצורת דמויות אנושיות, לרוב המתארות נשים בתלבושות עממיות מקומיות.

ישנם מספר מרכזי קדרות גדולים בפוליה: Grottaglie, Rutigliano, Sansevero, Cerintola ועוד כמה. יצירות אמנות של Grottaglie בטרקוטה מזוגגת פוליכרום מסתובבת ברחבי הארץ; מסורות ימי הביניים נשמרות בטכניקת הייצור והקישוט שלהן. מגוון כלים (בוקאלי, ברוק'י וכו') מכוסים בציור פוליכרומי (הקישוטים הצמחיים שולטים) על אנגוב לבן. גרוטאגלי מספקת כלי אוכל ומטבח לכל אזורי הדרום.

בפוליה מייצרים גם כלים מעוטרים בתבליט המחקה רקמה. אזור זה מפורסם גם בייצור של צעצועים המכוסים באמייל רב צבעוני. לרוב מדובר בשריקות בצורת חיות שונות: ציפורים, תרנגולים, כלבים, נחשים וכו'.

באברוצו, צלוחיות שטוחות וצורת טבעת, כלים וברוקי עם ציור צבעוני על אנגוב לבן הם מסורתיים. קרמיקה מבית Palena נבדלת על ידי צבעים בהירים ואמייל מבריק מאוד. ספלים עם שלוש אונות, צלוחיות גוץ עם צוואר קטן, צלוחיות שטוחות בצורת בייגלה צבועים מעל האנגוב, לרוב עם זרי פרחים. בקסטלי, הכלים מכוסים לעתים קרובות באמייל צהוב, כחול או ירוק. רבים מהם, במיוחד פסלונים או מנורות בצורת דמויות אנושיות, קרובים לאלה הסיציליאניים.

מרכזי ייצור הקרמיקה העיקריים בקלבריה הם Seminara, Rende, Visignano, Terranova di Sibari, Corigliano Calabro, Vibo Valentina, Squillace, S. Andrea Ionico. בסמינר, כלי טרקוטה (לרוב צלוחיות בצורת בייגלה) מעוטרים בתמונות תבליט של פרחים, ציפורים ובעלי חיים. הצבעים השולטים של השקיה הם ירוק, צהוב וכתום. צלוחיות בצורת דגים וצעצועים אלגנטיים מחימר אדום, מכוסים בהשקייה ססגונית, מתוצרת הסמינר, מאוד פופולריים בארץ.

המרכזים המודרניים העיקריים של ייצור קרמיקה באומבריה - דרוטה וגוביו - מייצרים עותקים של דוגמאות מימי הביניים ואפילו אטרוסקיות, כמו גם סדנאות של מרכזים אחרים באזור זה: אסיזי, פיקולה וכו'.

בטוסקנה, המרכז העיקרי של ייצור הקרמיקה הוא מונטה סן סבינו. כאן מכינים מנות גדולות שמעתיקות מיוליקה מימי הביניים. בדרך כלל הם מכוסים באנגוב לבן, שעליו מוחל ציור.

באזור Marche של פסארו מכינים קרמיקאים מגוון כלי בית מכוסים באמייל מבריק מאוד בצבעים כהים (שחור, ערמונים או קפה): מחממי ידיים, מחבתות, קערות מרק לקוצרים, בקבוקים להובלת יין לשדה, שתייה. כלי שיט.

המנדולינה היא כלי נגינה מרוט עם מיתר. מראהו מתוארך למאה ה-16, ואיטליה הצבעונית הפכה למולדתה. המנדולינה היא כלי נגינה הדומה מאוד במראה לאוטה, שכן יש לה גם צורת אגס. היא נבדלת מהלאוטה בכך שיש לה פחות מיתרים וצוואר קצר יותר.

בעיקרון, למנדולינה תמיד היו ארבעה מיתרים זוגיים (המכונה מנדולינה נפוליטנית), וללאוטה, בהתאם לעידן, היו שישה מיתרים או יותר. בנוסף למנדולינה מסוג זה, ידועים גם סוגים אחרים שלה:

• סיציליאנית - עם סיפון תחתון שטוח וארבעה מיתרים משולשים;
• מילנזי - עם שישה מיתרים, בנה אוקטבה גבוהה יותר מהגיטרה;
• גנואה - מנדולינה חמישה מיתרים;
• פלורנטין.

איך לנגן במנדולינה

בדרך כלל מנגנים במנדולינה עם פלקטרום, או ליתר דיוק, עם פלקטרום. אמנם, קורה שהם משחקים עם האצבעות. צליל המנדולינה הוא ייחודי - החזרה המהירה והחוזרת על הצליל (טרמולו) מוסברת בכך שכשנוגעים במיתרים, הצליל דועך במהירות, כלומר מסתבר שהוא קצר. לכן, על מנת להאריך את הצליל ולקבל צליל נמשך כביכול, משתמשים בטרמולו.

המנדולינה נודעה ברבים מחוץ לאיטליה מאה שנה לאחר הקמתה. כלי זה אהב מאוד וקיבל במהירות מעמד של כלי עממי. עד עכשיו היא מטיילת על פני כדור הארץ, והולכת ונעשית יותר ויותר מושרשת בתרבות המודרנית.

זה אפילו ידוע שמלחין מפורסם כמו מוצרט, באופרה שלו דון ג'ובאני, השתמש במנדולינה בסרנדה.

בנוסף, רבים מהלהקות, המלחינים והזמרים של ימינו משתמשים בכלי הנגינה הזה כדי לתת איזשהו "זסט" להרכבים שלהם.

בעזרת מנדולינה תוכלו ללוות ולנגן בצורה מושלמת גם קטעי סולו. למשל, ידועות תזמורות נפוליטניות, הצלילים בהן מתמזגים ממנדולינות רבות בגדלים שונים. המנדולינה משמשת גם בתזמורות סימפוניות ואופרה. לצד הבנג'ו, המנדולינה משמשת גם בבלוגראס ובמוזיקה עממית אמריקאית.

כפי שכבר ציינו, המנדולינה היא כלי נגינה מאוד יוצא דופן והיא אהובה על רבים דווקא בגלל שקלף המנצח שלה הוא הטרמולו, שאולי לא תמצאו בכלי נגינה אחרים.

המנדולינה היא כלי נגינה שהוא אחד הפופולריים בקטגוריית הכלים העממיים. אולי, מעט כלי נגינה יכולים להתפאר בפופולריות כזו. במקום זאת, המנדולינה נחשבת באופן מסורתי לפולק, אם כי מלחינים רבים השתמשו בה ביצירותיהם, והעניקו להם קסם מיוחד וייחודיות. למרות שהמנדולינה משמשת לעתים קרובות בתזמורות, היא גם נשמעת נהדר כחלק מוזיקלי עצמאי. מבוצעים בו אטיודים ומחזות שונים בליווי כלי נגינה נוספים.

איפה עוד התפרסמה המנדולינה

מהר יחסית, המנדולינה נדדה מאיטליה לצפון ארצות הברית של אמריקה והתבססה היטב במוזיקה המקומית. באירופה, הכלי הזה כבש את העם הסקנדינבי, שהעניק למנדולינה סאונד קפדני מיוחד.

למנדולינה יש כלים משפחתיים. אלה מנדלה, בוזוקי ומנדולינה אוקטבה. הרמוניות רוקנרול של זמננו דומות מאוד לאותה מנדולינה.

ידוע שחברי קבוצת לד זפלין אהבו מאוד את צליל המנדולינה והשתמשו בו בלחנים שלהם. אפילו ג'ימי פייג', חבר בלהקה, השלים את המנדולינה עם צוואר מנדלה וגיטרה. אפילו פול מקרטני העדיף את כלי הנגינה הקשה הזה.

בנוסף לסאונד המעולה, למנדולינה יש מספר יתרונות שאין להכחישה:

• מבנה הרמוני;
• צְפִיפוּת;
• שילוב עם מנדולינות אחרות או כלי נגינה אחרים בכלל - גיטרה, חליל בלוק.

כוונון המנדולינה דומה במקצת לכיוון הכינור:

• צמד המיתרים הראשון מכוון ב-mi של האוקטבה השנייה;
• הזוג השני נמצא ב-la של האוקטבה הראשונה,
• מחדש אוקטבה 1;
• צמד המיתרים הרביעי הוא מלח של אוקטבה קטנה.

הפופולריות של המנדולינה גדלה יותר ויותר. לדוגמה, חבר בקבוצת אריה, ואדימיר חולסטינין, משתמש במנדולינה בחיבור המוזיקלי Paradise Lost. הוא משמש גם באופרת המטאל של להקת אפידמי (השיר Walk Your Way) ושל סרגיי מברין (מקדש).

והשיר המפורסם "Loosing my religion" של R.E.M. עם צליל ייחודי של מנדולינה? נראה שהוא מוכר כמעט בכל מדינות העולם.

המנדולינה היא כלי נגינה מסתורי למדי. סוד ההצלחה שלה עדיין לא נחשף במלואו. גם אם עברו יותר מארבע מאות שנים מאז הופעתו, הוא בהחלט לא מאבד את הפופולריות שלו, אלא להיפך, הוא צובר יותר ויותר מעריצים. בעידן המודרני, הוא נמצא בשימוש יותר ויותר במגוון ז'אנרים מוזיקליים.

זה מאוד בולט שהמנדולינה מסוגלת להשתלב בצורה מושלמת בכל קומפוזיציה, גוון או להבליט את הצליל של כמעט כל כלי. כששומעים את הצלילים של הכלי הקסום משהו הזה, נראה שאתה צולל לתוך העידן העתיק של אבירים אמיצים, גברות מקסימות ומלכים גאים.

סרטון: איך נשמעת מנדולינה

מקורות המוזיקה האיטלקית חוזרים לתרבות המוזיקלית של רומא העתיקה (ראה. מוזיקה רומית עתיקה). המוזיקה השמיעה את היצורים. תפקיד בחברה., מדינה. חיי האימפריה הרומית, בחיי היומיום בדצמבר. חלקי האוכלוסייה; המוזיקה הייתה עשירה ומגוונת. כלים. דגימות של מוזיקה רומית עתיקה לא הגיעו אלינו, אבל קצת. מרכיביו השתמרו בימי הביניים. המשיח. פזמונים ועם מוּסִיקָה מסורות. במאה ה-4, כשהנצרות הוכרזה כמדינה. דת, רומא, יחד עם ביזנטיון, הפכה לאחד המרכזים לפיתוח הליטורגי. שירה, פר-בונאך. שבסיסו היה תהילים, שמקורם בסוריה ופלסטין. הארכיבישוף של מילאנו אמברוז הקים את הנוהג של שירת מזמורים אנטיפונלית (השווה. אנטיפון), מקרבים את המנגינה שלהם ל-Nar. מקורות. מסורת מיוחדת של ישו מערבי קשורה בשמו. כְּנֵסִיָה שירה, הנקראת Ambrosian (cf. פזמון אמברוזיאני). בקונ. במאה ה-6, תחת האפיפיור גרגוריוס הראשון, נוצרו צורות מוצקות של ישו. ליטורגיה והורה על המוזות שלה. צַד. נוצר באותו זמן ברומא, הזמר. בית הספר ("schola cantorum") הפך למעין אקדמיה של זמרי כנסייה. תביעה משפטית והמחוקק העליון. הסמכות בתחום זה. גרגורי אני יוחסה עם האיחוד והקיבוע של הראשי. מזמורים ליטורגיים. עם זאת, מחקרים מאוחרים יותר מצאו כי מלודי. סגנון וצורות של מה שנקרא. הפזמון הגרגוריאני התגבש לבסוף רק במאות ה-8-9. קתולי הכנסייה, השואפת לאחידות הפולחן, נטעה את הסגנון הזה של חד-ראש. מקהלה. שירה בין כל העמים שהתגיירו למשיח. אֱמוּנָה. תהליך זה הושלם עד הסוף. המאה ה-11, כאשר הליטורגיה הגרגוריאנית עם הפזמונים המקבילים. רגולציה שאומצה במדינות התיכון, המערב. ויוז'. אֵירוֹפָּה. במקביל, נעצרה גם התפתחותו של הפזמון הגרגוריאני, שקפא לאי-איזם. טפסים.

