1. Голос певца звучит слишком ровно
Любое интенсивное движение сказывается на пении — именно поэтому фразы в танцевальных песнях неизбежно короче, чем в лирических медляках. Если характер пения никак не меняется, пока артист прыгает по сцене, и вы не слышите его дыхания — это признак включенной «фанеры».
Один из самых известных борцов за живой звук, автор так и не принятого в 2007 году законопроекта Мосгордумы «О фонограмме» Андрей Ковалев рассказал «Труду» о самом частом контраргументе защитников «фанеры» на эстраде: «Однажды между Мадонной и Элтоном Джоном развернулась полемика. Сэр Элтон заявил: «Дорогая Мадонна, я зашел на твой концерт, и что же? Половину песен ты исполнила под фонограмму». Мадонна ответила: «Да, дорогой Элтон, потому что я на сцене прыгаю и танцую». Элтон возразил: «Но я заплатил не за то, чтобы смотреть, как ты прыгаешь, а за то, чтобы слышать твое пение».
То, что сказала Мадонна, — конечно же, отговорка. Даже при самой большой интенсивности движений можно нормально петь. Посмотрите, как работают Slipknot. Или Iron Maiden — их лидеру Брюсу Дикинсону за 60, а какой вокал выдает, бегая по сцене! Все дело в желании и физической форме. Прекрасный способ тренировки — пение в сочетании с бегом на дорожке тренажера. И у нас есть активно танцующие люди, поющие при этом исключительно вживую. Например, Анжелика Варум и Леонид Агутин — они даже от организаторов корпоративов, не говоря уж об афишных концертах, требуют, чтобы была аппаратура для живого звука.
2. Следите за руками звукорежиссера
Если вы сидите в зале недалеко от пульта звукорежиссера, последите за его работой. Некоторые артисты — например, Глюкоза — записывают отдельно инструментальное сопровождение и собственный голос. Это дает возможность следующей манипуляции: в какие-то моменты певец может протянуть микрофон зрителям — дескать, попойте сами и убедитесь, что звук живой. В эти секунды следите за звукорежиссером: если он резко двинул одной из ручек вверх — скорее всего, он ввел на полную мощность микрофон солиста, и теперь звук действительно живой. А до того была «фанера».
«Все рок-музыканты работают вживую, — считает Андрей Ковалев. — Как и все шансонье. А вот поп-певцы — в среднем пятьдесят на пятьдесят. Например, Филиппа Киркорова я не понимаю — великолепный певец, мог бы всегда петь вживую, но до 30 процентов песен исполняет под фонограмму. Дима Билан использует так называемые даблы: накладывает живой голос на им же записанные треки, так что живого звучания там всего 20-30 процентов. Борис Моисеев работает только под фонограмму. А вот Николай Басков, Валерий Меладзе, Олег Газманов или „Ранетки“ всегда поют вживую».
3. Говорит одним голосом, поет другим
Сегодня исполнители любят всяческие воззвания к публике: «Какие вы замечательные!», «Где ваши руки?» и так далее. Эксперты советуют проследить за этим. Если при одинаковой силе голоса его тембр в разговорном варианте сильно отличается от того, что звучал в песне, это верный признак использования фонограммы. Так, например, бывает при съемках большинства телевизионных программ, которые по традиции пишутся под готовую звуковую дорожку.
4. Телекамера — спутница «фанеры»
Если вы увидели в зале краны с телекамерами, можете быть на 90 процентов уверены: здесь звучит «фанера». А если концерт сборный, то есть проходит с участием множества артистов, то и на все 100. Потому что невозможно быстро настроить аппаратуру под каждого артиста. «По своему опыту работы в группе „Пилигрим“ знаю, что на настройку звука уходит не меньше трех часов, — говорит Ковалев. — Конечно, на сборных концертах никто этого не делает. Но в таком случае зрители должны задуматься: а стоит ли зрелище тех больших денег, которые они за него заплатили? Ведь, по сути, их сделали статистами, то есть это им должны платить за съемки, а не они».
