نقاشی های هنرمندان ژاپنی را تماشا کنید. فوجیشیما تاکجی "طلوع خورشید بر فراز دریای شرقی". چیهارو شیما و رشته های بی پایان

کاهش وزن

نقاشی ژاپنی یکی از زیباترین نقاشی های دنیاست. نقاشی ژاپنی یکی از قدیمی ترین ومناظر شگفت انگیز خلاقیت مانند هر دیگری، تاریخ طولانی خود را دارد که می توان آن را با توجه به تکنیک ها و ویژگی ها به چند دوره تقسیم کرد. وجه اشتراک همه دوره ها طبیعت است که در نقاشی ها جایگاه اصلی به آن داده شده است. در رتبه دوم محبوبیت در هنرهای زیبای ژاپن قرار دارندصحنه های روزمره

از زندگی

یاماتویاماتو

(قرن VI-VII) - اولین دوره هنر ژاپنی که پایه و اساس نوشتن را گذاشت. پیشرفت هنر با دستاوردهای چین در زمینه های دین و نوشتن انگیزه ایجاد کرد. ژاپن تلاش کرد تا به سطح خود برسد و در ساختار خود تغییراتی ایجاد کند و همه چیز را در تصویر چین بسازد. برای توسعه نقاشی، تعداد زیادی از آثار استادان چینی به ژاپن آورده شد که الهام بخش ژاپنی ها بود، که جسورانه برای ایجاد نقاشی های مشابه عجله کردند.

نقاشی در مقبره تاکاماتسوزوکا

• این دوره شامل دو دوره کودک است:کوفون
• - دوره ای از هنر ژاپنی که نیمه اول یاماتو را اشغال کرده است. نام دوره به عنوان "دوره تپه" ترجمه شده است. در آن روزها، در واقع، تپه ها نقش بزرگی داشتند و آنها را در همه جا ایجاد می کردند.آسوکا

- قسمت دوم دوران یاماتو. این دوره به نام مرکز سیاسی کشور که در آن سالها فعالیت می کرد نامگذاری شد. این با ورود بودیسم به ژاپن و متعاقباً با توسعه فعال همه مناطق فرهنگی همراه است.

بودیسم که از چین آمده بود، به طور فعال در ژاپن گسترش یافت که به ظهور مضامین مذهبی در هنر کمک کرد. هنرمندان ژاپنی که مجذوب این موضوع شده بودند، دیوارهای معابدی را که توسط افراد تأثیرگذار ایجاد شده بود، نقاشی کردند. امروزه معبد Horyu-ji نقاشی های دیواری مربوط به آن زمان را حفظ کرده است.

آزوچی-مومویاما

این دوره کاملاً برعکس دوره قبلی خود است. تاریکی و تک رنگ آثار را ترک می کند و رنگ های روشن و استفاده از طلا و نقره در نقاشی ها جای خود را می گیرد.

سرو صفحه نمایش. کانو ایتوکو

میجی

در قرن نوزدهم، تقسیم نقاشی ژاپنی به سبک های سنتی و اروپایی آغاز شد که به شدت با یکدیگر رقابت می کردند. در این دوره تغییرات سیاسی عظیمی در ژاپن رخ داد. نفوذ اروپا در آن سال ها تقریباً در هر گوشه از کره زمین تأثیر گذاشت و ویژگی های خاص خود را به هر ایالت وارد کرد. سبک اروپاییهنر به طور فعال توسط مقامات حمایت می شد و سنت های قدیمی را رد می کرد. اما به زودی هیجان پیرامون نقاشی غربی به سرعت فروکش کرد و علاقه به آن هنر سنتیناگهان برگشت

توسعه نقاشی ژاپنیبه روز رسانی: 15 سپتامبر 2017 توسط: والنتینا

هوکوسای، هنرمند ژاپنی قرن هجدهم، عددی گیج کننده خلق کرد اثر هنری. هوکوسای تا سنین پیری کار می‌کرد و همواره ادعا می‌کرد که «هر کاری که قبل از 70 سالگی انجام می‌داد، ارزشی نداشت و ارزش توجه نداشت».

شاید معروف ترین هنرمند ژاپنی در جهان، او همیشه از همنوعان خود به دلیل علاقه اش به زندگی روزمره. هوکوسای به جای به تصویر کشیدن گیشاهای پر زرق و برق و سامورایی های قهرمان، کارگران، ماهیگیران و صحنه های سبک شهری را نقاشی می کرد که هنوز موضوع مورد توجه هنر ژاپنی نبود. او همچنین رویکرد اروپایی به آهنگسازی داشت.