מקונ. האלף הראשון לספירה כתוצאה מפלישות תכופות של האויב לאיטליה, כמו גם הדיכוי המוגבר של האפיפיור, שמנע את הביטוי החופשי של היצירתיות. יוזמות, ב- I. m. מתארך. קיפאון, הוא מפסיק לשחק תפקיד בולט במוזיקה הכללית. התפתחות האירופית מדינות. השינויים החשובים ביותר שחלו באירופה. מוסיקה בתחילת המילניום הראשון והשני, למצוא השתקפות חלשה ולעתים קרובות מאוחרת ב-I. m. בעוד המדענים-מוזיקאים של זאפ. וצפון מערב. אירופה כבר במאה ה-9. נתן רציונל לצורות המוקדמות של פוליפוניה, האיטלקית הבולטת ביותר. מוּסִיקָה התיאורטיקן של ימי הביניים גידו ד'ארצו (המאה ה-11) הקדיש את תשומת הלב העיקרית לפזמון גרגוריאני חד ראשי, רק נגע בקצרה באורגנום. על תרומתה העצמאית של איטליה לפיתוח הז'אנרים הפוליפוניים של אותה תקופה. העלייה החדשה של I מ' בסוף המאות ה-13-14 היה קשור לרנסנס הקדום, ששיקף את צמיחתן של נטיות הומניסטיות, את השחרור ההתחלתי של האישיות האנושית מדיכוי הדוגמות הדתיות, תפיסה חופשית וישירה יותר של העולם. תקופת היחלשות כוחם של האדונים הפיאודליים והיווצרות יחסים קפיטליסטיים מוקדמים.המושג של הרנסנס המוקדם מתאים להגדרה שאומצה בתולדות המוזיקה Ars nova.המרכזים העיקריים של תנועה זו היו ערי מרכז וצפון איטליה - פירנצה, ונציה, פדובה - מתקדמים יותר במבנה החברתי ובתרבות שלהם מאשר האזורים הדרומיים, שבהם עדיין נשמרו היטב היחסים הפיאודליים. ערים אלו משכו את המלחינים והמוזות המוכשרים ביותר מבצעים. ז'אנרים חדשים ומגמות סגנוניות התעוררו כאן.

הרצון לביטוי מוגבר התבטא במילים. מזמורים לדת המתפרשת באופן חופשי. נושאים - לאודך, אשר הושרו בחיי היומיום ובתקופת הדתות. תהלוכות. כבר בקונו. המאה ה-12. קמו "אחוות לאודיסטים", שמספרם גדל במאות ה-13 ובעיקר ב-14. לאודות טופחו בקרב הנזירים של המסדר הפרנציסקני, בניגוד לקצינים. הכנסייה הרומית, לפעמים הם שיקפו את המניעים של המחאה החברתית. ניגון ההלל מזוהה עם נאר. מקורות, קצב שונה. בהירות, בהירות המבנה, צביעה עיקרית דומיננטית. חלקם קרובים באופיים לריקוד. שירים.

בפירנצה קמו ז'אנרים חדשים של מצולעים חילוניים. ווק. מוזיקה המיועדת להופעת חובבים ביתית: מדריגל, קצ'ה, בלטה. זה היה שער של 2 או 3. סטרופי שירים בעלי ראשוניות מלודית. קול עליון, שהיה נבדל על ידי קצבי. ניידות, שפע של מעברים צבעוניים. מדריגל - אריסטוקרטי. ז'אנר המאופיין בתחכום של פואטיקה ומוזות. בִּניָן. אירוטי עדין שררה בו. נושאים, מגולמים גם הם סאטיריים. מניעים, לפעמים בצבע פוליטי. התוכן של הקצ'ה הורכב במקור מתמונות ציד (ומכאן השם עצמו: קצ'ה - ציד), אבל אז הנושא שלה מתרחב ומכסה מגוון סצנות ז'אנר. הפופולרי ביותר מבין ז'אנר ה-Ars nova החילוני הוא הבלטה (שיר ריקוד, קרוב בתוכן למדריגל).

התפתחות נרחבת באיטליה במאה ה-14. מקבל הדרכה מוּסִיקָה. רָאשִׁי הכלים של אותה תקופה היו לאוטה, נבל, כינור, חליל, אבוב, חצוצרה, פירוק איברים. סוג (חיובי, ניידים). הם שימשו הן לליווי שירה והן לנגינת סולו או אנסמבל.

עלייתו של האיטלקי ארס נובה נופל על סר. המאה ה-14. בשנות ה-40. היצירתיות מתפתחת. הפעילות של המאסטרים הבולטים שלה - ג'ובאני מפירנצה וג'קופו מבולוניה. נגן העוגב והמלחין הווירטואוז העיוור התפרסם במיוחד. פ. לנדינו הוא אדם רב כישרונות, משורר, מוזיקאי ומדען, שזכה לכבוד בחוגים איטלקיים. הומניסטים. ביצירתו, הקשר עם הנר. במקור, המנגינה רכשה חופש ביטוי גדול יותר, לפעמים עידון מעולה, פרחוני וקצבי. מגוון.

בעידן הרנסנס הגבוה (המאה ה-16), I. m. תפס עמדה מובילה בקרב האירופים. מוּסִיקָה תרבויות. באווירת ההתפרצות הכללית של האמנויות. התרבות פיתחה באופן אינטנסיבי יצירת מוזיקה בפירוק. שכבות החברה. המרכזים שלו היו יחד עם הכנסייה. קפלות מלאכה. אגודות גילדות, חוגים של אוהבי ספרות ואמנות נאורים, המכנים את עצמם לפעמים עתיקים. אקדמיות לדוגמא. בהרבה ערים יצרו בתי ספר שהכניסו עצמאות. תרומה לפיתוח I. m. הגדולים והמשפיעים שבהם הם בתי הספר הרומאיים והוונציאניים. במרכז הקתוליות - רומא, צורות אמנות חדשות, שהתעוררו על ידי תנועת הרנסנס, נתקלו לא פעם בהתנגדות מצד הכנסייה. רָשׁוּיוֹת. אבל, למרות האיסורים וההכפשות, לאורך המאה ה-15. ברומי-קתולית השירותים האלוהיים מבוססים היטב mnogogol. שִׁירָה. זאת הקלה על ידי פעילותם של נציגי בית הספר הצרפתי-פלמי של ג' דופאי, ג'וסקין דספרס ומלחינים אחרים, אשר שירתו בזמנים שונים בקפלה האפיפיור. בקפלה הסיסטינית (קרן 1473) ובמקהלה. הקפלה של הקתדרלה של St. פיטר ריכז את מיטב אדוני הכנסייה. שר לא רק מאיטליה, אלא גם ממדינות אחרות. בעיות כנסייה. השירה ניתנה מיוחדת. תשומת לב במועצת טרנט (1545-63), שבהחלטותיה גינתה ההתלהבות המוגזמת מהפוליפוני ה"פיגורטיבי". מוזיקה, המקשה על הבנת "דברי הקודש", והועלתה הדרישה לפשטות ובהירות; נאסרה הכנסת ניגונים חילוניים לליטורגית. מוּסִיקָה. אבל, בניגוד לרצונה של הכנסייה. הרשויות לגרש את כל החידושים משירת הפולחן ובמידת האפשר להחזירה למסורת הפזמון הגרגוריאני, יצרו מלחיני האסכולה הרומית פוליפוניה מפותחת מאוד. אמנות, שבה יושמו וחשבו מחדש מיטב ההישגים של הפוליפוניה הצרפתית-פלמית ברוח האסתטיקה של הרנסנס. בייצור מלחינים של חיקוי מורכב בית ספר זה. טכניקה שולבה עם אקורד-הרמוני. מחסן, מצולע המרקם קיבל אופי של הרמוניה הרמונית, ההתחלה המלודית הפכה עצמאית יותר, הקול העליון עלה לא פעם לידי ביטוי. הנציגה הגדולה ביותר של האסכולה הרומית היא פלסטרינה. האמנות ההרמונית המאוזנת לחלוטין, הנאורה במצב הרוח, מושווה לפעמים ליצירתו של רפאל. להיות פסגת הפזמון. פוליפוניה בסגנון קפדני, המוזיקה של פלסטרינה מכילה בו זמנית אלמנטים מפותחים של חשיבה הומופונית. השאיפה לאיזון בין העקרונות האופקיים והאנכיים אופיינה גם למלחינים אחרים מאותה אסכולה: K. Festa, G. Animucci (שעמד בראש הקפלה של St. פטר בשנים 1555-71), קלמנס-לא-פאפא, תלמידים וחסידי פלסטרינה - ג'י נאנינו, פ. אנריו ואחרים. ספרדים סמוכים גם לאסכולה הרומית. מלחינים שפעלו בקפלה האפיפיורית: ק. מוראלס, ב. אסקובדו, ט.ל. דה ויקטוריה (שקיבלה את הכינוי "פלסטרינה הספרדית").

מייסד האסכולה הוונציאנית היה א' וילארט (הולנדי במוצאו), שעמד ב-1527 בראש הקפלה של קתדרלת סנט. מארק והיה המנהיג שלה במשך 35 שנים. ממשיכי דרכו היו סי דה פופ והספרדי סי מרולו. בית ספר זה הגיע לשיאו בעבודתם של א' גבריאלי ואחיינו י' גבריאלי. בניגוד לאופן הכתיבה הקפדני והמאופק של פלסטרינה ומלחינים אחרים מהאסכולה הרומית, אופיינה אמנות הוונציאנים בפלטת צלילים מפונפנת, בשפע של צבעים עזים. אפקטים. עיקרון הרב-כוריזם קיבל מהם משמעות מיוחדת. התנגדות של שתי מקהלות, עיבוד. בחלקים שונים של הכנסייה, שימשו כבסיס לדינמיקה. וניגודים צבעוניים. מספר הקולות המשתנה ללא הרף של ג'י גבריאלי הגיע ל-20. פזמון ניגודים. הסנוריות נוספו על ידי שינוי של מדריך. הגוונים, והכלים לא רק שכפלו את קולות המקהלה, אלא גם הופיעו באופן עצמאי במהלך ההפסקה. ופרקים מקשרים. הַרמוֹנִי השפה הייתה רוויה בכרומטיזם רבים, לעתים קרובות נועזים לאותה תקופה, שהעניקו לה תכונות של ביטוי מוגבר.

היצירתיות של המאסטרים של בית הספר הוונציאני שיחקה תפקיד גדול בפיתוח צורות חדשות של אינסטר. מוּסִיקָה. במאה ה-16 עצם הרכב הכלים הועשר באופן משמעותי, הביטויים שלהם התרחבו. יכולות. חשיבותם של כלי קשת עם הצליל החם המלודי שלהם גדלה. בתקופה זו נוצר הקלאסי. סוג ויולה; כינור, פריים נפוץ בעבר. בחיי העם, הופך לפרופ. מוּסִיקָה כְּלִי. ככלי סולו המשיכו הלאוטה והעוגב לתפוס את העמדה המובילה. בשנים 1507-09 הוצאת המוזיקה O. Petrucci publ. 3 אוספים של יצירות לאוטה, עדיין נשמרו. תסמיני התמכרות לווק. פוליפוניה מסוג מוטט. בעתיד, התלות הזו נחלשת, מפתחים כלים ספציפיים. שיטות הצגה. מאפיין את המאה ה-16. ז'אנרים של אינסטר. מוזיקה - ricercar, פנטזיה, קנזונה, קפריצ'יו. בשנת 1549, org. מכוניות ה-ricer של ווילארט. בעקבותיו, ז'אנר זה פותח על ידי ג'יי גבריאלי, כמה מכוניות ricercar to-rogo ניגשים לפוגה בהצגה. ב-org. הטוקאטות של המאסטרים הוונציאניים משקפות התחלה וירטואוזית ונטייה לפנטזיה חופשית. בשנת 1551 פורסם אוסף מאמרים בוונציה. קטעי ריקוד קלווייר. דמות.

עם השמות של א' וג'יי גבריאלי קשורה להופעתו של העצמאי הראשון. דוגמאות של אנסמבל קאמרי ותזמורת. מוּסִיקָה. היצירות שלהם עבור אינסטר. יצירות (מ-3 עד 22 מפלגות) אוחדו בשבת. "קנזונות וסונטות" ("Canzoni e sonate ...", פורסם ב-1615 לאחר מות המלחינים). מחזות אלו מבוססים על עקרון הפירוק המנוגד. instr. קבוצות (שתיהן הומוגניות - קשת, עץ, פליז ומעורבבות), התקבלו לאחר מכן. הופעה בז'אנר הקונצרטים.

