निकोलस पॉसिन (fr। निकोलस पॉसिन, 1594, लेस एंडलीज़, नॉरमैंडी - 19 नवंबर, 1665, रोम) एक फ्रांसीसी कलाकार थे, जो क्लासिकिज़्म पेंटिंग के मूल में खड़े थे। लंबे समय तक वह रोम में रहे और काम किया। उनकी लगभग सभी पेंटिंग ऐतिहासिक और पौराणिक विषयों पर आधारित हैं। पीछा, लयबद्ध रचना के मास्टर। स्थानीय रंग की स्मारकीयता की सराहना करने वाले पहले लोगों में से एक।
कलाकार की जीवनी
निकोलस पॉसिन का जन्म 1594 में लेस एंडलीज़ के नॉर्मंडी शहर में हुआ था। पहले से ही अपनी युवावस्था में उन्होंने एक अच्छी सामान्य शिक्षा प्राप्त की और साथ ही साथ पेंटिंग का अध्ययन करना शुरू किया। 18 साल की उम्र में वे पेरिस गए, जहां उन्होंने उस समय के प्रसिद्ध चित्रकार वैन एले के मार्गदर्शन में अपनी पढ़ाई जारी रखी, और फिर अन्य उस्तादों के साथ। उन्होंने अपनी तकनीक को सुधारने में उनकी बहुत मदद की - लौवर का दौरा, जहां उन्होंने पुनर्जागरण के इटालियंस के चित्रों की नकल की।
इस अवधि के दौरान, Poussin कुछ मान्यता प्राप्त करता है। अपने कौशल को और बेहतर बनाने के लिए, वह रोम गए, जो उस समय सभी देशों के चित्रकारों के लिए एक मक्का था। यहां उन्होंने अपने ज्ञान को बढ़ाना, ग्रंथों का अध्ययन करना और विस्तार से अध्ययन करना और प्राचीन मूर्तियों के अनुपात को मापना, अन्य कलाकारों के साथ संवाद करना जारी रखा। यह इस अवधि के दौरान था कि उनका काम क्लासिकवाद की विशेषताओं को प्राप्त करता है, जिनमें से एक स्तंभ निकोलस पॉसिन को अभी भी माना जाता है।
कलाकार ने शास्त्रीय और आधुनिक कवियों, नाट्य प्रदर्शनों, दार्शनिक ग्रंथों और बाइबिल विषयों के कार्यों से प्रेरणा ली। लेकिन यहां तक कि विहित भूखंडों ने उन्हें अपने चारों ओर की वास्तविकता को चित्रित करने की अनुमति दी, कैनवस को त्रुटिहीन रूप से निष्पादित विशिष्ट छवियों, परिदृश्यों और योजनाओं से भर दिया। कौशल और पहले से ही स्थापित शैली ने रोम में कलाकार की पहचान लाई, उन्हें कैथेड्रल पेंट करने के लिए आमंत्रित किया गया, उन्हें शास्त्रीय और ऐतिहासिक दृश्यों को चित्रित करने के लिए कमीशन दिया गया। यह इस अवधि के लिए है कि कार्यक्रम कैनवास "डेथ ऑफ जर्मेनिकस" से संबंधित है, जो यूरोपीय क्लासिकवाद में निहित सभी विशेषताओं को एक साथ लाता है।
1639 में, कार्डिनल रिशेल्यू के निमंत्रण पर, पौसिन लौवर गैलरी को सजाने के लिए फिर से पेरिस आए। एक साल बाद, लुई XIII, कलाकार की प्रतिभा से प्रभावित होकर, उसे अपना पहला चित्रकार नियुक्त करता है। पोससिन को अदालत में पहचाना गया, वे अपने महल और दीर्घाओं के लिए पेंटिंग ऑर्डर करने के लिए उसके साथ होड़ करने लगे।
लेकिन ईर्ष्यालु स्थानीय कलात्मक अभिजात वर्ग की साज़िशों ने उन्हें 1642 में पेरिस छोड़ने और रोम जाने के लिए मजबूर कर दिया। यहां वे अपने दिनों के अंत तक रहे, और उनके जीवन के अंतिम वर्ष, निश्चित रूप से, अहंकार रचनात्मकता में सबसे फलदायी चरण बन गए। इस समय, पुसिन ने अपने आसपास की प्रकृति की छवि पर अधिक ध्यान देना शुरू कर दिया, जीवन से बहुत समय व्यतीत किया। निस्संदेह, उनके काम में इस प्रवृत्ति के सबसे अच्छे अवतारों में से एक चक्र "द सीजन्स" था, जो उनकी मृत्यु से कुछ समय पहले पूरा हुआ था।
चित्रकार के अन्य चित्रों की तरह, इन कैनवस ने प्रकृतिवाद और आदर्शवाद को सामंजस्यपूर्ण रूप से संयोजित किया, जिसने निकोलस पॉसिन के पूरे रचनात्मक जीवन में उनके कार्यों को नहीं छोड़ा।
रोम में 1665 की शरद ऋतु में कलाकार की मृत्यु हो गई।
निर्माण
पेंटिंग के इतिहास के लिए पॉसिन की रचनात्मकता को कम करके आंका जाना मुश्किल है।
वह क्लासिकिज़्म जैसी पेंटिंग शैली के संस्थापक हैं।
उनसे पहले के फ्रांसीसी कलाकार पारंपरिक रूप से इतालवी पुनर्जागरण की कला से परिचित थे। लेकिन वे इतालवी रीतिवाद, बारोक, कारवागिज़्म के उस्तादों के कार्यों से प्रेरित थे। पॉसिन पहले फ्रांसीसी चित्रकार थे जिन्होंने शास्त्रीय शैली की परंपरा को अपनाया और। प्राचीन पौराणिक कथाओं, प्राचीन इतिहास, बाइबिल के विषयों की ओर मुड़ते हुए, पुसिन ने अपने समकालीन युग के विषयों का खुलासा किया। अपने कार्यों के साथ, उन्होंने उच्च नैतिकता, नागरिक कौशल का प्रदर्शन और गायन करते हुए एक आदर्श व्यक्तित्व का निर्माण किया। पॉसिन की दृश्य तकनीकों की स्पष्टता, निरंतरता और व्यवस्था, उनकी कला के वैचारिक और नैतिक अभिविन्यास ने बाद में उनके काम को फ्रेंच एकेडमी ऑफ पेंटिंग एंड स्कल्पचर के लिए एक मानक बना दिया, जिसने सौंदर्य मानदंडों, औपचारिक सिद्धांतों और कलात्मक के अनिवार्य नियमों का विकास किया। रचनात्मकता (तथाकथित "अकादमिकता")।
पुसिन की खोज बहुत आगे बढ़ चुकी है।
पहले से ही अपने शुरुआती चित्रों में से एक, द डेथ ऑफ जर्मेनिकस (1626-1628, मिनियापोलिस, इंस्टीट्यूट ऑफ आर्ट) में, वह क्लासिकवाद के तरीकों की ओर मुड़ता है और ऐतिहासिक पेंटिंग के क्षेत्र में अपने बाद के कई कार्यों की आशा करता है। जर्मनिकस - एक साहसी और बहादुर कमांडर, रोमनों की आशा - को संदिग्ध और ईर्ष्यालु सम्राट टिबेरियस के आदेश से जहर दिया गया था। पेंटिंग में जर्मेनिकस को उसकी मृत्युशय्या पर दर्शाया गया है, जो उसके परिवार और वफादार योद्धाओं से घिरा हुआ है। लेकिन व्यक्तिगत दुःख नहीं, बल्कि नागरिक पथ - मातृभूमि और कर्तव्य की सेवा - इस कैनवास का लाक्षणिक अर्थ है। जर्मनिकस, जो मर रहा है, रोमन सेनापतियों से निष्ठा और बदला लेने की शपथ लेता है, कठोर, मजबूत और गरिमा से भरपूर लोग। सभी कलाकार एक राहत की तरह स्थित हैं।
क्लासिकवाद के रास्ते पर चलने के बाद, पुसिन कभी-कभी अपनी सीमाओं से परे चला जाता था। 1620 के दशक के द नरसंहार ऑफ द इनोसेंट्स (चान्तिली, कोंडे संग्रहालय) और द शहीद ऑफ सेंट इरास्मस (1628-1629, वेटिकन, पिनाकोटेका) की उनकी पेंटिंग स्थिति और छवियों की अतिरंजित नाटकीय व्याख्या में कारवागिज्म और बारोक के करीब हैं। आदर्शता चेहरे के भावों की तीव्रता और गति की गति को हर्मिटेज (सी। 1630) में अभिव्यंजक "क्रॉस से वंश" और म्यूनिख पिनाकोथेक (सी। 1627) में "विलाप" द्वारा प्रतिष्ठित किया जाता है। साथ ही, दोनों चित्रों का निर्माण, जिसमें रचना की समग्र लय में स्थूल रूप से मूर्त आकृतियों को शामिल किया गया है, त्रुटिहीन है। रंग योजना रंगीन धब्बों के सुविचारित अनुपात के अधीन है। म्यूनिख कैनवास पर ग्रे के विभिन्न रंगों का प्रभुत्व है, जिसके साथ नीले-नीले और चमकीले लाल स्वर उत्कृष्ट रूप से विपरीत हैं।
पूसिन ने शायद ही कभी मसीह की पीड़ा को चित्रित किया हो। उनकी अधिकांश रचनाएँ बाइबिल, पौराणिक और साहित्यिक विषयों से जुड़ी हैं।
उनके शुरुआती कार्यों का प्राचीन विषय, जिसमें रंग के प्रति जुनून प्रभावित हुआ है, जीवन के उज्ज्वल आनंद की पुष्टि करता है।
स्वार्थी व्यंग्यकारों, आकर्षक अप्सराओं, हंसमुख कामदेवों की आकृतियाँ उस कोमल और सहज गति से भरी हुई हैं, जिसे गुरु ने "शरीर की भाषा" कहा। पेंटिंग "द किंगडम ऑफ फ्लोरा" (1631, ड्रेसडेन, आर्ट गैलरी), ओविड के मेटामोर्फोस के उद्देश्यों से प्रेरित है, प्राचीन मिथकों के नायकों को दर्शाती है, जिन्होंने उनकी मृत्यु के बाद, विभिन्न फूलों को जीवन दिया जो देवी के सुगंधित राज्य को सुशोभित करते थे। वनस्पति. अजाक्स की मौत ने खुद को तलवार पर फेंक दिया, घातक रूप से घायल एडोनिस और जलकुंभी की कयामत, स्मिला और क्रोकॉन के प्रेमियों की पीड़ा राज करने वाले हर्षित मूड की देखरेख नहीं करती है। जलकुंभी के सिर से बहने वाला रक्त अद्भुत नीले फूलों की गिरती हुई पंखुड़ियों में बदल जाता है, अजाक्स के रक्त से एक लाल कार्नेशन उगता है, नार्सिसस अप्सरा इको द्वारा रखे गए पानी के फूलदान में उसके प्रतिबिंब की प्रशंसा करता है।
एक रंगीन जीवित पुष्पांजलि की तरह, चित्र के पात्र नृत्य करने वाली देवी को घेर लेते हैं। पुसिन का कैनवास प्रकृति की अमरता के विचार का प्रतीक है, जो जीवन को शाश्वत नवीनीकरण देता है।
यह जीवन नायकों के लिए हंसती हुई देवी फ्लोरा द्वारा लाया जाता है, उन्हें सफेद फूलों की बौछार करता है, और भगवान हेलिओस की उज्ज्वल रोशनी, जो अपने उग्र को सुनहरे बादलों में चलाता है।
जीवन और मृत्यु का विषय पुसिन के सभी कार्यों के माध्यम से चलता है।
फ्लोरा के साम्राज्य में, इसने एक काव्य रूपक का चरित्र प्राप्त कर लिया; द डेथ ऑफ जर्मेनिकस में, यह नैतिक, वीर मुद्दों से जुड़ा था। 1640 और उसके बाद के चित्रों में इस विषय को दार्शनिक गहराई से संतृप्त किया गया था। शांत सुख का देश, अर्काडिया का मिथक अक्सर कला में सन्निहित था। लेकिन पुसिन ने इस रमणीय कथानक में जीवन की क्षणभंगुरता और मृत्यु की अनिवार्यता के विचार को व्यक्त किया। कलाकार ने चरवाहों को चित्रित किया, जिन्होंने अप्रत्याशित रूप से शिलालेख के साथ एक कब्र की खोज की "और मैं अर्काडिया में था ..." - जीवन की नाजुकता की याद दिलाता है, आने वाले अंत की। प्रारंभिक संस्करण (1628-1629, चैट्सवर्थ, ड्यूक्स ऑफ डेवोनशायर की बैठक) में, अधिक भावुक, आंदोलन और नाटक से भरा, युवा चरवाहों का भ्रम दृढ़ता से व्यक्त किया गया है, जो उनकी उज्ज्वल दुनिया पर आक्रमण करने वाली मौत का सामना कर रहे थे। 
प्रकृति की छवि उच्चतम सामंजस्य के व्यक्तित्व के रूप में पुसिन के सभी कार्यों के माध्यम से चलती है। रोम के आसपास घूमते हुए, उन्होंने अपनी सामान्य जिज्ञासा के साथ रोमन कैम्पगना के परिदृश्य का अध्ययन किया। उनके जीवंत प्रभाव प्रकृति से अद्भुत परिदृश्य चित्रों में व्यक्त किए गए हैं, जो धारणा की ताजगी और सूक्ष्म गीतवाद से भरे हुए हैं। पुसिन के सुरम्य परिदृश्य इस तात्कालिकता की भावना से रहित हैं, उनमें आदर्श शुरुआत अधिक स्पष्ट है।
पुसिन के परिदृश्य दुनिया की भव्यता और भव्यता की भावना से ओतप्रोत हैं।
ढेरदार चट्टानें, हरे-भरे पेड़, क्रिस्टल-क्लियर झीलें, पत्थरों और छायादार झाड़ियों के बीच बहने वाले ठंडे झरने स्थानिक योजनाओं के विकल्प के आधार पर एक संपूर्ण, अभिन्न रचना में संयुक्त होते हैं, जिनमें से प्रत्येक कैनवास के विमान के समानांतर स्थित होता है। रंगों की संयमित श्रेणी आमतौर पर आकाश के ठंडे नीले और नीले रंग के स्वर, पानी और मिट्टी और चट्टानों के गर्म भूरे रंग के संयोजन पर आधारित होती है।
पुसिन के काम, गहरे विचार से संतृप्त, सबसे पहले छवियों की महत्वपूर्ण परिपूर्णता से जीतते हैं। वह मानवीय भावनाओं की सुंदरता, मनुष्य के भाग्य पर प्रतिबिंब, काव्य रचनात्मकता के विषय से आकर्षित थे। पॉसिन की दार्शनिक और कलात्मक अवधारणा के लिए विशेष महत्व प्रकृति का विषय था जो उचित और प्राकृतिक सद्भाव के उच्चतम अवतार के रूप में था।
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निकोलस पॉसिन (फ्रांसीसी निकोलस पॉसिन; इटली में उन्हें निकोलो पुसिनो (इतालवी निकोलो पुसिनो); 1594, लेस एंडलीज़, नॉरमैंडी - 19 नवंबर, 1665, रोम) - फ्रांसीसी कलाकार, क्लासिकिज़्म पेंटिंग के संस्थापकों में से एक कहा जाता था। उन्होंने अपने सक्रिय रचनात्मक जीवन का एक महत्वपूर्ण हिस्सा रोम में बिताया, जहाँ वे 1624 से थे और कार्डिनल फ्रांसेस्को बारबेरिनी के संरक्षण का आनंद लिया। राजा लुई XIII और कार्डिनल रिशेल्यू का ध्यान आकर्षित करते हुए, उन्हें राजा के पहले चित्रकार की उपाधि से सम्मानित किया गया। 1640 में वे पेरिस पहुंचे, लेकिन शाही दरबार की स्थिति के अनुकूल नहीं हो सके और प्रमुख फ्रांसीसी कलाकारों के साथ कई संघर्षों का अनुभव किया। 1642 में, पॉसिन इटली लौट आया, जहां वह अपनी मृत्यु तक रहता था, फ्रांसीसी शाही दरबार और प्रबुद्ध संग्राहकों के एक छोटे समूह के आदेशों को पूरा करता था। वह मर गया और उसे रोम में दफनाया गया।
जैक्स थुइलियर की 1994 की सूची में पुसिन द्वारा 224 चित्रों की सूची है, जिनकी विशेषता संदेह से परे है, साथ ही 33 कार्य जिनके लेखक विवादित हो सकते हैं। कलाकार के चित्र ऐतिहासिक, पौराणिक और बाइबिल के विषयों पर आधारित होते हैं, जो रचना के सख्त तर्कवाद और कलात्मक साधनों की पसंद द्वारा चिह्नित होते हैं। लैंडस्केप उनके लिए आत्म-अभिव्यक्ति का एक महत्वपूर्ण साधन बन गया। पहले कलाकारों में से एक, पुसिन ने स्थानीय रंग की स्मारकीयता की सराहना की और सैद्धांतिक रूप से रंग पर रेखा की श्रेष्ठता की पुष्टि की। उनकी मृत्यु के बाद, उनके बयान अकादमिकता और रॉयल एकेडमी ऑफ पेंटिंग की गतिविधियों का सैद्धांतिक आधार बन गए। उनके रचनात्मक तरीके का जैक्स-लुई डेविड और जीन अगस्टे डोमिनिक इंग्रेस द्वारा बारीकी से अध्ययन किया गया था।
19वीं-20वीं शताब्दी के दौरान, पुसिन के विश्वदृष्टि के आकलन और उनके काम की व्याख्या मौलिक रूप से बदल गई।
निकोलस पॉसिन की जीवनी का सबसे महत्वपूर्ण प्राथमिक स्रोत जीवित पत्राचार है - कुल 162 संदेश। उनमें से 25, इतालवी में लिखे गए, पेरिस से कैसियानो दाल पोज़ो - कलाकार के रोमन संरक्षक - और 1 जनवरी, 1641 से 18 सितंबर, 1642 तक भेजे गए थे। लगभग सभी अन्य पत्राचार, 1639 से 1665 में कलाकार की मृत्यु तक, अदालत के सलाहकार और शाही मैत्रे डी 'पॉल फ्रायर्ड डी चेंटेलो के साथ उनकी दोस्ती का एक स्मारक है। ये पत्र फ्रेंच में लिखे गए हैं और उच्च साहित्यिक शैली के होने का दावा नहीं करते हैं, जो कि पुसिन की दैनिक गतिविधियों का एक महत्वपूर्ण स्रोत है। दाल पॉज़ो के साथ पत्राचार पहली बार 1754 में जियोवानी बोटारी द्वारा प्रकाशित किया गया था, लेकिन थोड़ा संशोधित रूप में। मूल पत्र फ्रेंच नेशनल लाइब्रेरी में रखे गए हैं। 1824 में डिडोट द्वारा जारी कलाकार के पत्रों के प्रकाशन को पॉसिन के जीवनी लेखक पॉल डेसजार्डिन्स द्वारा "गलत" कहा गया था।
पॉसिन की पहली आत्मकथाएँ उनके रोमन मित्र जियोवानी पिएत्रो बेलोरी द्वारा प्रकाशित की गईं, जिन्होंने स्वीडन की रानी क्रिस्टीना के लिए लाइब्रेरियन के रूप में काम किया, और आंद्रे फेलिबियन, जो फ्रांसीसी दूतावास (1647) के सचिव के रूप में अपने कार्यकाल के दौरान रोम में कलाकार से मिले थे, और फिर शाही इतिहासकार के रूप में। बेलोरी की पुस्तक विटे डे "पित्तोरी, स्काल्टोरी एड आर्किटेटी मॉडर्नी, कोलबर्ट को समर्पित थी और 1672 में प्रकाशित हुई थी। पॉसिन की जीवनी में उनकी कला की प्रकृति पर संक्षिप्त हस्तलिखित नोट्स शामिल हैं, जिन्हें कार्डिनल मास्सीमी के पुस्तकालय में पांडुलिपि में संरक्षित किया गया था। केवल में 20वीं सदी के मध्य में क्या यह स्पष्ट हो गया कि "पेंटिंग पर टिप्पणियां", जो कि पुसिन के तथाकथित "मोड" हैं, प्राचीन और पुनर्जागरण ग्रंथों के अर्क से ज्यादा कुछ नहीं हैं। बेलोरी की पुस्तक से वीटा डि पुसिनो फ्रेंच में प्रकाशित हुई थी केवल 1903 में।
फ़ेलिबियन्स एंट्रेटिएन्स सुर लेस वीज़ एट सुर लेस ऑउवरेज डेस प्लस एक्सीलेंट्स पेंट्रेस एनीएंस एट मॉडर्न्स 1685 में प्रकाशित हुआ था। Poussin इन-क्वार्टो 136 पृष्ठों के लिए समर्पित है। पी. डेसजार्डिन्स के अनुसार, यह "वास्तविक जीवनी" है। इस काम का मूल्य इसकी रचना में प्रकाशित पांच लंबे पत्रों द्वारा दिया गया था, जिसमें एक स्वयं फेलिबियन को संबोधित किया गया था। पॉसिन की यह जीवनी इस मायने में भी मूल्यवान है कि इसमें फेलिबियन की उनकी उपस्थिति, शिष्टाचार और रोजमर्रा की आदतों की व्यक्तिगत यादें शामिल थीं। फेलिबियन ने अपने बहनोई, जीन डुगेट की कहानियों के आधार पर, पुसिन के काम के कालक्रम को रेखांकित किया। हालांकि, बेलोरी और फेलिबियन दोनों अकादमिक क्लासिकवाद के लिए क्षमाप्रार्थी थे। इसके अलावा, इतालवी ने पॉसिन पर इतालवी शैक्षणिक स्कूल के प्रभाव को साबित करने की मांग की।
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थोड़ा अलग विमान पर, क्लासिकिज़्म पेंटिंग का विकास हुआ, जिसके संस्थापक और मुख्य प्रतिनिधि 17 वीं शताब्दी के सबसे महान फ्रांसीसी कलाकार थे। निकोलस पुसिन।
क्लासिकवाद की पेंटिंग का कलात्मक सिद्धांत, इतालवी सिद्धांतकारों के निष्कर्षों और पॉसिन के बयानों पर आधारित है, जो 17 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में एक सुसंगत सिद्धांत में बदल गया, वैचारिक रूप से शास्त्रीय साहित्य और नाटक के सिद्धांत के साथ बहुत कुछ है। यह सामाजिक सिद्धांत, भावना पर तर्क की विजय, एक निर्विवाद मॉडल के रूप में प्राचीन कला के महत्व पर भी जोर देता है। पॉसिन के अनुसार, कला का एक काम एक व्यक्ति को "पुण्य और ज्ञान के चिंतन की याद दिलाना चाहिए, जिसकी मदद से वह भाग्य के प्रहार का सामना करने में दृढ़ और अडिग रह सकेगा।"
