Искусство Киевской Руси

Большинство известных нам памятников древнерусской архитектуры и живописи представляют церковное искусство. Поскольку русская Церковь входила в лоно Византийской, русское церковное искусство, безусловно...

Культура Беларуси в XIX – начале XX в.

Архитектура. С присоединением белорусских земель к Российской империи усилилось воздействие на отечественную архитектуру и изобразительное искусство русских художественных стилей. В частности...

Культура России 19 века

В русском изобразительном искусстве первой половины XIX века по сравнению с XVIII в. развивается новый, более демократический взгляд на ценность человеческой личности, и в частности человека из народа...

Культура Японии

Основные параметры, описывающие любую культуру в истории человечества, ее характер - пространство и время, впервые зафиксированы в его изобразительном творчестве и ритуалах, которые являлись неотъемлемыми частями древнего мифа...

Культурное развитие Беларуси в советский период

Противоречивые экономические, социально-политические и культурные процессы, происходившие на территории Беларуси в послеоктябрьский период...

Литература и искусство Древнего Египта

Новый социалистический быт в СССР 20-40-х годов

В данный период происходят значительные изменения и в изобразительном искусстве. Несмотря на то, что в 20-е годы продолжают существовать Товарищество передвижных выставок и Союз русских художников...

Декоративно-прикладное искусство России ХХ в. "Мегапроект. Макет Сочи олимпийского" - планировочные проекты Сочи - столицы Олимпийских игр 2014 года. Кроме того, ежегодно экспонируется 15-20 временных выставок из разных городов и музеев страны...

Эволюция иконостасной живописи в XVIII в.

В начале 50-х годов XVIII в. в общественной жизни Украины происходят большие перемены, связанные с дальнейшим углублением феодальных отношений. В начале 80-х годов XVIII века окончательную ликвидацию остатки автономной Украины...

1. Введение. Искусство 18 века в России
2. Русская архитектура XVIII века
3. Изобразительное искусство России в 18 веке
4. Заключение
5. Список использованной литературы

В данной работе раскрыты крупнейшие произведения искусства XVIII в. в Росии и попытка проанализировать их.

В искусстве петровского времени утверждаются идеи национального могущества России. Русское государство стало одним из крупнейших государств мира.

Сохранившиеся здания XVIII в. и сегодня являются не только украшением русских городов, но и шедеврами мирового значения.

Изучение памятников искусства первой половины XVIII столетия началось в конце XIX - начале XX в. Проводившиеся тогда выставки портретов способствовали выявлению произведений искусства этого времени. В годы советской власти, особенно в послевоенный период в связи и грандиозными реставрационными работами развернулась активная научно-исследовательская деятельность. Был собран и обобщен значительный материал, посвященный творчеству отдельных мастеров и в целом развитию русского искусства первой половины XVIII столетия. В 1970-е годы предметом пристального и углубленного внимания специалистов становится изобразительного искусство петровского времени. Открываются выставки, публикуются монографии, посвященные этому яркому периоду в истории русской культуры.

В настоящее время круг произведений изобразительного искусства XVIII в. столетия, привлекаемых для анализа специалистами, значительно расширился благодаря новым открытиям советских реставраторов.

РУССКАЯ АРХИТЕКТУРА XVIII ВЕКА

Развитие русской архитектуры на рубеже XVII-XVIII вв. характеризуется значительным усилием светских элементов. Однако устойчивые традиции русского зодчества, сложившееся в процессе его многовекового развития, не исчезли, они не могли быть полностью оборваны. Русская архитектура XVIII в. смогла сохранить национальный колорит и в этом заслуга древнерусской архитектуры.

Обращение к нормам культуры нового времени, принятым в передовых странах Европы, начиная с эпохи Возрождения, принесло с собой иной идеал города - регулярно и рационально спланированный единый архитектурный ансамбль. В отличие от средневековья это уже не конечный результат исторического, во многом стихийного развития, а своего рода гигантское произведение, создаваемое на основе проекта.

Русская архитектура осваивает незнакомые прежде разновидности зданий административного, промышленного, учебного, научного назначения. Видоизменяются уже существующие типы сооружений: наряду с крестокупольным храмом появляется базиликальный, вместо хором с плодовым садом - дворцово-парковый ансамбль.

Объемные экспозиции, фасады, интерьеры почти обязательно строятся по принципу симметрии - двусторонней симметрии относительно одной оси.

Этот период иногда называют условно «петровским барокко», однако русские зодчие этого времени обращались и к наследию Ренессанса, и к барокко, и к классицизму, уже появившемуся во Франции.

Видное место в застройке Москвы начала XVIII в. занимают производственные сооружения, которым нередко в это время придавался парадный внешний облик. Это здания Суконного двора у Каменного моста, Хамовный двор, Арсенал в Кремле, а также трехэтажное здание Главной аптеки, где вначале помещался первый русский университет и парусная фабрика в селе Преображенском.

Среди мастеров, работавших в Москве, наиболее крупным был И.П.Зарудный. Он был крупным зодчим и выдающимся скульптором-декоратором. Из культовых сооружений выделяется «Меншикова башня». Здесь своеобразно объединяются мотивы церковного сооружения и чисто светские элементы. Здесь применена традиционная схема церковного зодчества предшествующего времени - восьмерик на четверике. Однако она сочетается здесь с ордерными элементами и увенчивавшим некогда здание высоким шпилем.

Большую роль в архитектуре сыграли указ Петра I о запрете монументального строительства во всех других городах России, кроме новой столицы, утверждение новой системы образования, появление иностранной передовой литературы.

Большие возможности для дальнейшего интенсивного развития русского зодчества раскрылись в строительстве нового города на берегах Невы - Петербурга, заложенного первоначально как порт и крепость, но вскоре превращенного в столицу. Хотя строительство Петербурга шло в трудных напряженных условиях Северной войны, тем не менее в нем с самого начала ярко раскрылись новые черты, показательные для архитектуры того времени. Возникла необходимость в создании генерального плана города. Первые опыты (Ж.-Б.Леблона - 1716 и Д.Трезини - 1717-1725) были в целом неудачны, так как решали задачу слишком схематично и отвлеченно, без учета конкретных особенностей местности. Но они подготовили почву для дальнейшего развития.

Для успешного решения новых задач были приглашены иностранные архитекторы, помогавшие быстрее освоить опыт западноевропейского строительства; одновременно русских мастеров посылали для обучения за границу. Из числа приглашенных, а частью и приехавших по собственной инициативе иностранных зодчих значительное воздействие на развитие русской архитектуры начала XVIII в. оказали только те, которые в России прожили долго, познакомились с местными условиями, широко и серьезно подошли к решению поставленных перед ними задач.

Наиболее крупным был Доменико Трезини (ок. 1670-1734), соорудивший Петропавловский собор и Петровские ворота в Петропавловской крепости, спроектировавший громадное здание Двенадцати коллегий, главного административного учреждения страны и Гостиный двор. Здания построенные Д.Трезини, способствовали формированию характерных приемов нового стиля русского барокко. Они отличались реальностью планов и конструкций, а также умеренным пластическим убранством фасадов. Трезини выступил автором «типовых проектов» жилых зданий трех категорий: для «именитых» граждан - каменных, для «зажиточных» и «подлых» (простых) людей - мазанковых. К 1718г. было построено свыше четырех тысяч жилищ.

Одновременно с Петербургом строились загородные дворцы со знаменитыми парковыми ансамблями. Петергоф был задуман как загородная резиденция Петра I, которую он хотел уподобить Версалю, особенно его центр с каскадами фонтанов и скульптурной фигурой Самсона.

Особое место в архитектуре этого периода занимало деревянное зодчество. Оно теснее всего было связано с народным творчеством и сохранило относительную самостоятельность, развивая в эпоху нового времени идеи, принципы и приемы, сложившиеся в художественной культуре русского средневековья. Деревянные жилые дома и церкви достигли поразительного совершенства и своеобразия в таких творениях, как, например, знаменитая двадцатидвухглавая церковь в Кижах, которая была освящена в 1714г.

В середине XVIII в. петровские начинания в области внутренней и внешней политики, хозяйства и культуры дали определенные результаты.

Главная тема искусства тех лет - прославление монархического государства, в честь которого слагались торжественные оды и создавались архитектурные ансамбли. Именно архитектура становится самым ярким выразителем идей своего времени.

Общественные здания в эти годы почти не строятся. Продолжается сооружение новых городов-крепостей: Ростов-на-Дону, Оренбург, Изюм. Складывается ряд архитектурных школ. Но самые яркие достижения архитектуры связаны со столицами, с деятельностью петербургских и московских мастеров.

Расцвет русского зодчества в середине XVIII в. связан с единой стилевой основой - барокко. Специфика русского барокко 40-50-х годов XVIII в. связана с использованием опыта других европейских стилей - французского классицизма XVIII в., рококо и отечественной традиции.