הביטוי השלם והחי ביותר של רעיונות הרנסנס במוזיקה היה המדריגל, ששגשג שוב במאה ה-16. לז'אנר החשוב ביותר הזה של יצירת מוזיקה חילונית בתקופת הרנסנס, התייחסו רבים. מלחינים. המדריגלים נכתבו על ידי הוונציאנים א' ווילארט, ק' דה פופ, א' גבריאלי, המאסטרים של האסכולה הרומית ק' פסטוס ופלסטרינה. בתי ספר של מדריגליסטים היו קיימים במילאנו, פירנצה, פרארה, בולוניה, נאפולי. מדריגל המאה ה-16 נבדל מהמדריגל של תקופת ארס נובה בעושר ובעידון הפואטי הגדול יותר. תוכן, אבל התחום שלו נשאר מילות אהבה, לעתים קרובות פסטורליות, בשילוב עם שירים נלהבים של יפי הטבע. לשירתו של פ. פטררק הייתה השפעה רבה על התפתחות המדריגל (הרבה משיריו הולחמו על ידי מחברים שונים). מלחינים מדריגליסטים פנו ליצירותיהם של ל' אריוסטו, ט' טאסו ומשוררים מרכזיים אחרים של הרנסנס. במדריגלים של המאה ה-16. 4 או 5 שערים ניצחו. מחסן המשלב אלמנטים של פוליפוניה והומופוניה. להוביל מלודי. הקול היה עדין. גוונים, העברה גמישה של פרטים פיוטיים. טֶקסט. ההרכב הכולל היה חופשי ולא ציית ל-strophic. עִקָרוֹן. בין המאסטרים של המדריגל של המאה ה-16. בלט ההולנדי ג'יי ארקדלט, שעבד ברומא ובפירנצה. המדריגלים שלו, שפורסמו בשנים 1538-44 (6 ספרים), פורסמו שוב ושוב ושוכפלו במהדורות שונות. מודפס ובכתב יד. פגישות. הפריחה הגבוהה ביותר של ז'אנר זה קשורה ליצירתיות. פעילויות של ל. מרנציו, סי מונטוורדי וסי ג'סואלדו די ונוסה בקונצרן. 16 - מתחנן. המאה ה 17 אם מרנציו מאופיין בתחום העידון. לִירִיקָה תמונות, ואז ב-Gesualdo di Venosa ומונטוורדי המדריגל מומחז, ניחן בפסיכולוגיה מעמיקה. ביטוי, הם השתמשו באמצעים חדשים ויוצאי דופן של הרמוניה. שפה, אינטונציה מחודדת. כושר הבעה של ווק. מלודיות. שכבה עשירה של I. m. הם דרגשים. שירים וריקודים, מובחנים בלחן של מנגינות, חיוניות, מקצבי תבערה. בשביל איטליה. ריקודים מאופיינים בגודל של 6/8, 12/8 ובקצב מהיר, לעתים קרובות עז: סלטארלו (שיאים של המאות ה-13-14 נשמרו), לומברד קשור (ריקוד לומברדי) ופורלנה (ריקוד ונציאני, פריוליאני ), טרנטלה (ריקוד דרום איטלקי, שהפך לאומי). לצד הטרנטלה, הסיציליאנה פופולרית (הגודל זהה, אבל הקצב מתון, אופי המנגינה שונה - פסטורלי). הסיציליאנים קרובים ל-barcarolle (שיר הגונדוליירים הוונציאניים) ולריספטו הטוסקני (שיר הלל, וידוי אהבה). שירי תלונות ידועים ברבים - למנטו (סוג של קינה). הפלסטיות והלחן של המנגינה, הליריקה החיה והרגישות המודגשת לעתים קרובות אופייניים לשירים הנפוליטניים הנפוצים באיטליה.

נאר. המוזיקה השפיעה גם על פרופ. מוּסִיקָה יצירה. הפשטות והקרבה הכי גדולה לדרגש. הז'אנרים של פרוטולה וווילנלה היו שונים במקורותיהם.

הרנסנס נתן תנופה להתפתחות המוזיקלית-תיאורטית. מחשבות באיטליה. הבסיס של המודרני תורת ההרמוניה הונחה על ידי J. Tsarlino. מאה רביעי. הוא התנגד לדוקטרינת הפרטים עם מערכת טונאלית חדשה עם 2 יסודות. נטיות מודאליות - גדולות ומינוריות. בפסיקותיו הסתמך זרלינו בעיקר על תפיסה שמיעתית ישירה, ולא על חישובים סכולסטיים מופשטים ופעולות מספריות.

האירוע הגדול ביותר ב- I. m. בתחילת המאות 16-17. אופרה נולדה. לאחר שהופיעה כבר בסוף תקופת הרנסנס, האופרה בכל זאת קשורה לחלוטין לרעיונותיה ולתרבותה. אופרה כעצמאית. הז'אנר צמח, מצד אחד, מהתיאטרון. הופעות של המאה ה-16, בליווי מוזיקה, לעומת זאת, ממדריגל. מוזיקה ל-t-ra נוצרה על ידי רבים. מלחינים מפורסמים מהמאה ה-16. אז, א' גבריאלי כתב מקהלות לטרגדיה של סופוקלס "אדיפוס" (1585, ויצ'נזה). אחד מקודמי האופרה היה מחזהו של א.פוליציאנו "סיפורו של אורפיאוס" (1480, מנטובה). במדריגל פותחו אמצעים של גמיש, אקספרסיבי. גלגולים פיוטיים. טקסט במוזיקה. מנהג נפוץ של ביצוע מדריגלים על ידי זמר אחד עם מדריך. לְהִתְנַגֵד. קירב אותם לסוג הווק. מונודיה, שהפכה לבסיס האיטלקי הראשון. אוֹפֵּרָה. בקונ. המאה ה 16 עלה ז'אנר של קומדיה מדריגלית, שבה מחקה. המשחק היה מלווה בווק. פרקי מדריגל. דוגמה טיפוסית לז'אנר זה היא Amphiparnassus מאת O. Vecchi (1594).

בשנת 1581 הופיע פולמוס. חיבור מאת V. Galilee "שיחה על מוזיקה עתיקה וחדשה" ("Dialogo della musica antica et délia moderna"), שבו ווק מזמר. דקלום (בדגם עתיק) התנגד ל"ברבריות" של ימי הביניים. פּוֹלִיפוֹנִיָה. הקטע שהלחין מהקומדיה האלוהית של דנטה היה אמור לשמש להמחשה של הווק הזה. סִגְנוֹן. מחשבותיו של הגליל מצאו תמיכה בקרב קבוצת משוררים, מוזיקאים ומדענים הומניסטים שהתאחדו בשנת 1580 ביוזמת הרוזן הפלורנטיני הנאור ג' ברדי (מה שנקרא פלורנטין קאמרטה). מנהיגי חוג זה יצרו את האופרות הראשונות - "דפנה" (1597-98) ו"אורידיקה" (1600) מאת ג'יי פרי לטקסט של או. רינוצ'יני. ווקים סולו. חלקים מהאופרות הללו עם אופ. באסו קונטינואו מתקיימים בדקלום. באופן, מחסן המדריגל נשמר במקהלות.

כַּמָה שנים מאוחר יותר, המוזיקה של "אורידיקה" נכתבה באופן עצמאי על ידי הזמר והחבר. ג'יי קצ'יני, שהיה גם המחבר של סאט. שירי סולו קאמריים עם אופ. "מוזיקה חדשה" ("Le nuove musiche", 1601), osn. על אותו סגנוני עקרונות. סגנון כתיבה זה כונה "הסגנון החדש" (Stile nuovo), או "סגנון משובח" (Stile rarpresentativo).

לְדַרבֵּן. פלורנטינים הם רציונליים במידה מסוימת, ערכם בעיקרו. נִסיוֹנִי. חיים אמיתיים נפחו את המוזות הגאוניות של האופרה. מחזאי, אמן בעל כישרון טרגי אדיר סי מונטוורדי. הוא פנה לז'אנר האופרה בבגרותו, וכבר היה מחברם של רבים. אופציה רוחנית. ומדריגלים חילוניים. האופרות הראשונות שלו אורפיאוס (1607) ואריאדנה (1608) היו פרסומות. במנטובה. לאחר הפסקה ארוכה, שוב פעל מונטוורדי כמלחין אופרה בוונציה. פסגת יצירתו האופראית היא "הכתרת פופה" (1642), פרוד. כוח שייקספירי באמת, המובחן בעומק הדרמה. הבעות, דוגמנות מופתית של דמויות, חדות ועוצמת מצבי קונפליקט.

בוונציה, האופרה חרגה מהאריסטוקרטי הצר. חוג אניני טעם והפך למחזה ציבורי. בשנת 1637 נפתח כאן תיאטרון האופרה הציבורי הראשון "סן קסיאנו" (במהלך 1637-1800 נוצרו לפחות 16 תיאטראות כאלה). יותר דמוקרטי. הרכב הקהל השפיע גם על אופי היצירות. מִיתוֹלוֹגִי הנושא פינה את מקומו למקום הדומיננטי ההיסטורי. סיפורים עם אקשן אמיתי. פרצופים, דרמה והרואי ההתחלה הייתה שזורה בקומית ואפילו לפעמים מופרכת עד מאוד. ווק. המנגינה רכשה ניגון גדול יותר; פרקים מהסוג אריוזי. מאפיינים אלה, שכבר אופייניים לאופרות המאוחרות של מונטוורדי, פותחו עוד ביצירתו של פ. קוואלי, מחברן של 42 אופרות, שביניהן זכתה האופרה ג'ייסון (1649) לפופולריות הגדולה ביותר.

האופרה ברומא רכשה צבע מוזר בהשפעת הקתולים ששלטו כאן. מגמות. יחד עם עתיקות מִיתוֹלוֹגִי עלילות ("מותו של אורפיאוס" - "La morte d" Orfeo "S. Landi, 1619; "Chain of Adonis" - "La Catаna d" Adone "D. Mazzocchi, 1626) נכנסו לדת האופרה. נושאים שטופלו במשיח. תוכנית מוסרית. רוב האמצעים. לְדַרבֵּן. האסכולה הרומית - האופרה "אלכסיי הקדוש" מאת לנדי (1632), אשר נבחנה על ידי מלודי. העושר והדרמה של המוזיקה, שפע המקהלות שהתפתח במרקם. פרקים. ברומא הופיעו הדוגמאות הראשונות לקומדיה. ז'אנר אופרה: "מי שסובל, תן לו לקוות" ("Che soffre, speri", 1639) מאת V. Mazzocchi ומ. Marazzoli ו"אין רע בלי טוב" ("Dal male il bene", 1653) מאת א.מ. אבאטיני ומראצולי.

ק סר. המאה ה 17 האופרה חרגה כמעט לחלוטין מעקרונות האסתטיקה של הרנסנס, המוגנים על ידי המצלמה הפלורנטינית. מעידה על כך עבודתו של M. A. Honor, הקשורה לבית הספר הוונציאני לאופרה. בכתביו דרמות נסערות. מנגינה מלודית רכה הייתה מתנגדת לרצ'יטטיבית, התפקיד של ווקים מעוגלים גדל. מספרים (לעתים קרובות לרעת ההצדקה הדרמטית של הפעולה). אופרת הכבוד "תפוח הזהב" ("Il porno d" oro", 1667), שהועלתה בפאר בווינה לרגל נישואי הקיסר ליאופולד הראשון, הפכה לאב-טיפוס של מופעי חצר טקסיים, שמאז אותה תקופה הפכו נפוצים באירופה. "זו כבר לא אופרה איטלקית גרידא, - כותב ר' רולנד, - היא סוג של אופרת חצר בינלאומית.