इन कार्यों के अनुसार, कलात्मक साधनों की एक प्रणाली विकसित की गई थी, जिसका उपयोग क्लासिकवाद की ललित कलाओं और शैलियों के सख्त विनियमन में किया गया था। प्रमुख शैली तथाकथित ऐतिहासिक पेंटिंग थी, जिसमें ऐतिहासिक, पौराणिक और बाइबिल विषयों पर रचनाएं शामिल थीं। नीचे एक कदम एक चित्र और एक परिदृश्य था। क्लासिकिज्म की पेंटिंग में रोजमर्रा की जिंदगी और अभी भी जीवन की शैली व्यावहारिक रूप से अनुपस्थित थी।
लेकिन फ्रांसीसी नाटककारों की तुलना में कुछ हद तक पॉसिन, नागरिक कर्तव्य के विषय के लिए, मनुष्य के सामाजिक अस्तित्व की समस्याओं के निर्माण के लिए आकर्षित थे। अधिक हद तक, वह मानवीय भावनाओं की सुंदरता, किसी व्यक्ति के भाग्य पर प्रतिबिंब, उसके आसपास की दुनिया के प्रति उसके दृष्टिकोण, काव्य रचनात्मकता के विषय से आकर्षित था। पोसिन की दार्शनिक और कलात्मक अवधारणा के लिए प्रकृति के विषय का महत्व विशेष रूप से उल्लेखनीय है। प्रकृति, जिसे पॉसिन ने तर्कसंगतता और सुंदरता के उच्चतम अवतार के रूप में माना, उनके नायकों के लिए जीवित वातावरण है, उनकी कार्रवाई का क्षेत्र, चित्र की आलंकारिक सामग्री में एक महत्वपूर्ण, अक्सर प्रमुख घटक है।
पुसिन के लिए, प्राचीन कला विहित उपकरणों के सभी योगों में से कम से कम थी। प्राचीन कला में पुसिन ने मुख्य चीज पर कब्जा कर लिया - इसकी भावना, इसका महत्वपूर्ण आधार, उच्च कलात्मक सामान्यीकरण की जैविक एकता और होने की पूर्णता की भावना, आलंकारिक चमक और महान सामाजिक सामग्री।
Poussin की रचनात्मकता सदी के पूर्वार्द्ध में आती है, जो फ्रांस में सार्वजनिक और कलात्मक जीवन के उदय और सक्रिय सामाजिक संघर्ष द्वारा चिह्नित है। इसलिए उनकी कला का सामान्य प्रगतिशील अभिविन्यास, इसकी सामग्री की समृद्धि। 17 वीं शताब्दी के अंतिम दशकों में एक अलग स्थिति विकसित हुई, निरंकुश उत्पीड़न की सबसे बड़ी तीव्रता और सामाजिक विचार की प्रगतिशील घटनाओं के दमन की अवधि के दौरान, जब केंद्रीकरण रॉयल अकादमी में एकजुट कलाकारों के लिए फैल गया और अपनी कला के साथ सेवा करने के लिए मजबूर किया गया। राजशाही का महिमामंडन। इन परिस्थितियों में, उनकी कला ने अपनी गहरी सामाजिक सामग्री खो दी, और क्लासिक पद्धति की कमजोर, सीमित विशेषताएं सामने आईं।
क्लासिकवाद के कलाकार और "वास्तविक दुनिया के चित्रकार" दोनों ही युग के उन्नत विचारों के करीब थे - किसी व्यक्ति की गरिमा का एक उच्च विचार, उसके कार्यों के नैतिक मूल्यांकन की इच्छा और उसकी स्पष्ट धारणा। दुनिया, सभी यादृच्छिक से साफ। इस वजह से, चित्रकला में दोनों दिशाएं, उनके बीच मतभेदों के बावजूद, एक-दूसरे के निकट संपर्क में थीं।
पॉसिन का जन्म 1594 में नॉर्मंडी के एंडली शहर के पास एक गरीब सैन्य परिवार में हुआ था। पुसिन के युवा वर्षों और उनके शुरुआती काम के बारे में बहुत कम जानकारी है। शायद उनके पहले शिक्षक भटकने वाले कलाकार कांटेन वारेन थे, जिन्होंने इन वर्षों के दौरान एंडेली का दौरा किया था, जिनसे मिलना युवक के कलात्मक व्यवसाय को निर्धारित करने के लिए निर्णायक महत्व का था। वरेन के बाद, पॉसिन चुपके से अपने पैतृक शहर को छोड़कर पेरिस के लिए रवाना हो जाता है। हालाँकि, यह यात्रा उसके लिए भाग्य नहीं लाती है। केवल एक साल बाद, वह फिर से राजधानी में प्रवेश करता है और वहां कई साल बिताता है। पहले से ही अपनी युवावस्था में, पुसिन ने उद्देश्य की एक महान भावना और ज्ञान के लिए एक अथक प्यास का खुलासा किया। वह गणित, शरीर रचना विज्ञान, प्राचीन साहित्य का अध्ययन करता है, राफेल और गिउलिओ रोमाने के कार्यों की नक्काशी से परिचित होता है।
पेरिस में, पॉसिन फैशनेबल इतालवी कवि कैवेलियर मैरिनो से मिलता है और अपनी कविता एडोनिस को दिखाता है। ये दृष्टांत जो आज तक जीवित हैं, उनके शुरुआती पेरिस काल के पुसिन के एकमात्र विश्वसनीय कार्य हैं। 1624 में कलाकार इटली के लिए रवाना हुए और रोम में बस गए। हालाँकि पॉसिन को लगभग अपना पूरा जीवन इटली में जीने के लिए नियत किया गया था, लेकिन वह अपनी मातृभूमि से बहुत प्यार करते थे और फ्रांसीसी संस्कृति की परंपराओं से निकटता से जुड़े थे। वह करियरवाद के लिए पराया था और आसान सफलता की तलाश में नहीं था। रोम में उनका जीवन निरंतर और व्यवस्थित कार्य के लिए समर्पित था। पुसिन ने प्राचीन मूर्तियों को स्केच और मापा, विज्ञान, साहित्य में अपनी पढ़ाई जारी रखी, अल्बर्टी, लियोनार्डो दा विंची और ड्यूरर के ग्रंथों का अध्ययन किया। उन्होंने लियोनार्डो के ग्रंथ की एक सूची का चित्रण किया; वर्तमान में, यह सबसे मूल्यवान पांडुलिपि हर्मिटेज में है।
1620 के दशक में पॉसिन की रचनात्मक खोजें। बहुत कठिन थे। मास्टर ने अपनी कलात्मक पद्धति बनाने के लिए एक लंबा सफर तय किया। प्राचीन कला और पुनर्जागरण के कलाकार उनके लिए सर्वोच्च उदाहरण थे। समकालीन बोलोग्नीज़ उस्तादों में, उन्होंने उनमें से सबसे सख्त - डोमेनिचिनो की सराहना की। कारवागियो के प्रति नकारात्मक दृष्टिकोण रखने के बावजूद, पुसिन अपनी कला के प्रति उदासीन नहीं रहे।
1620 के दशक के दौरान पुसिन, पहले से ही क्लासिकवाद के रास्ते पर चल रहे थे, अक्सर तेजी से इससे आगे निकल गए। उनकी पेंटिंग्स जैसे द नरसंहार ऑफ द इनोसेंट्स (चेंटिली), द शहीद ऑफ सेंट। इरास्मस ”(1628, वेटिकन पिनाकोथेक), कारवागिज़्म और बारोक के निकटता की विशेषताओं द्वारा चिह्नित, एक प्रसिद्ध कम छवियां, स्थिति की एक अतिरंजित नाटकीय व्याख्या। द हर्मिटेज डिसेंट फ्रॉम द क्रॉस (सी। 1630) पॉसिन के लिए हृदयविदारक दुःख की भावना को व्यक्त करने में अपनी ऊँची अभिव्यक्ति में असामान्य है। यहां की स्थिति का नाटक परिदृश्य की भावनात्मक व्याख्या द्वारा बढ़ाया गया है: कार्रवाई एक लाल, अशुभ भोर के प्रतिबिंबों के साथ एक तूफानी आकाश के खिलाफ सामने आती है। एक अलग दृष्टिकोण क्लासिकवाद की भावना में बने उनके कार्यों की विशेषता है।
कारण का पंथ क्लासिकवाद के मुख्य गुणों में से एक है, और इसलिए 17 वीं शताब्दी के महान स्वामी में से कोई भी नहीं है। तर्कसंगत सिद्धांत इतनी आवश्यक भूमिका नहीं निभाता है जितना कि पॉसिन में। गुरु ने स्वयं कहा था कि कला के काम की धारणा के लिए एकाग्र विचार-विमर्श और विचार की कड़ी मेहनत की आवश्यकता होती है। तर्कवाद न केवल पॉसिन के नैतिक और कलात्मक आदर्श के उद्देश्यपूर्ण पालन में, बल्कि उनके द्वारा बनाई गई दृश्य प्रणाली में भी परिलक्षित होता है। उन्होंने तथाकथित तौर-तरीकों का एक सिद्धांत बनाया, जिसका उन्होंने अपने काम में पालन करने की कोशिश की। तौर-तरीकों से, पॉसिन का अर्थ एक प्रकार की आलंकारिक कुंजी था, आलंकारिक-भावनात्मक विशेषताओं के उपकरणों का योग और रचना-सचित्र समाधान जो किसी विशेष विषय की अभिव्यक्ति के अनुरूप थे। इन विधाओं में पॉसिन ने संगीत प्रणाली के विभिन्न तरीकों के ग्रीक नामों से आने वाले नाम दिए। इसलिए, उदाहरण के लिए, एक नैतिक करतब का विषय कलाकार द्वारा सख्त गंभीर रूपों में सन्निहित है, जो "डोरियन मोड" की अवधारणा में पॉसिन द्वारा एकजुट है, एक नाटकीय प्रकृति के विषय - "फ्रिजियन मोड" के संबंधित रूपों में। , हर्षित और सुखद जीवन के विषय - "आयनियन" और "लिडियन" मोड के रूप में। पुसिन के कार्यों का मजबूत पक्ष स्पष्ट रूप से व्यक्त विचार, स्पष्ट तर्क और इन कलात्मक तकनीकों के परिणामस्वरूप प्राप्त विचार की उच्च स्तर की पूर्णता है। लेकिन साथ ही, कुछ स्थिर मानदंडों के लिए कला की अधीनता, इसमें तर्कसंगत तत्वों का परिचय भी एक बड़ा खतरा था, क्योंकि इससे जीवित रचनात्मक प्रक्रिया की गतिहीन हठधर्मिता की प्रबलता हो सकती है। यह वही है जो सभी शिक्षाविद केवल पुसिन के बाहरी तरीकों का पालन करते हुए आए थे। इसके बाद, यह खतरा खुद पुसिन के सामने खड़ा हो गया।
पुसिन। जर्मेनिकस की मृत्यु। 1626-1627 मिनियापोलिस इंस्टीट्यूट ऑफ द आर्ट्स।
क्लासिकिज्म के वैचारिक और कलात्मक कार्यक्रम के विशिष्ट उदाहरणों में से एक है पॉसिन की रचना द डेथ ऑफ जर्मेनिकस (1626/27; मिनियापोलिस, कला संस्थान)। यहाँ, नायक की पसंद सांकेतिक है - एक साहसी और महान कमांडर, रोमनों की सर्वोत्तम आशाओं का गढ़, जिसे संदिग्ध और ईर्ष्यालु सम्राट टिबेरियस के आदेश से जहर दिया गया था। पेंटिंग में जर्मनिकस को उसकी मृत्युशय्या पर दर्शाया गया है, जो उसके परिवार और उसके प्रति समर्पित योद्धाओं से घिरा हुआ है, जो उत्साह और दु: ख की एक सामान्य भावना से अभिभूत है।
पोसिन के काम के लिए बहुत फलदायी था 1620 के दशक के उत्तरार्ध में टिटियन की कला के लिए जुनून। टिटियन परंपरा की अपील ने पुसिन की प्रतिभा के सबसे महत्वपूर्ण पहलुओं के प्रकटीकरण में योगदान दिया। पोसिन की चित्रात्मक प्रतिभा के विकास में टिटियन के रंगवाद की भूमिका भी महान थी।
पुसिन। फ्लोरा का साम्राज्य। टुकड़ा। ठीक है। 1635 ड्रेसडेन, आर्ट गैलरी।
उनकी मॉस्को पेंटिंग "रिनाल्डो एंड आर्मिडा" (1625-1627) में, जिसका कथानक टैसो की कविता "जेरूसलम लिबरेटेड" से लिया गया है, मध्ययुगीन शिष्टता की कथा के एक एपिसोड की व्याख्या प्राचीन पौराणिक कथाओं के रूप में की जाती है। जादूगरनी आर्मिडा, सोते हुए योद्धा नाइट रिनाल्डो को पाकर, उसे अपने जादुई बगीचों में ले जाती है, और आर्मिडा के घोड़े, उसके रथ को बादलों के माध्यम से खींचते हैं और सुंदर लड़कियों द्वारा बमुश्किल संयमित होते हैं, सूर्य देवता हेलिओस के घोड़ों की तरह दिखते हैं (यह आकृति बाद में अक्सर पुसिन के चित्रों में पाया जाता है)। किसी व्यक्ति की नैतिक ऊंचाई प्रकृति के उचित नियमों के लिए उसकी भावनाओं और कार्यों के पत्राचार द्वारा पोसिन के लिए निर्धारित की जाती है। इसलिए पॉसिन का आदर्श प्रकृति के साथ एक सुखी जीवन व्यतीत करने वाला व्यक्ति है। कलाकार ने इस विषय के लिए 1620-1630 के ऐसे कैनवस को समर्पित किया, जैसे अपोलो और डैफने (म्यूनिख, पिनाकोथेक), लौवर में बच्चनलिया और लंदन नेशनल गैलरी, द किंगडम ऑफ फ्लोरा (ड्रेस्डेन, गैलरी)। वह प्राचीन मिथकों की दुनिया को पुनर्जीवित करता है, जहां सुंदर और हर्षित प्रकृति के साथ एकता में स्वार्थी व्यंग्य, पतली अप्सराएं और हंसमुख कामदेव को चित्रित किया गया है। बाद में पुसिन के काम में इस तरह के शांत दृश्य नहीं थे, ऐसी प्यारी महिला छवियां दिखाई देती हैं।
पेंटिंग्स का निर्माण, जहां रचना की समग्र लय में प्लास्टिक रूप से मूर्त आंकड़े शामिल हैं, में स्पष्टता और पूर्णता है। पॉसिन के अनुसार, "बॉडी लैंग्वेज" के अनुसार, आंकड़ों का हमेशा स्पष्ट रूप से पाया जाने वाला आंदोलन विशेष रूप से अभिव्यंजक है। रंग योजना, अक्सर संतृप्त और समृद्ध, रंगीन धब्बों के सुविचारित लयबद्ध अनुपात का भी पालन करती है।
1620 के दशक में पोसिन - ड्रेसडेन "स्लीपिंग वीनस" की सबसे मनोरम छवियों में से एक बनाई। इस चित्र का मूल भाव - एक सुंदर परिदृश्य से घिरे सपने में डूबी हुई देवी की छवि - विनीशियन पुनर्जागरण के नमूनों पर वापस जाती है। हालांकि, इस मामले में, कलाकार ने पुनर्जागरण के उस्तादों से छवियों की आदर्शता नहीं ली, बल्कि उनके अन्य आवश्यक गुण - एक विशाल जीवन शक्ति। पोसिन की पेंटिंग में, देवी का बहुत ही प्रकार, एक युवा लड़की, जिसका चेहरा नींद से गुलाबी हो गया, एक पतली, सुंदर आकृति के साथ, ऐसी स्वाभाविकता और भावना की कुछ विशेष अंतरंगता से भरी हुई है कि यह छवि सीधे जीवन से छीन ली गई लगती है . सोई हुई देवी की शांत शांति के विपरीत, एक गर्म दिन की गड़गड़ाहट का तनाव और भी अधिक तीव्रता से महसूस होता है। ड्रेसडेन कैनवास में, कहीं और की तुलना में अधिक स्पष्ट रूप से, पुसिन और टिटियन के रंगवाद के बीच संबंध स्पष्ट है। चित्र के सामान्य भूरे, संतृप्त गहरे सोने के स्वर की तुलना में, देवी के नग्न शरीर के रंग विशेष रूप से सुंदर हैं।
पुसिन। टेंक्रेड और एर्मिनिया। 1630 के दशक लेनिनग्राद, हर्मिटेज।
हर्मिटेज पेंटिंग टेंक्रेड और एर्मिनिया (1630 का दशक) क्रूसेडर नाइट टेंक्रेड के लिए अमेजोनियन एर्मिनिया के प्यार के नाटकीय विषय को समर्पित है। इसका कथानक भी टैसो की कविता से लिया गया है। एक रेगिस्तानी इलाके में, पथरीली जमीन पर, एक द्वंद्वयुद्ध में घायल हुए टेंक्रेड को फैलाया जाता है। देखभाल की कोमलता के साथ, वह अपने वफादार दोस्त वाफरीन द्वारा समर्थित है। एर्मिनिया, अपने घोड़े से उतरकर, अपने प्रिय के पास जाती है और एक चमचमाती तलवार के तेज झूले के साथ उसके घावों को पट्टी करने के लिए उसके गोरे बालों का एक ताला काट देती है। उसका चेहरा, उसकी टकटकी टेंक्रेड पर टिकी हुई थी, उसके पतले फिगर की तेज हरकतें एक महान आंतरिक भावना से प्रेरित हैं। नायिका की छवि के भावनात्मक उत्साह पर उसके कपड़ों की रंग योजना पर जोर दिया जाता है, जहां स्टील-ग्रे और गहरे नीले रंग के स्वरों के विपरीत अधिक ताकत के साथ ध्वनि करते हैं, और चित्र की सामान्य नाटकीय मनोदशा से भरे परिदृश्य में इसकी प्रतिध्वनि मिलती है शाम की भोर की ज्वलनशील चमक। टेंक्रेड का कवच और एर्मिनिया की तलवार उनके प्रतिबिंबों में रंगों की इस समृद्धि को दर्शाती है।
भविष्य में, पॉसिन के काम में भावनात्मक क्षण मन के आयोजन सिद्धांत से अधिक जुड़ा हुआ है। 1630 के दशक के मध्य के कार्यों में। कलाकार कारण और भावना के बीच एक सामंजस्यपूर्ण संतुलन प्राप्त करता है। नैतिक महानता और आध्यात्मिक शक्ति के अवतार के रूप में एक वीर, सिद्ध व्यक्ति की छवि प्रमुख महत्व प्राप्त करती है।
पुसिन के काम में विषय के गहन दार्शनिक प्रकटीकरण का एक उदाहरण "द आर्कडियन शेफर्ड्स" रचना के दो संस्करणों द्वारा दिया गया है (1632 और 1635 के बीच, चेसवर्थ, ड्यूक ऑफ डेवोनशायर का संग्रह, चित्र देखें और 1650, लौवर) . शांत सुख का देश, अर्काडिया का मिथक अक्सर कला में सन्निहित था। लेकिन इस रमणीय कथानक में पुसिन ने जीवन की क्षणभंगुरता और मृत्यु की अनिवार्यता का गहरा विचार व्यक्त किया। उन्होंने उन चरवाहों की कल्पना की, जिन्होंने अचानक "और मैं अर्काडिया में था ..." शिलालेख के साथ एक मकबरा देखा। जिस क्षण कोई व्यक्ति बादल रहित खुशी की भावना से भर जाता है, वह मृत्यु की आवाज सुनता है - जीवन की नाजुकता की याद दिलाता है, अपरिहार्य अंत की।
पुसिन। आर्केडियन चरवाहे। 1632 और 1635 के बीच चासवर्थ, ड्यूक ऑफ डेवोनशायर का संग्रह।
पहले, अधिक भावनात्मक और नाटकीय लंदन संस्करण में, चरवाहों का भ्रम अधिक स्पष्ट है, जैसे कि अचानक मौत का सामना करना पड़ा जिसने उनकी उज्ज्वल दुनिया पर आक्रमण किया। दूसरे में, बहुत बाद में लौवर संस्करण, नायकों के चेहरे भी बादल नहीं हैं, वे शांत रहते हैं, मृत्यु को एक प्राकृतिक पैटर्न मानते हैं। यह विचार एक सुंदर युवती की छवि में विशेष गहराई से सन्निहित है, जिसकी उपस्थिति कलाकार ने रूढ़ ज्ञान की विशेषताओं को दी।
पुसिन। कवि की प्रेरणा। 1635 और 1638 के बीच पेरिस, लौवर।
लौवर पेंटिंग "एक कवि की प्रेरणा" इस बात का एक उदाहरण है कि कैसे गहरी, शक्तिशाली छवियों में पुसिन द्वारा एक अमूर्त विचार सन्निहित है। संक्षेप में, इस काम का कथानक रूपक की सीमा पर लगता है: हम एक युवा कवि को अपोलो और संग्रहालय की उपस्थिति में एक पुष्पांजलि के साथ ताज पहनाते हुए देखते हैं - लेकिन इस तस्वीर में सबसे कम रूपक सूखापन और दूर की कौड़ी है। चित्र का विचार - कला में सौंदर्य का जन्म, उसकी विजय - को एक सार के रूप में नहीं, बल्कि एक ठोस, आलंकारिक विचार के रूप में माना जाता है। 17 वीं शताब्दी में आम के विपरीत। अलंकारिक रचनाएँ, जिनमें से चित्र बाहरी और अलंकारिक रूप से एकजुट होते हैं, लौवर पेंटिंग को भावनाओं की एक सामान्य प्रणाली, रचनात्मकता की उदात्त सुंदरता के विचार द्वारा छवियों के आंतरिक एकीकरण की विशेषता है। पुसिन की पेंटिंग में सुंदर म्यूज की छवि शास्त्रीय ग्रीस की कला में सबसे काव्यात्मक महिला छवियों को ध्यान में रखती है।
पेंटिंग की संरचना संरचना अपने तरीके से क्लासिकवाद के लिए अनुकरणीय है। यह अपनी महान सादगी से प्रतिष्ठित है: अपोलो की आकृति को केंद्र में रखा गया है, संग्रहालय और कवि के आंकड़े इसके दोनों किनारों पर सममित रूप से स्थित हैं। लेकिन इस फैसले में जरा भी सूखापन और बनावटीपन नहीं है; थोड़ा सूक्ष्म रूप से पाया गया विस्थापन, मोड़, आकृतियों की गति, एक पेड़ को एक तरफ धकेल दिया, एक उड़ता हुआ कामदेव - ये सभी तकनीकें, स्पष्टता और संतुलन की संरचना से वंचित किए बिना, जीवन की उस भावना को लाती हैं जो इस काम को पारंपरिक रूप से योजनाबद्ध कृतियों से अलग करती है। शिक्षाविद जिन्होंने पुसिन की नकल की।
