Burjuva sistemin ve Kalvinizmin zaferiyle birlikte Hollanda'daki anıtsal, dekoratif ve dini sanatın kaleleri çöktü. Monarşik ülkelerde Barok sanatçıların belirlediği saray ve kaleleri boyama görevi Hollanda'da neredeyse gerçekleşmedi. Asalet, büyük dekoratif sanatın varlığını destekleyemeyecek kadar zayıftı. Kalvinizm ise tapınaklardaki resimlere karşıydı.
Yine de sanat eserlerine olan talep son derece yüksekti. Çoğunlukla özel şahıslardan ve dahası büyük ölçüde maddi zenginliği olmayan çevrelerden geliyordu. Mütevazı büyüklükteki odalara asılmak üzere tasarlanan küçük şövale resimleri türü gelişiyor ve egemen oluyor. Siparişlerin yanı sıra, sanat piyasası için resimler daha da sık yapılıyordu ve bunların ticareti yaygınlaştı. Tablolara olan büyük talep, büyük bir üretime yol açtı ve aşırı üretim nedeniyle birçok sanatçı, doğrudan mesleğini icra etmenin yanı sıra başka geçim kaynakları aramak zorunda kaldı. Başarılı ressamların genellikle bahçıvanlar, hancılar veya çalışanlar (Goyen, Steen, Gobbema, vb.) olduğu ortaya çıkar.
17. yüzyıl Hollanda resminde temalar ve görsel teknikler açısından tamamen gerçekçiliğin başlangıcı hakimdir. Sanatçının her şeyden önce çevredeki yaşamın dış biçimlerini tüm fenomen çeşitliliğiyle doğru bir şekilde aktarması gerekiyordu.
Yeni burjuva toplumunda bireyin artan önemi, portrenin olağanüstü yaygınlaşmasına neden oldu. Kazananın gücünü hissettiği uzun bir mücadele dönemi bu sürece katkıda bulundu. O zamanlar çeşitli kuruluşların ve her şeyden önce tüfek topluluklarının oynadığı büyük rol, geniş çapta geliştirilen ve Hollanda resminin kendine özgü fenomenlerinden biri haline gelen özel bir grup kamusal portresinin ortaya çıkmasına neden oldu. Atıcıların çok sayıda grup portresinin ardından, çeşitli ticaret atölyelerinin temsilcilerinden, tıbbi şirketlerden ("anatomiler" olarak adlandırılanlar) ve imarethane başkanlarından oluşan benzer nitelikteki gruplar ortaya çıkıyor.
Yabancı işgalcilere karşı direnişin gerilimi ulusal duyguyu keskinleştirdi. Sanattan yalnızca doğruluk talep edilmeye başlandı; kendi halkını, insanlarını ve günümüzün durumunu, yerli doğanın süssüz resimlerini, bilincin gurur duyduğu ve gözün görmeye alıştığı her şeyi tasvir etmesi gerekiyordu: gemiler, gemiler, güzel sığırlar, bol miktarda yiyecek, çiçekler. Portrenin yanı sıra tür, manzara, hayvan görüntüleri ve natürmort da baskın konu türleri haline geldi. Protestan Kilisesi tarafından reddedilen dini resim dışlanmadı, ancak önemli bir rol oynamadı ve Katolikliğin hakim olduğu ülkelerden tamamen farklı bir karakter kazandı. Mistik unsurun yerini konuların gerçekçi bir yorumu aldı ve bu çevrenin resimleri öncelikle gündelik resim biçiminde sunuldu. Antik tarihten sahneler istisna olarak ortaya çıkıyor ve güncel siyasi olaylara dair ipucu vermek için kullanılıyor. Tüm alegoriler gibi bunlar da edebi ve insani çıkarlarla ilgilenen dar çevrelerde başarılıydı.
Bu zamanın Hollanda okulunun tipik bir özelliği, temsilcileri arasında sürekli gözlemlenen belirli konu türlerindeki dar uzmanlaşmadır. Bu uzmanlaşma türlerin farklılaşmasına yol açar: Bazı sanatçılar neredeyse yalnızca burjuvazinin orta ve üst tabakasının yaşamından günlük sahneler geliştirirken, diğerleri tüm dikkatlerini köylü yaşamına odaklar; Manzara ressamları arasında ovalar, kanallar, köyler ve meralardan başkasını bulmak pek mümkün değil; diğerleri orman motiflerine ilgi duyarken, diğerleri denizi tasvir etme konusunda uzmanlaşmıştır. Hollandalı sanatçılar, yalnızca tasvir edilen nesneleri ve olayları doğru bir şekilde aktarma görevini üstlenmekle kalmıyor, aynı zamanda mekan izleniminin yanı sıra onları saran atmosfer ve ışık biçimleri üzerindeki etkiyi de vermeye çalışıyorlar. Işık ve havanın iletilmesi sorunu, 17. yüzyıl Hollanda ekolünün genel ve temel resimsel arayışıdır. Böylece resim istemeden duygusallığın başlangıcını kazanır ve izleyicide belirli ruh hallerini uyandırır.
17. yüzyılın ilk çeyreği, Hollanda resmi için az önce belirtilen özelliklerin henüz tam olarak gelişmediği bir geçiş dönemidir. Tematik açıdan bakıldığında, Hollanda resminin ana türleri (manzara ve günlük yaşam) hala nispeten az farklılık göstermektedir. Bu zamanın resimlerinde hem tür hem de manzara unsurları sıklıkla eşdeğerdir. Tamamen görsel görüntülerde hem manzaranın genel yapısında hem de renkte birçok gelenek vardır.
Devam eden yerel gerçekçi geleneklerin yanı sıra, İtalya'nın etkisi, özellikle de hem maniyerist hareketleri hem de Caravaggio'nun gerçekçi sanatı güçlüdür. İkinci eğilimin en tipik temsilcisi Honthorst'du (1590-1656). 17. yüzyılın başlarında çalışan Alman sanatçı Adam Elsheimer'in (1578-1610) Hollandalılar üzerindeki etkisi de oldukça dikkat çekicidir. İncil'den veya eski edebiyattan seçilen temaların yorumlanmasındaki romantizmin yanı sıra türlerin, kıyafetlerin ve diğer detayların seçiminde ifade edilen tanınmış oryantalizm (Doğu'ya ilgi), çalışmalarında artan bir sanatla birleştirilmiştir. dekoratif efektler arzusu. Pieter Lastman (1583-1633) bu grubun en büyük sanatçısı olarak ortaya çıktı.
Frans Hals. Hollanda ekolünün tam gelişme dönemine girdiği ilk sanatçı Frans Hals'tı (c. 1580-1666). Faaliyetlerinin neredeyse tamamı Harlem'de gerçekleşti. Burada 1616 yılı civarında önde gelen büyük portre ressamı olarak ortaya çıktı ve bu alandaki rolünü yaşamının sonuna kadar sürdürdü. Hals'ın gelişiyle son derece gerçekçi ve son derece bireysel Hollanda portresi olgunluğa ulaşır. Seleflerini ayıran ürkek, önemsiz ve doğal olan her şeyin üstesinden gelinmiştir.
Khalsa sanatının başlangıç ​​aşaması net değildir. Ustanın bir grup portresinin en zor problemini çözdüğünü hemen görüyoruz. St. Corporation'ın tetikçilerini tasvir eden resimleri birbiri ardına yapıyor. Adrian ve St. George (Harlem, Frans Hals Müzesi), hem kalabalık bir toplantının canlılığının hem de orada bulunanların her birinin tipinin parlaklığının benzersiz bir kolaylıkla aktarıldığı. Gruplandırmaların ressamlık becerisi ve kompozisyon becerisi, bu portrelerde olağanüstü keskin karakterizasyonla el ele gidiyor. Hals bir psikolog değil; modellerinin zihinsel yaşamı genellikle onu görmezden geliyor. Ve çoğunlukla, tüm yaşamları yoğun, aktif faaliyet koşullarında geçen, ancak psikolojik nitelikteki sorulara çok fazla derinlemesine dalmayan insanlar hakkında yazıyor. Ancak Hals, hiç kimse gibi, bu insanların görünüşünü yakalıyor, en kısacık ama aynı zamanda yüz ifadesi, duruş ve jestlerde en karakteristik olanı nasıl yakalayacağını biliyor. Doğası gereği neşelidir, her görüntüyü canlılık ve neşe dolu bir anda yakalamaya çalışır ve hiç kimse kahkahayı onun kadar incelik ve çeşitlilikle aktaramaz. Bir Memurun Portresi (1624, Londra, Wallace Koleksiyonu) Sandalyede Sallanan "Geitheusen" (1630'ların sonu, Brüksel, sanat galerisi), "Çingene" (1620'lerin sonu, Louvre) veya sözde "Harlem Cadısı" , - "Malle Bobbe" (Berlin), onun keskin ve çoğu zaman canlı sanatının karakteristik örnekleri olarak adlandırılabilir. Erkekler, kadınlar ve çocuklar onun tarafından aynı canlı imaj duygusuyla tasvir ediliyor ("Eldivenli Genç Bir Adamın Portresi", c. 1650, Hermitage). Canlılık izlenimine, alışılmadık derecede özgür olan ve yıllar geçtikçe genişliği artan Khalsa tekniğinin kendisi de katkıda bulunuyor. İlk eserlerin dekoratif renkliliği daha sonra yumuşatılır, renk gümüşi olur, siyah ve beyaz tonları kullanma özgürlüğü, en cesur resimsel cesareti karşılayabilecek ustalığı anlatır. Bazı eserlerde renk çözümlerinin empresyonist teknikleri ana hatlarıyla verilmektedir. Hals, hayatının son yıllarına kadar sayısız bireysel portre yaptı ancak sonunda grup portreleri yaptı. Renkli olarak genelleştirilmiş, çizimde elin yaşlılık zayıflığını ortaya çıkarsa da, yine de alışılmadık derecede etkileyici kalıyorlar. Karakterleri, seksen yaşındaki sanatçının son sığınağını bulduğu imarethanenin yaşlı gruplarını (1664, Haarlem, Frans Hals Müzesi) temsil ediyor. Sanatı, o zamanın burjuva toplumunda maddi başarıyı garantileyemeyecek kadar ileriydi.