מקונ. המאה ה 17 תפקיד מוביל בפיתוח של אופרה עברה לנאפולי. הנציג הגדול הראשון של בית הספר הנפוליטני לאופרה היה פ. פרובנס, אך ראשו האמיתי היה א. סקרלטי. מחברם של יצירות אופראיות רבות (יותר מ-100), הוא אישר את המבנה האופייני של האיטלקי. אופרה סדרה, נשמר ללא יצורים. שינויים לקונ. המאה ה 18 עֶליוֹנוּת המקום באופרה מסוג זה שייך לאריה, בדרך כלל בדה קאפו בת 3 חלקים; לרזיטיב מוקצה תפקיד שירות, החשיבות של מקהלות והרכבים מצטמצמת למינימום. אבל מלודית בהירה. המתנה של סקרלטי, אומנות פוליפונית. מכתבים, דרמטורגית ללא ספק. כשרון אפשר למלחין, למרות כל המגבלות, להשיג השפעה חזקה ומרשימה. סקרלטי פיתח והעשיר הן את הקול והן את האינסטר. צורות אופרה. הוא פיתח מבנה טיפוסי של איטלקית. פתיחה אופרה (או סימפוניה, לפי המינוח המקובל אז) עם קטעי קיצון מהירים ופרק אמצעי איטי, שהפך לאב הטיפוס של הסימפוניה כעצמאית. קונצרן עובד.

בקשר הדוק עם האופרה התפתח ז'אנר חדש של מוזיקה חוץ-ליטורגית. דָתִי תביעה - אורטוריה. מקורו בדת קריאות, בליווי שירה רב-מטרים. בקול רם, היא רכשה סיפוק עצמי. גָמוּר צורה ביצירתו של ג' קריסימי. באורטוריות, שנכתבו ברובן על נושאים מקראיים, הוא העשיר את הצורות האופראיות שהתפתחו עד האמצע. המאה ה-17, הישגי המקהלה. קונצרן סִגְנוֹן. בין המלחינים שפיתחו את הז'אנר הזה אחרי קאריסימי, בלט א.סטרדלה (אישיותו הפכה לאגדית בגלל הביוגרפיה ההרפתקנית שלו). הוא הכניס אלמנטים של דרמה לאורטוריה. פאתוס ומאפיינים. כמעט כל המלחינים של האסכולה הנפוליטנית הקדישו תשומת לב לז'אנר האורטוריות, אם כי בהשוואה לאופרה, האורטוריה תפסה מקום משני ביצירתם.

ז'אנר הקשור לאורטוריה הוא קנטטה קאמרית לקול אחד, לפעמים 2 או 3 קולות עם אופי. באסו רצף. בניגוד לאורטוריה, שלטו בה טקסטים חילוניים. המאסטרים הבולטים בז'אנר זה הם קאריסימי ול' רוסי (אחד מנציגי בית הספר לאופרה הרומית). כמו האורטוריה, הקנטטה ניגנה רעה. תפקיד בפיתוח הווק. צורות שהפכו לאופיניות לאופרה הנפוליטנית.

בתחום מוזיקת ​​הפולחן במאה ה-17. השאיפה לגדולה חיצונית, ראוותנית, שהשיג צ'. arr. בגלל כמויות. השפעה. העיקרון של רב מקהלה, שפותח על ידי המאסטרים של האסכולה הוונציאנית, רכש היפרבוליקה. סוּלָם. בחלק מההפקות. ניצל עד שתים עשרה 4 שערים. מקהלות. מקהלת ענק. קומפוזיציות נוספו על ידי רבים וקבוצות שונות של כלים. סגנון הבארוק המפואר הזה פותח במיוחד ברומא, והחליף את האופן המחמיר והמאופק של פלסטרינה וחסידיו. הנציגים הבולטים של האסכולה הרומית המאוחרת הם ג' אלגרי (מחבר ה"Miserere" המפורסם, שהוקלט באוזניה על ידי W.A.Mozart), P. Agostini, A.M. Abbatini, O. Benevoli. במקביל, מה שנקרא. "סגנון קונצרט", קרוב לשירה המתעוררת-רסיטטיבית של איטלקית מוקדמת. אופרות, שדוגמאות להן הן הקונצ'רטו הקדושים של א' בנקיירי (1595) ול' ויאדנה (1602). (כפי שהתברר מאוחר יותר, ללא סיבה מספקת, ויאדנה זוכה להמצאת הבס הדיגיטלי.) סי מונטוורדי, מרקו דה גליאנו, פ. קוואלי, ג'י לגרנצי ומלחינים אחרים שעברו לכנסייה כתבו באותו דבר. דֶרֶך. אלמנטים מוזיקליים של אופרה או קנטטה קאמרית.

חיפוש אינטנסיבי אחר צורות ואמצעי מוזיקה חדשים. אקספרסיביות, המוכתבת על ידי הרצון לגלם הומניסטי עשיר ורב-תכליתי. תוכן, נערכו בתחום ההדרכה. מוּסִיקָה. אחד המאסטרים הגדולים של הארגון. ומוזיקת ​​קלאביר של התקופה שלפני באך הייתה ג'יי פרסקובלדי - מלחין יצירתי מבריק. אישיות, וירטואוז מבריק בעוגב ובצ'מבלו, שהתפרסם במולדתו ובמדינות אחרות באירופה. מדינות. הוא הביא את המסורת. צורות ricercar, פנטזיות, טוקטות, תכונות של כושר הבעה אינטנסיבי וחופש תחושה, מלודי מועשר. והרמונית. שפה, פוליפוניה מפותחת. חשבונית. בהפקה שלו התגבש קלאסי. סוג של פוגה עם קשרים טונאליים מוגדרים בבירור ושלמות התוכנית הכללית. יצירתיות פרסקובלדי - פסגת האיטלקית. org. תביעה משפטית. כיבושיו החדשניים לא מצאו חסידים בולטים באיטליה עצמה; הם הומשכו ופותחו על ידי מלחינים ממדינות אחרות. באיטלקית. instr. מוזיקה מהקומה השנייה. המאה ה 17 התפקיד הראשי עבר לכלי קשת ובעיקר לכינור. זאת בשל פריחת אמנויות הבמה לכינור ושיפור הכלי עצמו. במאות 17-18. באיטליה עלו לקדמת הבמה שושלות של יצרני כינורות מפורסמים (משפחות אמטי, סטרדיווארי, גוארנרי), שהכלים שלהן עדיין נותרו ללא תחרות. כנרים וירטואוזים מצטיינים היו לרוב גם מלחינים, ביצירתם תוקנו טכניקות חדשות של ביצוע סולו בכינור, פותחו מוזות חדשות. טפסים.

בתחילת המאות 16-17. בוונציה התפתח הז'אנר של סונטת הטריו - הפקה רב-חלקית. עבור 2 כלי נגינה סולו (לעתים קרובות יותר - כינורות, אבל הם יכולים להיות מוחלפים בכלים אחרים של tessitura המקביל) ובס. היו 2 זנים לז'אנר זה (שניהם השתייכו לתחום המוזיקה הקאמרית החילונית): "סונטה כנסייתית" ("סונטה דה צ'ייסה") - מחזור בן 4 חלקים, בו מתחלפים חלקים איטיים ומהירים, ו"סונטה קאמרית" ("סונטה דה מצלמה"), שהורכבה מכמה. קטעי ריקוד. אופי, קרוב לסוויטה. התפתחות נוספת של ז'אנרים אלה משמעותית במיוחד. את התפקיד שיחק בית הספר בבולוניה, שהציג קבוצת כוכבים מבריקה של מאסטרים באמנות הכינור. בין נציגיה הבכירים נמנים מ' קזטי, י' ויטלי, ג'יי באסאני. עידן בהיסטוריה של מוזיקת ​​הכינור והאנסמבל הקאמרי היה פרי עבודתו של א' קורלי (תלמידו של בסאני). התקופה הבוגרת של פעילותו הייתה קשורה לרומא, שם הוא יצר בית ספר משלו, המיוצג על ידי שמות כמו P. Locatelli, F. Geminiani, J. Somis. ביצירתו של קורלי הושלמה היווצרותה של סונטת הטריו. הוא הרחיב והעשיר את המבצעים. אפשרויות של כלי קשת. יש לו גם מחזור סונטות לסולו כינור עם אופ. צֶ'מבָּלוֹ. הז'אנר החדש הזה, שצמח בקונ. המאה ה-17, סימנה את הסוף. טענה מונודית. עקרון ב- instr. מוּסִיקָה. קורלי, יחד עם בן זמנו ג' טורלי, יצר את הקונצ'רטו גרוסו, הצורה החשובה ביותר של יצירת מוזיקה קאמרית ותזמורתית עד אמצע המאה ה-18.

לרמות. 17 - מוקדם המאה ה 18 בינלאומי גדל תפארת וסמכות י''מ מ''נ. זָר מוזיקאים נמשכו לאיטליה כדי להשלים את השכלתם ולקבל אישור, מה שהבטיח הכרה במולדתם. כמורה, המוזיקאי בעל השכלה הגדולה היה מפורסם במיוחד, comp. והתיאורטיקן G. B. Martini (המכונה Padre Martini). בעצתו השתמשו K.V. Gluck, W.A.Mozart, A. Gretry. בזכותו הפילהרמונית של בולוניה. האקדמיה הפכה לאחד ממרכזי המוזיקה הגדולים באירופה. חינוך.

אִיטַלְקִית מלחינים מהמאה ה-18 רָאשִׁי התמקד באופרה. רק מעטים מהם נותרו מרוחקים מבית האופרה, שמשך אליו קהל רחב מכל תחומי החיים. הנפח העצום של הפקת האופרה של המאה הזו נוצר על ידי מלחינים שונים סולם הכישרון, ביניהם היו הרבה אמנים מוכשרים. הפופולריות של האופרה קודמה על ידי הרמה הגבוהה של הווק. תַרְבּוּת. הזמרים התכוננו. arr. בקונסרבטוריונים - בתי יתומים שקמו כבר במאה ה-16. בנאפולי ובונציה - המרכזים העיקריים של האיטלקים. חיי האופרה במאה ה-18. היו 4 חממות, בהן המוזות. החינוך הובל על ידי מלחינים גדולים. זמר וקומפ. F. Pistocchi ייסד בבולוניה (בערך 1700) מיוחד. chanter בית ספר. ווק יוצא מן הכלל. המורה היה נ. פורפורה, אחד ממלחיני האופרה הפוריים של האסכולה הנפוליטנית. בין המאסטרים המפורסמים של אמנות הבל קאנטו במאה ה-18. - מבצעים של הגברים הראשיים. חלקים באופרה seria castrato זמרים A. Bernacchi, Caffarelli, F. Bernardi (המכונה סנסינו), Farinelli, G. Cresentini, שהיה בעל ווק וירטואוזי. טכניקה בשילוב גוון רך וקליל של הקול; זמרים F. Bordoni, F. Cuzzoni, C. Gabrielli, V. Tesi.

אִיטַלְקִית האופרה נהנתה מפריבילגיות. מיקום ברוב אירופה. כותרות. היא נמשכת. כוח התבטא גם בעובדה שרבים מלחינים ממדינות אחרות יצרו אופרות באיטלקית. טקסטים, ברוח ובמסורות של האסכולה הנפוליטנית. הספרדים ד' פרז וד' טרדלאס, הגרמני I. A. Hasse, הצ'כי J. Myslivechek צמוד אליו. בקנה אחד עם אותו בית ספר זרמו אמצעים. חלק מהפעילות של G. F. Handel ו-K. V. Gluck. בשביל איטליה. סצנות אופרה נכתבו על ידי רוסית. מלחינים - מ"ש ברזובסקי, פ"א סקקוב, ד"ש בורטניאנסקי.

עם זאת, כבר במהלך חייו של ראש בית הספר הנפוליטני לאופרה א' סקרלטי, יוצר סדרת האופרה, נחשפות האמנויות הגלומות בה. סתירות, שימשה עילה לביקורת נוקבת. נאומים נגדה. בהתחלה. שנות ה-20 המאה ה 18 הופיע סאטיריקן. חוברת מוזיקה התיאורטיקן B. Marcello, שבו לעג למוסכמות המגוחכות של אופרה ליבר, הזנחתם של מלחיני דרמה. משמעות הפעולה, הבורות היומרנית של פרימדונות וזמרי קסטרטי. על היעדר אתיקה עמוקה. תוכן וניצול לרעה של השפעות חיצוניות ביקרו מודרני. הם איטל אופרה. המחנך פ. אלגרוטי ב"מסה על האופרה" ("אופרה סאג'יו סופרה ל" במוזיקה ...", 1754) והמדען-אנציקלופדיסט א. ארטאגה בעבודה "המהפכה של התיאטרון המוזיקלי האיטלקי" ("Le rivoluzioni del" teatro musicale italiano dalla sua origine fino al presente", v. 1-3, 1783-86).

