תפיסת העולם הרומנטית מאופיינת בקונפליקט חריף בין מציאות לחלומות. המציאות נמוכה וחסרת נשמה, היא חדורה ברוח הפליסטניות, הפלשתינות וראויה רק ​​להכחשה. חלום הוא משהו יפה, מושלם, אבל בלתי מושג ובלתי מובן למוח.

הרומנטיקה העמידה את הפרוזה של החיים מול התחום היפה של הרוח, "חיי הלב". הרומנטיקנים האמינו שרגשות מהווים רובד עמוק יותר של הנשמה מאשר הנפש. לפי וגנר, "האמן פונה לתחושה, לא להיגיון". ושומאן אמר: "המוח טועה, רגשות - לעולם לא." לא במקרה המוזיקה הוכרזה כצורה האידיאלית של אמנות, אשר, בשל הספציפיות שלה, מבטאת באופן מלא את תנועות הנפש. המוזיקה בעידן הרומנטיקה היא שתפסה מקום מוביל במערכת האמנויות.
אם בספרות ובציור הכיוון הרומנטי בעצם משלים את התפתחותו עד אמצע המאה ה-19, הרי שחייה של הרומנטיקה המוזיקלית באירופה ארוכים הרבה יותר. הרומנטיקה המוזיקלית כמגמה צצה בתחילת המאה ה-19 והתפתחה בקשר הדוק עם מגמות שונות בספרות, ציור ותיאטרון. השלב הראשוני של הרומנטיקה המוזיקלית מיוצג על ידי יצירתם של F. שוברט, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, G. Rossini; השלב שלאחר מכן (1830-50) - יצירתם של פ. שופן, ר. שומאן, פ. מנדלסון, ג. ברליוז, פ. ליסט, ר. וגנר, י. ורדי.

השלב המאוחר של הרומנטיקה נמשך עד סוף המאה ה-19.

בעיית האישיות מוצגת כבעיה המרכזית של המוזיקה הרומנטית, ובאור חדש - בהתנגשות שלה עם העולם החיצון. הגיבור הרומנטי תמיד לבד. נושא הבדידות הוא אולי הפופולרי ביותר בכל האמנות הרומנטית. לעתים קרובות מאוד, הרעיון של אדם יצירתי קשור אליו: אדם בודד כאשר הוא בדיוק אדם מצטיין, מחונן. האמן, המשורר, המוזיקאי הם הגיבורים האהובים ביצירותיהם של הרומנטיקנים ("אהבת המשורר" מאת שומאן, "סימפוניה פנטסטית" מאת ברליוז עם כותרת המשנה "פרק מחייו של אמן", שירו ​​הסימפוני של ליסט "טאסו").
העניין העמוק באישיות האנושית הטבועה במוזיקה הרומנטית התבטא בדומיננטיות של טון אישי בה. חשיפת דרמה אישית רכשה לא פעם נופך של אוטוביוגרפיה בקרב הרומנטיקנים, שהכניסה כנות מיוחדת למוזיקה. כך, למשל, רבות מיצירות הפסנתר של שומאן קשורות לסיפור אהבתו לקלרה וויק. האופי האוטוביוגרפי של האופרות שלו הודגש מאוד על ידי ואגנר.

תשומת לב לרגשות מובילה לשינוי בז'אנרים - המילים רוכשות עמדה דומיננטית, בה דימויים של אהבה שולטים.
נושא הטבע שזור לעתים קרובות מאוד עם הנושא של "וידוי לירי". מהדהד עם מצבו הנפשי של אדם, הוא נצבע בדרך כלל על ידי תחושת דיסהרמוניה. התפתחות הז'אנר והסימפוניזם הלירי-אפי קשור קשר הדוק לדימויי הטבע (אחת היצירות הראשונות היא הסימפוניה "הגדולה" של שוברט ב-C-dur).
הגילוי האמיתי של מלחינים רומנטיים היה נושא הפנטזיה. המוזיקה למדה לראשונה לגלם דימויים מופלאים-פנטסטיים באמצעים מוזיקליים גרידא. באופרות של המאות ה-17 וה-18, דמויות "לא-ארציות" (כגון מלכת הלילה מ"חליל הקסם" של מוצרט) דיברו בשפה המוזיקלית ה"נפוצה", ובולטות מעט מאנשים אמיתיים. מלחינים רומנטיים למדו להעביר את עולם הפנטזיה כמשהו ספציפי לחלוטין (בעזרת צבעים תזמורתיים והרמוניים יוצאי דופן).
העניין באמנות עממית מאפיין מאוד את הרומנטיקה המוזיקלית. כמו המשוררים הרומנטיים, שהעשירו ועדכנו את השפה הספרותית על חשבון הפולקלור, פנו המוזיקאים רבות לפולקלור הלאומי - שירי עם, בלדות, אפוסים. בהשפעת הפולקלור, התוכן של המוזיקה האירופית השתנה באופן דרמטי.
הרגע החשוב ביותר באסתטיקה של הרומנטיקה המוזיקלית היה הרעיון של סינתזה של האמנויות, שמצא את ביטויה החי ביותר ביצירתו האופראית של וגנר ובמוזיקת ​​התוכנית של ברליוז, שומאן וליסט.