Rembrandt. Hals'tan bir nesil sonra, Rembrandt'ın (1606-1669) devasa figürü, Hollanda gerçekçiliğinin yerleşmesinin zemininde yükseliyor. Çalışmaları Hollanda'nın en büyük gururudur ancak bu ustanın önemi tek bir milliyetle sınırlı değildir. Rembrandt tüm zamanların en büyük gerçekçi sanatçılarından biri ve aynı zamanda resim sanatının en büyük ustalarından biri gibi görünüyor.
Rembrandt Harmens van Rijn, 1606'da Leiden'de doğdu ve zengin bir un değirmeni sahibinin oğluydu. Erken yaşta resme ilgi duydu ve Leiden Üniversitesi'nde kısa bir süre kaldıktan sonra kendisini tamamen sanata adadı. Önemsiz yerel sanatçı Jacob Swannenburch ile olağan üç yıllık çalışmanın sonunda Rembrandt, kendini geliştirmek için Amsterdam'a gitti ve burada Lastman'ın öğrencisi oldu. İkincisinin bazı tekniklerinde ustalaştıktan sonra Caravaggistlerin gerçekçi yöneliminin etkisini de kabul etti.
Leiden'e dönen Rembrandt, bağımsız bir usta olarak çalışmaya başladı, büyük başarı elde etti ve bu başarı onu 1631'de Amsterdam'a yerleşmeye sevk etti. Burada Rembrandt kısa sürede modaya uygun bir sanatçı haline geldi, sipariş bombardımanına tutuldu ve etrafı birçok öğrenci tarafından kuşatıldı. Aynı zamanda kişisel hayatında da en parlak dönem açıldı.
1634 yılında Amsterdam'ın önde gelen burjuva ailelerinden birine mensup olan Saskia Van Ulenborg adında genç ve güzel bir kızla evlendi ve ona çeyiz olarak büyük bir servet kazandırdı. Bu, başarılı ustanın zaten büyüyen zenginliğini artırdı, ona finansal bağımsızlık sağladı ve aynı zamanda sanat eserleri ve her türlü antika toplama tutkusuna kapılmasına izin verdi.
Rembrandt'ın Leiden'de kaldığı süre boyunca ve hatta Amsterdam'a taşındıktan sonra sanatının ana özellikleri açıkça görülüyor. Fotoğraflarının yelpazesi dini konuları, tarihi, mitolojiyi, portreyi, türü, hayvanlar dünyasını, manzarayı ve natürmortu kapsıyor. Rembrandt'ın dikkatinin odağı hâlâ kişidir, karakterlerin ve duygusal hareketlerin psikolojik olarak doğru aktarımıdır. Psikolojik sorunlara olan bu ilgi, Rembrandt'ın en sevdiği İncil temalarının yanı sıra, sayısız portrede de açıkça görülüyor; bunlar, ona insan ilişkilerini ve karakterleri tasvir etme konusunda hoş bir fırsat sağlıyor. Ustanın inanılmaz hikaye anlatma yeteneği, izleyicileri yalnızca görüntülerinin ifade gücüyle değil, aynı zamanda seçilen olay örgüsünün eğlenceli sunumuyla da büyülemesine olanak tanıyor.
Rembrandt'ın resimleri onun sanatın görevlerine ilişkin derin gerçekçi anlayışını ortaya koyuyor. Sürekli olarak doğayı inceliyor ve çevredeki gerçekliğin her biçimine dikkatle bakıyor. Açıkça ifade edilen bir karaktere sahip olan her şey dikkatini çekiyor: yüz ifadeleri, jestler, hareketler, kostümler. Gözlemlerini ya çizimlerle ya da resimli eskizlerle kaydeder. İkincisi esas olarak erken döneminde ortaya çıkar. Biçim ve ifade gücü hakkında edinilen bilgi, Rembrandt'ın tüm kompozisyon çalışmalarının ayrılmaz bir parçası haline gelir ve onlara olağanüstü bir doğruluk kazandırır.
Rembrandt, fenomenin özüne olan yoğun ilgisine paralel olarak, tamamen resimsel problemlere ve esas olarak chiaroscuro problemine tamamen kapılmıştı. Çözümlerinin özgünlüğü ve ustalığı ona en büyük ressam olarak ün kazandırdı. Rembrandt'ın ışığının gelişmişliği, renk efektleriyle birleştiğinde, ustanın resimlerinde yüksek sanatsal değeri temsil ediyor. Ancak bu sadece kendi kendine yeten bir dekoratif değer değildir. Rembrandt'a göre ışık efektlerinin yorumlanması aynı zamanda görüntülerin karakterini ortaya çıkarmanın en önemli araçlarından biridir. Kompozisyonu ışıklı ve gölge planlar arasındaki ilişkiye dayanmaktadır. Bazı biçimleri vurgulayan ve diğerlerini gizleyen dağılımları, izleyicinin dikkatini hikaye veya karakterizasyon için özellikle önemli olana çeker ve böylece ifade gücünü artırır. Pitoresk taraf, içerikle organik olarak bağlantılıdır.
Rembrandt'ın sanatsal faaliyeti baştan sona iç birlik ile doludur. Ancak yaratıcı yolu yine de, bazı spesifik özelliklerle karakterize edilen, açıkça tanımlanmış bir dizi aşamayı ayırt etmeyi mümkün kılıyor.
Yıllar süren çıraklık ve ilk bağımsız adımların ardından 1630'lar çok yeni bir aşamadır. Bu dönemde Rembrandt, bir yandan romantik unsurlar ve fantezide, diğer yandan Barok sanatın biçimsel özelliklerinde güçlüydü. Fantezi izlenimi, esas olarak, her zaman belirli bir kaynağa bağlı olmayan, ancak nesnelerin kendilerinin yayılma yeteneği tarafından oluşturulan aydınlatmanın etkisinden kaynaklanır. Rembrandt'ın bu dönem sanatındaki barok eğilimler, sanatsal dilin heyecanını, kompozisyonların dinamizmini ve dokunaklılığını, kısmen de renklerin keskinliğini gösterir. Bu aşamada, Rembrandt'ın görüntüleri teatralleştirme konusunda sürekli bir eğilimi vardı ve ustayı kendisini ve sevdiklerini gösterişli pelerinler, miğferler, türbanlar, bereler içinde resmetmeye ya da Saskia'yı ya İncil'deki kahramanlar ya da antik bir tanrıça biçiminde tasvir etmeye teşvik etti. .
Sipariş edilen portrelere elbette farklı yaklaşıyor. Onları ayıran canlı özellikler, formları şekillendirme becerisi, zarafet arayışı ve aynı zamanda belli bir ciddiyet, onun bir portre ressamı olarak o zamanki şöhretini haklı çıkarıyor. "Doktor Tulp'un Anatomisi" (1632, Lahey, Mauritshuis) olarak bilinen grup portresinde, belirtilen özelliklerin, tasvir edilen kişileri, Tulp'un anatomi masasında verdiği derse ortak dikkat ile birleştirme yeteneği ile birleştiği, Rembrandt'ın ilk özellikle yüksek başarısıydı.
Rembrandt, incelenen on yılda çok sayıda portre çalışmasının ortaya çıkmasıyla birlikte, kendisini büyüleyen figüratif, anlatısal resimlere de zaman buldu. Tobias'ın Ailesinden Ayrılan Melek (1637, Louvre) bu dönemin belirgin Barok özelliklerine bir örnek teşkil edebilir. Tobias'ın oğlunun babasını iyileştirmesine yardım eden meleğin, kutsadığı aileden ayrıldığı anı anlatan İncil'den alınan olay örgüsü, türün unsurlarıyla doludur. Konuya tür yaklaşımı Hermitage'ın "Bağcıların Hikayesi" (1637) tablosunda daha da net bir şekilde yakalanmıştır. Bu durumda, müjde benzetmesi, zengin bir mal sahibinin işçileriyle hesaplaştığı tamamen gerçekçi bir sahneye dönüşür. Buradaki jestlerin ve yüz ifadelerinin aslına uygunluğu, Rembrandt'ın, küçük pencerelerden akan ışığın iletilmesi ve yüksek, loş bir odanın derinliklerinde solması şeklindeki resimsel sorundan daha az karakteristik değildir.
Rembrandt'ın 1630'lardaki ressamlık becerisi ve yeşilimsi altın rengi özelliği, en ünlü tablolarından biri olan Hermitage "Danae" (1636)'da tam olarak ortaya çıkıyor. Vücudun sunumundaki, jestlerdeki, yüzün ifadesindeki yaşam hissi, ustanın yaratıcı gelişiminin bu dönemindeki sanatsal konseptinin gerçekçiliğini alışılmadık derecede açık bir şekilde ortaya koyuyor.
1640'lı yılların başlamasıyla birlikte Rembrandt'ın çalışmaları, sonraki on yılın ortalarına kadar sürecek yeni bir aşamaya girdi. Ustanın sanatın görevlerine ilişkin bağımsız anlayışı, derin yaşam gerçeğine olan arzusu, yıllar geçtikçe daha da belirginleşen psikolojik sorunlara ilgisi, Rembrandt'ta burjuva kültürünün çok ilerisinde büyük bir yaratıcı bireyi ortaya çıkardı. etrafındaki toplum. Rembrandt'ın sanatının derin içeriğine ikincisi erişemezdi. Gerçekçi ama daha yüzeysel bir sanat istiyordu. Rembrandt'ın resim tekniklerinin özgünlüğü ise genel olarak kabul edilen dikkatli, biraz şık resim tarzına ters düşüyordu. Bağımsızlık için ulusal kahramanca mücadele dönemleri geçmişte kaldıkça, ana akım zevkler zarafete ve görüntünün belirli bir idealleştirilmesine doğru gelişti. Rembrandt'ın maddi bağımsızlığıyla desteklenen görüşlerinin uzlaşmazlığı, onu toplumdan tamamen uzaklaşmaya yöneltti. Burjuva ortamından bu kopuş, ustanın Amsterdam atıcılar loncasının büyük bir grup portresi için yaptığı siparişle bağlantılı olarak açıkça yansıdı. Bu sipariş sonucunda (1642, Amsterdam) tamamlanan tablo, müşterileri tatmin etmedi ve sanat çevreleri tarafından bile yanlış anlaşıldı. Rembrandt, az çok alışılagelmiş bir portre grubu yerine, davul sesi eşliğinde liderlerinin peşinden koşan silahlı bir birliğin resmini verdi. Tasvir edilenlerin portre özellikleri, sahnenin dinamizmi karşısında geri plana çekilmiştir. Chiaroscuro'nun geniş kapsamlı pitoresk kontrastları bu resme romantik bir karakter kazandırdı ve geleneksel adı olan "Gece Nöbeti"nin ortaya çıkmasına neden oldu.