اینجا لیست کوتاهاصطلاحات کلیدی که به شما کمک می کند تا کمی در کار هوکوسای حرکت کنید.

1 Ukiyo-e چاپ‌ها و نقاشی‌هایی هستند که از سال‌های 1600 تا 1800 در ژاپن رایج بودند. جنبشی در هنرهای زیبا ژاپنی که از دوره ادو شکل گرفت. این اصطلاح از کلمه "ukyo" به معنای "دنیای قابل تغییر" گرفته شده است. Uikiye اشاره‌ای به شادی‌های لذت‌گرایانه طبقه بازرگان در حال رشد است. در این راستا هوکوسای مشهورترین هنرمند است.

هوکوسای در طول زندگی خود حداقل از سی نام مستعار استفاده کرد. علیرغم این واقعیت که استفاده از نام مستعار در بین هنرمندان ژاپنی آن زمان رایج بود، او از نظر تعداد نام مستعار به طور قابل توجهی از سایر نویسندگان اصلی پیشی گرفت. نام مستعار هوکوسای اغلب برای دوره‌بندی مراحل کار او استفاده می‌شود.

2 دوره ادو زمان بین 1603 و 1868 اینچ است تاریخ ژاپن، سپس رشد اقتصادی مورد توجه قرار گرفت و علاقه جدیدبه هنر و فرهنگ

3 Shunrō اولین نام مستعار هوکوسای است.

4 Shunga در لغت به معنای "تصویر بهار" است و "بهار" زبان عامیانه ژاپنی برای سکس است. بنابراین، اینها حکاکی هایی با ماهیت اروتیک هستند. آنها توسط معتبرترین هنرمندان از جمله هوکوسای خلق شدند.

5 سوریمونو. آخرین "سوریمونو"، همانطور که این چاپ های سفارشی نامیده می شد، موفقیت بزرگی بود. برخلاف چاپ های ukiyo-e که برای مخاطبان انبوه در نظر گرفته شده بود، سوریمونو به ندرت به عموم مردم فروخته می شد.

6 کوه فوجی یک کوه متقارن است که اتفاقاً بلندترین کوه ژاپن است. در طول سال‌ها، الهام بخش بسیاری از هنرمندان و شاعران، از جمله هوکوسای، که مجموعه ukiyo-e سی و شش نما از کوه فوجی را منتشر کرد، بوده است. این مجموعه شامل معروف ترین چاپ های هوکوسای است.

7 ژاپنیسم - تأثیر ماندگاری که هوکوسای بر نسل های بعدی گذاشت هنرمندان غربی. ژاپنیسم سبکی است که از رنگ‌های پر جنب و جوش پرینت‌های ukiyo-e، فقدان پرسپکتیو و آزمایش‌های ترکیبی الهام گرفته شده است.

ژاپنی نقاشی کلاسیکدارای طولانی و داستان جالب. هنرهای زیبای ژاپن در ارائه شده است سبک های مختلفو ژانرهایی که هر کدام در نوع خود منحصر به فرد هستند. مجسمه‌های نقاشی شده باستانی و نقوش هندسی که بر روی زنگ‌های دوتاکوی برنزی و خرده‌های سفال یافت شده‌اند، قدمت آن‌ها به ۳۰۰ پس از میلاد باز می‌گردد.

گرایش بودایی هنر

هنر نقاشی دیواری در قرن ششم به خوبی در ژاپن توسعه یافت، تصاویری با موضوع فلسفه بودایی بسیار محبوب بود. در آن زمان معابد بزرگی در کشور ساخته می شد و دیوارهای آنها همه جا با نقاشی های دیواری که بر اساس صحنه هایی از اساطیر و افسانه های بودایی نقاشی شده بود تزئین شده بود. نمونه های باستانی نقاشی های دیواری هنوز در معبد هوریوجی در نزدیکی شهر نارا ژاپن نگهداری می شود. نقاشی های دیواری هوریوجی صحنه هایی از زندگی بودا و دیگر خدایان را به تصویر می کشد. سبک هنری این نقاشی های دیواری بسیار نزدیک است مفهوم بصری، محبوب در چین در زمان سلسله سونگ.

سبک نقاشی سلسله تانگ در اواسط دوره نارا محبوبیت خاصی پیدا کرد. نقاشی های دیواری کشف شده در مقبره تاکاماتسوزوکا به حدود قرن هفتم پس از میلاد از این دوره بازمی گردد. تکنیک هنری که تحت تأثیر سلسله تانگ شکل گرفت، متعاقباً اساس ژانر نقاشی کارا را تشکیل داد. این ژانر محبوبیت خود را تا زمان ظهور اولین آثار به سبک Yamato-e حفظ کرد. بیشتر نقاشی های دیواری و شاهکارهای زیبامتعلق به قلم مو نویسندگان ناشناس، امروزه بسیاری از آثار آن دوره در خزانه سیسوین نگهداری می شود.