המשוררים הליבריטיים א' זינו ופ' מסטאסיו פיתחו מבנה יציב של היסטורי ומיתולוגי. סדרת אופרה, שבה אופי הדרמות היה מוסדר בקפדנות. תככים, מספר ומערכות יחסים של שחקנים, סוגי סולו ווק. חדרים ומיקומם בבמה. פעולה. בעקבות חוקי הדרמה הקלאסית, הם העניקו לאופרה אחדות והרמוניה של קומפוזיציה, שחררו אותה מהתערובת הטרגית. אלמנטים עם קומדיה ופארסי. יחד עם זאת, טקסטי האופרה של המחזאים הללו מאופיינים במאפיינים אריסטוקרטיים. גבורה, כתובה בשפה מלאכותית ומעודנת. סדרת אופרה, ISP. שלעתים קרובות היה מתוזמן לחפוף להופעה. חגיגות, היה אמור להסתיים בהתנתקות מוצלחת חובה, רגשות גיבוריה היו מותנים ובלתי סבירים.

כל ר. המאה ה 18 הייתה נטייה להתגבר על הקלישאות המבוססות של סדרת האופרה וקשר הדוק יותר בין מוזיקה לדרמה. פעולה. זה הוביל לחיזוק תפקידו של הרציטטיב המלווה, להעשרת האורק. צבעים, הרחבה והדרמטיזציה של הפזמון. סצנות. נטיות חדשניות אלו באו לידי ביטוי בצורה חיה ביותר בעבודתם של נ. ג'ומלי וט. טראטה, שהכינו חלקית את הרפורמה האופראית של גלוק. באופרה "איפיגניה בטאורידה" הצליח טראטה, לדברי ג' אברט, "להתקדם עד לשערי הדרמה המוזיקלית של גלוק". המלחינים של מה שנקרא. "אסכולה נפוליטנית חדשה" ג' סארטי, פ' גוגליאלמי ואחרים. א' סצ'יני וא' סאליירי היו חסידים וחסידים נחושים של הרפורמה של גלוק.

האופוזיציה החזקה ביותר היא הרואית על תנאי. סדרת אופרה הייתה סדרה דמוקרטית חדשה. ז'אנר אופרה בופה. בגיל 17 ובמוקדם. המאה ה 18 קוֹמִי האופרה הוצגה רק על ידי דגימות בודדות. כמה עצמאי. הז'אנר, זה התחיל להתגבש עם המאסטרים הבכירים של האסכולה הנפוליטנית ל' וינצ'י ול' ליאו. הקלאסיקה הראשונה דוגמה לאופרה בופא היא המשרתת-מאדאם של פרגולסי (ששימשה במקור כהפסקה בין פעולות בסדרת האופרה שלו "השבי הגאה", 1733). ריאליזם של תמונות, חיות וחדות של מוזות. מאפיינים תרמו לפופולריות הרחבה ביותר של ההפסקה של J. B. Pergolesi ברבים אחרים. מדינות, במיוחד בצרפת, שם הפוסט שלה. בשנת 1752 שימש דחף להופעתה של אסתטיקה עזה. מחלוקת (ראה " מלחמת בופון") ותרם להיווצרות האופרה הקומית הצרפתית הלאומית.

בלי לאבד קשר עם נאר. שורשים, איטליה. אופרה בופה פיתחה צורות מפותחות יותר. בניגוד לסריה האופרה, בה שלט הווק הסולו. התחלה, בקומיקס להרכבים יש חשיבות רבה באופרה. ההרכבים המפותחים ביותר הוצבו בגמרים תוססים שהתפתחו במהירות, שהיו מעין קשרים של תככים קומיים. N. Logroshino נחשב ליוצר של סוג זה של הרכבים אחרונים אפקטיביים. לק' גולדוני, האיטלקי הגדול ביותר, הייתה השפעה פורה על התפתחות האופרה בופה. קומיקאי מהמאה ה-18, ששיקף ביצירתו את רעיונות הריאליזם הנאור. הוא היה מחברם של מספר ספרי אופרה, שלרובם נכתבה המוזיקה על ידי אחד המאסטרים המצטיינים של האיטלקית. קוֹמִי Opera Venetian B. Galuppi. בשנות ה-60. המאה ה 18 נטיות סנטימנטליסטיות באות לידי ביטוי באופרת הבופה (למשל, האופרה של נ. פיצ'יני המבוססת על הטקסט של גולדוני "צ'קינה, או הבת הטובה", 1760, רומא). אופרה בופה ניגשת לסוג של "דרמה פלשתית", או "קומדיה דומעת", המשקפת מוסר. אידיאלים של האחוזה השלישית ערב הצרפתים הגדולים. מַהְפֵּכָה.

עבודתם של נ. פיצ'יני, ג' פייסילו וד. צ'ימרוסה היא השלב האחרון והגבוה ביותר בהתפתחות האופרה בופה במאה ה-18. ההפקות שלהם, המשלבות אלמנטים קומיים עם רגישויות. פתטי, מלודי עושר עם מגוון צורות, חיוניות, חן וניידות של מוזיקה, נשתמרו ברפרטואר האופראי. במובנים רבים ניגשו מלחינים אלו למוצרט והכינו את יצירתו של אחד מגדולי האיטלקים. מלחיני אופרה מהמאה הבאה ג' רוסיני. חלק מהמאפיינים של האופרה בופה אומצו על ידי סדרת האופרה המאוחרת, מה שהביא לגמישות רבה יותר של צורותיה, לפשטות ולמיידיות של המנגינות. ביטויים.

אומר. תרומה איטלקית נעשתה. מלחינים מהמאה ה-18 בפיתוח של ז'אנרים מדריך מוּסִיקָה. בתחום אמנות הכינור, המאסטר הגדול ביותר אחרי קורלי היה ג'יי טרטיני. המשיך, בעקבות קודמיו, לטפח את הז'אנרים של סונטת כינור סולו וסונטת טריו, מילא אותם באקספרסיביות חיה חדשה, העשיר את שיטות הנגינה בכינור, והרחיב את מנעד הצליל שלו, הרגיל לאותה תקופה. טרטיני יצר בית ספר משלו, שנקרא פדובה (על שם העיר פדובה, בה בילה את רוב חייו). תלמידיו היו פ' נרדיני, פ' אלברג'י, ד' פרארי. בקומה 2. המאה ה 18 ביצוע וירטואוזי פרוש. ויצירתי. פעילותו של G. Pugnani, האיטלקי הגדול ביותר. כנר קלאסי. תְקוּפָה. בין הרבים שלו G. B. Viotti התפרסם במיוחד בזכות תלמידיו, שבעבודתם כבר מרגישים לפעמים רומנטיים. מגמות.

ז'אנר אורקים. קונצ'רטו גרוסו כנועז ומקורי. א.ויואלדי פעל כאמן חדשני. הוא המחיז את הצורה הזו, הוצג יחד עם הדינמיקה. ניגוד בין קבוצות גדולות וקטנות של כלים (טוטי וקונצרטינו) מבחינה נושאית. ניגודים בפנים חלקים, הקימו מבנה מחזורי בן 3 חלקים, שנשמר בקלאסיקה. instr. קוֹנצֶרט. (הקונצרטי לכינור של ויוואלדי זכו להערכה רבה על ידי ג'יי.ס. באך, שעיבד כמה מהם לקלאווייר, כמו גם לעוגב.)

בסונטות הטריו של ג'יי ב' פרגולסי בולטים מאפיינים של הפרה-קלאסי. סגנון "אביר". המרקם הקל והשקוף שלהם הוא כמעט כולו הומופוני, המנגינה נבדלת על ידי מלודיות רכה וחן. אחד המלחינים שהכינו ישירות את תקופת הזוהר של הקלאסיקה. instr. מוזיקה, היה G. Sammartini (מחבר של 78 סימפוניות, סונטות רבות וקונצרטים לכלים שונים), על פי אופי יצירתו קרוב לנציגי מנהיים ובתי הספר המוקדמים של וינה. ל' בוצ'ריני שילב בעבודתו אלמנטים של רגישות אמיצה עם קדם רומנטי. פאתוס נרגש וקרבה לדרגש. מקורות. הודעה. צ'לן, הוא העשיר את ספרות הצ'לו הסולו, היה אחד מיוצרי הקלאסיקה. סוג רביעיית מיתרים.

האמן חי ועשיר ביצירתיות. פנטזיה, ד' סקרלטי הרחיב ועידכן את המבנה הפיגורטיבי ואמצעי ההבעה של מוזיקת ​​קליבר. סונטות הצ'מבלו שלו (המחבר כינה אותן "תרגילים" - "Essercizi per gravicembalo"), הבולטות במגוון אופי וטכניקות ההצגה שלהן, הן מעין אנציקלופדיה של אמנות קלאביר של אותה תקופה. בצורה ברורה ותמציתית, הסונטות של סקרלטי מתחדדות מבחינה נושאית. ניגודים מוגדרים בבירור. קטעים של תערוכת הסונטה. לאחר סקרלטי פותחה הסונטה הקליברית ביצירותיהם של ב' גלופי, ד' אלברטי (ששמו נקשר להגדרה של בס אלברטי), ג' רוטיני, פ' פרדיסי, ד' צ'ימרוסה. מ' קלמנטי, לאחר ששלט בכמה מהגינונים של ד' סקרלטי (שבא לידי ביטוי, במיוחד, ביצירת 12 סונטות "בסגנון סקרלטי"), ואז מתקרב אל המאסטרים של הקלאסיקה המפותחת. סגנון, ולפעמים מגיע למקורות הרומנטי. וִירטוּאוֹזִיוּת.

עידן חדש בהיסטוריה של אמנות הכינור נפתח על ידי נ. פגניני. כמבצע וכמלחין הוא היה צייר רומנטי טיפוסי. מַחסָן. הנגינה שלו הפיקה שילוב שאין לעמוד בפניו של וירטואוזיות גדולה עם דמיון לוהט ותשוקה. Mn. לְדַרבֵּן. פגניני ("24 קפריזות" לסולו כינור, קונצ'רטו לכינור ותזמורת וכו') הם עדיין דוגמאות חסרות תקדים לספרות כינור וירטואוזית. הם השפיעו לא רק על כל ההתפתחות שלאחר מכן של מוזיקת ​​הכינור במאה ה-19, אלא גם על עבודתם של הנציגים הגדולים ביותר של הרומנטיקה. פסנתרנות - פ. שופן, ר. שומאן, פ. ליסט.

פגניני היה האחרון מבין האיטלקים הגדולים. בעלי מלאכה שעבדו בתחום אינסטר. מוּסִיקָה. במאה ה 19 תשומת הלב של המלחינים והציבור הייתה מרותקת כמעט לחלוטין לאופרה. בתחילת המאות 18-19. האופרה באיטליה עברה תקופה של קיפאון ידוע. מָסוֹרתִי סוגים של אופרה סריה ואופרה בופה באותה תקופה כבר מיצו את האפשרויות שלהם ולא יכלו להתפתח. יצירתיות של האיטלקי הגדול ביותר. מלחין האופרה של הזמן הזה ג' ספונטיני המשיך מחוץ לאיטליה (בצרפת ובגרמניה). ניסיונותיו של ס. מאייר (גרמני בעל לאום) לשמור על מסורות האופרה סריה (על ידי חיסון אלמנטים שאולים מסוימים) התבררו כאקלקטיים. פ. פאר, שנמשך לעבר אופרה בופה, לא הכניס שום דבר חדש במהותו לז'אנר הזה בהשוואה לעבודותיהם של פאיסילו וצימרוסה. (שמו של פאר נשמר בתולדות המוזיקה כמחבר האופרה המבוססת על הטקסט של ג'יי בוילי "לאונורה, או אהבה זוגית", ששימש כמקור ל-Libre "Fidelio" מאת בטהובן.)