Baskın çevreyle çatışma ve bunun sonucunda ortaya çıkan siparişlerdeki keskin düşüş, ustanın yaratıcı enerjisini etkilemedi. Kadın imgelerine sürekli ilham kaynağı olan sevgili eşini, söz konusu tablonun yapıldığı yılda kaybeden Rembrandt'ın aile koşullarındaki değişimden de etkilenmedi. Birkaç yıl sonra onun yerini başkası alıyor. İlk başta mütevazı bir hizmetçi rolünde görünen Hendrike Stoffels, daha sonra ustanın ömür boyu sadık arkadaşı olur ve ona aile konforunun huzur ve sükunetini sağlar.
Sonraki dönem Rembrandt'ın sanatının gelişimi için elverişliydi. Gençliğin coşkusu işinden kayboluyor. Daha odaklanmış, dengeli ve daha da derin hale gelir. Kompozisyonların ve pathosların karmaşıklığı, yerini basitliğe doğru bir eğilime bırakıyor. Dış etki arayışı, duygunun samimiyetini ihlal etmez. Chiaroscuro sorunu hala ustaların dikkatini çekmektedir. Renk daha da ısınıyor. Altın sarısı ve kırmızı tonları hakimdir. Konusu dini, ancak olay örgüsünün yorumlanması açısından tamamen tür olan Hermitage'ın “Kutsal Aile” (1645) tablosu bu zamanın son derece karakteristik özelliğidir.
İncil türündeki kompozisyonların yanı sıra, bu dönem Rembrandt için yeni bir gerçeklik tasviri türü olan manzaralarla doludur. Bazı durumlarda romantik arzularına saygı duruşunda bulunarak, bunun yanı sıra katı gerçekçilik yaklaşımıyla heyecan verici, süssüz bir Hollanda köyünün resimlerini de yaratıyor. Açık ve soğuk bir günün ışığında, bir köylü avlusunu ve donmuş bir kanalın yüzeyindeki birkaç figürü, duygu inceliği ve görsel algının doğruluğu açısından tasvir eden küçük "Kış Manzarası" (1646, Kassel), tek bir şey olarak hizmet ediyor gerçekçi Hollanda manzarasının en mükemmel örneklerinden.
Rembrandt, portrelerde artık model seçerken kendini daha özgür buluyor ve esas olarak belirgin bir bireyselliğe sahip yüzleri boyuyor. Bunlar çoğunlukla yaşlı kadınlar ve yaşlı Yahudi erkeklerdir. Ancak aynı keskinlikle genç bir kadın yüzünün çekiciliğini veya genç bir görünümün çekiciliğini aktarabiliyor. Bu portrelerdeki önemsiz her şey, görüntünün genelleştirilmiş ama aynı zamanda alışılmadık derecede dokunaklı bir sunumuna yol açıyor. Bu, teknik uygulama biçiminin artan genişliğiyle büyük ölçüde kolaylaştırılmıştır.
Bu dönemde yarattığı şeylerin büyüklüğüne ve sanatsal değerine rağmen, Rembrandt'ın 1650'lerin ortalarındaki mali durumunun son derece zor olduğu ortaya çıktı. Sipariş sayısının azalması, tabloların satışının zorlaşması ve özellikle ustanın işlerini yönetmedeki ihmali nedeniyle Rembrandt büyük mali sıkıntılar yaşadı. Saskia'nın yaşamı boyunca pahalı bir evin satın alınmasıyla ilgili borç, tamamen yıkılma tehlikesiyle karşı karşıyaydı. Borçtan kurtulma girişimleri yalnızca felaketi geciktirebilirdi, ancak yine de patlak verdi. 1656 yazında Rembrandt'ın iflası ilan edildi ve tüm mülkleri açık artırmada satıldı. Her zamanki barınmasından mahrum kaldığı için ailesiyle birlikte ticaret başkentinin fakir Yahudi mahallesine taşınmak zorunda kaldı ve burada son günleri şiddetli bir yoksunluk duygusuyla geçti.
Bu olumsuzlukların yanı sıra daha sonra Rembrandt'ın başına gelen talihsizlikler - Hendrik'in ölümü, tek oğlu Titus'un ölümü - dehasının daha da büyümesini durdurma konusunda güçsüzdü. 1650'lerin sonu ve 1660'lar Rembrandt'ın çalışmalarının en iddialı aşamasıdır. Sanki daha önceki tüm psikolojik ve resimsel arayışlarının bir sentezini temsil ediyor. Görüntülerin olağanüstü gücü, tasarımın sadeliği, sıcak rengin yoğunluğu ve resimsel dokunun kapsamı bu dönemin temel özelliklerini oluşturmaktadır. Bu nitelikler portrelerde ve İncil kompozisyonlarında eşit derecede belirgindir. Bu dönemde oluşturulan "Sindiki"nin (kumaş atölyesinin yaşlıları, 1662, Amsterdam) grup portresi, haklı olarak Rembrandt'ın çalışmalarının zirvelerinden biri olarak kabul edilir. Akut psikolojik özellikler, yapının basitliği, çizgilerin ve kütlelerin ritminin yanılmazlığını gizlemenin yanı sıra az sayıda renk, ancak yoğun renklendirme, Rembrandt'ın bir portre ressamı olarak önceki yolunun tamamını özetliyor. İncil resim alanında aynı rol Hermitage'da bulunan "Savurgan Oğul'un Dönüşü" ne aittir. Sefahatinden tövbe eden bir oğul ile her şeyi affeden bir baba arasındaki uzlaşma sahnesi, sadeliği, draması ve insan deneyimlerini aktarmadaki inceliğiyle dünya sanatında eşsiz olmaya devam ediyor. Ton zenginliği ve yazı genişliği açısından eşit bir şey bulmak onun için zor.
"Savurgan Oğul" ustanın son tablolarından biridir ve görünüşe göre Rembrandt'ın ölüm yılı olan 1669'a aittir. Bu ölüm tamamen fark edilmeden geçti ve ancak yıllar sonra, 18. yüzyılda bu büyük sanatçının sanatına dair anlayış gelişmeye başladı.
Rembrandt'ın önemi, ustanın resimlerinin yanı sıra, grafik sanatçısı olarak sahip olduğu muazzam mirastan da kaynaklanmaktadır. Rembrandt'ın eserlerinin yukarıda belirtilen tüm özellikleri, grafik eserlerine resimdekinden daha az net bir şekilde ve ayrıca hem orijinal çizimlerde hem de basılı grafik ve gravür alanında yansıtılmıştır. İkinci açıdan Rembrandt gravürün en büyük ustasıdır.
Karakterizasyonu açısından gravürler resimlerden daha az önemli değildir. Rembrandt'ı farklı kılan psikolojik analizin derinliği, görüntülerin etkileyici gerçekçiliği ve sanatsal teknikteki mükemmel ustalığı, tematik olarak ustanın resimlerinden bile daha çeşitli olan uzun bir dizi dikkat çekici sayfaya yansıdı. Özellikle ünlü olanlar arasında “Hastaları İyileştiren İsa” (“Yüz Florin Yaprağı” olarak adlandırılan), yaklaşık 1649), “Üç Haç” (1653), Lutma'nın portreleri (1656), Haring (1655), Altı (1655) yer almaktadır. 1647) ve "Üç Ağaç" (1643) ve "Altın Tartının Malikanesi" (1651) olarak bilinen manzaralar.
Rembrandt'ın grafik mirasında eşit derecede önemli bir yer çizimler tarafından işgal edilmiştir. Rembrandt'ın çevredeki dünyaya ilişkin algısının keskinliği ve özgünlüğü bu çok sayıda ve çeşitli sayfalara özel bir güçle yansıdı. Rembrandt'ın resim stili gibi çizim tarzı da ustanın yaratıcı gelişimi boyunca gözle görülür şekilde gelişir. Rembrandt'ın ilk çizimleri ayrıntılı olarak işlenmişse ve kompozisyon açısından oldukça karmaşıksa, daha olgun bir dönemde bunları geniş, resimsel bir tarzda, alışılmadık derecede özlü ve basit bir şekilde gerçekleştirdi. Rembrandt genellikle tüy veya kamış kalemle resim yapıyordu ve en basit teknikleri kullanarak olağanüstü bir ifade gücü elde etmeyi başarıyordu. Çizimleri, gündelik bir motifin küçük taslakları olsalar bile, doğanın tüm çeşitliliğini tam olarak aktaran eksiksiz bir bütünü temsil ediyor.
Rembrandt'ın sanatı bir bütün olarak çağdaşları tarafından yanlış anlaşıldı. Ancak başarı dönemi boyunca çevresinde çok sayıda öğrenci okulu oluşturuldu; bunların en ünlüleri Ferdinand Bol (1616-1680), Gerbrand van den Eckhout (1621-1674) ve Art de Gelder (1645-1727) idi. ). Temalara, kompozisyon tekniklerine ve öğretmen türlerine hakim oldukları halde, figür resimlerinde hala Rembrandt'ın tekniklerinin dış taklidinden daha ileri gitmediler. Aksine, ustanın canlı etkisi, kendisine bitişik çok sayıda manzara ressamı - Philips Koninck (1619-1688), Doomer (1622-1700) ve diğerleri arasında kesinlikle hissedildi. Ne olursa olsun, onun ışık problemini geliştirmesi, daha sonraki tüm Hollanda resminin gelişiminin temel taşı oldu.
Ancak Rembrandt'ın çalışmaları ancak 19. yüzyılda tam anlamıyla tanındı. Ve o andan itibaren, gerçekçi ve aynı zamanda pitoresk görüntülerin en yüksek örneklerinden biri olmaktan asla vazgeçmiyor.