نفوذ فزاینده مدارس بودایی جدید مانند Tendai بر جهت گیری مذهبی گسترده تر تأثیر گذاشت هنرهای زیباژاپن در قرن هشتم و نهم. در قرن دهم، که شاهد پیشرفت خاصی در بودیسم ژاپن بود، ژانر رایگوزو، "نقاشی های خوش آمدید" ظاهر شد که ورود بودا به بهشت ​​غربی را به تصویر می کشید. نمونه‌های اولیه رایگوزو که به سال 1053 بازمی‌گردد، در معبد Bedo-in که در شهر اوجی، استان کیوتو باقی مانده است، دیده می‌شود.

تغییر سبک ها

در اواسط دوره هیان با چینی جایگزین شد سبک کاراژانر Yamato-e می آید، که برای مدت طولانی تبدیل به یکی از محبوب ترین و مورد توجه ترین ژانرهای نقاشی ژاپنی می شود. سبک جدید تصویری عمدتاً در نقاشی صفحه نمایش تاشو و درهای کشویی مورد استفاده قرار گرفت. با گذشت زمان، yamato-e به طومارهای افقی emakimono نیز رفت. هنرمندانی که در ژانر emaki کار می کردند سعی کردند در آثار خود تمام احساسی بودن طرح انتخابی را منتقل کنند. طومار Genji-monogatari شامل چندین قسمت متصل به هم بود که هنرمندان آن زمان از آن استفاده می کردند سکته های سریعو رنگ های روشن و گویا.

E-maki یکی از قدیمی ترین و قدیمی ترین است نمونه های برجسته Otoko-e، ژانری برای به تصویر کشیدن پرتره های مردانه. پرتره زنانبرجسته شده در ژانر جداگانهاونا-اوه بین این ژانرها، در واقع، درست مانند مردان و زنان، تفاوت های کاملاً چشمگیری قابل مشاهده است. سبک onna-e به صورت رنگارنگ در طراحی Tale of Genji نشان داده شده است، که در آن مضامین اصلی نقاشی ها موضوعات عاشقانه و صحنه هایی از زندگی دربار است. سبک otoko-e مردانه در درجه اول یک تصویر هنری از نبردهای تاریخی و موارد دیگر است رویدادهای مهمدر زندگی امپراتوری

مدرسه هنر کلاسیک ژاپن به زمینی برای توسعه و ترویج ایده ها تبدیل شده است هنر معاصرژاپن که تاثیر فرهنگ پاپ و انیمه در آن به وضوح قابل مشاهده است. یکی از مشهورترین هنرمندان ژاپنی زمان ما را می توان تاکاشی موراکامی نامید که کارهایش به به تصویر کشیدن صحنه هایی از زندگی ژاپنی اختصاص دارد. دوران پس از جنگو مفهوم حداکثر همجوشی هنر زیباو جریان اصلی

از هنرمندان مشهور ژاپنی مدرسه کلاسیکمی توانیم موارد زیر را نام ببریم.

خوبون تنش

سیوبون در آغاز قرن پانزدهم کار کرد و زمان زیادی را به مطالعه آثار استادان چینی سلسله سونگ اختصاص داد، این مرد در خاستگاه ژاپنی ها ایستاد. ژانر بصری. Shubun را بنیانگذار سبک sumi-e، نقاشی با جوهر تک رنگ می دانند. او تلاش زیادی برای رواج این ژانر جدید انجام داد و آن را به یکی از زمینه های پیشرو در نقاشی ژاپنی تبدیل کرد. شاگردان سیوبون تعداد زیادی بودند که بعدها تبدیل شدند هنرمندان مشهوراز جمله Sesshu و موسس معروف مدرسه هنرکانو ماسانوبو. مناظر زیادی به شوبون نسبت داده شد، اما مشهورترین اثر او به طور سنتی "خواندن در بیشه بامبو" در نظر گرفته می شود.

اوگاتا کورین (1658-1716)

اوگاتا کورین یکی از هنرمندان بزرگدر تاریخ نقاشی ژاپنی، بنیانگذار و یکی از درخشان ترین نمایندگان سبک هنریریمپا کورین شجاعانه در آثار خود از کلیشه های سنتی فاصله گرفت و سبک خود را شکل داد که ویژگی های اصلی آن اشکال کوچک و امپرسیونیسم روشن طرح بود. کورین به دلیل مهارت خاص خود در به تصویر کشیدن طبیعت و کار با ترکیبات رنگی انتزاعی معروف است. "شکوفه های آلو قرمز و سفید" یکی از بهترین هاست آثار معروفاوگاتا کورینا، نقاشی های او "گل داودی"، "امواج ماتسوشیما" و تعدادی دیگر نیز شناخته شده است.

