Това е повече от красиви снимки, това е отражение на реалността. В произведенията на велики художници можете да видите как светът и съзнанието на хората са се променили.

Изкуството също е опит за създаване на алтернативна реалност, където можете да се скриете от ужасите на вашето време или желанието да промените света. Изкуството на 20 век с право заема специално място в историята. Хората, които са живели и работили в онези дни, са преживели социални катаклизми, войни и безпрецедентно развитие на науката; и всичко това намери отпечатък върху техните платна. Художниците на 20 век са участвали в създаването на съвременната визия за света.

Някои имена все още се произнасят с дъх, а някои са несправедливо забравени. Някой е имал толкова противоречив творчески път, че все още не можем да му дадем еднозначна оценка. Този преглед се фокусира върху 20-те най-велики художници на 20-ти век. Камий Писаро- френски художник. Изключителен представител на импресионизма. Творчеството на художника е повлияно от Джон Констабъл, Камий Коро, Жан Франсоа Миле.
Роден на 10 юли 1830 г. в Сейнт Томас, починал на 13 ноември 1903 г. в Париж.

Ермитаж в Понтоаз, 1868 г

Оперен пасаж в Париж, 1898 г

Залез във Варенгевил, 1899 г

Едгар Дега -Френски художник, един от най-големите импресионисти. В работата на Дега е проследено влиянието на японската графика.Роден на 19 юли 1834 г. в Париж, починал на 27 септември 1917 г. в Париж.

Абсент, 1876 г

Звезда, 1877 г

Жена сресва косата си, 1885 г

Пол Сезан -Френски художник, един от най-големите представители на постимпресионизма. В творчеството си той се стреми да разкрие хармонията и баланса на природата. Творчеството му оказа огромно влияние върху мирогледа на художниците от XX век.
Роден на 19 януари 1839 г. в Екс ан Прованс, Франция, починал на 22 октомври 1906 г. в Екс ан Прованс.

Комарджии, 1893 г

Съвременна Олимпия, 1873 г

Натюрморт с черепи, 1900 г

Клод Моне- изключителен френски художник. Един от основоположниците на импресионизма. В творбите си Моне се стреми да предаде богатството и богатството на света около него. Късният му период се характеризира с декоративност и
Късният период от творчеството на Моне се характеризира с декоративизъм, нарастващо разтваряне на обективни форми в сложни комбинации от цветни петна.
Роден на 14 ноември 1840 г. в Париж, починал на 5 декември 1926 г. в Жверни.

Уелк Клиф в Пурвил, 1882 г

След обяд, 1873-1876

Етрета, залез, 1883 г

Архип Куинджи -известен руски художник, майстор на пейзажната живопис. Рано губи родителите си. От ранна възраст започва да се проявява любов към рисуването. Творчеството на Архип Куинджи оказа огромно влияние върху Николай Рьорих.
Роден на 15 януари 1841 г. в Мариупол, починал на 11 юли 1910 г. в Санкт Петербург.

"Волга", 1890-1895

"Север", 1879 г

„Изглед към Кремъл от Замоскворечие“, 1882 г

Пиер Огюст Реноар -Френски художник, график, скулптор, един от видните представители на импресионизма. Известен е и като майстор на светския портрет. Огюст Роден става първият импресионист, станал популярен сред богатите парижани.
Роден на 25 февруари 1841 г. в Лимож, Франция, починал на 2 декември 1919 г. в Париж.

Мостът на изкуствата в Париж, 1867 г

Бал в Мулен дьо ла Галет, 1876 г

Жана Самари, 1877 г

Пол Гоген- френски художник, керамичен скулптор, график. Наред с Пол Сезан и Винсент ван Гог той е един от най-видните представители на постимпресионизма. Художникът живееше в бедност, защото картините му не бяха търсени.
Роден на 7 юни 1848 г. в Париж, починал на 8 май 1903 г. на остров Хива Оа, Френска Полинезия.

Бретански пейзаж, 1894 г

Бретонско село в снега, 1888 г

Ревнив ли си? 1892 г

Ден на светците, 1894 г

Василий Кандински -Руски и немски художник, поет, теоретик на изкуството. Смятан за един от лидерите на авангарда от 1-вата половина на 20 век. Един от основоположниците на абстрактното изкуство.
Роден на 22 ноември 1866 г. в Москва, починал на 13 декември 1944 г. в Ньой сюр Сен, Франция.

Двойка на кон, 1918 г

Пъстър живот, 1907 г

Москва 1, 1916

В сиво, 1919 г

Анри Матис -един от най-големите френски художници и скулптори. Един от основателите на фовисткото движение. В работата си той се стреми да предаде емоции чрез цвят. В работата си той е повлиян от ислямската култура на западния Магреб. Роден на 31 декември 1869 г. в град Ле Като, починал на 3 ноември 1954 г. в град Симиез.

Площад в Сен Тропе, 1904 г

Очертание на Нотр Дам през нощта, 1902 г

Жена с шапка, 1905 г

Танц, 1909 г

италиански, 1919 г

Портрет на Делекторская, 1934 г

Николай Рьорих- руски художник, писател, учен, мистик. През живота си той рисува над 7000 картини. Един от забележителните културни дейци на 20 век, основател на движението "Мир чрез култура".
Роден на 27 октомври 1874 г. в Санкт Петербург, починал на 13 декември 1947 г. в Кулу, Химачал Прадеш, Индия.

Задгранични гости, 1901 г

Великият дух на Хималаите, 1923 г

Послание от Шамбала, 1933 г

Кузма Петров-Водкин -Руски художник, график, теоретик, писател, учител. Той е един от идеолозите на реорганизацията на художественото образование в СССР.
Роден на 5 ноември 1878 г. в град Хвалинск, Саратовска губерния, починал на 15 февруари 1939 г. в Ленинград.

"1918 г. в Петроград", 1920 г

„Играещи момчета“, 1911 г

Къпане на червен кон, 1912 г

Портрет на Анна Ахматова

Казимир Малевич- руски художник, основоположник на супрематизма - направление в абстрактното изкуство, учител, теоретик на изкуството и философ
Роден на 23 февруари 1879 г. в Киев, починал на 15 май 1935 г. в Москва.

Почивка (Общество в цилиндри), 1908 г

"Селянки с кофи", 1912-1913

Черният супрематичен площад, 1915 г

Супрематична живопис, 1916 г

На булеварда, 1903 г

Пабло Пикасо- испански художник, скулптор, скулптор, дизайнер керамик. Един от основоположниците на кубизма. Творчеството на Пабло Пикасо оказва значително влияние върху развитието на живописта през 20 век. Според анкета сред читатели на списание Time
Роден на 25 октомври 1881 г. в Малага, Испания, починал на 8 април 1973 г. в Мужен, Франция.

Момиче на топка, 1905 г

Портрет на Амброаз Валор, 1910 г

Три грации

Портрет на Олга

Танц, 1919 г

Жена с цвете, 1930 г

Амадео Модилиани- италиански художник и скулптор. Един от най-ярките представители на експресионизма. През целия си живот той има само една изложба през декември 1917 г. в Париж. Роден на 12 юли 1884 г. в Ливорно, Италия, починал на 24 януари 1920 г. от туберкулоза. Световно признание получи посмъртно Световно признание получи посмъртно.

Виолончелист, 1909 г

Съпрузи, 1917 г

Джоан Хебутерн, 1918 г

Средиземноморски пейзаж, 1918 г

Диего Ривера- мексикански художник, стенописец, политик. Той беше съпруг на Фрида Кало. В къщата им за кратко намира подслон Леон Троцки.
Роден на 8 декември 1886 г. в Гуанахуато, починал на 21 декември 1957 г. в Мексико Сити.

Нотр Дам дьо Пари под дъжда, 1909 г

Жена на кладенеца, 1913 г

Съюз на селяните и работниците, 1924 г

Индустрията в Детройт, 1932 г

Марк Шагал- руски и френски художник, график, илюстратор, театрален художник. Един от най-големите представители на авангарда.
Роден на 24 юни 1887 г. в град Лиозно, Могилевска губерния, починал на 28 март 1985 г. в Сен Пол дьо Прованс.

Анюта (Портрет на сестра), 1910 г

Булка с ветрило, 1911 г

Аз и селото, 1911 г

Адам и Ева, 1912 г

Марк Ротко(сега Марк Роткович) е американски художник, един от основоположниците на абстрактния експресионизъм и основоположник на цветната полева живопис.
Първите творби на художника са създадени в реалистичен дух, но след това до средата на 40-те години Марк Ротко се насочва към сюрреализма. До 1947 г. се случва най-важният повратен момент в творчеството на Марк Ротко, той създава свой собствен стил - абстрактен експресионизъм, в който се отклонява от обективните елементи.
Роден на 25 септември 1903 г. в град Двинск (сега Даугавпилс), починал на 25 февруари 1970 г. в Ню Йорк.

Без заглавие

Номер 7 или 11

оранжево и жълто

Салвадор Дали- художник, график, скулптор, писател, дизайнер, режисьор. Може би най-известният представител на сюрреализма и един от най-големите художници на 20 век.
Проектиран от Chupa-Chups.
Роден на 11 май 1904 г. във Фигерас, Испания, починал на 23 януари 1989 г. в Испания.

Изкушението на Свети Антоний, 1946 г

Тайната вечеря, 1955 г

Жена с глава от рози, 1935 г

Жена ми Гала, гола, гледа тялото си, 1945 г

Фрида Кало -Мексикански художник и график, един от най-ярките представители на сюрреализма.
Фрида Кало започва да рисува след автомобилна катастрофа, която я приковава на легло за една година.
Тя беше омъжена за известния мексикански комунистически художник Диего Ривера. В къщата им за кратко намира убежище Леон Троцки.
Роден на 6 юли 1907 г. в Койоакан, Мексико, починал на 13 юли 1954 г. в Койоакан.

Прегръдката на универсалната любов, Земята, аз, Диего и Коатъл, 1949 г

Мойсей (Creation Core), 1945 г

Две Фриди, 1939 г

Анди Уорхол(същ. Андрей Вархола) - американски художник, дизайнер, режисьор, продуцент, издател, писател, колекционер. Основоположник на поп изкуството, той е една от най-противоречивите личности в историята на културата. За живота на художника са заснети няколко филма.
Роден на 6 август 1928 г. в Питсбърг, Пенсилвания, починал през 1963 г. в Ню Йорк.

"Картоиграчи"

Автор

Пол Сезан

Държава Франция
Години живот 1839–1906
стил постимпресионизъм

Художникът е роден в южната част на Франция в малкото градче Екс-ан-Прованс, но започва да рисува в Париж. Истински успех идва при него след самостоятелна изложба, организирана от колекционера Амброаз Волар. През 1886 г., 20 години преди заминаването си, той се премества в покрайнините на родния си град. Младите художници нарекоха пътуванията до него "поклонение в Екс".