पुसिन के चित्रों की कलात्मक और रचनात्मक अवधारणा के निर्माण की प्रक्रिया में, उनके अद्भुत चित्रों का बहुत महत्व था। प्रकाश और छाया के धब्बों के संयोजन के आधार पर असाधारण चौड़ाई और साहस के साथ बनाए गए ये सेपिया रेखाचित्र, काम के विचार को एक संपूर्ण चित्रमय पूरे में बदलने में प्रारंभिक भूमिका निभाते हैं। जीवंत और गतिशील, वे एक रचनात्मक लय और वैचारिक अवधारणा के अनुरूप भावनात्मक कुंजी की खोज में कलाकार की रचनात्मक कल्पना की सभी समृद्धि को प्रतिबिंबित करते हैं।
पुसिन। बच्चनलिया। तस्वीर। इतालवी पेंसिल, बिस्ट्रे। 1630s-1640s पेरिस, लौवर।
बाद के वर्षों में, 1630 के सर्वश्रेष्ठ कार्यों की सामंजस्यपूर्ण एकता। धीरे-धीरे खो जाता है। पॉसिन की पेंटिंग में अमूर्तता और तर्कसंगतता की विशेषताएं बढ़ रही हैं। उनकी फ्रांस यात्रा के दौरान रचनात्मकता का पक संकट तेज हो गया।
फ्रांस के दरबार में पोसिन की महिमा पहुँचती है। फ्रांस लौटने का निमंत्रण प्राप्त करने के बाद, पॉसिन ने हर संभव तरीके से यात्रा में देरी की। राजा लुई XIII का केवल एक ठंडा अनिवार्य व्यक्तिगत पत्र ही उसे प्रस्तुत करता है। 1640 की शरद ऋतु में, पुसिन पेरिस के लिए रवाना हुए। फ्रांस की यात्रा कलाकार को बहुत कड़वी निराशा लाती है। उनकी कला को सजावटी बारोक प्रवृत्ति के प्रतिनिधियों से भयंकर प्रतिरोध का सामना करना पड़ा, जिसका नेतृत्व साइमन वौएट ने किया, जिन्होंने अदालत में काम किया। "इन जानवरों" की गंदी साज़िशों और निंदाओं का एक नेटवर्क (जैसा कि कलाकार ने उन्हें अपने पत्रों में कहा है) त्रुटिहीन प्रतिष्ठा वाले व्यक्ति पुसिन को उलझाता है। कोर्ट लाइफ का सारा माहौल उसे कर्कश घृणा से प्रेरित करता है। उनके अनुसार, कलाकार को अपने स्टूडियो के शांत वातावरण में वास्तविक कला में फिर से शामिल होने के लिए अपनी गर्दन पर लगाए गए फंदे से बाहर निकलने की जरूरत है, क्योंकि "अगर मैं इस देश में रहता हूं," वे लिखते हैं, "मैं दूसरों की तरह गंदे में बदलना होगा जो यहाँ हैं।" शाही दरबार एक महान कलाकार को आकर्षित करने में विफल रहता है। 1642 की शरद ऋतु में, अपनी पत्नी की बीमारी के बहाने, पुसिन इस बार अच्छे के लिए इटली वापस चला गया।
1640 के दशक में पुसिन का काम गहरे संकट से चिह्नित। इस संकट को कलाकार की जीवनी के संकेतित तथ्यों से इतना नहीं समझाया गया है, जितना कि सबसे पहले, क्लासिकवाद की आंतरिक असंगति से। उस समय की जीवंत वास्तविकता तर्कसंगतता और नागरिक सद्गुण के आदर्शों के अनुरूप नहीं थी। क्लासिकिज्म के सकारात्मक नैतिक कार्यक्रम ने जमीन खोनी शुरू कर दी।
पेरिस में काम करते हुए, पोसिन अदालत के चित्रकार के रूप में उन्हें सौंपे गए कार्यों को पूरी तरह से नहीं छोड़ सकते थे। पेरिस की अवधि के काम ठंडे, आधिकारिक चरित्र के हैं, वे बाहरी प्रभाव को प्राप्त करने के उद्देश्य से बारोक कला की विशेषताओं को स्पष्ट रूप से व्यक्त करते हैं ("समय ईर्ष्या और कलह से सच्चाई बचाता है", 1642, लिली, संग्रहालय; "सेंट का चमत्कार" फ्रांसिस जेवियर", 1642, लौवर)। यह इस तरह का काम था जिसे बाद में चार्ल्स ले ब्रून की अध्यक्षता में अकादमिक शिविर के कलाकारों द्वारा एक मॉडल के रूप में माना गया।
लेकिन उन कार्यों में भी जिनमें गुरु ने शास्त्रीय कलात्मक सिद्धांत का सख्ती से पालन किया, वह अब छवियों की पूर्व गहराई और जीवन शक्ति तक नहीं पहुंचे। तर्कवाद, आदर्शवादिता, भावना पर एक अमूर्त विचार की प्रधानता, और इस प्रणाली की आदर्शता विशेषता के लिए प्रयास करने से उसमें एकतरफा अतिशयोक्तिपूर्ण अभिव्यक्ति प्राप्त होती है। एक उदाहरण ललित कला संग्रहालय "स्किपियो की उदारता" है। ए एस पुश्किन (1643)। रोमन कमांडर स्किपियो अफ्रीकनस को चित्रित करते हुए, जिसने बंदी कार्थागिनियन राजकुमारी के अपने अधिकारों को त्याग दिया और उसे अपने मंगेतर को लौटा दिया, कलाकार बुद्धिमान कमांडर के गुण का महिमामंडन करता है। लेकिन इस मामले में, नैतिक कर्तव्य की विजय के विषय को एक ठंडा, अलंकारिक अवतार मिला है, छवियों ने अपनी जीवन शक्ति और आध्यात्मिकता खो दी है, इशारे सशर्त हैं, विचार की गहराई को दूर की कौड़ी से बदल दिया गया है। आंकड़े जमे हुए लगते हैं, रंग भिन्न होते हैं, ठंडे स्थानीय रंगों की प्रबलता के साथ, पेंटिंग शैली एक अप्रिय चिकनाई द्वारा प्रतिष्ठित होती है। इसी तरह की विशेषताओं को 1644-1648 में बनाए गए लोगों की विशेषता है। सात संस्कारों के दूसरे चक्र से पेंटिंग।
क्लासिकिस्ट पद्धति के संकट ने मुख्य रूप से पुसिन की कथानक रचनाओं को प्रभावित किया। पहले से ही 1640 के दशक के अंत से। कलाकार की सर्वोच्च उपलब्धियाँ अन्य शैलियों में प्रकट होती हैं - चित्र और परिदृश्य में।
पुसिन। आत्म चित्र। टुकड़ा। 1650 पेरिस, लौवर
1650 तक पुसिन की सबसे महत्वपूर्ण कृतियों में से एक है - उनका प्रसिद्ध लौवर स्व-चित्र। पुसिन के लिए कलाकार सबसे पहले एक विचारक है। एक ऐसे युग में जब चित्र में बाहरी प्रतिनिधित्व की विशेषताओं पर जोर दिया गया था, जब छवि का महत्व सामाजिक दूरी द्वारा मॉडल को मात्र नश्वर से अलग करके निर्धारित किया गया था, पॉसिन एक व्यक्ति के मूल्य को उसकी बुद्धि की ताकत में, रचनात्मक रूप से देखता है शक्ति। और सेल्फ-पोर्ट्रेट में, कलाकार रचनात्मक निर्माण की सख्त स्पष्टता और रैखिक और वॉल्यूमेट्रिक समाधानों की स्पष्टता को बरकरार रखता है। वैचारिक सामग्री की गहराई और पॉसिन के "सेल्फ-पोर्ट्रेट" की उल्लेखनीय पूर्णता फ्रांसीसी चित्रकारों के कार्यों से कहीं अधिक है और 17 वीं शताब्दी की यूरोपीय कला के सर्वश्रेष्ठ चित्रों से संबंधित है।
परिदृश्य के साथ पुसिन का आकर्षण परिवर्तन के साथ जुड़ा हुआ है। उसका विश्वदृष्टि। निस्संदेह, पुसिन ने एक व्यक्ति के उस अभिन्न विचार को खो दिया, जो 1620-1630 के उनके कार्यों की विशेषता थी। 1640 के दशक की कथानक रचनाओं में इस विचार को मूर्त रूप देने का प्रयास। विफलता का कारण बना। 1640 के दशक के उत्तरार्ध से पुसिन की आलंकारिक प्रणाली। विभिन्न सिद्धांतों पर निर्मित। इस समय के कार्यों में कलाकार का ध्यान प्रकृति की छवि है। पॉसिन के लिए, प्रकृति अस्तित्व के उच्चतम सामंजस्य की पहचान है। मनुष्य ने इसमें अपना प्रमुख स्थान खो दिया है। उन्हें केवल प्रकृति की कई कृतियों में से एक माना जाता है, जिसके नियमों का पालन करने के लिए उन्हें मजबूर किया जाता है।
पुसिन के सुरम्य परिदृश्य में तत्कालता की भावना नहीं है जो उनके चित्रों में निहित है। उनके चित्रों में, आदर्श, सामान्यीकरण सिद्धांत अधिक दृढ़ता से व्यक्त किया गया है, और प्रकृति उनमें पूर्ण सौंदर्य और भव्यता के वाहक के रूप में प्रकट होती है। महान वैचारिक और भावनात्मक सामग्री के साथ संतृप्त, पॉसिन के परिदृश्य 17 वीं शताब्दी की पेंटिंग की सर्वोच्च उपलब्धियों से संबंधित हैं। तथाकथित वीर परिदृश्य।
पेंटिंग के इतिहास के लिए पॉसिन की रचनात्मकता को कम करके आंका जाना मुश्किल है। वह क्लासिकिज़्म जैसी पेंटिंग शैली के संस्थापक हैं। उनसे पहले के फ्रांसीसी कलाकार पारंपरिक रूप से इतालवी पुनर्जागरण की कला से परिचित थे। लेकिन वे इतालवी मनेरवाद, बारोक, कारवागिज़्म के उस्तादों के कार्यों से प्रेरित थे। पॉसिन पहले फ्रांसीसी चित्रकार थे जिन्होंने लियोनार्डो दा विंची और राफेल की शास्त्रीय शैली की परंपरा को अपनाया था। प्राचीन पौराणिक कथाओं, प्राचीन इतिहास, बाइबिल के विषयों की ओर मुड़ते हुए, पुसिन ने अपने समकालीन युग के विषयों का खुलासा किया। अपने कार्यों के साथ, उन्होंने उच्च नैतिकता, नागरिक कौशल का प्रदर्शन और गायन करते हुए एक आदर्श व्यक्तित्व का निर्माण किया। पॉसिन की दृश्य तकनीकों की स्पष्टता, निरंतरता और व्यवस्था, उनकी कला के वैचारिक और नैतिक अभिविन्यास ने बाद में उनके काम को फ्रांस की चित्रकला और मूर्तिकला अकादमी के लिए एक मानक बना दिया, जिसने सौंदर्य मानदंडों, औपचारिक सिद्धांतों और आम तौर पर बाध्यकारी नियमों का विकास किया। कलात्मक रचनात्मकता की (तथाकथित "अकादमिकता")।
निकोलस पुसिन, 1594-1665 · प्रसिद्ध फ्रांसीसी कलाकार, शास्त्रीय शैली के संस्थापक। प्राचीन पौराणिक कथाओं, प्राचीन इतिहास, बाइबिल के विषयों की ओर मुड़ते हुए, पुसिन ने अपने समकालीन युग के विषयों का खुलासा किया। अपने कार्यों के साथ, उन्होंने उच्च नैतिकता, नागरिक कौशल का प्रदर्शन और गायन करते हुए एक आदर्श व्यक्तित्व का निर्माण किया।
फ्रांस 17वीं सदी एक उन्नत यूरोपीय राज्य था, जिसने इसे राष्ट्रीय संस्कृति के विकास के लिए अनुकूल परिस्थितियाँ प्रदान की, जो पुनर्जागरण के इटली का उत्तराधिकारी बना। डेसकार्टेस (1596-1650) के विचार, जो उस समय व्यापक थे, ने विज्ञान, दर्शन, साहित्य और कला के विकास को प्रभावित किया। डेसकार्टेस - एक गणितज्ञ, प्रकृतिवादी, दार्शनिक तर्कवाद के निर्माता - ने धर्म से दर्शन को तोड़ दिया और इसे प्रकृति से जोड़ा, यह तर्क देते हुए कि दर्शन के सिद्धांत प्रकृति से प्राप्त हुए हैं। डेसकार्टेस ने एक कानून में महसूस करने पर तर्क की सर्वोच्चता के सिद्धांत को उठाया। इस विचार ने कला में क्लासिकवाद का आधार बनाया। नई शैली के सिद्धांतकारों ने कहा कि "शास्त्रवाद तर्क का सिद्धांत है।" कलात्मकता की स्थिति ने समरूपता, सद्भाव, एकता की घोषणा की। क्लासिकवाद के सिद्धांत के अनुसार, प्रकृति को वैसा नहीं दिखाया जाना चाहिए जैसा वह है, लेकिन सुंदर और उचित, क्लासिक्स ने एक ही समय में सुंदर घोषित किया जो कि सत्य है, प्रकृति से इस सत्य को सीखने का आह्वान करता है। क्लासिकिज्म ने शैलियों का एक सख्त पदानुक्रम स्थापित किया, उन्हें "उच्च" में विभाजित किया, जिसमें ऐतिहासिक और पौराणिक शामिल थे, और "निम्न" - हर रोज।
निकोलस पॉसिन का जन्म 1594 में लेस एंडलीज़ शहर के पास नॉर्मंडी में हुआ था। उनके पिता, जो राजा हेनरी चतुर्थ (1553-1610) की सेना के एक अनुभवी थे, ने अपने बेटे को अच्छी शिक्षा दी। बचपन से ही, पुसिन ने ड्राइंग के लिए अपनी रुचि के साथ खुद पर ध्यान आकर्षित किया। 18 साल की उम्र में वह पेंटिंग करने पेरिस जाते हैं। संभवतः, उनके पहले शिक्षक चित्रकार फर्डिनेंड वान एले (1580-1649) थे, दूसरे - ऐतिहासिक चित्रकार जॉर्जेस लालेमेंट (1580-1636)। शाही कला संग्रह और पुस्तकालय के संरक्षक, डोवेगर क्वीन मैरी डे मेडिसी के सेवक से परिचित, पॉसिन इटली के कलाकारों द्वारा चित्रों की प्रतिलिपि बनाने के लिए लौवर का दौरा करने में सक्षम थे। 1622 में, पुसिन और अन्य कलाकारों को सेंट पीटर्सबर्ग के अपने जीवन से विषयों पर छह बड़े चित्रों को चित्रित करने के लिए कमीशन दिया गया था। लोयोला के इग्नाटियस और सेंट। फ्रांसिस जेवियर (संरक्षित नहीं)।
1624 में पुसिन रोम गए। वहां उन्होंने प्राचीन दुनिया की कला, उच्च पुनर्जागरण के उस्तादों के कार्यों का अध्ययन किया। 1625-1626 में उन्हें पेंटिंग "द डिस्ट्रक्शन ऑफ जेरूसलम" (संरक्षित नहीं) पेंट करने का आदेश मिला, लेकिन बाद में उन्होंने इस पेंटिंग के दूसरे संस्करण (1636-1638, वियना, कुन्थिस्टोरिसचेस म्यूजियम) को चित्रित किया।
1627 में, पुसिन ने प्राचीन रोमन इतिहासकार टैसिटस के कथानक पर आधारित द डेथ ऑफ जर्मेनिकस (रोम, पलाज्जो बारबेरिनी) को चित्रित किया, जो इसे क्लासिकिज्म का एक प्रोग्रामेटिक कार्य मानता है; यह मरने वाले कमांडर को सेनापतियों की विदाई दिखाता है। एक नायक की मृत्यु को सामाजिक महत्व की त्रासदी के रूप में माना जाता है। विषय की व्याख्या प्राचीन कथा के शांत और गंभीर वीरता की भावना से की गई है। तस्वीर का विचार कर्तव्य की सेवा है। कलाकार ने आकृतियों और वस्तुओं को एक उथले स्थान में व्यवस्थित किया, इसे योजनाओं की एक श्रृंखला में विभाजित किया। इस काम में, क्लासिकवाद की मुख्य विशेषताएं सामने आईं: कार्रवाई की स्पष्टता, स्थापत्यता, रचना का सामंजस्य, समूहों का विरोध। पुसिन की दृष्टि में सुंदरता का आदर्श बाहरी क्रम, सामंजस्य, रचना की स्पष्टता में संपूर्ण के भागों की आनुपातिकता में शामिल था, जो मास्टर की परिपक्व शैली की विशेषता बन जाएगी। पॉसिन की रचनात्मक पद्धति की विशेषताओं में से एक तर्कवाद था, जो न केवल भूखंडों में, बल्कि रचना की विचारशीलता में भी परिलक्षित होता था।
पॉसिन ने ज्यादातर मध्यम आकार के चित्रफलक चित्रों को चित्रित किया। 1627-1629 में उन्होंने कई चित्रों को पूरा किया: "परनासस" (मैड्रिड, प्राडो), "कवि की प्रेरणा" (पेरिस, लौवर), "मूसा का उद्धार", "मूसा ने मेरारा के पानी को शुद्ध किया", "मैडोना दिखाई दे रही है" टू सेंट जेम्स द एल्डर" ("मैडोना ऑन ए पिलर") (1629, पेरिस, लौवर)। 1629-1630 में, पॉसिन ने अभिव्यक्ति की शक्ति और सबसे महत्वपूर्ण सत्य "क्रॉस से वंश" (सेंट पीटर्सबर्ग, हर्मिटेज) के संदर्भ में उल्लेखनीय रचना की।
1629-1633 की अवधि में, पुसिन के चित्रों के विषय बदल जाते हैं: वह शायद ही कभी धार्मिक विषयों पर चित्रों को चित्रित करते हैं, पौराणिक और साहित्यिक विषयों की ओर मुड़ते हैं। "नार्सिसस एंड इको" (सी। 1629, पेरिस, लौवर), "सेलेना एंड एंडिमियन" (डेट्रायट, आर्ट इंस्टीट्यूट)। विशेष रूप से उल्लेखनीय टोरक्वेटो टैसो की कविता "जेरूसलम लिबरेटेड" पर आधारित चित्रों का चक्र है: "रिनाल्डो और आर्मिडा" (सी। 1634, मॉस्को, पुश्किन स्टेट म्यूज़ियम ऑफ़ फाइन आर्ट्स)। मनुष्य की दुर्बलता और जीवन और मृत्यु की समस्याओं के विचार ने पेंटिंग "द अर्काडियन शेफर्ड्स" (1632-1635, इंग्लैंड, चेसवर्थ, निजी संग्रह) के प्रारंभिक संस्करण का आधार बनाया, जिसमें वह वापस आ गया 50 के दशक (1650, पेरिस, लौवर)। कैनवास पर "स्लीपिंग वीनस" (सी। 1630, ड्रेसडेन, आर्ट गैलरी), प्रेम की देवी को एक सांसारिक महिला द्वारा दर्शाया गया है, जबकि एक अप्राप्य आदर्श शेष है। ओविड की कविताओं पर आधारित पेंटिंग "द किंगडम ऑफ फ्लोरा" (1631, ड्रेसडेन, आर्ट गैलरी), प्राचीन छवियों के सुरम्य अवतार की सुंदरता से विस्मित है। यह फूलों की उत्पत्ति का एक काव्य रूपक है, जिसमें प्राचीन मिथकों के नायकों को फूलों में बदल दिया गया है। पोसिन ने जल्द ही इस पेंटिंग का एक और संस्करण लिखा - "द ट्रायम्फ ऑफ फ्लोरा" (1631, पेरिस, लौवर)।
1632 में पुसिन को सेंट पीटर्सबर्ग अकादमी का सदस्य चुना गया। ल्यूक।
1640 में पॉसिन की अत्यधिक लोकप्रियता ने लुई XIII (1601-1643) का ध्यान उनके काम की ओर आकर्षित किया, जिनके निमंत्रण पर पुसिन पेरिस में काम करने आए थे। कलाकार को फॉनटेनब्लियू और सेंट-जर्मेन में अपने चैपल के लिए चित्रों को चित्रित करने के लिए राजा से एक आदेश मिला।
1642 की शरद ऋतु में पुसिन फिर से रोम के लिए प्रस्थान करता है। इस अवधि के उनके चित्रों के विषय शासकों, बाइबिल या प्राचीन नायकों के गुण और वीरता थे: "द जेनेरोसिटी ऑफ स्किपियो" (1643, मॉस्को, पुश्किन स्टेट म्यूजियम ऑफ फाइन आर्ट्स)। अपने कैनवस में, उन्होंने नागरिकता, देशभक्ति और आध्यात्मिक महानता के पूर्ण सार्वभौमिक आदर्श का प्रदर्शन करते हुए, नागरिक कर्तव्य के प्रति वफादार, निस्वार्थ, उदार नायकों को दिखाया। वास्तविकता के आधार पर आदर्श चित्र बनाकर उन्होंने प्रकृति को सुधारा, उसमें से सुंदर को लिया और कुरूप को त्याग दिया।
1940 के दशक के उत्तरार्ध में, पुसिन ने सेवन सैक्रामेंट चक्र बनाया, जिसमें उन्होंने ईसाई हठधर्मिता के गहरे दार्शनिक महत्व का खुलासा किया: "लैंडस्केप विद द एपोस्टल मैथ्यू", "लैंडस्केप विद द एपोस्टल जॉन ऑन द आईलैंड ऑफ पेटमोस" (शिकागो, कला संस्थान)।
40 के दशक का अंत - 50 के दशक की शुरुआत पुसिन के काम में फलदायी अवधियों में से एक है: उन्होंने "एलियाज़र और रिबका", "लैंडस्केप विद डायोजनीज", "लैंडस्केप विद द हाई रोड", "द जजमेंट" चित्रों को चित्रित किया। ऑफ सोलोमन", "द एक्स्टसी ऑफ सेंट पॉल", "आर्कडियन शेफर्ड", दूसरा सेल्फ-पोर्ट्रेट।
रचनात्मकता की अंतिम अवधि (1650-1665) में, पुसिन ने तेजी से परिदृश्य की ओर रुख किया, उनके चरित्र साहित्यिक, पौराणिक विषयों से जुड़े थे: "लैंडस्केप विद पॉलीफेमस" (मास्को, पुश्किन स्टेट म्यूजियम ऑफ फाइन आर्ट्स)। 1660 की गर्मियों में वह दुनिया और मानव जाति के इतिहास का प्रतीक बाइबिल के दृश्यों के साथ "द फोर सीजन्स" परिदृश्य की एक श्रृंखला बनाता है: "वसंत", "ग्रीष्मकालीन", "शरद ऋतु", "शीतकालीन"। पोसिन के परिदृश्य बहुआयामी हैं, योजनाओं के विकल्प पर प्रकाश और छाया की धारियों द्वारा जोर दिया गया था, अंतरिक्ष और गहराई के भ्रम ने उन्हें महाकाव्य शक्ति और भव्यता दी थी। जैसा कि ऐतिहासिक चित्रों में होता है, मुख्य पात्र आमतौर पर अग्रभूमि में स्थित होते हैं और उन्हें परिदृश्य के अविभाज्य भाग के रूप में माना जाता है। गुरु का अंतिम, अधूरा कैनवास - "अपोलो और डाफ्ने"(1664).