איטלקית פורחת. אופרות במאה ה-19 היה קשור לפעילותו של ג' רוסיני, מלחין מחונן בלחן בלתי נדלה. כושר המצאה, טמפרמנט תוסס ודרמטורגיה שאין לטעות בה. כִּשָׁרוֹן. עבודתו שיקפה את עלייתו הכללית של האיטלקים. תרבות, הנגרמת על ידי צמיחת הפטריוטיות. נאט.-לשחרר. שאיפות. דמוקרטי עמוק., נאר. במקורותיה הופנתה יצירתו האופראית של רוסיני למגוון רחב של מאזינים. הוא החיה את הלאומית סוג של אופרה בופה והפיח בה חיים חדשים, חידד והעמיק את מאפייני הפעולה. אנשים, ומקרבים אותם למציאות. "הספר מסביליה" שלו (1816) הוא פסגת האיטלקי. קוֹמִי אופרות. רוסיני משלב את ההתחלה הקומית עם הסאטירית, ליבר. חלק מהאופרות שלו מכילות רמיזות ישירות לחברות. ופוליטי המצב של אז. באופרות, דרמות הרואיות. אופי, הוא התגבר על הקלישאות הקפואות של סדרת האופרה, במיוחד, ומייחס חשיבות מיוחדת למקהלה. התחלה. אנשים מפותחים באופן נרחב. סצנות באופרה האחרונה של רוסיני "וויליאם טל" (1829) בשחרור הלאומי. עלילה, מתפרשת ברומנטיקה. לְתַכְנֵן.

ביטוי חי ניתן לרומנטיקן. מגמות בעבודתם של V. Bellini ו-G. Donizetti, שפעילותם התגלגלה בשנות ה-30. המאה ה-19, כאשר התנועה של נאט. הרנסנס (ריסורג'מנטו) באיטליה נכנסה לשלב מכריע במאבק לאחדות ולפוליטיקה. עצמאות המדינה. באופרות של בליני "נורמה" (1831), "פוריטנים" (1835) אפשר לשמוע בבירור את השחרור הלאומי. מניעים, אם כי הדגש העיקרי מושם על ידי המלחין על הדרמה האישית של הדמויות. בליני היה אמן ביטוי. רוֹמַנטִי cantilena, נערצת על ידי M. I. Glinka ו-F. Chopin. לדוניזטי יש רצון לדרמות חזקות. השפעות ומצבים חריפים הביאו לפעמים למלודרמטיזם מעורפל. לכן, הרומנטיקן הגדול שלו. אופרות ("Lucretia Borgia", על פי V. Hugo, 1833; "Luciadi Lammermoor", על פי V. Scott, 1835) התבררו כפחות כדאיות מההפקה. ז'אנר קומדיה ("שיקוי אהבה", 1832; "דון פסקוואלה", 1843), שבו מסורות. סוג איטלקי. אופרה-באפה רכשה תכונות חדשות: חשיבותו של הרקע הז'אנרי גדלה, הלחן הועשר באינטונציות של רומנטיקה ושירה יומיומית.

עבודתם של J.S. Mercadante, G. Pacini וכמה מלחינים אחרים מאותה תקופה לא הייתה שונה בעצמאות. תכונות אישיות, אך שיקפו מגמה כללית של דרמטיזציה של הצורה האופראית והעשרת ביטויים מוזיקליים. כְּסָפִים. מבחינה זו הם היו ספונטניים. קודמיו של ג' ורדי - מגדולי מחזאי האופרה לא רק באיטליה, אלא גם במוזיקת ​​העולם. t-ra.

האופרות המוקדמות של ורדי, שהופיעו על הבמה בשנות ה-40. המאה ה-19, שעדיין לא הייתה עצמאית לחלוטין מבחינה סגנונית ("נבוקו", "הלומברדים במסע הצלב הראשון", "ארני"), עוררה את ההתלהבות הנלהבת של הקהל עם הפטריוטיות שלהם. פאתוס, רומנטי התרוממות רוח של רגשות, רוח הגבורה ואהבת החופש. בייצור שנות ה-50 ("ריגולטו", "טרובדור", "לה טרוויאטה") הוא השיג פסיכולוגיה נהדרת. עומק דימויים, חוזק ואמיתות של התגלמות קונפליקטים רוחניים חריפים ואינטנסיביים. ווק. מכתבו של ורדי משתחרר מווירטואוזיות חיצונית, מקישוט קטעים, הופך לאלמנט אינטגרלי אורגני של מלודי. קו, אקספרס נרכש. מַשְׁמָעוּת. באופרות של שנות ה-60 וה-70. ("דון קרלוס", "אאידה") הוא מבקש לחשוף עוד רבדים רחבים של דרמות. פעולות במוזיקה, חיזוק תפקיד התזמורת, העשרת המוזות. שפה. באחת האופרות האחרונות שלו - "אוטלו" (1886) הגיע ורדי ליצירת המוגמר. מוּסִיקָה דרמה, שבה המוזיקה קשורה קשר בל יינתק עם הפעולה ומעבירה בצורה גמישה את כל הפסיכולוגיות שלה. מִשְׁקפֵי שֶׁמֶשׁ.

חסידי ורדי, כולל. א.פונצ'ילי, מחבר האופרה הפופולרית ג'וקונדה (1876), לא הצליח להעשיר את עקרונות האופרה שלו ביצורים חדשים. הישגים. במקביל, יצירתו של ורדי נתקלה בהתנגדות מצד חסידי הדרמה המוזיקלית הווגנרית. רפורמות. עם זאת, לא היו לואגנריזם שורשים עמוקים באיטליה; השפעתו של ואגנר באה לידי ביטוי אצל חלק מהמלחינים לא כל כך בעקרונות הדרמטורגיה האופראית, אלא בטכניקות המפוחית. ואורק. אותיות. נטיות ואגנריות באו לידי ביטוי באופרה "מפיסטופלס" ​​מאת בויטו (1868), שהתרחק לאחר מכן מהקצוות של התלהבותו של ואגנר.

בקונ. המאה ה 19 וריסמו הפך לנפוצה באיטליה. ההצלחה העצומה של "הכבוד הכפרי" של מסקגני (1890) ושל "פאגליאצ'י" של ליאונקבלו (1892) תרמו לביסוסה של מגמה זו כשולטת באיטלקית. עבודה אופראית. U. Giordano (בין יצירותיו, האופרה Andre Chenier, 1896), F. Cilea צמוד ל-Verismo.

גם עבודתו של האמן האיטלקי הגדול ביותר הייתה קשורה למגמה זו. מלחין אופרה אחרי ורדי - ג'י פוצ'יני. ההפקה שלו. בדרך כלל קדוש. דרמה של אנשים רגילים, המוצגת על רקע יומיומי צבעוני. יחד עם זאת, האופרות של פוצ'יני משוחררות מהמאפיינים הנטורליסטיים הגלומים בווריסמו. לעזאזל, הם פסיכולוגיים עדינים יותר. ניתוח, ליריקה חודרת ואלגנטיות של כתיבה. להיות נאמן למיטב המסורות של האיטלקית. בל קאנטו, חידד פוצ'יני את הדקלום. כושר הבעה של ווק. מלודיות, שאפו לשחזור מפורט יותר של ניואנסים של דיבור בשירה. אקורדיון צבעוני. ואורק. שפת האופרות שלו מכילה אלמנטים מסוימים של אימפרסיוניזם. בהפקות הבוגרות הראשונות שלו. ("בוהמיה", 1896; "טוסקה", 1900) פוצ'יני עדיין מזוהה עם איטלקית. מסורת האופרה של המאה ה-19, מאוחר יותר הסגנון שלו הסתבך יותר, אמצעי הביטוי רכשו חדות וריכוז גדולים יותר. תופעה מוזרה באיטליה. opera art-ve - יצירתו של א. וולף-פרארי, שניסה לחדש את הקלאסי. סוג של אופרה בופה, המשלב את מסורותיו. צורות עם סגנוניות אמצעי הרומנטיקה המאוחרת ("נשים סקרניות", 1903; "ארבעה רודנים", 1906, על פי עלילותיו של גולדוני). ר' זנדונאי, הלך בדרך הווריזם, ניגש לכמה מהמוזות החדשות. זרמים של המאה ה-20.

מצוינות איטלקית. אופרה ב-19 - מתחננת. המאה ה -20 היו קשורים לפריחה המבריקה של הווק. תַרְבּוּת. מסורות איטלקיות. בל קאנטו, שהתעצב במאה ה-19, מפותחים עוד יותר באמנות של כמה. דורות של זמרים שנהנו מתהילה עולמית. במקביל, הביצועים שלהם רוכשים תכונות חדשות, הופכות ליריות יותר ומלאות הבעה דרמטיות. הנציג המצטיין האחרון של צורה וירטואוזית גרידא, מקריב דרמות. תוכן למען היופי של הסאונד והטכני. ניידות קול, היה A. Catalani. בין המאסטרים של האיטלקי ווק. בית ספר קומה 1. המאה ה-19, נוצרה על בסיס היצירה האופראית של רוסיני, בליני ודוניזטי, - הזמרים Giuditta וג'וליה גריסי, G. Pasta, הזמרים G. Mario, J. B. Rubini. בקומה 2. המאה ה 19 מוצעת גלקסיה של זמרי "ורדי", אליה השתייכו הזמרים א' בוסיו, ב' וסי מרקיסיו, א' פאטי, הזמרים מ' בטיסטיני, א' מסיני, ג' אנסלמי, פ' טמאנו, אי. טמברליק ואחרים .במאה ה-20. התהילה של איטליה האופרות נתמכו על ידי הזמרים A. Barbi, G. Bellinchoni, A. Galli-Curci, T. Dal Monte, E. and L. Tetrazzini, הזמרים G. De Luca, B. Gigli, E. Caruso, T. סקיפה, טיטה רופו ואחרים

מקונ. המאה ה 19 חשיבותה של האופרה ביצירתה של איטלקית. מלחינים נחלשים ויש נטייה להעביר את מרכז תשומת הלב לתחום ההוראה. ז'אנרים. תחיית היצירתיות הפעילה. עניין באינסטר. המוזיקה קודמה על ידי פעילותם של J. Sgambati (מוכר באירופה כפסנתרן ומנצח) וג'יי Martucci. אבל עבודתם של שני המלחינים, שהתפתחה בהשפעת פ' ליסט ור' וגנר, לא הייתה עצמאית מספיק.

כמבשר של אסתטיקה חדשה. לרעיונות ועקרונות סגנון השפעה רבה על התפתחות אירופה כולה. מוזיקה של המאה ה-20 בעיבודו של פ. בוסוני - מגדולי הפסנתרנים בתקופתו, מלחין ותיאורטיקן אמנות מרכזי. הוא העלה את המושג "קלאסיציזם חדש", אותו העמיד, מצד אחד, את המושג אימפרסיוניסטי. נזילות הדימויים, חמקמקות הגוונים, לעומת זאת, ה"אנרכיה" וה"שרירותיות" של האטונליזם של שנברג. היצירתיות שלך. העקרונות של בוסוני יושמו ביצירות כמו "פנטזיה קונטרפונקט" (1921), "אימפרוביזציה על מקהלת באך" עבור 2 fp. (1916), וכן האופרות "הרלקין, או חלון", "טורנדוט" (שתיהן נעשו ב-1917), שבהן נטש את הווק המפותח. סגנון האיטלקי שלהם. קודמים וביקשו להתקרב לסוג של מיטת קרש ישנה. קומדיה או פארסה.