הקטור ברליוז. "סימפוניה פנטסטית" - 1. חלומות, תשוקות...

רוברט שומאן - "בזוהר...", "אני פוגש את המבט.."

מתוך המחזור הקולי "אהבת המשורר"
רוברט שומאן היינריך היינה "בזוהר ימי מאי החמים"
רוברט שומאן - היינריך "אני פוגש את מבט העיניים שלך"

רוברט שומאן. "מחזות פנטסטיים".

שומאן פנטזיהשטקה, אופ. 12 חלק 1: לא. 1 Des Abend ולא. 2 Aufschwung

דַף. שיר סימפוני "אורפיאוס"

פרדריק שופן - פרלוד מס' 4 במי מינור

פרדריק שופן - נוקטורנה מס' 20 בסי - חד מינור

שוברט סלל את הדרך להרבה ז'אנרים מוזיקליים חדשים - מאולתרים, רגעים מוזיקליים, מחזורי שירים, סימפוניה לירית-דרמטית. אבל בכל ז'אנר ששוברט כותב - מסורתי או נוצר על ידו - בכל מקום הוא מופיע כמלחין של עידן חדש, עידן הרומנטיקה.

מאפיינים רבים של הסגנון הרומנטי החדש פותחו אז ביצירותיהם של שומאן, שופן, ליסט, מלחינים רוסים מהמחצית השנייה של המאה ה-19.

פרנץ שוברט. סִימפוֹנִיָה דו מז'ור

פרנץ ליסט. "חלומות של אהבה"

וובר. מקהלת ציידים מהאופרה "יורה חופשי"

פרנץ שוברט. מאולתר מס' 3

הטקסט מורכב מאתרים שונים. חובר על ידי:נינל ניק

הַצָגָהמספק מידע למגוון רחב של אנשים במגוון דרכים ושיטות. מטרת כל עבודה היא העברה והטמעה של המידע המוצע בה. ובשביל זה היום הם משתמשים בשיטות שונות: מלוח עם גיר ועד מקרן יקר עם פאנל.

המצגת יכולה להיות סט של תמונות (תמונות) ממוסגרות עם טקסט הסבר, אנימציה ממוחשבת משובצת, קבצי אודיו ווידאו ואלמנטים אינטראקטיביים אחרים.

באתר שלנו תמצאו מספר עצום של מצגות בכל נושא שמעניין אתכם. במקרה של קושי, השתמש בחיפוש באתר.

באתר תוכלו להוריד מצגות על אסטרונומיה בחינם, להכיר טוב יותר את נציגי החי והצומח על הפלנטה שלנו במצגות על ביולוגיה וגיאוגרפיה. בשיעורים בבית הספר, הילדים יתעניינו ללמוד את ההיסטוריה של ארצם במצגות על היסטוריה.

בשיעורי נגינה המורה יכול להשתמש במצגות אינטראקטיביות בנושא מוזיקה, בהן ניתן לשמוע צלילים של כלי נגינה שונים. ניתן גם להוריד מצגות על ה-MHC ומצגות על לימודי חברה. מעריצי הספרות הרוסית אינם מונעים מתשומת הלב, אני מציג בפניכם את העבודה ב-PowerPoint על השפה הרוסית.