पेंटिंग के इतिहास के लिए पुसिन के काम का महत्व बहुत बड़ा है। उनसे पहले के फ्रांसीसी कलाकार पारंपरिक रूप से पुनर्जागरण इटली की कला से परिचित थे। लेकिन वे इतालवी रीतिवाद, बारोक, कारवागिज़्म के उस्तादों के कार्यों से प्रेरित थे। पॉसिन पहले फ्रांसीसी चित्रकार थे जिन्होंने लियोनार्डो दा विंसिया राफेल की शास्त्रीय शैली की परंपरा को अपनाया था। पुसिन की दृश्य तकनीकों की स्पष्टता, निरंतरता और व्यवस्था, उनकी कला के वैचारिक और नैतिक अभिविन्यास ने बाद में उनके काम को फ्रेंच एकेडमी ऑफ पेंटिंग एंड स्कल्पचर के लिए एक मानक बना दिया, जिसने सौंदर्य मानदंडों, औपचारिक सिद्धांतों और आम तौर पर बाध्यकारी नियमों का विकास किया। कलात्मक सृजनात्मकता।
जॉर्जेस डी लाटौर। सेंट सेबेस्टियन, सेंट द्वारा शोक व्यक्त किया गया। इरीना। 1640-1650s
लातौर की सर्वोच्च उपलब्धियों में "सेंट। सेबेस्टियन, सेंट द्वारा शोक व्यक्त किया। इरीना (बर्लिन)। रात के मृतकों के सन्नाटे में, केवल एक मोमबत्ती की तेज लौ से प्रकाशित, शोकग्रस्त महिलाओं के शोकाकुल आंकड़े सेबस्टियन के साष्टांग शरीर पर तीरों द्वारा छेद किए गए थे। यहां कलाकार न केवल सामान्य भावना को व्यक्त करने में कामयाब रहा, जो सभी प्रतिभागियों को कार्रवाई में एकजुट करता है, बल्कि चार शोकियों में से प्रत्येक में इस भावना के रंगों को भी व्यक्त करता है - सुन्न कठोरता, शोकपूर्ण घबराहट, कड़वा रोना, दुखद निराशा। लेकिन लाटौर पीड़ा दिखाने में बहुत संयमित है - वह कहीं भी अतिशयोक्ति की अनुमति नहीं देता है, और उसकी छवियों का प्रभाव जितना मजबूत होता है, जिसमें आंदोलनों, इशारों, आंकड़ों के सिल्हूट के रूप में इतने चेहरे नहीं होते हैं, जिन्होंने खुद को जबरदस्त भावनात्मक अभिव्यक्ति प्राप्त कर ली है। सेबस्टियन की छवि में नई विशेषताएं कैप्चर की गई हैं। उनकी सुंदर उदात्त नग्नता वीर सिद्धांत का प्रतीक है, जो इस छवि को शास्त्रीयता के उस्तादों की रचनाओं से संबंधित बनाती है।
इस तस्वीर में, लाटौर अपने पहले के कार्यों में निहित कुछ भोली तत्वों से, छवियों के रोजमर्रा के रंग से दूर चले गए। घटनाओं के पूर्व कक्ष कवरेज, केंद्रित अंतरंगता के मूड को यहां अधिक से अधिक स्मारकीयता, दुखद भव्यता की भावना से बदल दिया गया था। यहां तक कि लैटौर की जलती हुई मोमबत्ती की पसंदीदा आकृति को अलग तरह से, अधिक दयनीय रूप से माना जाता है - इसकी विशाल लौ, ऊपर की ओर, एक मशाल की लौ के समान होती है।
17वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध में फ्रांस की यथार्थवादी चित्रकला में एक अत्यंत महत्वपूर्ण स्थान। लुई ले नैन की कला लेता है। लुई ले नैन, अपने भाइयों एंटोनी और मैथ्यू की तरह, मुख्य रूप से किसान शैली के क्षेत्र में काम करते थे। किसानों के जीवन का चित्रण लेनेनोव के कार्यों को एक उज्ज्वल लोकतांत्रिक रंग देता है। उनकी कला को लंबे समय तक भुला दिया गया था, और केवल 19 वीं शताब्दी के मध्य से। उनके कार्यों का अध्ययन और संग्रह शुरू हुआ।
ले नैन बंधु - एंटोनी (1588-1648), लुई (1593-1648) और मैथ्यू (1607-1677) - पिकार्डी के लाना शहर के मूल निवासी थे। वे एक छोटे बुर्जुआ परिवार से आते थे। अपने मूल पिकार्डी में बिताए युवाओं ने उन्हें ग्रामीण जीवन की पहली और सबसे ज्वलंत छाप दी। पेरिस चले जाने के बाद, लेनिन राजधानी के शोर और वैभव से अलग रहे। उनके पास एक आम कार्यशाला थी, जिसका नेतृत्व उनमें से सबसे बड़े - एंटोनी ने किया था। वह अपने छोटे भाइयों के प्रत्यक्ष शिक्षक भी थे। 1648 में, एंटोनी और लुई ले नैन को नव स्थापित रॉयल एकेडमी ऑफ पेंटिंग एंड स्कल्पचर में भर्ती कराया गया था।
एंटोनी ले नैन एक कर्तव्यनिष्ठ लेकिन बहुत प्रतिभाशाली कलाकार नहीं थे। उनके काम में, जिसमें पोर्ट्रेट वर्क का बोलबाला था, अभी भी बहुत कुछ पुरातन है; रचना खंडित और जमी हुई है, विशेषताएँ विविधता में भिन्न नहीं हैं ("फैमिली पोर्ट्रेट", 1642; लौवर)। एंटोनी की कला ने उनके छोटे भाइयों की रचनात्मक खोज की नींव रखी, और उनमें से सबसे बड़े - लुई ले नैन।
लुई ले नैन के शुरुआती काम उनके बड़े भाई के करीब हैं। यह संभव है कि लुई ने मैथ्यू के साथ इटली की यात्रा की हो। उनकी कला के निर्माण पर कारवागिस्ट परंपरा का एक निश्चित प्रभाव था। 1640 से, लुई ले नैन खुद को पूरी तरह से स्वतंत्र और मूल कलाकार के रूप में प्रकट करता है।
जॉर्जेस डी लाटौर ने लोगों के लोगों को धार्मिक विषयों पर काम करने में भी चित्रित किया। लुई ले नैन ने सीधे अपने काम को फ्रांसीसी किसानों के जीवन में बदल दिया। लुई लेनिन का नवाचार लोगों के जीवन की मौलिक रूप से नई व्याख्या में निहित है। यह किसानों में है कि कलाकार व्यक्ति के सर्वोत्तम पक्षों को देखता है। वह अपने नायकों के साथ गहरा सम्मान करता है; किसान जीवन के उनके दृश्य गंभीरता, सरलता और सच्चाई की भावना से भरे हुए हैं, जहां भव्य रूप से शांत, विनम्र, अशिक्षित लोग गरिमा से भरे हुए हैं।
अपने कैनवस में, वह एक राहत की तरह एक समतल पर रचना को प्रकट करता है, कुछ स्थानिक सीमाओं के भीतर आकृतियों को व्यवस्थित करता है। एक स्पष्ट, सामान्यीकृत समोच्च रेखा द्वारा प्रकट, आंकड़े एक सुविचारित रचनात्मक डिजाइन के अधीन हैं। एक उत्कृष्ट रंगकर्मी, लुई ले नैन एक संयमित रंग योजना को सिल्वर टोन के साथ वश में करता है, जिससे रंगीन संक्रमणों और अनुपातों की कोमलता और परिष्कार प्राप्त होता है।
लुई ले नैन की सबसे परिपक्व और उत्तम रचनाएँ 1640 के दशक में बनाई गई थीं।
लुई लेनिन। दादी का दौरा। 1640s
पेंटिंग "किसान भोजन" (लौवर) में एक गरीब किसान परिवार का नाश्ता कम है, लेकिन इन श्रमिकों में वायलिन बजाते हुए संगीत की धुन को ध्यान से सुनते हुए, इन श्रमिकों को किस आत्म-सम्मान से प्रभावित किया जाता है। हमेशा संयमित, कार्रवाई से एक-दूसरे से थोड़ा जुड़ा हुआ, लेनिन के नायकों को माना जाता है, फिर भी, एक टीम के सदस्यों के रूप में मनोदशा की एकता, जीवन की एक आम धारणा से एकजुट होती है। काव्यात्मक भावना, आत्मीयता उनकी पेंटिंग "रात के खाने से पहले की प्रार्थना" (लंदन, नेशनल गैलरी) से प्रभावित है; सख्ती से और सरलता से, भावुकता के किसी भी संकेत के बिना, एक बूढ़ी किसान महिला के अपने पोते-पोतियों से मिलने का दृश्य हर्मिटेज कैनवास "एक दादी का दौरा" में दर्शाया गया है; पूरी तरह से शांत प्रफुल्लता से भरा, शास्त्रीय रूप से स्पष्ट "हॉर्समैन स्टॉप" (लंदन, विक्टोरिया और अल्बर्ट संग्रहालय)।
लुई लेनिन। डेयरी परिवार। 1640s
1640 के दशक में लुई ले नैन ने अपनी सर्वश्रेष्ठ कृतियों में से एक, द मिल्कमिड्स फ़ैमिली (हर्मिटेज म्यूज़ियम) भी बनाया। जल्दी धुंधली सुबह; किसान परिवार बाजार जाता है। एक गर्मजोशी की भावना के साथ, कलाकार इन साधारण लोगों, उनके खुले चेहरों को चित्रित करता है: एक दूधिया जो काम और अभाव से बूढ़ी हो गई है, एक थका हुआ किसान, एक फुर्तीला-सा समझदार छोटा लड़का और एक बीमार, नाजुक, गंभीर लड़की जो उसके वर्षों से परे है। हल्के, हवादार पृष्ठभूमि के खिलाफ प्लास्टिक से तैयार आंकड़े स्पष्ट रूप से खड़े होते हैं। परिदृश्य अद्भुत है: एक विस्तृत घाटी, क्षितिज पर एक दूर का शहर, एक नीला असीम आकाश जो चांदी की धुंध में डूबा हुआ है। महान कौशल के साथ, कलाकार वस्तुओं की भौतिकता, उनकी बनावट की विशेषताओं, तांबे के कैन की सुस्त चमक, पथरीली मिट्टी की कठोरता, किसानों के साधारण घरेलू कपड़ों की खुरदरापन, गधे की झबरा ऊन को व्यक्त करता है। ब्रशस्ट्रोक तकनीक बहुत विविध है: चिकनी, लगभग तामचीनी लेखन मुक्त, तरकश पेंटिंग के साथ संयुक्त है।
लुई लेनिन। फोर्ज। 1640s
लुई लेनिन की सर्वोच्च उपलब्धि को उनका लौवर "फोर्ज" कहा जा सकता है। आमतौर पर लुई ले नैन ने किसानों को भोजन, आराम, मनोरंजन के दौरान चित्रित किया; यहाँ, श्रम का दृश्य उनकी छवि का विषय बन गया। यह उल्लेखनीय है कि यह श्रम में था कि कलाकार ने मनुष्य की वास्तविक सुंदरता को देखा। हमें लुई लेनिन के काम में ऐसी छवियां नहीं मिलेंगी जो उनके "फोर्ज" के नायकों के रूप में ताकत और गर्व से भरी हों - उनके परिवार से घिरे एक साधारण लोहार। रचना में अधिक स्वतंत्रता, गति, तीक्ष्णता है; पहले वाली, विसरित प्रकाश को काइरोस्कोरो के विरोधाभासों से बदल दिया गया था, छवियों की भावनात्मक अभिव्यक्ति को बढ़ाता है; स्मीयर में ही अधिक ऊर्जा होती है। पारंपरिक भूखंडों से परे जाकर, एक नए विषय की ओर मुड़ने से इस मामले में यूरोपीय ललित कला में श्रम की सबसे शुरुआती प्रभावशाली छवियों में से एक के निर्माण में योगदान मिला।
लुई ले नैन की किसान शैली में, एक विशेष बड़प्पन और एक स्पष्ट, जैसे कि जीवन की शुद्ध धारणा, उस समय के तेज सामाजिक विरोधाभास सीधे परिलक्षित नहीं होते हैं। मनोवैज्ञानिक रूप से, उनकी छवियां कभी-कभी बहुत तटस्थ होती हैं: शांत आत्म-नियंत्रण की भावना, जैसा कि वह थी, उनके पात्रों के सभी प्रकार के अनुभवों को अवशोषित करती है। फिर भी, जनता के सबसे क्रूर शोषण के युग में, जिसने फ्रांसीसी किसानों के जीवन को लगभग पशु जीवन के स्तर पर ला दिया, समाज की गहराई में बढ़ रहे एक शक्तिशाली लोकप्रिय विरोध की स्थितियों में, लुई ले की कला फ्रांसीसी लोगों की मानवीय गरिमा, नैतिक शुद्धता और नैतिक शक्ति की पुष्टि करने वाले नैन का अत्यधिक प्रगतिशील महत्व था।
निरपेक्षता को और मजबूत करने की अवधि के दौरान, यथार्थवादी किसान शैली में इसके विकास के लिए अनुकूल संभावनाएं नहीं थीं। इसकी पुष्टि लेनिनों में सबसे युवा - मैथ्यू के रचनात्मक विकास के उदाहरण से होती है। लुई से चौदह वर्ष छोटा होने के कारण, वह, संक्षेप में, पहले से ही दूसरी पीढ़ी का था। अपनी कला में, मैथ्यू ले नैन ने कुलीन समाज के स्वाद की ओर रुख किया। उन्होंने लुई ले नैन ("एक मधुशाला में किसान"; हर्मिटेज संग्रहालय) के अनुयायी के रूप में अपना करियर शुरू किया। भविष्य में, उनके काम का विषय और पूरा चरित्र नाटकीय रूप से बदल जाता है - मैथ्यू "अच्छे समाज" के जीवन से अभिजात वर्ग और सुरुचिपूर्ण शैली के दृश्यों को चित्रित करता है।
बड़ी संख्या में प्रांतीय कलाकार "वास्तविक दुनिया के चित्रकार" दिशा से संबंधित थे, जो जॉर्जेस डे ला टूर और लुई ले नैन जैसे उस्तादों से काफी नीच थे, जो जीवंत और सच्ची रचनाएँ बनाने में कामयाब रहे। ये हैं, उदाहरण के लिए, रॉबर्ट टूर्नियर (1604 - 1670), सख्त और अभिव्यंजक पेंटिंग "डिसेंट फ्रॉम द क्रॉस" (टूलूज़, संग्रहालय), रिचर्ड टैसेल (1580 - 1660) के लेखक, जिन्होंने नन का एक तेज चित्र चित्रित किया कैथरीन डी मोंटोलन (डिजॉन, संग्रहालय), और अन्य।
17वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध में फ्रांसीसी चित्रांकन के क्षेत्र में यथार्थवादी प्रवृत्तियाँ भी विकसित हो रही हैं। फिलिप डी शैम्पेन (1602 - 1674) इस समय के सबसे महान चित्रकार थे। जन्म से फ्लेमिश ने अपना पूरा जीवन फ्रांस में बिताया। दरबार के करीब होने के कारण, शैंपेन को राजा और रिशेल्यू का संरक्षण प्राप्त था।
शैंपेन ने अपने करियर की शुरुआत सजावटी पेंटिंग के एक मास्टर के रूप में की, उन्होंने धार्मिक विषयों को भी चित्रित किया। हालांकि, चित्रांकन के क्षेत्र में शैम्पेन की प्रतिभा सबसे व्यापक रूप से सामने आई। वे अपने समय के एक प्रकार के इतिहासकार थे। वह शाही घराने के सदस्यों, राजनेताओं, वैज्ञानिकों, लेखकों, फ्रांसीसी पादरियों के प्रतिनिधियों के चित्रों का मालिक है।
फिलिप डी शैम्पेन। अर्नो डी "एंडिली का पोर्ट्रेट। 1650
शैम्पेन के कार्यों में, कार्डिनल रिशेल्यू (1636, लौवर) का सबसे प्रसिद्ध चित्र है। कार्डिनल को पूर्ण विकास में दर्शाया गया है; ऐसा लगता है कि यह धीरे-धीरे दर्शकों के सामने से गुजरता है। विस्तृत कैस्केडिंग सिलवटों के साथ कार्डिनल के लबादे में उनकी आकृति ब्रोकेड ड्रैपर की पृष्ठभूमि के खिलाफ एक स्पष्ट और विशिष्ट रूपरेखा में उल्लिखित है। गुलाबी-लाल मेंटल के समृद्ध स्वर और सुनहरी पृष्ठभूमि ने कार्डिनल के पतले, पीले चेहरे, उसके चलते हाथों को अलग कर दिया। अपने सभी वैभव के लिए, चित्र, हालांकि, बाहरी ब्रावुरा से रहित है और सामान के साथ अतिभारित नहीं है। कलात्मक समाधान की सादगी में, आंतरिक शक्ति और स्थिरता की भावना में इसकी वास्तविक स्मारकीयता निहित है। स्वाभाविक रूप से, शैंपेन के चित्र, एक प्रतिनिधि चरित्र से रहित, और भी कठोर और जीवन-समान हैं। मास्टर के सर्वोत्तम कार्यों में लौवर में स्थित अर्नो डी एंडिली (1650) का चित्र शामिल है।
क्लासिकिज्म के कलाकार और "वास्तविक दुनिया के चित्रकार" दोनों ही युग के उन्नत विचारों के करीब थे - एक व्यक्ति की गरिमा का एक उच्च विचार, उसके कार्यों के नैतिक मूल्यांकन की इच्छा और एक स्पष्ट दुनिया की धारणा, सभी यादृच्छिक से साफ। इस वजह से, चित्रकला में दोनों दिशाएं, उनके बीच मतभेदों के बावजूद, एक-दूसरे के निकट संपर्क में थीं।
17 वीं शताब्दी की दूसरी तिमाही से क्लासिकवाद फ्रांसीसी चित्रकला में एक प्रमुख भूमिका प्राप्त करता है। इसके सबसे बड़े प्रतिनिधि निकोलस पॉसिन का काम 17वीं शताब्दी की फ्रांसीसी कला का शिखर है।
पॉसिन का जन्म 1594 में नॉर्मंडी के एंडली शहर के पास एक गरीब सैन्य परिवार में हुआ था। पुसिन के युवा वर्षों और उनके शुरुआती काम के बारे में बहुत कम जानकारी है। शायद उनके पहले शिक्षक भटकने वाले कलाकार कांटेन वारेन थे, जिन्होंने इन वर्षों के दौरान एंडेली का दौरा किया था, जिनसे मिलना युवक के कलात्मक व्यवसाय को निर्धारित करने के लिए निर्णायक महत्व का था। वरेन के बाद, पॉसिन चुपके से अपने पैतृक शहर को छोड़कर पेरिस के लिए रवाना हो जाता है। हालाँकि, यह यात्रा उसके लिए भाग्य नहीं लाती है। केवल एक साल बाद, वह फिर से राजधानी में प्रवेश करता है और वहां कई साल बिताता है। पहले से ही अपनी युवावस्था में, पुसिन ने उद्देश्य की एक महान भावना और ज्ञान के लिए एक अथक प्यास का खुलासा किया। वह गणित, शरीर रचना विज्ञान, प्राचीन साहित्य का अध्ययन करता है, राफेल और गिउलिओ रोमाने के कार्यों की नक्काशी से परिचित होता है।
पेरिस में, पॉसिन फैशनेबल इतालवी कवि कैवेलियर मैरिनो से मिलता है और अपनी कविता एडोनिस को दिखाता है। ये दृष्टांत जो आज तक जीवित हैं, उनके शुरुआती पेरिस काल के पुसिन के एकमात्र विश्वसनीय कार्य हैं। 1624 में कलाकार इटली के लिए रवाना हुए और रोम में बस गए। हालाँकि पॉसिन को लगभग अपना पूरा जीवन इटली में जीने के लिए नियत किया गया था, लेकिन वह अपनी मातृभूमि से बहुत प्यार करते थे और फ्रांसीसी संस्कृति की परंपराओं से निकटता से जुड़े थे। वह करियरवाद के लिए पराया था और आसान सफलता की तलाश में नहीं था। रोम में उनका जीवन निरंतर और व्यवस्थित कार्य के लिए समर्पित था। पुसिन ने प्राचीन मूर्तियों को स्केच और मापा, विज्ञान, साहित्य में अपनी पढ़ाई जारी रखी, अल्बर्टी, लियोनार्डो दा विंची और ड्यूरर के ग्रंथों का अध्ययन किया। उन्होंने लियोनार्डो के ग्रंथ की एक सूची का चित्रण किया; वर्तमान में, यह सबसे मूल्यवान पांडुलिपि हर्मिटेज में है।
1620 के दशक में पॉसिन की रचनात्मक खोजें। बहुत कठिन थे। मास्टर ने अपनी कलात्मक पद्धति बनाने के लिए एक लंबा सफर तय किया। प्राचीन कला और पुनर्जागरण के कलाकार उनके लिए सर्वोच्च उदाहरण थे। समकालीन बोलोग्नीज़ उस्तादों में, उन्होंने उनमें से सबसे सख्त - डोमेनिचिनो की सराहना की। कारवागियो के प्रति नकारात्मक दृष्टिकोण रखने के बावजूद, पुसिन अपनी कला के प्रति उदासीन नहीं रहे।
1620 के दशक के दौरान पुसिन, पहले से ही क्लासिकवाद के रास्ते पर चल रहे थे, अक्सर तेजी से इससे आगे निकल गए। उनकी पेंटिंग्स जैसे द नरसंहार ऑफ द इनोसेंट्स (चेंटिली), द शहीद ऑफ सेंट। इरास्मस ”(1628, वेटिकन पिनाकोथेक), कारवागिज़्म और बारोक के निकटता की विशेषताओं द्वारा चिह्नित, एक प्रसिद्ध कम छवियां, स्थिति की एक अतिरंजित नाटकीय व्याख्या। द हर्मिटेज डिसेंट फ्रॉम द क्रॉस (सी। 1630) पॉसिन के लिए हृदयविदारक दुःख की भावना को व्यक्त करने में अपनी ऊँची अभिव्यक्ति में असामान्य है। यहां की स्थिति का नाटक परिदृश्य की भावनात्मक व्याख्या द्वारा बढ़ाया गया है: कार्रवाई एक लाल, अशुभ भोर के प्रतिबिंबों के साथ एक तूफानी आकाश के खिलाफ सामने आती है। एक अलग दृष्टिकोण क्लासिकवाद की भावना में बने उनके कार्यों की विशेषता है।
