תוכן המאמר
אופרה רוסית.לבית הספר לאופרה הרוסית - יחד עם האיטלקית, הגרמנית, הצרפתית - יש חשיבות עולמית; זה נוגע בעיקר למספר אופרות שנוצרו במחצית השנייה של המאה ה-19, וכן כמה יצירות מהמאה ה-20. אחת האופרות הפופולריות ביותר על הבמה העולמית בסוף המאה ה-20. - בוריס גודונובמ.פ מוסורגסקי, לעתים קרובות גם מלכת ספידים P.I. צ'ייקובסקי (לעיתים רחוקות אופרות אחרות שלו, בעיקר יוג'ין אונייגין); נהנה מתהילה גדולה הנסיך איגורא"פ בורודין; מתוך 15 אופרות מאת נ.א. רימסקי-קורסקוב מופיעות בקביעות התרנגול הזהב. בין האופרות של המאה ה-20. הכי רפרטואר מלאך האשש.ס. פרוקופייב ו ליידי מקבת' ממחוז מצנסקד.ד. שוסטקוביץ'. כמובן, זה לא ממצה את עושרו של בית הספר הלאומי לאופרה.
הופעת האופרה ברוסיה (המאה ה-18).
האופרה הייתה אחד הז'אנרים הראשונים במערב אירופה שהשתרשו על אדמת רוסיה. כבר בשנות השלושים של המאה ה-17 נוצרה אופרת חצר איטלקית, שעליה כתבו מוזיקאים זרים, שפעלו ברוסיה במחצית השנייה של המאה, הופיעו מופעי אופרה ציבוריים; אופרות מועלות גם בתיאטראות מבצרים. האופרה הרוסית הראשונה נחשבת מלניק - מכשף, רמאי ושדכןמיכאיל מטווייביץ' סוקולובסקי לטקסט מאת A.O. אבלסימוב (1779) היא קומדיה יומיומית עם מספרים מוזיקליים בעלי אופי שיר, שהניחו את היסודות למספר יצירות פופולריות מז'אנר זה - אופרה קומית מוקדמת. ביניהם בולטות אופרות מאת ואסילי אלכסייביץ' פשקביץ' (1742–1797 לערך) ( קַמצָן, 1782; סנט פטרבורג גוסטיני דבור, 1792; צרות מהכרכרה, 1779) ו-Evstigney Ipatovich Fomin (1761–1800) ( מאמנים על בסיס, 1787; אמריקאים, 1788). בז'אנר האופרה סריה, שתי יצירות מאת גדול המלחינים בתקופה זו, דמיטרי סטפנוביץ' בורטניאנסקי (1751–1825), נכתבו לליברית צרפתית - בַּז(1786) ו בן מתחרה, או סטרטוניקס מודרנית(1787); יש ניסויים מעניינים בז'אנרים של מלודרמה ומוזיקה להופעה דרמטית.
אופרה לפני גלינקה (המאה ה-19).
במאה הבאה, הפופולריות של ז'אנר האופרה ברוסיה גדלה עוד יותר. האופרה הייתה פסגת השאיפות של מלחינים רוסים מהמאה ה-19, וגם אלה מהם שלא השאירו יצירה אחת בז'אנר זה (למשל, M.A. Balakirev, A.K. Lyadov), הרהרו במשך שנים רבות בפרויקטים אופראיים מסוימים. הסיבות לכך ברורות: ראשית, האופרה, כפי שציין צ'ייקובסקי, הייתה ז'אנר שאפשר "לדבר בשפת ההמונים"; שנית, האופרה אפשרה להאיר באופן אמנותי את הבעיות האידיאולוגיות, ההיסטוריות, הפסיכולוגיות ואחרות העיקריות שהעסיקו את נפשם של הרוסים במאה ה-19; לבסוף, בתרבות המקצועית הצעירה הייתה משיכה חזקה לז'אנרים שכללו, לצד מוזיקה, גם את המילה, תנועה בימתית וציור. בנוסף, כבר התפתחה מסורת מסוימת - מורשת שנותרה בז'אנר המוזיקלי והתיאטרלי של המאה ה-18.
בעשורים הראשונים של המאה ה-19 בית המשפט והתיאטראות הפרטיים קמלו, המונופול התרכז בידי המדינה. החיים המוזיקליים והתיאטרליים של שתי הבירות היו תוססים מאוד: הרבע הראשון של המאה היה תקופת הזוהר של הבלט הרוסי; בשנות ה-1800 היו ארבע להקות תיאטרון בסנט פטרסבורג - רוסית, צרפתית, גרמנית ואיטלקית, מהן שלוש הראשונות העלו דרמה ואופרה, האחרונה - רק אופרה; כמה להקות עבדו גם במוסקבה. המיזם האיטלקי התברר כיציב ביותר - גם בתחילת שנות ה-70, צ'ייקובסקי הצעיר, שפעל בתחום קריטי, נאלץ להילחם על עמדה ראויה של האופרה הרוסית של מוסקבה בהשוואה לזו האיטלקית; Raekמוסורגסקי, שבאחד מפרקיו נלעגת התשוקה של הציבור והמבקרים בסנט פטרבורג לזמרים איטלקיים מפורסמים, נכתבה גם בתחילת שנות ה-70.
בוילדייה וקאבוס.
בין המלחינים הזרים שהוזמנו לסנט פטרסבורג בתקופה זו, בולטים שמותיו של הסופר הצרפתי המפורסם אדריאן בוילדייה ( ס"מ. BUALDIEU, FRANCOIS ADRIENE) וקטרינו קאבוס האיטלקי (1775–1840) , אשר בשנת 1803 הפך למנצח האופרות הרוסיות והאיטלקיות, בשנים 1834-1840 עמד בראש האופרה הרוסית בלבד (ובתפקיד זה תרם להפקת חיים למלךגלינקה, למרות שבשנת 1815 הלחין אופרה משלו על אותה העלילה, שזכתה להצלחה משמעותית), היה המפקח והמנהל של כל התזמורות של התיאטראות האימפריאליים, כתב הרבה על עלילות רוסיות - כמו אגדות ( נסיך ההיעלמותו איליה הגיבורלליברית מאת אי.א. קרילוב, סבטלנהלליברית מאת V.A. Zhukovsky ואחרים), ופטריוטי ( איבן סוסיניןלליברית מאת א.א. שחובסקי, משורר קוזקלליברית של אותו מחבר). האופרה הפופולרית ביותר ברבע הראשון של המאה, האופרה הפופולרית ביותר ברבע הראשון של המאה לסטה, או בת הים הדנייפרקאבוס וסטפן איבנוביץ' דוידוב (1777–1825). בשנת 1803 הועלה הסינגשפיל הווינאי בסנט פטרבורג. בת הים הדנובהפרדיננד קאואר (1751-1831) עם מספרים מוסיקליים נוספים מאת דוידוב - בתרגום בתולת הים הדנייפר; ב-1804 הופיע החלק השני של אותו זינגפיל בסנט פטרבורג עם מספרי קאבוס מוכנסים; לאחר מכן הולחנו - על ידי דוידוב בלבד - סרטי המשך רוסיים. התערובת של תוכניות פנטסטיות, אמיתיות-לאומיות ותחמניות התעכבה זמן רב בתיאטרון המוזיקלי הרוסי (במוזיקה המערבית האירופית, האופרות הרומנטיות המוקדמות של ק.מ. ובר יכולות לשמש אנלוגיות - יורה חינםו אוברון, השייך לאותו סוג של זינגפי אגדות).
כקו המוביל השני של יצירתיות אופראית בעשורים הראשונים של המאה ה-19. בולטת הקומדיה הביתית מחיי ה"עממיים" - גם ז'אנר מוכר מהמאה הקודמת. הוא כולל, למשל, אופרות במערכה אחת ים, או תחנת דואר(1805), התכנסויות, או תוצאה של ים (1808), דווישניק, או החתונה של פילאטקין(1809) מאת אלכסיי ניקולאביץ' טיטוב (1769–1827) לליברית מאת א.יה. האופרה נשמרה ברפרטואר במשך זמן רב. תקופת חג המולד העתיקהצ'כי פרנץ בלימה על הטקסט של ההיסטוריון A.F. מלינובסקי המבוסס על הטקס העממי; אופרות "השיר" של דניאל ניקיטיץ' קשין (1770–1841) זכו להצלחה נטליה, בת בויאר(1803) מבוסס על הרומן מאת נ.מ. קרמזין, מתוקן על ידי ש.נ. גלינקה ו אולגה היפה(1809) לליברית מאת אותו מחבר. קו זה פרח במיוחד במלחמת 1812. מופעים מוזיקליים ופטריוטיים, המורכבים בחיפזון ומשלבים בסיס עלילתי פשוט מאוד, "אקטואלי" עם ריקוד, שירה ושיחות (השמות אופייניים: מיליציה, או אהבה לארץ המולדת, קוזק בלונדון, חופשה במחנה צבאות בעלות הברית במונמארטר, מתנדב קוזק ופרוסיה בגרמניה, שובה של המיליציה), סימנה את תחילת הדיברטיזציה כז'אנר מוזיקלי ותיאטרוני מיוחד.
ורסטובסקי.
מלחין האופרה הרוסי הגדול ביותר לפני גלינקה היה א.נ. ורסטובסקי (1799–1862) ( ס"מ. ורסטובסקי, אלקסי ניקולאביץ'). מבחינה כרונולוגית, עידן ורסטובסקי חופף לעידן גלינקה: למרות שהאופרה הראשונה של המלחין מוסקבה היא פאן טווארדובסקי(1828) הופיע קודם לכן חיים למלך, הפופולרי ביותר קברו של אסקולד- באותה שנה של האופרה של גלינקה, והאופרה האחרונה של ורשטובסקי, חֲזִיז(1857), לאחר מותו של גלינקה. ההצלחה הגדולה (אם כי ברובה מוסקבה טהורה) של האופרות של ורסטובסקי ו"הישרדותן" של המצליחות שבהן - קברו של אסקולד- בשל האטרקטיביות עבור בני זמננו של עלילות הבנויות על המוטיבים של "האגדות הרוסיות-סלאביות העתיקות ביותר" (כמובן, בפירוש מאוד מותנה), ומוזיקה, במבנה האינטו-לאומי שלהן רוסית, מערב סלאבית ומולדבית-צוענית. האינטונציות היומיומיות הן מגוונות. ברור שוורסטובסקי לא שלט בצורת האופרה הגדולה: כמעט בכל האופרות שלו, "מספרים" מוזיקליים מתחלפים בסצנות שיחה ארוכות (ניסיונותיו של המלחין לכתוב רסיטטיבים ביצירותיו המאוחרות יותר לא משנים דברים), קטעי תזמורת הם בדרך כלל לא מעניינות ולא ציוריות, בכל זאת, אופרות של המלחין הזה, במילותיו של בן זמננו, "נשמעו משהו מוכר", "יליד להפליא". ניתן להשוות את "הרגש האציל של אהבת המולדת" שהתעוררו על ידי האופרות ה"אגדיות" הללו עם התרשמות הציבור מהרומנים של זגוסקין, הליברית הקבועה של המלחין.
גלינקה.
למרות שהמוזיקה של טרום גלינקה נחקרה כעת בפירוט מספיק, הופעתו של מיכאיל איבנוביץ' גלינקה (1804–1857) לא מפסיקה להיראות כמו נס. התכונות הבסיסיות של מתנתו הן אינטלקטואליזם עמוק ואמנות מעודנת. עד מהרה הגה גלינקה את הרעיון לכתוב "אופרה רוסית גדולה", כלומר יצירה בז'אנר טרגי ונעלה. בתחילה (בשנת 1834), נושא ההישג של איבן סוזנין, שצוין למלחין על ידי V.A. ז'וקובסקי, לבש צורה של אורטוריה בימתית של שלושה ציורים: הכפר סוזנין, התנגשות עם הפולנים, ניצחון. אולם, אז חיים למלך(1836) הפכה לאופרה של ממש עם התחלה מקהלת עוצמתית, שתואמת את מסורת התרבות הלאומית ובמידה רבה קבעה מראש את דרכה העתידית של האופרה הרוסית. גלינקה היה הראשון מבין היוצרים הרוסים שפתר את בעיית הדיבור המוזיקלי הבימתי, ובאשר ל"מספרים" מוזיקליים, הם, שנכתבו בצורות סולו, אנסמבל, מקהלה מסורתיות, התגלו כמלאים בתוכן אינטונציה חדש כל כך שקשור ל דוגמניות איטלקיות או אחרות התגברו. חוץ מזה, ב חיים למלךהמגוון הסגנוני של האופרה הרוסית הקודמת התגבר, כאשר סצנות ז'אנר נכתבו "ברוסית", אריות ליריות "באיטלקית", ורגעים דרמטיים "בצרפתית" או "גרמנית". עם זאת, מוזיקאים רוסים רבים מהדורות הבאים, שחלקו כבוד לדרמה ההירואית הזו, עדיין העדיפו את האופרה השנייה של גלינקה - רוסלן ולודמילה(לפי פושקין, 1842), ראה בעבודה זו כיוון חדש לגמרי (המשיכו אותה נ.א. רימסקי-קורסקוב וא.פ. בורודין). משימות האופרה רוסלנה- שונה לחלוטין מאשר ביצירתו של פושקין: היצירה מחדש הראשונה של הרוח הרוסית העתיקה במוזיקה; המזרח ה"אותנטי" על גווניו השונים - "שמל" ו"לוחמני"; הפנטזיה (נאינה, טירת צ'רנומור) מקורית לחלוטין ואינה נחותה בשום אופן מהפנטזיה של בני דורה המתקדמים ביותר של גלינקה - ברליוז ווגנר.
דרגומיז'סקי.