130х97 см
1895 г
цена
250 милиона долара
продаден през 2012 г
на частен търг

Творчеството на Сезан е лесно за разбиране. Единственото правило на художника беше директното прехвърляне на обекта или сюжета върху платното, така че картините му да не предизвикват недоумение у зрителя. Сезан комбинира в своето изкуство две основни френски традиции: класицизъм и романтизъм. С помощта на цветна текстура той придаде на формата на предметите невероятна пластичност.

Серия от пет картини „Играчи на карти“ е написана през 1890-1895 г. Сюжетът им е един и същ - няколко души ентусиазирано играят покер. Творбите се различават само по броя на играчите и размера на платното.

Четири картини се съхраняват в музеи в Европа и Америка (Музеят д'Орсе, Музеят на изкуствата Метрополитън, Фондация Барнс и Институтът по изкуствата Курто), а петата доскоро беше украса на частната колекция на Гръцкият милиардер корабособственик Джордж Ембирикос. Малко преди смъртта си, през зимата на 2011 г., той решава да го пусне за продажба. Потенциални купувачи на "безплатната" работа на Сезан бяха търговецът на произведения на изкуството Уилям Аквавела и световноизвестният собственик на галерия Лари Гагосиан, които предложиха около 220 милиона долара за нея. В резултат на това картината отиде при кралското семейство на арабската държава Катар за 250 млн. Най-голямата сделка за изкуство в историята на живописта беше сключена през февруари 2012 г. Това съобщи пред Vanity Fair журналистката Александра Пиърс. Тя разбра цената на картината и името на новия собственик, а след това информацията проникна в медиите по света.

През 2010 г. в Катар бяха открити Арабският музей на модерното изкуство и Националният музей на Катар. Сега колекциите им растат. Може би петата версия на The Card Players е била придобита от шейха за тази цел.

Повечетоскъпа картинав света

Собственик
Шейх Хамад
бин Халифа ал-Тани

Династията ал-Тани управлява Катар повече от 130 години. Преди около половин век тук бяха открити огромни запаси от нефт и газ, което моментално превърна Катар в един от най-богатите региони в света. Благодарение на износа на въглеводороди тази малка страна регистрира най-големия БВП на глава от населението. Шейх Хамад бин Халифа ал Тани пое властта през 1995 г., докато баща му беше в Швейцария, с подкрепата на членове на семейството. Заслугата на сегашния управляващ, според експерти, е в ясната стратегия за развитие на страната, създаване на успешен имидж на държавата. Сега Катар има конституция и министър-председател, а жените са получили правото да гласуват на парламентарни избори. Между другото, именно емирът на Катар основа новинарския канал Al Jazeera. Властите на арабската държава обръщат голямо внимание на културата.

2

"номер 5"

Автор

Джаксън Полък

Държава САЩ
Години живот 1912–1956
стил абстрактен експресионизъм

Джак Пръскачката - такъв прякор беше даден на Полък от американската публика за неговата специална техника на рисуване. Художникът изоставя четката и статива и излива боята върху повърхността на платното или фазера при непрекъснато движение около и вътре в тях. От малък се увлича по философията на Джиду Кришнамурти, чието основно послание е, че истината се разкрива по време на свободно „изливане“.

122х244 см
1948 г
цена
140 милиона долара
продаден през 2006 година
на търга Сотбис

Стойността на работата на Полък не е в резултата, а в процеса. Авторът неслучайно е нарекъл своето изкуство „екшън живопис”. С неговата лека ръка той се превърна в основния актив на Америка. Джаксън Полок смесваше боя с пясък, счупено стъкло и пишеше с парче картон, мастило, нож, лопата. Художникът беше толкова популярен, че през 50-те години в СССР имаше дори имитатори. Картината "Номер 5" е призната за една от най-странните и най-скъпите в света. Един от основателите на DreamWorks, Дейвид Гефен, го купи за частна колекция и през 2006 г. го продаде на Sotheby`s за 140 милиона долара на мексиканския колекционер Дейвид Мартинес. Въпреки това адвокатската кантора скоро издаде прессъобщение от името на своя клиент, в което се посочва, че Дейвид Мартинез не е собственик на картината. Само едно нещо се знае със сигурност: мексиканският финансист наистина наскоро е колекционирал произведения на съвременното изкуство. Малко вероятно е той да пропусне такава "голяма риба" като "Номер 5" на Полък.

3

"Жена III"

Автор

Вилем де Кунинг

Държава САЩ
Години живот 1904–1997
стил абстрактен експресионизъм

Родом от Холандия, той емигрира в Съединените щати през 1926 г. През 1948 г. се провежда лична изложба на художника. Критиците на изкуството оцениха сложните, нервни черно-бели композиции, разпознавайки в техния автор голям художник-модернист. През по-голямата част от живота си страда от алкохолизъм, но радостта от създаването на ново изкуство се усеща във всяка творба. Де Кунинг се отличава с импулсивността на рисуването, широките щрихи, поради което понякога изображението не се вписва в границите на платното.

121х171 см
1953 г
цена
137 милиона долара
продаден през 2006 година
на частен търг

През 50-те години в картините на де Кунинг се появяват жени с празни очи, масивни гърди и грозни черти. „Жена III” беше последната творба от тази поредица, участвала в търга.

От 70-те години на миналия век картината се съхранява в Музея за модерно изкуство в Техеран, но след въвеждането на строги морални правила в страната те се стремят да се отърват от нея. През 1994 г. творбата е изнесена от Иран, а 12 години по-късно нейният собственик Дейвид Гефен (същият продуцент, който продаде „Номер 5“ на Джаксън Полък) продава картината на милионера Стивън Коен за 137,5 милиона долара. Интересно е, че след една година Гефен започва да продава колекцията си от картини. Това породи много слухове: например, че продуцентът е решил да купи Los Angeles Times.

На един от форумите за изкуство беше изразено мнение за приликата на "Жена III" с картината на Леонардо да Винчи "Дамата с хермелин". Зад зъбата усмивка и безформената фигура на героинята, познавачът на живописта различи благодатта на човек с кралска кръв. Това се доказва и от слабо проследената корона, увенчаваща главата на жена.

4

„Портрет на АделБлох-Бауер I"

Автор

Густав Климт

Държава Австрия
Години живот 1862–1918
стил модерен

Густав Климт е роден в семейството на гравьор и е второто от седем деца. Трима синове на Ърнест Климт станаха художници и само Густав стана известен по целия свят. Прекарва по-голямата част от детството си в бедност. След смъртта на баща си той отговаря за цялото семейство. По това време Климт развива своя стил. Преди неговите картини всеки зрител замръзва: под тънките щрихи на злато ясно се вижда откровената еротика.

138х136 см
1907 г
цена
135 милиона долара
продаден през 2006 година
на търга Сотбис

Съдбата на картината, която наричат ​​"австрийската Мона Лиза", лесно може да стане основа за бестселър. Работата на художника стана причина за конфликта между цялата държава и една възрастна дама.

И така, „Портретът на Адел Блох-Бауер I“ изобразява аристократка, съпругата на Фердинанд Блок. Последната й воля беше да прехвърли картината в Австрийската държавна галерия. Блок обаче отменя дарението в завещанието си и нацистите експроприират картината. По-късно галерията почти не откупи Златната Адел, но тогава се появи наследницата - Мария Алтман, племенницата на Фердинанд Блок.

През 2005 г. започна високопоставеният процес "Мария Алтман срещу Република Австрия", в резултат на което картината "замина" с нея в Лос Анджелис. Австрия предприема безпрецедентни мерки: договарят се заеми, населението дарява пари за закупуването на портрета. Доброто никога не побеждава злото: Алтман вдигна цената до 300 милиона долара. По време на процеса тя беше на 79 години и влезе в историята като човекът, променил завещанието на Блок-Бауер в полза на лични интереси. Картината е закупена от Роналд Лаудер, собственик на Новата галерия в Ню Йорк, където остава и до днес. Не за Австрия, за него Алтман намали цената на 135 милиона долара.

5

"Вик"

Автор

Едвард Мунк

Държава Норвегия
Години живот 1863–1944
стил експресионизъм

Първата картина на Мунк, станала известна по целия свят, "Болното момиче" (съществува в пет екземпляра) е посветена на сестрата на художника, починала от туберкулоза на 15-годишна възраст. Мунк винаги се е интересувал от темата за смъртта и самотата. В Германия тежката му маниакална живопис дори предизвика скандал. Но въпреки потискащите сюжети, картините му носят особен магнетизъм. Вземете поне "Писък".

73,5х91 см
1895 г
цена
119,992 милиона долара
продаден в 2012 г
на търга Сотбис

Пълното име на картината е Der Schrei der Natur (в превод от немски „викът на природата“). Лицето на човек или извънземно изразява отчаяние и паника - зрителят изпитва същите емоции, когато гледа картината. Едно от ключовите произведения на експресионизма предупреждава за наболелите теми в изкуството на 20 век. Според една от версиите художникът го е създал под влияние на психическо разстройство, от което е страдал през целия си живот.

Картината е крадена два пъти от различни музеи, но е връщана. Леко повреден след кражбата, Викът беше реставриран и беше готов да бъде показан отново в Музея на Мунк през 2008 г. За представителите на поп културата работата се превърна в източник на вдъхновение: Анди Уорхол създаде серия от нейни отпечатъци-копия, а маската от филма "Писък" беше направена по образ и подобие на героя на картината.

За един сюжет Мунк написва четири версии на творбата: тази в частна колекция е направена в пастел. Норвежкият милиардер Петер Олсен го пусна на търг на 2 май 2012 г. Купувач беше Леон Блек, който не пожали рекордна сума за "Писък". Основател на Apollo Advisors, L.P. и Lion Advisors, L.P. известен с любовта си към изкуството. Блек е патрон на Dartmouth College, Музея за модерно изкуство, Lincoln Art Center и Metropolitan Museum of Art. Има най-голямата колекция от картини на съвременни художници и класически майстори от миналите векове.

6

„Голо на фона на бюст и зелени листа“

Автор

Пабло Пикасо

Държава Испания, Франция
Години живот 1881–1973
стил кубизъм

По произход той е испанец, но по дух и място на пребиваване е истински французин. Пикасо отваря собствено художествено студио в Барселона, когато е едва на 16 години. След това заминава за Париж и прекарва по-голямата част от живота си там. Ето защо във фамилното му име има двойно ударение. Стилът, изобретен от Пикасо, се основава на отричането на мнението, че обектът, изобразен на платното, може да се гледа само от един ъгъл.