कारण का पंथ क्लासिकवाद के मुख्य गुणों में से एक है, और इसलिए 17 वीं शताब्दी के महान स्वामी में से कोई भी नहीं है। तर्कसंगत सिद्धांत इतनी आवश्यक भूमिका नहीं निभाता है जितना कि पॉसिन में। गुरु ने स्वयं कहा था कि कला के काम की धारणा के लिए एकाग्र विचार-विमर्श और विचार की कड़ी मेहनत की आवश्यकता होती है। तर्कवाद न केवल पॉसिन के नैतिक और कलात्मक आदर्श के उद्देश्यपूर्ण पालन में, बल्कि उनके द्वारा बनाई गई दृश्य प्रणाली में भी परिलक्षित होता है। उन्होंने तथाकथित तौर-तरीकों का एक सिद्धांत बनाया, जिसका उन्होंने अपने काम में पालन करने की कोशिश की। तौर-तरीकों से, पॉसिन का अर्थ एक प्रकार की आलंकारिक कुंजी था, आलंकारिक-भावनात्मक विशेषताओं के उपकरणों का योग और रचना-सचित्र समाधान जो किसी विशेष विषय की अभिव्यक्ति के अनुरूप थे। इन विधाओं में पॉसिन ने संगीत प्रणाली के विभिन्न तरीकों के ग्रीक नामों से आने वाले नाम दिए। इसलिए, उदाहरण के लिए, एक नैतिक करतब का विषय कलाकार द्वारा सख्त गंभीर रूपों में सन्निहित है, जो "डोरियन मोड" की अवधारणा में पॉसिन द्वारा एकजुट है, एक नाटकीय प्रकृति के विषय - "फ्रिजियन मोड" के संगत रूपों में, हर्षित और सुखद जीवन के विषय - "आयनियन" और "लिडियन" फ्रेट्स के रूप में। पुसिन के कार्यों का मजबूत पक्ष स्पष्ट रूप से व्यक्त विचार, स्पष्ट तर्क और इन कलात्मक तकनीकों के परिणामस्वरूप प्राप्त विचार की उच्च स्तर की पूर्णता है। लेकिन साथ ही, कुछ स्थिर मानदंडों के लिए कला की अधीनता, इसमें तर्कसंगत तत्वों का परिचय भी एक बड़ा खतरा था, क्योंकि इससे जीवित रचनात्मक प्रक्रिया की गतिहीन हठधर्मिता की प्रबलता हो सकती है। यह वही है जो सभी शिक्षाविद केवल पुसिन के बाहरी तरीकों का पालन करते हुए आए थे। इसके बाद, यह खतरा खुद पुसिन के सामने खड़ा हो गया।
पुसिन। जर्मेनिकस की मृत्यु। 1626-1627
क्लासिकिज्म के वैचारिक और कलात्मक कार्यक्रम के विशिष्ट उदाहरणों में से एक है पॉसिन की रचना द डेथ ऑफ जर्मेनिकस (1626/27; मिनियापोलिस, कला संस्थान)। यहाँ, नायक की पसंद सांकेतिक है - एक साहसी और महान कमांडर, रोमनों की सर्वोत्तम आशाओं का गढ़, जिसे संदिग्ध और ईर्ष्यालु सम्राट टिबेरियस के आदेश से जहर दिया गया था। पेंटिंग में जर्मनिकस को उसकी मृत्युशय्या पर दर्शाया गया है, जो उसके परिवार और उसके प्रति समर्पित योद्धाओं से घिरा हुआ है, जो उत्साह और दु: ख की एक सामान्य भावना से अभिभूत है।
पोसिन के काम के लिए बहुत फलदायी था 1620 के दशक के उत्तरार्ध में टिटियन की कला के लिए जुनून। टिटियन परंपरा की अपील ने पुसिन की प्रतिभा के सबसे महत्वपूर्ण पहलुओं के प्रकटीकरण में योगदान दिया। पोसिन की चित्रात्मक प्रतिभा के विकास में टिटियन के रंगवाद की भूमिका भी महान थी।
पुसिन। फ्लोरा का साम्राज्य। टुकड़ा। ठीक है। 1635
उनकी मॉस्को पेंटिंग "रिनाल्डो एंड आर्मिडा" (1625-1627) में, जिसका कथानक टैसो की कविता "जेरूसलम लिबरेटेड" से लिया गया है, मध्ययुगीन शिष्टता की कथा के एपिसोड की व्याख्या प्राचीन पौराणिक कथाओं के रूप में की जाती है। जादूगरनी आर्मिडा, सोते हुए योद्धा नाइट रिनाल्डो को पाकर, उसे अपने जादुई बगीचों में ले जाती है, और आर्मिडा के घोड़े, उसके रथ को बादलों के माध्यम से खींचते हैं और सुंदर लड़कियों द्वारा बमुश्किल संयमित होते हैं, सूर्य देवता हेलिओस के घोड़ों की तरह दिखते हैं (यह आकृति बाद में अक्सर पुसिन के चित्रों में पाया जाता है)। किसी व्यक्ति की नैतिक ऊंचाई प्रकृति के उचित नियमों के लिए उसकी भावनाओं और कार्यों के पत्राचार द्वारा पोसिन के लिए निर्धारित की जाती है। इसलिए पॉसिन का आदर्श प्रकृति के साथ एक सुखी जीवन व्यतीत करने वाला व्यक्ति है। कलाकार ने 1620-1630 के दशक के ऐसे कैनवस को इस विषय के लिए समर्पित किया, जैसे "अपोलो और डाफ्ने" (म्यूनिख, पिनाकोथेक), लौवर और लंदन नेशनल गैलरी में "बच्चनलिया", "द किंगडम ऑफ फ्लोरा" (ड्रेस्डेन, गैलरी) . वह प्राचीन मिथकों की दुनिया को पुनर्जीवित करता है, जहां सुंदर और हर्षित प्रकृति के साथ एकता में स्वार्थी व्यंग्य, पतली अप्सराएं और हंसमुख कामदेव को चित्रित किया गया है। बाद में पुसिन के काम में इस तरह के शांत दृश्य नहीं थे, ऐसी प्यारी महिला छवियां दिखाई देती हैं।
पेंटिंग्स का निर्माण, जहां रचना की समग्र लय में प्लास्टिक रूप से मूर्त आंकड़े शामिल हैं, में स्पष्टता और पूर्णता है। पॉसिन के अनुसार, "बॉडी लैंग्वेज" के अनुसार, आंकड़ों का हमेशा स्पष्ट रूप से पाया जाने वाला आंदोलन विशेष रूप से अभिव्यंजक है। रंग योजना, अक्सर संतृप्त और समृद्ध, रंगीन धब्बों के सुविचारित लयबद्ध अनुपात का भी पालन करती है।
1620 के दशक में पोसिन - ड्रेसडेन "स्लीपिंग वीनस" की सबसे मनोरम छवियों में से एक बनाई। इस पेंटिंग का मूल भाव - एक सुंदर परिदृश्य से घिरे सपने में डूबी हुई देवी की छवि - विनीशियन पुनर्जागरण के नमूनों पर वापस जाती है। हालांकि, इस मामले में, कलाकार ने पुनर्जागरण के उस्तादों से छवियों की आदर्शता नहीं ली, बल्कि उनके अन्य आवश्यक गुण - एक विशाल जीवन शक्ति। पोसिन की पेंटिंग में, देवी का बहुत ही प्रकार, एक युवा लड़की, जिसका चेहरा नींद से गुलाबी हो गया, एक पतली, सुंदर आकृति के साथ, ऐसी स्वाभाविकता और भावना की कुछ विशेष अंतरंगता से भरी हुई है कि यह छवि सीधे जीवन से छीन ली गई लगती है . सोई हुई देवी की शांत शांति के विपरीत, एक गर्म दिन की गड़गड़ाहट का तनाव और भी अधिक तीव्रता से महसूस होता है। ड्रेसडेन कैनवास में, कहीं और की तुलना में अधिक स्पष्ट रूप से, पुसिन और टिटियन के रंगवाद के बीच संबंध स्पष्ट है। चित्र के सामान्य भूरे, संतृप्त गहरे सोने के स्वर की तुलना में, देवी के नग्न शरीर के रंग विशेष रूप से सुंदर हैं।
पुसिन। टेंक्रेड और एर्मिनिया। 1630 के दशक
हर्मिटेज पेंटिंग टेंक्रेड और एर्मिनिया (1630 का दशक) क्रूसेडर नाइट टेंक्रेड के लिए अमेजोनियन एर्मिनिया के प्यार के नाटकीय विषय को समर्पित है। इसका कथानक भी टैसो की कविता से लिया गया है। एक रेगिस्तानी इलाके में, पथरीली जमीन पर, एक द्वंद्वयुद्ध में घायल हुए टेंक्रेड को फैलाया जाता है। देखभाल की कोमलता के साथ, वह अपने वफादार दोस्त वाफरीन द्वारा समर्थित है। एर्मिनिया, अपने घोड़े से उतरकर, अपने प्रिय के पास जाती है और एक चमचमाती तलवार के तेज झूले के साथ उसके घावों को पट्टी करने के लिए उसके गोरे बालों का एक ताला काट देती है। उसका चेहरा, उसकी टकटकी टेंक्रेड पर टिकी हुई थी, उसके पतले फिगर की तेज हरकतें एक महान आंतरिक भावना से प्रेरित हैं। नायिका की छवि के भावनात्मक उत्साह पर उसके कपड़ों की रंग योजना पर जोर दिया जाता है, जहां स्टील-ग्रे और गहरे नीले रंग के स्वरों के विपरीत अधिक ताकत के साथ ध्वनि करते हैं, और चित्र की सामान्य नाटकीय मनोदशा से भरे परिदृश्य में इसकी प्रतिध्वनि मिलती है शाम की भोर की ज्वलनशील चमक। टेंक्रेड का कवच और एर्मिनिया की तलवार उनके प्रतिबिंबों में रंगों की इस समृद्धि को दर्शाती है।
भविष्य में, पॉसिन के काम में भावनात्मक क्षण मन के आयोजन सिद्धांत से अधिक जुड़ा हुआ है। 1630 के दशक के मध्य के कार्यों में। कलाकार कारण और भावना के बीच एक सामंजस्यपूर्ण संतुलन प्राप्त करता है। नैतिक महानता और आध्यात्मिक शक्ति के अवतार के रूप में एक वीर, सिद्ध व्यक्ति की छवि प्रमुख महत्व प्राप्त करती है।
पुसिन। आर्केडियन चरवाहे। 1632 और 1635 के बीच
पुसिन के काम में विषय के गहन दार्शनिक प्रकटीकरण का एक उदाहरण "द आर्कडियन शेफर्ड्स" (1632 और 1635 के बीच, चेसवर्थ, ड्यूक ऑफ डेवोनशायर का संग्रह, चित्र देखें और 1650, लौवर) के दो संस्करणों द्वारा प्रदान किया गया है। . शांत सुख का देश, अर्काडिया का मिथक अक्सर कला में सन्निहित था। लेकिन इस रमणीय कथानक में पुसिन ने जीवन की क्षणभंगुरता और मृत्यु की अनिवार्यता का गहरा विचार व्यक्त किया। उन्होंने उन चरवाहों की कल्पना की, जिन्होंने अचानक "और मैं अर्काडिया में था ..." शिलालेख के साथ एक मकबरा देखा। जिस क्षण कोई व्यक्ति बादल रहित खुशी की भावना से भर जाता है, वह मृत्यु की आवाज सुनता है - जीवन की नाजुकता की याद दिलाता है, अपरिहार्य अंत की। पहले, अधिक भावनात्मक और नाटकीय लंदन संस्करण में, चरवाहों का भ्रम अधिक स्पष्ट है, जैसे कि अचानक मौत का सामना करना पड़ा जिसने उनकी उज्ज्वल दुनिया पर आक्रमण किया। दूसरे में, बहुत बाद में लौवर संस्करण, नायकों के चेहरे भी बादल नहीं हैं, वे शांत रहते हैं, मृत्यु को एक प्राकृतिक पैटर्न मानते हैं। यह विचार एक सुंदर युवती की छवि में विशेष गहराई से सन्निहित है, जिसकी उपस्थिति कलाकार ने रूढ़ ज्ञान की विशेषताओं को दी।
पुसिन। कवि की प्रेरणा। 1635 और 1638 के बीच
लौवर पेंटिंग "एक कवि की प्रेरणा" इस बात का एक उदाहरण है कि कैसे गहरी, शक्तिशाली छवियों में पुसिन द्वारा एक अमूर्त विचार सन्निहित है। संक्षेप में, इस काम का कथानक रूपक की सीमा पर लगता है: हम एक युवा कवि को अपोलो और संग्रहालय की उपस्थिति में एक पुष्पांजलि के साथ देखते हैं, लेकिन इस तस्वीर में सबसे कम रूपक सूखापन और दूर की कौड़ी है। चित्र का विचार - कला में सौंदर्य का जन्म, उसकी विजय - को एक सार के रूप में नहीं, बल्कि एक ठोस, आलंकारिक विचार के रूप में माना जाता है। 17 वीं शताब्दी में आम के विपरीत। अलंकारिक रचनाएँ, जिनमें से चित्र बाहरी रूप से अलंकारिक रूप से एकजुट होते हैं, लौवर पेंटिंग को भावनाओं की एक सामान्य प्रणाली, रचनात्मकता की उदात्त सुंदरता के विचार द्वारा छवियों के आंतरिक एकीकरण की विशेषता है। पुसिन की पेंटिंग में सुंदर म्यूज की छवि शास्त्रीय ग्रीस की कला में सबसे काव्यात्मक महिला छवियों को ध्यान में रखती है।
पेंटिंग की संरचना संरचना अपने तरीके से क्लासिकवाद के लिए अनुकरणीय है। यह अपनी महान सादगी से प्रतिष्ठित है: अपोलो की आकृति को केंद्र में रखा गया है, संग्रहालय और कवि के आंकड़े इसके दोनों किनारों पर सममित रूप से स्थित हैं। लेकिन इस फैसले में जरा भी सूखापन और बनावटीपन नहीं है; थोड़ा सूक्ष्म रूप से पाया गया विस्थापन, मोड़, आकृतियों की गति, एक पेड़ को एक तरफ धकेल दिया, एक उड़ता हुआ कामदेव - ये सभी तकनीकें, स्पष्टता और संतुलन की संरचना से वंचित किए बिना, जीवन की उस भावना को लाती हैं जो इस काम को पारंपरिक रूप से योजनाबद्ध कृतियों से अलग करती है। शिक्षाविद जिन्होंने पुसिन की नकल की।
पुसिन के चित्रों की कलात्मक और रचनात्मक अवधारणा के निर्माण की प्रक्रिया में, उनके अद्भुत चित्रों का बहुत महत्व था। प्रकाश और छाया के धब्बों के संयोजन के आधार पर असाधारण चौड़ाई और साहस के साथ बनाए गए ये सेपिया रेखाचित्र, काम के विचार को एक संपूर्ण चित्रमय पूरे में बदलने में प्रारंभिक भूमिका निभाते हैं। जीवंत और गतिशील, वे एक रचनात्मक लय और वैचारिक अवधारणा के अनुरूप भावनात्मक कुंजी की खोज में कलाकार की रचनात्मक कल्पना की सभी समृद्धि को प्रतिबिंबित करते हैं।
बाद के वर्षों में, 1630 के सर्वश्रेष्ठ कार्यों की सामंजस्यपूर्ण एकता। धीरे-धीरे खो जाता है। पॉसिन की पेंटिंग में अमूर्तता और तर्कसंगतता की विशेषताएं बढ़ रही हैं। उनकी फ्रांस यात्रा के दौरान रचनात्मकता का पक संकट तेज हो गया।
फ्रांस के दरबार में पोसिन की महिमा पहुँचती है। फ्रांस लौटने का निमंत्रण प्राप्त करने के बाद, पॉसिन ने हर संभव तरीके से यात्रा में देरी की। राजा लुई XIII का केवल एक ठंडा अनिवार्य व्यक्तिगत पत्र ही उसे प्रस्तुत करता है। 1640 की शरद ऋतु में, पुसिन पेरिस के लिए रवाना हुए। फ्रांस की यात्रा कलाकार को बहुत कड़वी निराशा लाती है। उनकी कला को सजावटी बारोक प्रवृत्ति के प्रतिनिधियों से भयंकर प्रतिरोध का सामना करना पड़ा, जिसका नेतृत्व साइमन वौएट ने किया, जिन्होंने अदालत में काम किया। "इन जानवरों" की गंदी साज़िशों और निंदाओं का एक नेटवर्क (जैसा कि कलाकार ने उन्हें अपने पत्रों में कहा है) त्रुटिहीन प्रतिष्ठा वाले व्यक्ति पुसिन को उलझाता है। कोर्ट लाइफ का सारा माहौल उसे कर्कश घृणा से प्रेरित करता है। उनके अनुसार, कलाकार को अपने स्टूडियो की खामोशी में वास्तविक कला में फिर से शामिल होने के लिए अपनी गर्दन पर लगाए गए फंदे से बाहर निकलने की जरूरत है, क्योंकि "अगर मैं इस देश में रहता हूं," वे लिखते हैं, "मैं यहां अन्य लोगों की तरह एक गड़बड़ में बदलना होगा।" शाही दरबार एक महान कलाकार को आकर्षित करने में विफल रहता है। 1642 की शरद ऋतु में, अपनी पत्नी की बीमारी के बहाने, पुसिन इस बार अच्छे के लिए इटली वापस चला गया।
1640 के दशक में पुसिन का काम गहरे संकट से चिह्नित। इस संकट को कलाकार की जीवनी के संकेतित तथ्यों से इतना नहीं समझाया गया है, जितना कि सबसे पहले, क्लासिकवाद की आंतरिक असंगति से। उस समय की जीवंत वास्तविकता तर्कसंगतता और नागरिक सद्गुण के आदर्शों के अनुरूप नहीं थी। क्लासिकिज्म के सकारात्मक नैतिक कार्यक्रम ने जमीन खोनी शुरू कर दी।
पेरिस में काम करते हुए, पोसिन अदालत के चित्रकार के रूप में उन्हें सौंपे गए कार्यों को पूरी तरह से नहीं छोड़ सकते थे। पेरिस की अवधि के काम ठंडे, आधिकारिक चरित्र के हैं, वे बाहरी प्रभाव को प्राप्त करने के उद्देश्य से बारोक कला की विशेषताओं को स्पष्ट रूप से व्यक्त करते हैं ("समय ईर्ष्या और कलह से सच्चाई बचाता है", 1642, लिली, संग्रहालय; "सेंट का चमत्कार" फ्रांसिस जेवियर", 1642, लौवर)। यह इस तरह का काम था जिसे बाद में चार्ल्स ले ब्रून की अध्यक्षता में अकादमिक शिविर के कलाकारों द्वारा एक मॉडल के रूप में माना गया।
लेकिन उन कार्यों में भी जिनमें गुरु ने शास्त्रीय कलात्मक सिद्धांत का सख्ती से पालन किया, वह अब छवियों की पूर्व गहराई और जीवन शक्ति तक नहीं पहुंचे। तर्कवाद, आदर्शवादिता, भावना पर एक अमूर्त विचार की प्रधानता, और इस प्रणाली की आदर्शता विशेषता के लिए प्रयास करने से उसमें एकतरफा अतिशयोक्तिपूर्ण अभिव्यक्ति प्राप्त होती है। एक उदाहरण ललित कला संग्रहालय "स्किपियो की उदारता" है। ए एस पुश्किन (1643)। रोमन कमांडर स्किपियो अफ्रीकनस को चित्रित करते हुए, जिसने बंदी कार्थागिनियन राजकुमारी के अपने अधिकारों को त्याग दिया और उसे अपने मंगेतर को लौटा दिया, कलाकार बुद्धिमान कमांडर के गुण का महिमामंडन करता है। लेकिन इस मामले में, नैतिक कर्तव्य की विजय के विषय को एक ठंडा, अलंकारिक अवतार मिला है, छवियों ने अपनी जीवन शक्ति और आध्यात्मिकता खो दी है, इशारे सशर्त हैं, विचार की गहराई को दूर की कौड़ी से बदल दिया गया है। आंकड़े जमे हुए प्रतीत होते हैं, रंग मोटिवेट होता है, ठंडे स्थानीय रंगों की प्रबलता के साथ, पेंटिंग शैली एक अप्रिय स्लीकनेस द्वारा प्रतिष्ठित होती है। इसी तरह की विशेषताओं को 1644-1648 में बनाए गए लोगों की विशेषता है। सात संस्कारों के दूसरे चक्र से पेंटिंग।
क्लासिकिस्ट पद्धति के संकट ने मुख्य रूप से पुसिन की कथानक रचनाओं को प्रभावित किया। पहले से ही 1640 के दशक के अंत से। कलाकार की सर्वोच्च उपलब्धियाँ अन्य शैलियों में प्रकट होती हैं - चित्र और परिदृश्य में।
1650 तक, उनके प्रसिद्ध लौवर स्व-चित्र, पुसिन के सबसे महत्वपूर्ण कार्यों में से एक है। पुसिन के लिए एक कलाकार, सबसे पहले, एक विचारक है। एक ऐसे युग में जब चित्र में बाहरी प्रतिनिधित्व की विशेषताओं पर जोर दिया गया था, जब छवि का महत्व सामाजिक दूरी द्वारा मॉडल को मात्र नश्वर से अलग करके निर्धारित किया गया था, पॉसिन एक व्यक्ति के मूल्य को उसकी बुद्धि की ताकत में, रचनात्मक रूप से देखता है शक्ति। और सेल्फ-पोर्ट्रेट में, कलाकार रचनात्मक निर्माण की सख्त स्पष्टता और रैखिक और वॉल्यूमेट्रिक समाधानों की स्पष्टता को बरकरार रखता है। वैचारिक सामग्री की गहराई और पॉसिन के "सेल्फ-पोर्ट्रेट" की उल्लेखनीय पूर्णता फ्रांसीसी चित्रकारों के कार्यों से काफी अधिक है और 17 वीं शताब्दी की यूरोपीय कला के सर्वश्रेष्ठ चित्रों से संबंधित है।