Решающей для расцвета стиля барокко была деятельность отца и сына Растрелли. Бартоломео Карло Растрелли (1675-1744), итальянский скульптор, с 1716г. работал в Петербурге. Он принимал участие в декоративном оформлении Петергофа, выполнил скульптурные портреты Петра I и императрицы Анны Иоанновны с арапчиком.

Его сына - Барталомео Растрелли (1700-1771) - крупнейший архитектор, сын известного скульптора. В своих ранних постройках Растрелли использует те приемы, которые были характерны для строительства начала столетия. В дальнейшем, с середины 1740-х годов, его творчество становится очень своеобразным: расширяются размеры зданий, появляются внутренние парадные дворы, усиливается рельеф фасадов. Вводится интенсивная расцветка зданий, построенная на ярких тонах и позолоте. Стиль его зодчества - русское барокко, вобравшее в себя и западные, и русские традиции. Самыми крупными и характерными постройками Растрелли были Смольный монастырь и Зимний дворец в Петербурге, Большой дворец в Петергофе, Екатерининский дворец в Царском Селе и др. Растрелли любил размах, пышность, яркие краски, использовал богатое скульптурное убранство, затейливый орнамент.

Крупным мастером русской архитектуры был С.Чевакинский. Его крупнейшая постройка - Никольский военно-морской (1753-1762), как он первоначально официально назывался, собор. Сам храм - пятиглавый, двухъярусный. На некотором расстоянии от него расположена высокая, стройная, очень красивая по силуэту колокольня со своеобразным завершением - небольшим переходящим в шпиль куполом. Никольский собор свидетельствует о связи с древнерусскими архитектурными традициями, это ощущается в плане собора, в характерном пятиглавии, в наличии двух церквей: одной - отапливаемой - в первом этаже и другой - холодной - во втором (летний храм).

Крупнейшим зодчим Москвы середины XVIII в. был Дмитрий Васильевич Ухтомский. Из его сохранившихся в натуре построек наибольшее значение имеет высокая колокольня Троице-Сергиевой лавры (1741-1769), видимая на далеком расстоянии. Над массивным кубическим первым этажом, скрывающимся с дальних точек зрения за высокими старыми стенами монастыря, возвышаются четыре верхних яруса - звона, празднично и разнообразно декорированных. Ему обязана своим расцветом школа-мастерская, так называемая архитекторская команда, где воспитанники совмещали теоретические занятия с непосредственной практической работой.

В середине XVIII в. основное внимание в строительстве обращалось на дворцовое и церковное зодчество. Большие размеры сооружений требовали применения новых конструкций. Широкое привлечение народных мастеров, стремление в декоративных формах обращаться к традициям русского зодчество XVII в. привели к созданию многочисленных, высокохудожественных, праздничных и красочных произведений, характерных для расцвета барокко в России.

Во второй половине XVIII в. архитекторы разрабатывали вопросы, связанные с планировкой городов, создавали новые типы общественных зданий.

Значительные строительные работы осуществлялись в других городах. Так, в Твери (ныне г.Калинин) после пожара 1763 года реконструирован на новых началах весь центр города. Немалое строительство развернулось в Ярославле.

Вместе с тем построены были и отдельные крупные сооружения нового назначения. На берегу Невы А.Ф.Кокориновым (1726-1772) было возведено громадное здание Академии художеств (1764-1788).Около Смольного монастыря, превращенного в эти годы в закрытое привилегированное учебное заведение, Ю.М.Фельтен построил новый большой корпус уже специально для учебных целей. В Москве сооружено обширное здание Воспитательного дома. В общих схемах их решений еще много от прежних дворцовых сооружений, но вместе с тем зодчие смело разрабатывали и новые приемы, создавали удобные, рациональные планы. Внешний облик этих зданий также решен по-иному - в строгих и простых формах.

Простота и сдержанность характерны и для других сооружений этого времени. Показателен построенный архитектором А.Ринальди (ок. 1710-1785) в центральной части Петербурга Мраморный дворец (1768-1785), фасады его отличаются четкостью композиции, гармоничностью пропорций.

То, что намечалось в этих работах 1760-х годов, получило в дальнейшем особо яркое и последовательное раскрытие в творчестве ведущих зодчих этого времени - Баженова, Казакова, Старова.

Талантливым русским архитектором был Василий Петрович Баженов (1737-1799). В 1767-1792 гг. работал в Москве, с которой связаны его крупнейшие постройки и проекты. Особенно видное место среди них принадлежит проекту Кремлевского дворца и строительству в Царицыне под Москвой.

В строительстве ансамбля в Царицыно он смело и по-новому подошел к поставленной перед ним задаче. В отличие от дворцовых сооружений середины века он создал здесь живописный пейзажный парк с размещенными в нем небольшими павильонами. Из построек Баженова особое значение имеет Дом Пашкова - самое красивое здание XVIII в. в Москве. Зодчий хорошо использовал рельеф участка и учел местонахождение в непосредственной близости от Кремля. Его творения отличаются смелостью композиций, разнообразием замыслов, сочетанием западного и русского стилей.

Прославлено также имя Матвея Федоровича Казакова (1738-1812), который разработал в Москве типы городских домов и общественные здания. Одной их первых выдающихся построек было здание Сенат в Московском Кремле. Казаков превосходно учел и использовал особенности отведенного для строительства треугольного по форме участка и создал постройку, в которой монументальность общего облика и парадность композиции органически сочетаются с необычным для того времени удобством и целесообразностью плана. В дальнейшем Казаковым было построено много различных зданий в Москве, среди которых, Московский университет, Голицынская больница, Петровский дворец, возведенный в псевдоготическом стиле, Дворянское собрание в великолепным Колонным залом. Казаков руководил составлением генерального плана Москвы, организовал Архитектурную школу.

Иван Егорович Старов (1745-1808) - один из крупнейших зодчих. Он много проектировал для разных городов, но его важнейшие постройки находятся в Петербурге. Среди них крупнейшая - Таврический дворец (1783-1789). Дворец предназначался для больших празднеств и приемов, связанных с торжествами по случаю присоединения к России Крыма. Этим обусловлено и наличие во дворце парадных залов. По широте и размаху, торжественности и одновременно строгости Таврический дворец был одним из наиболее значительных сооружений того времени.

В это время особенно проявился классицизм в усадебном строительстве, которое представляло собой уютные и изящные дома с колоннами, хорошо вписавшиеся в русский пейзаж.

Главная ценность классицизма - ансамбль, организация пространства: строгая симметрия, прямые линии, прямые ряды колонн. Яркий пример - Дворцовая площадь архитектора Карла Ивановича Росси (1775-1849) в Петербурге. Площадь представляет собой плавную дугу с замыкающей ее двойной аркой Главного штаба, с высокой Александровской колонной посередине площади и барочным фасадом Зимнего дворца. В 1829-1834 гг. России завершил формирование Сенатской площади. Отличающийся грандиозным размахом, ясностью объемно-пространственной композиции, разнообразием и органичностью решений ансамбль Росси - вершина градостроительного искусства эпохи классицизма.

Основная черта развития архитектуры XVIII в. - совершенствование и усложнение композиционно-образных средств. Параллельно с «барочной» линией развития архитектуры существовало направление, ориентированное на более строгую, классическую образность и подготовившее расцвет классицизма.

Специфика архитектуры классицизма выявляется в сопоставлении ее образного строя с архитектурой барокко: сложности и роскоши композиций Растрелли, Чевакинского, Аргунова противостоит ясность и простота нового стиля. Классицизм в России унаследовал достаточно много черт архитектуры предшествующего периода. Смена вкусов предпочтений, произошедшая в России в начале 1760-х годов, закономерна. В ней нашли отражение социально-культурные изменения, происходившие тогда в России. Завершая историю архитектуры периода, начатого петровскими преобразованиями, эпоха классицизма подготовила почву для нового перелома.

Важное место в процессе развития архитектуры второй половины XVIII в. занимает начавшаяся урбанизация империи. Также способствовал указ 1763г. «О сделании всем городам, их улицам и строениям специальных планов, по каждой губернии особо». Началось преобразование городов, отвечавшее представлению о городе как о самостоятельном, гармонически урегулированном комплексе.

Общественные здания и крупные инженерные сооружения эпохи классицизма строятся в рамках государственного заказа. Государство ведало и градостроительными преобразованиями: крупные проекты санкционировал Сенат, церковным строительством ведал Синод, окончательное решение принадлежало императору.

Огромное строительство осуществлялось по личным заказам царской семьи - дворцы, усадьбы, музеи.

Существует общая условная схема эволюции классицизма. На ранних этапах своего развития классическая архитектура еще не была свободна от воздействия барокко, хорошо опознаваемого в начертаниях отдельных элементов и форм в произведениях таких мастеров, как А.Ринальди или В.Баженов. Освобождаясь от влияния барокко, язык архитектуры становится строгим, лаконичным, тяготея к ордерным правилам; им пользуются такие мастера, как И.Старов, Н.Львов, Д.Кваренги, М.Казаков. Оба этапа развития стиля приходятся на годы царствования Екатерины II.

ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОЕ ИСКУССТВО РОССИИ

XVIII век - важная веха в развитии русской культуры. Реформы Петра I затронули все слои общества и все стороны жизни российского государства. Городские и загородные царские резиденции, дворцы знати стали украшаться круглой станковой скульптурой, декоративной пластикой и портретными бюстами. Не дожидаясь, пока сформирует кадры отечественная школа, Петр повелел покупать за границей античные статуи и произведения современной скульптуры. Русские юноши отправлялись в Европу учиться искусству скульптуры.

В начале XVIII в. особенное распространение получила монументально-декоративная пластика. В это время часто встречается горельеф, причем такой, в котором допускала сильный отрыв пластических объемов от фона. В тех же случаях, когда мастера создавали барельеф, они охотно пользовались типом так называемого живописного рельефа, в котором, как в картинах, чередуются планы, передается перспективное сокращение предметов, используются элементы пейзажа. Наиболее плоскостно решаются чисто орнаментальные композиции.

Все это можно видеть на примере скульптурных украшений Дубровицкой церкви (1690-1704) и Меншиковой башни (1701-1707) в Москве, изящной резной декорации кабинета Петра в Большом дворцов Петергофе, исполненной в 1718-1721 гг. Никола Пино, барельефов на стенах Летнего дворца в Петербурге (1710-1714), аллегорически отображающих события Северной войны. Их автор выдающийся немецкий скульптор и зодчий Андреас Шлютер умер всего через полгода после своего приезда в Петербург и, естественно, не успел за этот срок создать ничего большего.

Своеобразным разделом скульптуры, в частности декоративной пластики, является резьба деревянных иконостасов, надпрестольных сеней и т.п. Особенно примечательны произведения Ивана Петровича Зарудного, занимавшегося, кроме того, живописью и архитектурой.

С достижениями в области декоративной пластики намечаются серьезные успехи в развитии скульптурной миниатюры. В 40-х годах благодаря стараниям видного русского ученого Д.И.Виноградова - друга М.В.Ломоносова - в Петербурге основывается фарфоровый завод, третий в Европе по времени возникновения. В 1766г. открывается частный завод Гарднера в Вербилках под Москвой. Эти заводы наряду с посудой, табакерками и другими бытовыми предметами выпускали также привлекающие изяществом произведения мелкой пластики.

Исключительный вклад внес в русскую культуру середины века Михаил Васильевич Ломоносов, возродивший искусство мозаики, известное еще мастерами Киевской Руси. Секреты изготовления смальт - цветных стекловидных масс разнообразных оттенков - сохранялись в Западной Европе в строгой тайне. Чтобы получить смальты, Ломоносов должен был разработать технологию и технику их производства. Богатейшая «палитра» окрасок стекла, не уступающих по силе и красоте цвета знаменитым в XVIII в. итальянским смальтам, была получена ученым на фабрике в Усть-Рудице под Петербургом после проведения более чем четырех тысяч опытных плавок. В 1758г. М.В.Ломоносов представил на конкурс устроенный Сенатом по его инициативе, проект памятника Петру I в Петропавловском соборе, где похоронен император.

Широкие возможности применения своих сил и способностей привлекали в Россию большое количество иностранцев-художников, скульпторов, архитекторов и т.д. Немало прекрасных зарубежных мастеров вошли в историю русского искусства, участвуя в художественной жизни России и занимаясь здесь педагогической деятельностью.

Вторая половина XVIII в. - период высоко подъема скульптуры. Развиваются все ее основные виды: рельеф, статуя, портретный бюст, наряду с монументально-декоративными становятся излюбленными и станковые произведения.

В это время непревзойденными мастерами психологического портрета считались француз Гудон и Федот Иванович Шубин, скульптор-портретист. Он известен и как создатель многих бронзовых изваяний. Но полностью Шубин выразил себя именно в произведениях из мрамора. В обработке мрамора он проявил высокое мастерство, находя разнообразные и убедительные приемы для передачи тяжелых и легких тканей костюма, ажурной пены кружев, мягких прядей прически и париков, но главное - выражение лица портретируемого, в зависимости от возраста, пола и прочих особенностей.

Шубин был мастером именно бюста. Никогда не повторяясь в решениях, он каждый раз находил и своеобразную композицию, и особый ритмический рисунок, идущий не от внешнего приема, а от внутреннего содержания изображаемого человека. Шубин своими работами утверждал ценность человеческой личности, умело показывая противоречивость характера и воспроизводя внешность портретируемого с детальной точностью. Примером может служить мраморный бюст генерал-фельдмаршала З.Г.Чернышева (1774), стоявшего во главе русских войск, занявших в 1760г. Берлин. Это уже портрет не вельможи, а военачальника.

В 1774-1775 гг. Шубиным был выполнен большой и оригинальный цикл исторических портретов. Это - пятьдесят восемь овальных мраморных рельефов, украшавших Чесменский дворец в Петербурге, а позднее переданных в Оружейную палату Московского Кремля. Рельефы представляют собой поясные изображения великих князей, царей и императоров, начиная от легендарного Рюрика и кончая Елизаветой Петровной.

Портретирование с натуры оставалось для Шубина основной линией творчества. С годами ощущение окружающего обостряется. Пристально вглядываясь в свои модели, художник стремиться изобразить человека с неповторимыми особенностями его облика. Шубин находит содержательное и глубокое во внешне неброских и далеко не идеальных чертах, обаяние неповторимости и почти гротескно выпученных глазах и вздернутых носах, топорных лицах, тяжелых мясистых подбородках. Все это лишний раз подчеркивает индивидуальность портретируемых. Эта особенность творчества скульптора появилась в бюстах неизвестного и М.Р.Паниной. Достоверность и убедительность образа проявилась в гипсовом бюсте П.В.Завадского, в мраморных бюстах министра иностранных дел Екатерины II А.А.Безбородко, адмирала В.Я.Чичагова, петербургского градоначальника Е.М.Чулкова. Показателен в этом отношении гипсовый бюст И.И.Бецкого - дряхлого, беззубого, худого старца в мундире со звездами. Еще одно позднее произведение Шубина - бюст Павла I, особенно удавшийся в бронзовых вариантах. Гротескность нездоровых черт лица императора как бы компенсирована художественным совершенством великолепно скомпонованных и филигранно отделанных аксессуаров - орденов, религий и складок плаща.

Выдающееся дарование Шубина неотделимо от эпохи, в которой оно оформилось и расцвело. В его работах реализм сочетается с ранним этапом классицизма. Особенно ярко это выражено в портретах Екатерины II.

Для Большого каскада в Петергофе Шубин создал выдержанную в классических формах бронзовую статую Пандоры, удачно вписав ее в общий садово-парковый ансамбль.

Вместе с русскими мастерами славе российского влияния немало способствовал скульптор Этьен-Морис Фальконе. В 1766г. Фальконе вместе со своей юной ученицей Мари-Анн Коло приезжает в Россию по приглашению Екатерины II. Цель приезда - создание памятника Петру I. В течение двенадцати лет работает скульптор в Петербурге. Первоначальный эскиз монумента был сделан во Франции в 1765г. Поселившись в Петербурге Фальконе горячо принялся за дело и к 1770г. закончил модель в натуральную величину. К месту установки памятника была доставлена каменная скала, весившая после ее частичной обрубки около 80 000 пудов. В 1775-1777гг. происходила отливка статуи из бронзы, открытие же памятника состоялось в 1782г.

При совершенной естественности движения коня, позы, жеста и одежды всадника - они символичны. Таковы конь, усилием мощной руки вздыбленный у края обрыва, скала волной вздымавшаяся вверх и вознесшая на гребне всадника, отвлеченный характер одеяния Петра, звериная шкура, на которой он восседает. Единственный аллегорический элемент - змея, попираемая копытами, - олицетворяет преодоленное зло. Эта деталь важна и в конструктивном отношении, ибо служит третьей точкой опоры. Композиция открывает возможности восприятия с самых разных точек. Благодаря этому логика движения коня и всадника - напряженность пути и победный финал - становится очевидной. Гармонию образного строя не нарушает сложное противопоставление безудержного взлета и мгновенной остановки, свободы движения и волевого начала. «Медный всадник» стал символом города на Неве.

Начиная с 70-х годов рядом с Шубиным и Фальконе встают такие мастера, как Ф.Г.Гордеев, М.И.Козловский, Ф.Ф.Щедрин, И.П.Мартос, И.П.Прокофьев, творчество которых выходит далеко за рамки эпохи. Главная роль в их воспитании принадлежит Академии художеств.

К старшему поколению скульпторов XVIII в. относится Федор Гордеевич Гордеев. Наиболее ярко Гордеев проявил себя в мемориальной пластике. К ее ранним образцам принадлежит барельефное надгробие Н.М.Голициной (1780). Черты классицизма наиболее ярко в серии барельефов для фасадов и внутренних помещений Останкинского дворца: «Жертвоприношение Зевсу», «Жертвоприношение Деметре», «Свадебный поезд Амура и Психеи» и др. В этих фризах Гордеев придерживается того понимания рельефа, которое существовало в пластике классической Греции. Отказываясь от эффектов живописно-пространственного характера, он с большим мастерством моделирует форму невысокого рельефа, развертывая его в изящном ритме на плоскости нейтрального фона.