130х162 см
1932 г
цена
106,482 милиона долара
продаден през 2010 година
на търга Кристи

По време на работата си в Рим художникът се запознава с танцьорката Олга Хохлова, която скоро става негова съпруга. Той сложи край на скитничеството, премести се с нея в луксозен апартамент. По това време признанието беше намерило герой, но бракът беше унищожен. Една от най-скъпите картини в света е създадена почти случайно – от голяма любов, която, както винаги при Пикасо, е краткотрайна. През 1927 г. той се интересува от младата Мари-Терез Валтер (тя е на 17 години, той на 45). Тайно от съпругата си той заминава с любовницата си за град близо до Париж, където рисува портрет, изобразяващ Мария-Терез в образа на Дафне. Картината е закупена от дилър от Ню Йорк Пол Розенберг и продадена през 1951 г. на Сидни Ф. Броуди. Семейство Броди показаха картината на света само веднъж и то само защото художникът беше на 80 години. След смъртта на съпруга си, г-жа Броуди пусна творбата на търг в Christie's през март 2010 г. За шест десетилетия цената се е повишила повече от 5000 пъти! Неизвестен колекционер го купи за 106,5 милиона долара. През 2011 г. във Великобритания се проведе „изложба на една картина“, където тя видя светлината за втори път, но името на собственика все още не е известно.

7

"Осем Елвиси"

Автор

Анди Уорхол

Държава САЩ
Години живот 1928-1987
стил
поп изкуство

„Сексът и партитата са единствените места, където трябва да се появиш лично“, каза култовият поп изпълнител, режисьор и един от основателите на списание Interview, дизайнерът Анди Уорхол. Работил е с Vogue и Harper's Bazaar, проектирал е обложки на плочи и е проектирал обувки за I.Miller. През 60-те години се появяват картини, изобразяващи символите на Америка: супата на Кембъл и Кока-Кола, Пресли и Монро - което го превръща в легенда.

358х208 см
1963 г
цена
100 милиона долара
продаден през 2008г
на частен търг

60-те години на Уорхол - така наречената ера на поп изкуството в Америка. През 1962 г. работи в Манхатън във Factory Studio, където се събира цялата бохема на Ню Йорк. Най-ярките му представители: Мик Джагър, Боб Дилън, Труман Капоти и други известни личности в света. В същото време Уорхол изпробва техниката на копринен печат - многократно повторение на едно изображение. Той също използва този метод при създаването на "Осем Елвис": зрителят сякаш вижда кадри от филм, където звездата оживява. Всичко, което художникът обича толкова много, е тук: печеливш публичен образ, сребрист цвят и предчувствие за смърт като основно послание.

Има двама търговци на изкуство, които рекламират работата на Уорхол на световния пазар днес: Лари Гагосян и Алберто Муграби. Първият през 2008 г. похарчи 200 милиона долара за закупуване на повече от 15 творби на Уорхол. Вторият купува и продава картините си като коледни картички, само че по-скъпо. Но не те, а скромният френски консултант по изкуството Филип Сегало помогна на ценителя на римското изкуство Анибале Берлингиери да продаде Осемте Елвиси на неизвестен купувач за рекордните за Уорхол 100 милиона долара.

8

„Портокал,червено жълто"

Автор

Марк Ротко

Държава САЩ
Години живот 1903–1970
стил абстрактен експресионизъм

Един от създателите на цветната полева живопис е роден в Двинск, Русия (сега Даугавпилс, Латвия), в голямо семейство на еврейски фармацевт. През 1911 г. емигрират в САЩ. Ротко учи в художествения факултет на Йейлския университет, получава стипендия, но антисемитските настроения го принуждават да напусне обучението си. Въпреки всичко, изкуствоведите идолизираха художника, а музеите го преследваха през целия му живот.

206х236 см
1961 г
цена
86,882 милиона долара
продаден през 2012 г
на търга Кристи

Първите художествени експерименти на Ротко са със сюрреалистична ориентация, но с течение на времето той опрости сюжета до цветни петна, лишавайки ги от всякаква обективност. Отначало имаха ярки нюанси, а през 60-те години бяха изпълнени с кафяво, лилаво, сгъстяване до черно до момента на смъртта на художника. Марк Ротко предупреди да не се търси смисъл в картините му. Авторът искаше да каже точно това, което каза: само цвета, който се разтваря във въздуха, и нищо повече. Той препоръча да се гледат творбите от разстояние 45 см, така че зрителят да бъде „увлечен” в цвета като във фуния. Внимание: гледането в съответствие с всички правила може да доведе до ефекта на медитация, тоест постепенно идва осъзнаването на безкрайността, пълно потапяне в себе си, релаксация, пречистване. Цветът в картините му живее, диша и въздейства силно емоционално (понякога се казва, че е лечебен). Художникът каза: "Зрителят трябва да плаче, като ги гледа" - и наистина имаше такива случаи. Според теорията на Ротко в този момент хората преживяват същото духовно преживяване, което той е имал в процеса на работа върху картината. Ако сте успели да го разберете на толкова фино ниво, тогава не се изненадвайте, че тези произведения на абстракционизма често се сравняват от критиците с икони.

Творбата "Оранжево, червено, жълто" изразява същността на живописта на Марк Ротко. Първоначалната му цена на търга на Christie's в Ню Йорк е 35-45 милиона долара. Неизвестен купувач предложи цена два пъти по-висока от прогнозната. Името на щастливия собственик на картината, както често се случва, не беше разкрито.

9

"Триптих"

Автор

Франсис Бейкън

Държава
Великобритания
Години живот 1909–1992
стил експресионизъм

Приключенията на Франсис Бейкън, пълен съименник и освен това далечен потомък на великия философ, започват, когато баща му се отказва от него, неспособен да приеме хомосексуалните наклонности на сина си. Бейкън отива първо в Берлин, после в Париж, а след това следите му се объркват в цяла Европа. Още приживе негови творби са излагани във водещи културни центрове по света, включително музея Гугенхайм и Третяковската галерия.

147,5x198 см (всеки)
1976 г
цена
86,2 милиона долара
продаден през 2008г
на търга Сотбис

Престижните музеи се стремяха да притежават картини на Бейкън, но пъргавата английска публика не бързаше да се раздели с такова изкуство. Легендарният британски премиер Маргарет Тачър каза за него: „Човекът, който рисува тези ужасяващи картини“.

Самият художник счита следвоенния период за начален период в творчеството си. Връщайки се от служба, той отново се заема с рисуване и създава основните шедьоври. Преди участието на "Триптих, 1976" в търга най-скъпата творба на Бейкън беше "Етюд за портрет на папа Инокентий X" (52,7 милиона долара). В "Триптих, 1976" художникът изобразява митичния сюжет за преследването на Орест от фуриите. Разбира се, Орест е самият Бейкън, а фуриите са неговите терзания. Повече от 30 години картината е била в частна колекция и не е участвала в изложби. Този факт му придава специална стойност и съответно увеличава себестойността. Но какво са няколко милиона за ценител на изкуството и дори щедър на руски? Роман Абрамович започва да създава своята колекция през 90-те години на миналия век, като в това той е значително повлиян от приятелката си Даша Жукова, която се превърна в модерен собственик на галерия в съвременна Русия. По неофициални данни бизнесменът притежава произведения на Алберто Джакомети и Пабло Пикасо, закупени за суми над 100 милиона долара. През 2008 г. той става собственик на Триптиха. Между другото, през 2011 г. е придобита друга ценна творба на Бейкън - "Три скици за портрет на Лучиан Фройд". Скрити източници казват, че Роман Аркадиевич отново става купувач.

10

"Езерце с водни лилии"

Автор

Клод Моне

Държава Франция
Години живот 1840–1926
стил импресионизъм

Художникът е признат за основоположник на импресионизма, който "патентова" този метод в своите платна. Първата значима работа е картината "Закуска на тревата" (оригиналната версия на работата на Едуард Мане). В младостта си рисува карикатури, а с истинска живопис се захваща по време на пътуванията си по крайбрежието и на открито. В Париж той води бохемски начин на живот и не го напуска дори след като служи в армията.

210х100 см
1919 г
цена
80,5 милиона долара
продаден през 2008г
на търга Кристи

Освен факта, че Моне беше велик художник, той също се занимаваше ентусиазирано с градинарство, обожаваше дивата природа и цветята. В неговите пейзажи състоянието на природата е моментно, обектите изглеждат замъглени от движението на въздуха. Впечатлението се засилва от големи щрихи, от известно разстояние те стават невидими и се сливат в текстурирано, триизмерно изображение. В живописта на късния Моне специално място заема темата за водата и живота в нея. В град Живерни художникът имаше собствено езерце, където отглеждаше водни лилии от семена, специално донесени от него от Япония. Когато цветята им разцъфтяха, той започна да рисува. Серията „Водни лилии“ се състои от 60 творби, които художникът рисува в продължение на почти 30 години, до смъртта си. Зрението му се влоши с възрастта, но не спря. В зависимост от вятъра, сезона и времето, изгледът на езерото постоянно се променяше и Моне искаше да улови тези промени. Чрез внимателна работа до него дойде разбирането за същността на природата. Някои от картините от поредицата се съхраняват във водещи галерии в света: Национален музей на западното изкуство (Токио), Оранжерия (Париж). Версията на следващото "Езерце с водни лилии" отиде в ръцете на неизвестен купувач за рекордна сума.

11

Фалшива звезда T

Автор

Джаспър Джонс

Държава САЩ
Година на раждане 1930
стил поп изкуство

През 1949 г. Джоунс влиза в училището по дизайн в Ню Йорк. Заедно с Джаксън Полок, Вилем де Кунинг и други, той е признат за един от основните художници на 20 век. През 2012 г. той получи Президентския медал на свободата, най-високото гражданско отличие в Съединените щати.

137,2х170,8 см
1959 г
цена
80 милиона долара
продаден през 2006 година
на частен търг

Подобно на Марсел Дюшан, Джоунс работи с реални обекти, изобразявайки ги върху платно и в скулптура в пълно съответствие с оригинала. За творбите си той използва прости и разбираеми предмети за всеки: бутилка бира, знаме или карти. В картината на Фалстарт няма ясна композиция. Художникът сякаш си играе със зрителя, често „неправилно“ подписвайки цветовете в картината, обръщайки самата концепция за цвят с главата надолу: „Исках да намеря начин да изобразя цвета така, че да може да бъде определен от някой друг метод." Неговата най-експлозивна и "несигурна", според критиците, картина е придобита от неизвестен купувач.