Hollanda resmi - 17. yüzyıl resimleri

Hollanda sanatının önemli bir özelliği, tüm resim türlerinde önemli bir baskınlıktı. İktidarın en üst kademelerinin temsilcileri, yoksul kentliler, zanaatkarlar ve köylüler evlerini resimlerle süslediler. Müzayedelerde ve fuarlarda satıldılar; sanatçılar bazen bunları fatura ödeme aracı olarak bile kullandılar.

Ormandaki Yol, Meindert Hobbema, 1670

Ressam bolluğu vardı ve sanatçı mesleği yaygın olduğu için oldukça şiddetli bir rekabet vardı. Pek çoğu geçimini resim yaparak kazanamadı. Sanatçıların çoğu çeşitli işler yapmak zorundaydı: Jacob van Ruisdael doktordu, Meindert Hobbema vergi memuru olarak çalışıyordu ve Jan Steen bir hancıydı.

17. yüzyılda Hollanda resmi, yalnızca evlerini resimlerle süslemek isteyenlerin artan talebi nedeniyle değil, aynı zamanda bir meta, spekülasyon aracı ve bir gelir kaynağı olarak görülmeye başlanması nedeniyle de hızla gelişti. kâr. Sanatçı tamamen piyasa trendlerine bağımlıydı ve kendisini etkili patronlar (feodal beyler) ve Katolik Kilisesi gibi doğrudan müşterilerden kurtarıyordu. Hollanda toplumunun gelişim yolları belirlenmiş, bunlara karşı çıkan ve yaratıcılık konusunda bağımsızlıklarını savunan sanatçılar yalnızlık ve yoksulluk içinde yalnızlaşıp vaktinden önce ölmüşlerdir. Çoğu durumda bunlar Rembrandt ve Frans Hals gibi en yetenekli sanatçılardı.

Hollandalı ressamlar esas olarak, diğer resim okullarından sanatçıların bu kadar tam olarak tasvir etmediği çevredeki gerçekliği tasvir ettiler. Sanatçılar hayatın çeşitli yönlerine yönelirken, gerçekçi eğilimlerin güçlendirilmesinde ana yer portreler, günlük yaşam, natürmortlar ve manzaralar tarafından işgal edildi. Önlerinde uzanan gerçek dünyayı o kadar derin ve gerçekçi bir şekilde tasvir ettiler ki, eserleri o kadar etkileyiciydi ki.

Jan Steen, Eğlenenlerle Toplantı, 1679

Her türün kendine has hareketleri vardı. Manzara resimleri yapanlar arasında deniz ressamları ve ovaları veya ormanları tercih eden ressamlar vardı; kış manzaraları ve ay ışığını tasvir eden manzaraların ustaları da vardı. Tür sanatçıları arasında burjuva ve köylüleri, ev hayatı ve partileri, çarşı ve av sahnelerini tasvir edenler öne çıktı. Ayrıca kilise iç mekanları ve "tezgah", "tatlı", "kahvaltı" gibi çeşitli natürmort türleri konusunda uzmanlaşmış sanatçılar da vardı. Gerçekleştirilen görevlerin sayısı, Hollanda resminin sınırlılık gibi bir özelliğinden etkilenmiştir. Ancak her sanatçının belirli bir türe odaklanmış olması ressamın ustalığını kolaylaştırdı. Yalnızca en önemli Hollandalı sanatçılar çeşitli türlerde resim yaptı.

Gerçekçi Hollanda resminin gelişimi, üslupçuluğa ve İtalyan klasik sanatını taklit eden bir harekete karşı mücadelede gerçekleşti. Bu hareketlerin temsilcileri olan İtalyan sanatçılardan resmi olarak ödünç alınan teknikler, ulusal Hollanda resim gelenekleri için son derece doğal değildi. Hollanda resminin 1609-1640 yılları arasındaki gelişimi sırasında gerçekçi eğilimler gündelik türde ve portrelerde daha net bir şekilde kendini gösterdi.

Jacob van Ruisdael(1628-1682) manzara türünde olağanüstü bir ustaydı (klasik Hollanda manzarasını boyadılar - çöl kumulları, ünlü yel değirmenleri, kanal tekneleri, patenciler ve genel olarak doğayı değil), sınırsız hayal gücüne sahip bir sanatçı ("Şelale", ") Orman Bataklığı” ", "Yahudi Mezarlığı"). Ruisdael, doğayı özenle çizerek aynı zamanda anıtsallığa da ulaşıyor.

Wijk bei Dyrsted'deki yel değirmeni. 1670. Rijks Müzesi. Amsterdam, Jacob van Ruisdael

Bu dönemin en yetenekli portre ressamlarından biri denilebilir Frans Hals(yaklaşık 1585-1666). Tüfek loncalarının (şehirlerin korunması ve savunma için subaylardan oluşan bir dernek) görüntüleri gibi birçok grup portresi yarattı. Kasabalılar kendilerini yakalamak istiyordu ve sanatçının her modele saygı duyması gerektiğini hatırlaması gerekiyordu. Bu resimlerde dikkat çekici olan, genç cumhuriyetin ideallerinin, yoldaşlığın, eşitliğin ve özgürlük duygusunun sergilenmesidir. Kendine ve yarına güvenen, enerji dolu insanlar tuvallerden izleyiciye bakıyor (“Streltsy Guild of St. George”, “Streltsy Guild of St. Adrian”). Doğal olarak dostane bir ziyafette tasvir ediliyorlar. Sanatçının geniş, kendine güvenen, zengin, parlak renklere (kırmızı, sarı, mavi vb.) sahip bireysel üslubu sayesinde bu kişilerden dönemin sanatsal bir belgesi oluşur.

Stefan Gerads'ın Portresi, 1652, Kraliyet Müzesi, Anvers

Bir tür resminin ana hatlarıyla bireysel portrelerde çok fazla pervasız gayret, baskı, önlenemez enerji var. Bu daha sonraki portrelerde kaybolur. Örneğin Hermitage'deki bir adamın portresinde, kahraman Hals'ın tüm etkileyiciliğine ve hatta havalılığına rağmen hüznü ve yorgunluğu görülebilir. Bu özellikler başka bir portrede (geniş kenarlı şapkalı bir adamın görüntüsü) daha da güçlendirilmiştir. Bu geç dönemde Hals, becerinin en yüksek seviyesine ulaşır, eserlerindeki tonlar tek renkli hale gelir (genellikle koyu, siyah giysiler, beyaz yakalı ve manşetli, koyu zeytin zemin rengi). Resim paletinin özlülüğüne rağmen, son derece ince geçişlere dayanmaktadır.

Yaratılış Rembrandt van Rijn(1606-1669), 17. yüzyıl Hollanda sanatının son başarısı ve gerçekçiliğinin zirvesi oldu.

17. yüzyıl Hollanda kültürü

Burjuva devriminin Kuzey Hollanda'daki zaferi, bağımsız bir devletin - yedi birleşik eyaletten oluşan cumhuriyetin - Hollanda'nın (bu eyaletlerin en önemlisinin adıyla) oluşumuna yol açtı; İlk defa Avrupa ülkelerinden birinde burjuva-cumhuriyetçi sistem kuruldu. Devrimin itici güçleri köylüler ve kent nüfusunun en yoksul tabakasıydı, ancak iktidara gelen burjuvazi bunun kazanımlarından yararlandı.
İspanyol mutlakiyetçiliğinin ve Katolik Kilisesi'nin baskısından kurtuluş, bir dizi feodal kısıtlamanın yıkılması, Marx'a göre “17. yüzyılın örnek bir kapitalist ülkesi olan cumhuriyetin üretici güçlerinin hızlı büyümesinin yolunu açtı. yüzyılda sadece Hollanda'da kentsel nüfus kırsal nüfusa üstün geliyordu, ancak ana kaynak kârlar sanayiden değil (burada tekstil üretimi ve özellikle gemi yapımı gelişmiş olmasına rağmen), sömürge sayesinde genişleyen aracı ticaretten geliyordu. politika. Egemen sınıflar zenginleştikçe emekçi halkın yoksulluğu arttı, köylüler ve zanaatkarlar iflas etti ve 17. yüzyılın ortalarına gelindiğinde sınıf çelişkileri yoğunlaştı.
Ancak cumhuriyetin kuruluşundan sonraki ilk onyıllarda devrim döneminin demokratik gelenekleri canlıydı. Ulusal kurtuluş hareketinin genişliği, halkın öz farkındalığının artması ve yabancı boyunduruktan kurtuluşun sevinci, nüfusun en çeşitli kesimlerini birleştirdi. Ülke bilim ve sanatın gelişmesi için koşullar yarattı. Başta Fransız filozof Descartes olmak üzere dönemin ilerici düşünürleri buraya sığınmış ve Spinoza'nın temelde materyalist olan felsefi sistemi oluşmuştur. En yüksek başarılar, Rembrandt, Ruisdael, Terborch, Hals, Hobbema, Honthorst gibi ressamlar ve diğer birçok resim ustası gibi Hollandalı sanatçılar tarafından elde edildi. Hollandalı sanatçılar, Avrupa'da saray çevrelerinin ve Katolik Kilisesi'nin baskıcı etkisinden kurtulan ve toplumsal gerçekliği doğrudan yansıtan demokratik ve gerçekçi sanat yaratan ilk sanatçılar oldu.