אלכסנדר סרגייביץ' דרגומיז'סקי (1813–1869) החל את דרכו כמלחין אופרה צעיר למדי, במחצית השנייה של שנות ה-30, כאשר בהשראת הבכורה חיים למלך, החל לכתוב מוזיקה לליברית הצרפתית מאת V. Hugo אזמרלדה.
עלילת האופרה הבאה עלתה עוד לפני ההפקה אזמרלדה(1841), וזה היה של פושקין בתולת ים, אשר, לעומת זאת, הופיע על הבמה רק ב-1856. בתולות יםהתברר גם כמקורב לחיים המוזיקליים המודרניים. בניגוד לנגינה הוירטואוזית של גלינקה, התזמורת של דרגומיז'סקי היא מקהלות עממיות צנועות ויפות בתולות יםהם מסורתיים למדי באופיים, ועיקר התכנים הדרמטיים מתרכזים בקטעי סולו ובעיקר בהרכבים מפוארים, ובצבעוניות המלודית משולבים אלמנטים רוסיים נאותים עם סלאבית - רוסית קטנה ופולנית. האופרה האחרונה של דרגומיז'סקי, אורח אבן(לפי פושקין, 1869, שהועלתה ב-1872), יצירה חדשנית לחלוטין, אפילו נסיונית בז'אנר "אופרת שיחה" (דיאלוג אופרה). המלחין הצליח כאן ללא צורות ווקאליות מפותחות כמו אריה (היוצאים מן הכלל היחידים הם שניים משיריה של לורה), ללא תזמורת סימפונית, וכתוצאה מכך הופיעה יצירה מעודנת בצורה יוצאת דופן, שבה הביטוי המלודי הקצר ביותר או אפילו קונסוננס אחד יכול. לרכוש כושר הבעה רב ועצמאי.
סרוב.
מאוחר יותר מדרגומיז'סקי, אך מוקדם יותר מהקוצ'קיסטים וצ'ייקובסקי, התפרסם אלכסנדר ניקולאביץ' סרוב (1820–1871) בז'אנר האופראי. האופרה הראשונה שלו יהודית(1863), הופיע כשהמחבר כבר היה בן למעלה מארבעים (לפני כן, סרוב זכה לתהילה ניכרת כמבקר מוזיקה, אך כמלחין לא יצר שום דבר יוצא דופן). המחזה של פ' ג'קומטי (שנכתב במיוחד עבור השחקנית הטראגית המפורסמת אדלייד ריסטורי, שבתפקיד זה עשתה סנסציה בסנט פטרסבורג ומוסקבה) המבוסס על סיפור תנ"כי על גיבורה המצילה את עמה מעבדות, תאם לחלוטין את הנרגשים. מצב החברה הרוסית בתחילת שנות ה-60. גם הניגוד הססגוני בין יהודה הקשה לאשור הטובלות בפאר היה מושך. יהודיתשייך לז'אנר ה"אופרה הגדולה" מסוג מאיירביר, שהיה חדש גם על הבמה הרוסית; יש לו התחלה אורטוריה חזקה (סצנות מקהלה מפורטות המתאימות ביותר לרוח האגדה התנ"כית ונתמכות בסגנון האורטוריה הקלאסי מסוג הנדל) ובו בזמן תיאטרלית ודקורטיבית (דיברטציה עם ריקודים). מוסורגסקי התקשר יהודיתהראשון אחרי שגלינקה "פירש ברצינות" אופרה על הבמה הרוסית. בעידוד קבלת הפנים החמה, סרוב התחיל מיד לעבוד על אופרה חדשה, כעת על עלילה היסטורית רוסית, - Rogned. "הליברית ההיסטורית" על פי הכרוניקה גרם להרבה האשמות בחוסר סבירות, עיוות עובדות, "הטבעה", שקר של השפה הנפוצה כביכול וכו'; המוזיקה, למרות המוני ה"מקומות הנפוצים", הכילה קטעים מרהיבים (שביניהם את המקום הראשון, כמובן, תופסת הבלדה הוורנגית של רונדה - היא עדיין נמצאת ברפרטואר הקונצרטים). לאחר רונדי(1865) סרוב עשה תפנית חדה מאוד, ופנה לדרמה מהחיים המודרניים - המחזה מאת א.נ. אוסטרובסקי אל תחיה איך שאתה רוצהובכך הפך למלחין הראשון שהעז לכתוב "אופרה מהמודרנה" - כוח האויב (1871).
"חבורה אדירה".
הופעת האופרות האחרונות מאת דרגומיז'סקי וסרוב מקדימה רק במעט את זמן ההפקה של האופרות הראשונות של המלחינים של החופן האדיר. לאופרה קוצ'קיסטית יש כמה מאפיינים "גנריים", שבאים לידי ביטוי באמנים שונים כמו מוסורגסקי, רימסקי-קורסקוב ובורודין: העדפה לנושאים רוסיים, בעיקר היסטוריים ואגדות-מיתולוגיים; תשומת לב רבה לא רק לפיתוח ה"מהימן" של העלילה, אלא גם לפונטיקה ולסמנטיקה של המילה, ובכלל לקו הקולי, שנמצא תמיד בחזית, גם במקרה של תזמורת מאוד מפותחת; תפקיד משמעותי מאוד של סצנות מקהלה (לרוב - "עממיות"); דרמטורגיה מוזיקלית מסוג "דרך" ולא "ממוספר".
מוסורגסקי.
אופרות, כמו ז'אנרים אחרים הקשורים באינטונציה ווקאלית, מהוות את החלק העיקרי במורשתו של מודסט פטרוביץ' מוסורגסקי (1839–1881): כאדם צעיר, הוא החל את מסעו במוזיקה מתוך תוכנית אופרה (אופרה לא ממומשת גאן איסלנדילפי ו' הוגו) ונפטר, והותיר שתי אופרות לא גמורות - חוונשצ'ינהו יריד סורוצ'ינסקאיה(הראשונה הושלמה לחלוטין בקליבר, אך כמעט ללא נגינה; בשניה הולחנו הסצנות המרכזיות).
היצירה הגדולה הראשונה של מוסורגסקי הצעיר במחצית השנייה של שנות ה-60 הייתה האופרה סלמבו(לפי ג' פלובר, 1866; נותרה לא גמורה; במסמך אוטוביוגרפי מאוחר יותר, היצירה מוגדרת לא כ"אופרה", אלא כ"סצנות", ובמסגרת זו היא מבוצעת כיום). נוצר כאן דימוי מקורי לחלוטין של המזרח - לא כל כך ה"קרתגי" האקזוטי אלא הרוסי-מקראי, שיש לו הקבלות בציור ("סקיצות מקראיות" מאת אלכסנדר איבנוב) ובשירה (למשל, אלכסיי חומיאקוב). הכיוון ה"אנטי-רומנטי" ההפוך מיוצג על ידי האופרה המוקדמת השנייה והלא גמורה של מוסורגסקי - נישואים(על פי גוגול, 1868). זה, לפי הגדרת המחבר, "לימוד למבחן תא" ממשיך את הקו אורח אבןדרגומיז'סקי, אך מחדד אותה ככל האפשר על ידי בחירה בפרוזה במקום בשירה, עלילה שהיא לגמרי "אמיתית", ויותר מכך, "מודרנית", ובכך מרחיבה לקנה המידה של הז'אנר האופראי את אותם ניסויים של "במה-רומנטית" דרגומיז'סקי התחייב ( יועץ טיטולרי, תוֹלַעַתוכו') ומוסורגסקי עצמו.
בוריס גודונוב
(מהדורה ראשונה - 1868-1869; מהדורה שנייה - 1872, הועלתה ב-1874) בעלת כותרת משנה "לפי פושקין וקרמזין", היא מבוססת על הטרגדיה של פושקין, אך עם הוספות משמעותיות של המלחין. כבר בגרסה הראשונה, הקאמרית יותר של האופרה, התמקדה בדרמת האישיות כדרמה של "פשע ועונש" ( בוריס גודונוב– עכשווי פשעים ועונשים F.M. Dostoevsky), מוסורגסקי התרחק מאוד מכל קנוני אופרה - הן מבחינת עוצמת הדרמטורגיה וחדות השפה, והן בפרשנות העלילה ההיסטורית. עובד על המהדורה השנייה בוריס גודונוב, שכלל גם "מעשה פולני" מסורתי קצת יותר וגם סצנה של התקוממות עממית יוצאת דופן למדי באופרה ("מתחת לקרומי"), אולי מוסורגסקי כבר זכר את המשך ההתפתחות של תקדים "זמן הצרות" - מרד רזין, פרעות הסטרלטסי, הפילוג, הפוגאצ'בשצ'ינה, כלומר. עלילות אפשריות ומגולמות רק בחלקן של האופרות העתידיות שלהן - הכרוניקה המוזיקלית-היסטורית של רוסיה. מתוך תוכנית זו בוצעה רק הדרמה של הפיצול - חוונשצ'ינה, שאליו החל מוסורגסקי מיד לאחר השלמת המהדורה השנייה בוריס גודונוב, אפילו במקביל להשלמתו; במקביל, הרעיון של "דרמה מוזיקלית בהשתתפות הקוזקים של הוולגה" מופיע במסמכים, ומאוחר יותר מוסורגסקי מסמן את הקלטותיו של שירי עם "לאופרה האחרונה פוגאצ'בשצ'ינה».
בוריס גודונוב, במיוחד במהדורה הראשונה, מייצג סוג של אופרה עם התפתחות דרך של פעולה מוזיקלית, שבה קטעים שהושלמו מופיעים רק כשהם מותנים בסיטואציה הבימתית (מקהלת ההלל, קינת הנסיכה, הפולונז בנשף בארמון וכו'). בְּ חוונשצ'ינהמוסורגסקי הציב את המשימה ליצור, כלשונו, מנגינה "משמעותית/מוצדקת", והשיר הפך לבסיס שלה, כלומר. לא אינסטרומנטלי באופיו (כמו באריה קלאסית), אלא מבנה סטרופי, משתנה בחופשיות - בצורה "טהורה" או בשילוב עם אלמנט רסיטטיבי. נסיבות אלו קבעו במידה רבה את צורת האופרה, אשר, על אף שמירת המשכיות והנזילות של הפעולה, כללה הרבה יותר נאמברים "מושלמים", "מעוגלים" - ומקהלה ( חוונשצ'ינהבמידה הרבה יותר גדולה מאשר בוריס גודונוב, אופרת מקהלה - "דרמה מוזיקלית עממית"), וסולו.
בניגוד בוריס גודונוב, שעלה על במת תיאטרון מרינסקי במשך כמה שנים ויצאה לאור בחיי הסופר, חוונשצ'ינההופיע לראשונה במהדורה של רימסקי-קורסקוב עשור וחצי לאחר מותו של המחבר, בסוף שנות ה-90 הועלה באופרה הרוסית הפרטית של מוסקבה על ידי ש.י. בתיאטרון מרינסקי חוונשצ'ינההופיע, הודות למאמצים של אותו צ'אליאפין, ב-1911, כמעט במקביל להצגות האופרה בפריז ובלונדון על ידי מיזם דיאג'ילב (שלוש שנים קודם לכן, ההפקה הפריזאית של דיאגילב זכתה להצלחה סנסציונית בוריס גודונוב). במאה ה-20 נעשו ניסיונות חוזרים ונשנים להחיות ולהשלים נישואיםו יריד סורוצ'ינסקאיהבמהדורות שונות; עבור השני שבהם, הכוונה הייתה שחזור וי.שבלין.
רימסקי-קורסקוב.
מורשתו של ניקולאי אנדרייביץ' רימסקי-קורסקוב (1844–1908) ייצגה רבים מהז'אנרים המוזיקליים העיקריים, אך הישגיו הגדולים ביותר, כמו אלה של מוסורגסקי, היו קשורים לאופרה. זה עובר את כל חייו של המלחין: משנת 1868, תחילת החיבור של האופרה הראשונה ( פסקוביטיאנקה), עד 1907, השלמת האופרה האחרונה, החמש עשרה ( התרנגול הזהב). רימסקי-קורסקוב פעל באינטנסיביות במיוחד בז'אנר הזה מאמצע שנות ה-90: במהלך העשור וחצי הבאים יצר 11 אופרות. עד אמצע שנות ה-90 התקיימו כל הבכורות של האופרות של רימסקי-קורסקוב בתיאטרון מרינסקי; מאוחר יותר, מאמצע שנות ה-90, שיתוף הפעולה של המלחין עם האופרה הפרטית הרוסית במוסקבה של ש.י. מאמונטוב, שם רוב האופרות המאוחרות של קורסקוב, החל מ- סדקו. שיתוף הפעולה הזה מילא תפקיד מיוחד ביצירת סוג חדש של עיצוב והחלטה בימוי של הופעה מוזיקלית (כמו גם בפיתוח היצירתי של אמנים כאלה של מעגל הממותות כמו K.A. Korovin, V.M. Vasnetsov, M.A. Vrubel).
פעילות העריכה של רימסקי-קורסקוב היא ייחודית לחלוטין: בזכותו, לראשונה, חוונשצ'ינהו הנסיך איגור, שנותר לא גמור לאחר מותם של מוסורגסקי ובורודין (הגרסה של האופרה בורודינו נעשתה יחד עם א.ק. גלזונוב); הוא מכשיר אורח אבןדרגומיז'סקי (ופעמיים: לבכורה ב-1870 ושוב ב-1897-1902) ופורסם נישואיםמוסורגסקי; במהדורתו זכה לתהילה עולמית בוריס גודונובמוסורגסקי (ולמרות שגרסת המחבר מועדפת יותר ויותר, גרסת קורסקוב ממשיכה לרוץ בבתי קולנוע רבים); לבסוף, רימסקי-קורסקוב (יחד עם בלאקירב, ליאדוב וגלזונוב) הכין פעמיים את פרטי האופרה של גלינקה לפרסום. כך, ביחס לז'אנר האופראי (כמו גם במספר היבטים נוספים), יצירתו של רימסקי-קורסקוב מהווה מעין גרעין של המוזיקה הקלאסית הרוסית, המחברת בין עידן גלינקה ודרגומיז'סקי מהמאה ה-20.