12

„Седналголна дивана"

Автор

Амедео Модилиани

Държава Италия, Франция
Години живот 1884–1920
стил експресионизъм

Модилиани често боледуваше от детството си, по време на трескав делириум той разпозна съдбата си на художник. Учи рисуване в Ливорно, Флоренция, Венеция, а през 1906 г. заминава за Париж, където изкуството му процъфтява.

65х100 см
1917 г
цена
68,962 милиона долара
продаден през 2010 година
на търга Сотбис

През 1917 г. Модилиани се запознава с 19-годишната Жана Ебютерн, която става негов модел, а по-късно и съпруга. През 2004 г. един от нейните портрети беше продаден за 31,3 милиона долара, последният рекорд преди продажбата на „Седнало голо на диван“ през 2010 г. Картината е закупена от неизвестен купувач на максималната цена за Модилиани в момента. Активните продажби на произведения започват едва след смъртта на художника. Той умира в бедност, болен от туберкулоза, а на следващия ден Жана Ебютерн, която е бременна в деветия месец, също се самоубива.

13

"Орел на бор"

Автор

Ци Байши

Държава Китай
Години живот 1864–1957
стил гуохуа

Интересът към калиграфията накара Qi Baishi да рисува. На 28-годишна възраст става ученик на художника Ху Цинюан. Министерството на културата на Китай му присъжда титлата "Велик художник на китайския народ", през 1956 г. получава Международната награда за мир.

10х26 см
1946 г
цена
65,4 милиона долара
продаден през 2011
на търга China Guardian

Ци Байши се интересуваше от тези прояви на околния свят, на които мнозина не придават значение, и това е неговото величие. Човек без образование стана професор и изключителен творец в историята. Пабло Пикасо каза за него: „Страх ме е да отида във вашата страна, защото в Китай има Ци Байши“. Композицията "Орел на бор" е призната за най-мащабното произведение на художника. В допълнение към платното, той включва два йероглифни свитъка. За Китай сумата, за която е купен продуктът, е рекордна - 425,5 милиона юана. Само свитъкът на древния калиграф Хуанг Тинцзян беше продаден за 436,8 милиона долара.

14

"1949-A-#1"

Автор

Клифърд Стил

Държава САЩ
Години живот 1904–1980
стил абстрактен експресионизъм

На 20-годишна възраст той посещава Музея на изкуствата Метрополитън в Ню Йорк и остава разочарован. По-късно той се записа за курс на студентска лига по изкуства, но напусна 45 минути след началото на класа - оказа се, че „не е негов“. Първата лична изложба предизвика резонанс, художникът намери себе си, а с него и признание

79х93 см
1949 г
цена
61,7 милиона долара
продаден през 2011
на търга Сотбис

Всички негови творби, които са повече от 800 платна и 1600 произведения на хартия, все още са завещани на американския град, където ще бъде открит музей на неговото име. Денвър стана такъв град, но само строителството беше скъпо за властите и четири произведения бяха пуснати на търг, за да го завършат. Произведенията на Стил едва ли някога ще бъдат предлагани на търг, което вдигна цената им предварително. Картината "1949-A-No.1" беше продадена за рекордна за художника сума, въпреки че експерти прогнозираха продажбата на максимум 25-35 милиона долара.

15

"Супрематична композиция"

Автор

Казимир Малевич

Държава Русия
Години живот 1878–1935
стил Супрематизъм

Малевич учи живопис в Киевското художествено училище, след това в Московската художествена академия. През 1913 г. той започва да рисува абстрактни геометрични картини в стил, който нарича супрематизъм (от латински „господство“).

71 х 88,5 см
1916 г
цена
60 милиона долара
продаден през 2008г
на търга Сотбис

Картината се съхранява в градския музей на Амстердам около 50 години, но след 17-годишен спор с роднините на Малевич музеят я предава. Художникът рисува тази творба през същата година като Манифеста на супрематизма, така че Sotheby`s още преди търга обяви, че тя няма да отиде в частна колекция за по-малко от 60 милиона долара. Така и стана. По-добре е да го погледнете отгоре: фигурите на платното приличат на въздушен изглед на земята. Между другото, няколко години по-рано същите роднини експроприираха друга „супрематична композиция“ от музея MoMA, за да я продадат на Phillips за 17 милиона долара.

16

"Къпещи се"

Автор

Пол Гоген

Държава Франция
Години живот 1848–1903
стил постимпресионизъм

До седемгодишна възраст художникът живее в Перу, след което се завръща във Франция със семейството си, но спомените от детството постоянно го тласкат да пътува. Във Франция започва да рисува, приятелства с Ван Гог. Той дори прекара няколко месеца с него в Арл, докато Ван Гог не му отряза ухото по време на кавга.

93,4х60,4 см
1902 г
цена
55 милиона долара
продаден през 2005г
на търга Сотбис

През 1891 г. Гоген организира продажба на своите картини, за да използва приходите, за да отиде дълбоко в остров Таити. Там създава творби, в които се усеща тънката връзка между природата и човека. Гоген живееше в сламена колиба, а върху платната му цъфтеше тропически рай. Съпругата му беше 13-годишна таитянка Техура, което не попречи на художника да се занимава с промискуитет. След като се разболява от сифилис, той заминава за Франция. Там обаче на Гоген му беше тясно и той се върна в Таити. Този период се нарича "втори таитянски" - тогава е нарисувана картината "Къпещите се", една от най-луксозните в неговото творчество.

17

"Нарциси и покривка в синьо и розово"

Автор

Анри Матис

Държава Франция
Години живот 1869–1954
стил фовизъм

През 1889 г. Анри Матис получава пристъп на апендицит. Когато се възстанови от операцията, майка му му купи бои. Първо, от скука, Матис копира цветни пощенски картички, след това - произведения на велики художници, които вижда в Лувъра, а в началото на 20 век той измисля стил - фовизъм.

65,2х81 см
1911 г
цена
46,4 милиона долара
продаден през 2009г
на търга Кристи

Картината "Нарциси и покривка в синьо и розово" е принадлежала дълго време на Ив Сен Лоран. След смъртта на кутюрието цялата му колекция от произведения на изкуството преминава в ръцете на неговия приятел и любовник Пиер Бергер, който решава да я предложи на търг в Christie's. Перлата на продадената колекция беше картината "Нарциси и покривка в синьо и розово", рисувана върху обикновена покривка, вместо върху платно. Като пример за фовизъм, той е изпълнен с енергията на цвета, цветовете сякаш експлодират и крещят. От добре познатата поредица от картини на покривки, днес тази работа е единствената, която е в частна колекция.

18

"Спящо момиче"

Автор

РойЛий

Хтенщайн

Държава САЩ
Години живот 1923–1997
стил поп изкуство

Художникът е роден в Ню Йорк и след като завършва училище, заминава за Охайо, където посещава курсове по изкуство. През 1949 г. Лихтенщайн получава магистърска степен по изящни изкуства. Интересът към комиксите и способността да бъде ироничен го превърнаха в култов художник от миналия век.

91х91 см
1964 г
цена
44,882 милиона долара
продаден през 2012 г
на търга Сотбис

Веднъж в ръцете на Лихтенщайн попаднала дъвка. Той преначертава картината от вложката върху платното и става известен. Този сюжет от неговата биография съдържа цялото послание на поп изкуството: потреблението е новият бог, а в опаковката на дъвка има не по-малко красота, отколкото в Мона Лиза. Неговите картини напомнят комикси и анимационни филми: Лихтенщайн просто увеличава готовото изображение, рисува растери, използва ситопечат и копринен печат. Картината "Спящото момиче" е принадлежала на колекционерите Беатрис и Филип Герш почти 50 години, чиито наследници я продадоха на търг.

19

„Победа. Буги Вуги"

Автор

Пит Мондриан

Държава Холандия
Години живот 1872–1944
стил неопластизъм

Истинското си име - Корнелис - художникът променя на Мондриан, когато се премества в Париж през 1912 г. Заедно с художника Тео ван Дусбург основава неопластичното движение. Програмният език Piet е кръстен на Мондриан.

27х127 см
1944 г
цена
40 милиона долара
продаден през 1998г
на търга Сотбис

Най-„музикалният“ от художниците на 20-ти век се препитава с акварелни натюрморти, въпреки че се прочу като художник-неопластик. Той се премества в САЩ през 40-те години и прекарва остатъка от живота си там. Джаз и Ню Йорк – това го вдъхновява най-много! Картина „Победа. Boogie Woogie е най-добрият пример за това. "Брандирани" спретнати квадрати се получават чрез използването на тиксо - любимият материал на Мондриан. В Америка той беше наречен "най-известният имигрант". През шейсетте години Ив Сен Лоран произвежда световноизвестните рокли "Мондриан" с едро цветно каре.

20

"Композиция № 5"

Автор

босилекКандински

Държава Русия
Години живот 1866–1944
стил авангард

Художникът е роден в Москва, а баща му е от Сибир. След революцията той се опитва да сътрудничи на съветските власти, но скоро осъзнава, че законите на пролетариата не са създадени за него, и не без затруднения емигрира в Германия.

275х190 см
1911 г
цена
40 милиона долара
продаден през 2007г
на търга Сотбис

Кандински е един от първите, които напълно изоставят предметната живопис, за което получава титлата гений. По време на нацизма в Германия картините му са класифицирани като „изродено изкуство“ и не са излагани никъде. През 1939 г. Кандински приема френско гражданство, в Париж той свободно участва в художествения процес. Картините му „звучат“ като фуги, поради което много от тях се наричат ​​„композиции“ (първата е написана през 1910 г., последната през 1939 г.). „Композиция № 5“ е една от ключовите творби в този жанр: „Думата „композиция“ ми прозвуча като молитва“, каза художникът. За разлика от много последователи, той планира какво ще изобрази на огромно платно, сякаш пише бележки.

21

„Изследване на жена в синьо“

Автор

Фернан Леже

Държава Франция
Години живот 1881–1955
стил кубизъм-постимпресионизъм

Леже получава архитектурно образование, а след това е студент в Училището за изящни изкуства в Париж. Художникът се смята за последовател на Сезан, апологет на кубизма, а през 20 век има успех и като скулптор.

96,5х129,5 см
1912–1913 г
цена
39,2 милиона долара
продаден през 2008г
на търга Сотбис

Дейвид Норман, президент на Sotheby's International Impressionism and Modernism, смята, че огромната сума, платена за „Дамата в синьо“, е напълно оправдана. Картината принадлежи към известната колекция Леже (художникът е нарисувал три картини на един сюжет, последната от тях днес е в частни ръце. - Ред.), а повърхността на платното е запазена в оригиналния си вид. Самият автор даде тази работа на галерия Der Sturm, след това тя попадна в колекцията на Херман Ланг, немски колекционер на модернизма, и сега принадлежи на неизвестен купувач.