परिदृश्य के साथ पुसिन का आकर्षण परिवर्तन के साथ जुड़ा हुआ है। उसका विश्वदृष्टि। निस्संदेह, पुसिन ने एक व्यक्ति के उस अभिन्न विचार को खो दिया, जो 1620-1630 के उनके कार्यों की विशेषता थी। 1640 के दशक की कथानक रचनाओं में इस विचार को मूर्त रूप देने का प्रयास। विफलता का कारण बना। 1640 के दशक के उत्तरार्ध से पुसिन की आलंकारिक प्रणाली। विभिन्न सिद्धांतों पर निर्मित। इस समय के कार्यों में कलाकार का ध्यान प्रकृति की छवि है। पॉसिन के लिए, प्रकृति अस्तित्व के उच्चतम सामंजस्य की पहचान है। मनुष्य ने इसमें अपना प्रमुख स्थान खो दिया है। उन्हें केवल प्रकृति की कई कृतियों में से एक माना जाता है, जिसके नियमों का पालन करने के लिए उन्हें मजबूर किया जाता है।
रोम के आसपास घूमते हुए, कलाकार ने अपनी सामान्य जिज्ञासा के साथ रोमन कैम्पगना के परिदृश्य का अध्ययन किया। उनके तत्काल प्रभाव प्रकृति से अद्भुत परिदृश्य चित्रों में व्यक्त किए गए हैं, जो धारणा और सूक्ष्म गीतवाद की असाधारण ताजगी से प्रतिष्ठित हैं।
पुसिन के सुरम्य परिदृश्य में तत्कालता की भावना नहीं है जो उनके चित्रों में निहित है। उनके चित्रों में, आदर्श, सामान्यीकरण सिद्धांत अधिक दृढ़ता से व्यक्त किया गया है, और प्रकृति उनमें पूर्ण सौंदर्य और भव्यता के वाहक के रूप में प्रकट होती है। महान वैचारिक और भावनात्मक सामग्री के साथ संतृप्त, पॉसिन के परिदृश्य 17 वीं शताब्दी की पेंटिंग की सर्वोच्च उपलब्धियों से संबंधित हैं। तथाकथित वीर परिदृश्य।
पुसिन के परिदृश्य दुनिया की भव्यता और भव्यता की भावना से ओतप्रोत हैं। चट्टानों के विशाल ढेर, हरे-भरे पेड़ों के झुरमुट, क्रिस्टल स्पष्ट झीलें, पत्थरों और छायादार झाड़ियों के बीच बहने वाले ठंडे झरने स्थानिक योजनाओं के प्रत्यावर्तन के आधार पर एक स्पष्ट रूप से स्पष्ट, अभिन्न संरचना में संयुक्त होते हैं, जिनमें से प्रत्येक विमान के समानांतर स्थित होता है। कैनवास। लयबद्ध गति का अनुसरण करते हुए दर्शकों की निगाह अंतरिक्ष को उसकी भव्यता में समेट लेती है। रंगों की सीमा बहुत संयमित है, अक्सर यह आकाश और पानी के ठंडे नीले और नीले रंग के स्वर और मिट्टी और चट्टानों के गर्म भूरे-भूरे रंग के टन के संयोजन पर आधारित होती है।
प्रत्येक परिदृश्य में, कलाकार एक अनूठी छवि बनाता है। पॉलीफेमस के साथ लैंडस्केप (1649; हर्मिटेज) को प्रकृति के लिए एक व्यापक और गंभीर भजन के रूप में माना जाता है; उसकी शक्तिशाली भव्यता मास्को "हरक्यूलिस के साथ लैंडस्केप" (1649) में जीतती है। पटमोस (शिकागो, कला संस्थान) के द्वीप पर जॉन द इंजीलवादी को चित्रित करते हुए, पुसिन ने इस भूखंड की पारंपरिक व्याख्या से इनकार किया। वह दुर्लभ सुंदरता और मनोदशा की ताकत का एक परिदृश्य बनाता है - सुंदर नर्क का एक जीवित व्यक्तित्व। पुसिन की व्याख्या में जॉन की छवि एक ईसाई धर्मोपदेशक नहीं, बल्कि एक प्राचीन विचारक से मिलती जुलती है।
बाद के वर्षों में, पॉसिन भी परिदृश्य रूपों में विषयगत चित्रों का प्रतीक है। ऐसी है उनकी पेंटिंग "फोसियन्स फ्यूनरल" (1648 के बाद; लौवर)। प्राचीन नायक फोसियन को उसके कृतघ्न साथी नागरिकों के फैसले से मार डाला गया था। यहां तक कि उन्हें घर में दफनाने से भी मना कर दिया गया था। कलाकार ने उस क्षण की कल्पना की जब फोसियन के अवशेषों को दासों द्वारा एक स्ट्रेचर पर एथेंस से बाहर ले जाया गया था। नीले आकाश और हरे पेड़ों की पृष्ठभूमि के खिलाफ मंदिर, मीनारें, शहर की दीवारें खड़ी हैं। ज़िंदगी चलती रहती है; एक चरवाहा अपने झुंड को ले जाता है, सड़क पर बैल एक वैगन खींचते हैं और एक सवार दौड़ता है। विशेष मार्मिकता के साथ सुंदर परिदृश्य इस काम के दुखद विचार को महसूस करता है - मनुष्य के अकेलेपन का विषय, उसकी शक्तिहीनता और शाश्वत प्रकृति के सामने कमजोरी। एक नायक की मृत्यु भी उसकी उदासीन सुंदरता पर छाया नहीं कर सकती। यदि पिछले परिदृश्यों ने प्रकृति और मनुष्य की एकता का दावा किया है, तो "फ़ोकियन के अंतिम संस्कार" में नायक और उसके आसपास की दुनिया का विरोध करने का विचार प्रकट होता है, जो इस युग की विशेषता मनुष्य और वास्तविकता के बीच संघर्ष को व्यक्त करता है।
अपनी दुखद असंगति में दुनिया की धारणा पॉसिन के प्रसिद्ध परिदृश्य चक्र "द फोर सीजन्स" में परिलक्षित हुई, जिसे उनके जीवन के अंतिम वर्षों (1660 -1664; लौवर) में निष्पादित किया गया था। कलाकार इन कार्यों में जीवन और मृत्यु, प्रकृति और मानवता की समस्या को प्रस्तुत करता है और हल करता है। प्रत्येक परिदृश्य का एक निश्चित प्रतीकात्मक अर्थ होता है; उदाहरण के लिए, "वसंत" (इस परिदृश्य में आदम और हव्वा को स्वर्ग में दर्शाया गया है) दुनिया का फूल है, मानव जाति का बचपन, "शीतकालीन" बाढ़, जीवन की मृत्यु को दर्शाता है। पोसिन का स्वभाव और दुखद "विंटर" में भव्यता और ताकत से भरा है। कठोर अनिवार्यता के साथ जमीन की ओर दौड़ता हुआ पानी, सभी जीवन को अवशोषित कर लेता है। कहीं कोई पलायन नहीं है। रात के अँधेरे में बिजली की एक चमक कटती है, और निराशा में घिरी दुनिया ऐसी प्रतीत होती है जैसे गतिहीनता में डूबी हो। द्रुतशीतन स्तब्धता की भावना में, जो चित्र में व्याप्त है, पुसिन निर्मम मृत्यु के निकट आने के विचार का प्रतीक है।
दुखद "विंटर" कलाकार का आखिरी काम था। 1665 की शरद ऋतु में पौसिन - मर जाता है।
अपने समय और बाद के युगों के लिए पुसिन की कला का महत्व बहुत बड़ा है। इसके सच्चे उत्तराधिकारी 17वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के फ्रांसीसी शिक्षाविद नहीं थे, बल्कि 18वीं शताब्दी के क्रांतिकारी क्लासिकवाद के प्रतिनिधि थे, जो इस कला के रूपों में अपने समय के महान विचारों को व्यक्त करने में कामयाब रहे।
यदि विभिन्न शैलियों - ऐतिहासिक और पौराणिक पेंटिंग, चित्र और परिदृश्य - ने पुसिन के काम में अपना गहरा कार्यान्वयन पाया, तो फ्रांसीसी क्लासिकवाद के अन्य स्वामी मुख्य रूप से किसी एक शैली में काम करते थे। एक उदाहरण के रूप में, कोई क्लाउड लोरेन (1600-1682) का नाम ले सकता है, जो पुसिन के साथ क्लासिकिस्ट परिदृश्य का सबसे बड़ा प्रतिनिधि है।
क्लाउड गेलेट का जन्म लोरेन (फ्रेंच लोरेन) में हुआ था, इसलिए उनका उपनाम लोरेन था। वह एक किसान परिवार से आते थे। अनाथ जल्दी, लोरेन एक लड़के के रूप में इटली गए, जहां उन्होंने चित्रकला का अध्ययन किया। लोरेन का लगभग पूरा जीवन, नेपल्स में दो साल के प्रवास और लोरेन की एक छोटी यात्रा को छोड़कर, रोम में बिताया गया था।
लोरेन क्लासिक लैंडस्केप के निर्माता थे। इस तरह के अलग-अलग काम 16 वीं शताब्दी के अंत और 17 वीं शताब्दी की शुरुआत में इतालवी स्वामी की कला में दिखाई दिए - एनीबेल कार्रेसी और डोमेनिचिनो। रोम में काम करने वाले जर्मन चित्रकार एल्शाइमर ने लैंडस्केप पेंटिंग में एक बड़ा योगदान दिया। लेकिन केवल लोरेन के साथ परिदृश्य एक पूर्ण प्रणाली में विकसित हुआ और एक स्वतंत्र शैली में बदल गया। लोरेन वास्तविक इतालवी प्रकृति के रूपांकनों से प्रेरित थे, लेकिन इन रूपांकनों को उनके द्वारा एक आदर्श छवि में बदल दिया गया जो क्लासिकवाद के मानदंडों से मेल खाती है। पॉसिन के विपरीत, जिसमें प्रकृति को एक वीरतापूर्ण तरीके से माना जाता था, लोरेन मुख्य रूप से एक गीतकार हैं। उनके पास अधिक प्रत्यक्ष रूप से व्यक्त जीवित भावना है, व्यक्तिगत अनुभव की एक छाया है। वह समुद्र के असीम विस्तार को चित्रित करना पसंद करता है (लोरेन अक्सर समुद्री बंदरगाहों को चित्रित करता है), विस्तृत क्षितिज, सूर्योदय या सूर्यास्त के समय प्रकाश का खेल, पूर्व-सुबह कोहरा, घने गोधूलि। लोरेन के प्रारंभिक भूदृश्यों में वास्तुशिल्पीय रूपांकनों, भूरे रंग के स्वर, प्रकाश के मजबूत विरोधाभासों के साथ कुछ भीड़-भाड़ की विशेषता है - उदाहरण के लिए, कैम्पो वैक्सीनो (1635; लौवर) में, एक प्राचीन रोमन मंच की साइट पर एक घास के मैदान का चित्रण, जहां लोग घूमते हैं। प्राचीन खंडहर।
क्लाउड लोरेन। एसिस और गैलाटिया के साथ सीस्केप। 1657
लोरेन ने 1650 के दशक में अपने रचनात्मक सुनहरे दिनों में प्रवेश किया। उस समय से, उनकी सर्वश्रेष्ठ रचनाएँ सामने आई हैं। उदाहरण के लिए, द एबडक्शन ऑफ यूरोप (सी। 1655; पुश्किन म्यूजियम ऑफ फाइन आर्ट्स) है। परिपक्व लोरेन की रचनाएँ - कुछ अपवादों के साथ - किसी विशेष परिदृश्य आकृति का चित्रण नहीं करती हैं। वे बनाते हैं, जैसा कि यह था, प्रकृति की एक सामान्यीकृत छवि। मॉस्को की तस्वीर एक खूबसूरत नीला खाड़ी दिखाती है, जिसका तट शांत रूपरेखा की पहाड़ियों और पेड़ों के पारदर्शी गुच्छों से घिरा है। परिदृश्य तेज धूप से भर गया है, केवल समुद्र पर खाड़ी के केंद्र में बादल से थोड़ी छाया है। सब कुछ आनंदमय शांति से भरा है। लोरेन में मानव आकृतियाँ उतनी महत्वपूर्ण नहीं हैं जितनी वे पुसिन के परिदृश्य में हैं (लोरेन को स्वयं आकृतियों को चित्रित करना पसंद नहीं था और उनके निष्पादन को अन्य स्वामी को सौंप दिया)। हालांकि, ज़ीउस द्वारा अपहरण के बारे में प्राचीन मिथक का प्रकरण, जो एक बैल में बदल गया, यूरोप की खूबसूरत लड़की की, एक सुखद जीवन की भावना में व्याख्या की गई, परिदृश्य के सामान्य मूड से मेल खाती है; लोरेन द्वारा अन्य चित्रों पर भी यही बात लागू होती है - प्रकृति और लोगों को उनमें एक निश्चित विषयगत संबंध में दिया जाता है। 1650 के दशक में लोरेन के सर्वोत्तम कार्यों के लिए। ड्रेसडेन रचना "एसिस एंड गैलेटिया" 1657 को संदर्भित करता है।
लोरेन के बाद के कार्यों में, प्रकृति की धारणा अधिक से अधिक भावनात्मक हो जाती है। वह रुचि रखता है, उदाहरण के लिए, दिन के समय के आधार पर परिदृश्य में परिवर्तन में। मनोदशा को व्यक्त करने का मुख्य साधन प्रकाश और रंग हैं। इस प्रकार, लेनिनग्राद हर्मिटेज में रखे गए चित्रों में, एक तरह के अभिन्न चक्र में, कलाकार "सुबह" की सूक्ष्म कविता, "दोपहर" की स्पष्ट शांति, "शाम" की धुंधली सुनहरी सूर्यास्त, की नीली उदासी का प्रतीक है "रात"। इन चित्रों में सबसे काव्यात्मक है द मॉर्निंग (1666)। यहां सब कुछ शुरुआती भोर की चांदी-नीली धुंध में डूबा हुआ है। एक बड़े काले पेड़ का एक पारदर्शी सिल्हूट बिजली के आकाश के सामने खड़ा होता है; प्राचीन खंडहर अभी भी एक उदास छाया में डूबे हुए हैं - एक आदर्श जो एक स्पष्ट और शांत परिदृश्य में उदासी की छाया लाता है।
लोरेन को उकेरक-नक़्क़ाशीदार और ड्राफ्ट्समैन के रूप में भी जाना जाता है। विशेष रूप से उल्लेखनीय प्रकृति से उनके परिदृश्य रेखाचित्र हैं, जो कलाकार द्वारा रोम के बाहरी इलाके में घूमने के दौरान किए जाते हैं। इन चित्रों में, असाधारण चमक के साथ, लोरेन की अंतर्निहित भावनात्मक और प्रकृति की प्रत्यक्ष भावना प्रभावित हुई। पहाड़ी की छाया के उपयोग से स्याही में बने ये रेखाचित्र, एक अद्भुत चौड़ाई और चित्रात्मक तरीके से स्वतंत्रता, सरल साधनों के साथ मजबूत प्रभाव प्राप्त करने की क्षमता से प्रतिष्ठित हैं। चित्र के रूपांकन बहुत विविध हैं: या तो यह एक मनोरम प्रकृति का परिदृश्य है, जहां ब्रश के कुछ बोल्ड स्ट्रोक असीम चौड़ाई, फिर एक घनी गली, और सूरज की किरणें, पत्ते के माध्यम से तोड़ते हुए छाप पैदा करते हैं। पेड़ों का, सड़क पर गिरना, फिर नदी के किनारे पर काई के साथ उग आया एक पत्थर, फिर, अंत में, एक सुंदर पार्क ("विला अल्बानी") से घिरी एक राजसी इमारत का एक तैयार चित्र।
लोरेन की पेंटिंग लंबे समय तक - 19 वीं शताब्दी की शुरुआत तक - लैंडस्केप पेंटिंग के उस्तादों के लिए मॉडल बनी रहीं। लेकिन उनके कई अनुयायी, जिन्होंने केवल उनकी बाहरी चित्रात्मक तकनीकों को स्वीकार किया, प्रकृति की अपनी वास्तविक जीवंत भावना को खो दिया।
लोरेन के प्रभाव को उनके समकालीन गैसपार्ड डुगुएट (1613-1675) के काम में भी महसूस किया जाता है, जिन्होंने शास्त्रीय परिदृश्य में उत्साह और नाटक के तत्वों को पेश किया, विशेष रूप से परेशान करने वाले तूफान प्रकाश के प्रभावों के हस्तांतरण में। डुगुएट के कार्यों में, डोरिया पैम्फिलज और कॉलम के रोमन महलों में सबसे प्रसिद्ध परिदृश्य चक्र हैं।
Eustache Lesueur (1617-1655) शास्त्रीय दिशा में शामिल हो गए। वह वौएट का छात्र था और उसके सजावटी कार्यों में उसकी सहायता करता था। 1640 के दशक में लेसुउर पुसिन की कला से काफी प्रभावित थे।
लेसुउर का काम क्लासिकवाद के सिद्धांतों को उन आवश्यकताओं के अनुकूल बनाने का एक उदाहरण है जो अदालत और लिपिक मंडल कला से पहले निर्धारित करते हैं। अपने सबसे बड़े काम में, पेरिस में होटल लैम्बर्ट के भित्ति चित्र, लेसुउर ने विशुद्ध रूप से सजावटी प्रभावों के साथ क्लासिकवाद के सौंदर्य सिद्धांत के सिद्धांतों को संयोजित करने का प्रयास किया। इसलिए, यह कोई संयोग नहीं है कि उनके महान चक्र "द लाइफ ऑफ सेंट। ब्रूनो ”(1645 -1648, लौवर), चर्च सर्कल द्वारा कमीशन, बारोक प्रवृत्ति के निकटता की विशेषताएं हैं, जो छवियों के शर्करा आदर्शीकरण और कैथोलिक कट्टरता की सामान्य भावना में परिलक्षित होती हैं जो इस पूरे चक्र में व्याप्त हैं। लेसुउर की कला शास्त्रीय शिक्षा के दरबारी शिक्षावाद में पतन के पहले लक्षणों में से एक है।
17 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में। फ्रांस में पूर्ण राजशाही अपनी सबसे बड़ी आर्थिक और राजनीतिक शक्ति तक पहुँचती है और बाहरी रूप से फलती-फूलती है।
राज्य के केंद्रीकरण की प्रक्रिया आखिरकार पूरी हो गई। फ्रोंडे (1653) की हार के बाद, राजा की शक्ति में वृद्धि हुई और उसने असीमित, निरंकुश चरित्र ग्रहण किया। 17 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के विपक्षी साहित्य के एक गुमनाम पैम्फलेट में। लुई XIV को एक मूर्ति कहा जाता है जिसके लिए पूरे फ्रांस की बलि दी गई थी। कुलीनों की आर्थिक स्थिति को मजबूत करने के लिए महत्वपूर्ण उपाय किए गए। विजय के युद्धों और व्यापारिकता की नीति के निरंतर अनुसरण पर आधारित एक आर्थिक प्रणाली लागू की गई थी; इस प्रणाली को कोल्बर्टवाद कहा जाता था - राजा के पहले मंत्री कोलबर्ट के बाद। शाही दरबार देश का राजनीतिक केंद्र था। शानदार देश के निवास इसके निवास के रूप में कार्य करते थे, और सबसे ऊपर (1680 के दशक से) - प्रसिद्ध वर्साय। अदालत में जीवन अंतहीन उत्सवों में बीता। इस जीवन का केंद्र सूर्य-राजा का व्यक्तित्व था। नींद से उनका जागना, सुबह का शौचालय, रात का खाना, आदि - सब कुछ एक निश्चित अनुष्ठान के अधीन था और गंभीर समारोहों के रूप में हुआ।
निरपेक्षता की केंद्रीय भूमिका इस तथ्य में भी परिलक्षित होती थी कि 17 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में शाही दरबार के आसपास। संक्षेप में, फ्रांस की सभी सांस्कृतिक ताकतों को एकत्र किया गया था। सबसे प्रमुख वास्तुकारों, कवियों, नाटककारों, कलाकारों, संगीतकारों ने दरबार के आदेशों के अनुसार काम किया। लुई XIV की छवि, या तो एक उदार सम्राट के रूप में या एक गर्व विजेता के रूप में, ऐतिहासिक, अलंकारिक, युद्ध चित्रों के लिए, औपचारिक चित्रों के लिए और टेपेस्ट्री के लिए एक विषय के रूप में कार्य किया।
फ्रांस की कला में विभिन्न प्रवृत्तियों को अब कुलीन राजशाही की "भव्य शैली" में समतल कर दिया गया था। देश का कलात्मक जीवन सबसे सख्त केंद्रीकरण के अधीन था। 1648 में वापस, रॉयल एकेडमी ऑफ पेंटिंग एंड स्कल्पचर की स्थापना की गई थी। अकादमी की स्थापना का सकारात्मक महत्व था: पहली बार, कलाकारों की गतिविधियों को गिल्ड प्रणाली के उत्पीड़न से मुक्त किया गया और कला शिक्षा की एक व्यवस्थित प्रणाली बनाई गई। लेकिन अपने अस्तित्व की शुरुआत से, अकादमी की गतिविधि निरपेक्षता के हितों के अधीन थी। 1664 में, नए कार्यों के अनुसार, कोलबर्ट ने अकादमी को पुनर्गठित किया, इसे एक राज्य संस्थान में बदल दिया, पूरी तरह से अदालत की सेवा में डाल दिया।
फ्रेंच पेंटिंग में शास्त्रीय परिदृश्यXVIIसदी।