17. yüzyılın Hollanda resmi

Hollanda sanatının gelişiminin ayırt edici bir özelliği, tüm resim türleri arasındaki önemli üstünlüğüydü. Resimler yalnızca toplumun yönetici seçkinlerinin temsilcilerinin değil, aynı zamanda yoksul kentlilerin, zanaatkârların ve köylülerin evlerini de süsledi; müzayedelerde ve fuarlarda satıldılar; bazen sanatçılar bunları fatura ödeme aracı olarak kullandılar. Bir sanatçının mesleği nadir değildi; çok sayıda ressam vardı ve birbirleriyle kıyasıya rekabet ediyorlardı. Çok azı resim yaparak geçimini sağlayabiliyordu; birçoğu çeşitli işler üstleniyordu: Sten bir hancıydı, Hobbema bir vergi memuruydu, Jacob van Ruisdael ise bir doktordu.
17. yüzyılda Hollanda resminin hızlı gelişimi, sadece evlerini resimlerle süslemek isteyenlerin resimlere olan talebiyle değil, aynı zamanda onları bir meta, bir kâr aracı, bir spekülasyon kaynağı olarak görmesiyle de açıklanıyordu. Doğrudan müşteriden (Katolik Kilisesi veya etkili bir feodal hayırsever) kurtulan sanatçı, kendisini tamamen piyasanın taleplerine bağımlı buldu. Burjuva toplumunun zevkleri, Hollanda sanatının gelişimini önceden belirledi ve onlara karşı çıkan, yaratıcılık konularında bağımsızlıklarını savunan sanatçılar kendilerini izole edilmiş buldular ve zamansız bir şekilde yoksulluk ve yalnızlık içinde öldüler. Üstelik bunlar kural olarak en yetenekli ustalardı. Hals ve Rembrandt'ın isimlerini anmak yeterli.
Hollandalı sanatçılar için tasvirin ana nesnesi, daha önce diğer ulusal okulların ressamlarının eserlerine hiç bu kadar tam olarak yansımamış olan çevredeki gerçeklikti. Yaşamın en çeşitli yönlerine hitap etmek, resimde gerçekçi eğilimlerin güçlenmesine yol açtı; bunların başında gündelik tür ve portre, manzara ve natürmort geliyordu. Sanatçılar, önlerinde açılan gerçek dünyayı ne kadar doğru ve derin bir şekilde yansıtıyorlarsa, eserleri de o kadar anlamlıydı.
Her türün kendi dalları vardı. Örneğin, manzara ressamları arasında deniz ressamları (denizi tasvir eden), düz yerlerin veya orman çalılıklarının manzaralarını tercih eden ressamlar, kış manzaraları ve ay ışığı manzaraları konusunda uzmanlaşmış ustalar vardı: tür ressamları arasında, köylüleri, kasabalıları, bayram ve ev yaşamından sahneleri, av sahnelerini ve pazarları tasvir etti; kilise iç mekanlarının ve çeşitli natürmort türlerinin ustaları vardı - "kahvaltı", "tatlılar", "banklar" vb. Hollanda resminin sınırlamaları, yaratıcıları için çözülmesi gereken görev sayısını daraltan bir etkiye sahipti. Ancak aynı zamanda her sanatçının belirli bir türe yoğunlaşması, ressamın becerisinin gelişmesine de katkıda bulundu. Yalnızca en önemli Hollandalı sanatçılar çeşitli türlerde çalıştı.
Gerçekçi Hollanda resminin oluşumu, İtalyanlaşma hareketine ve tavırcılığa karşı mücadelede gerçekleşti. Bu eğilimlerin temsilcileri, her biri kendi yöntemleriyle, ancak tamamen dışarıdan, ulusal Hollanda resim geleneklerine son derece yabancı olan İtalyan sanatçıların tekniklerini ödünç aldılar. Hollanda resminin gelişiminin 1609-1640 yıllarını kapsayan ilk aşamasında, gerçekçi eğilimler portre ve gündelik türde daha açık bir şekilde ortaya çıktı.

Hollanda manzarası

Hollanda gerçekçi manzarasının ilkeleri 17. yüzyılın ilk üçte birinde gelişti. İtalyanlaşma hareketinin ustalarının resimlerinde geleneksel kanonlar ve idealize edilmiş, icat edilmiş doğa yerine, gerçekçi manzaranın yaratıcıları, kum tepeleri ve kanalları, evleri ve köyleriyle Hollanda'nın gerçek doğasını tasvir etmeye yöneldiler. Ulusal peyzajın tipik motiflerini yaratarak sadece bölgenin karakterini tüm özellikleriyle yakalamakla kalmadılar, aynı zamanda mevsimin atmosferini, nemli havayı ve mekanı aktarmaya çalıştılar. Bu, ton resminin gelişmesine, resmin tüm bileşenlerinin tek bir tona tabi tutulmasına katkıda bulundu.
Hollanda gerçekçi manzarasının en büyük temsilcilerinden biri Jan van Goyen'di (1596-1656). Leiden ve Lahey'de çalıştı. Sanatçı Jan van Goyen'in küçük boyutlu manzaralarında en sevdiği motifler: gri, bulutlu günlerde vadiler ve kıyılarında şehirler ve köyler bulunan geniş nehirlerin su yüzeyi. Jan van Goyen, neme doymuş dönen bulutlarla gökyüzüne çok fazla alan (resmin yaklaşık üçte ikisi) bıraktı. Bu, ince kahverengi-gri renk aralığında tasarlanmış “Nijmegen yakınlarındaki Waal Nehri'nin Görünümü” (1649, Moskova, A.S. Puşkin'in adını taşıyan Devlet Güzel Sanatlar Müzesi) tablosudur.
Paul Potter (1625-1654) tarafından hayvanları, ineklerin ve koyunların bulunduğu meraları tasvir eden özel bir manzara türü yaratıldı. Hayvanların alışkanlıklarını mükemmel bir şekilde inceleyen sanatçı, her malzemenin dokusunu, yumuşak yünü ve en küçük ayrıntıları dikkatlice tanımlayarak onlara sık sık yakın çekim gösterdi. Bunlar “Boğa” (1647, Lahey, Mauritshuis), “Zincirdeki Köpek” (St. Petersburg, Hermitage) resimleridir.

Hollandalı natürmort

Manzara resminin yanı sıra samimi karakteriyle öne çıkan natürmort da 17. yüzyıl Hollanda'sında yaygınlaştı. Hollandalı sanatçılar natürmortları için çok çeşitli nesneler seçtiler, onları mükemmel bir şekilde nasıl düzenleyeceğini biliyorlardı ve her nesnenin özelliklerini ve onun insan yaşamıyla ayrılmaz bir şekilde bağlantılı olan iç yaşamını ortaya koyuyorlardı.
17. yüzyıl Hollandalı ressamları Pieter Claes (c. 1597 - 1661) ve Willem Heda (1594-1680/1682), masanın üzerinde jambonları, kırmızı çörekleri, böğürtlenli turtaları, yarıya kadar şarapla doldurulmuş kırılgan cam bardakları tasvir eden çok sayıda "kahvaltı" versiyonu çizdiler. Her bir öğenin rengini, hacmini ve dokusunu şaşırtıcı bir şekilde ustalıkla aktaran masa. Bir kişinin son zamanlardaki varlığı, düzensizlikte, ona az önce hizmet eden şeylerin düzeninin rastgeleliğinde fark edilir. Ancak bu düzensizlik yalnızca görünüştedir, çünkü her bir natürmort kompozisyonu kesinlikle düşünülmüş ve bulunmuştur. Ölçülü grimsi altın rengi, zeytin ton paleti nesneleri birleştirir ve taze kesilmiş bir limonun tazeliğini veya mavi bir kurdelenin yumuşak ipeğini vurgulayan saf renklere özel bir ses verir.
Natürmort ustaları, ressamlar Claes ve Heda'nın “kahvaltıları” zamanla yerini Hollandalı sanatçılar Abraham van Beyeren (1620/1621-1690) ve Willem Kalf'ın (1622-1693) “tatlılarına” bırakıyor. Beyeren'in natürmortları kompozisyon bakımından katı, duygusal açıdan zengin ve renklidir. Willem Kalf, yaşamı boyunca özgür ve demokratik "mutfaklar" çizdi - gümüş kaplar, fincanlar, deniz kabuklarının içten yanmasıyla doyurulmuş kabuklar gibi ölçülü asaletle dolu, zarif değerli nesnelerin seçiminde tencere, sebze ve aristokrat natürmortlar. renkler.
Daha da gelişmesiyle natürmort, tüm Hollanda sanatıyla aynı yolu izleyerek demokrasisini, maneviyatını, şiirselliğini, çekiciliğini kaybediyor. Natürmort, üst düzey müşterilerin evi için dekorasyona dönüşüyor. Tüm dekoratifliklerine ve ustaca uygulanışlarına rağmen, son dönem natürmortları Hollanda resminin düşüşünün habercisidir.
17. yüzyılın son üçte birinde Hollanda burjuvazisinin toplumsal yozlaşması ve bilinen aristokratlaşması, Fransız soylularının estetik görüşleriyle yakınlaşma eğilimine yol açarak, sanatsal imgelerin idealleştirilmesine ve indirgenmesine yol açtı. Sanat, demokratik gelenekle bağlarını kaybediyor, gerçekçi temelini kaybediyor ve uzun vadeli bir gerileme dönemine giriyor. İngiltere ile yapılan savaşlardan ciddi şekilde yorulan Hollanda, büyük bir ticaret gücü ve büyük bir sanat merkezi olma konumunu kaybediyor.

17. yüzyıl Fransız sanatı

17. yüzyıl Fransız sanatında, Avrupa'da merkezi monarşilerin oluşumu sırasında ortaya çıkan insan ve onun toplumdaki yeri hakkındaki fikirler en iyi şekilde yansıtılmıştır. Burjuva ilişkilerinin gelişmesini sağlayan klasik bir mutlakiyetçilik ülkesi olan Fransa, ekonomik büyüme yaşadı ve güçlü bir Avrupa gücü haline geldi. Feodal iradeye ve anarşiye karşı ulusal birleşme mücadelesi, yüksek zihin disiplininin, kişinin eylemleri için bireysel sorumluluk duygusunun ve devlet sorunlarına ilginin güçlenmesine katkıda bulundu. Filozof Descartes, insan aklının hakimiyetini ilan eden bir irade teorisi geliştirdi. Dünyayı rasyonel olarak organize edilmiş bir mekanizma olarak görerek, kendini tanıma ve doğanın fethedilmesi çağrısında bulundu. Rasyonalizm Fransız kültürünün karakteristik bir özelliği haline geldi. 17. yüzyılın ortalarında ulusal bir edebi dil ortaya çıktı; mantıksal açıklık, doğruluk ve orantı duygusu ilkelerini doğruladı. Corneille ve Racine'in eserlerinde Fransız klasik trajedisi doruğa ulaştı. Moliere dramalarında “insanlık komedisini” yeniden yarattı. Fransa'da ulusal kültürde bir gelişme yaşanıyordu; Voltaire'in 17. yüzyılı "büyük" olarak adlandırması tesadüf değildi.
17. yüzyılın Fransız kültürü, mutlakiyetçiliğin kurulduğu koşullar altında oluşmuştur. Ancak çeşitliliği ve tutarsızlığı ulusal birleşme yönündeki geniş hareketi belirledi. Yeni bir toplumun doğuşuna eşlik eden akut toplumsal çatışmalara canlı yanıtlar buldu. Köylü ve kent ayaklanmaları ve parlamenter Fronde'un büyük demokratik hareketi, 17. yüzyılın ilk yarısında devletin temellerini sarstı. Bu temelde ütopyalar, akıl ve adalet yasalarına dayalı ideal bir toplum hayalleri ve mutlakiyetçiliğin özgür düşünce eleştirisi doğdu. Fransız sanatının 17. yüzyıldaki gelişimi, yüzyılın birinci ve ikinci yarısına denk gelen iki aşamadan geçti.