22

„Улична сцена. Берлин"

Автор

Ернст ЛудвигКирхнер

Държава Германия
Години живот 1880–1938
стил експресионизъм

За немския експресионизъм Кирхнер става забележителна личност. Местните власти обаче го обвиниха в привърженост към "изроденото изкуство", което трагично се отрази на съдбата на неговите картини и живота на художника, който се самоуби през 1938 г.

95х121 см
1913 г
цена
38,096 милиона долара
продаден през 2006 година
на търга Кристи

След като се премества в Берлин, Кирхнер създава 11 скици на улични сцени. Той беше вдъхновен от суматохата и нервността на големия град. В картината, продадена през 2006 г. в Ню Йорк, тревожността на художника е особено остра: хората на берлинска улица приличат на птици - грациозни и опасни. Тя беше последната творба от известната поредица, продадена на търг, останалите се съхраняват в музеи. През 1937 г. нацистите се отнасят брутално към Кирхнер: 639 негови творби са иззети от германски галерии, унищожени или продадени в чужбина. Художникът не можеше да преживее това.

23

„Почивамтанцьор"

Автор

Едгар Дега

Държава Франция
Години живот 1834–1917
стил импресионизъм

Историята на Дега като художник започва с факта, че той работи като копист в Лувъра. Мечтаеше да стане „известен и непознат“ и в крайна сметка успя. В края на живота си, глух и сляп, 80-годишният Дега продължава да посещава изложби и аукциони.

64х59 см
1879 г
цена
37,043 милиона долара
продаден през 2008г
на търга Сотбис

„Балерините винаги са били за мен само извинение да изобразявам тъкани и да улавям движение“, каза Дега. Сцените от живота на танцьорите изглеждат надникнати: момичетата не позират на художника, а просто стават част от атмосферата, уловена от погледа на Дега. Почиващата танцьорка е продадена за 28 милиона долара през 1999 г., а по-малко от 10 години по-късно е купена за 37 милиона долара - днес това е най-скъпата творба на художника, предлагана някога на търг. Дега обърна много внимание на рамките, сам ги проектира и забрани да ги променя. Чудя се каква рамка е монтирана на продадената картина?

24

"живопис"

Автор

Хуан Миро

Държава Испания
Години живот 1893–1983
стил абстрактно изкуство

По време на гражданската война в Испания художникът е на страната на републиканците. През 1937 г. той бяга от фашистката власт в Париж, където живее в бедност със семейството си. През този период Миро рисува картината "Помощ за Испания!", Привличайки вниманието на целия свят към господството на фашизма.

89х115 см
1927 г
цена
36,824 милиона долара
продаден през 2012 г
на търга Сотбис

Второто име на картината е "Синя звезда". Художникът го написа през същата година, когато обяви: „Искам да убия живописта“ и безмилостно се подигра с платната, драскайки боята с нокти, залепвайки пера върху платното, покривайки работата с боклук. Неговата цел беше да развенчае митовете за мистерията на живописта, но след като се справи с това, Миро създаде свой собствен мит - сюрреалистична абстракция. Неговата „Живопис” се отнася към цикъла „картини-сънища”. Четирима купувачи се бориха за нея на търга, но едно инкогнито телефонно обаждане реши спора и "Картина" стана най-скъпата картина на художника.

25

"Синя роза"

Автор

Ив Клайн

Държава Франция
Години живот 1928–1962
стил монохромно рисуване

Художникът е роден в семейство на художници, но изучава ориенталски езици, навигация, занаят на позлатител на рамки, дзен будизъм и много други. Неговата личност и нахални лудории бяха в пъти по-интересни от монохромните картини.

153x199x16 см
1960 г
цена
36,779 милиона долара
продаден през 2012г
на търг на Christie's

Първата изложба на плътни жълти, оранжеви, розови творби не предизвика обществен интерес. Клайн се обиди и следващия път представи 11 еднакви платна, рисувани с ултрамарин, смесен със специална синтетична смола. Той дори патентова този метод. Цветът влезе в историята като "International Klein Blue". Художникът също така продава празнотата, създава картини, като излага хартията на дъжд, подпалва картон, прави отпечатъци на човешко тяло върху платно. С една дума, експериментирах, доколкото можах. За да създам "Синята роза" използвах сухи пигменти, смоли, камъчета и естествена гъба.

26

„В търсене на Мойсей“

Автор

Сър Лорънс Алма-Тадема

Държава Великобритания
Години живот 1836–1912
стил неокласицизъм

Самият сър Лоурънс добавя префикса "алма" към фамилията си, за да се появи първи в арт каталозите. Във Викторианска Англия неговите картини бяха толкова търсени, че художникът беше удостоен с рицарско звание.

213,4х136,7 см
1902 г
цена
35,922 милиона долара
продаден през 2011
на търга Сотбис

Основната тема на творчеството на Алма-Тадема е античността. В картините той се опитва да изобрази епохата на Римската империя в най-малкия детайл, за това дори се занимава с археологически разкопки на Апенинския полуостров, а в къщата си в Лондон възпроизвежда историческия интериор от онези години. Друг източник на вдъхновение за него стават митологичните истории. Художникът беше много търсен приживе, но след смъртта му бързо беше забравен. Сега интересът се съживява, както се вижда от цената на картината "В търсене на Моисей", седем пъти по-висока от оценката преди продажбата.

27

"Портрет на спящ гол чиновник"

Автор

Лучиан Фройд

Държава Германия,
Великобритания
Години живот 1922–2011
стил фигуративна живопис

Художникът е внук на Зигмунд Фройд, бащата на психоанализата. След установяването на фашизма в Германия семейството му емигрира във Великобритания. Творбите на Фройд са в колекцията Уолъс в Лондон, където никой съвременен художник не е излагал досега.

219,1х151,4 см
1995 г
цена
33,6 милиона долара
продаден през 2008г
на търга Кристи

Докато модните художници на 20-ти век създаваха положителни „цветни петна по стената“ и ги продаваха за милиони, Фройд рисува изключително натуралистични картини и ги продаваше за още повече. „Улавям виковете на душата и страданието на изсъхващата плът“, каза той. Критиците смятат, че всичко това е "наследството" на Зигмунд Фройд. Картините бяха толкова активно изложени и успешно продадени, че експертите имаха съмнение: имат ли хипнотични свойства? Продаденият на търг "Портрет на спящ гол чиновник", според Sun, е бил придобит от ценител на красотата и милиардер Роман Абрамович.

28

"Цигулка и китара"

Автор

хедно гри

Държава Испания
Години живот 1887–1927
стил кубизъм

Роден в Мадрид, където завършва училище за изкуства и занаяти. През 1906 г. се премества в Париж и влиза в кръга на най-влиятелните художници на епохата: Пикасо, Модилиани, Брак, Матис, Леже, работи и със Сергей Дягилев и неговата трупа.

5х100 см
1913 г
цена
28,642 милиона долара
продаден през 2010 година
на търга Кристи

Грис, по собствените му думи, се е занимавал с "равнинна, цветна архитектура". Неговите картини са прецизно обмислени: той не е оставил нито един случаен щрих, което прави творчеството свързано с геометрията. Художникът създава своя собствена версия на кубизма, въпреки че изпитва голямо уважение към Пабло Пикасо, основателят на движението. Наследникът дори му посвети първата си кубистична творба, Tribute to Picasso. Картината "Цигулка и китара" е призната за изключителна в творчеството на художника. Приживе Грис беше известен, предпочитан от критици и изкуствоведи. Негови творби са изложени в най-големите световни музеи и се съхраняват в частни колекции.

29

"ПортретПолетата на Елюар»

Автор

Салвадор Дали

Държава Испания
Години живот 1904–1989
стил сюрреализъм

„Сюрреализмът съм аз“, каза Дали, когато беше изключен от групата на сюрреалистите. С течение на времето той става най-известният художник сюрреалист. Творбите на Дали са навсякъде, не само в галериите. Например, той измисли опаковката за Chupa-Chups.

25х33 см
1929 г
цена
20,6 милиона долара
продаден през 2011
на търга Сотбис

През 1929 г. поетът Пол Елюар и неговата руска съпруга Гала идват на гости на големия провокатор и кавгаджия Дали. Срещата е началото на една любовна история, продължила повече от половин век. Картината "Портрет на Пол Елюар" е нарисувана точно по време на това историческо посещение. „Почувствах, че ми е поверено задължението да уловя лицето на поета, от чийто Олимп откраднах една от музите“, каза художникът. Преди да срещне Гала, той беше девствен и се отвращаваше от мисълта, че ще прави секс с жена. Любовният триъгълник съществува до смъртта на Елюар, след което се превръща в дует Дали-Гала.

30

"Годишнина"

Автор

Марк Шагал

Държава Русия, Франция
Години живот 1887–1985
стил авангард

Мойше Сегал е роден във Витебск, но през 1910 г. емигрира в Париж, сменя името си и се сближава с водещите авангардни художници на епохата. През 30-те години на миналия век, когато нацистите завземат властта, той заминава за Съединените щати с помощта на американски консул. Завръща се във Франция едва през 1948 г.

80х103 см
1923 г
цена
14,85 милиона долара
продаден през 1990г
на търг на Sotheby's

Картината "Юбилей" е призната за една от най-добрите творби на художника. Има всички характеристики на неговото творчество: физическите закони на света са заличени, усещането за приказка е запазено в пейзажа на дребнобуржоазния живот, а любовта е в центъра на сюжета. Шагал не рисува хора от природата, а само по памет или фантазия. Картината "Юбилей" изобразява самия художник със съпругата си Бела. Картината е продадена през 1990 г. и оттогава не е наддавана. Интересното е, че Нюйоркският музей за модерно изкуство MoMA пази точно същото, само че под името „Рожден ден“. Между другото, тя е написана по-рано - през 1915 г.

изготвен проект
Татяна Паласова
съставен рейтинг
според списъка www.art-spb.ru
tmn списание №13 (май-юни 2013 г.)