هاسگاوا توهاکو (1539-1610)

توهاکو بنیانگذار مکتب هنر هاسگاوا ژاپن است. برای دوره اولیهویژگی خلاقیت توهاکو تأثیر مکتب معروف نقاشی ژاپنی است کانو، اما با گذشت زمان این هنرمند سبک منحصر به فرد خود را شکل داد. از بسیاری جهات، آثار توهاکو تحت تأثیر آثار استاد شناخته شده سشو قرار داشت و حتی خود را پنجمین جانشین این استاد بزرگ می دانست. نقاشی هاسگاوا توهاکو "کاج ها" دریافت شد شهرت جهانیآثار او «افرا»، «کاج و گیاهان گلدار» و غیره نیز شناخته شده است.

کانو ایتوکو (1543-1590)

سبک مکتب کانو حدود چهار قرن بر هنرهای تجسمی ژاپن تسلط داشت و کانو ایتوکو شاید یکی از مشهورترین و مشهورترین آنها باشد. نمایندگان برجستهاین مدرسه هنری ایتوکو مورد علاقه مقامات بود، حمایت اشراف و حامیان ثروتمند نمی توانست کمکی به تقویت مکتب او و محبوبیت آثارش کند، بدون شک بسیار. هنرمند با استعداد. صفحه کشویی سرو هشت صفحه ای که توسط Eitoku Kano نقاشی شده است، یک شاهکار واقعی است و نمونه درخشاندامنه و قدرت سبک Monoyama. سایر کارهای استاد مانند "پرندگان و درختان چهار فصل" کمتر جالب به نظر نمی رسند. شیرهای چینی"، "زاهدان و پری" و بسیاری دیگر.

کاتسوشیکا هوکوسای (1760-1849)

هوکوسای – بزرگترین استادژانر ukiyo-e (نقشه چوبی ژاپنی). خلاقیت هوکوسای دریافت شد به رسمیت شناختن جهانیشهرت او در کشورهای دیگر با اکثر هنرمندان آسیایی قابل مقایسه نیست، آثار او. موج بزرگدر کاناگاوا" چیزی شبیه به کارت ویزیتهنرهای زیبا ژاپنی در صحنه هنر جهان به تنهایی مسیر خلاقانههوکوسای پس از شصت سال از بیش از 30 نام مستعار استفاده کرد و این هنرمند به طور کامل خود را وقف هنر کرد و این بار پربارترین دوره کار او محسوب می شود. آثار هوکوسای بر آثار استادان غربی امپرسیونیسم و ​​دوره پست امپرسیونیسم، از جمله آثار رنوار، مونه و ون گوگ تأثیر گذاشت.

نقاشی ژاپنی یک حرکت کاملا منحصر به فرد در هنر جهان است. از زمان های قدیم وجود داشته است، اما به عنوان یک سنت محبوبیت و توانایی خود را برای شگفتی از دست نداده است.

توجه به سنت ها

شرق فقط در مورد مناظر، کوه ها و طلوع خورشید نیست. اینها نیز کسانی هستند که داستان او را خلق کردند. این افراد هستند که قرن ها از سنت نقاشی ژاپنی حمایت کرده و هنر خود را توسعه و ارتقا داده اند. کسانی که سهم قابل توجهی در تاریخ داشتند هنرمندان ژاپنی هستند. به لطف آنها، مدرن ها تمام قوانین نقاشی سنتی ژاپنی را حفظ کرده اند.

نحوه اجرای تابلوها

برخلاف اروپا، هنرمندان ژاپنی ترجیح می‌دادند بیشتر به گرافیک نزدیک شوند تا نقاشی. در چنین نقاشی هایی، ضربات روغنی خشن و بی دقتی را که مشخصه امپرسیونیست هاست، پیدا نمی کنید. ماهیت گرافیکی چنین هنری چیست درختان ژاپنی، صخره ها، حیوانات و پرندگان - همه چیز در این نقاشی ها تا حد امکان واضح و با خطوط جوهر محکم و مطمئن کشیده شده است. تمام اشیاء در ترکیب باید یک طرح کلی داشته باشند. پر کردن داخل طرح معمولا با آبرنگ انجام می شود. رنگ شسته می شود، سایه های دیگر اضافه می شود و در جایی رنگ کاغذ باقی می ماند. تزئینی بودن دقیقاً همان چیزی است که نقاشی های ژاپنی را از هنر کل جهان متمایز می کند.