לטכנאים ישנם חלקים מיוחדים: ומצגות במתמטיקה. וספורטאים יכולים להכיר מצגות על ספורט. למי שאוהב ליצור עבודה משלו, ישנו מדור שבו כל אחד יכול להוריד את הבסיס לעבודתו המעשית.

סקריאבינה סבטלנה אנטולייבנה

MBOU DOD DSHI Uvarovo, אזור טמבוב

מוֹרֶה

תַקצִיר

"יצירות פסנתר מאת מלחינים רומנטיים"

מבוא.

2. רומנטיקה במוזיקה.

4. השפעת הסגנון הרומנטי על יצירת הפסנתר של פ' ליסט.

5. מסקנה.

6. רשימת הפניות.

מבוא.

הרומנטיקה, כתנועה אמנותית, נוצרה בסוף המאה ה-18 ותחילת המאה ה-19, תחילה בספרות (בגרמניה, בבריטניה ובמדינות אחרות באירופה ובאמריקה), אחר כך במוזיקה ובצורות אחרות של אמנות. הסגנון הרומנטי הוא מקורי, פנטסטי ונשגב.

עידן הרומנטיקה מילא תפקיד עצום בהתפתחות התרבות המוזיקלית. הרומנטיקה אימצה את כל תחומי התרבות: פילוסופיה, אסתטיקה, תיאטרון, ספרות, מוזיקה ומדעי הרוח אחרים. בקשר עם מסורות לאומיות שונות והיבטים היסטוריים, הרומנטיקה, שהתפתחה בארצות שונות, רכשה מאפיינים לאומיים מיוחדים: אצל הגרמנים - במיסטיקה, אצל הבריטים - באדם שיתנגד להתנהגות רציונלית, אצל הצרפתים - בסיפורים יוצאי דופן. הסגנון הרומנטי מאופיין בפנייה לעולמו הפנימי של האדם, הרצון לרגש, זה קבע את קדימות הספרות והמוזיקה ברומנטיקה.

רלוונטיות נושא זה טמון בעובדה שהרומנטיקה הייתה תמיכת מלחינים רבים, ומילאה תפקיד עצום בהתפתחות התרבות המוזיקלית, וגם דחפה את התפתחות עבודת הפסנתר של מלחינים רומנטיים.

מטרת העבודה הזו- לקבוע את המאפיינים העיקריים של הרומנטיקה וללמוד את השתקפותם בעבודת הפסנתר של מלחינים רומנטיים על ידי פתרון המשימות הבאות:

1. שקול את המאפיינים העיקריים של הרומנטיקה;
2. זיהוי ביטויים של רומנטיקה במוזיקה;
3. ללמוד את המאפיינים הסגנוניים של הרומנטיקה בעבודת פסנתר;
4. לאפיין את יצירת הפסנתר של פ. ליסט.

כדי להחיות את רעיונותיהם, פנו מלחינים רומנטיים לצורות חדשות: מיניאטורות פסנתר, בלדות, נוקטורנים, פולוניז, שירים מאולתרים, ליריים, יצירות תוכנית רכשו תפקיד חשוב. היה שימוש חופשי יותר בצורות סונטות-סימפוניות ווריאציות, יצירת צורות חד-חלק גדולות חדשות - סונטה, קונצ'רטו, שיר סימפוני, שימוש בטכניקות התפתחותיות מיוחדות - לייטמוטיבים, מונותמטיזם, דקלום ווקאלי, צביעה.

1. מקורות הרומנטיקה ותכונותיה.

בקשר למהפכה הבורגנית בצרפת השתנו הדעות והרעיונות של האנשים. אירועים היסטוריים הותירו את חותמם בנפשו של כל מי שהיה עד לתהפוכות מהפכניות. עבור אמנים, סופרים ומוזיקאים, הרעיונות של שוויון, אחווה וחירות התקרבו. כך הסתיים עידן ההשכלה. אבל הסדר החברתי החדש לא עמד בציפיות של אותה חברה, והאכזבה החלה והופעתה של מערכת השקפת עולם חדשה, הרומנטיקה, הפכה לבלתי הפיכה.

הרומנטיקה היא מגמה אידיאולוגית ואמנותית בתרבות הרוחנית האירופית והאמריקנית של סוף המאה ה-18 - המחצית הראשונה של המאה ה-19, שהחליפה את הקלאסיציזם. שינויים עמוקים מתרחשים בתוכן האמנות, בתנועת המחשבה האסתטית, באופי הדימויים האמנותיים.