Итак, все «Песни года» и им подобные действа — сплошная «фанера». Хотя на самом деле мы далеко ушли от тех времен, когда несовершенная аппаратура не позволяла записать качественный звук на живом шоу. Сегодня такая возможность есть. На некоторых телешоу звук уже живой и очень качественный. Так что все дело в желании или нежелании телевизионщиков возиться с живой акустикой.
5. Прямо как на диске
Живое исполнение всегда имеет какие-то индивидуальные особенности и шероховатости. Тут ритм немного ускорился, там мелодическое украшение добавилось: Если же вы слышите пение, до мельчайших деталей совпадающее с известной по дискам и радиоэфиру фонограммой, то это значит, что именно она здесь и звучит.
Впрочем, этот способ не всегда работает. «Некоторые мастера идут на ухищрения, — рассказал „Труду“ Андрей Ковалев. — Те звезды, которым позволяют средства, пишут специальный концертный „плюс один“ с некоторыми как бы шероховатостями исполнения. Например, София Ротару в 1970-х записала фонограмму с нарочитым киксом, будто у нее срывается голос. Она в этом месте мило извинялась, и у публики создавалось впечатление живого пения».
Опрос: «Фонограмма — это зло?»
Иосиф Кобзон, певец: «Нет конкретных мер наказания за фонограмму»
— Когда я был председателем комитета по культуре Госдумы, мы много на эту тему говорили. Есть закон о защите прав потребителей, но нет механизма его исполнения и нет мер наказания. Нужно создавать штат контролеров — не в составе Роспотребнадзора, а новый орган.
Иосиф Пригожин, продюсер: «Фонограмщики ушли в корпоративы»
— Те, кто существует за счет публичных концертов, работают живьем. А фонограмщики ушли в корпоративы. На сборных концертах фонограмма может быть. У нас не принято, когда один живой оркестр сопровождает всех певцов программы.
Илья Черт, р
ок-музыкант:
«Фонограмма — это ложь»
— В рок-музыке, в отличие от попсы, фонограмму представить невозможно. Это называется ложь. Когда на сцене открывают рот и виляют попой под чью-то запись — свою, а бывает, что и чужую. Разговоры о том, что в каких-то шоу живой звук создает технические сложности, — отговорка.
Вячеслав Бутусов, рок-музыкант: «Нужно воспитывать совесть в людях»
— «Фанера» проникла в наш концертный бизнес ровно настолько, насколько позволяет наш концертный бизнес. Поскольку у нас понятие “бизнес” сильно извращено и означает всего лишь примитивную схему: поменьше отдать - побольше забрать, то вся наша концертная деятельность выглядит как грабёж по Остапу Бендеру. Почему рокеры обычно работают живьем, а попса часто - под «фанеру»? Рокеры - аскеты, им не обязательно сладко кушать и мягко спать. Благодаря такому распределению душевного внимания им удаётся уделять большее время полезным аспектам этой жизни.
Ситуация, когда клиент при прочих равных условиях отдает предпочтение заведению с эстрадно-развлекательной программой, довольно типична. А присутствие такой программы на свадебных и юбилейных банкетах, дружеских или корпоративных вечеринках часто становится абсолютно необходимым условием.
Дело техники
Итак, вы решили, что в вашем ресторане будет живая музыка. С чего начать? Конечно, с оборудования сцены. Ее высота должна быть не ниже 40-50 см, а площадь такой, чтобы можно было расставить три стойки для микрофона, колонки, усилители, микшерский пульт (естественно, не забыв про самих музыкантов). Желательно, чтобы сцена имела какое-то, пусть условное, ограждение.