La douleur passe, la beauté reste (c) Пиер-Огюст Реноар

Карл Густав Карус(01/03/1789-1869) - един от най-големите представители на германския романтичен пейзаж.
Първоначално от Лайпциг, Карл Густав получава отлично образование, първо в училище, а след това в университета в Лайпциг. Рисуването го съпътства от малък, но въпреки това Карус избира гинекологията и акушерството за своя професия. В Дрезден той става професор в катедрата по акушерство и университетската клиника вече носи неговото име.
Самият Карус е имал "философски" подход към изкуството в много по-голяма степен от всеки пейзажист от онази епоха. Кар не е бил художник по образование и е стигнал до живописта от своите вече утвърдени научни и философски възгледи. Известен дрезденски естествоизпитател, мислител и лекар, той, подобно на много видни хора от онова време, притежава духовен универсализъм, който му позволява да се обърне към различни видове дейности - наука, изкуство, литература - и да каже думата си във всяка.
Великият пример за такъв универсализъм по това време е Гьоте, който съчетава поет, художник и учен. Но самият Гьоте пише на Карус в едно от писмата си: „Наистина, във вашата дейност вие съчетавате толкова много личностни черти, способности, умения, чиято дълбока жива връзка е изненадваща“. Тяхното приятелство и научна комуникация, която започва, когато Карус е още млад професор по акушерство в Дрезден, продължава до смъртта на Гьоте. Както е известно, сливането, обогатяващо взаимопроникването на изкуството и науката, беше не по-малко характерно за епохата на романтизма, отколкото превръщането на изкуството в приказка, мит, фантазия. Романтичната натурфилософия обърна идеята за Вселената с главата надолу, даде на всичко ново, вдъхновяващо оправдание - и в очите на романтиците специфичните науки за природата бяха изпълнени с нов, мистериозен и дори поетичен смисъл. Поетът Новалис се занимаваше със структурата на скалите, художникът Рунге се занимаваше с физическата теория на цвета, Карус, във връзка със своите изобразителни задачи, се зае с научното изследване на атмосферните явления, законите за формиране и структурата на облаците. ..
Романтичният светоглед изправи природата и човека лице в лице, виждайки и в двете проявата на единен и безкраен духовен принцип. Според романтиците духът, който живее несъзнателно творчески живот в природата, пораждайки цялото многообразие на своите форми, се проявява в човека като съзнание, разнообразие от чувства, мисли и дейности. Човек усеща природата като сродно същество, опознава я и я изразява - както в науката, така и в изкуството; духовната същност на човека има тенденция да се слее с духовната същност на света. Следователно не напразно натуралистът и художникът в тази епоха станаха толкова близки един до друг, а пейзажът стана най-плодотворната посока на романтичното изкуство в Германия.
Карус в духа на романтичната философия определя връзката на изкуството с науката по следния начин: науката познава части, изкуството е подчинено на духа на цялото, тъй като в изкуството самият човек е отчасти оприличен на несъзнателно творческа природа. Истината е в тяхната комбинация. Научните данни придобиват окончателен смисъл в холистичен художествен израз, а изкуството, ако отговаря на целта, трябва да се основава на дълбоки научни познания. Тази комбинация определи романтичната личност на Карус.
Както вече споменахме, Карус не е учил рисуване, той е бил самоук. Първите му трудове са пряко свързани с научните му изследвания - това са анатомични и ботанически ателиета. И едва постепенно има интерес към пейзажа. Но Карус наистина намира пътя си в изкуството, когато се премества от Лайпциг, където завършва университета, в Дрезден и среща Каспар Давид Фридрих (през 1817 г.). Фридрих е първият, който открива специфичния език на романтичния пейзаж. Вероятно неговите картини не могат да бъдат наречени пейзажи в традиционния смисъл на думата, в който този жанр се формира и съществува преди него в европейското изкуство. Това не е изображение на местността - реално или идеално - а, на езика на романтизма, философско, духовно съзерцание във формите на видимата природа. Карус намери обозначение за този нов вид изкуство - той предложи да го нарече не пейзаж, а "изображение на живота на земята". Той толкова дълбоко приема принципите на изкуството на Фридрих, че все още има съмнение за някои от картините - принадлежат ли на "учителя" или "ученика".
Очарован от Фридрих, по неговите стъпки, Карус през 1819 г. тръгва на пътешествие до остров Рюген, където, подобно на Фредерик, рисува морски пейзажи. Морето и небето в тези платна служат на художника, сякаш за да дадат представа за самата безкрайност на природата. В картината "Прибой на Рюген" са показани само тясна ивица скалист бряг и големи, монотонно вълни до хоризонта. Пейзажът е поразителен с величествената си безлюдност; художникът искаше да предаде природата на великото, могъщо и глухо, такова, каквото е само по себе си, а не такова, каквото обикновено се възприема и адаптира към нуждите си от нерефлексивен човек. В картината "Лунна нощ на Рюген" художникът премахва и последната опора - брега; ние виждаме морето така, както човек не може да го види - насред водната пустиня, отгоре, като чайки, прелитащи наблизо; и не можем да откъснем очи от осветените от луната вълнообразни вълни под нас. Художникът се взира в безкрайната природна стихия със задълбоченост и очакване, както би надникнал в лицето на човек.
Фактът, че надарената с дух природа, подобно на човека, може да има свой собствен "израз", съзвучен с човешките чувства, е убеждението, изразено от Кар в неговия теоретико-философски труд "Девет писма за пейзажната живопис". Такива изрази - тъга, мир, обновяване и т.н. - дават на картината на природата времето на деня, сезона. Възприемчивостта на романтичния художник, убеден във вътрешната връзка между природата и човека, вижда в определена комбинация от природни мотиви не случайност, а символи на духовно състояние. Пропити от това мислене, ще разберем например мисълта на художника в картината „Гробището на манастира Ойбин“ (1828 г.): руините на църквата, гробовете под снега - това е тление, вцепенение, несъществуване; мощни зелени ели, издигащи се в центъра на композицията - предчувствие за идващото възраждане.

В творчеството на Карус има редица картини, пряко посветени на темата за духовното родство и тихия таен диалог между човека и природата. В тези картини човек не е естествено разположен в лоното на природата, като персонал в класически пейзаж. Той винаги е извън нея, гледа я от прозореца, от отвора, от терасата, но е обединен с пейзажа по различен начин – със съпреживяване, общо духовно състояние. Такава е "Дамата на терасата" (1824), взрена в синкавите зори. Това е една от най-известните картини на Карус "Преместване в барка през Елба" (1827). От тъмното пространство на покрития шлеп, през очите на младо добре облечено момиче, седнало тук, гледаме реката и пейзажа, блестял в далечината на отсрещния бряг, разтварящ се в слънчева светлина, със силуета на Дрезден и пропита със своето състояние на радостно очакване, порив от тъмнината към светлината, от ежедневието към чудото. И накрая, една от най-особените картини на Карус - "Терасата на Брюл в Дрезден" (1830). Здрач. Мокра мъгла. От самата мъгла като чудно видение изплува заостреният силует на дрезденската Хофкирхе. На преден план, близо до парапета на терасата, са фигурите на скитници или скитници: прегърбен старец, седнал, сякаш замаян, с дете, притиснато до коленете му, куче лежи в краката им. Човек сънува, а градът е потънал в мъгла, като в сън. В този час те сякаш се сливат помежду си в никому неизвестен мълчалив разговор, пълен с таен смисъл.
В живописта на Карус е вплетена специална тема, мотивът за изкуството, творчеството. Картината "Балкон в Неапол" (1829-1830) донякъде напомня на "Преместване над Елба": от стаята, през отворената балконска врата, виждаме окъпания от слънце град от другата страна на залива. Липсва сякаш само едно нещо – човек, гледащ в тази далечина; наистина, тук няма човек, но има неговата песен - цигулка, поставена на самата врата. Няма човек и в друга картина на Карус „Ателието на художника на лунна светлина“ (1826). Светлите квадрати на прозореца върху прозрачна завеса са зачеркнати от тъмния силует на статив и бик. И вече няма контрасти, всичко е потопено в обгръщащ мрак, мир. Усеща се онова неясно, смътно, но напрегнато-духовно състояние, в което се раждат образи, докато умът и волята на твореца спят. Малко хора са успели да предадат с такава сила тайнствената атмосфера на творчеството, отколкото този учен-натуралист, професор и философ, докоснат и превърнат в художник от духовния импулс на романтизма.

Франц фон Щук (на немски: Franz von Stuck; 23 февруари 1863 г., Тетенвайс – 30 август 1928 г., Мюнхен) е немски художник и скулптор.
Син на селски мелничар, Франц фон Щук учи в Кралското училище за изкуства и занаяти в Мюнхен и след това в Мюнхенската академия на изкуствата. Фон Щук е любител на новите художествени техники и жанрове и заедно с Вилхелм Трюбнер основава Мюнхенския сецесион през 1892 г.
От 1895 г. Щук е професор в Академията на изкуствата, сред учениците му са Василий Кандински, Паул Клее, Йозеф Хенге, Георг Карс, Паул Щолрайтер и Хайнрих Щрифлер. През 1906 г. Франц фон Щук получава благородническа титла. Наред с Франц фон Ленбах и Фридрих Август фон Каулбах, фон Щук е виден представител на Мюнхенската школа за изобразително изкуство.
Вдъхновен от творчеството на Арнолд Бьоклин, Щук рисува плаващи нереалистични картини, базирани на сцени от света на фантазията и алегориите, символични образи, като неговите „Грях“ (1893) и „Война“ (1894). Много от неговите широкоформатни произведения се отличават с двусмислена еротична атмосфера. Картините на фон Щук, които често изобразяват голи женски и мъжки тела, получават необичайно силно художествено възприятие от публиката през Викторианската епоха, с леко "истерични" черти.

Най-известният художник в Германия в края на 19-ти и началото на 20-ти век е пейзажистът Ханс Тома. Той рисува натуралистично и просто, предимно Шварцвалд – гора в Южна Германия, която е свързана с редица митове и традиции от немския фолклор. Съвременниците го наричат ​​най-великият немски художник, а Адолф Хитлер смята Том за най-великия художник на всички времена. На негово име са кръстени десетки улици и площади в германски градове и той е удостоен с тази чест приживе.
След 1945 г. славата на Ханс Тома започва бързо да избледнява и днес картините му предизвикват повече скептична усмивка, отколкото възторг, ако някой друг изобщо ги помни.