בין 15 האופרות של רימסקי-קורסקוב אין ז'אנרים מאותו סוג; אפילו אופרות האגדות שלו שונות זו מזו במובנים רבים: עלמת שלג(1882) - "סיפור אביב", סיפורו של הצאר סלטן(1900) - "רק אגדה", קושיי בן האלמוות(1902) - "סיפור סתיו", התרנגול הזהב(1907) - "פיקציה בפנים". רשימה זו יכולה להימשך: פסקוביטיאנקה(1873) - כרוניקה באופרה, מלאדה(1892) - אופרה-בלט, ערב חג המולד(1895) - לפי הגדרת המחבר, "סיפור קרול", סדקו(1897) - אופרה אפית, מוצרט וסליירי(1898) - "סצנות דרמטיות" קאמריות, האגדה על העיר הבלתי נראית קיטז' והעלמה פברוניה(1904) - אופרה-סיפור (או "דרמה ליטורגית"). סוגי אופרה מסורתיים יותר כוללים קומדיה לירית. ליל מאי(אחרי גוגול, 1880), דרמה לירית על עלילה היסטורית רוסית כלה מלכותית(על פי L.A. May, 1899; והפרולוג לאופרה זו בויארינה ורה שלוגה, 1898) ושתי אופרות פחות מפורסמות (ואכן פחות מוצלחות) ממפנה המאות ה-19 וה-20. - מושל פאן(1904) על מוטיבים פולניים ו סרוויליה(1902) מבוסס על מחזה מאת מאי, המתרחש ברומא במאה הראשונה לספירה.
למעשה, רימסקי-קורסקוב עשה רפורמה בז'אנר האופראי בקנה מידה של היצירתיות שלו ובלי להכריז על סיסמאות תיאורטיות כלשהן. רפורמה זו הייתה קשורה להסתמכות על הדפוסים המבוססים כבר של בית הספר הרוסי (על רוסלנה ולודמילהגלינקה והעקרונות האסתטיים של קוצ'קיזם), אמנות עממית על ביטוייה המגוונים ביותר והצורות העתיקות ביותר של החשיבה האנושית - מיתוס, אפוס, אגדה (הנסיבות האחרונות מקרבות ללא ספק את המלחין הרוסי אל בן דורו הישן יותר - ריכרד וגנר, אם כי לפרמטרים העיקריים של עצמו רימסקי-קורסקוב הגיע למושג האופרה בעצמו, לפני שהתוודע לטטרלוגיה ולאופרות המאוחרות של וגנר). מאפיין אופייני לאופרות ה"מיתולוגיות" של רימסקי-קורסקוב הקשורות לפולחן השמש הסלאבי ( ליל מאי, ערב חג המולד, מלאדה, אופרות מהאגדות), היא "רב-עולמות": הפעולה מתרחשת בשני "עולמות" או יותר (אנשים, יסודות טבע והאנשותיהם, אלוהויות פגאניות), וכל "עולם" מדבר בשפה משלו, אשר מתאים להערכה העצמית של רימסקי-קורסקוב כמלחין של מחסן "אובייקטיבי". לאופרות של תקופת האמצע, מ ליל מאילפני לילות לפני חג המולד, הרוויה של הפעולה המוזיקלית בסצנות פולחניות וטקסיות (הקשורות לחגים של לוח השנה האיכרים העתיק - באופן כללי, כל השנה הפגאנית משתקפת באופרות של רימסקי-קורסקוב); ביצירות מאוחרות יותר, טקסיות, "חוק" (כולל נוצרי אורתודוקסי, ולעתים קרובות סינתזה של האמונה העממית "הישנה" וה"חדשה") מופיעים בצורה עקיפה ומעודנת יותר. למרות שהאופרות של המלחין הוצגו בקביעות במאה ה-19, הן זכו להערכה אמיתית רק בתחילת המאות ה-19 וה-20. ומאוחר יותר, בתקופת הכסף, שאליה היה המאסטר הזה הכי מתאים.
בורודין.
מַטָרָה הנסיך איגוראלכסנדר פורפירייביץ' בורודין (1833–1877) שייך לאותו עידן כמו התוכניות בוריס גודונוב, חוונשצ'ינהו פסקווויטים, כלומר עד סוף שנות השישים - תחילת שנות השבעים, אולם בשל נסיבות שונות, האופרה לא הסתיימה לחלוטין אפילו עד מותו של המחבר ב-1886, והקרנת הבכורה שלה (כפי שתוקנו על ידי רימסקי-קורסקוב וגלזונוב) התרחש כמעט במקביל מלכת ספידיםצ'ייקובסקי (1890). זה אופייני שבניגוד לבני דורו, שפנו לאירועים הדרמטיים של שלטונם של איוון האיום, בוריס גודונוב ופיטר הגדול לעלילות אופרה היסטוריות, בורודין לקח כבסיס את האנדרטה האפית העתיקה ביותר - מילה על הגדוד של איגור. בהיותו מדען טבע בולט, הוא יישם גישה מדעית לליברית האופרה, לקח את הפרשנות של המקומות הקשים של האנדרטה, חקר את עידן הפעולה, איסוף מידע על העמים הנוודים הקדומים המוזכרים ב. מִלָה. לבורודין היה השקפה מאוזנת ומציאותית על בעיית צורת האופרה ולא ביקש לשנות אותה לחלוטין. התוצאה הייתה מראה של יצירה לא רק יפה באופן כללי ובפרט, אלא גם, מצד אחד, דקה ומאוזנת, ומצד שני, מקורית בצורה יוצאת דופן. במוזיקה הרוסית של המאה ה-19. קשה למצוא רפרודוקציה "אותנטית" יותר של פולקלור איכרים מאשר במקהלת פוסליה או בקינה של ירוסלבנה. פרולוג המקהלה לאופרה, שבו האינטונציה ה"סקזקה" של הסצנות הרוסיות העתיקות של גלינקה רוסלנה, בדומה לפרסקו מימי הביניים. מניעים מזרחיים הנסיך איגור("הקטע הפולובציאני") מבחינת החוזק והאותנטיות של צביעת ה"ערבה" אין כמותם באמנות העולמית (מחקרים אחרונים הראו עד כמה בורודין התברר כרגיש לפולקלור המזרחי, אפילו מנקודת המבט של אתנוגרפיה מוזיקלית). והאותנטיות הזו משולבת בצורה הטבעית ביותר עם שימוש בצורות מסורתיות למדי של אריה גדולה - מאפייני הגיבור (איגור, קונצ'ק, ירוסלבנה, ולדימיר גליצקי, קונצ'קובנה), הדואט (ולדימיר וקנצ'קובנה, איגור וירוסלבנה ) ואחרים, כמו גם עם אלמנטים שהוכנסו לסגנונו של בורודין מהמוזיקה המערבית אירופאית (למשל, "שומניזמים", לפחות באותה אריה של ירוסלבנה).
קוי.
בסקירה של האופרה קוצ'קיסטית, יש לציין גם את שמו של קיסר אנטונוביץ' קוי (1835–1918) כמחבר של כמעט שני תריסר אופרות במגוון רחב של נושאים (מ. אסיר קווקזימבוסס על שירו של פושקין ו אנג'לומאת הוגו בעבר מדמואזל פיפילפי G. de Maupassant), שהופיעו והועלו על הבמה במשך חצי מאה. עד כה, כל האופרות של קוי נשכחות היטב, אך יש לעשות חריג עבור יצירתו הבוגרת הראשונה בז'אנר הזה - וויליאם רטקליףלפי ג' היינה. רטקליףהפכה לאופרה הראשונה של חוג בלאקירב שראתה את הבמה (1869), וכאן התגלם לראשונה החלום על דור חדש של אופרה-דרמה.
צ'ייקובסקי.
כמו רימסקי-קורסקוב ומוסורגסקי, לפיוטר איליץ' צ'ייקובסקי (1840–1893) הייתה משיכה חזקה לז'אנר האופרה (וגם, בניגוד לקוצ'קיסטים, לבלט) כל חייו: האופרה הראשונה שלו, מוֹשֵׁל(לפי א.נ. אוסטרובסקי, 1869), מתייחס לתחילתה של פעילות יצירתית עצמאית; בכורה של האחרון Iolanthe, התרחש פחות משנה לפני מותו הפתאומי של המלחין.
האופרות של צ'ייקובסקי נכתבות על מגוון נושאים - היסטוריים ( אופריצ'ניק, 1872; עוזרת אורלינס, 1879; מאזפה, 1883), קומיקס ( הנפח ואקולה, 1874, והגרסה של המחבר השני לאופרה זו - צ'רביצ'קי, 1885), ליריקה ( יוג'ין אונייגין, 1878; איולנטה, 1891), לירי-טרגי ( קוסמת, 1887; מלכת ספידים, 1890) ובהתאם לנושא, יש להם מראה שונה. אולם, להבנתו של צ'ייקובסקי, כל העלילות שבחר זכו לצביעה אישית, פסיכולוגית. הוא התעניין מעט יחסית בצבע המקומי, בתיאור המקום ובזמן הפעולה - צ'ייקובסקי נכנס לתולדות האמנות הרוסית בעיקר כיוצר של דרמה מוזיקלית לירית. לצ'ייקובסקי, כמו לקוצ'קיסטים, לא היה מושג אופרה אוניברסלי אחד, והוא השתמש בחופשיות בכל הצורות הידועות. למרות הסגנון אורח אבןתמיד נראה לו "מוגזם", הוא הושפע במקצת מהרעיון של דיאלוג אופרה, שבא לידי ביטוי בהעדפת דרמטורגיה מוזיקלית של נאום דרך, מתמשך ודיבור שיר מלודי במקום רסיטטיב "פורמלי" (כאן צ'ייקובסקי, אולם, הגיע לא רק מדרגומיז'סקי, אלא אפילו יותר מגלינקה, במיוחד מהנערץ עליו. חיים למלך). יחד עם זאת, צ'ייקובסקי, במידה הרבה יותר גדולה מאשר אצל פטרבורגים (למעט בורודין), מתאפיין בשילוב של המשכיות הפעולה המוזיקלית עם הבהירות והדיסקציה של הצורות הפנימיות של כל סצנה - הוא לא עושה זאת. לנטוש אריות מסורתיות, דואטים ודברים אחרים, מחזיק בצורה מופתית בצורת הרכב "סופי" מורכב (שבא לידי ביטוי בתשוקתו של צ'ייקובסקי לאמנותו של מוצרט בכלל והאופרות שלו בפרט). אם לא מקבל עלילות ואגנריות ומפסיק בתמיהה מול הצורה האופראית הואגנרית, שנראתה לו אבסורדית, צ'ייקובסקי, בכל זאת, מתקרב למלחין הגרמני בפרשנות של תזמורת האופרה: החלק האינסטרומנטלי רווי בהתפתחות סימפונית חזקה ואפקטיבית ( במובן זה, אופרות מאוחרות יוצאות דופן במיוחד, בעיקר מלכת ספידים).
בעשור האחרון לחייו נהנה צ'ייקובסקי מתהילתו של מלחין האופרה הרוסי הגדול ביותר, חלק מהאופרות שלו הועלו בתיאטראות זרים; גם לבלטים המאוחרים של צ'ייקובסקי היו בכורות ניצחון. עם זאת, הצלחה בתיאטרון המוזיקלי לא הגיעה למלחין מיד ומאוחר יותר מאשר בז'אנרים אינסטרומנטליים. באופן קונבנציונלי, במורשת המוזיקלית והתיאטרלית של צ'ייקובסקי, ניתן להבחין בשלוש תקופות: מוקדם, מוסקבה (1868–1877) - מוֹשֵׁל, אופריצ'ניק, הנפח ואקולה, יוג'ין אונייגיןו אגם הברבורים; בינוני, עד סוף שנות ה-80 - שלוש אופרות טרגיות גדולות: עוזרת אורלינס, מאזפהו קוסמת(כמו גם שינוי הנפח ואקולהב צ'רביצ'קי, ששינה משמעותית את מראה האופרה המוקדמת הזו); מאוחר - מלכת ספידים, איולנטה(המערכה ה"קטנה" היחידה של צ'ייקובסקי, אופרה קאמרית) ובלטים היפיפייה הנרדמתו מפצח האגוזים. ההצלחה האמיתית והגדולה הראשונה לוותה בבכורה במוסקבה יוג'ין אונייגיןעל ידי תלמידי הקונסרבטוריון במרץ 1879, הבכורה בסנט פטרסבורג של אופרה זו ב-1884 הפכה לאחת מפסגות דרכו היצירתית של המלחין ולתחילת הפופולריות האדירה של יצירה זו. השיא השני, ואף גבוה יותר, היה הבכורה מלכת ספידיםבשנת 1890.
אנטון רובינשטיין.
בין התופעות שלא השתלבו בכיווני ההתפתחות העיקריים של התיאטרון המוזיקלי הרוסי במאה ה-19, ניתן למנות את האופרות של אנטון גריגורייביץ' רובינשטיין (1829–1894): 13 אופרות ממש ו-5 אופרות-אורטוריות קדושות. מיטב יצירותיו המוזיקליות והתיאטרוניות של המלחין קשורות לנושא ה"מזרחי": אופרה מונומנטלית-דקורטיבית, אורטוריה. מכבים(1874, הועלה ב-1875), ליריקה שֵׁד(1871, נמסר ב-1875) ו שולמית (1883). שֵׁד(לפי לרמונטוב) היא הפסגה המוחלטת של מורשת האופרה של רובינשטיין ואחת האופרות הליריות הרוסיות והפופולריות ביותר.
בלרמברג ונפרבניק.