تضاد در نقاشی

کنتراست یکی دیگر از تکنیک های مشخصه مورد استفاده هنرمندان ژاپنی است. این می تواند تفاوت در تن، رنگ یا تضاد سایه های گرم و سرد باشد.

هنرمند زمانی که بخواهد برخی از عناصر موضوع را برجسته کند به این تکنیک متوسل می شود. این می تواند یک رگ روی یک گیاه، یک گلبرگ جداگانه یا یک تنه درخت در مقابل آسمان باشد. سپس بخش نور و نور شی و سایه زیر آن به تصویر کشیده می شود (یا برعکس).

انتقال و راه حل های رنگی

هنگام نقاشی نقاشی های ژاپنی، اغلب از انتقال استفاده می شود. آنها می توانند متفاوت باشند: به عنوان مثال، از یک رنگ به رنگ دیگر. روی گلبرگ های نیلوفرهای آبی و گل صد تومانی می توانید تغییری از سایه روشن به رنگ غنی و روشن را مشاهده کنید.

انتقال همچنین در تصویر سطح آب و آسمان استفاده می شود. خیلی قشنگ به نظر میرسه انتقال صافاز غروب آفتاب تا تاریکی و گرگ و میش عمیق. هنگام ترسیم ابرها از انتقال از نیز استفاده می کنند سایه های مختلفو رفلکس ها

انگیزه های اصلی نقاشی ژاپنی

در هنر همه چیز با هم در ارتباط است زندگی واقعی، با احساسات و عواطف دست اندرکاران آن. همانطور که در ادبیات، موسیقی و سایر اشکال خلاقیت، چندین موضوع ابدی در نقاشی وجود دارد. این موضوعات تاریخی، تصاویری از مردم و طبیعت.

مناظر ژاپنی انواع مختلفی دارند. اغلب در نقاشی ها تصاویری از حوضچه ها وجود دارد - یک قطعه مبلمان مورد علاقه برای ژاپنی ها. یک حوض تزئینی، چندین نیلوفر آبی و بامبو در نزدیکی - این چیزی است که یک تصویر معمولی از قرن 17-18 به نظر می رسد.

حیوانات در نقاشی ژاپنی

حیوانات نیز عنصری مکرر در نقاشی آسیایی هستند. به طور سنتی این یک ببر پرنده یا یک گربه خانگی است. به طور کلی، آسیایی ها بسیار دوست دارند و بنابراین نمایندگان آنها در تمام اشکال هنر شرقی یافت می شوند.

دنیای جانوران موضوع دیگری است که نقاشی ژاپنی از آن پیروی می کند. پرندگان - جرثقیل ها، طوطی های تزئینی، طاووس های مجلل، پرستوها، گنجشک های نامحسوس و حتی خروس ها - همه آنها در نقاشی های استادان شرقی یافت می شوند.

ماهی - نه کمتر موضوع داغبرای هنرمندان ژاپنی کپور کوی نسخه ژاپنی ماهی قرمز است. این موجودات در آسیا در تمام برکه ها حتی در پارک ها و باغ های کوچک زندگی می کنند. کپور کوی نوعی سنت است که به طور خاص متعلق به ژاپن است. این ماهی ها نماد مبارزه، عزم و اراده و رسیدن به هدف شما هستند. بیهوده نیست که آنها در حال شناور بودن با جریان، همیشه با تاج های موجی تزئینی به تصویر کشیده می شوند.

نقاشی های ژاپنی: تصویر مردم

افراد در نقاشی ژاپنی موضوع خاصی هستند. هنرمندان گیشاها، امپراتوران، جنگجویان و بزرگان را به تصویر می کشیدند.

گیشاها در محاصره گل ها به تصویر کشیده شده اند که همیشه ردایی پیچیده با چین ها و عناصر فراوان به تن دارند.

حکیمان به تصویر کشیده می شوند که نشسته اند یا چیزی را برای دانش آموزانشان توضیح می دهند. تصویر دانشمند قدیمی نمادی از تاریخ، فرهنگ و فلسفه آسیا است.

جنگجو به شکلی مهیب و گاهی ترسناک به تصویر کشیده شد. بلندها با جزئیات کشیده شده بودند و شبیه سیم بودند.

معمولاً تمام جزئیات زره با استفاده از جوهر روشن می شود. غالباً جنگجویان برهنه با خالکوبی هایی تزئین می شوند که یک اژدهای شرقی را نشان می دهد. این نماد قدرت و قدرت نظامیژاپن.