Вилхелм Хайнрих Ото Дикс(немски Вилхелм Хайнрих Ото Дикс, 2 декември 1891 г., Гера, Тюрингия, Германска империя - 25 юли 1969 г., Зинген, Баден, Германия) - немски експресионист и график, автор на емоционално наситени, шокиращи картини.
Художник-авангардист, през 20-те години на ХХ век се свързва с дадаизма и експресионизма. Заедно с Георг Грос Дикс е представител на така наречената „нова материалност“. Платната на Дикс се отличават със социални и пацифистки мотиви, болезнени духовни търсения.
-
Смъртта и войната вървят ръка за ръка. Двама са най-добри приятели. Единият подготвя полето за добре наточена коса на другия. Ако той се съгласи с тезата, че историята на човечеството е история на войните, то последните са едно от важните и въздействащи средства за взаимодействие между хората. Феноменът на войната намира отражение в идеологическите конструкции, политическото доктринерство, във философските трактати и дебати и разбира се в огледалото на изобразителното изкуство.
Дълго време беше обичайно смъртта във война да се изобразява като героична, чиста и символична. Но сега, помитайки всичко по пътя си, цвърчейки с картечници, дрънчейки с грохота на хиляди оръдия, облаци от хлор и гъсеници, Първата световна война нахлу в историята на човечеството. Той напълно промени целия свят, промени отношението на хората към самата война и възприемането на смъртта върху нея. Естествено, медиите и изкуството изиграха първостепенна роля в създаването и разпространението на нови значения по този повод (без да броим самата Първа световна война, в която участваха милиони хора по света). Разбира се, веднага идват на ум романите на Ремарк и Хемингуей, които до голяма степен определят отношението към войната в масовото съзнание на съвременния „цивилизован свят“. Ще говорим за друг представител на поколението, направило световната война, но несвързано с литературното творчество.
Войната и смъртта през погледа на немския художник-експресионист Ото Дикс... Неговата живопис и днес предизвиква много спорове и е обект на най-оригинални интерпретации. Военната поредица от гравюри, публикувана през 1924 г. (още няколко творби по темата за войната са написани през 30-те години на миналия век, например триптихът "Война" 1929-1932), художникът планира още на фронта, правейки скици в безкрайните окопи на Западния фронт (на който "няма нищо ново", ако буквално преведем заглавието на известния роман на Ремарк). Подобно на много млади мъже от своето поколение, поддали се, според уместния израз на Ернст Юнгер, на "хмела на войната", Ото отива на фронта като доброволец. По-късно той приписва решението си на естественото любопитство: „Очевидно съм твърде любопитен. Трябваше да видя всичко - глад, въшки, мръсотия и други мерзости. Трябваше сам да изпитам тези ужасни дълбини на живота, затова отидох доброволно на война. Дикс е видял всичко това докрай, въвлечен във водовъртежа на "голямата война", воюва четири дълги години, получава рани и Железния кръст. И този образ се допълва от още един интересен факт: той премина през цялата война с том Ницше и Библията. На фронта той се ръководи не само от военните правила, но и от инструкциите на Ницше за художниците: "Изобразяването на ужасни и противоречиви неща е инстинкт на волята и величието на художника, той не трябва да се страхува от това."
Смразяващ ужас, неизбежност и усещане за постоянно присъствие на смъртта – това е, което характеризира работата на военния сериал на Дикс. В същото време смъртта в творбите му винаги е отвратителна и плашеща със своята рутина.
Войната и нейният спътник – смъртта във вселената на Ото Дикс се явяват пред нас като невероятен катаклизъм, стихия, която не щади никого, преобръща съзнанието и потапя в състояние на дрога и нереалност на случващото се. Смъртта престава да бъде нестандартно събитие, губи своя героичен ореол и се свежда до нивото на ежедневието и се явява пред нас в най-непривлекателна светлина.
В Третия райх творчеството на Дикс е смятано за "изродено" и "изродено". Ще бъде изключен и от Дрезденската академия. Художникът беше предопределен отново да отиде на война. На 53-годишна възраст Ото Дикс е призован във Volkssturm (народна милиция) през 1945 г. Но той не трябваше да участва в битките дълго, само няколко дни. След това той ще бъде заловен от френските войски и ще бъде освободен едва през 1946 г. Д. Житинев: "Ото Дикс: смърт и война"

Рихард Мюлер (1874-1954) - професор в Дрезденската художествена академия от 1900 до 1935 г.
С идването на власт на нацистите той е отстранен от длъжност, т.к. беше женен за американската певица Лилиан Сандерсън, която не се отказа от американско гражданство.

Саша Шнайдер , Карл Александър Шнайдер (на немски: Sascha Schneider, Karl Alexander Schneider, 21 септември 1870 г., Санкт Петербург - 18 август 1927 г., Swinemünde, сега Swinoujscie) - немски художник в стил Арт Нуво, известен с илюстрациите към романите на Карл Май. Ранните години на бъдещия художник преминават в Санкт Петербург. След смъртта на баща му майка му се премества с децата в Дрезден. През 1881 г. семейство Шнайдер се установява в Цюрих. Карл Александър учи в гимназията и след това в Академията за изящни изкуства в Дрезден. През 1903 г. се запознава с Карл Май и започва да илюстрира книгите му. От 1904 г. - преподавател в художественото училище във Ваймар. Заради заплахите на партньора му да разкрие хомосексуалните му наклонности, които тогава бяха преследвани по германското законодателство, той се премести в Италия, където подобни наклонности не бяха сред престъпленията. Пътувал, включително - в Кавказ. Страдал от диабет. Искайки да пие на кораб, приближаващ Swinemünde, той погрешка изпи отровен препарат за отстраняване на петна. Погребан е в Лошвиц - сега Дрезден.

Оскар Цвинчер

Оскар Цвинчер(нем. Oskar Zwintscher; 2 май 1870 г., Лайпциг - 12 февруари 1916 г., Дрезден) - немски художник символист.
Син на учителя по музика Бруно Цвинчер, брат на пианиста Рудолф Цвиншер. Художественото си образование получава в Лайпцигската академия на изкуствата (1887-1890) и - под ръководството на Леон Фийлд и Фердинанд Пауелс - в Дрезденската академия на изкуствата (1890-1892). След дипломирането си той живее като художник на свободна практика в Майсен в продължение на три години, получавайки стипендия от фондация Munkelch за саксонски художници. През 1898 г. той излага творбите си за първи път, печелейки наградата на шоколадовия магнат Лудвиг Щолверк. През 1898 г. излиза поредицата от неговите творби „Годишните времена“, а през 1900 г. е последвана от поредицата „Лошо време“. През 1904 г. самият той е член на комисията за присъждане на награди от "производителя на шоколад, какао и шампанско фирма Stollwerk". От 1903 г. художникът е професор в Дрезденската художествена академия.
Платната на Цвинчер имитират маниера на рисуване на старите немски майстори - Лукас Кранах Стари, Ханс Холбайн Млади и др. Немските символисти оказват голямо влияние върху творчеството му: Арнолд Бьоклин, Лудвиг Рихтер, Мориц фон Швинд. Той изписва творбите си внимателно до най-малкия детайл; е основен противник на импресионизма. Той беше близък приятел на художника и скулптора Саша Шнайдер, който е автор на създаването на скулптурата на ефеба с факла, инсталирана на гроба на О. Цвинхер на гробището Лошвиц в Дрезден.

Голямо значение в творчеството на Клингер има графиката, в която той е виртуозен майстор и на която той в книгата си "Живопис и рисунка", публикувана през 1891 г., придава специално, самостоятелно значение в изобразяването на външния свят. В същото време Клингер вярва, че графиките са склонни да предават демонично-тъмни аспекти на живота, адекватно изразени по линеен и контрастен начин, което ни позволява да считаме Клингер за един от предшествениците на сюрреалистите. Образът на "циклите" на действието с образа на фантастични символистични въображаеми реалности беше сравнен от самия Клингер с музикално произведение ("опус"). Самата живопис остава за художника реалистично-позитивно изразно средство. Под особено влияние на Клингер беше Пюви де Шаван, който създаде серия от алегорични, монументални стенописи в Париж. Клингер вижда своята цел в изкуството като обединяване на живописта, пластичните изкуства и архитектурата. Религиозните картини, рисувани от Клингер, показват влиянието върху майстора на италианския Ренесанс.
„Живея в себе си и се разхождам между рефлексите на очите си: газова светлина – огледало – хора.“ Клингер, който записва това изречение през 1883 г. в дневника си, попива всичко около себе си с очите си. В съзнанието му рисуването е средство за задържане на „външния свят“. Фантазията може да се изрази само в рисунка и гравюра. В този смисъл Клингер работи и в двете техники, към които по-късно добавя и таланта на скулптор. Външният и вътрешният свят го вълнуваха по един и същи начин и той винаги ги възприемаше като противоположности.

Смърт и красота
Die Schonheit. Близо до морския бряг, на цъфтяща поляна, високи дървета, преплетени в дантелени шарки. Като мечти за пустинна земя, те се издигат към небето и слушат нежните звуци на прибоя. Там в един ликуващ слънчев ден дойде Човек и видя, че светът е прекрасен. Той коленичи и започна да се моли, покривайки лицето си с ръце. И от очите му потекоха сълзи, неудържими сълзи на наслада и мъка пред тайната на красотата. Който боготвореше природата, който се предаваше с всички пориви на сърцето и мисълта си на великите прелести на нейната неразбираемост, ще разбере защо Макс Клингер завърши последната поредица от офортите си: „На смъртта” с този помирителен акорд.
Смърт...
Никой от съвременните художници не е мислил за смъртта по-често и по-концентрирано от Клингер. Никой не се впусна по-дълбоко в тишината на неземната съдба, пазейки ужаса на хората.
Смърт. Тя не познава милост. Тя е в края на всички пътища. Неумолимата й близост изравнява всички жребии. Щастливи и изстрадали, мъдри и луди. Пред нея са еднакво незначителни: войн, изкушен от призрака на славата, и господар в злато и пурпур, умиращ като роб в подножието на великолепен трон, и моряк, захвърлен от буря на скалите, и момиче на работа в родното си поле и дете в люлка, близо до майка си, безгрижно заспало на пейка, близо до вечерното езерце ...
Смъртта дебне отвсякъде. Тя има хиляди форми и символи. Тя се прокрадва при човека, когато най-малко очаква и когато му е омръзнало да чака - безпощадна, няма смърт, ту подигравателно злонамерена, като скелет в монашеско расо, като ято гарвани, нахлули в болничните стаи, ту тъжно тиха, като бял ангел...
А художникът настоява за пророчески образи упорито, методично, с безмилостната изисканост на човек, който не щади другите, защото не щади себе си. Тези гравюри за смъртта се редуват пред нас, завършени, неизбежни, като видения от "Меланхолията" на Дюрер, четене на думата Vanitas в небето, и от тях идва поезия на внушаваща тъга и тишина, напомняща редовете на Верлен:
Je suis un berceau
Qu "une основен баланс
Au fond definite "un caveau.
Тишина, тишина…
Но означава ли това, че смъртта е опровержение на живота? Означава ли това, че хората трябва да се отчайват в очакване на последния час?
Не. Необходимо е да се преодолее скръбното знание за ужасния, неизбежен край. Художникът ни казва: "Формите на смъртта са ужасни, но не и самата смърт." Не, защото има нещо по-силно от истината за смъртта, истината за красотата.
Красотата побеждава смъртта. В лъчите на красотата духът на човека се съединява с вечността. В красотата - неговото предчувствие за непонятната връзка на земното битие - слабо, преходно, случайно с онова безначално и непреходно битие, което той нарича: Вселената.
Така ни се разкрива смисълът на тази молитва. Същата молитва звучи в цялата работа на Клингер. Ето защо повечето от неговите творби излъчват такова строго спокойствие, такова тържествено примирение, въпреки преобладаването на мрачни мелодии в тях.
(със)