במרכז עולם הרומנטיקה עומדת אישיותו של האדם, השואפת לחופש פנימי מוחלט, לשלמות ולהתחדשות. הוא מבטא את יחסו לחיים, לעולם הסובב אותו באמצעות מילות החוויות והרגשות הרוחניות. הליריות של דימויים אמנותיים הושפעה ממפנה האמנות, שכיוונה את התפתחותה, הקשרים עם העבר, התנועה אל העתיד.

הבסיס לרומנטיקה היה מושג הדואליות (עולם החלומות והעולם האמיתי). המחלוקת בין האידיאל למציאות, שאפיינה גם מגמות קודמות, מקבלת חריפות ומתח יוצאי דופן ברומנטיקה.

המשימה העיקרית של הרומנטיקה הייתה דמותו של העולם הפנימי, החיים הרוחניים. עם הרומנטיקה מתחילה להופיע פסיכולוגיות אמיתית. האיפוק והענווה נדחו, הם הוחלפו ברגשות עזים, לעתים קרובות הגיעו לקיצוניות. בקרב הרומנטיקנים, הפסיכולוגיה האנושית הייתה לבושה במיסטיקה, היא נשלטה על ידי רגעים של לא רציונלי, עלום, מסתורי.

הרומנטיקנים פנו לאמונות העממיות המסתוריות, המסתוריות, אפילו הנוראות, לאגדות. הרומנטיקנים דחו את חיי היומיום של החברה המתורבתת המודרנית כחסרי צבע ופרוזאיים, ושאפו לכל דבר יוצא דופן. הם נמשכו על ידי פנטזיה, אגדות עם ואמנות עממית בכלל.

גיבור הרומנטיקה הוא, קודם כל, סופרמן אינדיבידואליסטי. אדם לרומנטיקן הוא יקום קטן, מיקרוקוסמוס. עניין עז ברגשות עזים וחיים, יצרים כל-כול, בתנועות הסודיות של הנשמה, בצד ה"לילה" שלה, השתוקקות לאינטואטיבי ולא-מודע הם המאפיינים המהותיים של האמנות הרומנטית.

2. רומנטיקה במוזיקה.

בעשור השני של המאה ה-19 הופיעה הרומנטיקה המוזיקלית, שקמה בהשפעת האמנות הספרותית. זו הייתה תופעה חדשה מבחינה היסטורית, אם כי נמצאו קשרים עמוקים עם "קלאסיקה" מוזיקלית. בלימוד וביצוע יצירותיהם של מלחינים רומנטיים, אפשר להרגיש את התרוממות הרוח של המבנה הרוחני ואת הנשגבות של הרגשות, ניגוד דרמטי, פאתוס עמוק, ליריות כנה.

מייסדי עידן הרומנטיקה הם מלחינים כמו: ליסט, שופן, שומאן, גריג. בתקופה מאוחרת יותר נולד ה"אימפרסיוניזם" המוזיקלי של דביסי, ראוול, סקריאבין.

מיניאטורות לפסנתר של שוברט, "שירים ללא מילים" של מנדלסון, מחזורי פסנתר, נוקטורנים, הפרלודים של שומאן, הבלדות של שופן - כל העושר הזה שינה ז'אנרים וצורות ישנות, הוא נכנס לאוצר המוזיקלי של העולם ורכש משמעות במוזיקה הקלאסית.

המקום הדומיננטי תופס על ידי נושא האהבה, מצב נפשי זה הוא המשקף באופן המקיף והמלא את כל המעמקים והניואנסים של נפש האדם. אהבתו של אדם לביתו, למולדתו, לעמו עוברת כחוט ביצירתם של כל המלחינים הרומנטיים.

לרומנטיקנים יש דימוי של טבע השזורה באופן הדוק ובלתי נפרד עם הנושא של וידוי לירי. כמו דימויי האהבה, דימוי הטבע מייצג את מצב הנפש של הגיבור, שלעתים קרובות כל כך נצבע בתחושת חוסר הרמוניה עם המציאות.