Артистов должен освещать свет, привлекая внимание гостей. Рынок современных светотехнических устройств огромен - цветомузыкальное оборудование, световые пушки, дым-машины и т.п., но скажу по своему опыту: вам будет совершенно точно необходим крутящийся зеркальный шар, придуманный в незапамятные времена и создающий «волшебный» бликовой эффект, а все остальное выбирайте в зависимости от вкуса и бюджета.
Что касается звукового оснащения ресторана, тут есть два варианта. Первый - ресторан сам покупает звуковое оборудование для работы ансамбля. Второй - коллектив привозит свою аппаратуру. В чем разница? Купленная вами аппаратура рассчитана специалистами именно для вашего заведения как по мощности, так и по качеству звучания. Это, на мой взгляд, оптимальный вариант, ведь аппаратура, предоставленная самими музыкантами, совсем необязательно будет соответствовать акустическим свойствам вашего помещения.
Порекомендую такое звуковое оснащение ресторана площадью 100 кв.м:
Усилитель + микшерский пульт + обработка голоса + эквалайзер;
колонки общей мощностью не меньше 1000 Вт;
активный сабвуфер для улучшения качества звучания низких частот;
компрессор для выравнивания голоса;
мини-дисковый проигрыватель с автопаузой, CD-проигрыватель с антишоком, ноутбук с хорошей звуковой картой;
стойки для клавишных и микрофонов;
микрофоны;
соединительные шнуры.
Такой комплект оборудования от известных производителей обойдется примерно в 90-120 тысяч рублей. Можно, конечно, сэкономить и купить аппаратуру «дешевых» фирм, но… Как показывает практика, звучит она неубедительно, часто выходит из строя, раздражает гостей неприятными частотами, не «заводит» танцующих и мешает беседе тех, кто сидит за столиками. Кстати, отличительная черта профессиональной аппаратуры Hi-End класса - на фоне громкого звука хорошо слышна речь собеседника.
Нельзя забывать о том, что многие рестораны находятся в жилых домах, поэтому важно, чтобы звук не мешал соседям по дому. Этот в общем-то простой вопрос придется решать либо путем звукоизоляционных работ, либо подбором специалистами по акустике подходящей аппаратуры. Они «просчитают» ваше помещение и определят оптимальные звук и громкость в вечерние и ночные часы.
Кадры решают все
В приснопамятные «советские времена» при Ленконцерте существовала аттестационная комиссия, которая давала музыкантам разрешение на работу в ресторанах Ленинграда. Всем артистам надо было раз в год проходить аттестацию и иметь как минимум среднее профессиональное музыкальное образование. Ресторанов тогда было немного, и попасть, например, в «Неву» или «Метрополь» считалось большой удачей. Сейчас, в эпоху караоке, образ музыкантов несколько девальвировался, поскольку голос можно «сделать» на компьютере и, в принципе, необязательно иметь музыкальное образование, чтобы сотворить нехитрую аранжировку. В этих условиях появилось много псевдопевцов, ринувшихся в ресторанный музыкальный бизнес. В массе своей ни петь, ни играть они не умеют, но уверенно изображают это под фонограмму. Когда вы принимаете на работу музыкантов, непременно поинтересуйтесь их образованием, посмотрите документы, его подтверждающие, узнайте, где они раньше работали.
Стандартный и порой оптимальный состав ресторанного ансамбля - три человека: клавишник-вокалист, гитарист-вокалист и певица. Очень хорошо публикой воспринимается также саксофон или любой другой живой инструмент (скрипка, аккордеон и т.д.). Есть еще вариант работы человека-оркестра, когда весь вечер и поет, и играет один музыкант. Кстати, любят гости и выступления пианиста - это создает в заведении салонную атмосферу.
В среднем по Петербургу расценки на одного музыканта за 3 часа работы - с 20.00 до 23.00 - составляют примерно 3000-5000 рублей при работе по 40 минут с 20-минутными перерывами. Выступления на банкетах, как правило, стоят дороже.