حاکمان برای خانواده های امپراتوری به تصویر کشیده شده بودند. لباس های زیبا، تزئینات در موهای مردانه چیزی است که چنین آثار هنری در آن فراوان است.

مناظر

چشم انداز سنتی ژاپنی - کوه ها. نقاشان آسیایی در به تصویر کشیدن مناظر گوناگون موفق شده اند: آنها می توانند قله یکسان را در رنگ های مختلف و با حال و هوای متفاوت به تصویر بکشند. تنها چیزی که بدون تغییر باقی می ماند وجود اجباری گل است. معمولاً در کنار کوه ها، هنرمند نوعی گیاه را روی آن به تصویر می کشد پیش زمینهو آن را با جزئیات ترسیم می کند. کوه ها و شکوفه های گیلاس. و اگر آنها گلبرگ های در حال سقوط را نقاشی کنند، تصویر زیبایی غم انگیز آن را تحسین می کند. تضاد در فضای تصویر یکی دیگر از ویژگی های قابل توجه فرهنگ ژاپنی است.

هیروگلیف

اغلب ترکیب یک تصویر در نقاشی ژاپنی با نوشتن ترکیب می شود. هیروگلیف ها طوری چیده شده اند که از نظر ترکیب بندی زیبا به نظر می رسند. آنها معمولاً در سمت چپ یا راست نقاشی کشیده می شوند. هیروگلیف می تواند نشان دهنده آنچه در نقاشی، عنوان آن، یا نام هنرمند به تصویر کشیده شده است را نشان دهد.

ژاپن یکی از غنی ترین کشورها در تاریخ و فرهنگ است. در سرتاسر جهان، ژاپنی‌ها عموماً افرادی فضول هستند که زیبایی‌شناسی را در تمام مظاهر زندگی می‌یابند. بنابراین، نقاشی های ژاپنی همیشه از نظر رنگ و لحن بسیار هماهنگ هستند: اگر شامل برخی از آنها باشد رنگ روشن- سپس فقط در مراکز معنایی. با استفاده از نقاشی های هنرمندان آسیایی به عنوان مثال، می توانید تئوری رنگ، نمایش صحیح فرم با استفاده از گرافیک و ترکیب بندی را مطالعه کنید. تکنیک عملکرد نقاشی های ژاپنیآنقدر بالا که می تواند نمونه ای برای کار با آبرنگ و اجرای «شستشو» کارهای گرافیکی باشد.

هنر و طراحی

2702

01.02.18 09:02

امروز صحنه هنریژاپن بسیار متنوع و تحریک آمیز است: نگاهی به کار استادان این کشور طلوع خورشید، تصمیم می گیرید که به سیاره دیگری رسیده اید! خانه نوآورانی که چشم انداز صنعت را در مقیاس جهانی تغییر داده اند. در اینجا لیستی از 10 هنرمند معاصر ژاپنی و خلاقیت های آنها، از موجودات باورنکردنی تاکاشی موراکامی (که امروز تولدش را جشن می گیرد) تا جهان رنگارنگ کوساما را مشاهده می کنید.

از جهان های آینده نگر تا صورت فلکی نقطه چین: هنرمندان معاصر ژاپنی

تاکاشی موراکامی: سنت گرا و کلاسیک

بیایید با قهرمان مناسبت شروع کنیم! تاکاشی موراکامی یکی از نمادین‌ترین هنرمندان معاصر ژاپن است که روی نقاشی‌ها، مجسمه‌های بزرگ و لباس‌های مد کار می‌کند. سبک موراکامی متاثر از مانگا و انیمه است. او بنیانگذار جنبش Superflat است که از سنت های هنری ژاپن و فرهنگ این کشور پس از جنگ حمایت می کند. موراکامی بسیاری از هم دوره‌های خود را تبلیغ کرد و امروز نیز با برخی از آنها آشنا خواهیم شد. آثار "خرده فرهنگی" تاکاشی موراکامی در بازارهای هنری مد و هنر ارائه می شود. فیلم تحریک‌آمیز «کاوبوی من تنها» (1998) در سال 2008 در نیویورک در حراج ساتبی به قیمت رکورد 15.2 میلیون دلار فروخته شد. موراکامی با برندهای معروف جهانی مارک جاکوبز، لویی ویتون و ایسی میاکه همکاری داشته است.