17वीं शताब्दी में, खूनी गृहयुद्धों और आर्थिक तबाही की अवधि के बाद, फ्रांसीसी लोगों को आर्थिक, राजनीतिक और सांस्कृतिक जीवन के सभी क्षेत्रों में राष्ट्रीय विकास के कार्य का सामना करना पड़ा। एक पूर्ण राजशाही की शर्तों के तहत - हेनरी चतुर्थ के तहत और विशेष रूप से 17 वीं शताब्दी की दूसरी तिमाही में। कमजोर इरादों वाले लुई XIII के ऊर्जावान मंत्री रिशेल्यू के तहत, राज्य केंद्रीकरण की व्यवस्था निर्धारित और मजबूत की गई थी। सामंती विपक्ष के खिलाफ लगातार संघर्ष, एक प्रभावी आर्थिक नीति और अपनी अंतरराष्ट्रीय स्थिति को मजबूत करने के परिणामस्वरूप, फ्रांस ने महत्वपूर्ण सफलता हासिल की, जो सबसे शक्तिशाली यूरोपीय शक्तियों में से एक बन गया।
फ्रांसीसी निरपेक्षता की स्थापना जनता के क्रूर शोषण पर आधारित थी। रिशेल्यू ने कहा कि लोग खच्चर की तरह होते हैं, जो काम से ज्यादा भारी सामान और लंबे आराम से लूटने के आदी होते हैं। फ्रांसीसी पूंजीपति वर्ग, जिसके विकास ने अपनी आर्थिक नीति के साथ निरपेक्षता को संरक्षण दिया, दोहरी स्थिति में था: वह राजनीतिक प्रभुत्व की आकांक्षा रखता था, लेकिन अपनी अपरिपक्वता के कारण, शाही शक्ति के साथ टूटने का रास्ता अभी तक नहीं ले सका, जिसने जनता का नेतृत्व किया, क्योंकि पूंजीपति वर्ग उनसे डरता था और निरपेक्षता द्वारा उसे दिए गए विशेषाधिकारों को बनाए रखने में रुचि रखता था। तथाकथित संसदीय फ्रोंडे (1648-1649) के इतिहास में इसकी पुष्टि हुई, जब पूंजीपति वर्ग, लोगों के क्रांतिकारी तत्व के शक्तिशाली उभार से भयभीत होकर, प्रत्यक्ष विश्वासघात करके, कुलीनता के साथ समझौता कर लिया।
17वीं शताब्दी में फ्रांसीसी संस्कृति के विकास में निरपेक्षता ने कई विशिष्ट विशेषताओं को पूर्वनिर्धारित किया। वैज्ञानिक, कवि, कलाकार शाही दरबार की ओर आकर्षित होते थे। 17 वीं शताब्दी में, फ्रांस में भव्य महल और सार्वजनिक भवन बनाए गए थे, राजसी शहरी पहनावा बनाया गया था। लेकिन 17वीं शताब्दी की फ्रांसीसी संस्कृति की सभी वैचारिक विविधता को कम करना गलत होगा। केवल निरपेक्षता के विचारों को व्यक्त करने के लिए। फ्रांसीसी संस्कृति का विकास, राष्ट्रीय हितों की अभिव्यक्ति से जुड़ा होने के कारण, अधिक जटिल प्रकृति का था, जिसमें रुझान भी शामिल थे जो आधिकारिक आवश्यकताओं से बहुत दूर थे।
फ्रांसीसी लोगों की रचनात्मक प्रतिभा ने दर्शन, साहित्य और कला में खुद को उज्ज्वल और बहुमुखी दिखाया। 17वीं शताब्दी ने फ्रांस को महान विचारक डेसकार्टेस और गैसेंडी, नाट्यशास्त्र के दिग्गज कॉर्नेल, रैसीन और मोलिरे, और प्लास्टिक कला में वास्तुकार हार्डौइन-मैनसर्ट और चित्रकार निकोलस पॉसिन जैसे महान स्वामी दिए।
तीव्र सामाजिक संघर्ष ने उस समय की फ्रांसीसी संस्कृति के संपूर्ण विकास पर एक निश्चित छाप छोड़ी। सार्वजनिक अंतर्विरोधों ने खुद को प्रकट किया, विशेष रूप से, इस तथ्य में कि फ्रांसीसी संस्कृति के कुछ प्रमुख आंकड़े शाही अदालत के साथ संघर्ष की स्थिति में थे और उन्हें फ्रांस के बाहर रहने और काम करने के लिए मजबूर किया गया था: डेसकार्टेस हॉलैंड गए, और पॉसिन ने लगभग अपना खर्च किया इटली में पूरा जीवन। 17वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध में आधिकारिक दरबारी कला। धूमधाम से बारोक के रूपों में मुख्य रूप से विकसित। आधिकारिक कला के खिलाफ संघर्ष में, दो कलात्मक रेखाएँ विकसित हुईं, जिनमें से प्रत्येक युग की उन्नत यथार्थवादी प्रवृत्तियों की अभिव्यक्ति थी। इन दिशाओं में से पहले के स्वामी, जिन्होंने फ्रांसीसी शोधकर्ताओं, यानी वास्तविक दुनिया के चित्रकारों से पेंट्रेस डे ला रियलाइट नाम प्राप्त किया, ने राजधानी में काम किया, साथ ही प्रांतीय कला स्कूलों में, और उनके सभी व्यक्तिगत मतभेदों के लिए थे एक सामान्य विशेषता से एकजुट: आदर्श रूपों से परहेज करते हुए, वे वास्तविकता की घटनाओं और छवियों के प्रत्यक्ष, तत्काल अवतार की ओर मुड़ गए। उनकी सर्वोत्तम उपलब्धियां मुख्य रूप से रोजमर्रा की पेंटिंग और चित्रांकन से संबंधित हैं; बाइबिल और पौराणिक दृश्यों को भी इन आचार्यों द्वारा रोजमर्रा की वास्तविकता से प्रेरित छवियों में सन्निहित किया गया था।
लेकिन युग की आवश्यक विशेषताओं का सबसे गहरा प्रतिबिंब फ्रांस में इन प्रगतिशील प्रवृत्तियों में से दूसरे के रूप में प्रकट हुआ - क्लासिकवाद की कला में।
कलात्मक संस्कृति के विभिन्न क्षेत्रों की बारीकियों ने नाटक, कविता, वास्तुकला और दृश्य कला में इस शैली के विकास की कुछ विशेषताओं को निर्धारित किया, लेकिन इन सभी अंतरों के साथ, फ्रांसीसी क्लासिकवाद के सिद्धांतों में एक निश्चित एकता है।
निरंकुश व्यवस्था की शर्तों के तहत, सामाजिक संस्थाओं पर एक व्यक्ति की निर्भरता, राज्य विनियमन और वर्ग बाधाओं पर विशेष रूप से तीव्रता के साथ प्रकट किया जाना चाहिए था। साहित्य में, जिसमें क्लासिकवाद के वैचारिक कार्यक्रम ने अपनी सबसे पूर्ण अभिव्यक्ति पाई है, नागरिक कर्तव्य का विषय, व्यक्तिगत सिद्धांत पर सामाजिक सिद्धांत की जीत, प्रमुख हो जाती है। शास्त्रीयतावाद व्यक्ति के तर्कसंगतता और कठोर अनुशासन के आदर्शों के साथ वास्तविकता की अपूर्णता का विरोध करता है, जिसकी सहायता से वास्तविक जीवन के अंतर्विरोधों को दूर किया जाना चाहिए। तर्क और भावना का संघर्ष, जुनून और कर्तव्य, क्लासिकवाद की नाटकीयता की विशेषता, इस युग में एक व्यक्ति और उसके आसपास की दुनिया के बीच निहित विरोधाभास को दर्शाती है। क्लासिकवाद के प्रतिनिधियों ने प्राचीन ग्रीस और रिपब्लिकन रोम में अपने सामाजिक आदर्शों का अवतार पाया, ठीक उसी तरह जैसे प्राचीन कला उनके लिए सौंदर्य मानदंडों की पहचान थी।
17वीं शताब्दी की शुरुआत में, गृहयुद्धों की अवधि और उनसे जुड़े सांस्कृतिक जीवन में प्रसिद्ध गिरावट के बाद, दृश्य कलाओं में, वास्तुकला के रूप में, कोई भी पुराने और स्प्राउट्स के अवशेषों के बीच संघर्ष का निरीक्षण कर सकता है। नई, अक्रिय परंपराओं का पालन करने और साहसिक कलात्मक नवाचार के उदाहरण।
इस समय के सबसे दिलचस्प कलाकार उत्कीर्णक और ड्राफ्ट्समैन जैक्स कैलोट (सी। 1592-1635) थे, जिन्होंने 17वीं शताब्दी के पहले दशकों में काम किया था। उनका जन्म लोरेन में नैन्सी में हुआ था, एक युवा व्यक्ति के रूप में वे इटली गए, जहाँ वे पहले रोम में रहे, और फिर फ्लोरेंस में, जहाँ वे 1622 में अपनी मातृभूमि में लौटने तक रहे।
एक बहुत ही विपुल गुरु, कैलॉट ने एक हजार पांच सौ से अधिक नक्काशी की, जो उनके विषयों में बेहद विविध थे। उन्हें फ्रांसीसी शाही दरबार और टस्कनी और लोरेन के ड्यूकल कोर्ट में काम करना पड़ा। हालांकि, अदालती जीवन की चमक उससे अस्पष्ट नहीं हुई - एक सूक्ष्म और तेज पर्यवेक्षक - आसपास की वास्तविकता की विविधता, तीव्र सामाजिक विरोधाभासों से भरी, क्रूर सैन्य उथल-पुथल से परिपूर्ण।
कल्लो संक्रमणकालीन युग के कलाकार हैं; अपने समय की जटिलता और असंगति उनकी कला में विरोधाभासी विशेषताओं की व्याख्या करती है। कैलो के कार्यों में व्यवहार के अवशेष अभी भी ध्यान देने योग्य हैं - वे कलाकार की विश्वदृष्टि और उसकी चित्रात्मक तकनीकों दोनों को प्रभावित करते हैं। साथ ही, कैलॉट का काम फ्रांसीसी कला में नई, यथार्थवादी प्रवृत्तियों के प्रवेश का एक ज्वलंत उदाहरण प्रदान करता है।
कैलो ने नक़्क़ाशी की तकनीक में काम किया, जिसे उन्होंने सिद्ध किया। आमतौर पर, मास्टर ने उत्कीर्णन के दौरान बार-बार नक़्क़ाशी का उपयोग किया, जिससे उन्हें रेखाओं की विशेष स्पष्टता और पैटर्न की कठोरता प्राप्त करने की अनुमति मिली।
जैक्स कॉलोट। भिखारी श्रृंखला से नक़्क़ाशी। 1,622
जैक्स कॉलोट। कैसेंडर। तीन पैंटालून श्रृंखला से नक़्क़ाशी। 1618
प्रारंभिक काल के कालो के कार्यों में कल्पना के तत्व अभी भी प्रबल हैं। वे अतिरंजित विचित्र अभिव्यक्ति के लिए, विचित्र भूखंडों की इच्छा में व्यक्त किए जाते हैं; कलाकार का कौशल कभी-कभी आत्मनिर्भर सद्गुण के चरित्र पर आ जाता है। इन विशेषताओं को विशेष रूप से 1622 के उत्कीर्णन की श्रृंखला में स्पष्ट किया गया है - "बल्ली" ("नृत्य") और "गोब्बी" ("हंचबैक"), जो इतालवी कॉमेडी ऑफ मास्क के प्रभाव में बनाया गया था। इस तरह के काम, अभी भी काफी हद तक सतही, बाहरी अभिव्यक्ति के लिए कलाकार की कुछ हद तक एकतरफा खोज की गवाही देते हैं। लेकिन उत्कीर्णन की अन्य श्रृंखलाओं में, यथार्थवादी प्रवृत्तियां पहले से ही अधिक स्पष्ट रूप से व्यक्त की गई हैं। इस तरह की पूरी गैलरी है जिसे कलाकार सीधे सड़कों पर देख सकता है: शहरवासी, किसान, सैनिक (कैप्रीसी श्रृंखला, 1617), जिप्सी (जिप्सी श्रृंखला, 1621), आवारा और भिखारी (भिखारी श्रृंखला, 1622)। असाधारण तीक्ष्णता और अवलोकन के साथ बनाई गई इन छोटी आकृतियों में असाधारण गतिशीलता, तीक्ष्ण चरित्र, अभिव्यंजक मुद्राएं और हावभाव हैं। कलाप्रवीण व्यक्ति कलात्मकता के साथ, काल्डो एक सज्जन व्यक्ति (श्रृंखला "कैप्रिसी") की सुरुचिपूर्ण सहजता, इतालवी अभिनेताओं और उनकी हरकतों (श्रृंखला "बल्ली") के आंकड़ों में नृत्य की एक स्पष्ट लय, प्रांतीय अभिजात वर्ग की कठिन कठोरता (श्रृंखला " लोरेन बड़प्पन"), लत्ता में पुराने आंकड़े (श्रृंखला "भिखारी")।
जैक्स कॉलोट। सेंट की शहादत सेबस्टियन। नक़्क़ाशी। 1632-1633
कैलोट की कृतियों में सर्वाधिक अर्थपूर्ण उनकी बहुरूपी रचनाएँ हैं। उनके विषय बहुत विविध हैं: यह अदालत के उत्सव ("नैन्सी में टूर्नामेंट", 1626), मेलों ("इंप्रूनेट में मेला", 1620), सैन्य विजय, लड़ाई (पैनोरमा "ब्रेडा की घेराबंदी", 1627), शिकार की एक छवि है। ("ग्रेट हंट", 1626), पौराणिक और धार्मिक विषयों पर दृश्य ("सेंट सेबेस्टियन की शहादत", 1632-1633)। इन अपेक्षाकृत छोटी चादरों में, गुरु जीवन की एक विस्तृत तस्वीर बनाता है। कैलॉट की नक्काशी मनोरम हैं; कलाकार देखता है कि क्या हो रहा है जैसे कि दूर से, जो उसे व्यापक स्थानिक कवरेज प्राप्त करने की अनुमति देता है, छवि में लोगों के विशाल द्रव्यमान, कई विविध एपिसोड को शामिल करता है। इस तथ्य के बावजूद कि कैलोट की रचनाओं में आंकड़े (और इससे भी अधिक विवरण) अक्सर आकार में बहुत छोटे होते हैं, वे कलाकार द्वारा न केवल ड्राइंग की उल्लेखनीय सटीकता के साथ बनाए जाते हैं, बल्कि पूरी तरह से जीवन शक्ति और चरित्र के अधिकारी होते हैं। हालांकि, कैलॉट की पद्धति नकारात्मक पहलुओं से भरी हुई थी; पात्रों की व्यक्तिगत विशेषताएं, व्यक्तिगत विवरण अक्सर घटना में कई प्रतिभागियों के कुल द्रव्यमान में मायावी हो जाते हैं, मुख्य बात माध्यमिक के बीच खो जाती है। यह कुछ भी नहीं है कि वे आमतौर पर कहते हैं कि कॉलोट अपने दृश्यों को उलटे दूरबीन के माध्यम से देखता है: उनकी धारणा चित्रित घटना से कलाकार की दूरदर्शिता पर जोर देती है। कैलॉट की यह विशिष्ट विशेषता औपचारिक उपकरण बिल्कुल नहीं है, यह स्वाभाविक रूप से उनके कलात्मक विश्वदृष्टि से जुड़ा हुआ है। कैलो ने संकट के युग में काम किया, जब पुनर्जागरण के आदर्शों ने अपनी शक्ति खो दी थी, और नए सकारात्मक आदर्श अभी तक खुद को स्थापित नहीं कर पाए थे। बाहरी ताकतों के सामने कैलो का आदमी अनिवार्य रूप से शक्तिहीन है। यह कोई संयोग नहीं है कि कैलो की कुछ रचनाओं के विषय एक दुखद रंग प्राप्त कर लेते हैं। उदाहरण के लिए, उत्कीर्णन "सेंट की शहादत" है। सेबस्टियन।" इस काम की दुखद शुरुआत न केवल इसके कथानक निर्णय में निहित है - कलाकार ने कई निशानेबाजों को शांति और विवेकपूर्ण तरीके से प्रस्तुत किया, जैसे कि एक शूटिंग रेंज में एक लक्ष्य पर, सेबस्टियन पर एक पोस्ट से बंधे तीरों को फायर करना - लेकिन अकेलेपन की भावना में भी और शक्तिहीनता, जो एक संत की एक छोटी, मुश्किल से अलग पहचान के लिए तीरों के बादल की बौछार में व्यक्त की जाती है, जैसे कि एक विशाल असीम स्थान में खो गई हो।
युद्ध की आपदाओं (1632-1633) की दो श्रृंखलाओं में कैलोट अपनी सबसे बड़ी मार्मिकता तक पहुँचता है। निर्दयी सत्यता के साथ, कलाकार ने शाही सैनिकों द्वारा कब्जा किए गए अपने मूल लोरेन पर होने वाली पीड़ा को दिखाया। इस चक्र की नक्काशी सड़कों पर फांसी और डकैती, लुटेरों की सजा, आग, युद्ध पीड़ितों - भिखारियों और अपंगों के दृश्यों को दर्शाती है। कलाकार भयानक घटनाओं के बारे में विस्तार से बताता है। इन छवियों में कोई आदर्शीकरण और भावुक दया नहीं है। कैलो जो हो रहा है, उसके प्रति अपने व्यक्तिगत दृष्टिकोण को व्यक्त नहीं करता, वह एक भावहीन पर्यवेक्षक प्रतीत होता है। लेकिन युद्ध की विपदाओं के वस्तुपरक प्रदर्शन के वास्तव में, इस कलाकार के काम में एक निश्चित दिशा और प्रगतिशील अर्थ है।
दरबारी कला में फ्रांसीसी निरपेक्षता के प्रारंभिक चरण में, बारोक चरित्र की दिशा प्रमुख थी। प्रारंभ में, हालांकि, चूंकि फ्रांस में कोई महत्वपूर्ण स्वामी नहीं थे, शाही दरबार ने प्रसिद्ध विदेशी कलाकारों की ओर रुख किया। इसलिए, उदाहरण के लिए, 1622 में, रूबेन्स को स्मारकीय रचनाएँ बनाने के लिए आमंत्रित किया गया था जो नव निर्मित लक्ज़मबर्ग पैलेस को सुशोभित करते थे।
धीरे-धीरे, विदेशियों के साथ, फ्रांसीसी स्वामी आगे बढ़ने लगे। 1620 के अंत में। साइमन वौएट (1590-1649) ने "राजा के पहले चित्रकार" की मानद उपाधि प्राप्त की। लंबे समय तक, Vue इटली में रहता था, चर्चों के भित्ति चित्रों पर काम करता था और संरक्षकों के आदेश पर। 1627 में उन्हें लुई XIII द्वारा फ्रांस बुलाया गया था। Voue द्वारा बनाए गए कई भित्ति चित्र हमारे समय तक जीवित नहीं हैं और उत्कीर्णन से जाने जाते हैं। वह धार्मिक, पौराणिक और अलंकारिक सामग्री की भव्य रचनाओं के मालिक हैं, जो चमकीले रंगीन रंगों में बनी हुई हैं। उनके काम के उदाहरण हैं "सेंट। चार्ल्स बोर्रोमो (ब्रुसेल्स), ब्रिंगिंग टू द टेम्पल (लौवर), हरक्यूलिस अमंग द गॉड्स ऑफ ओलंपस (हर्मिटेज)।
Voue ने फ्रांसीसी कला में आधिकारिक, अदालती दिशा का निर्माण और नेतृत्व किया। अपने अनुयायियों के साथ, उन्होंने इतालवी और फ्लेमिश बारोक की तकनीकों को फ्रांसीसी स्मारकीय सजावटी पेंटिंग में स्थानांतरित कर दिया। संक्षेप में, इस गुरु का कार्य थोड़ा स्वतंत्र था। अपने बाद के कार्यों में क्लासिकवाद के लिए वाउ की अपील भी विशुद्ध रूप से बाहरी उधार में सिमट गई थी। वास्तविक स्मारकीयता और शक्ति से वंचित, कभी-कभी मीठा मीठा, सतही और बाहरी प्रभाव से प्रभावित, वू और उसके अनुयायियों की कला एक जीवित राष्ट्रीय परंपरा के साथ शिथिल रूप से जुड़ी हुई थी।
फ्रांस की कला में आधिकारिक प्रवृत्ति के खिलाफ संघर्ष में, एक नई यथार्थवादी प्रवृत्ति का गठन और मजबूत किया गया - पेंट्रेस डे ला रियलाइट ("वास्तविक दुनिया के चित्रकार")। इस प्रवृत्ति के सर्वश्रेष्ठ स्वामी, जिन्होंने अपनी कला को वास्तविकता की एक ठोस छवि में बदल दिया, ने मानवीय, फ्रांसीसी लोगों की उच्च गरिमा वाली छवियों से भरा हुआ बनाया।
इस प्रवृत्ति के विकास के प्रारंभिक चरण में, इसके साथ लगे कई स्वामी कारवागियो की कला से प्रभावित थे। कुछ के लिए, कारवागियो एक ऐसे कलाकार के रूप में निकला, जिसने बड़े पैमाने पर अपने विषय और दृश्य तकनीकों को पूर्व निर्धारित किया, जबकि अन्य स्वामी कारवागिस्ट पद्धति के मूल्यवान पहलुओं का अधिक रचनात्मक रूप से स्वतंत्र रूप से उपयोग करने में सक्षम थे।
उनमें से सबसे पहले वैलेंटाइन (वास्तव में, जीन डे बोलोग्ने; 1594-1632) के थे। 1614 में, वैलेंटाइन रोम पहुंचे, जहां उन्होंने अपनी गतिविधियों को अंजाम दिया। अन्य कारवागिस्टों की तरह, वैलेंटाइन ने धार्मिक विषयों को चित्रित किया, उनकी शैली की भावना में व्याख्या की (उदाहरण के लिए, पीटर्स डेनियल; द पुश्किन म्यूज़ियम ऑफ़ फाइन आर्ट्स), लेकिन उनकी बड़ी-आकृति शैली की रचनाएँ सबसे अच्छी तरह से जानी जाती हैं। उनमें कारवागवाद के लिए पारंपरिक रूपांकनों का चित्रण करते हुए, वैलेंटाइन उनकी तेज व्याख्या के लिए प्रयास करता है। इसका एक उदाहरण उनके सर्वश्रेष्ठ चित्रों में से एक है, "कार्ड प्लेयर्स" (ड्रेस्डेन, गैलरी), जहां स्थिति का नाटक प्रभावी ढंग से खेला जाता है। अनुभवहीन युवक का भोलेपन, उसके साथ खेलने वाले तेजतर्रार का संयम और आत्मविश्वास, और विशेष रूप से एक लबादे में लिपटे उसके साथी की भयावह उपस्थिति, युवक की पीठ के पीछे से संकेत देते हुए, स्पष्ट रूप से दिखाया गया है। इस मामले में काइरोस्कोरो के विरोधाभासों का उपयोग न केवल प्लास्टिक मॉडलिंग के लिए किया जाता है, बल्कि चित्र के नाटकीय तनाव को बढ़ाने के लिए भी किया जाता है।