בהתאם לניאו-קלאסיציזם, יצירתו של האיטלקי. מלחינים, לפעמים משולבים תחת השם. "קבוצות של שנות ה-80", - I. Pizzetti, J. F. Malipiero, A. Casella. הם ביקשו להחיות את המסורות של הנאט הגדול. מוּסִיקָה עבר, בהתייחסות לצורות וסגנוניות. קבלות פנים של איטלקי. פזמון גרגוריאני בארוק ומלודי. תעמולה וחוקר מוזיקה מוקדמת, הוצאת Malipiero. coll. יצירות מאת C. Monteverdi, instr. לְדַרבֵּן. א' ויוואלדי והמורשת הנשכחת של רבים אחרים. איטל. מלחינים מהמאות ה-17 וה-18 ביצירתו הוא משתמש בצורות של הסונטה הבארוקית הישנה, ​​מכונית ricercar וכו'. האופרה שלו, osn. להביע. ווק. דקלום ואמצעי קמצן org. sopr., משקף את ההתחלה בשנות ה-20. תגובה נגד ווריזם. הנטיות הניאו-קלאסיות של יצירתו של קאסלה באו לידי ביטוי ב"פרטיטה" לפסנתר. עם תזמורת (1925), סוויטה "סקרלטיאנה" (1926), תיאטרון מוזיקלי כלשהו. לְדַרבֵּן. (למשל, האופרה הקאמרית "סיפורו של אורפיאוס", 1932). עם זאת, הוא פנה לאיטלקית. פולקלור (רפסודיה לתזמורת "איטליה", 1909). האורק הצבעוני שלו. המכתב פותח במידה רבה בהשפעת הרוסית. וצרפתית בתי ספר (מחווה לתשוקה למוזיקה רוסית הייתה התזמור של "איסלאמי" מאת בלאקירב). פיזי הכניס אלמנטים דתיים-מורליזים לאופרות שלו והשביע את המוזות. אינטונציות שפה של הפזמון הגרגוריאני, מבלי לשבור בו זמנית עם מסורות האיטלקית. בית ספר לאופרה במאה ה-19 כַּמָה מקום מיוחד בקבוצת מלחינים זו תופסת עבודתו של או. רספיגי, אמן האורקים. ציור קול (היווצרות עבודתו הושפעה משיעורים עם נ.א. רימסקי-קורסקוב). בסימפה. שיריו של רספיגי ("מזרקות רומיות", 1916; "האורנים של רומא", 1924) מציגים תמונות חיות של הדרגשים. החיים והטבע. נטיות ניאו-קלאסיות באו לידי ביטוי רק באופן חלקי בעבודתו המאוחרת. תפקיד בולט באנד מ' קומה 1. המאה ה -20 הם גילמו את פ. אלפאנו, הנציג הבולט ביותר של הבימוי הווריסטי (האופרה תחיית המתים המבוססת על הרומן מאת ל.נ. טולסטוי, 1904), שהתפתח אז לאימפרסיוניזם; M. Castelnuovo-Tedesco ו V. Rieti, to-rye בהתחלה. מלחמת העולם השנייה 1939-45 לפי פוליטי. מניעים עזבו את מולדתם והתיישבו בארצות הברית.

בתחילת שנות ה-40. המאה ה -20 שינויים סגנוניים ניכרים מתרחשים ב- I. m. נטיות הניאו-קלאסיות מוחלפות בזרמים המפתחים בצורה זו או אחרת את עקרונות האסכולה הווינאית החדשה. מעיד מבחינה זו על יצירתיות. האבולוציה של G. Petrassi, אשר, לאחר שחווה את השפעתם של A. Casella ו-I. F. Stravinsky, עבר תחילה לעמדה של אטונאליות חופשית, ולאחר מכן לדודקפוניה קפדנית. המלחין הגדול ביותר בתקופה זו של I. m. הוא L. Dallapikkola, שיצירתו משכה תשומת לב רבה לאחר מלחמת העולם השנייה. בהפקה שלו שנות ה-40 וה-50 תכונות של אקספרסיוניזם, קרבה באים לידי ביטוי. היצירתיות של א.ברג. הטובים שבהם מגלמים את ההומניסט. מחאה נגד עריצות ואכזריות (טריפטיכון המקהלה "שירי אסירים", 1938-1941; אופרה "אסיר", 1944-48), שהעניקה להם אוריינטציה אנטי-פשיסטית מסוימת.

בין מלחיני הדור הצעיר שעלו לעין לאחר מלחמת העולם השנייה התפרסמו ל' בריו, ס' בוסוטי, פ' דונאטוני, נ' קסטיליוני, ב' מדנה, ר' מליפיירו ואחרים. יצירתם קשורה עם פירוק. זרמים של אוונגרד - סריאליזם פוסט-ובריאני, סונוריסטיקה (ראה. מוזיקה סדרתית , סונוריזם), aleatoric, ומהווה מחווה לחיפוש הפורמלי אחר אמצעי צליל חדשים. בריו ומדרנה אוסן. ב-1954 במילאנו "סטודיו לפונולוגיה", שערך ניסויים בתחום המוזיקה האלקטרונית. יחד עם זאת, חלק מהמלחינים הללו שואפים לשלב את מה שנקרא. אמצעים חדשים להבעה של מוזיקה. אוונגרד עם צורות ז'אנר וטכניקות של מוזיקה של המאות 16-17.

מקום מיוחד במודרני י.מ שייך למלחין הקומוניסטי, לוחם פעיל למען השלום ל.נונו. הוא פונה בעבודתו לנושאים האקוטיים ביותר של זמננו, מנסה לגלם את הרעיונות של הבינלאומי. אחווה וסולידריות של אנשים עובדים, מחאה נגד האימפריאליסט. דיכוי ותוקפנות. אבל אמצעי האמנות האוונגרדית, שבהם משתמש נונו, עומדים לרוב בסתירה לרצונו לישירות. תסיסה השפעה על הציבור הרחב.

הרחק מהנטיות האוונגרדיות עומד J. K. Menotti - איטלקי. מלחין שחי ועובד בארה"ב. ביצירתו, המזוהה בעיקר עם אופרה, מרכיבים של ווריזם מקבלים צבע אקספרסיוניסטי מסוים, בעוד שהחיפוש אחר אינטונציה של דיבור אמיתי מוביל אותו להתקרבות חלקית למ.פ. מוסורגסקי.

במוזיקה תיאטרון האופרה ממשיך למלא תפקיד חשוב בחיי איטליה. אחת מלהקות האופרה הבולטות בעולם היא לה סקאלה במילאנו, שקיימת מאז 1778. בתי האופרה העתיקים ביותר באיטליה כוללים גם את סן קרלו בנאפולי (נוסדה ב-1737), את פניצ'ה בוונציה (נוסדה ב-1792). אמנות גדולה. בית האופרה של רומא קנה חשיבות (הוא נפתח בשנת 1880 תחת השם של קניון Costanzi, מאז 1946 - בית האופרה של רומא). בין הבולטים בני זמננו איטל. אמני אופרה - הזמרים G. Simionato, R. Scotto, A. Stella, R. Tebaldi, M. Freni; הזמרים G. Becky, T. Gobbi, M. Del Monaco, F. Corelli, G. Di Stefano.

השפעה רבה על התפתחות האופרה והסימפוניה. התרבות באיטליה הייתה פעילותו של א. טוסקניני, מגדולי המנצחים של המאה ה-20. נציגים בולטים של המוזיקלי-הביצוע. המנצחים הם P. Argento, V. De Sabata, G. Cantelli, T. Serafin, R. Fasano, V. Ferrero, C. Cecchi; הפסנתרן א' בנדטי מיכלאנג'לי; הכנר ג'יי דה ויטו; הצ'לן E. Mainardi.

מההתחלה המאה ה -20 פיתוח אינטנסיבי התקבל באיטליה muz.-issledovat. וביקורתיות מַחֲשָׁבָה. אומר. תרומה ללימודי המוזיקה. המורשת נוצרה על ידי המוזיקולוגים ג'י ברבלאן (נשיא האגודה האיטלקית למוזיקולוגיה), א' בונאוונצ'ר, ג'יי מ' גאטי, א' דלה קורטה, ג'י פאנאין, ג'יי רדיצ'יוטי, ל' טורצ'י, פ' טורפרנקה ואחרים מ. דזפרד ומ.מילה עובדים לרוב. בתחום המוזיקה. ביקורת. מספר מוזות מתפרסמות באיטליה. מגזינים, כולל "Rivista Musicale italiana" (טורינו, מילאנו, 1894-1932, 1936-1943, 1946-), "Musica d" oggi" (מילאנו, 1919-40, 1958-), "La Rassegna Musicale" (טורינו, 1928-40 ; רומא, 1941-1943, 1947-62), "Bolletino Bibliografico Musicale" (מילאנו, 1926-33, 1952-), "Il Convegno Musicale" (טורינו, 1964-) ואחרים.

פורסמו מספר אנציקלופדיות, שהוקדשו ל מוזיקה ו-t-ru, כולל. "Enciclopedia della musica" (ע' 1-4, מיל., 1963-64), "Enciclopedia dello spettacolo" (ע' 1-9, רומא, 1954-62).

בין המיוחדים מוּסִיקָה uch. המוסדות הגדולים ביותר הם הקונסרבטוריונים: "סנטה ססיליה" ברומא (נוסד ב-1876 כליציאום למוזיקה, מאז 1919 - קונסרבטוריון); שמו של G. B. Martini בבולוניה (מאז 1942; נוסד ב-1804 כליציאום מוזיקלי, מאז 1914 קיבל מעמד של קונסרבטוריון); אוֹתָם. בנדטו מרצ'לו בוונציה (מאז 1940, נוסד ב-1877 כליאום למוזיקה, מאז 1916 הוא משווה לבית ספר גבוה יותר); מילנסקיה (נוסדה ב-1808, על שם ג' ורדי ב-1901); אוֹתָם. L. Cherubini בפירנצה (נוסד ב-1849 כמכון למוזיקה, אז בית ספר למוזיקה, האקדמיה למוזיקה, מאז 1912 - קונסרבטוריון). פרופ. מוזיקאים עוברים הכשרה גם על ידי המכון לתולדות המוזיקה באוניברסיטאות, המכון האפיפיורי אמברוזיאן למוזיקה מקודשת וכו' בספרי לימוד אלו. מוסדות, כמו גם במכון לחקר מורשת ורדי, מתנהלים מוזיקולוגים. עבודה. האינטרנשיונל נוסד בוונציה. מרכז תעמולה איטלקי מוזיקה, שמארגנת מדי שנה קורסי קיץ ("חגים מוזיקליים") ללימוד איטלקית עתיקה. מוּסִיקָה. בספריית אמברוסיאן, ספריית הקונסרבטוריון של מילאנו, יש אוסף נרחב של תווים וספרים על מוזיקה. המאגרים של כלי נגינה, תווים וספרים עתיקים ידועים ברבים (הם מרוכזים בספריית האקדמיה הפילהרמונית של בולוניה, בספרייתו של G.B. Martini ובארכיון קפלת סן פטרוניו בבולוניה). החומרים העשירים ביותר בהיסטוריה של איטלקית. למוזיקה יש את הלאומי. ספריית מרציאנה, ספריית קרן ד.סיני והמוזיאון למוזיקה. מכשירים בקונסרבטוריון בוונציה.

באיטליה, יש הרבה מוּסִיקָה ארגונים ואמנים. צוותים. סימן רגיל. הקונצרטים ניתנים על ידי: תזמורות של "La Scala" ו-"Fenice" t-ditch, Nat. האקדמיה "סנטה ססיליה", איטליה. רדיו וטלוויזיה ברומא, התזמורת של האגודה "יצירת מוזיקת ​​אחר הצהריים" ("Рommerigi musicali"), המבצעת בכורה. מספרדית מוֹדֶרנִי מוזיקה, תזמורות קאמריות "Angelicum" ו-"Virtuosi of Rome", החברה "אמברוס פוליפוניה", המקדמת את המוזיקה של ימי הביניים, הרנסנס והבארוק, וכן את תזמורת ה-Bologna t-ra "Comunale", ה. התזמורת הקאמרית של בולוניה ועוד קבוצות.

באיטליה מתקיימים אירועים רבים. מוּסִיקָה פסטיבלים ותחרויות: מתמחה. פסטיבל מודרני מוזיקה (מאז 1930, ונציה), "פלורנטין מיוזיקל מאי" (מאז 1933), "פסטיבל של שני עולמות" בספולטו (מאז 1958, נוסדה על ידי J.C. Menotti), "שבוע של מוזיקה חדשה" (מאז 1960, פאלרמו), פסנתר תַחֲרוּת. F. Busoni בבולצאנו (משנת 1949, מדי שנה), תחרות מוזיקה וריקוד. G. B. Viotti ב-Vercelli (מאז 1950, מדי שנה), תחרות אליהם. א.קסלה בנאפולי (מאז 1952, כל שנתיים, עד 1960 השתתפו פסנתרנים, מאז 1962 - גם מלחינים), תחרות כינורות. N. Paganini בגנואה (מאז 1954, מדי שנה), תחרות תזמורות. מנצחים ברומא (מאז 1956, כל 3 שנים, הוקמה על ידי האקדמיה הלאומית "סנטה ססיליה"), תחרות הפסנתר. E. Pozzoli ב Seregno (מאז 1959, כל שנתיים), תחרות מנצחים צעירים. G. Cantelli בנוברה (מאז 1961, כל שנתיים), תחרות קולות "ורדי קולות" בבוסטו (מאז 1961, מדי שנה), תחרות מקהלות. צוותים אליהם. Guido d "Arezzo in Arezzo (נוסד בשנת 1952 כארצי, מאז 1953 - בינלאומי; מדי שנה, ידוע גם בשם "Polyfonico"), תחרות צ'לו G. Casado בפירנצה (מאז 1969, כל שנתיים).