К поздним работам скульптора относятся рельефы для Казанского собора. Это сооружение ознаменовало наступление нового этапа в развитии русского искусства, иное понимание взаимосвязи между архитектурой и монументально-декоративной пластикой.

Михаил Иванович Козловский прославился, главным образом, в 90-е г. XVIII в., когда расцвел его талант классициста. Его творчество проникнуто идеями просвещения, возвышенным гуманизмом, яркой эмоциональностью.

Скульптор работает над монументальными барельефами для Мраморного дворца. Мраморные скульптуры «Бдения Александра Македонского» и «Яков Долгорукий» - замечательные примеры этого искусства.

Самым же высшим художественным завоеванием Козловского является его монумент А.В.Суворову в Петербурге (1799-1801). В памятнике нет портретного сходства с оригиналом, но в образе, созданным Козловским, есть черты сходства с великим полководцем. Всепобеждающая энергия, решительность и мужество воина, мудрость полководца и внутренне благородство как бы озаряют изнутри всю фигуру.

В самом конце XVIII в. начались работы по реконструкции ансамбля петергофских фонтанов и замене обветшавших свинцовых статуй новыми. Козловскому дают наиболее ответственное и почетное задание: изваять центральную скульптурную композицию. Большого каскада, фигуру Самсона. Переданная в сильном движении, напоминающая статуи Геракла и титанические образы Микеланджело, мощная фигура Самсона олицетворяла грозную силу русского оружия.

Сверстником Козловского был Феодосий (Федос) Федорович Щедрин. Классицизм как полнокровное искусство сильных чувств и пламенных порывов, гармонических пропорций и высокого полета мысли нашли в его творчестве свое блестящее выражение.

С именем Щедрина связаны выдающиеся архитектурно-художественные ансамбли Петербурга - Адмиралтейство и Большой каскад в Петергофе. Для каскада он изваял аллегорическую фигуру «Нева», данную в легком, естественном движении. В скульптурных произведениях, выполненных Щедриным для Адмиралтейства, основной темой было утверждение военно-морской мощи России. Наиболее выдающимися из этого скульптурного убора были «Морские нифы» - две группы, обрамляющие главные ворота Адмиралтейства; каждая из трех женских фигур поддерживают небесную сферу.

Совместно с Гордеевым, Мартосом, Прокофьевым и живописцами Боровиковским, Егоровым и Шебуевым Щедрин работал над декорированием Казанского собора.

К тому же поколению, что и Козловский с Щедриным, принадлежал Иван Петрович Мартос. По силе дарования, по разносторонности творческого диапозона и профессиональному мастерству И.П.Мартос - один из крупнейших русских скульпторов. Наиболее значительные свои произведения он создал в XIX в. характерными чертами его творчества были гражданский пафос, стремление к строгости и чеканной ясности пластической формы, свойственные классицизму.

Надгробия, выполненные Мартосом в 80-90-х годах XVIII в., овеяны нежной лирикой и выражением скорби. Наиболее совершенными произведениями являются надгробные памятники М.П.Собакиной, П.А.Брюсу, Н.И.Панину, в которых есть страстность, и элегичность, и величавое спокойствие. Лиризм в сочетании с сильными драматическими переживаниями отмечен памятник Е.С.Куракиной.

Лучшие надгробия Мартоса занимают видное место в развитии русской мемориальной пластики конца XVIII в., отличаясь широким диапазоном образов и редкостным художественным совершенством.

Портретные работы в творчестве Мартоса занимали относительно второстепенное место. Тем не менее и в этом жанре ваятель создавал замечательные произведения. Об этом свидетельствуют, в частности, мраморные бюсты Н.И.Панина (1782) и А.В.Паниной (1782) и др. В отличие от Шубина, работавшего в жанре остропсихологического портретного бюста, Мартос предпочитал форму классически строгого обобщенно-монументального скульптурного портрета.

В конце XVIII в. Мартос выполнил ряд скульптурно-декоративных работ в интерьерах екатериниского Царскосельского дворца, а в само начале XIX в. - статую Актеона для ансамбля Большого каскада Петергофа.

Наиболее позднее монументальное произведение Мартоса - памятник М.В.Ломоносову для Архангельска.

Младшим из плеяды выдающихся русских скульпторов XVIII в. был Иван Прокофьевич Прокофьев. Ему принадлежит статуя «Актеон» (1784), в которой с большим мастерством передано сильное и легкое движение юной обнаженной фигуры. У Прокофьева постоянно сохранялись в трактовке человеческого тела чувственная мягкость. Произведениям Прокофьева свойственная идиллическая тональность.

С наибольшей очевидностью это проявилось в обширной серии гипсовых рельефов, украшающих парадную лестницу Академии художеств (1785-1786), дом И.И.Бецкого (1784-1787), дворец в Павловске (1785-1787), а также чугунную лестницу Академии художеств (1819-1820). В основном они представляют довольно сложные аллегории различных видов художественного творчества. Тут «Кифаред и три знатнейших художества», аллегории, посвященные скульптуре, живописи и пр. Прокофьеву хорошо удавались изображения детей; он давал их очень живо и с большим изяществом. Порой эти фигурки олицетворяют такие трудные для пластического претворения понятия, как «Математика» или «Физика».

Прокофьев был и значительным портретистом. Сохранилось два прекрасных терракотовых бюста А.Ф. и А.Е. Лабзиных. По простоте и интимности трактовки образов эти произведения родственны живописным портретам русских мастеров конца XVIII в. - начала XIX вв.

В русской провинции скульптура по своему составу и особенностям отличалась от пластики Петербурга и Москвы. В поместьях аристократии лишь изредка встречались произведения знаменитых столичных мастеров. Основная масса работ принадлежала местным скульпторам, преимущественно резчикам по дереву, и, как правило, имела явно декоративный характер (архитектурные детали, резьба иконостасов). Обильно применялись мотивы растительного орнамента, позолота и яркая расцветка резных из дерева форм. Во многих музеях хранится круглая скульптура религиозного характера: многочисленные варианты статуй на темы «Христос в темнице», «Распятие» и т.п. Некоторые из них, относящиеся к XVIII в., имеют примитивный характер, стилистически восходят к древнейшим пластам русской художественной культуры. Другие произведения, тоже XVIII в., говорят уже о знакомстве с произведениями профессиональных скульпторов первой половины XVIII в. или даже раннего классицизма.

Большой интерес и эстетическую ценность представляют памятники изобразительного фольклора. Это пластически решенные предметы домашнего обихода русского крестьянства (резные деревянные изделия, керамика, игрушка и т.д.)

XVIII в. - это время расцвета портретной живописи. Художественная линия русского портрета сохранила свою самобытность, но одновременно воспринимала лучшие западные традиции.

Вместо условных приемов иконописания в практику вошли законы правдивого изображения видимого мира. Искусство начала XVIII в. стремилось говорить на общеевропейском изобразительном языке.

Примером связи искусства с жизнью России тех лет служат гравюры, самый распространенный быстрее всего откликавшийся на происходившие события вид искусства. Они представлены оформлением и иллюстрацией книг и самостоятельными, почти станковыми листами. В гравюрах преобладали батальные сюжеты и городской пейзаж, порожденные военными событиями и строительством Петербурга. Гравюра последней трети XVIII в. отличается разнообразием техник. Особенно большое применение в это время находит офорт. К этой технике прибегали и собственно граверы и часто архитекторы.

В живописи того времени в первую очередь развиваются те разделы, в которых была острая потребность. По терминологии начала века - это «персоны» и «гистории». К первым перечислились портреты, под вторыми подразумевали довольно различные произведения: баталии, мифологически-аллегорические композиции, декоративное панно, религиозные изображения. В первой четверти XVIII в. лишь начинает складываться понятие жанрового многообразия. Историческая живопись тоже делала свои первые шаги, но она бала еще тесно связана с традициями древнерусских баталий. Петр размещался в центре, вокруг него стояли полководцы, жест царя был обращен в сторону движущихся войск, как бы организую их. Подобно тому как в петровское время не было еще исторической науки, а исторические знания служили современности, так еще совсем молодая историческая живопись прославляла величие свершавшегося. Как отдельный жанр историческая живопись утвердилась в России около 1750-х годов и была связана с творческой практикой Академии художеств.

С началом XVIII в. главное место в живописи начинает занимать картина маслом на светский сюжет. Среди станковых картин, многочисленных монументальных панно и плафонов, миниатюр и так далее предпочтение отдается портрету во всех разновидностях: камерному, парадному; в рост, погрудному, двойному. В портрете XVIII столетия проявился исключительный интерес к человеку, столь характерный именно для русского искусства.

Наиболее известные художники петровского времени - Иван Никитин (1690-1742) и Андрей Матвеев (1701-1739) - основоположники русской светской живописи.