И не забыть про «карасей»
Качественный и разнообразный репертуар ансамбля - залог успеха заведения у посетителей. Хорошие ресторанные музыканты должны играть и петь если не все, то почти все, что хотят слышать гости. А это в подавляющем большинстве случаев «золотые» хиты 80-х, песни Beatles, блюзы, рок-н-ролл, «старые песни о главном» 1930-1970-х годов, русский шансон, народные песни и романсы, инструментальные и джазовые композиции.
Гость порой может и сам захотеть исполнить песню, и тогда музыканты должны подыграть «внештатному» певцу, дать тексты песен, желательно крупно напечатанные.
Заказ песни в музыкантской среде называется «карась» (когда заказы идут, значит, «закарасилось»). Заработать «карась» - это и есть главный стимул для ресторанных артистов. В среднем «карась» стоит 200-500 рублей за песню в зависимости от класса музыкантов и ресторана. Бывало (а легендами ресторанные музыканты обычно обмениваются ночью по телефону после работы), что какой-нибудь крутой клиент платил и по 100 долларов.
Их нравы
Музыканты не очень любят, когда администрация им диктует, какие песни следует петь, а какие нет. Может статься и так, что какие-то песни вам не по нраву, но от них в восторге ваши гости. Здесь нужно хорошо представлять музыкальную политику ресторана и аудиторию посетителей, которых вы хотели бы видеть. Необходимо заранее оговорить репертуар вашего ансамбля, причем желательно, чтобы в нем была «изюминка», фишка, то есть некая отличительная особенность.
Очень важна стабильность работы ансамбля, так как постоянные гости хотят видеть «своих» полюбившихся певиц, певцов и музыкантов. Но если политика ресторана состоит в ротации разнообразных коллективов, то постарайтесь подобрать группы с одинаковым профессиональным уровнем. Тут не обойтись без арт-директора, который поможет сделать так, чтобы в вашем ресторане играла лучшая в городе живая музыка.
Примерные расценки на музыкантов, музыкальные коллективы и артистов оригинального жанра в Санкт-Петербурге
| РЕПЕРТУАР | СОСТАВ | РАСЦЕНКИ НА ПОСТОЯННУЮ РАБОТУ (на человека за вечернюю программу) | БАНКЕТНАЯ РАБОТА (почасовая) |
| Русская эстрадная песня 1980-1990-х годов, зарубежная эстрадная музыка | 2-4 человека (клавишные, струнные, вокалист, вокалистка) | от 3000 до 5000 руб. | от 3000 до 5000 руб. |
| Человек-оркестр (клавишные, струнные, вокал) | от 2500 до 4000 руб. | от 3000-4000 руб. | |
| Инструментальная музыка | 1 человек (саксофон, клавишные, струнные) | от 3000-5000 руб. | от 3000 до 6000 руб. |
| Народные коллективы | 2 человека (народные инструменты: баян, балалайка и т.п.) | от 3000 до 5000 руб. | от 3000 до 6000 руб. |
| Оригинальный жанр (стриптиз, иллюзия, «каучук», дрессировщики) | 1-2 человека | от 1000 до 3000 руб. за выход | |
| Авторский коллектив с оригинальным репертуаром | 1-5 человек | от 7000 до 8000 руб. на человека за концертную программу | |
Примечание
Многие коллективы и исполнители могут значительно снижать расценки на свою работу, если в заведении принято платить серьезные чаевые. В то же время эти расценки повышаются, если артист часто «мелькает» на радио и телевидении и считается популярным.
Эта статья посвящена живым выступлениям музыкантов и уловкам, на которые они идут, чтобы доставить слушателю максимальное удовольствие от концерта и…максимально обмануть его.
Статья ориентирована на людей, не разбирающихся в концертном звуке, и призвана помочь им в понимании процесса живых выступлений.