בין שאר מחברי האופרה מאותה תקופה, בולטים המלחין המוסקבה פאבל איבנוביץ' בלרמברג (1841–1907) והמלחין סנט פטרסבורג אדוארד פרנצביץ' נפרבניק (1839–1916), המנצח המפורסם וחסר תחליף של האופרה הרוסית בתיאטרון מרינסקי. במשך חצי מאה. בלרמברג היה אוטודידקט וניסה למלא אחר מצוות חוג בלאקירב, לפחות בבחירת המקצועות, בעיקר הרוסית (המלודרמה ההיסטורית שלו זכתה להצלחה הגדולה ביותר). טושינטימתקופת הצרות, 1895). בניגוד לבלרמברג, נפרבניק היה איש מקצוע ברמה גבוהה וללא ספק שלט בטכניקת ההלחנה; האופרה הראשונה שלו ניז'ני נובגורודעל נושא לאומי-פטריוטי (1868) הופיע על הבמה קצת מוקדם יותר מהאופרות ההיסטוריות הראשונות של קוצ'קיסט - בוריס גודונובו פסקווויטיםולפני הבכורה שלהם נהנו מהצלחה מסוימת; האופרה הבאה של נפרבניק, הרולד(1885), נוצר בהשפעתו הברורה של וגנר, בעוד שהמוצלח ביותר ועדיין נמצא לפעמים ברפרטואר התיאטרלי של האופרה של מחבר זה דוברובסקי(אחרי פושקין, 1894) שואב השראה מיצירתו של צ'ייקובסקי, המלחין הרוסי האהוב על נפרבניק (הוא ניצח על מספר בכורות אופרה וסימפוניה של צ'ייקובסקי).
טנייב.
בסוף המאה ה-19 האופרה היחידה (טרילוגיית אופרה) מאת סרגיי איבנוביץ' טנייב (1856–1915) נולדה orestea(על עלילת אייסכילוס, 1895). הליברית של האופרה, באופן כללי, יוצאת רחוק מהמקור העתיק, במובן של "פסיכולוגיזם" יוצא דופן לימי קדם, בפרשנות הרומנטית של הדימוי הנשי המרכזי. אף על פי כן, המאפיינים העיקריים של הסגנון של אופרה זו הופכים אותה לקשורה למסורת הקלאסית, בפרט, לטרגדיות המוזיקליות הליריות של גלוק. הטון הקפדני והמאופק של עבודתו של טנייב, שנוצרה על סף מאה חדשה, מקרב אותו לגילויים מאוחרים יותר של הכיוון הניאו-קלאסי (למשל, לאופרה-אורטוריה אדיפוס רקס I.F. סטרווינסקי).
מפנה של המאות ה-19-20
בעשור וחצי האחרונים של המאה ה-19. ובעשורים הראשונים של המאה הבאה, כלומר. בתקופה שלאחר מותו של מוסורגסקי, בורודין, צ'ייקובסקי (ובמקביל בימי הזוהר של יצירתו האופראית של רימסקי-קורסקוב), הועלו מספר מלחיני אופרה חדשים, בעיקר במוסקבה: מ.מ. איפוליטוב-איבנוב (1859–1859). 1935) ( רותלפי האגדה המקראית, 1887; אסיהלפי טורגנייב, 1900; בגידה, 1910; אולה מנורדלנד; 1916), א.ס. ארנסקי (1861–1906) ( לישון על הוולגהלפי אוסטרובסקי, 1888; רפאל, 1894; נאל ודמאיאנטי, 1903), V.I. Rebikov (1866–1920) ( בסופת רעמים, 1893; עץ חג המולד, 1900 ואחרים), S.V. Rakhmaninov (1873–1943) ( אלקולפי פושקין, 1892; אביר קמצןלפי פושקין ו פרנצ'סקה דה רימינילפי דנטה, 1904), A.T. Grechaninov (1864–1956) ( ניקיטיץ', 1901; האחות ביאטריסלפי M. Maeterlinck, 1910); נסו את כוחם בז'אנר האופרה גם Vas. S. Kalinnikov (1866–1900/1901) (פרולוג אופרה בשנת 1812, 1899) וא.ד. קסטלסקי (1856–1926) ( קלרה מיליץ'לפי טורגנייב, 1907). עבודתם של מחברים אלה הייתה קשורה לעתים קרובות לפעילותם של מפעלים פרטיים במוסקבה - תחילה האופרה הרוסית הפרטית של מוסקבה מאת ש. מאמונטוב, ולאחר מכן האופרה מאת ש.י. זימין; אופרות חדשות השתייכו בעיקר לז'אנר הקאמרי-לירי (כמה מהן חד מערכה). חלק מהיצירות המפורטות לעיל צמודות למסורת קוצ'קיסטית (למשל, האפוס ניקיטיץ'גרחנינוב, במידה מסוימת גם רותאיפוליטובה-איבנוב, המסומנת במקוריות של הטעם המזרחי, והאופרה של קסטלסקי, שבה המערכונים המוזיקליים של חיי היומיום מצליחים ביותר), אך במידה רבה עוד יותר, מחברי הדור החדש הושפעו מסגנון האופרה הלירית של צ'ייקובסקי (ארנסקי, רביקוב, האופרה הראשונה של רחמנינוב), וכן מגמות חדשות בבית האופרה האירופי של אז.
האופרה הראשונה של סטרווינסקי זָמִיר(על פי האגדה מאת ה.ק. אנדרסן, 1914) נוצר בפקודת מפעל דיאגילב והוא קשור מבחינה סגנונית עם האסתטיקה של עולם האמנות, כמו גם עם סוג חדש של דרמה מוזיקלית שהופיעה ב פליאס ומליסנדהג דביסי. האופרה השנייה שלו מאורה(עַל בית בקולומנהפושקינה, 1922) היא, מצד אחד, אנקדוטה מוזיקלית שנונה (או פרודיה), ומצד שני, סטייליזציה של הרומנטיקה האורבנית הרוסית של עידן פושקין. אופרה שלישית, אדיפוס רקס(1927), למעשה, איננה כל כך אופרה אלא אורטוריה בימתית ניאו-קלאסית (אם כי כאן נעשה שימוש בעקרונות ההלחנה והסגנון הווקאלי של האופרה האיטלקית). האופרה האחרונה של המלחין הרפתקאות הרייק, נכתב הרבה יותר מאוחר (1951) ואין לו שום קשר לתופעת האופרה הרוסית.
שוסטקוביץ'.
גם לשתי אופרות מאת דמיטרי דמיטריביץ' שוסטקוביץ' (1906–1975), שנכתבו על ידו בסוף שנות העשרים ותחילת שנות השלושים, היה גורל קשה: אף(על פי גוגול, 1929) ו ליידי מקבת' ממחוז מצנסק(על פי לסקוב, 1932, מהדורה ב' 1962). אף, יצירה בהירה וחדה מאוד, בסוף המאה ה-20. נהנה מפופולריות רבה ברוסיה ובמערב, קשור מבחינה סגנונית לתיאטרון האקספרסיוניסטי ומבוסס על העיקרון הנוקב ביותר של פארודיה, מגיע לסאטירה ההרסנית והמרושעת. מהדורה ראשונה ליידי מקבת'היה, במובן מסוים, המשך של הסגנון אף, והדמות הראשית של האופרה הזו עוררה אסוציאציות עם דמויות כמו מריה ב ווצקהא.ברג ואפילו סלומה באופרה באותו השם מאת ר' שטראוס. כידוע, זה כן ליידי מקבת', שזכתה להצלחה משמעותית בבכורה, הפכה ל"אובייקט" של כתבת התוכנית של עיתון "פרבדה". בלבול במקום מוזיקה(1934), שהשפיע רבות הן על גורלו של שוסטקוביץ' והן על המצב במוזיקה הסובייטית של אז. בגרסה השנייה, המאוחרת הרבה יותר של האופרה, ביצע המחבר הקלות משמעותיות - הן דרמטיות והן מוזיקליות-סגנוניות, וכתוצאה מכך היצירה לבשה צורה שהיתה קרובה מעט לזו הקלאסית של תיאטרון האופרה הרוסי, אך אבוד בשלמותו.
באופן כללי, בעיית האופרה הייתה חריפה למדי לאורך כל התקופה הסובייטית של התרבות המוזיקלית הרוסית. מכיוון שז'אנר זה נחשב לאחד ה"דמוקרטיים" ובו בזמן ה"אידיאולוגיים" ביותר, הרשויות שכיוונו את האמנות עודדו בדרך כלל מלחינים לעבוד בתחום זה, אך בו בזמן שלטו בו בקפדנות. בשנות ה-20 ובתחילת שנות ה-30, תרבות האופרה ברוסיה הייתה במצב מבריק: הפקות נפלאות של הרפרטואר הקלאסי הופיעו במוסקבה ולנינגרד, היצירות המערביות האחרונות הוצגו בהרחבה; ניסויים בתחום התיאטרון המוזיקלי בוצעו על ידי הבמאים הגדולים ביותר, החל מ-K.S.Stanislavsky ו-V.E. Meyerhold ואחרים. לאחר מכן, הרווחים הללו אבדו במידה רבה. זמן הניסויים בבית האופרה הסתיים בתחילת שנות ה-30 (בדרך כלל, לצד הפקות אופרות מאת פרוקופייב ושוסטקוביץ', אופרות המבוססות על עלילות "מהפכניות" מאת ל.ק. קניפר (1898–1974), V.V. (1889–1955), A.F. פשצ'נקו (1883–1972) ואחרים; כעת כולם שקעו בשכחה). באמצע שנות ה-30 עלתה התפיסה של מה שמכונה "אופרת השירים" כ"נגישה לעם": הסטנדרט שלה היה דון שקט(על פי מ' שולוחוב, 1935) I.I. Dzerzhinsky (1909–1978); האופרות של ט.נ. חרניקוב (יליד 1913), שהיו פופולריות בזמנן, שייכות לאותו זן לתוך הסערה(1939) ו-D.B.Kabalevsky (1904–1987) משפחת טאראס(1950). נכון, אופרות "רגילות" מוצלחות יותר או פחות הופיעו באותה תקופה, למשל אילוף הסוררת(1957) וי.שבאלין (1902–1963), דצמבריסטים(1953) יו.א. שפורינה (1887–1966). מאז שנות ה-60 חלה תקופה של התעוררות מסוימת בבית האופרה; זמן זה מאופיין בהופעת סוגים שונים של ז'אנרים "היברידיים" (אופרה-בלט, אופרה-אורטוריה וכו'); הז'אנרים של אופרה קאמרית, ובמיוחד מונו-אופרה, שנשכחו בעשורים הקודמים, מפותחים מאוד. בשנות ה-60-1990, פנו סופרים רבים לאופרה, כולל מוכשרים (בין המלחינים שפעלו באופן פעיל בתיאטרון המוזיקלי ניתן למנות את ר.ק. שצ'דרין (נ' 1932), א.פ. פטרוב (נ' 1930), ש.מ. סלונימסקי (יליד 1932), אופרות מעניינות נוצרו על ידי N. N. Karetnikov (1930–1994) ו-E. V. Denisov (1929–1996), אופרות מאת יו. , G.I. Banshchikov (נ. 1943) ואחרים. ז'אנר זה כמוביל בתרבות המוזיקלית הרוסית לא שוחזר, ויצירות מודרניות (מפנים וחוץ) מופיעות על פוסטרים של בתי אופרה מרכזיים רק באופן ספורדי. יש יוצאי דופן הם להקות קטנות מערים שונות, שמעלות אופרות חדשות מיד. עם זאת, לעתים רחוקות הם נשארים ברפרטואר במשך זמן רב.
7 אופרות רוסיות בעלות שם עולמיהאמן והסופר הרוסי קונסטנטין קורובין.
בוריס גודונוב. הַכתָרָה. 1934. סקיצה של תפאורה לאופרה של מ.פ. מוסורגסקי "בוריס גודונוב"
מקורה כחיקוי של מודלים מערביים, האופרה הרוסית תרמה תרומה חשובה לאוצר התרבות העולמית כולה. לאחר שהופיעה בעידן התקופה הקלאסית של האופרות הצרפתיות, הגרמניות והאיטלקיות, האופרה הרוסית במאה ה-19 לא רק הדביקה את בתי הספר לאומיים קלאסיים לאופרה, אלא גם גברה עליהם. מעניין שמלחינים רוסים בחרו באופן מסורתי נושאים בעלי אופי עממי גרידא ליצירותיהם.
1
"חיים למען הצאר" גלינקה
האופרה "חיים לצאר" או "איבן סוסינין" מספרת על אירועי 1612 - המערכה הפולנית של האדון נגד מוסקבה. הברון יגור רוזן הפך למחבר הליברית, אולם בימי ברית המועצות, מסיבות אידיאולוגיות, עריכת הליברית הופקדה בידי סרגיי גורודצקי. הצגת הבכורה של האופרה התקיימה בתיאטרון הבולשוי בסנט פטרסבורג ב-1836. במשך זמן רב את החלק של סוזנין ביצע פיודור חלאפין. לאחר המהפכה, "חיים למען הצאר" עזבו את הבמה הסובייטית. היו ניסיונות להתאים את העלילה לדרישות הזמן החדש: כך התקבלה סוזנין לקומסומול, והשורות האחרונות נשמעו כמו "תהילה, תהילה, מערכת סובייטית". הודות לגורודצקי, כשהאופרה עלתה בתיאטרון הבולשוי ב-1939, הוחלפה "השיטה הסובייטית" ב"העם הרוסי". מאז 1945, תיאטרון הבולשוי פתח את העונה באופן מסורתי עם הפקות שונות של איבן סוזנין מאת גלינקה. ההפקה הגדולה ביותר של האופרה בחו"ל התממשה, אולי, בלה סקאלה של מילאנו.