آرام آشیما و جهان سورئال او

چیچو آشیما یکی از اعضای شرکت تولید هنری Kaikai Kiki و جنبش Superflat (که هر دو توسط تاکاشی موراکامی تأسیس شده‌اند)، به خاطر مناظر شهری خارق‌العاده و موجودات عجیب پاپ معروف است. این هنرمند رویاهای سورئال را ایجاد می کند که در آن شیاطین، ارواح، زیبایی های جوان زندگی می کنند که در پس زمینه طبیعت عجیب و غریب به تصویر کشیده شده است. آثار او معمولاً در مقیاس بزرگ هستند و روی کاغذ، چرم و پلاستیک چاپ می‌شوند. در سال 2006، این مدرن هنرمند ژاپنیدر Art on the Underground لندن شرکت کرد. او 17 قوس متوالی برای سکو ایجاد کرد - منظره جادوییبه تدریج از روز به شب، از شهری به روستایی تبدیل شد. این معجزه در ایستگاه متروی Gloucester Road شکوفا شد.

چیهارو شیما و رشته های بی پایان

هنرمند دیگری، چیهارو شیوتا، بر روی اینستالیشن های بصری در مقیاس بزرگ برای مکان های دیدنی خاص کار می کند. او در اوزاکا متولد شد، اما اکنون در آلمان - در برلین - زندگی می کند. موضوعات مرکزیکار او فراموشی و خاطره، رویاها و واقعیت، گذشته و حال و همچنین مقابله با اضطراب است. بیشترین آثار معروفچیهارو شیوتا - شبکه های غیر قابل نفوذ از نخ سیاه که بسیاری از اشیاء خانگی و شخصی را می پوشاند - مانند صندلی های قدیمی، لباس عروسی، پیانوی سوخته. در تابستان 2014، شیوتا کفش‌ها و چکمه‌های اهدایی (که بیش از 300 عدد از آن‌ها بود) را با رشته‌هایی از نخ قرمز به هم بست و به قلاب آویزان کرد. اولین نمایشگاه چیهارو در پایتخت آلمان در هفته هنر برلین در سال 2016 برگزار شد و شور و هیجانی برانگیخت.

هی آراکاوا: همه جا، هیچ جا

هی آراکاوا از حالت‌های تغییر، دوره‌های بی‌ثباتی، عناصر خطر الهام گرفته شده است و نصب‌های او اغلب نمادی از مضامین دوستی و کار گروهی است. باور هنرمند معاصر ژاپنی با نمایشی نامشخص «همه جا، اما هیچ کجا» تعریف می شود. مخلوقات او ظاهر می شود مکان های غیر منتظره. در سال 2013، آثار آراکاوا به نمایش گذاشته شد دوسالانه ونیزو در نمایشگاه هنر معاصر ژاپن در موزه هنر موری (توکیو). نصب هاوایی حضور (2014) بود پروژه مشترکبا هنرمند نیویورکی Carissa Rodriguez و در دوسالانه ویتنی شرکت کرد. همچنین در سال 2014، آراکاوا و برادرش تومو، که به عنوان دوتایی به نام برادران یونایتد اجرا می‌کردند، به بازدیدکنندگان فریز لندن «کار» خود «The This Soup Taste Ambivalent» با سبزیجات ریشه دایکون فوکوشیما «رادیواکتیو» را پیشنهاد کردند.

کوکی تاناکا: روابط و تکرارها

در سال 2015، کوکی تاناکا به عنوان "هنرمند سال" شناخته شد. تاناکا تجربه مشترک خلاقیت و تخیل را بررسی می کند، تبادل بین شرکت کنندگان پروژه را تشویق می کند و از قوانین جدید همکاری حمایت می کند. نصب آن در غرفه ژاپن در دوسالانه ونیز 2013 شامل ویدئوهایی از اشیا بود که فضا را به سکویی برای تبادل هنری تبدیل می کرد. اینستالیشن های کوکی تاناکا (با بازیگر همنام اصلی او اشتباه گرفته نشود) رابطه بین اشیا و اعمال را نشان می دهد، به عنوان مثال، این ویدئو شامل ضبط حرکات ساده ای است که با اشیاء معمولی انجام می شود (چاقویی که سبزیجات را برش می دهد، آبجو را در لیوان می ریزند. ، باز کردن یک چتر). هیچ چیز مهمی اتفاق نمی افتد، اما تکرار وسواس گونه و توجه به تا کوچکترین جزئیاتبیننده را قدر دنیایی کند.

ماریکو موری و اشکال ساده

یکی دیگر از هنرمندان معاصر ژاپنی، ماریکو موری، اشیاء چندرسانه‌ای را با ترکیب فیلم‌ها، عکس‌ها و اشیاء تداعی می‌کند. او با دید مینیمالیستی آینده نگر و فرم های سورئال براق مشخص می شود. یکی از موضوعات تکرارشونده در آثار موری، کنار هم قرار دادن افسانه های غربی است فرهنگ غربی. در سال 2010، ماریکو بنیاد فاو را تأسیس کرد، یک سازمان فرهنگی آموزشی غیرانتفاعی، که برای آن مجموعه‌ای از اینستالیشن‌های هنری برای قدردانی از شش قاره مسکونی ایجاد کرد. اخیراً، تأسیسات دائمی بنیاد "حلقه: یکی با طبیعت" بر فراز یک آبشار زیبا در Resende در نزدیکی ریودوژانیرو ساخته شد.