В прошлой статье мы уже писали, как формируется звук на концертах и по какому принципу выстраивают звук. Здесь узнаем, как выступают артисты на концертах. Для наглядности я покажу модели выступления в виде списка и алгоритма:
1. Выступление под фонограмму
Саунд чек отсутствует или непродолжителен. Музыкант или группа выходит на сцену. В руках музыкантов инструменты, у вокалиста микрофон. Аппаратура на сцене - муляж, используется только для картинки. Звукорежиссер находится за пультом и играет ключевую роль в выступлении артиста, так как его ошибка может стоить артисту репутации. В данном выступлении его задача вовремя включить и выключить фонограмму.
На сцене работают только мониторы, чтобы музыканты слышали звук и попадали движениями под музыку. Музыканты делают вид что играют, вокалист изображает пение, но звуков они не производят
Тут все понятно: зрители слышат звук и видят как музыканты играют, это скорее больше шоу чем концерт. Обман на лицо. Думаю, четверть из присутствующих на концерте догадываются, что их обманывают, но обманывают красиво. Поэтому такие артисты в большинстве своем имеют свою аудиторию.
2. Выступление под полный плюс
Саунд чек отсутствует или непродолжителен. Артист или группа выходит на сцену. В руках музыкантов инструменты, у вокалиста микрофон. Звукорежиссер включает музыку и подмешивает к сигналу фонограммы звучание инструментов и голоса.
На сцене работает вся аппаратура – это мониторные линии, гитарные и басовый усилители, барабанная установка, вся аппаратура озвучена. Музыканты действительно играют, вокалист поет. Но они играют сверху на ту же самую фонограмму. То есть повторяют то что было записано на студии, только делают это вживую.
Как таковым обманом это не назовешь, но все же он присутствует. Такие выступления распространены в нынешнее время, так как качество звука значительно повышается по сравнению с живым выступлением, а затраты и скорость настройки звука понижаются. Удобство и выгода от таких выступлений видны невооруженным глазом.
3. Живой звук
Концерту предшествует длительный саунд чек. Музыканты появляются на площадке задолго до выступления, идет настройка инструментов и голосов. После начала концерта звукорежиссер полностью выполняет свою функцию в отличие от предыдущих пунктов. В данном выступлении весь звук идет со сцены поэтому полагаются только на тот звук который был настроен на саунд чеке.
В этом и сложность живого звука в отличие от выступления с подложками и фонограммами. Нельзя спрятаться за записью, слушатель получает только то что есть здесь и сейчас. Но в этом же и кайф живого выступления. Музыканты хоть и играют одно и тоже, но каждый раз не похож на предыдущий, присутствует момент импровизации.
Ну а слушатель получает свое наслаждение, так как он слышит не созданную запись в студии когда-то, а звук, исполнение и эмоции исполнителя которые рождаются у него на глазах и он становится этому свидетель.
4. Выступление под минус
Выступление под минус можно условно разделить на две категории:
- В первой алгоритм похож на прошлый. Только в живой звук группы подмешивается запись, которую ставит звукорежиссер. На ней звучат подложки, эффекты, бэк-вокал, инструменты которые не присутствуют либо не могут присутствовать на сцене. Это не фонограмма так как все исполняется в живую, а запись только украшает выступление.
- Во второй исполнитель, будь то вокалист или инструменталист, исполняет вживую свою партию, а фоном для него звучит запись (минусовка) на которую он играет. Иногда можно встретить живое выступление солиста под минус, а музыкантов стоящих в виде декораций, изображающих исполнение данного минуса.
Возможные другие варианты выступлений являются интерпретацией изложенных выше или их частичным смешением.
Конечно, каждый исполнитель выбирает сам как ему выступать. Все зависит от средств, вложенных в выступление и последующей отдачи, от мастерства исполнителя, от технического оснащения площадки, от репутации исполнителя и его способностей.
Группа Оранжевый VINIl выступает исключительно вживую! В нас только живые барабаны, бас, гитара, клавиши, вокал и саксофон. На корпоратив мы приезжаем полным составом и исполняем самые популярные песни!