2
בוריס גודונוב מאת מוסורגסקי
את האופרה, שבה נבחר הצאר והעם כשתי דמויות, החל מוסורגסקי באוקטובר 1868. לכתיבת הליברית השתמש המלחין בטקסט של הטרגדיה של פושקין באותו שם ובחומרים מתולדות המדינה הרוסית של קרמזין. נושא האופרה היה שלטונו של בוריס גודונוב רגע לפני זמן הצרות. מוסורגסקי השלים את המהדורה הראשונה של האופרה בוריס גודונוב ב-1869, שהוצגה לוועדה התיאטרלית של מנהלת התיאטראות הקיסריים. עם זאת, המבקרים דחו את האופרה, וסירבו להעלות אותה בשל היעדר תפקיד נשי מבריק. מוסורגסקי הכניס לאופרה את המעשה ה"פולני" של קו האהבה של מרינה מנישק ודמיטרי השקר. הוא גם הוסיף סצנה מונומנטלית של התקוממות עממית, שהפכה את הגמר למרהיב יותר. למרות כל ההתאמות, האופרה נדחתה שוב. הוא הועלה רק שנתיים מאוחר יותר, ב-1874, על במת תיאטרון מרינסקי. בחו"ל התקיימה הבכורה של האופרה בתיאטרון הבולשוי באופרה הגדולה של פריז ב-19 במאי 1908.
3
מלכת הספידים מאת צ'ייקובסקי
את האופרה השלים צ'ייקובסקי בתחילת האביב של 1890 בפירנצה, וההפקה הראשונה התקיימה בדצמבר של אותה שנה בתיאטרון מרינסקי בסנט פטרבורג. האופרה נכתבה על ידי המלחין בהוראת התיאטרון הקיסרי, ולראשונה צ'ייקובסקי סירב לקבל את ההזמנה, בטענה לסירובו בהעדר "נוכחות בימתית ראויה" בעלילה. מעניין שבסיפורו של פושקין לגיבור יש את שם המשפחה הרמן (עם שתי "n" בסוף), ובאופרה הדמות הראשית היא אדם בשם הרמן - זו לא טעות, אלא שינוי מכוון של המחבר . בשנת 1892 הועלתה האופרה לראשונה מחוץ לרוסיה בפראג. ואז - ההפקה הראשונה בניו יורק ב-1910 והבכורה בלונדון ב-1915.
4
"הנסיך איגור" בורודין
הבסיס לליברית היה האנדרטה של הספרות הרוסית העתיקה "הסיפור על הקמפיין של איגור". רעיון העלילה הוצע לבורודין על ידי המבקר ולדימיר סטסוב באחד הערבים המוזיקליים אצל שוסטקוביץ'. האופרה נוצרה במשך 18 שנים, אך מעולם לא הושלמה על ידי המלחין. לאחר מותו של בורודין, העבודה על העבודה הושלמה על ידי גלזונוב ורימסקי-קורסקוב. יש דעה שגלזונוב הצליח לשחזר מהזיכרון את ביצועו של המחבר לפתיח האופרה ששמע פעם, אולם גלזונוב עצמו הפריך דעה זו. למרות העובדה שגלזונוב ורימסקי-קורסקוב עשו את רוב העבודה, הם התעקשו שהנסיך איגור הוא כולו אופרה מאת אלכסנדר פורפיריביץ' בורודין. הצגת הבכורה של האופרה התקיימה בתיאטרון מרינסקי בסנט פטרבורג בשנת 1890, לאחר 9 שנים היא נראתה על ידי קהל זר בפראג.
5
התרנגול הזהב מאת רימסקי-קורסקוב
האופרה "התרנגול המוזהב" נכתבה ב-1908 על פי אגדת פושקין באותו שם. אופרה זו הייתה יצירתו האחרונה של רימסקי-קורסקוב. תיאטראות אימפריאליים סירבו להעלות את האופרה. אבל ברגע שהקהל ראה אותה לראשונה בשנת 1909 בבית האופרה של מוסקבה של סרגיי זימין, האופרה הועלתה בתיאטרון הבולשוי חודש לאחר מכן, ואז היא החלה את תהלוכת הניצחון שלה ברחבי העולם: לונדון, פריז, ניו יורק, ברלין, ורוצלב.
6
"ליידי מקבת' ממחוז מצנסק" מאת שסטקוביץ'
האופרה, המבוססת על הרומן בעל אותו השם של לסקוב, הושלמה בדצמבר 1930 ועלתה לראשונה בתיאטרון מיכאילובסקי בלנינגרד בינואר 1934. ב-1935 הוצגה האופרה לקהל בקליבלנד, פילדלפיה, ציריך, בואנוס איירס, ניו יורק, לונדון, פראג, שטוקהולם. במחצית השנייה של שנות ה-30 ועד שנות ה-50 נאסר על העלאת האופרה ברוסיה, ושסטקוביץ' עצמו זכה לגינוי על ידי הנהגת המפלגה הקומוניסטית במדינה. היצירה תוארה כ"בלגן במקום מוזיקה", "נעשתה בכוונה תחילה" ושימשה דחיפה לרדיפה של המלחין. ההופעות ברוסיה התחדשו רק ב-1962, אבל הקהל ראה אופרה בשם קתרינה איזמאילובה.
7
"אורח האבן" דרגומיז'סקי
הרעיון של האופרה הגיע מאלכסנדר דרגומיז'סקי בשנת 1863. עם זאת, המלחין פקפק בהצלחתה וראה ביצירה "סיור" יצירתי, "כיף על דון ג'ובאני של פושקין". הוא כתב מוזיקה לטקסט של פושקין של אורח האבן מבלי לשנות בו אף מילה. אולם בעיות לב לא אפשרו למלחין לסיים את היצירה. הוא מת, וביקש בצוואתו את חבריו קווי ורימסקי-קורסקוב להשלים את העבודה. האופרה הוצגה לראשונה לקהל בשנת 1872 על במת תיאטרון מרינסקי בסנט פטרבורג. הבכורה הזרה התקיימה רק ב-1928 בזלצבורג. אופרה זו הפכה לאחת מ"אבני היסוד", מבלי לדעת זאת אי אפשר להבין לא רק את המוזיקה הקלאסית הרוסית, אלא גם את התרבות הכללית של ארצנו.
מוזיקה קלאסית עולמית אינה מתקבלת על הדעת ללא יצירותיהם של מלחינים רוסים. רוסיה, מדינה נהדרת עם אנשים מוכשרים ומורשתה התרבותית, תמיד הייתה בין הקטרים המובילים של הקידמה והאמנות העולמית, כולל מוזיקה. אסכולת המלחינים הרוסית, שמסורותיה הומשכו על ידי בתי הספר הסובייטיים והרוסים של ימינו, החלה במאה ה-19 עם מלחינים ששילבו אמנות מוזיקלית אירופית עם מנגינות עממיות רוסיות, וקישרו יחד את הצורה האירופית והרוח הרוסית.
אפשר לומר הרבה על כל אחד מהאנשים המפורסמים האלה, לכולם יש גורלות לא פשוטים, ולפעמים טראגיים, אבל בסקירה זו ניסינו לתת רק תיאור קצר של חייהם ויצירתם של מלחינים.
1.מיכאיל איבנוביץ' GLINKA (1804—1857)
מיכאיל איבנוביץ' גלינקה הוא מייסד המוזיקה הקלאסית הרוסית והמלחין הקלאסי המקומי הראשון שזכה לתהילת עולם. יצירותיו, המבוססות על מסורות בנות מאות השנים של המוזיקה העממית הרוסית, היו מילה חדשה באמנות המוזיקלית של ארצנו.
נולד במחוז סמולנסק, התחנך בסנט פטרבורג. גיבוש תפיסת העולם והרעיון המרכזי של עבודתו של מיכאיל גלינקה הוקל על ידי תקשורת ישירה עם אישים כמו A.S. Pushkin, V.A. Zhukovsky, A.S. Griboyedov, A.A. Delvig. את הדחף היצירתי ליצירתו הוסיפו טיול ארוך טווח באירופה בתחילת שנות ה-30 ופגישות עם המלחינים המובילים באותה תקופה - V. Bellini, G. Donizetti, F. Mendelssohn ומאוחר יותר עם G. Berlioz, J. מאיירביר. ההצלחה הגיעה ל-M.I. Glinka לאחר העלאת האופרה "איבן סוסינין" ("חיים למען הצאר") (1836), שהתקבלה בהתלהבות על ידי כולם, לראשונה במוזיקת העולם, אמנות המקהלה הרוסית והתרגול הסימפוני והאופראי האירופאי. בשילוב אורגני, כמו גם הופיע גיבור, בדומה לסוזנין, שתמונתו מסכמת את התכונות הטובות ביותר של הדמות הלאומית. VF Odoevsky תיאר את האופרה כ"אלמנט חדש באמנות, ותקופה חדשה מתחילה בהיסטוריה שלה - תקופת המוזיקה הרוסית".
האופרה השנייה - האפוס "רוסלן ולודמילה" (1842), שהיצירה עליו בוצעה על רקע מותו של פושקין ובתנאי החיים הקשים של המלחין, בשל אופייה החדשני העמוק של היצירה, הייתה מעורפלת התקבל על ידי הקהל והרשויות והביא למ.י. גלינקה רגשות קשים. לאחר מכן, הוא נסע הרבה, חי לסירוגין ברוסיה ומחוצה לה, בלי להפסיק להלחין. רומנים, יצירות סימפוניות וקאמריות נותרו במורשתו. בשנות ה-90, "השיר הפטריוטי" של מיכאיל גלינקה היה ההמנון הרשמי של הפדרציה הרוסית.
ציטוט של מ.י. גלינקה: "כדי ליצור יופי צריך להיות טהור בנשמה".
ציטוט לגבי M.I. Glinka: "כל האסכולה הסימפונית הרוסית, כמו כל עץ האלון בבלוט, כלולה בפנטזיה הסימפונית "קמארינסקאיה". P.I. צ'ייקובסקי
עובדה מעניינת: מיכאיל איבנוביץ' גלינקה לא היה שונה בבריאות טובה, למרות זאת הוא היה מאוד נוח וידע גיאוגרפיה טוב מאוד, אולי אם לא היה הופך למלחין, הוא היה הופך למטייל. הוא ידע שש שפות זרות, כולל פרסית.
2. אלכסנדר פורפירייביץ' בורודין (1833—1887)
אלכסנדר פורפירייביץ' בורודין, אחד המלחינים הרוסיים המובילים במחצית השנייה של המאה ה-19, בנוסף לכישרונו כמלחין, היה כימאי, רופא, מורה, מבקר ובעל כישרון ספרותי.
יליד סנט פטרסבורג, מאז ילדותו, כולם סביבו ציינו את פעילותו יוצאת הדופן, התלהבותו ויכולותיו בכיוונים שונים, בעיקר במוזיקה ובכימיה. A.P. בורודין הוא מלחין נאגט רוסי, לא היו לו מורים מקצועיים למוזיקאים, כל הישגיו במוזיקה נובעים מעבודה עצמאית על שליטה בטכניקת ההלחנה. היווצרותו של א.פ. בורודין הושפעה מעבודתו של מ.י. גלינקה (כמו גם כל המלחינים הרוסים מהמאה ה-19), ושני אירועים נתנו תנופה לעיסוק הקרוב בקומפוזיציה בתחילת שנות ה-60 - ראשית, ההיכרות והנישואים עם הפסנתרן המוכשר E.S. Protopopova, ושנית, המפגש עם M.A. Balakirev והצטרפות לקהילה היצירתית של מלחינים רוסים, המכונה "הקומץ האדיר". בסוף שנות השבעים והשמונים של המאה ה-19, א.פ. בורודין טייל וסייר רבות באירופה ובאמריקה, נפגש עם המלחינים המובילים בתקופתו, תהילתו גדלה, הוא הפך לאחד המלחינים הרוסים המפורסמים והפופולריים באירופה בסוף ה-19. המאה. המאה.
את המקום המרכזי ביצירתו של א.פ. בורודין תופסת האופרה "הנסיך איגור" (1869-1890), המהווה דוגמה לאפוס הגבורה הלאומי במוזיקה ושהוא עצמו לא הספיק לסיים (אותה הושלמה על ידי חבריו א.א. גלזונוב ונ.א. רימסקי-קורסקוב). ב"הנסיך איגור", על רקע תמונות מלכותיות של אירועים היסטוריים, השתקף הרעיון המרכזי של כל עבודתו של המלחין - אומץ, הוד רגוע, אצילות רוחנית של מיטב העם הרוסי והכוח האדיר של העם הרוסי כולו, המתבטא בהגנה על המולדת. למרות העובדה שא.פ. בורודין הותיר אחריו מספר קטן יחסית של יצירות, יצירתו מגוונת מאוד והוא נחשב לאחד מאבות המוזיקה הסימפונית הרוסית, שהשפיע על דורות רבים של מלחינים רוסים וזרים.
ציטוט על א.פ. בורודין: "הכישרון של בורודין עוצמתי ומדהים באותה מידה הן בסימפוניה והן באופרה וברומנטיקה. תכונותיו העיקריות הן חוזק ורוחב ענק, היקף עצום, זריזות ותנופה, בשילוב תשוקה מדהימה, רוך ויופי." V.V. Stasov
עובדה מעניינת: התגובה הכימית של מלחי כסף של חומצות קרבוקסיליות עם הלוגנים, וכתוצאה מכך פחמימנים מוחלפים בהלוגן, שאותם חקר לראשונה ב-1861, נקראת על שם בורודין.
3. צנוע פטרוביץ' MUSSORGSKY (1839—1881)
צנוע פטרוביץ' מוסורגסקי - אחד המלחינים הרוסים המבריקים של המאה ה-19, חבר ב"קומץ האדיר". עבודתו החדשנית של מוסורגסקי הקדימה בהרבה את זמנה.