अपने समय के उत्कृष्ट उस्तादों में जॉर्जेस डी लाटौर (1593-1652) हैं। अपने समय में प्रसिद्ध, बाद में उन्हें पूरी तरह भुला दिया गया; इस मास्टर की उपस्थिति हाल ही में सामने आई थी।
अब तक, कलाकार का रचनात्मक विकास काफी हद तक अस्पष्ट है। लातूर के कुछ जीवनी रिकॉर्ड जो बच गए हैं वे बेहद स्केच हैं। लैटौर का जन्म नैन्सी के पास लोरेन में हुआ था, फिर वह लुनेविल शहर चले गए, जहाँ उन्होंने अपना शेष जीवन बिताया। एक धारणा है कि अपनी युवावस्था में उन्होंने इटली का दौरा किया। लाटौर कारवागियो की कला से काफी प्रभावित थे, लेकिन उनका काम कारवागिज़्म की तकनीकों का पालन करने से कहीं आगे निकल गया; लुनेविल मास्टर की कला में, 17 वीं शताब्दी की उभरती हुई राष्ट्रीय फ्रांसीसी पेंटिंग की मूल विशेषताओं को अभिव्यक्ति मिली।
लातौर ने मुख्य रूप से धार्मिक विषयों पर चित्र बनाए। तथ्य यह है कि उन्होंने अपना जीवन प्रांतों में बिताया, उनकी कला पर अपनी छाप छोड़ी। उनकी छवियों के भोलेपन में, धार्मिक प्रेरणा की छाया में, जो उनके कुछ कार्यों में पकड़ी जा सकती है, उनकी छवियों की स्थिर स्थिर प्रकृति में और उनकी कलात्मक भाषा की अजीबोगरीब प्राथमिक प्रकृति में, मध्ययुगीन विश्वदृष्टि की गूँज अभी भी प्रभावित करती है। कुछ हद तक। लेकिन अपनी सर्वश्रेष्ठ कृतियों में कलाकार दुर्लभ आध्यात्मिक शुद्धता और महान काव्य शक्ति के चित्र बनाता है।
जॉर्जेस डी लाटौर। क्रिसमस। 1640s
लातौर की सबसे गेय रचनाओं में से एक पेंटिंग "नेटिविटी" (रेनेस, संग्रहालय) है। यह अपनी सादगी के लिए उल्लेखनीय है, कलात्मक साधनों का लगभग लोभ और साथ ही गहरी सच्चाई जिसके साथ एक युवा मां को चित्रित किया गया है, एक बच्चे को विचारशील कोमलता के साथ पालना, और एक बुजुर्ग महिला, जो ध्यान से अपने हाथ से जलती हुई मोमबत्ती को कवर करती है, साथियों नवजात शिशु की विशेषताओं में। इस रचना में प्रकाश का बहुत महत्व है। रात के अँधेरे को दूर करते हुए, वह स्पष्ट प्लास्टिक की स्पर्शनीयता के साथ, आंकड़ों की सामान्यीकृत मात्रा, एक किसान प्रकार के चेहरे और एक स्वैडल्ड बच्चे की एक मार्मिक आकृति को सीमित करता है; प्रकाश की कार्रवाई के तहत, गहरे रंग के कपड़े के मजबूत रंग के साथ संतृप्त, प्रकाश। इसकी सम और शांत चमक रात के मौन की गंभीरता का वातावरण बनाती है, जो केवल सोते हुए बच्चे की मापी गई सांसों से टूटती है।
"क्रिसमस" और लौवर "चरवाहों की आराधना" के मूड में बंद करें। कलाकार फ्रांसीसी किसानों की सच्ची छवि, उनकी सरल भावना की सुंदरता को मनोरम ईमानदारी के साथ प्रस्तुत करता है।
जॉर्जेस डी लाटौर। सेंट जोसेफ बढ़ई। 1640s
जॉर्जेस डी लाटौर। सेंट के लिए एक परी की उपस्थिति। जोसफ। 1640s
धार्मिक विषयों पर लाटौर के चित्रों की व्याख्या अक्सर शैली की भावना से की जाती है, लेकिन साथ ही वे तुच्छता और रोजमर्रा की जिंदगी के संकेत से रहित होते हैं। इस तरह के पहले से ही उल्लेखित "जन्म" और "चरवाहों की आराधना", "पेनिटेंट मैग्डलीन" (लौवर) और लातूर की वास्तविक कृतियों - "सेंट। जोसेफ द कारपेंटर" (लौवर) और "द अपीयरेंस ऑफ द एंजल ऑफ सेंट। जोसेफ ”(नैनटेस, संग्रहालय), जहां एक परी - एक पतली लड़की - जोसेफ के हाथ को छूती है, मोमबत्ती से दर्जन भर, एक इशारा के साथ शक्तिशाली और कोमल दोनों। इन कार्यों में आध्यात्मिक शुद्धता और शांत चिंतन की भावना लातौर की छवियों को रोजमर्रा की जिंदगी से ऊपर उठाती है।
आत्म चित्र। 1650
एक स्व-चित्र में, निकोलस पॉसिन ने खुद को एक विचारक और निर्माता के रूप में चित्रित किया। उसके बगल में संग्रहालय की प्रोफ़ाइल है, मानो उस पर पुरातनता की शक्ति को व्यक्त कर रहा हो। और साथ ही, यह एक उज्ज्वल व्यक्तित्व, अपने समय के एक व्यक्ति की छवि है। चित्र प्रकृति और आदर्शीकरण के प्रति अपनी प्रतिबद्धता के साथ क्लासिकवाद के कार्यक्रम का प्रतीक है, उच्च नागरिक आदर्शों को व्यक्त करने की इच्छा जो कि पुसिन की कला ने सेवा की।
निकोलस पॉसिन - फ्रांसीसी चित्रकार, "क्लासिकिज़्म" शैली के संस्थापक। प्राचीन पौराणिक कथाओं, प्राचीन इतिहास, बाइबिल के विषयों की ओर मुड़ते हुए, उन्होंने अपने समकालीन युग के विषयों का खुलासा किया। अपने कार्यों के साथ, उन्होंने उच्च नैतिकता, नागरिक कौशल का प्रदर्शन और गायन करते हुए एक आदर्श व्यक्तित्व का निर्माण किया।
निकोलस पॉसिन का जन्म 5 मई, 1594 को लेस एंडलीज़ शहर के पास नॉर्मंडी में हुआ था। उनके पिता, जो राजा हेनरी चतुर्थ (1553-1610) की सेना के एक अनुभवी थे, ने अपने बेटे को अच्छी शिक्षा दी। बचपन से ही, पुसिन ने ड्राइंग के लिए अपनी रुचि के साथ खुद पर ध्यान आकर्षित किया। 18 साल की उम्र में वह पेंटिंग करने पेरिस जाते हैं। संभवतः, उनके पहले शिक्षक चित्रकार फर्डिनेंड वान एले (1580-1649) थे, दूसरे - ऐतिहासिक चित्रकार जॉर्जेस लालेमेंट (1580-1636)। शाही कला संग्रह और पुस्तकालय के रखवाले, डोवेगर क्वीन मैरी डे मेडिसी के सेवक से मिलने के बाद, पॉसिन को लौवर का दौरा करने और वहां इतालवी कलाकारों द्वारा चित्रों की प्रतिलिपि बनाने का अवसर मिला। 1622 में, पुसिन और अन्य कलाकारों को सेंट पीटर के जीवन से विषयों पर छह बड़े चित्रों को चित्रित करने के लिए कमीशन दिया गया था। लोयोला के इग्नाटियस और सेंट। फ्रांसिस जेवियर (संरक्षित नहीं)।
1624 में निकोलस पॉसिन रोम गए। वहां उन्होंने प्राचीन दुनिया की कला, उच्च पुनर्जागरण के उस्तादों के कार्यों का अध्ययन किया। 1625-1626 में उन्हें पेंटिंग "द डिस्ट्रक्शन ऑफ जेरूसलम" (संरक्षित नहीं) को चित्रित करने का आदेश मिला, बाद में उन्होंने इस पेंटिंग के दूसरे संस्करण (1636-1638, वियना, कुन्थिस्टोरिसचेस संग्रहालय) को चित्रित किया।
1627 में, पुसिन ने प्राचीन रोमन इतिहासकार टैसिटस के कथानक पर आधारित द डेथ ऑफ जर्मेनिकस (रोम, पलाज्जो बारबेरिनी) को चित्रित किया, जो इसे क्लासिकिज्म का एक प्रोग्रामेटिक कार्य मानता है; यह मरने वाले कमांडर को सेनापतियों की विदाई दिखाता है। एक नायक की मृत्यु को सामाजिक महत्व की त्रासदी के रूप में माना जाता है। विषय की व्याख्या प्राचीन कथा के शांत और गंभीर वीरता की भावना से की गई है। तस्वीर का विचार कर्तव्य की सेवा है। कलाकार ने आकृतियों और वस्तुओं को एक उथले स्थान में व्यवस्थित किया, इसे योजनाओं की एक श्रृंखला में विभाजित किया। इस काम में, क्लासिकवाद की मुख्य विशेषताएं सामने आईं: कार्रवाई की स्पष्टता, स्थापत्यता, रचना का सामंजस्य, समूहों का विरोध। पुसिन की दृष्टि में सुंदरता का आदर्श बाहरी क्रम, सामंजस्य, रचना की स्पष्टता में संपूर्ण के भागों की आनुपातिकता में शामिल था, जो मास्टर की परिपक्व शैली की विशेषता बन जाएगी। पॉसिन की रचनात्मक पद्धति की विशेषताओं में से एक तर्कवाद था, जो न केवल भूखंडों में, बल्कि रचना की विचारशीलता में भी परिलक्षित होता था।
1629-1633 की अवधि में, पुसिन के चित्रों के विषय बदल जाते हैं: वह शायद ही कभी धार्मिक विषयों पर चित्रों को चित्रित करते हैं, पौराणिक और साहित्यिक विषयों की ओर मुड़ते हैं।
नार्सिसस और इको, लगभग 1629
रिनाल्डो और आर्मिडा। 1635
चित्र का कथानक 16वीं शताब्दी के इतालवी कवि टोरक्वेटो टैसो "द लिबरेटेड जेरूसलम" की कविता से उधार लिया गया है। जादूगरनी अर्मिडा युवा शूरवीर रिनाल्डो को सुलाती है, जो धर्मयुद्ध पर है। वह युवक को मारना चाहती है, लेकिन, उसकी सुंदरता से मोहित होकर, उसे रिनाल्डो से प्यार हो जाता है और वह उसे अपने मंत्रमुग्ध बगीचों में ले जाती है। शास्त्रीय चित्रकला के प्रमुख, पुसिन, प्राचीन मिथक की भावना में मध्ययुगीन कथा की व्याख्या करते हैं। रचना की पूर्णता, लयबद्ध निर्माण की एकता, पुसिन की कला की मुख्य विशेषताएं हैं। रंग में, कोई भी टिटियन के प्रभाव को महसूस कर सकता है, जिसका काम इन वर्षों के दौरान पुसिन को पसंद था। पेंटिंग "टैंक्रेड और एर्मिनिया" की एक जोड़ी है, जिसे स्टेट हर्मिटेज में संग्रहीत किया गया है।
टेंक्रेड और एर्मिनिया। 1630-40
ऐमज़ॉन एर्मिनिया के नेता, शूरवीर टेंक्रेड के प्यार में, विशाल अरगेंट के साथ द्वंद्व के बाद उसे घायल पाते हैं। स्क्वायर वाफ्रिन जमीन से टेंक्रेड के गतिहीन शरीर को उठाता है, और एर्मिनिया, प्यार और करुणा के बेलगाम विस्फोट में, नाइट के घावों को पट्टी करने के लिए तलवार से अपने बाल काट देता है। कैनवास पर लगभग सब कुछ शांत है - टेंक्रेड जमीन पर शक्तिहीन है, वाफ्रिन उसके ऊपर जम गया, घोड़े गतिहीन हैं, अरगेंट का शरीर दूरी में फैला हुआ है, परिदृश्य सुनसान और सुनसान है। लेकिन हर्मिनिया की दयनीय गति इस जमे हुए मौन में टूट जाती है, और उसके आस-पास की हर चीज उसके अपरिवर्तनीय आध्यात्मिक उत्थान के प्रतिबिंबित प्रकाश से रोशन होती है। शांति तनावपूर्ण हो जाती है, रंग के मजबूत और गहरे धब्बे तीखे विरोधाभासों में एक दूसरे से टकराते हैं, आकाश में एक नारंगी सूर्यास्त की झलक खतरनाक और अस्थिर हो जाती है। तस्वीर के हर विवरण, हर पंक्ति और हल्की चमक से एर्मिनिया की उत्तेजना व्यक्त की जाती है।
1640 मेंपुसिन की लोकप्रियतालुई XIII (1601-1643) का ध्यान आकर्षित किया और, उनके आग्रहपूर्ण निमंत्रण पर, पुसिन पेरिस में काम करने आए, जहां उन्हें फॉनटेनब्लियू और सेंट-जर्मेन में अपने चैपल के लिए पेंटिंग पेंट करने के लिए राजा से एक आदेश मिला।
1642 की शरद ऋतु में पुसिन फिर से रोम के लिए प्रस्थान करता है। इस अवधि के चित्रों के विषय शासकों, बाइबिल या प्राचीन नायकों के गुण और वीरता थे।.
Scipio की उदारता। 1643
1940 के दशक के उत्तरार्ध में, पुसिन ने सेवन सैक्रामेंट चक्र बनाया, जिसमें उन्होंने ईसाई हठधर्मिता के गहरे दार्शनिक महत्व का खुलासा किया: "लैंडस्केप विद द एपोस्टल मैथ्यू", "लैंडस्केप विद द एपोस्टल जॉन ऑन द आईलैंड ऑफ पेटमोस" (शिकागो, कला संस्थान)।
अंत 40-x - 50 के दशक की शुरुआत - पुसिन के काम में फलदायी अवधियों में से एक: उन्होंने पेंटिंग "एलियाज़र और रेबेका", "लैंडस्केप विद डायोजनीज", "लैंडस्केप विद द हाई रोड", "द जजमेंट ऑफ सोलोमन", "द सेंट पॉल का एक्स्टसी", "आर्कडियन शेफर्ड", दूसरा सेल्फ-पोर्ट्रेट।
पॉलीफेमस के साथ लैंडस्केप। 1648
रचनात्मकता की अंतिम अवधि (1650-1665) में, पुसिन ने तेजी से परिदृश्य की ओर रुख किया, उनके चरित्र साहित्यिक, पौराणिक विषयों से जुड़े थे।.
1660 की गर्मियों में वह दुनिया और मानव जाति के इतिहास का प्रतीक बाइबिल के दृश्यों के साथ "द फोर सीजन्स" परिदृश्य की एक श्रृंखला बनाता है: "वसंत", "ग्रीष्मकालीन", "शरद ऋतु", "शीतकालीन"।
पोसिन के परिदृश्य बहुआयामी हैं, योजनाओं के विकल्प पर प्रकाश और छाया की धारियों द्वारा जोर दिया गया था, अंतरिक्ष और गहराई के भ्रम ने उन्हें महाकाव्य शक्ति और भव्यता दी थी। जैसा कि ऐतिहासिक चित्रों में होता है, मुख्य पात्र आमतौर पर अग्रभूमि में स्थित होते हैं और उन्हें परिदृश्य के अविभाज्य भाग के रूप में माना जाता है।
मास्टर का अंतिम, अधूरा कैनवास "अपोलो और डाफ्ने" (1664) है।
अपोलो और डाफ्ने की प्रेम कहानी ओविड द्वारा बताई गई है। डेफने ने देवी आर्टेमिस की तरह पवित्र रहने और ब्रह्मचारी रहने का वचन दिया। एक खूबसूरत अप्सरा के प्यार की तलाश में अपोलो ने उसे डरा दिया। मानो उसने उसे अंध सौंदर्य के माध्यम से भेड़िये की क्रूरता में देखा हो। लेकिन ईश्वर की आत्मा में, इनकार से उत्तेजित होकर, एक भावना अधिक से अधिक भड़क उठी।
तुम मुझसे क्यों भाग रहे हो, अप्सरा? वह चिल्लाया, उसे पकड़ने की कोशिश कर रहा था। - मैं डाकू नहीं हूँ! जंगली चरवाहा नहीं! मैं ज़ीउस का पुत्र अपोलो हूँ! विराम!
डाफ्ने जितनी तेज दौड़ सकती थी दौड़ती रही। पीछा करीब आ रहा है, लड़की पहले से ही अपनी पीठ के पीछे अपोलो की गर्म सांस महसूस करती है। मत छोड़ो! और उसने फादर पेनियस से मदद के लिए प्रार्थना की:
पिता
! अपनी बेटी की मदद करो! मुझे छिपाओ या मेरा रूप बदलो ताकि यह जानवर मुझे छू न सके!
जैसे ही ये शब्द बोले गए, डैफने को लगा कि उसके पैर सख्त हो रहे हैं और टखनों तक जमीन में धंस रहे हैं। पसीने से लथपथ कपड़ों की सिलवटें छाल में बदल जाती हैं, बाहें शाखाओं में फैल जाती हैं: देवताओं ने डाफ्ने को लॉरेल के पेड़ में बदल दिया। व्यर्थ में अपोलो ने एक सुंदर लॉरेल को गले लगाया, दु: ख से उसने इसे अपना पसंदीदा और पवित्र पौधा बना दिया और लॉरेल शाखाओं से बुने हुए पुष्पांजलि के साथ अपने सिर को सजाया।
अपोलो के आदेश से, अप्सरा के साथियों ने पेलोपोनेसियन राजा एनोमौस ल्यूसिपस के बेटे को मार डाला, जो उससे प्यार करता था और एक महिला की पोशाक में उसका पीछा करता था ताकि कोई उसे पहचान न सके।
डाफ्ने - एक प्राचीन पौधे देवता, अपोलो के घेरे में प्रवेश किया, अपनी स्वतंत्रता खो दी और भगवान का एक गुण बन गया। डेल्फ़िक दैवज्ञ अपोलो की संपत्ति बनने से पहले, इसके स्थान पर गैया की भूमि का दैवज्ञ था, और फिर डाफ्ने। और बाद में डेल्फी की जीत मेंप्रतियोगिताओं में भाग लेने वाले एथलीटों को लॉरेल माल्यार्पण किया गया। कैलिमाचस ने डेलोस पर पवित्र लॉरेल का उल्लेख किया है। होमरिक भजन लॉरेल पेड़ से ही भविष्यवाणियों के बारे में बताता है। थेब्स में डेफनेफोरिया के त्योहार पर, लॉरेल शाखाओं को ले जाया गया।
19 नवंबर, 1665निकोलासपुसिन मर चुका है।परएलिकोपेंटिंग के इतिहास के लिए उनके काम का महत्व। उनसे पहले के फ्रांसीसी कलाकार पारंपरिक रूप से पुनर्जागरण इटली की कला से परिचित थे। लेकिन वे इतालवी रीतिवाद, बारोक, कारवागिज़्म के उस्तादों के कार्यों से प्रेरित थे। पॉसिन पहले फ्रांसीसी चित्रकार थे जिन्होंने लियोनार्डो दा विंची और राफेल की शास्त्रीय शैली की परंपरा को अपनाया था। दृश्य तकनीकों की स्पष्टता, निरंतरता और क्रमबद्धता, कला का वैचारिक और नैतिक अभिविन्यासपोसिनबाद में अपने काम को फ्रांस की चित्रकला और मूर्तिकला अकादमी के लिए एक मानक बनाया, जो कि कैनन के विकास में लगा हुआ था,सौंदर्य मानकऔर कलात्मक रचनात्मकता के अनिवार्य नियम।
डायना और ओरियन के साथ लैंडस्केप। 1660-64
डायना - वनस्पति की देवी, प्रसूति विशेषज्ञ, चंद्रमा की पहचान, आर्टेमिस और हेकाटे के साथ की गई थी। उसे ट्रिविया कहा जाता था - "तीन सड़कों की देवी" (उसकी छवि चौराहे पर रखी गई थी), जिसे डायना की सर्वोच्च शक्ति के संकेत के रूप में भी व्याख्या किया गया था: स्वर्ग में, पृथ्वी पर और भूमिगत।
डायना के अभयारण्य कैंपानिया में माउंट टिफ़ैट पर (इसलिए एपिथेट डायना टिफ़तिना) और अरिसिया क्षेत्र में नेमी झील पर एक ग्रोव में जाने जाते हैं। डायना को लैटिन संघ की संरक्षक देवी माना जाता था, और रोम में इस संघ में सर्वोच्चता के हस्तांतरण के साथ, राजा सर्वियस टुलियस ने एवेंटीना पर डायना के मंदिर की स्थापना की, जो लैटिन, प्लेबीयन और दासों के लिए पूजा का पसंदीदा स्थान बन गया। जो रोम चले गए या पकड़े गए; मंदिर की नींव की वर्षगांठ को दासों की छुट्टी माना जाता था - सर्वोरम मर जाता है। इसने डायना की लोकप्रियता को निम्न वर्गों के बीच सुनिश्चित किया, जिन्होंने उनके प्रशंसकों के कई कॉलेज बनाए।
एक असाधारण गाय के बारे में एवेंटिना पर डायना के मंदिर के साथ एक किंवदंती जुड़ी हुई है, जिसके मालिक ने भविष्यवाणी की थी कि जिसने इस मंदिर में डायना को बलिदान दिया था, वह अपने शहर को इटली पर शक्ति प्रदान करेगा। राजा सर्वियस टुलियस ने इस भविष्यवाणी के बारे में जानकर, चालाकी से एक गाय को अपने कब्जे में ले लिया, उसकी बलि दी और उसके सींगों को मंदिर में लगा दिया।
डायना को चंद्रमा की पहचान माना जाता था, ठीक उसी तरह जैसे उसके भाई अपोलो की पहचान रोमन पुरातनता के अंत में सूर्य के साथ की गई थी। इसके बाद, उसे नेमसिस और कार्थागिनियन स्वर्गीय देवी सेलेस्टे के साथ पहचाना गया। रोमन प्रांतों में, डायना के नाम पर, देशी देवी पूजनीय थीं - "जंगल की मालकिन", देवी-माताएँ, सब्जी और पशु उर्वरता देने वाली।
greekroman.ru/gallery/art_poussin.htm
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