Ранние портреты кисти Никитина, изображающие царевну Наталью Алексеевну, сестру Петра I, и его племянницу Прасковью Ивановну, подтверждают, что он славился своим искусством, ему делали почетные заказы.

К творчеству Ивана Никитина зрелой поры принадлежит два шедевра, не имеющих равных в русской живописи этого времени. Первый из них - портрет Петра I в круге, который отличается удивительной выразительностью и простотой. В русской живописи, да и в мировой, возможно, не найти столь глубокого проникновения в личность самодержавного властелина. Решительный взгляд, крепко сжатые губы, энергичный поворот головы раскрывает могучую волю, пытливый ум, страстность, неистовость натуры Петра.

В одном ряду с изображением императора стоит другой портрет художника - «Наполеон гетман». Портрет отличается редкой для своего времени психологической глубиной. В суровых мужественных чертах гетмана словно живет отзвук самой эпохи бурных петровских преобразований и битв.

В творчестве Никитина отразились и веяния, с которыми мастер познакомился за рубежом. Его портрет барона С.Г.Строганова манерностью и утонченностью типичен для западноевропейского придворного искусства, постепенно распространившегося и в России. Одновременно в отечественной живописи существовало традиционное направление, которое сохранило архаизирующее влияние парсуны. Примером является портрет М.Я.Строгоновой, написанной братом Ивана Никитина - Романом, также одним из петровских пенсионеров.

Но подобные черты не были определяющими в творчестве Никитина; он тяготел к правдивости изображения. В последнем натурном портрете императора - «Петр I на смертном ложе» автор мастерски передал не только образ усопшего царя, но и отражение пламени множества свечей на его лице и одежде. Художник словно почувствовал, что со смертью Петра окончилась героическая эпоха в истории России.

Яркой фигурой в русской живописи был Андрей Матвеев. Живописец учился в Голландии. Наиболее известная из крайне малого числа сохранившихся работ мастера - «Автопортрет с женой Ириной Степановной». По сути, это первый в русской живописи автопортрет художника.

В первой половине XVIII в. в России работало много иностранных художников. Некоторые из них играли немалую роль в художественной жизни России.

Среди живописцев, вызванных Петром I из-за границы, наиболее видное место занимали Иоганн-Готфрид Таннауэр и Луи Каравакк.

Разнообразна и богата в начале XVIII в. портретная миниатюра, в которой находят развитие традиции миниатюр рукописей и книг Древней Руси и росписи на финифти. Наиболее крупными ее мастерами были Андрей Овсов и Григорий Мусикийский.

Среди русских художников XVIII в., особенно второй половины, было немало выходцев из народа. Великий портретист Федор Рокотов во многом остается загадочной личностью. Очень скудны сведения о жизни мастера и о тех, кого он писал. Это единственный случай в русском искусстве, когда более трети всех произведений художника - «портреты неизвестных». Сравнительно недавно выяснилось, что Рокотов был вольноотпущенным из крепостных князя Репнина.

Рокотов предпочитал простые композиции. Например, многие его портреты содержат изображения полуфигур. Основное внимание автор сосредотачивал на человеческом лице как центре всех переживаний, именно поэтому закономерен последующий переход Рокотова в 1770-х годах от холстов прямоугольной формы к овальной. Но подлинной творческой стихией для художника по-прежнему оставался интимный лирический портрет. Именно с ним связаны наиболее крупные успехи автора. В 1785г. Рокотов написал портрет графини Е.В.Санти, который по праву можно считать вершиной живописи 80-х годов. Другой шедевр - портрет В.Н. Суровцевой. Исключительное значение в решении образов имеет колорит.

К концу XVIII в. искусство Рокотова, угасая, меняется, и более поздние произведения отличаются сдержанностью образов, близостью к классицистическим традициям и детализацией.

Большую роль в русском искусстве играла Академия художеств, она была открыта в Петербурге в 1757г. С ее деятельностью связано творчество большинства художников.

Антон Лосенко - один из первых питомцев Академии. Известным его полотном является «Владимир и Рогнеда». Стремление передать национальный колорит события сочетается в картине Лосенко со следованием традиции классицизма: русские лица воинов, девушка-служанка в русском платье, а рядом мозаичный пол, античная ваза в углу, пилястры на стенах. Костюмы главных героев напоминают театральные. Перечисленные признаки отражают, с одной стороны, влияние классицизма, а с другой - еще слабое для того времени знание русской древней истории и культуры. «Владимир и Рогнеда» - первое большое русское историческое произведение. За него художник получил звание академика и адъюнкт-профессора.

Более живописна и пластически выразительна картина Лосенко «Прощание Гектора с Андромахой». Воспевающее легендарное событие гомеровской эпохи полотно проникнуто драматизмом и пафосом.

Исторический жанр был для Лосенко не единственным. Портрет актера Ф.Г.Волкова - основателя первого русского публичного театра - написан мастером в 1763г. Великий актер представлен как герой высокой трагедии: с мечом, короной и маской в руках. В его образе автор подчеркнул возвышенное начало.

Выдающимся портретистом эпохи является и Дмитрий Левицкий. Он обратил на себя всеобщее внимание на выставке 1770г. портретом архитектора А.Ф.Кокоринова, директора и первого ректора Академии художеств, за который ему было присвоено звание академика. Это блистательный по мастерству исполнения портрет - не только одно из видных произведений мастера, но и один из шедевров живописи XVIII в.

Спустя 4 года Левицкий закончил портрет П.А.Демидова, где схема парадного изображения была смело изменена. Богатейший человек России, владелец знаменитых заводов на Урале, Демидов неожиданно показан как цветовод, как любитель редких растений. Он не в парадном одеянии, а в домашнем халате, на голове ночной колпак. Простота обстановки раскрывает человеческие качества портретируемого: его радушие, приветливость. Демидов разделял взгляды французских философов-просветителей. Поэтому не забыта художником главная черта его натуры - щедрость мецената. Вдали за садом Левицкий показал сооруженный на средства заводчика Воспитательный дом в Москве.

В 1770-е годы, в период высшего расцвета творчества, Левицкий создал серию больших полотен, на которых запечатлел воспитанниц Императорского воспитательного общества благородных девиц (Смольный институт) первого, второго и третьего выпусков. Сама Екатерина II, основательница общества, заказала художнику портреты своих любимиц.

В 1780-1790-е годы Левицкий написал значительное число произведений, отличающихся артистизмом исполнения, но меньшей, чем прежде, психологической глубиной. Несколько особняком стоит серия портретов дочерей графа А.И.Воронцова, напоминающая лучшие создания мастера. Большинство же полотен художника поздней поры отмечено печатью холодной рассудочности.

Работы Левицкого произвели огромное впечатление на современников. Вдохновленный появлением его большой картины «Екатерина II - законодательница в храме богини Правосудия», Г.Р.Державин сочинил знаменитую оду «Видение Мурзы». Живопись Левицкого знали его современники за рубежом; ряд работ мастера хранится в Париже, в Лувре, а портрет Дени Дидро - в Женеве.

В русской живописи XVIII в., несмотря на активное развитие жанров исторической картины, натюрморта и пейзажа, преобладающим оставался портрет. Его традиции развивались Владимиром Боровиковским, в творчестве которого встречались портреты как парадные, так и лирического характера. В крупнейших заказных полотнах мастера, изображающих вице-канцлера А.Б.Куракина и императора Павла I в костюме гроссмейстера Мальтийского ордена, заметно умение сочетать широкую полнозвучную красочность с обилием деталей, сохраняя единство живописного тона и цельность картинного образа, что присуще лишь только самым большим художникам. Мастерство Боровиковского ярко проявилось в великолепном портрете Муртазы-Кули-Хана - брата персидского шаха Ага-Магомета, написанном по указанию Екатерины II.

Пейзаж как фон Боровиковский охотно включал во многие свои портреты. В этом отразились перемены во взглядах общества конца XVIII в. на окружающий мир и на человека. Единение с природой придавало большую естественность людям, отражало идеи сентиментализма. Работая над образом Екатерины II, Боровиковский показал царицу как «казанскую помещицу», такой она хотела выглядеть в глазах дворян. Сорок лет спустя А.С.Пушкин в повести «Капитанская дочь» дал словесный портрет Екатерины II, очень близкий портрету Боровиковского и, вероятно, им навеянный.

В искусстве XVIII в. приобретает самостоятельность изображение природы. Пейзаж развивается как отдельный жанр, где видными мастерами были Семен Щедрин, Михаил Иванов, Федор Алексеев. Двое первых часто изображали окрестности Царского Села, Павловска, Гатчины, передавали впечатления путешествий по Италии, Швейцарии, Испании. Русским столицам, Петербургу и Москве, посвятил много произведений Алексеев, который учился в Императорской Академии художеств, а затем совершенствовался в Венеции. «Вид дворцовой набережной и Петропавловской крепости» - одна из самых известных его картин, которая передает просторы невских берегов, разнообразную игру света на воде, строгую красоту дворцов классической архитектуры.