נולד במחוז פסקוב. כמו אנשים מוכשרים רבים, מילדות הוא הראה כישרון במוזיקה, למד בסנט פטרבורג, היה, על פי המסורת המשפחתית, איש צבא. האירוע המכריע שקבע שמוסורגסקי נולד לא לשירות צבאי, אלא למוזיקה, היה פגישתו עם מ.א. בלאקירב והצטרפות ל"חופן האדיר". מוסורגסקי גדול משום שביצירותיו הגרנדיוזיות - האופרות "בוריס גודונוב" ו"חוונשצ'ינה" - הוא לכד במוזיקה את אבני הדרך הדרמטיות של ההיסטוריה הרוסית בחידוש רדיקלי שהמוזיקה הרוסית לא הכירה לפניו, והראה בהן שילוב של המונים. סצנות עממיות ועושר מגוון של טיפוסים, האופי הייחודי של העם הרוסי. אופרות אלו, במהדורות רבות הן של המחבר והן של מלחינים אחרים, הן בין האופרות הרוסיות הפופולריות ביותר בעולם. יצירה יוצאת דופן נוספת של מוסורגסקי היא מחזור יצירות הפסנתר "תמונות בתערוכה", מיניאטורות צבעוניות ויצירתיות חודרות לנושא הפזמון הרוסי והאמונה האורתודוקסית.
היה הכל בחייו של מוסורגסקי - גם גדלות וגם טרגדיה, אבל הוא תמיד היה מובחן בטוהר רוחני אמיתי ובחוסר עניין. שנותיו האחרונות היו קשות – חיים מעורערים, אי הכרה ביצירתיות, בדידות, התמכרות לאלכוהול, כל זה קבע את מותו המוקדם בגיל 42, הוא הותיר יצירות מעטות יחסית, שחלקן הושלמו על ידי מלחינים אחרים. הלחן הספציפי וההרמוניה החדשנית של מוסורגסקי צפו כמה מאפיינים של ההתפתחות המוזיקלית של המאה ה-20 ומילאו תפקיד חשוב בפיתוח הסגנונות של מלחיני עולם רבים.
ציטוט של חבר הפרלמנט מוסורגסקי: "צלילי הדיבור האנושי, כביטויים חיצוניים של מחשבה ותחושה, חייבים, ללא הגזמה ואונס, להפוך למוזיקה אמיתית, מדויקת, אך אמנותית, אמנותית ביותר".
ציטוט על מ.פ. מוסורגסקי: "צלילים רוסיים אבוריג'ינים בכל מה שמוסורגסקי עשה" נ.ק. רוריך
עובדה מעניינת: בסוף ימיו, מוסורגסקי, בלחץ "החברים" סטסוב ורימסקי-קורסקוב, ויתר על זכויות היוצרים על יצירותיו והציג אותן לטרטי פיליפוב.
4. פיטר איליץ' צ'ייקובסקי (1840—1893)
פיוטר איליץ' צ'ייקובסקי, אולי גדול המלחינים הרוסי במאה ה-19, העלה את האמנות המוזיקלית הרוסית לגבהים חסרי תקדים. הוא אחד המלחינים החשובים ביותר של המוזיקה הקלאסית העולמית.
יליד מחוז ויאטקה, למרות ששורשיו האבהיים באוקראינה, צ'ייקובסקי הראה יכולות מוזיקליות מילדותו, אך השכלתו ועבודתו הראשונה היו בתחום המשפטים. צ'ייקובסקי הוא אחד המלחינים ה"מקצועיים" הרוסים הראשונים - הוא למד תורת מוזיקה והלחנה בקונסרבטוריון החדש של סנט פטרבורג. צ'ייקובסקי נחשב למלחין "מערבי", בניגוד לדמויות העממיות של "הקומץ האדיר", עמם היו לו יחסי יצירה וידידות טובים, אך יצירתו חדורה לא פחות ברוח הרוסית, הוא הצליח לשלב באופן ייחודי בין מורשת סימפונית מערבית של מוצרט, בטהובן ושומאן עם מסורות רוסיות בירושה מיכאיל גלינקה.
המלחין ניהל חיים פעילים - הוא היה מורה, מנצח, מבקר, איש ציבור, עבד בשתי בירות, סייר באירופה ובאמריקה. צ'ייקובסקי היה אדם די לא יציב מבחינה רגשית, התלהבות, דכדוך, אדישות, נסערות, כעס אלים - כל מצבי הרוח האלה השתנו בו לעתים קרובות למדי, בהיותו אדם מאוד חברותי, הוא תמיד שאף לבדידות.
זו משימה קשה לייחד משהו מהטוב ביותר מיצירתו של צ'ייקובסקי, יש לו כמה יצירות שוות בגודלן כמעט בכל הז'אנרים המוזיקליים - אופרה, בלט, סימפוניה, מוזיקה קאמרית. התוכן של המוזיקה של צ'ייקובסקי הוא אוניברסלי: במנגינות שאין דומה לה, היא חובקת דימויים של חיים ומוות, אהבה, טבע, ילדות, יצירות של ספרות רוסית ועולמית מתגלות בה בצורה חדשה, תהליכים עמוקים של חיים רוחניים משתקפים.
ציטוט של מלחין:
"אני אמן שיכול וחייב להביא כבוד למולדתו. אני מרגיש עוצמה אמנותית גדולה בעצמי, עדיין לא עשיתי אפילו עשירית ממה שאני יכול לעשות. ואני רוצה לעשות את זה בכל הכוח שלי. נֶפֶשׁ."
"לחיים יש קסם רק כשהם מורכבים מחילופין של שמחות וצער, מהמאבק בין טוב לרע, של אור וצל, במילה אחת, מגיוון באחדות."
"כישרון גדול דורש עבודה קשה".
ציטוט על המלחין: "אני מוכן יום ולילה לעמוד על משמר הכבוד במרפסת הבית שבו גר פיוטר איליץ' - עד כדי כך אני מכבד אותו" א.פ. צ'כוב
עובדה מעניינת: אוניברסיטת קיימברידג' בהיעדר וללא הגנה על עבודת גמר העניקה לצ'ייקובסקי את התואר דוקטור למוזיקה, והאקדמיה לאמנויות יפות של פריז בחרה בו כחבר מקביל.
5. ניקולאי אנדרייביץ' רימסקי-קורסקוב (1844—1908)
ניקולאי אנדרייביץ' רימסקי-קורסקוב הוא מלחין רוסי מוכשר, אחת הדמויות החשובות ביותר ביצירת מורשת מוזיקלית ביתית שלא יסולא בפז. לעולמו המיוחד ולסגידה ליופי הנצחי המקיף של היקום, להערצה לנס ההוויה, לאחדות עם הטבע אין אנלוגים בהיסטוריה של המוזיקה.
נולד במחוז נובגורוד, על פי המסורת המשפחתית, הוא הפך לקצין ימי, על ספינת מלחמה הוא טייל ברחבי מדינות רבות באירופה ובשתי אמריקה. את השכלתו המוזיקלית קיבל תחילה מאמו, ולאחר מכן לקח שיעורים פרטיים מהפסנתרן פ. קאניל. ושוב, בזכות מ.א. בלאקירב, מארגן "הקומץ האדיר", שהכניס את רימסקי-קורסקוב לקהילה המוזיקלית והשפיע על יצירתו, העולם לא איבד מלחין מוכשר.
את המקום המרכזי במורשתו של רימסקי-קורסקוב תופסות אופרות - 15 יצירות המדגימות מגוון החלטות ז'אנריות, סגנוניות, דרמטיות, קומפוזיוניות של המלחין, ובכל זאת בעלות סגנון מיוחד - עם כל העושר של המרכיב התזמורתי, קווים ווקאליים מלודיים הם העיקריים שבהם. שני כיוונים עיקריים מבחינים ביצירתו של המלחין: הראשון הוא ההיסטוריה הרוסית, השני הוא עולם האגדות והאפוס, שעליו קיבל את הכינוי "מספר סיפורים".
בנוסף לפעילות יצירתית עצמאית ישירה, נ.א. רימסקי-קורסקוב ידוע כפובליציסט, מהדר של אוספי שירי עם, שבהם גילה עניין רב, וגם כפיינליסט של יצירות חבריו - דרגומיז'סקי, מוסורגסקי ובורודין. רימסקי-קורסקוב היה מייסד בית הספר למלחינים, כמורה וראש הקונסרבטוריון של סנט פטרבורג הפיק כמאתיים מלחינים, מנצחים, מוזיקולוגים, ביניהם פרוקופייב וסטרווינסקי.
ציטוט על המלחין: "רימסקי-קורסקוב היה אדם רוסי מאוד ומלחין רוסי מאוד. אני מאמין שצריך להעריך במיוחד היום את המהות הרוסית הקדומה הזו שלו, הבסיס הפולקלור-רוסי העמוק שלו". מסטיסלב רוסטרופוביץ'
עבודתם של מלחינים רוסים מסוף המאה ה-19 - המחצית הראשונה של המאה ה-20 היא המשך הוליסטי של מסורות האסכולה הרוסית. יחד עם זאת, המושג של גישה לשיוך ה"לאומי" של מוזיקה זו או אחרת נקרא, למעשה אין ציטוט ישיר של מנגינות עממיות, אבל הבסיס לאינטונציה הרוסית, הנשמה הרוסית, נשאר.
6. אלכסנדר ניקולאביץ' סקרייבין (1872 - 1915)
אלכסנדר ניקולאביץ' סקריאבין הוא מלחין ופסנתרן רוסי, אחד האישים המבריקים של התרבות המוזיקלית הרוסית והעולמית. היצירה המקורית והפואטית העמוקת של סקריאבין בלטה בחדשנותה גם על רקע לידתן של מגמות חדשות רבות באמנות הקשורות לשינויים בחיים הציבוריים בתחילת המאה ה-20.
נולד במוסקבה, אמו נפטרה מוקדם, אביו לא יכול היה לשים לב לבנו, שכן שימש כשגריר בפרס. סקריאבין גדל על ידי דודתו וסבו, מילדותו הראה יכולות מוזיקליות. בתחילה למד בחיל הצוערים, לקח שיעורי פסנתר פרטיים, לאחר שסיים את החיל נכנס לקונסרבטוריון של מוסקבה, חברו לכיתה היה S.V. Rakhmaninov. לאחר שסיים את לימודיו בקונסרבטוריון, סקריאבין התמסר כולו למוזיקה - כפסנתרן-מלחין קונצרטים, הוא סייר באירופה וברוסיה, ובילה את רוב זמנו בחו"ל.
שיא יצירתו של סקריאבין היה בשנים 1903-1908, כאשר הסימפוניה השלישית ("שיר אלוהי"), "שיר האקסטזה" הסימפוני, "טראגי" ו"שטני" שירי פסנתר, סונטות רביעית וחמישית ויצירות נוספות. מְשׁוּחרָר. "שיר האקסטזה", המורכב ממספר נושאים-דימויים, ריכז את רעיונותיו היצירתיים של סרייבין ומהווה את יצירת המופת הבהירה שלו. הוא שילב בהרמוניה את אהבתו של המלחין לעוצמתה של תזמורת גדולה והצליל הלירי והאוורירי של כלי סולו. האנרגיה החיונית האדירה, התשוקה הלוהטת, כוח הרצון החזק הגלום ב"שיר האקסטזה" עושה רושם שאין לעמוד בפניו על המאזין ועד היום שומרת על עוצמת השפעתה.
יצירת מופת נוספת של סקריאבין היא "פרומתאוס" ("שיר האש"), שבו עדכן המחבר לחלוטין את שפתו ההרמונית, תוך יציאה ממערכת הצלילים המסורתית, ולראשונה בהיסטוריה, יצירה זו הייתה אמורה להיות מלווה בצבע. מוזיקה, אבל הבכורה, מסיבות טכניות, לא עברה אפקטי אור.
ה"מסתורין" האחרון הלא גמור היה הרעיון של סקריאבין, חולם, רומנטיקן, פילוסוף, לפנות לכל האנושות ולעורר בו השראה ליצור סדר עולמי פנטסטי חדש, האיחוד של הרוח האוניברסלית עם החומר.
ציטוט מאת א.נ. סקריאבין: "אני הולך להגיד להם (לאנשים) שהם... לא מצפים לכלום מהחיים חוץ ממה שהם יכולים ליצור לעצמם... אני הולך להגיד להם שאין מה להתאבל בערך, שאין הפסד "כדי שלא יפחדו מהייאוש, שרק יכול להוליד ניצחון אמיתי. חזק ועוצמתי הוא מי שחווה את הייאוש וכבש אותו".
ציטוט על א.נ. סקריאבין: "עבודתו של סקריאבין הייתה זמנו, שהתבטאה בצלילים. אבל כשהזמני, החולף, מוצא את ביטויו ביצירתו של אמן גדול, הוא מקבל משמעות קבועה והופך מתמשך". G. V. Plekhanov
7. סרגיי ואסילביץ' רחמנינוב (1873 - 1943)
סרגיי ואסילביץ' רחמנינוב הוא גדול המלחינים העולמיים של תחילת המאה ה-20, פסנתרן ומנצח מוכשר. הדימוי היצירתי של רחמנינוב כמלחין מוגדר לעתים קרובות בכינוי "המלחין הרוסי ביותר", תוך שימת דגש בניסוח קצר זה על יתרונותיו באיחוד המסורות המוזיקליות של בתי הספר למלחינים במוסקבה ובסנט פטרבורג וביצירת סגנון ייחודי משלו, שבולטת במנותק בתרבות המוזיקלית העולמית.