Музыка — это волшебство, рождённое самой природой, одновременное магическое сочетание тишины и звуков организованных во времени и пространстве. Живую музыку можно сравнить разве что с гармонией вселенной, ведь она также может вызывать в нас самые противоречивые чувства и эмоции: слёзы, радость, умиление, страсть, восторг, удивление, умиротворение, а порой даже негодование, раздражение и злость. Она в состоянии нас возвратить в прошлое, лелеет нас в настоящем и рисует горизонты будущего. Может быть, поэтому музыка вечна?
Живая музыка — что это?
Живое исполнение музыки — кавер группаЖивое исполнение музыки — это воспроизводимые упорядоченные звуки, пропитанные определённой энергетикой того человека, который их извлекает. Энергетика воспроизводимых звуков уникальна и неповторима, потому, что она ощущается только здесь и сейчас в момент её посыла, а главное, передаёт внутренние, сокровенные переживания и чувства музыканта. Причём неважно слышим мы звуки инструментов или голоса, главное, что дарит их нам «живая субстанция» — дышащая, думающая и чувствующая. Дарящая нам музыку в конкретное время и только в том месте где происходит само действие. Из этого следует, что живое исполнение музыки — это фееричное извержение человеческой души.
Столетиями музыка волновала сердца людей, являлась своеобразной отдушиной для человечества. Она вдохновляла, направляла, успокаивала и оберегала, поднимала дух, растворяя в себе накопленный мирской негатив. И немудрено, что с развитием цивилизации и технологий у людей появилась жгучая потребность слышать музыку всегда и везде, балуя свой слух полюбившимися мотивами.
История возникновения звукозаписи
Так, первым, удивившим и порадовавшим мир своим гениальным открытием, стал — французский библиотекарь и книготорговец Эдуард Леон Скотт де Мартенвилль в 1857 году. Ему удалось совершить глобальный прорыв в развитии музыкального поприща и создать первое звукозаписывающее устройство, именуемое фоноавтографом. Этот прибор позволял визуализировать звуковые колебания, но не воспроизводить их. И лишь в 1877 году американскому изобретателю Томасу Эдисону посчастливилось усовершенствовать аппарат Мартенвилля, который назвали фонографом. Он мог не только записывать звуки, но и проигрывать их. В то время были сделаны первые записи отрывков спектаклей, выступления музыкантов, певцов и ораторов.
В конце 18 столетия, начале 19, появились первые пластинки и была создана компания звукозаписи. Из года в год люди усовершенствовали музыкальное направление и благодаря этому — сегодня мы имеем возможность наслаждаться волшебными звуками музыки, не ограничивая себя в этом, благодаря приобретённым техническим возможностям для её преобразования и усиления. Электронная техника, акустические системы, микрофоны, микшеры, пульты, преобразователи, всевозможные примочки и современные «интеллектуальные» инструменты — всё это поспособствовало развитию современной музыкальной индустрии, приблизив её к совершенству и к формированию разнообразных музыкальных жанров, направлений.
В наши дни, помимо живого исполнения музыки, существует множество вариантов представления музыки.
Плюсовая фонограмма
Плюсовка или плюсовая фонограмма — самый удобный и распространенный метод для современных артистов, который значительно упрощает работу в этой сфере, давая возможность дарить свой талант в массы с минимальными затратами сил и времени.
Плюсовая фонограмма стала законодателем моды в 80 — 90 годы, когда во всём мире стремительно развивалась поп-музыка. Артисты гастролировали по городам и странам, давая по 3-4 концерта в день, собирая огромные стадионы фанатов и любителей. Тогда оказалось просто невозможным обходиться без неё.
По своей сути плюсовка — это заранее записанное музыкальное сопровождение с наложением голоса певца или певицы на него с помощью специального звукозаписывающего оборудования.
Благодаря этому, артистам намного легче выступать, давая концерты. Им нужно просто достойно отыграть свою роль на сцене, открывая рот под фонограмму и создавая праздничную атмосферу в зале.