wiki

Обратно в нищото, плоча петнадесета от Живот
Пикаеща смърт
Без заглавие

Карл Вилхелм Дифенбах(нем. Karl Wilhelm Diefenbach; 21 февруари 1851 г., Хадамар - 15 декември 1913 г., Капри) - немски художник, представител на символизма и Арт Нуво. Известен е и като общественик, основател на общинското селище Himmelhof в Ober St. Veit.
живот и творение
Карл Дифенбах е роден в семейството на художник, учител по рисуване в гимназията Леонард Дифенбах. Учи живопис в Мюнхенската академия за изящни изкуства, първоначално под творческото влияние на Арнолд Бьоклин и Франц фон Щук. Картините, създадени от Карл Дифенбах, станаха известни още в годините на младостта му.
След като боледува от тиф в тежка форма, художникът остава инвалид - дясната му ръка остава осакатена. Тъй като Карл Дифенбах вярва, че само връщането към естествения, близък до природата начин на живот и природните продукти може да го излекува, той попада под влиянието на Арнолд Рикли и Едуард Балцер, известни популяризатори на тази теория в Германия. През 1881 г. Дифенбах също скъсва с официалната църква. Облечен в расо и сандали, той проповядва своята доктрина в Мюнхен.
Основните идеи на Карл Дифенбах са следните: живот в съответствие със законите на природата, отхвърляне на моногамията, вегетарианството, отхвърляне на всяка религия, повече движение на чист въздух и почитане на голото тяло. Всичко това предизвиква присмеха на неговите съвременници, които наричат ​​Дифенбах „апостола на Колраби“. След като е задържан от полицията, художникът напуска Мюнхен и се установява в изоставена кариера. Младият художник Хуго Хьопенер (“Фидус”) става негов асистент. Тяхна съвместна работа е голям фриз През тръни до звездите (Per aspera ad astra). През 1892 г. Дифенбах излага своите творби във Виена. Тази експозиция има изключителен успех и прославя името му, но поради измама на ръководството на Австрийското художествено дружество Дифенбах губи всичките си картини. След тази катастрофа художникът заминава за Египет, където изучава древните египетски храмове. След това, за да върне картините си, той се връща във Виена през 1897 г., планира да издава тук списание Humanitas и организира нова голяма изложба. Художникът намира подкрепа сред интелектуалния елит на австрийската столица, включително пацифистката Берта фон Зутнер и публициста Майкъл Конрад. Дифенбах се установява в селището Химелхоф близо до Виена и около 20 негови ученици се заселват там с него. Сред тях бяха художниците Константинос Партенис и Густав Гресер, както и активистът за правата на животните Магнус Шванте.
В своето "учение" Карл Дифенбах беше очевидно непоследователен. В колонията Himmelhof той направи многобройни снизхождения за себе си, живееше едновременно с две „съпруги“ и в същото време изискваше скромност и пълно подчинение от учениците си. Той лично следеше кореспонденцията на всеки от тях. След едногодишно съществуване комуната фалира и Дифенбах отива на остров Капри, където се слави като голям художник, докато у дома работата му е забравена. Той почина в Капри поради волвулус.

Карл Фридрих Лесинг(Немски Карл Фридрих Лесинг; 15 февруари 1808 г., Бреслау - 5 юни 1880 г., Карлсруе) - немски художник от романтичната посока.

Фрединанд Келер (1842-1922) - "Гробът на Беклин"

Вилхелм Шойхцер "Der Alte Südfriedhof" 1830 г

Рудолф Вигман. Das Grab des Lederfabrikanten Söhlmann auf dem St.-Nicolai-Kirchhof в Хановер. In dem Aquarell von 1835

Франц Райнхолд

Мари Егнер "Alter Friedhof c1883-1884"

Петер Хайнрих Хапел

Kapelle im Mondschein от Фриц фон Виле, 1912 г

Карл Стратман (1866-1939)

Макс Вислиценус (1861-1957)

Фердинанд Щегер (1880-1976)

Рудолф Шийстл(8 август 1878 г., Вюрцбург - 30 ноември 1931 г., Нюрнберг) - немски художник, гравьор, духач на стъкло и един от пионерите на експресионизма. Гравюрите от поредицата Базелска смърт (около 1910 г.) са базирани на средновековна народна песен от 1539 г., 8 гравюри със 7 куплета. В песента се пее как някакъв млад мъж от Базел се оженил за старица, която го "ударила" на третия ден, след което отишъл на гробището и помолил Смъртта да вземе нацупената жена. Когато се върна, жена му вече беше починала. Младият мъж впрегнал конете и отнесъл мъртвата старица на гробището, където вече бил подготвен гроб, в който тя трябвало да се затвори завинаги. След това той се върнал вкъщи и си взел млада жена, която го набила на третия ден. Е, той се молеше на Смъртта: "По-добре да беше старо!"

Нещо се случи с мозъците на германците през 20 век ... По-точно покривът им беше откъснат. Всички бурлюци на Съветския съюз не са генерирали такова количество красиви глупости.

Макс Ернст. цар Едип. 1922 г

Сезар Клайн. Plakat zur Wahl der Nationalversammlung: Arbeiter Burger Bauern Soldaten

Кристиан Ролфс. Танцьори (Zwei Tanzende). 1913 г

Ернст Лудвиг Кирхнер. Vor den Menschen. 1905 г

Ернст Барлах. Magdeburger Ehrenmal (Магдебургски кенотаф). 1929 г

Фриц Скейд. Schlafendes Kind (Дете, спи)

Джордж Грос. Художник и модел. 1928 г

Хърбърт Байер. Айнзамер Гросщадлер (Самотният столичен). 1932 г

Йоханес Итен. Spruch. 1921 г

Ловис Коринт. Ecce Homo. 1925 г

Ловис Коринт. Самсон ослепен. 1912 г

Макс Ернст. Ohne Заглавие

Раул Хаусман. Изкуствоведът. 1919-1920 г

Вернер Шолц. проститутка

Джоузеф Чарлз. L "art pour l" изкуство

Това, което е смешно, са картините (с изключение на Шолц, за когото не съм сигурен, и Шарл - този по-късно), които нацистите наричат ​​entartete Kunst - Изродено изкуство и заклеймени като "не само модернистични, антикласически, но и еврейски -Болшевишки, антигермански и следователно опасни за нацията и за цялата арийска раса", освен това, което включих в публикацията, можем да споменем, че от композиторите имаше Шагал, Кандински, Кокошка, Клее, Мунк. Шьонберг и Барток и така нататък...

Но всичко това изглежда изключително смешно в светлината на един факт: през 30-те години от 32 музея в Германия нацистите конфискуваха и отнесоха около 650 творби и направиха изложба, която беше открита на 19 юли 1937 г. в Мюнхен. "Дом на изкуството".

До април 1941 г. тя пътува до още 12 града, посетена е от 3 милиона зрители

Вярвам, че това беше триумфът на ционистко-болшевишкия саботаж! На места пишат, че това е абсолютен рекорд за изложба на изобразително изкуство - никой досега не е успявал да събере повече хора.

Това е просто страхотна картина - 1937 г., Германия, адът започва - и сред всички тези червено-бяло-черни знамена - самите германци носят и показват висококачествена селекция от най-красивите картини на тези, които ще станат класици на аванта -гарде.

Вероятно е много романтично да се предположи, че именно този акт, замислен като пропаганда, е разпространил вируса на тънкия естетизъм и разпад, който ще разбие духа на Ubermensha пет години по-късно.

Появява се в пейзаж и портрет.
В жанра портретнай-доброто наследство Филип Ото Рунге(1777-1810), който работи в Хамбург, обръща голямо внимание на проблемите на цвета, автор на трактата "Цветният кръг". В творбите си той изгражда пресилени, сложни алегории, но създава истински живи образи, обръщайки се директно към природата. В своя автопортрет той съчетава будността на анализатор и строгостта на прецизната рисунка. В картината "Портрет на родители" пейзажът е изпълнен с удивителна финес и задълбоченост, на фона на които са представени старите родители на художника, набръчкани лица на разтревожени старци, в рязък контраст с розовобузи деца, гледащи света с широко отворени очи.

Основен обект е природата, в картини Каспар Давид Фридрих(1774-1840). Той се прекланя пред величието на природата, а също така мисли и се тревожи, сякаш скалистите пустини с гладките им очертания и играта на светлина и сянка или борбата на германския народ срещу наполеоновото завоевание. Човекът в пейзажите на Фридрих е малка самотна фигура, изгубена в необятните простори на света или пасивен наблюдател, съзерцаващ мъгливите далечини.
Адолф Менцел(1815-1905) дава тласък на разцвета на реализма в немската живопис. Художник с широки идеи, Менцел се стреми да обхване живота в цялото му многообразие, той въвежда реалистичния метод в историческия жанр. През 1840 г. той създава четиристотин рисунки с химикал, илюстриращи Историите на Фридрих Велики. В илюстрациите особено привлекателна е автентичността в изобразяването на историческата обстановка, костюмите и умението да се улови характерното. Менцел разглежда същата тема в живописта, например най-оживената от цикъла картини, посветени на Фридрих 2, изобразяващи изисканото общество около Фридрих в неговата резиденция. Декорът на двореца е изобразен майсторски, публиката е свободно групирана около масата.

По време на пътуване до Франция Менцел се запознава с френското изкуство, което допълнително засилва реалистичната ориентация на творчеството му. Той създава един от първите Западноевропейска живопискартини от живота на работническата класа, индустриалния труд, където точно са изобразени огромни работилници, машинни инструменти и работнически пещи, осветени от пламъци, техните условия на тежък, изтощителен труд. В работилницата, накацали зад ламарина, те набързо довършват оскъдната си закуска.
Многобройни подготвителни рисунки за картини, направени от натура, щателни чертежи на детайли на костюми, обзавеждане и живи скици на хора, пейзажи, интериори, направени с въглен и молив, писалка и четка, характеризират Менцел като един от най-големите немски чертожници от времето на на Дюрер.

Традицията на реализма в немската живопис продължава Вилхелм Лайбл(1844-1900). Интересът към живота на работещите хора, проблемът със светло-въздушната среда и пространството, правдиво изобразяващи селяните от баварските села, привличащи със сребърна тонална живопис.