Batı Avrupa Sanatı 18. yüzyıl

Batı Avrupa'da 18. yüzyıl, feodalizmden kapitalizme uzun geçişin son aşamasıdır. Yüzyılın ortalarında sermayenin ilk birikim süreci tamamlanmış, toplumsal bilincin her alanında mücadele verilmiş ve devrimci bir durum olgunlaşmıştır. Daha sonra gelişmiş kapitalizmin klasik biçimlerinin hakimiyetine yol açtı. Bir yüzyıl boyunca, eski toplumu değerlendirmeye yönelik tüm sosyal ve devlet temellerinde, kavramlarda ve kriterlerde devasa bir çöküş yaşandı. Medeni bir halk ortaya çıktı, süreli yayınlar çıktı, siyasi partiler kuruldu ve insanı feodal-dini dünya görüşünün prangalarından kurtarmak için bir mücadele yaşandı.
Güzel sanatlarda yaşamın doğrudan gerçekçi yansımasının önemi arttı. Sanatın alanı genişledi, güncellik ve mücadele ruhuyla dolu, kurtuluş fikirlerinin aktif bir savunucusu haline geldi ve sadece feodal değil, aynı zamanda yeni ortaya çıkan burjuva toplumunun ahlaksızlıklarını ve saçmalıklarını açığa çıkardı. Aynı zamanda, hiyerarşik fikirlerden arınmış, bireysel yetenekler geliştiren ve aynı zamanda asil bir vatandaşlık duygusuna sahip bir kişinin dizginsiz kişiliğine ilişkin yeni bir olumlu ideali ortaya koydu. Sanat ulusal hale geldi ve yalnızca incelikli uzmanlardan oluşan bir çevrenin değil, aynı zamanda geniş bir demokratik çevrenin de ilgisini çekti.

18. yüzyılda Batı Avrupa'nın sosyal ve ideolojik gelişimindeki ana eğilimler, farklı ülkelerde eşitsiz bir şekilde kendini gösterdi. İngiltere'de 18. yüzyılın ortalarında gerçekleşen sanayi devrimi burjuvazi ile soylular arasındaki uzlaşmayı sağlamlaştırdıysa, Fransa'da anti-feodal hareket daha yaygınlaştı ve burjuva devrimini hazırladı. Feodalizmin krizi, ideolojisi, geniş bir toplumsal hareketin oluşumu tüm ülkelerde ortaktı: Aydınlanma, onu koruyan, bozulmamış birincil Doğa ve Akıl kültü, modern yozlaşmış uygarlığa yönelik eleştirisi ve hayali. iyi huylu doğanın uyumu ve doğal duruma yönelen yeni bir demokratik medeniyet.
Onsekizinci yüzyıl, şüpheciliğin ve ironinin her şeyi yok eden Aklın yüzyılı, filozofların, sosyologların, iktisatçıların yüzyılıdır; Teknolojiyle ilgili kesin doğa bilimleri, coğrafya, arkeoloji, tarih ve materyalist felsefe gelişti. Çağın zihinsel günlük yaşamını istila eden bilimsel bilgi, sanat için gerçekliğin doğru gözlemlenmesi ve analizinin temelini oluşturdu. Aydınlanma, sanatın amacının doğanın taklidi olduğunu, ancak doğanın düzenli, iyileştirilmiş (Diderot, A. Pop), mutlakiyetçi bir rejimin yarattığı insan yapımı uygarlığın zararlı etkilerinden, toplumsal eşitsizlikten, aylaklıktan ve toplumsal düzenden akılla arınmış olduğunu ilan etti. lüks. Ancak 18. yüzyılın felsefi ve estetik düşüncesinin rasyonalizmi, duygunun tazeliğini ve samimiyetini bastırmadı, ancak mimari topluluklardan uygulamalı sanata kadar sanatsal olayların orantılılığı, zarafeti ve uyumlu bütünlüğü için çabalamaya yol açtı. Aydınlanmacılar yaşamda ve sanatta duyguya büyük önem verdiler - insanlığın en asil özlemlerinin odağı, yaşamda devrim yaratan gücü içeren amaçlı eyleme susamışlık hissi, "doğal insanın" ilkel erdemlerini yeniden canlandırabilecek bir duygu (( Defoe, Rousseau, Mercier), doğa yasalarını takip ederek.
Rousseau'nun "Bir adam yalnızca duygularıyla büyüktür" aforizması, 18. yüzyılın sosyal yaşamının dikkat çekici yönlerinden birini ifade etti; bu, gerçekçi bir portre ve türde derinlemesine, sofistike bir psikolojik analize yol açtı, lirik manzara aşılandı duyguların şiiri (Gainsborough, Watteau, Berne, Robert) “lirik roman”, “düzyazı şiirler” (Rousseau, Prevost, Marivaux, Fielding, Stern, Richardson) ile en yüksek ifadesine müziğin yükselişinde ulaşır (Handel) , Bach, Gluck, Haydn, Mozart, İtalya'nın opera bestecileri). 18. yüzyılın resim, grafik, edebiyat ve tiyatro sanat eserlerinin kahramanları, bir yandan "küçük insanlar" - herkes gibi, dönemin olağan koşullarına yerleştirilmiş, zenginlik ve ayrıcalıklarla bozulmamış insanlardı. , ruhun olağan doğal hareketlerine bağlı, mütevazı bir mutlulukla yetinen. Sanatçılar ve yazarlar onların samimiyetine, ruhun saf kendiliğindenliğine, doğaya yakınlığına hayran kaldılar. Öte yandan, aydınlanma kültürünün ürettiği özgürleşmiş uygar entelektüel insan ideali, onun bireysel psikolojisinin analizi, çelişkili zihinsel durumları ve ince gölgeleri, beklenmedik dürtüleri ve yansıtıcı ruh halleriyle duyguları üzerinde odaklanılıyor.
Keskin gözlem ve incelikli bir düşünce ve duygu kültürü, 18. yüzyılın tüm sanat türlerinin karakteristik özelliğidir. Sanatçılar, eğlenceli anlatılara ve büyüleyici gösterilere, akut çatışma eylemlerine, dramatik entrikalara ve komedi olay örgülerine, sofistike grotesk, soytarılık, zarif pastoraller, görkemli şenliklere yönelen çeşitli tonlardaki günlük yaşam durumlarını, orijinal bireysel görüntüleri yakalamaya çalıştı.
Mimarlıkta da yeni sorunlar ortaya çıktı. Kilise inşaatının önemi azaldı ve son derece sade, güncel, aşırı heybetten arınmış sivil mimarinin rolü arttı. Bazı ülkelerde (Fransa, Rusya, kısmen Almanya) geleceğin şehirlerini planlamanın sorunları çözülüyordu. Mimari ütopyalar doğdu (grafik mimari manzaralar - Giovanni Battista Piranesi ve sözde "kağıt mimarisi"). Özel, genellikle samimi konut binaları ve kentsel kamu binaları toplulukları karakteristik hale geldi. Aynı zamanda 18. yüzyıl sanatında önceki dönemlere göre sentetik algı ve hayatın doluluğu azalmıştır. Anıtsal resim ile heykel ve mimari arasındaki eski bağlantı kopmuş; şövale resminin ve dekoratifliğin özellikleri bunlarda yoğunlaşmıştır. Günlük yaşam sanatı ve dekoratif formlar özel bir kültün konusu haline geldi. Aynı zamanda çeşitli sanat türlerinin etkileşimi ve karşılıklı zenginleşmesi arttı, bir sanat türünün elde ettiği kazanımlar başkaları tarafından daha özgürce kullanıldı. Böylece tiyatronun resim ve müzik üzerindeki etkisi oldukça verimli oldu.
18. yüzyıl sanatı iki aşamadan geçti. İlki 1740-1760'a kadar sürdü. Geç Barok formların dekoratif Rokoko tarzına dönüştürülmesiyle karakterize edilir. 18. yüzyılın ilk yarısının sanatının özgünlüğü, esprili ve alaycı şüphecilik ile incelikliliğin birleşiminde yatmaktadır. Bu sanat bir yandan rafine edilmiş, duyguların ve ruh hallerinin nüanslarını analiz ediyor, zarif bir yakınlık, ölçülü lirizm için çabalıyor, diğer yandan "zevk felsefesine", Doğu'nun muhteşem görüntülerine yöneliyor - Araplar, Çinliler, Persler. Rokoko ile eşzamanlı olarak gerçekçi yön gelişti - bazı ustalar arasında son derece suçlayıcı bir karakter kazandı (Hogarth, Swift). Ulusal okullardaki sanatsal eğilimler arasındaki mücadele açıkça ortaya çıktı. İkinci aşama, ideolojik çelişkilerin derinleşmesi, öz farkındalığın artması, burjuvazinin ve kitlelerin siyasi faaliyeti ile ilişkilidir. 1760-1770'lerin başında. Fransa'daki Kraliyet Akademisi, Rokoko sanatına karşı çıktı ve 17. yüzyılın sonlarında akademik sanatın törensel, idealleştirici tarzını yeniden canlandırmaya çalıştı. Cesur ve mitolojik türler, Roma tarihinden ödünç alınan olay örgüleriyle yerini tarihsel olana bıraktı. “Aydınlanmış mutlakiyetçilik” fikirlerinin gerici yorumuna uygun olarak, otoritesini kaybetmiş monarşinin büyüklüğünü vurgulamak için tasarlandılar. İlerici düşüncenin temsilcileri antik çağın mirasına yöneldi. Fransa'da Count de Queylus bu alanda bilimsel bir araştırma dönemi başlattı (Toplu Antik Eserler, 7 cilt, 1752-1767). 18. yüzyılın ortalarında, Alman arkeolog ve sanat tarihçisi Winckelmann (Antik Çağ Sanatı Tarihi, 1764) sanatçıları "Yunanlıların ve Romalıların özgürlüğünü yansıtan antik sanatın asil sadeliğine ve sakin ihtişamına dönmeye" çağırdı. Cumhuriyet dönemi." Fransız filozof Diderot, antik tarihte tiranları kınayan ve onlara karşı ayaklanma çağrısı yapan hikayeler buldu. Rokoko'nun dekoratifliğini doğal sadelikle, tutkuların öznel keyfiliğiyle - gerçek dünyanın yasalarının bilgisi, orantı duygusu, düşünce ve eylem asaleti - karşılaştırarak klasisizm ortaya çıktı. Sanatçılar ilk kez yeni keşfedilen anıtlarda antik Yunan sanatını inceledi. İdeal, uyumlu bir toplumun ilanı, görevin duyguya üstünlüğü, aklın pathosu, 17. ve 18. yüzyıl klasisizminin ortak özellikleridir. Ancak ulusal birleşme temelinde ortaya çıkan 17. yüzyıl klasisizmi, soylu toplumun gelişmesi bağlamında gelişti. 18. yüzyılın klasisizmi, anti-feodal devrimci yönelimle karakterize edildi. Mutlakiyetçiliğe karşı savaşmak için ulusun ilerici güçlerini birleştirmeye çağrıldı. Fransa dışında klasisizm, Fransız Devrimi'nin ilk yıllarında kendisini karakterize eden devrimci karaktere sahip değildi.
Klasisizm ile eş zamanlı olarak etkisini yaşayan realist akım da yaşamaya devam etti. İçinde rasyonalist eğilimler ortaya çıktı: sanatçılar yaşam olaylarını genelleştirmeye çalıştılar.
18. yüzyılın ikinci yarısında duygu ve tutku kültüyle, basit, saf ve samimi olan her şeye duyulan hayranlıkla duygusallık ortaya çıktı. Sanatta bununla bağlantılı bir romantik öncesi hareket ortaya çıktı ve Orta Çağ'a ve halk sanatı biçimlerine ilgi ortaya çıktı. Bu hareketlerin temsilcileri, insanın asil ve aktif duygularının değerini doğrulamış, adaletin zaferi adına gerçek kamu işlerine müdahaleyi teşvik eden, çevreyle olan çatışmalarının dramını ortaya çıkarmıştır. “İnsan kalbinin bilgisine ve büyük bir tutkunun kökenini, gelişimini ve çöküşünü gözlere sunmanın büyülü sanatına” (Lessing) giden yolu açtılar ve heyecanlı, acıklı bir sanatın ortaya çıkan ihtiyacını dile getirdiler.