Ryoji Ikeda: سنتز صدا و ویدئو

ریوجی ایکدا یک هنرمند و آهنگساز رسانه جدید است که آثارش عمدتاً به صدا در حالت‌های مختلف «خام»، از امواج سینوسی گرفته تا نویز با استفاده از فرکانس‌های لبه شنوایی انسان می‌پردازد. نصب های همه جانبه او شامل صداهای تولید شده توسط کامپیوتر است که به صورت بصری به پیش بینی های ویدئویی یا الگوهای دیجیتال تبدیل می شوند. هنر سمعی و بصری ایکدا از مقیاس، نور، سایه، صدا، صداهای الکترونیکی و ریتم استفاده می کند. مرکز آزمایشی معروف این هنرمند متشکل از پنج پروژکتور است که فضایی به طول 28 متر و عرض 8 متر را روشن می کند. این تنظیمات داده ها (متن، صداها، عکس ها و فیلم ها) را به بارکد و الگوهای باینری یک و صفر تبدیل می کند.

Tatsuo Miyajima و شمارنده LED

تاتسو میاجیما، مجسمه‌ساز و هنرمند اینستالیشن معاصر ژاپنی، از مدارهای الکتریکی، ویدئوها، رایانه‌ها و ابزارهای دیگر در هنر خود استفاده می‌کند. مفاهیم اصلی میاجیما از ایده های انسان گرایانه و آموزه های بودایی الهام گرفته شده است. شمارنده‌های LED در نصب‌های او به طور مداوم از 1 تا 9 چشمک می‌زنند، که نماد سفر از زندگی تا مرگ است، اما از پایانی که با 0 نشان داده می‌شود اجتناب می‌کند (صفر هرگز در کار تاتسو ظاهر نمی‌شود). اعداد موجود در شبکه‌ها، برج‌ها و نمودارها بیانگر علاقه میاجیما به ایده‌های تداوم، ابدیت، اتصال و جریان زمان و مکان هستند. اخیراً «پیکان زمان» میاجیما در افتتاحیه نمایشگاه «افکار ناتمام قابل مشاهده در نیویورک» به نمایش گذاشته شد.

نارا یوشیموتو و بچه های شرور

نارا یوشیموتو نقاشی‌ها، مجسمه‌ها و نقاشی‌هایی از کودکان و سگ‌ها خلق می‌کند – موضوعاتی که منعکس‌کننده احساس کسالت و سرخوردگی دوران کودکی و استقلال شدیدی است که به طور طبیعی برای کودکان نوپا حاصل می‌شود. زیبایی شناسی آثار یوشیموتو یادآور تصاویر سنتی کتاب، آمیزه ای از تنش بی قرار و عشق هنرمند به پانک راک است. در سال 2011، اولین نمایشگاه شخصییوشیموتو با عنوان "Yoshitomo Nara: Nobody's Fool" که به زندگی 20 ساله هنرمند معاصر ژاپنی می پردازد، این نمایشگاه نزدیک به خرده فرهنگ های جوانان جهان، بیگانگی و اعتراض آنها بود.

یایو کوساما و فضا در حال رشد به اشکال عجیب و غریب

شگفت انگیز بیوگرافی خلاقانه Yayoi کوساما هفت دهه را در بر می گیرد. در این مدت، زن شگفت انگیز ژاپنی موفق به مطالعه در زمینه های نقاشی، گرافیک، کلاژ، مجسمه سازی، سینما، حکاکی، هنر محیطی، چیدمان و همچنین ادبیات، مد و طراحی لباس شد. کوساما یک سبک بسیار متمایز از هنر نقطه ای را توسعه داد که به علامت تجاری او تبدیل شده است. رؤیاهای واهی نشان داده شده در کار کوساما 88 ساله - جایی که به نظر می رسد جهان با اشکال گسترده و عجیب و غریب پوشیده شده است - نتیجه توهماتی است که او از کودکی تجربه کرده است. اتاق هایی با نقاط رنگارنگ و آینه های "بی نهایت" که منعکس کننده خوشه های آنها هستند قابل تشخیص هستند و نمی توان آنها را با هیچ چیز دیگری اشتباه گرفت.