Конец XVIII в. отмечен появлением больших произведений русской академической живописи. Формируется одна из богатейших художественных коллекций мира - Эрмитаж. В его основе частное собрание картин западноевропейских мастеров (с 1764г.) Екатерины II. Открыт для публики в 1852г.

Изобразительное искусство XVIII в. сделало значительный шаг в пред в развитии светского направления.

Для русской культуры XVIII в. стал периодом развития светского искусства, этапом накопления творческих сил. Отечественная живопись не только не уступала европейской, но и достигла вершин. Полотна великих портретистов - Рокотова, Левицкого, Боровиковского - ярко обозначили достижения на этом пути, повлияли на дальнейший плодотворный рост русской художественной школы.

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

XVIII век был временем широкого и всестороннего расцвета русской художественной культуры, обусловленного коренными социально-экономическим и политическими преобразованиями, которые осуществлялись Петром I. Больших успехов достигли живопись и гравюра, архитектура и скульптура. Они наследовали богатейший национальный художественный опыт Древней Руси, использовали европейские культурные традиции.

Строительство новой столицы России - Петербурга и других городов государства, многочисленных дворцов, общественных сооружений повлекло за собой развитие декоративной пластики и живописи, круглой скульптуры и рельефа, которые придавали неповторимую красоту архитектурным ансамблям.

Петр I приглашал иностранцев в Россию, но вместе с тем заботился о воспитании русских художников. В первой четверти XVIII в. стало широко практиковаться пенсионерство - посылка за границу для обучения и совершенствования в профессии.

Подлинного расцвета достигли в это время архитектура и связанные с нею виды изобразительного искусства. Не только в архитектуре, но и в живописи, в скульптуре барочные формы сменись системой приемов, свойственных классицизму, опиравшемуся на традиции античного населения. Кроме того, для конца столетия характерно появление черт сентиментализма и романтических тенденций.

Важнейшим событием в художественной жизни России стало открытие «Академии трех знатнейших художеств» - живописи, ваяния и зодчества.

Уже в ранние годы своей истории Академия художеств подготовила крупных мастеров, творчество которых значительно обогатило и прославило русскую национальную культуру.

Развитие культуры России XVIII в. подготовило блестящий расцвет русской культуры в XIX в., ставшей неотъемлемой составной частью мировой культуры.

СПИСОК ИСПОЛЬЗОВАННОЙ ЛИТЕРАТУРЫ

1. ИСТОРИЯ РУССКОГО ИСКУССТВА. МОСКВА. «ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОЕ ИСКУССТВО». - 3-е изд., перераб. и доп. 1987
2. Культурология. История мировой культуры: Учебник для вузов/Под ред. Проф. А.Н.Марковой. - 2-е изд., перераб. и доп. - М.:ЮНИТИ, 2002
3. МИР РУССКОЙ КУЛЬТУРЫ. Энциклопедический справочник. Российская таможенная академия Санкт-Петербургский филиал имени В.Б.Бобкова. МОСКВА. 2000

Похожие материалы

РУССКОЕ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОЕ ИСКУССТВО XVIII ВЕКА

РУССКОЕ ИСКУССТВО ПЕРВОЙ ПОЛОВИНЫ XVIII ВЕКА

Восемнадцатый век стал одной из пе­реломных эпох в истории России. Культура, обслуживавшая духовные за­просы этого периода, начала быстро приобретать светский характер, чему в значительной мере содействовало сближение искусства с наукой. Так, се­годня весьма трудно найти художественную разницу между географической «ландкартой» тех дней и зародившейся видовой гравюрой (за исключе­нием разве произведений А. Ф. Зубова). Большинство гравюр первой поло­вины столетия похоже на технические чертежи. Сближение между искус­ством и наукой пробуждало у художников интерес к знаниям и поэтому помогало освобождаться от пут церковной идеологии.

В живописи намечались и определялись жанры нового, реалистическо­го искусства. Преобладающее значение среди них приобретал портретный жанр. В религиозном искусстве принижалась идея человека и возвеличи­валась идея бога, поэтому светское искусство должно было начинать с образа человека.

Творчество И. М. Никитина. Основоположником национального порт­ретного жанра в России явился Иван Максимович Никитин (род. около 1690 - ум. 1741). Мы плохо знаем биографию этого художника, но даже скудные сведения показывают, что она была необычной. Сын священника, он первоначально пел в патриаршем хоре, однако позднее оказался препо­давателем математики в «Антиллерной школе» (будущей Артиллерийской академии). О рано пробудившемся в нем увлечении изобразительным ис­кусством стало известно Петру I, и Никитина направили стипендиатом в Италию, где ему довелось обучаться в академиях Венеции и Флоренции. Вернувшись из-за рубежа и возглавив русскую реалистическую школу, жи­вописец всю жизнь оставался верен идеалам петровского времени. В прав­ление Анны Иоановны он примкнул к оппозиционным кругам и попла­тился сибирской ссылкой, возвращаясь из которой (при воцарении Елиза­веты Петровны) умер в дороге. Период зрелого творчества мастера способны достойно представлять не только натурные портреты самого Петра I, но и такое выдающееся про­изведение, как «Портрет Напольного гетмана» (1720-е годы).

По своему техническому исполнению творение Никитина вполне стоит на уровне европейской живописи XVIII века. Оно строго по композиции, форма лепится мягко, цвет полнозвучен, а теплый фон создает ощущение реальной глубины.

«Напольный гетман» воспринимается сегодняшним зрителем как образ мужественного человека - современника художника, который также вы­двинулся не в силу родовитости, а благодаря неустанному труду и способ­ностям.

Отметив достоинства Никитина, следует, однако, оговорить, что внутренняя характеристика изображаемого человека достигалась живописцем лишь в том случае, если характер портретируемого был, как говорится, «написан на лице» резко и определенно. Творчество Никитина решало в принципе начальную проблему портретного жанра - показ неповторимости индивидуального внешнего облика людей.

Из других русских портретистов первой половины XVIII века можно назвать также А. М. Матвеева (1701 - 1739), прошедшего обучение живописи в Голландии Его лучшими работами принято считать портреты четы Голицыных (1727 - 1728) и автопортрет, в котором он изобразил себя вместе с молодой женой(1729).

И Никитин и Матвеев с наибольшей ясностью обнаруживают реалистическую тенденцию развития русского портрета петровской поры.

Русское искусство середины XVIII века. Творчество А. П. Антропова Традиции, заложенные Никитиным, не получили непосредственного раз вития в искусстве периода правления ближайших преемников Петра, вклю­чая так называемую бироновщину.

Творения портретистов середины XVIII века свидетельствуют о том что эпоха больше не давала им благодатного материала, каким располагал их предшественник Никитин. Однако зоркая и добросовестная фиксация всех особенностей облика изображаемых приводила к тому, что отдельна портреты приобретали подлинно обличительную силу. Это особенно относится к творчеству Алексея Петровича Антропова (1716 - 1795).

Выходец из мастерового люда, ученик А. М. Матвеева, он окончатель­но сформировался в «живописной команде» Канцелярии от строений, ве­давшей техническими и художественными работами на многочисленных придворных постройках. Его произведения остались для середины XVIII века документом времени, подобно творениям Никитина для первой четверти столетия. Он исполнил портреты А. М. Измайловой (1754), Пет­ра III (1762) и другие полотна, в которых самобытность творческой мане­ры автора и традиции народно-прикладного искусства, проявляющиеся в декоративности; сочетания ярких пятен чистого (локального) цвета, сплав­лены воедино.

Деятельность Антропова охватывает, кроме середины, и всю вторую половину XVIII века. Тем не менее целесообразно разбором его творчества завершать рассмотрение истории искусства первой половины XVIII века ибо в дальнейшем развитии перед русской художественной культурой обозначились иные задачи, при решении, которых изображение человека в неповторимости его индивидуального облика служило не более чем отправной точкой.

РУССКОЕ ИСКУССТВО ВТОРОЙ ПОЛОВИНЫ XVIII ВЕКА

Ко второй половине XVIII века Россия, полностью отойдя от изжив­ших себя форм средневековой художественной культуры, вступила не об­щий с европейскими странами путь духовного развития. Его генеральное направление для Европы определила надвигавшаяся Великая французская революция 1789 года. Правда, только складывавшаяся русская буржуазия была еще слаба. Историческая миссия натиска на феодальные устои оказа­лась для России связанной с деятельностью передовой дворянской интел­лигенции, представителям которой предстояло через просветительств! XVIII столетия постепенно прийти к декабризму начала следующего века.

Просветительство, будучи крупнейшим общекультурным явлением эпохи, формировалось в условиях доминирующего положения правовой идеологии. Теоретики восходящего класса - буржуазии - стремились обосновать с точки зрения правосознания ее господство и необходимость устранения феодальных учреждений. Можно привести в качестве примере развитие теории «естественного права» и выход в 1748 году знаменитого сочинения просветителя Шарля Монтескье «Дух законов». В свою очередь и дворянство, предпринимая ответные действия, обращалось к законода­тельным установлениям, ибо другие формы сопротивления надвигающей­ся угрозе уходили из его рук.