נולד במחוז נובגורוד, מגיל ארבע החל ללמוד מוזיקה בהדרכת אמו. הוא למד בקונסרבטוריון סנט פטרבורג, לאחר 3 שנות לימוד עבר לקונסרבטוריון של מוסקבה וסיים את לימודיו עם מדליית זהב גדולה. הוא התפרסם במהירות כמנצח ופסנתרן, והלחין מוזיקה. הבכורה הרת אסון של הסימפוניה הראשונה פורצת הדרך (1897) בסנט פטרסבורג עוררה משבר מלחין יצירתי, שממנו יצא רחמנינוף בתחילת שנות ה-1900 עם סגנון בוגר ששילב כתיבת שירים של הכנסייה הרוסית, רומנטיקה אירופית יוצאת, אימפרסיוניזם מודרני וניאו-קלאסיציזם, כולם רוויים. עם סמליות מורכבת. בתקופה יצירתית זו נולדו מיטב יצירותיו, בהן 2 ו-3 קונצ'רטו לפסנתר, הסימפוניה השנייה והיצירה האהובה עליו - השיר "הפעמונים" למקהלה, סולנים ותזמורת.
בשנת 1917 נאלצו רחמנינוב ומשפחתו לעזוב את ארצנו ולהתיישב בארצות הברית. כמעט עשר שנים לאחר עזיבתו לא הלחין דבר, אלא סייר רבות באמריקה ובאירופה והוכר כאחד מגדולי הפסנתרנים של התקופה וכגדול המנצחים. על אף כל הפעילות הסוערת, נותר רחמנינוף אדם פגיע וחסר ביטחון, השואף לבדידות ואף לבדידות, נמנע מתשומת לב פולשנית של הציבור. הוא באמת אהב וייחל למולדתו, תוהה אם עשה טעות בכך שעזב אותה. הוא התעניין כל הזמן בכל האירועים המתרחשים ברוסיה, קרא ספרים, עיתונים ומגזינים, עזר כלכלית. יצירותיו האחרונות - סימפוניה מס' 3 (1937) ו"ריקודים סימפוניים" (1940) הפכו לתוצאה של דרכו היצירתית, כשהיא סופגת את כל המיטב מסגנונו הייחודי ואת התחושה הנוגה של אובדן וגעגועים בלתי הפיכים.
ציטוט של S.V. רחמנינוב:
"אני מרגיש כמו רוח רפאים שמשוטטת לבד בעולם שזר לו."
"האיכות הגבוהה ביותר של כל אמנות היא הכנות שלה."
"מלחינים גדולים תמיד ומעל הכל הקדישו תשומת לב למנגינה כעיקרון המוביל במוזיקה. המנגינה היא המוזיקה, הבסיס העיקרי של כל מוזיקה... כושר המצאה מלודי, במובן העליון של המילה, הוא מטרת החיים העיקרית של המלחין. ... מאת מסיבה זו, המלחינים הגדולים של העבר גילו כל כך הרבה עניין במנגינות העממיות של ארצותיהם.
ציטוט על S.V. רחמנינוב:
"רחמנינוב היה עשוי מפלדה וזהב: פלדה בידיו, זהב בלבו. אני לא יכול לחשוב עליו בלי דמעות. לא רק השתחווה לפני האמן הגדול, אלא אהבתי את האיש שבו." אני הופמן
"המוזיקה של רחמנינוב היא האוקיינוס. הגלים שלו - מוזיקליים - מתחילים כל כך הרבה מעבר לאופק, ומרימים אותך כל כך גבוה ומורידים אותך כל כך לאט... שאתה מרגיש את הכוח והנשימה האלה". א' קונצ'לובסקי
עובדה מעניינת: במהלך המלחמה הפטריוטית הגדולה, רחמנינוב נתן כמה קונצרטים של צדקה, את הכסף שנאסף ממנו שלח לקרן הצבא האדום כדי להילחם בפולשים הנאצים.
8. איגור פיודורוביץ' סטרווינסקי (1882-1971)
איגור פיודורוביץ' סטרווינסקי הוא אחד ממלחיני העולם המשפיעים ביותר במאה ה-20, מנהיג הניאו-קלאסיציזם. סטרווינסקי הפך ל"מראה" של העידן המוזיקלי, יצירתו משקפת את ריבוי הסגנונות, מצטלבים כל הזמן וקשה לסיווג. הוא משלב בחופשיות ז'אנרים, צורות, סגנונות, בוחר אותם מתוך מאות שנים של היסטוריה מוזיקלית ומכפיף אותם לכללים שלו.
נולד ליד סנט פטרסבורג, למד בפקולטה למשפטים של אוניברסיטת סנט פטרסבורג, למד באופן עצמאי דיסציפלינות מוזיקליות, לקח שיעורים פרטיים מ-N.A.Rimsky-Korsakov, זה היה בית הספר להלחנה היחיד של סטרווינסקי, שבזכותו הוא שלט בטכניקת ההלחנה לשלמות. הוא החל להלחין מקצועית מאוחר יחסית, אך העלייה הייתה מהירה - סדרה של שלושה בלטים: ציפור האש (1910), פטרושקה (1911) וטקס האביב (1913) הביאו אותו מיד למספר המלחינים בסדר גודל ראשון. .
בשנת 1914 הוא עזב את רוסיה, כפי שהתברר כמעט לנצח (בשנת 1962 היו סיורים בברית המועצות). סטרווינסקי הוא קוסמופוליטי, לאחר שנאלץ לשנות מספר מדינות - רוסיה, שוויץ, צרפת, ובסופו של דבר התגורר בארה"ב. יצירתו מחולקת לשלוש תקופות - "רוסית", "ניאו-קלאסית", "ייצור סדרתי" אמריקאי, התקופות מחולקות לא לפי זמן החיים במדינות שונות, אלא לפי "כתב ידו" של המחבר.
סטרווינסקי היה אדם מאוד משכיל, חברותי עם חוש הומור נפלא. חוג מכריו וכתביו כלל מוזיקאים, משוררים, אמנים, מדענים, אנשי עסקים, מדינאים.
ההישג הגבוה ביותר האחרון של סטרווינסקי - "רקוויאם" (מזמורים למתים) (1966) ספג ושילב את הניסיון האמנותי הקודם של המלחין, והפך לאפותיאוזה אמיתית של יצירתו של המאסטר.
ביצירתו של סטווינסקי בולט תכונה ייחודית אחת – "ייחוד", לא בכדי הוא כונה "המלחין של אלף ואחד הסגנונות", השינוי המתמיד של ז'אנר, סגנון, כיוון העלילה - כל יצירה שלו היא ייחודי, אבל הוא כל הזמן חזר לעיצובים שבהם המוצא הרוסי גלוי, שמע שורשים רוסיים.
ציטוט של I.F. סטרווינסקי: "אני מדבר רוסית כל חיי, יש לי סגנון רוסי. אולי במוזיקה שלי זה לא נראה מיד, אבל זה טבוע בזה, זה בטבע החבוי שלה"
ציטוט על I.F. סטרווינסקי: "סטרווינסקי הוא מלחין רוסי באמת... הרוח הרוסית בלתי ניתנת להריסה בלב הכישרון הגדול והרב-גוני הזה, שנולד מהארץ הרוסית ומחובר אליה באופן חיוני..." ד. שוסטקוביץ'
עובדה מעניינת (אופניים):
פעם אחת בניו יורק, סטרווינסקי לקח מונית והופתע לקרוא את שמו על השלט.
- אתה לא קרוב משפחה של המלחין? הוא שאל את הנהג.
- יש מלחין עם שם משפחה כזה? - הנהג הופתע. - שמע את זה בפעם הראשונה. עם זאת, סטרווינסקי הוא שמו של בעל המונית. אין לי שום קשר למוזיקה - שמי רוסיני...
9. סרגיי סרגייביץ' פרוקופייב (1891—1953)
סרגיי סרגייביץ' פרוקופייב - מגדולי המלחינים הרוסים של המאה ה-20, פסנתרן, מנצח.
נולד באזור דונייצק, מילדות הצטרף למוזיקה. פרוקופייב יכול להיחשב לאחד הבודדים (אם לא היחידים) המוזיקליים הרוסיים "מופלאות", מגיל 5 הוא עסק בהלחנה, בגיל 9 כתב שתי אופרות (כמובן, היצירות הללו עדיין לא בשלות, אבל הם מראים רצון ליצירה), בגיל 13 הוא עבר בחינות בקונסרבטוריון סנט פטרבורג, בין מוריו היה נ.א. רימסקי-קורסקוב. תחילת הקריירה המקצועית שלו גרמה לסערה של ביקורת ואי הבנה של סגנונו האינדיבידואלי האנטי-רומנטי ביסודו והמודרניסטי ביותר, הפרדוקס הוא שבשבירה של הקנונים האקדמיים, מבנה היצירות שלו נשאר נאמן לעקרונות הקלאסיים והפך לאחר מכן ל- כוח מעכב של ספקנות מודרניסטית המתכחשת לכל. כבר מתחילת הקריירה שלו הופיע פרוקופייב וסייר הרבה. ב-1918 יצא למסע הופעות בינלאומי, כולל ביקור בברית המועצות, ולבסוף חזר למולדתו ב-1936.
המדינה השתנתה והיצירתיות ה"חופשית" של פרוקופייב נאלצה לפנות מקום למציאות של הדרישות החדשות. כישרונו של פרוקופייב פרח במרץ מחודש - הוא כותב אופרות, בלט, מוזיקה לסרטים - מוזיקה חדה, בעלת רצון עז, מדויקת ביותר עם דימויים ורעיונות חדשים, הניחה את היסודות למוזיקה ולאופרה הסובייטית הקלאסית. ב-1948 התרחשו שלושה אירועים טרגיים כמעט בו-זמנית: בחשד לריגול, נעצרה אשתו הספרדיה הראשונה והוגלה למחנות; הוצא צו הפוליביורו של הוועד המרכזי של המפלגה הקומוניסטית של כל האיחודים של הבולשביקים שבו הותקפו פרוקופייב, שוסטקוביץ' ואחרים והואשמו ב"פורמליזם" ובסכנות המוזיקה שלהם; חלה הידרדרות חדה בבריאותו של המלחין, הוא פרש לארץ ולמעשה לא עזב אותה, אלא המשיך להלחין.
כמה מהיצירות הבהירות ביותר של התקופה הסובייטית היו האופרות "מלחמה ושלום", "סיפורו של אדם אמיתי"; הבלטים "רומיאו ויוליה", "סינדרלה", שהפכו לסטנדרט חדש של מוזיקת הבלט העולמית; אורטוריה "על משמר העולם"; מוזיקה לסרטים "אלכסנדר נבסקי" ו"איבן האיום"; סימפוניות מס' 5,6,7; עבודת פסנתר.
עבודתו של פרוקופייב בולטת בגיוון וברוחב הנושאים שלה, מקוריות החשיבה המוזיקלית, הרעננות והמקוריות שלו היוו עידן שלם בתרבות המוזיקלית העולמית של המאה ה-20 והשפיעו רבות על מלחינים סובייטים וזרים רבים.
ציטוט של S.S. Prokofiev:
"האם אמן יכול לעמוד מרוחק מהחיים?.. אני משוכנע שמלחין, כמו משורר, פסל, צייר, נקרא לשרת את האדם והעם... קודם כל, עליו להיות אזרח ב האמנות שלו, שרה על חיי אדם ומובילה את האדם לעתיד מזהיר יותר...
"אני ביטוי של חיים, שנותן לי את הכוח להתנגד לכל לא רוחני"
ציטוט על ש"ס פרוקופייב: "... כל ההיבטים של המוזיקה שלו יפים. אבל יש כאן דבר אחד יוצא דופן לחלוטין. כנראה שלכולנו יש איזה כישלונות, ספקות, רק מצב רוח רע. וברגעים כאלה, גם אם אני לא מנגן ולא מקשיב לפרוקופייב, אלא רק חושב עליו, אני מקבל בוסט מדהים של אנרגיה, אני מרגיש רצון גדול לחיות, לפעול” א' קיסין
עובדה מעניינת: פרוקופייב אהב מאוד שחמט, והעשיר את המשחק ברעיונותיו ובהישגיו, כולל השחמט ה"תשע" שהמציא – לוח 24X24 ועליו מונחים תשע מערכות כלים.
10. דמיטרי דמיטריביץ' שוסטקוביץ' (1906 - 1975)
דמיטרי דמיטריביץ' שוסטקוביץ' הוא אחד המלחינים המשמעותיים והמבוצעים בעולם, השפעתו על המוזיקה הקלאסית המודרנית היא בלתי ניתנת למדידה. יצירותיו הן ביטויים אמיתיים לדרמה האנושית הפנימית ולתולדות המאורעות הקשים של המאה ה-20, שבה האישי העמוק שזור בטרגדיה של האדם והמין האנושי, עם גורל מדינת הולדתו.
יליד סנט פטרסבורג, קיבל את שיעוריו המוזיקליים הראשונים מאמו, בוגרת הקונסרבטוריון בסנט פטרסבורג, עם כניסתו אליו השווה הרקטור אלכסנדר גלזונוב אותו עם מוצרט - הוא הרשים את כולם בזיכרון המוזיקלי המצוין שלו, באוזן החדה ובמתנת המלחין שלו. . כבר בתחילת שנות ה-20, עד סוף הקונסרבטוריון, היה לשוסטקוביץ' מטען של יצירותיו שלו והפך לאחד המלחינים הטובים בארץ. תהילת עולם הגיעה לשוסטקוביץ' לאחר שזכה בתחרות שופן הבינלאומית הראשונה ב-1927.
עד תקופה מסוימת, כלומר לפני הפקת האופרה "ליידי מקבת' ממחוז מצנסק", עבד שוסטקוביץ' כאמן עצמאי - "אוונגרד", והתנסה בסגנונות ובז'אנרים. הגינוי החריף של אופרה זו ב-1936 והדחקות של 1937 הניחו את היסוד למאבק הפנימי המתמיד של שוסטקוביץ' על הרצון להביע את דעותיו באמצעים שלו מול כפייתה של מגמות אמנות על ידי המדינה. בחייו הפוליטיקה והיצירתיות שלובות זה בזה מאוד, הוא זכה לשבחים מהרשויות ונרדף על ידם, מילא תפקידים גבוהים והודח מהם, זכה לפרס ועמד על סף מעצר בעצמו ובני משפחתו.