19. yüzyıl sanatı

19. yüzyıl boyunca kapitalizm sadece Avrupa'da değil, diğer kıtalarda da hakim oluşum haline geldi. Bu dönemde iki kültür - ilerici demokrat ve gerici burjuva - arasındaki mücadele keskin bir şekilde yoğunlaştı. Zamanın ileri fikirlerini ifade eden 19. yüzyılın gerçekçi sanatı, gerçekliğin estetik değerlerini doğruladı ve gerçek doğanın ve çalışan insanların güzelliğini yüceltti. 19. yüzyılın gerçekçiliği, dönemin temel çelişkilerini ve insanların yaşamlarındaki sosyal koşulları doğrudan sanata yansıtması bakımından önceki yüzyıllardan farklıydı. Eleştirel konumlar 19. yüzyılın gerçekçi sanat yönteminin temelini belirledi. Onun en tutarlı örneği, dönemin sanatsal kültürüne en değerli katkı olan eleştirel gerçekçilik sanatıydı.
19. yüzyılda kültürün çeşitli alanları eşitsiz bir şekilde gelişti. Dünya edebiyatı (Victor Hugo, Honore Balzac, Henri Stendhal, Fyodor Dostoyevski, Leo Tolstoy) ve müzik (Johann Beethoven, Frederic Chopin, Richard Wagner) en yüksek zirvelere ulaşıyor. Mimarlık ve uygulamalı sanata gelince, Empire tarzını tanımlayan yükselişin ardından bu iki sanat türü de bir kriz yaşıyor. Her türlü sanatı kapsayan, bütünsel bir sanatsal sistem olarak anıtsal formların, üslup birliğinin çöküşü var. En eksiksiz gelişme, en iyi tezahürlerinde anıtsal formlara yönelen resim, grafik ve kısmen heykelin şövale biçimleriyle sağlanır.

Herhangi bir kapitalist ülkenin sanatındaki ulusal özgünlükle, ortak özellikler güçlenir: yaşam olgusunun eleştirel bir değerlendirmesi, düşüncenin tarihselciliği, yani hem geçmiş tarihsel aşamaların hem de geçmişin toplumsal gelişiminin itici güçlerinin daha derin nesnel anlayışı. Sunmak. 19. yüzyıl sanatının ana başarılarından biri, ilk kez yalnızca bireysel kahramanların değil, kitlelerin de rolünün ortaya çıktığı ve tarihi çevrenin daha spesifik olarak yeniden yaratıldığı tarihi temaların gelişmesiydi. Belirgin bir ulusal karaktere sahip her türlü portre, gündelik tür ve manzara yaygınlaşıyor. Hicivsel grafikler gelişiyor.
Kapitalizmin zaferiyle birlikte sanatın gerçekçi ve demokratik eğilimlerini sınırlamak ve bastırmak isteyen asıl güç büyük burjuvazi haline gelir. Avrupa kültürünün önde gelen isimleri Constable, Goya, Géricault, Delacroix, Daumier, Courbet ve Manet'nin eserlerine sıklıkla zulmedildi. Sergiler, sözde salon sanatçılarının, yani sanat salonlarına hakim olanların cilalı eserleriyle doluydu. Burjuva müşterilerinin zevklerini ve taleplerini memnun etmek için yüzeysel tanımlamalar, erotik ve eğlence motifleri ve burjuva ilkeleri ve militarizmi savunan bir ruh geliştirdiler.
1860'larda Karl Marx, "kapitalist üretimin, sanat ve şiir gibi manevi üretimin belirli dallarına düşman olduğunu" belirtmişti. Burjuvazi sanatla ya karlı bir yatırım (koleksiyon) ya da lüks bir eşya olarak ilgileniyor. Elbette sanatı ve amacını doğru anlayan koleksiyonerler vardı ama bunlar kuralın birkaç istisnasıydı. Genel olarak sanatın beğeni belirleyicisi ve ana tüketicisi olarak hareket eden burjuvazi, sınırlı sanat anlayışını sanatçılara dayattı. Kitlesel yaygın üretimin gelişmesi, kişiliksizliği ve piyasaya bağımlılığıyla birlikte yaratıcılığın bastırılmasını gerektirdi. Kapitalist üretimdeki işbölümü bireyin tek yönlü gelişimini teşvik eder ve emeğin kendisini yaratıcı bütünlükten yoksun bırakır. Kapitalizmin sanata düşmanlığından bahsederken Marx ve Engels, 19. ve 20. yüzyıllarda sanatsal ilerlemenin genel olarak imkansızlığını kastetmiyordu. Bilimsel komünizmin kurucuları, eserlerinde, örneğin 19. yüzyılın eleştirel gerçekçiliğinin başarılarını çok takdir ettiler.
Tarihin itici gücü olarak halkın rolünü ortaya koyan ve milletin demokratik kültürünün estetik değerlerini onaylayan demokratik sanat çizgisi, bir takım gelişim aşamalarından geçer. İlk aşamada, 1789-1794 Büyük Fransız Devrimi'nden 1815'e kadar (halkların Napolyon saldırganlığına karşı ulusal kurtuluş mücadelesi dönemi), burjuva toplumunun sömürücü özü henüz tam olarak gerçekleşmemişti. Demokratik sanat, asil sanat kültürünün kalıntılarına ve burjuva ideolojisinin sınırlamalarının tezahürlerine karşı mücadelede oluşur. Bu dönemde sanatın en yüksek başarıları, özgürlük, eşitlik ve kardeşlik ideallerinin zaferine inanan kitlelerin devrimci duygularıyla ilişkilendirildi. Bu, devrimci klasisizmin ve romantik ve gerçekçi sanatın ortaya çıkışının en parlak dönemidir.
1815'ten 1849'a kadar olan ikinci aşama, çoğu Avrupa ülkesinde kapitalist sistemin kurulmasına denk gelir. Bu aşamanın ileri demokratik sanatında, burjuva toplumunun sömürücü özüne yönelik kararlı bir eleştiriye geçiş yapılır. Bu, devrimci romantizmin en yüksek çiçek açtığı ve eleştirel gerçekçilik sanatının oluştuğu dönemdir.
Burjuvazi ile proletarya arasındaki sınıf çelişkilerinin yoğunlaşması ve Paris Komünü (1871) sırasında doruğa ulaşmasıyla birlikte, gerici burjuva kültürleri ile demokratik kültürler arasındaki karşıtlık daha da belirgin hale geldi. 19. yüzyılın sonlarında hem edebiyatta hem de güzel sanat eserlerinde kapitalist sistemin eleştirisi, devrimci proletaryanın dünya görüşünü güçlendiren bir konumdan yürütülüyordu.

İlgili bilgi.

On yedinci yüzyıl Avrupa'da resmin altın çağıydı. İtalya, Hollanda, Flandre, İspanya ve Fransa'da önemli sanat okulları gelişti. Bunlar arasında Hollanda sanatının özel bir yeri vardır. Kuzey Hollanda'nın yedi eyaleti, en büyüğü Hollanda'nın etrafında birleşerek İspanyolları yendi. Bu toprakların tarihi kaderi, yasama yetkisini Genel Eyaletlere veren, dini hoşgörüyü ilan eden ve Hollanda ve Zelanda'nın zengin eyaletlerine özel siyasi ve ekonomik koşullar sağlayan Utrecht Birliği'nin 1579'da imzalanmasının ardından belirlendi. Bu, İspanya ile ateşkesin imzalanmasının ardından 1609'da devlet statüsü kazanan gelecekteki cumhuriyetin temellerini attı.

Birleşik Eyaletler dünyanın ilk burjuva devleti oldu; buradaki stad sahibinin gücü nominaldi ve Orange Hanesi'nin temsilcileri öncelikle komutanlardı. Lahey'deki mahkemeleri özellikle görkemli değildi ve ülkedeki kültürün gelişimi üzerinde gözle görülür bir etkiye sahip değildi. Hollanda'da kural, kasabalıların girişimci, basiretli ve pratik olmasıdır. Ticarete ve gemi inşasına sermaye yatırdı, Asya ve Amerika'daki uzak ülkelere yollar açtı ve buralarda koloniler kurdu. Fransa kraliyet konseyi başkanı Kardinal Richelieu, "Bu bir avuç insan, su ve otlaklardan oluşan bir toprak parçasına sahip olarak, Avrupa halklarına ihtiyaç duydukları malların çoğunu sağlıyor." diye yazdı.