В пятидесятых годах в России появился первый публичный театр, основанный Ф. Г. Волковым. Правда, количество театров не было большим, но следует учитывать развитие любительской сцены (при Московском уни­верситете, при Смольном институте благородных девиц, Шляхетском кор­пусе и т. д.). Домашний театр архитектора и переводчика Н. А. Львова играл заметную роль в жизни столицы. О месте, занимаемом драматургией в русской литературе XVIII столетия, говорит хотя бы тот факт, что даже Екатерина II в поисках средств правительственной опеки над умами ис­пользовала форму драматического сочинения (ее перу принадлежат коме­дии «О, время!», «Именины госпожи Ворчалкиной», «Обманщик» и дру­гие).

Развитие портретного жанра. Переходя к непосредственной истории русского изобразительного искусства второй половины XVIII века, надо первоначально остановиться на рождении так называемого интимного портрета. Для понимания особенностей последнего важно отметить, что все, в том числе и большие мастера первой половины столетия, работали и парадным портретом. Художники стремились показать прежде всего достойного представителя преимущественно дворянского сословия. Поэтому изображаемого писали в парадной одежде, при знаках отличия за заслуги перед государством, а зачастую в театрализованной позе, выявляющей вы­сокое общественное положение портретируемого.

Парадный портрет диктовался в начале столетия общей атмосферой эпохи, а впоследствии - установившимися вкусами заказчиков. Однако он очень быстро превратился, собственно говоря, в официозный. Теоретик искусства той поры А. М. Иванов заявлял: «Должно, чтоб… портреты казались как бы говорящими о себе сами и как бы извещающими: «смотри на меня, я есмь оный непобедимый царь, окруженный вели­чеством».

В противоположность парадному интимный портрет стремился запе­чатлеть человека таким, каким он представляется взгляду близкого друга. Причем задача художника заключалась в том, чтобы наряду с точным обликом изображаемого человека раскрыть черты его характера, дать оцен­ку личности.

Наступление нового периода в истории русского портрета знаменовали полотна Федора Степановича Рокотова (род. 1736 - ум. 1808 или 1809).

Творчество Ф. С. Рокотова. Скудность биографических сведений не позволяет достоверно установить, у кого он учился. Долгие споры велись даже по поводу происхождения живописца. Раннее же признание худож­ника обеспечила его подлинная одаренность, проявившаяся в портретах В. И. Майкова (1765), неизвестной в розовом (1770-е годы), молодого человека в треуголке (1770-е годы), В. Е. Новосильцевой (1780), П. Н. Лан­ской (1780-е годы).

Дальнейшее развитие интимного портрета было связано с именем Дмитрия Григорьевича Левицкого (1735 - 1822).

Творчество Д. Г. Левицкого. Первоначальное художественное образо­вание он получил занимаясь под руководством отца, гравера Киево-Печерской лавры. Участие в работах по росписи киевского Андреевского со­бора, осуществлявшихся А. П. Антроповым, привело к последующему че­тырехлетнему ученичеству у этого мастера и увлечению портретным жанром. В ранних полотнах Левицкого отчетливо выступает связь с тра­диционным парадным портретом. Перелом в его творчестве знаменовала заказная портретная серия воспитанниц Смольного института благородных девиц, состоящая из семи крупноформатных произведений, исполненных в 1773 - 1776 годах. Заказ имел в виду, конечно, парадные портреты. Пре­дусматривалось изобразить девушек во весь рост в театральных костюмах на фоне декораций любительских спектаклей, ставившихся в пансионе.

к зимнему сезону 1773 - 1773 года воспитанницы настолько преуспели в сценическом искусстве, что на представлениях присутствовал император­ский двор и дипломатический корпус.)

Заказчицей выступила сама императрица в связи с предстоящим пер­вым выпуском учебного заведения. Она стремилась оставить потомству наглядную память об исполнении своей заветной мечты - воспитании в России поколения дворян, которые бы не только по праву рождения, но и образования, просвещенности возвышались над низшими сословиями.

Однако то, как живописец подошел к выполнению задания, раскрыва­ет, например, «Портрет Е. И. Нелидовой» (1773). Девушка запечатлена, как полагают, в своей лучшей роли - служанки Сербины из инсценировки по опере Джованни Перголези «Служанка-госпожа», рассказывавшей о ловкой горничной, сумевшей добиться сердечного расположения господина, а затем и брака с ним. Грациозно приподняв пальчиками легкий кружев­ной передник и лукаво склонив голову, Нелидова стоит в так называемой третьей позиции в ожидании взмаха дирижерской палочки. (Кстати, пят­надцатилетняя «актриса» пользовалась такой любовью публики, что ее иг­ра отмечалась в газетах и ей посвящали стихи.) Чувствуется, что для нее театральное представление - не повод продемонстрировать «изящные ма­неры», привитые в пансионе, а возможность выявить молодой задор, стес­ненный повседневными жесткими правилами Смольного института. Худож­ник передает полное душевное растворение Нелидовой в сценическом действии. Близкие по тону серо-зеленые оттенки, в которых решен пейзаж­ный театральный задник, жемчужные цвета платья девушки - все подчи­нено этой задаче. Левицкий показывает и непосредственность натуры са­мой Нелидовой. Живописец нарочито подал тона в фоновом плане более тусклыми и одновременно заставил их ис­криться на первом плане - в одежде ге­роини. Гамма строится на богатом по сво­им декоративным качествам отношении се­ро-зеленых и жемчужных тонов с розовы­ми в окраске лица, шеи, рук и лент, укра­шающих костюм. Причем во втором случае художник придерживается локального цве­та, заставляя вспомнить манеру его учите­ля Антропова.

Художественные достижения, придав­шие своеобразие этой маленькой портрет­ной галерее, Левицкий закрепил в после­дующем творчестве, создав, в частности, два превосходных портрета М. А. Львовой, урожденной Дьяковой, дочери сенатского обер-прокурора (1778 и 1781).

Первый из них показывает восемнад­цатилетнюю девушку, почти ровесницу смолянок. Она изображена в повороте, не­принужденность которого выразительно подчеркивается золотистым боковым све­том, упавшим на фигуру. Лучистые глаза юной героини мечтательно-радостно смот­рят куда-то мимо зрителя, а влажные губы тронуты поэтически неопределенной улыб­кой. В ее облике - лукаво-задорная сме­лость и целомудренная робость, всепроникающее счастье и просветленная грусть. Это характер еще до конца не сложивший­ся, полный ожидания встречи со взрослой жизнью.

Изменилась цветовая гамма. В первом произведении живопись при­ведена к тональному единству и напоминает колористические поиски Рокотова. В портрете же 1781 года цвет взят в интенсивности его звучания. Теплые звучные тона делают колорит напряженным, чуть жестковатым.

Портреты М. А. Львовой, Н. И. Новикова, А. В. Храповицкого, мужа и жены Митрофановых, Бакуниной и другие, относящиеся к восьмидесятым годам, свидетельствуют о том, что Левицкий, соединив в себе суровую точ­ность Антропова и лиризм Рокотова, стал наиболее выдающимся предста­вителем русской портретной живописи XVIII столетия.

Плеяду крупнейших живописцев-портретистов XVIII века завершает Владимир Лукич Боровиковский (1757 - 1825).

Творчество В. Л. Боровиковского. Старший сын мелкопоместного ук­раинского дворянина, добывавший вместе с отцом средства к существова­нию иконописью, он впервые обратил на себя внимание аллегорическими росписями в Кременчуге, выполненными в 1787 году к приезду Екатери­ны II. Это дало молодому мастеру возможность отправиться для совершен­ствования в живописи в Петербург. Ему удалось, как предполагают, брать уроки у Д. Г. Левицкого и, в конце концов, утвердить себя в столичных артистических кругах.

Портреты Боровиковского, включая только что рассмотренный, свидетельствуют о том, что живописец поднялся на следующую, новую (после достижений Левицкого) ступень в углублении образа человека. Левицкий открыл для русского портретного жанра мир многообразия человеческих характеров. Боровиковский же попытался проникнуть в душевное состояние задумался над тем, как формировался характер модели.

Список литературы

1. Юному художнику. Книга для чтения по истории искусства. М., 1956.

2. Энциклопедический словарь юного художника. М., 1987.

3. Пикулев И.И. Русское изобразительное искусство. М., 1977.

4. Драч Г.В. Культурология. Ростов-на-Дону, 1995.

XVIII век для России – эпоха перемен, связанных с реформами Петра I. Эти реформы затронули практически все сферы жизни страны:

экономику, государственное устройство, военное дело, просвещение, общественную мысль, науку и культуру. Из «окна в Европу», которое прорубил Пётр Великий, в Россию буквально хлынули все достижения современности.
Русское искусство различными путями осваивало и перерабатывало западноевропейский опыт: за границей покупались готовые произведения искусства, создавались собственные произведения отечественными и иностранными специалистами, которые очень активно привлекались в то время в Россию. Талантливых людей отправляли в Европу для обучения за государственный счёт.