בין האיטלקים מוּסִיקָה ob-in - Corporation of New Music (חלק של האגודה הבינלאומית למוזיקה עכשווית; נוסדה בשנת 1917 כאגודת המוזיקה הלאומית, בשנת 1919 היא הפכה לאגודה האיטלקית למוזיקה עכשווית, מאז 1923 - Corporation), אגודת המוזיקה. ספריות, החברה למוזיקולוגיה ואחרים. מוּסִיקָה הוצאה לאור וחברת מסחר "ריקורדי ושות'" (נוסדה ב-1808), בעלת סניפים ברבים אחרים. מדינות.

סִפְרוּת:איבנוב-בורצקי M.V., קורא מוסיקלי והיסטורי, כרך ב. 1-2, מ', 1933-36; משלו, חומרים ומסמכים על תולדות המוזיקה, כרך ב', מ', 1934; Kuznetsov K. A., דיוקנאות מוזיקליים והיסטוריים, ser. 1, מ', 1937; Livanova T., תולדות המוזיקה המערבית אירופית עד 1789, מ' - ל', 1940; גרובר ר' י', היסטוריה כללית של המוזיקה, חלק ראשון, מ', 1956, 1965; חוכלובקינה א', אופרה מערב אירופה. סוף ה-18 - המחצית הראשונה של המאה ה-19. מאמרים, מ', 1962; תולדות חקר האמנות האירופית: מהעת העתיקה ועד סוף המאה ה-18, מ', 1963; היסטוריה של תולדות האמנות האירופית. המחצית הראשונה של המאה ה-19, מוסקבה, 1965.

הגיליון של היום מוקדש למוזיקה עממית איטלקית - שירים וריקודים של הארץ הזאת, כמו גם כלי נגינה.

אלה שנהגנו לקרוא להם איטלקים הם היורשים של תרבותם של עמים גדולים וקטנים שחיו מאז ימי קדם בחלקים שונים של חצי האי האפניני. יוונים ואטרוסקים, נטוי (רומאים) וגאלים הותירו את חותמם על מוזיקת ​​העם האיטלקית.

היסטוריה מלאת אירועים וטבע מרהיב, עבודה חקלאית וקרנבלים עליזים, כנות ורגש, שפה יפה וטעם מוזיקלי, התחלה מלודית עשירה ומגוון מקצבים, תרבות שירה גבוהה ומיומנות של הרכבים אינסטרומנטליים - כל זה התבטא במוזיקה של האיטלקים. וכל זה כבש את לבם של עמים אחרים מחוץ לחצי האי.

שירי עם של איטליה

כמו שאומרים, בכל בדיחה יש חלק של בדיחה: ההערה האירונית של האיטלקים על עצמם כמאסטרים של הלחנה ושירה של שירים מאושרת על ידי תהילת העולם. לכן, המוזיקה העממית של איטליה מיוצגת בעיקר על ידי שירים. כמובן, אנו יודעים מעט על תרבות השירים בעל פה, שכן הדוגמאות הראשונות שלה נרשמו בשלהי ימי הביניים.

הופעתם של שירי עם איטלקיים בתחילת המאה ה-13 קשורה למעבר לרנסנס. אחר כך יש עניין בחיי העולם, בחגים תושבי העיר מקשיבים בהנאה למיניסטרים ולהטוטנים ששרים על אהבה, מספרים סיפורי משפחה ויום-יום. ותושבי הכפרים והערים עצמם אינם נרתעים משירה וריקודים בליווי פשוט.

מאוחר יותר נוצרו ז'אנרים של השירים העיקריים. פרוטולה(בתרגום כ"שיר עם, בדיוני") ידוע בצפון איטליה מאז סוף המאה ה-15. זהו שיר לירי ל-3-4 קולות עם אלמנטים של פוליפוניה חיקוי והדגשים מטריים בהירים.

עד המאה ה-16, אור, ריקוד, עם מנגינה בשלושה קולות וילנלה(בתרגום כ"שיר הכפר") הופצה ברחבי איטליה, אך כל עיר קראה לה בדרכה: ונציאנית, נפוליטנית, פדובה, רומית, טוסקנה ואחרות.

היא מוחלפת קנזונטה(בתרגום פירושו "שיר") - שיר קטן המבוצע בקול אחד או יותר. היא הייתה זו שהפכה לאב הקדמון של הז'אנר המפורסם העתידי של האריה. ויכולת הריקוד של הווילנלה עברה לז'אנר בלט,- שירים קלים יותר בלחן ובאופי, המתאימים לריקוד.

הז'אנר המוכר ביותר של שירי עם איטלקיים כיום הוא שיר נפוליטני (אזור דרום איטליה של קמפניה). ניגון מזמר, עליז או עצוב לוותה במנדולינה, גיטרה או לאוטה נפוליטנית. מי לא שמע את המנון האהבה "או סול מייו"או המנון החיים סנטה לוסיה, או מזמור לפוניקולר "Funiculi Funicula"מי נושא אוהבים לפסגת הוזוב? הפשטות שלהם רק גלויה: הביצוע יחשוף לא רק את רמת המיומנות של הזמר, אלא גם את עושר נשמתו.

תור הזהב של הז'אנר החל באמצע המאה ה-19. והיום בנאפולי, הבירה המוזיקלית של איטליה, מתקיימת פסטיבל-תחרות של השיר הלירי Piedigrotta (Festa di Piedigrotta).

מותג מוכר נוסף שייך לאזור הצפוני של ונטו. ונציאני שיר על המיםאוֹ barcarolle(בארסה מתורגמת כ"סירה"), מבוצעת בקצב נינוח. 6/8 ומרקם הליווי בדרך כלל משדרים נדנוד על הגלים, והביצוע היפהפה של המנגינה מהדהד במשיכות המשוטים, הנכנסים בקלות למים.

ריקודי עם של איטליה

תרבות הריקוד של איטליה התפתחה בז'אנרים של מחול ביתי, מבוים ו יורדי ים(מוריסקוס). את מורסקי רקדו הערבים (שנקראו כך - בתרגום, משמעות המילה הזו היא "מורים קטנים"), שהתנצרו והתיישבו בהרי האפנינים לאחר שגורשו מספרד. נקראו ריקודים מבוימים, שהועלו במיוחד לקראת החגים. והז'אנר של ריקודים ביתיים או חברתיים היה הנפוץ ביותר.

מקורם של הז'אנרים מיוחס לימי הביניים, ועיצובם - למאה ה-15, ראשית הרנסנס. עידן זה הביא אלגנטיות וחן לריקודי העם האיטלקיים הגסים והעליזים. תנועות פשוטות וקצביות מהירות עם מעברים לקפיצות קלות, עליות מכף רגל מלאה לבוהן (כסמל להתפתחות רוחנית מהארצי לאלוהי), האופי העליז של הליווי המוזיקלי - אלו המאפיינים האופייניים לריקודים אלו. .

עליז אנרגטי גליארדמבוצע על ידי זוגות או רקדנים בודדים. באוצר המילים של הריקוד - תנועת חמשת הצעדים העיקרית, הרבה קפיצות, קפיצות. עם הזמן, קצב הריקוד נעשה איטי יותר.

קרוב ברוחו לגליארד עוד ריקוד - סלטארלה- נולד במרכז איטליה (אזורים של אברוצו, מוליסה ולאציו). השם ניתן על ידי הפועל saltare - "לקפוץ". ריקוד זוג זה היה מלווה במוזיקה בזמן 6/8. הוא בוצע בחגים מרהיבים - חתונות או בסוף הקציר. אוצר המילים של הריקוד כולל סדרה של צעדים כפולים וקידות, עם מעבר לקדנס. רוקדים אותו בקרנבלים מודרניים.

מולדת של עוד ריקוד עתיק ברגמסקה(bargamasca) ממוקם בעיר ובמחוז ברגמו (לומברדיה, צפון איטליה). ריקוד האיכרים הזה היה אהוב על תושבי גרמניה, צרפת, אנגליה. מוזיקה עליזה תוססת וקצבית עם מטר מרובע, תנועות אנרגטיות כבשו אנשים מכל המעמדות. הריקוד הוזכר על ידי W. Shakespeare בקומדיה "חלום ליל קיץ".

טרנטלה- המפורסם ביותר מבין ריקודי העם. הם אהבו במיוחד באזורי דרום איטליה של קלבריה וסיציליה. והשם מגיע מהעיר טרנטו (אזור אפוליה). העיר נתנה את השם גם לעכבישים הרעילים - טרנטולות, שמנשיכתן הצילו לכאורה הביצוע הארוך, עד כדי תשישות, של הטרנטלה.

מוטיב פשוט שחוזר על עצמו של ליווי בשלישיות, האופי התוסס של המוזיקה ודפוס תנועות מיוחד עם שינוי כיוון חד מייחדים את הריקוד הזה, המבוצע בזוגות, לעתים רחוקות יותר בסולו. התשוקה לריקוד גברה על הרדיפה אחריו: הקרדינל ברבריני אפשר לו להופיע בבית המשפט.

חלק מריקודי העם כבשו במהירות את כל אירופה ואף הגיעו לחצר המלכים האירופיים. גליארד, למשל, הייתה נערצת על ידי שליט אנגליה, אליזבת הראשונה, ולאורך חייה רקדה אותו להנאתה. וברגמסקה עודד את לואי ה-13 ואנשי החצר שלו.

הז'אנרים והמנגינות של ריקודים רבים המשיכו את חייהם במוזיקה אינסטרומנטלית.

כלי נגינה

לליווי נעשה שימוש בחליליות, חלילים, פה ומפוחיות רגילות, כלי מיתר מרוט - גיטרות, כינורות ומנדולינות.

בעדויות כתובות, המנדלה מוזכרת מאז המאה ה-12; ייתכן שהיא נעשתה כגרסה פשוטה יותר של הלוטה (היא מתורגמת מיוונית כ"לוטה קטנה"). זה נקרא גם מנדורה, מנדול, פנדורינה, בנדורינה, ומנדולה קטנה נקראה מנדולינה. לכלי בעל גוף סגלגל זה היו ארבעה מיתרי תיל כפולים המכוונים באינסון ולא באוקטבה.

הכינור, בין שאר כלי הנגינה העממיים של איטליה, הפך לאחד האהובים ביותר. והוא הובא לשלמות על ידי מאסטרים איטלקיים ממשפחות Amati, Guarneri ו-Stradivari במאה ה-17 - הרבע הראשון של המאה ה-18.

במאה ה-17, אמנים נודדים, כדי לא להתעסק בנגינה, החלו להשתמש ב-hurdy-gurdy - כלי נשיפה מכני ששחזר 6-8 יצירות מועדפות מוקלטות. נותר רק לסובב את הידית ולהוביל או לשאת אותה ברחובות. בתחילה, עוגב החבית הומצא על ידי ברביירי האיטלקית כדי ללמד ציפורי שיר, אך עם הזמן הוא החל לשמח את אוזניהם של תושבי העיר מחוץ לאיטליה.

רקדנים עזרו לעצמם לעתים קרובות להכות את הקצב הברור של הטרנטלה בעזרת טמבורין - סוג של טמבורין שהגיע לאפנינים מפרובנס. לעתים קרובות מבצעים השתמשו בחליל יחד עם הטמבורין.

גיוון ז'אנר ומלודי כזה, כישרון ועושר מוזיקלי של העם האיטלקי הבטיחו לא רק את עלייתה של מוזיקת ​​אקדמיה, במיוחד אופרה, ופופ באיטליה, אלא גם הושאל בהצלחה על ידי מלחינים ממדינות אחרות.

ההערכה הטובה ביותר לאמנות עממית ניתנה על ידי המלחין הרוסי M.I. גלינקה, שאמרה פעם שהיוצר האמיתי של המוזיקה הוא האנשים, והמלחין משחק תפקיד של מעבד.