16-17. yüzyıllardaki reform hareketinin en radikal yönelimi olan Kalvinizm, ülkede egemen din haline geldi. Kalvinist Kilise doğası gereği “cumhuriyetçi” idi. Başlıca özellikleri mutlak kader doktrini, girişimcilik ve mesleki başarı için özür ve dünyevi çilecilik talebi - basiretli burjuva tutumluluğuydu. Cumhuriyetin ilk dönemlerindeki göreli dinsel hoşgörü, bilimsel ve felsefi yaratıcılık için uygun bir ortam yaratmıştı. Ülke, doğa bilimcileriyle ünlendi ve ünlü hukukçular ve tarihçiler yetiştirdi. Ünlü filozof Rene Descartes Fransa'dan buraya göç etmiş ve Spinoza'nın materyalist görüşleri burada şekillenmiştir. Hollanda'nın Avrupa edebiyatına katkısı daha mütevazıydı; burada önemli mimarlar veya heykeltıraşlar yoktu. Ana başarılar, küçük kuzey ülkesinin birçok ressamına düştü. Temaları, resim stili ve ideolojik özlemleriyle 17. yüzyıl sanatında özel bir bölümü temsil eden ve dünya sanat kültüründe silinmez bir iz bırakan canlı bir ulusal resim okulu yarattı.

Hollanda Kilisesi, kutsal imgeleri olmayan muhteşem kültü tapınaklarından kovdu - Katolik kiliselerinin sayısı azdı. Sanat eserleri esas olarak kamuya ait laik binalara ve özel evlere yönelikti; temaları Protestan ahlakını yansıtsa da doğası gereği laikti. İncil ve antik konuları içeren resimler tarihi olarak algılanıyordu. Şövale boyama Hollandalı sanatçıların gerçek mesleği haline geldi. Pek çok sanatçı vardı. Nadiren sipariş üzerine resim yapıyorlardı; resimlerin çoğu pazarlarda satılıyordu. 17. yüzyılda yaşayan bir İngiliz seyyah, "Rotterdam'daki fuar" diye yazmıştı, "tablolarla aşırı doluydu (özellikle manzaralar ve tür sahneleri) ... Tüm evler tablolarla tıka basa dolu ve Hollandalılar bunları büyük bir kârla satıyor."

17. yüzyılın 20'li yıllarına gelindiğinde Hollanda resim türlerinin oluşumu temelde tamamlandı. Sanatçıların türlere göre uzmanlaşması Hollanda'nın tipik bir örneğidir. 17. yüzyılın başında portre türü Hollanda'da en popüler hale geldi; 1630'larda Hollanda manzarasında ulusal tema yaygın olarak duyuldu; köylü türü de şekillendi. Hollanda resminin en karakteristik türlerinden biri natürmorttur. 17. yüzyılın ortalarına gelindiğinde, Hollanda resminde yerli tür baskın bir konuma sahipti.

Hollanda sanatının oluşumu, birbirleriyle rekabet eden, farklı zamanlarda ya ileri atılan ya da geri çekilen birkaç merkezde gerçekleşti. İlk başta otuzlu yıllardan itibaren Haarlem'di, Rembrandt oraya taşındıktan sonra Amsterdam lider konumunu kazanmaya başladı. daha sonra Leiden Üniversitesi'ni ve sakin aristokrat Delft'i takip etti. Lahey, stad sahibinin mahkemesinin bulunduğu yerde ayrı duruyordu.

Tam metni göster

Bu arada burası, o dönemde Hollanda halkının özgün yaşamını yansıtan, daha ayrıntılı çalışmaya değer, Avrupa kültürünün özel bir alanıdır.

Görünüm tarihi

On yedinci yüzyıldan itibaren ülkede sanatsal sanatların önde gelen temsilcileri ortaya çıkmaya başladı. Fransız kültür bilimciler onlara ortak bir isim verdiler - yetenek ölçeğiyle ilgisi olmayan ve tarihsel veya mitolojik konulardaki büyük tuvallere sahip "büyük" tarzın aksine, günlük yaşamdan belirli temalara bağlılığı ifade eden "küçük Hollandalı". Hollanda resminin ortaya çıkış tarihi on dokuzuncu yüzyılda ayrıntılı olarak anlatılmış ve bununla ilgili eserlerin yazarları da bu terimi kullanmıştır. "Küçük Hollandalı" laik gerçekçilikle ayırt edildi, çevredeki dünyaya ve insanlara yöneldi ve zengin tonlarda resim kullandı.

Gelişimin ana aşamaları

Hollanda resminin tarihi birkaç döneme ayrılabilir. İlki, ulusal sanatta gerçekçiliğin yerleştiği yaklaşık 1620'den 1630'a kadar sürdü. Hollanda resmi 1640-1660 yıllarında ikinci dönemini yaşadı. Bu, yerel sanat okulunun gerçekten geliştiği zamandı. Son olarak, üçüncü dönem, Hollanda resminin gerilemeye başladığı dönem; 1670'ten on sekizinci yüzyılın başına kadar.

Bu süre zarfında kültür merkezlerinin değiştiğini belirtmekte fayda var. İlk dönemde önde gelen sanatçılar Haarlem'de çalıştı ve ana temsilci Khalsa'ydı. Daha sonra merkez, en önemli eserlerin Rembrandt ve Vermeer tarafından gerçekleştirildiği Amsterdam'a taşındı.

Gündelik hayattan sahneler

Hollanda resminin en önemli türlerini sıralarken, tarihteki en canlı ve orijinal olan günlük yaşamla başlamak zorunludur. Sıradan insanların, köylülerin, kasaba halkının veya kasabalıların günlük yaşamından sahneleri dünyaya açıklayanlar Flamanlardı. Öncüler Ostade ve takipçileri Audenrogge, Bega ve Dusart'tı. Ostade'nin ilk resimlerinde insanlar bir meyhanede kart oynar, kavga eder ve hatta kavga eder. Her resim dinamik, biraz acımasız bir karakterle ayırt edilir. O zamanların Hollanda resmi de barışçıl sahnelerden bahsediyor: Bazı eserlerde köylüler bir pipo ve bir bardak bira eşliğinde konuşuyor, bir panayırda veya aileleriyle vakit geçiriyor. Rembrandt'ın etkisi yumuşak, altın renkli chiaroscuro'nun yaygın kullanımına yol açtı. Kent sahneleri Hals, Leicester, Molenaar ve Codde gibi sanatçılara ilham kaynağı oldu. On yedinci yüzyılın ortalarında ustalar, doktorları, çalışma sürecindeki bilim adamlarını, kendi atölyelerini, evdeki işleri tasvir ediyorlardı. Her olay örgüsü eğlenceli, bazen de tuhaf bir şekilde öğretici olmalıydı. Bazı ustalar günlük yaşamı şiirselleştirme eğilimindeydi; örneğin Terborch, müzik çalma veya flört etme sahnelerini tasvir ediyordu. Metsu, günlük yaşamı bir kutlamaya dönüştüren parlak renkler kullanırken, de Hooch, dağınık gün ışığıyla yıkanan aile yaşamının sadeliğinden ilham aldı. Van der Werff ve Van der Neer gibi Hollandalı resim ustalarının da aralarında bulunduğu türün daha sonraki temsilcileri, zarif tasvir arayışlarında genellikle biraz iddialı konular yarattılar.

Doğa ve manzaralar

Ek olarak, Hollanda resmi manzara türünde yaygın olarak temsil edilmektedir. İlk kez van Goyen, de Moleyn ve van Ruisdael gibi Haarlem ustalarının eserlerinde ortaya çıktı. Kırsal alanları belli bir gümüşi ışıkla tasvir etmeye başlayanlar onlardı. Eserlerinde doğanın maddi birliği ön plana çıkmıştır. Deniz manzaralarından ayrıca bahsetmeye değer. 17. yüzyıl Marinistleri arasında Porsellis, de Vlieger ve van de Capelle vardı. Belirli deniz manzaralarını aktarmaya pek çabalamadılar, suyun kendisini, üzerindeki ve gökyüzündeki ışık oyununu tasvir etmeye çalıştılar.

On yedinci yüzyılın ikinci yarısına gelindiğinde bu türde felsefi fikirlerin yer aldığı daha duygusal eserler ortaya çıktı. Jan van Ruisdael, Hollanda manzarasının güzelliğini maksimuma çıkararak onu tüm draması, dinamikleri ve anıtsallığıyla tasvir etti. Güneşli manzaraları tercih eden Hobbem geleneklerini sürdürdü. Koninck panoramalar çizdi ve van der Neer gece manzaraları yaratıp ay ışığını, gün doğumunu ve gün batımını işledi. Bazı sanatçılar, manzaralarda hayvanların tasvir edilmesiyle de karakterize edilir; örneğin otlayan inekler ve atların yanı sıra avlanma ve süvarilerin olduğu sahneler. Daha sonra sanatçılar yabancı doğayla ilgilenmeye başladı - Van Laar, Wenix, Berchem ve Hackert, İtalya'yı güney güneşinin ışınlarında yıkanırken tasvir ettiler. Türün kurucusu, en iyi takipçileri Berkheide kardeşler ve Jan van der Heijden olarak adlandırılabilecek Sanredam'dı.

İç mekanların görüntüsü

Hollanda resmini en parlak döneminde öne çıkaran ayrı bir türe kilise, saray ve ev odalarının yer aldığı sahneler denilebilir. İç mekanlar, hareketin ana temsilcisi haline gelen Delft - Haukgeest, van der Vliet ve de Witte ustalarının on yedinci yüzyılın ikinci yarısının resimlerinde ortaya çıktı. Sanatçılar, Vermeer'in tekniklerini kullanarak güneş ışığıyla yıkanmış, duygu ve hacim dolu sahneleri tasvir ettiler.

Pitoresk yemekler ve yemekler

Son olarak, Hollanda resminin bir başka karakteristik türü de natürmorttur, özellikle de kahvaltıların tasviri. Bu fikir ilk olarak lüks tabaklarla hazırlanmış masaları boyayan Haarlem sakinleri Claes ve Heda tarafından ele alındı. Rahat bir iç mekanın pitoresk kaosu ve özel aktarımı, gümüş ve kalay karakteristiği olan gümüş-gri ışıkla doludur. Utrecht'li sanatçılar yemyeşil çiçekli natürmortlar çizdiler ve Lahey'deki sanatçılar özellikle balıkları ve deniz sürüngenlerini tasvir etmede başarılıydı. Leiden'de, kafataslarının ve kum saatlerinin, zamanın geçiciliğini hatırlatmak için tasarlanmış, şehvetli zevk veya dünyevi zafer sembolleriyle bir arada var olduğu türün felsefi bir yönü ortaya çıktı. Demokratik mutfak natürmortları Rotterdam sanat okulunun ayırt edici özelliği haline geldi.