Особенности художественного творчества XVIII века

Новое время создавало и новую культуру, которая пришла на смену Средневековью. Менялось представление о красоте и формах её воплощения.
В то же время нельзя забывать о том, что искусство петровского времени ещё не установилось окончательно, иностранное не фильтровалось, но и не имело преобладающего значения в русском искусстве. Сама жизнь расставляла всё на свои места, и в русской культуре оставалось только то, что приживалось на русской почве и отвечало национальным интересам. Именно этот процесс вывел русское искусство из замкнутого пространства Средневековья и соединил его с общеевропейским, дав при этом образцы шедевров мирового уровня.
Нельзя забывать и о том, что менялось общественное мировоззрение – Россия встала на путь абсолютизма. Развивались наука, образование. Была создана Академия наук, активно развивалось книгопечатание, культура выходила на светский путь развития. Особенно ярко эти изменения проявились в изобразительном искусстве и архитектуре.
Изменились принципы градостроительства – они касались планировки, определённых типов зданий, композиций фасадов, декора, интерьера и т.д.
Во второй половине XVIII в. на смену барокко пришёл классицизм , базировавшийся на принципах античности. Но в русской архитектуре черты классицизма стали заметны уже в первой половине XVIII в.: простота, уравновешенность и строгость форм. В связи с развитием промышленности и торговли появилась необходимость в строительстве зданий промышленного, государственного и общественного значения: банков, бирж, рынков, гостиных дворов, присутственных мест. А развитие культуры и просвещения привело к строительству зданий библиотек, театров, университетов, академий. Расширялись привилегии дворянства, а это привело к росту дворянских усадеб в сельской местности.

Живопись

В первой половине XVIII в. формируется жанр светского портрета. Эту эпоху называют «портретом петровского времени». Жанр портрета становится преобладающим в живописи. Он уже сильно отличается от парсуны конца XVII в. композицией, колоритом, индивидуализацией личности изображаемого.

И. Г. Таннауэр. Портрет Петра I
Художники стали использовать прямую перспективу, которая создаёт глубину и объемность изображению на плоскости. Искусству петровской эпохи присущ высокий пафос утверждения, именно поэтому центральной темой его становится человек, а основным жанром – портрет.
Но вопрос авторства в петровскую эпоху оставался сложной проблемой. Художники иногда не подписывали свои произведения. Кроме того, существовала и проблема опознания модели, т.к. заказные портреты обычно создавались с большой долей приукрашивания портретируемого, тем более, что таковыми обычно являлись император и члены его семьи и их приближённых.

И. Никитин. Портрет канцлера Головкина
Парсуна постепенно вытесняется, но ещё некоторое время продолжает существовать даже в творчестве передовых художников эпохи: И. Никитина , И. Вишнякова , А. Антропова , А. Матвеева , И. Аргунова и других художников, что свидетельствует о ещё не завершившемся переходе от средневековой к новой манере. Следы парсунности встречаются и во второй половине XVIII в., особенно в работах крепостных и провинциальных мастеров, самоучек.

И. Вишняков. Портрет Ксении Ивановны Тишининой (1755)
В русской живописи второй половины XVIII в. преобладали два художественных стиля: классицизм и сентиментализм .
Дальнейшее развитие получил жанр портрета. Художники В. Боровиковский и Ф. Рокотов работали в стиле сентиментализма и создали ряд лирических и одухотворённых портретов.

В. Боровиковский. Портрет Е.Н. Арсеньевой (1796)
Целую галерею образов незаурядных людей создал портретист Д. Левицкий .

Архитектура

Первая половина XVIII в. ознаменована в архитектуре стилем барокко . Первый этап развития русского барокко относится ещё к эпохе Русского царства, а с 1680-х по 1700-е годы получает развитие московское барокко, основной особенностью которого является широкое применение элементов архитектурного ордера и использование центрических композиций в храмовой архитектуре.

Основание Санкт-Петербурга дало мощный толчок развитию архитектуры России, с деятельностью Петра I начинается новый этап в развитии русского барокко, этот этап назвало «петровское барокко», который ориентировался на образцы шведской, немецкой и голландской гражданской архитектуры. Но лишь первые памятники архитектуры данного периода (например, Петропавловский собор в Петербурге) практически избежали русского влияния. Несмотря на обилие иностранных архитекторов в России начинает формироваться новая собственная архитектурная школа.

Архитектура петровского времени отличалась простотой объёмных построений, чёткостью членений и сдержанностью убранства, плоскостной трактовкой фасадов. Первые архитекторы Петербурга: Жан-Батист Леблон , Доменико Трезини , Андреас Шлютер , Дж. М. Фонтана , Николо Микетти и Г. Маттарнови . Все они работали в России по приглашению Петра I. Каждый из них вносил в облик сооружаемых зданий традиции той архитектурной школы, которую он представлял. Традиции европейского барокко усваивали и русские зодчие, например, Михаил Земцов .

Зимний дворец – один из самых известных памятников елизаветинского барокко
В эпоху правления Елизаветы Петровны получает развитие новое елизаветинское барокко. Оно связано с именем выдающегося архитектора Франческо Бартоломео Растрелли. Но данный стиль более связан не с петровским, а с московским барокко. Растрелли спроектировал дворцовые комплексы в Петербурге и его окрестностях: Зимний дворец, Екатерининский дворец, Петергоф. Его творения характеризуют громадные масштабы, пышность декоративного убранства, двух-трёхцветный окрас фасадов с применением золота. Праздничный характер архитектуры Растрелли наложил отпечаток на всё русское искусство середины XVIII в.
В елизаветинском барокко важное место принадлежит и творчеству московских архитекторов середины XVIII в. во главе с Д. В. Ухтомским и И. Ф. Мичуриным .
В 1760-х годах на смену барокко в русской архитектуре постепенно приходит классицизм.
Расцвет строгого классицизма связан с творчеством М.Ф. Казакова (1738- 1812). Почти все монументальные здания Москвы конца XVIII в. созданы им: Сенатский дворец в Кремле, Петровский путевой дворец, Большой Царицынский дворец, Бутырка и др.

Старые корпуса Московского университета на Моховой улице. Архитектор М.Ф. Казаков
В 1812 г. во время пожара Москвы здание почти полностью сгорело. Все перекрытия, которые были сделаны из дерева - утрачены. Библиотека, включавшая в себя множество эксклюзивных материалов, уничтожена. Коллекция музеев, архивы исчезли. До 1819 г. Доменико Жилярди работал над воссозданием старого здания.
Ныне здесь располагается институт стран Азии и Африки при МГУ.
Мастерами раннего классицизма были А.Ф. Кокоринов (1726-1772) и француз Ж.Б. Вален-Деламот (1729-1800). Работы Кокоринова знаменуют переход от барокко к классицизму. Они являются авторами проекта здания Императорской Академии художеств в Петербурге. А Вален-Деламоту принадлежит также здание Малого Эрмитажа.
И.Е. Старов (1745-1808) – крупнейший зодчий второй половины XVIII в. Среди его работ – Таврический дворец в Петербурге (1783-1789). Это огромная городская усадьба Г.А, Потемкина, носившего титул князя Таврического.
В 80-90-е годы первенство перешло к зодчим Кваренги и Камерону. Д. Кваренги (1744-1817), итальянец по происхождению, в основном работал в Петербурге. Характерная для Кваренги постройка – здание из трех частей: центральный корпус и два флигеля, соединенных с ним галереями. Центр композиции выделялся портиком. Кваренги построил здание Академии наук, здание Ассигнационного банка. Затем он создаёт Эрмитажный театр, Александровский дворец в Царском Селе. Здания Смольного института – также работа Кваренги.
Камерон – автор дворца-усадьбы в Павловске.

Здание Смольного института. Архитектор Д. Кваренги

Скульптура

Во второй половине XVIII в. наивысшие достижения в области скульптуры связаны с творчеством Ф.И. Шубина (1740-1805). Шубин – мастер русского скульптурного портрета. В этом жанре в России у него не было предшественников. Галерея созданных им скульптурных портретов (А.М. Голицына, П.А. Румянцева, М.В. Ломоносова, Павла I и др.) отличается реалистичностью и выразительностью.
Монументальная скульптура второй половины XVIII в. представлена множеством работ, крупнейшей из которых является «Медный всадник» Э.-М. Фальконе – конный памятник Петру I.
Ярким представителем классицизма в скульптуре был М.И. Козловский . Образ современного героя он воплотил в памятнике А. Суворову, хотя без портретного сходства. Скорее, это обобщённый образ героя-полководца. М.И. Козловский – автор знаменитой скульптурной группы «Самсон, раздирающий пасть льва» в Петергофе.

Памятник Суворову в Санкт-Петербурге (1801). Надпись под памятником: Князь Италiйской Графъ Суворовъ Рымникской