אדם רך, אינטליגנטי, עדין, הוא מצא את צורת הביטוי שלו לעקרונות יצירתיים בסימפוניות, שבהן יכול היה לומר את האמת על הזמן בצורה גלויה ככל האפשר. מכל היצירות העצומות של שוסטקוביץ' בכל הז'אנרים, דווקא הסימפוניות (15 יצירות) תופסות את המקום המרכזי, הדרמטיות ביותר הן הסימפוניות 5,7,8,10,15, שהפכו לפסגת המוזיקה הסימפונית הסובייטית. שוסטקוביץ' שונה לחלוטין במוזיקה קאמרית.
למרות העובדה ששוסטקוביץ' עצמו היה מלחין "בית" ולמעשה לא נסע לחו"ל, המוזיקה שלו, הומניסטית במהותה ובאמת אמנותית בצורתה, התפשטה במהירות וברחבה ברחבי העולם, בביצוע מיטב המנצחים. גודל הכישרון של שוסטקוביץ' הוא כה עצום, עד שההבנה המלאה של התופעה הייחודית הזו של אמנות עולמית עוד לפניה.
ציטוט מאת D.D. שוסטקוביץ': "מוזיקה אמיתית מסוגלת לבטא רק רגשות אנושיים, רק רעיונות אנושיים מתקדמים".
ככל הנראה, כל חובב מוזיקה רוסית שאל את עצמו את השאלה הזו: מתי הועלתה האופרה הרוסית הראשונה, ומי היו מחבריה? התשובה לשאלה זו מעולם לא הייתה סוד. האופרה הרוסית הראשונה קפאלוס ופרוקריס נכתבה על ידי המלחין האיטלקי פרנצ'סקו אראיה לפסוקיו של המשורר הרוסי אלכסנדר פטרוביץ' סומארוקוב מהמאה ה-18, והבכורה שלה התקיימה לפני 263 שנים בדיוק, ב-27 בפברואר 1755.
סומארוקוב אלכסנדר פטרוביץ' (1717-1777), סופר רוסי, אחד הנציגים הבולטים של הקלאסיציזם. בטרגדיות "חורב" (1747), "סינב וטרבור" (1750) הציב את בעיית החובה האזרחית. קומדיות, אגדות, שירים ליריים.
ביום זה ראו ושמעו חובבי המוזיקה של סנט פטרבורג את ההפקה הראשונה של האופרה בטקסט רוסי.
המשורר אלכסנדר פטרוביץ' סומארוקוב הכין את הליברית, ולקח כבסיס את סיפור אהבתם של שני גיבורים מהמטמורפוזות של אובידיוס - קפאלוס ואשתו פרוקריס. העלילה הייתה פופולרית באמנות האירופית - נכתבו עליה ציורים (קורג'יו), מחזות ואופרות (צ'יאבררה, ארדי, קלדרון ואחר כך גרטרי, רייכרד וכו'). האופרה החדשה נקראה "Cefal and Prokris" (כפי שהובעו אז שמות הדמויות הראשיות). בפרשנותו של סומארוקוב, המיתוס העתיק לא השתנה במהותו: צארביץ' קפאלוס, המאורס לפרוקריס האתונאי, דוחה את אהבתה של האלה אורורה - הוא נאמן לאשתו, אינו מפחד מאיומים ומניסיונות; אבל יום אחד, תוך כדי ציד, הוא חודר בטעות את פרוקריס האומלל עם חץ. המקהלה מסיימת את המופע במילים: "כשהאהבה מועילה, היא מתוקה, אבל אם האהבה דומעת, הנתונה לצער" ...
ליברית מוכשרת הבטיחה את הצלחת ההפקה. אבל שחקני תיאטרון וזמרים מאומנים היטב תרמו לכך לא פחות.
Araya (Araia, Araja) פרנצ'סקו (1709-1770 לערך), מלחין איטלקי. בשנים 1735-1762 (עם הפרעות) הנהיג את הלהקה האיטלקית בסנט פטרבורג. האופרות כוח האהבה והשנאה (1736), קפאלוס ופרוקריס (1755; האופרה הראשונה לליברית רוסית - A.P. Sumarokov; בביצוע אמנים רוסים) וכו'.
שנתיים קודם לכן, לאחר אחד הקונצרטים, כתב שטלין בזיכרונותיו: "בין הנואמים היה זמר צעיר אחד מאוקראינה, בשם גברילה, בעל סגנון שירה אלגנטי וביצע את אריות האופרה האיטלקיות הקשות ביותר עם קדנסות אמנותיות ו קישוטים מעולים. לאחר מכן, הופיע בקונצרטים של החצר וגם זכה להצלחה אדירה. מחבר התווים קרא לעתים קרובות לכמה זמרים רוסים רק בשמותיהם הפרטיים. במקרה זה, הוא התכוון לסולנית המדהימה גברילה מרצינקוביץ', שביצעה את החלק של קפאלוס באופרה של סומארוקוב.
המאזין, שרגיל לסגנון האיטלקי המתוחכם, הופתע לטובה, ראשית, מהעובדה שכל האריות בוצעו על ידי שחקנים רוסים, אשר יתר על כן, לא למדו בשום מקום בארצות זרות, ושנית, שהבכור היה "לא יותר מ-14 שנים", ולבסוף, שלישית, שהם שרו ברוסית.
ג'וזפה ולריאני. שרטוט של הנוף לאופרה קפאלוס ופרוקריס (1755)
את פרוקריס - תפקיד טרגי - גילמה הסולנית הצעירה והמקסימה אליזבטה בלוגרדסקאיה. שטלין מכנה אותה גם "צ'מבלו וירטואוזית". אליזבת הייתה שייכת לשושלת מוזיקלית ואמנותית ידועה כבר באותה תקופה. קרוב משפחתה, טימופי בלוגרדסקי, היה מפורסם כנגן לאוטה וזמר מצטיין, שביצע את "הסולו והקונצרטים הקשים ביותר באמנות של מאסטר גדול". הודות לאותו שטלין ידועים שמות השחקנים האחרים: ניקולאי קלוטרב, סטפן רשבסקי וסטפן אבסטפייב. "אמני האופרה הצעירים הללו הדהימו את המאזינים ואת אניני הטעם עם הניסוח המדויק שלהם, הביצוע הטהור של אריות קשות וארוכות, עיבוד אמנותי של קדנזות, דקלום והבעות הפנים הטבעיות שלהם". "צ'פלה ופרוקריס" התקבלו בהתלהבות. אחרי הכל, האופרה הייתה מובנת גם בלי תוכנית. ולמרות שהמוזיקה לא "הדבקה" עם הטקסט בשום צורה, כי מחברה, פרנצ'סקו אראיה, לא ידע מילה ברוסית וכל הליברית תורגמו עבורו ביסודיות, ההפקה הראתה והוכיחה את אפשרות הקיום של בית אופרה לאומי. ולא רק בגלל שהשפה הרוסית, לפי שטלין, "כפי שאתה יודע, ברוך ובצבעוניות ובעליון שלה מתקרבת לאיטלקית יותר מכל שאר השפות האירופיות, ולכן יש לה יתרונות גדולים בשירה", אלא גם בגלל שה התיאטרון המוזיקלי ברוסיה יכול להתבסס על תרבות המקהלה העשירה ביותר, שהייתה חלק בלתי נפרד מחיי העם הרוסי.
הצעד הראשון הושלם. רק שני עשורים נותרו לפני לידתו של תיאטרון אופרה מוזיקלי רוסי אמיתי ...
הקיסרית אליזבטה פטרובנה "העריכה" את הפעולה המוצלחת. שטלין רשמה בקפדנות כי היא "העניקה לכל האמנים הצעירים בד יפה לתחפושות, ולאראיה מעיל פרווה סבל יקר ומאה חצאי אימפריאלים בזהב (500 רובל)."
אוֹפֵּרָה(איטל.אוֹפֵּרָה- עבודה, עבודה, עבודה; La T.אוֹפֵּרָה- עבודות, מוצרים, עבודות, pl. מתוך אופוס) - ז'אנר של אמנות מוזיקלית ודרמטית שבה התוכן מגולם באמצעות דרמטורגיה מוזיקלית, בעיקר באמצעות מוזיקה ווקאלית . הבסיס הספרותי של האופרה - לִיברִית. המילה "אורגה" בתרגום מאיטלקית פירושה עבודה, קומפוזיציה. בז'אנר מוזיקלי זה, שירה ואמנות דרמטית, מוזיקה ווקאלית וכלי, הבעות פנים, ריקודים, ציור, תפאורה ותלבושות מתמזגים למכלול אחד.
המלחין כותב אופרה המבוססת על עלילה שאולה מספרות, למשל, " רוסלן ולודמילה», « יוג'ין אונייגין". הטקסט המילולי של האופרה נקרא לִיברִית.
כמעט כל אופרה מתחילה פְּתִיחָה- הקדמה סימפונית, אשר באופן כללי מציגה את המאזין לתוכן הפעולה כולה.
היסטוריה של הז'אנר
האופרה הופיעה ב אִיטַלִיָה, ב תעלומות, כלומר, ייצוגים רוחניים שבהם המוזיקה המוכנסת אפיזודית עמדה ברמה נמוכה. קומדיה רוחנית: "המרה של St. פול" ( 1480 ),בווריני, מייצג יצירה רצינית יותר, שבה המוזיקה ליוותה את הפעולה מתחילתה ועד סופה. באמצע המאה ה 16היו מאוד פופולריים פסטורליםאו משחקים פסטורליים, שבהם המוזיקה הוגבלה למקהלות, בדמות מוטט או מדריגל. ב"אמפיפרנאסו" אורציו וקצ'ישירת מקהלה מאחורי הקלעים, בדמות מדריגל בן חמישה קולות, ליוותה את השחקנים על הבמה. "קוממדיה ארמוניקה" זו ניתנה לראשונה בבית המשפט במודנה ב 1597.
ג'קופו פרי
בסוף המאה ה 16מנסה להכניס שירה מונופונית לתוך יצירות כאלה ( מונודיה) הביאה את האופרה למסלול שבו התפתחה במהירות קדימה. מחברי הניסיונות הללו קראו ליצירותיהם המוזיקליות והדרמטיות דרמה במוזיקהאוֹ דרמה לכל מוזיקה; השם "אופרה" הוחל עליהם במחצית הראשונה המאה ה 17. מאוחר יותר, למשל, כמה מלחיני אופרה ריכרד וגנר, שוב חזר לשם "דרמה מוזיקלית".
בית האופרה הראשון להופעות פומביות נפתח ב 1637ב ונציה; קודם לכן, האופרה שימשה רק לבידור בבית המשפט. אורידיקה יכולה להיחשב לאופרה הגדולה הראשונה ג'קופו פריבוצע ב 1597 . בוונציה, מאז פתיחת המופעים הציבוריים, הופיעו 7 תיאטראות בתוך 65 שנה; 357 אופרות נכתבו עבורם על ידי מלחינים שונים (עד 40). חלוצי האופרה היו: בגרמניה - היינריך שיץ("דַפנָה" 1627 ), בצרפת - קִמוּר("La pastorale", 1647), באנגליה - פרסל; בספרד הופיעו האופרות הראשונות בהתחלה XVIIIמאות שנים; ברוסיה, אראיה היה הראשון שכתב אופרה (Cephal ו-Procris) לטקסט רוסי עצמאי (1755). האופרה הרוסית הראשונה שנכתבה בנימוסים רוסיים היא "Tanyusha, or a happy meeting", מוזיקה מאת F. G. Volkov (1756).
בְּ 1868מלחין ארמני טיגראן צ'וחאג'יאןיוצר אופרה ארשק השני"- האופרה הראשונה בהיסטוריה המוזיקלית מזרח.
מקורות האופרה יכולים להיחשב לטרגדיה עתיקה. כז'אנר עצמאי, האופרה מקורה באיטליה בתחילת המאות ה-16 וה-17 במעגל של מוזיקאים, פילוסופים ומשוררים בעיר פירנצה. מעגל חובבי האמנות נקרא "מצלמה". משתתפי ה"קמרטה" חלמו להחיות את הטרגדיה היוונית העתיקה, תוך שילוב של דרמה, מוזיקה וריקוד בהופעה אחת. ההופעה הראשונה כזו ניתנה בפירנצה בשנת 1600 וסיפרה על אורפיאוס ואורידיקה. יש גרסה שהביצוע המוזיקלי הראשון עם שירה הועלה ב-1594 על עלילת המיתוס היווני העתיק על מאבקו של האל אפולו עם הנחש פייתון. בהדרגה החלו להופיע בתי ספר לאופרה באיטליה ברומא, בוונציה ובנאפולי. אז התפשטה האופרה במהירות ברחבי אירופה. בסוף המאה ה-17 ותחילת המאה ה-18 נוצרו הזנים העיקריים של האופרה: אופרה - סריה (אופרה רצינית גדולה) ואופרה - בופה (אופרה קומית).
אופרה ברוסיה
האופרה הופיעה ברוסיה בסוף המאה ה-18, כאשר התיאטרון הרוסי נפתח בסנט פטרבורג. בהתחלה היו רק אופרות זרות. האופרות הרוסיות הראשונות היו קומיות. Fomin נחשב לאחד היוצרים. ב-1836 התקיימה בסנט פטרבורג הקרנת הבכורה של האופרה "חיים לצאר" מאת גלינקה. האופרה ברוסיה רכשה צורה מושלמת, תכונותיה נקבעו: המאפיינים המוזיקליים הבהירים של הדמויות הראשיות, היעדר דיאלוגים דיבוריים. במאה ה-19, כל מיטב המלחינים הרוסים פנו לאופרה.
טוען...