При всей практичности использования плюсовки, в ней есть очень большой недостаток. Она не даёт возможности артисту раскрыться на все сто процентов, так как благодаря записи, теряется энергетический поток, исходящий от исполнителя в тот момент, когда он поёт, извлекая звуки живьём. Само собой, контакт со зрителем становится менее эмоциональным и естественным. А ведь главная задача «звезды» — наладить энергетическую связь со слушателем и подарить ему незабываемую атмосферу. Поэтому сегодня пытаются возродить живое исполнение и всё больше музыкантов возвращаются к живому исполнению музыки.
Минусовка
Минусовка — это записанный инструментальный трек, иногда с прописанным бэк-вокалом. Так же как и «плюсовка» записывается на студии аранжировщиками. Профессионалы проделывают огромную работу с музыкальным материалом, записывая по отдельности каждый инструмент (барабаны, скрипку, клавишную группу, гитару, бас-гитару, духовые), если говорить музыкальными терминами, то — накапливают пресеты. Затем сводят (соединяют) их, при этом накладывая нужные эффекты, если они уместны. А исполнитель потом сверху накладывает свой вокал, то есть поёт живьём.
Минусовка тоже распространённая форма у артистов, поскольку благодаря ей намного проще организовать выступления и дешевле, что немаловажно. Выступление под заранее записанную минусовку требует гораздо меньше техники и людей, задействованных в этом мероприятии. Порой без минусовок не представляется реальным учредить концерт, этому мешают технические возможности той или иной площадки. Когда певцы работают под «минус», это слышно, и определить, что вокалист поёт живьём, способен даже человек, не разбирающийся во всех тонкостях музыкальных заморочек.
Исполнение музыки вживую
Это когда музыканты играют на электронных или классических инструментах либо поют в реальном времени — здесь и сейчас. Но в любом случае в наше время, используются всевозможные технические приспособления. Это необходимо для того, чтобы раскрыть образ того или иного произведения, внести новые краски и оттенки, подчеркнуть какой-то нюанс или скрыть его.
С помощью техники можно скрасить недоработки или профессиональные ляпы и сделать шоу живой музыки более ярким, зрелищным, необыкновенным и индивидуальным.
Легендарные музыканты предпочитают выступать только вживую. Поскольку они понимают «секрет успеха» и для них крайне важно иметь тот самый энергетический обмен с аудиторией, отдавая себя зрителям всецело эмоционально и физически растворяясь в этом процессе. Тем более, что живое исполнение музыки — это неоспоримый знак качества и профессионализма. Именно поэтому, такой вид коллективов, как кавер группа , работают только вживую, если, конечно, они настоящие профессионалы.
Живой концерт от «А» до «Я»
Живой звук изначально предполагает специально рассчитанные для этого площадки и залы, где архитекторами ещё при разработке плана здания учитываются все нюансы, для воссоздания правильной акустики. Это способствует красивому извлечению живого звука, его глубине и объёмности. Разумеется, если музыканты умеют делать своё дело, соблюдая музыкальную грамоту. Передавая все интонационные и динамические моменты, виртуозные пассажи, теоретические штрихи и темп, именно так, как было задумано автором исполняемого произведения. Для примера можно привести игру оркестра. Если во время выступления всё вышеупомянутое выдерживается, то мы можем с удовольствием наслаждаться божественной силой музыки, на время попадая в другое — неземное измерение.
В завершение хочется отметить — чтобы создавать и исполнять живое дышащее исполнение песен или музыки, творческим людям необходимо помимо профессиональных навыков, технических «наворотов» иметь вдохновение и обладать Божественным даром, проще говоря — талантом. Только в этом случае музыкальная история будет пополняться новыми шедеврами, выступления будут успешными и непревзойдёнными, а слушатели — благодарными и преданными, одаривая артистов аплодисментами и бурными овациями.
Загрузка...