נושא הפנטזיה מתחרה לעתים קרובות בתמונות הטבע, וזה נוצר על ידי הרצון לברוח מהשבי של החיים האמיתיים. בין המלחינים של האסכולה הרומנטית, תמונות נהדרות ופנטסטיות זוכות לצביעה ייחודית לאומית. הבלדות של שופן בהשראת הבלדות של מיקביץ', שומאן, מנדלסון, יוצרות יצירות של תוכנית גרוטסקית פנטסטית, המסמלת, כביכול, את הצד הלא נכון של האמונה, השואפת להפוך את רעיונות הפחד מכוחות הרשע.

התקופה המאוחרת של חייו ויצירתו של המלחין הקלאסי הגדול האחרון לודוויג ואן בטהובן חלה בקנה אחד עם ימי הזוהר של יצירתו של המלחין הרומנטי הגדול הראשון פרנץ שוברט. צירוף מקרים משמעותי זה מעיד על הקשר ההדוק בין אמנות מוזיקלית קלאסית לרומנטית. למרות ההמשכיות בין שתי המורשת, ישנם הבדלים חשובים האופייניים ליחסים בין יצירתם של מלחינים קלאסיים ורומנטיים. ההבדל העיקרי הוא הדגש המיוחד במוזיקה הרומנטית על התגלמותם של דימויים ומצבי רוח ליריים וחלומיים נסערים.

מלחינים רומנטיים החלו לגלות עניין רב בזהות הלאומית של המוזיקה המקומית, כמו גם במוזיקה של עמים אחרים. בהקשר זה החל מחקר מדוקדק של יצירתיות מוזיקלית עממית - פולקלור מוזיקלי. במקביל, גברה העניין בעבר ההיסטורי הלאומי, באגדות, סיפורים ומסורות עתיקות, שהפכו לבסיס להופעתם של תמונות פנטסטיות מרתקות. תוך שליטה בנושאים ודימויים חדשים, מוזיקה רומנטית חיזקה את האינטראקציה שלה עם שירה רומנטית ותיאטרון רומנטי. זה קבע את הפריחה הגבוהה במאה ה-19 של האופרה הרומנטית - ז'אנר שבו מתרחשת סינתזה של כל סוגי האמנות. אחת האופרות הרומנטיות הבולטות ביותר היא "יורה הקסמים" מאת המלחין הגרמני קרל מריה פון ובר.

אמנות מוזיקלית רומנטית הביאה קדימה מלחינים מצטיינים רבים, שלעתים קרובות היו גם מבצעי קונצרטים יוצאי דופן.

3. מאפיינים סגנוניים של עידן הרומנטיקה בעבודת פסנתר.

בסגנון המוזיקה של עידן הרומנטיקה, אמצעים מודאליים והרמוניים מקבלים תפקיד חשוב מאוד. הראשון מבין התהליכים הללו - דינמיקה - הוא הרוויה של אקורדים ביצירות עם שינויים ודיסוננסים, שהחריפו את חוסר היציבות שלהם, הגבירו את המתח שדרש רזולוציה בהמשך הנגינה. מאפיינים כאלה של הביצוע של יצירותיהם של מלחינים רומנטיים באו לידי ביטוי על ידי ה"לבבות" האופיינית לסגנון זה, זרם הרגשות המתפתחים "לאין סוף", שהתגלם בשלמות מיוחדת ביצירותיהם של שופן, שומאן, גריג. מגוון צבעים וצלילים צבעוניים הופצו מאופנים טבעיים, בעזרתם הודגש האופי העממי או הארכאי של המוזיקה. כאשר מתארים תמונות פנטסטיות, מופלאות או מוזרות, הוקצה תפקיד עצום לסולמות שלם וכרומטיות.

במנגינות רומנטיות פעלו המגמות הבאות: הרצון לרוחב והמשכיות התפתחות הביטוי. למלחינים רבים מהתקופה הרומנטית יש "מנגינה אינסופית" עם ליגות ענקיות של רב-בר ביצירותיהם. הדבר בולט במיוחד ביצירותיהם של שופן, צ'ייקובסקי, התקופה המוקדמת של שנות ה-80 - ה-90 של רחמנינוב ("אלגיה", "מנגינה", "רומן", "סרנדה" ושאר יצירותיו).

חשיבות רבה בהיכרות עם מוזיקה של מלחינים רומנטיים היא הפקת סאונד, תחושת "סגנון", כאן חשוב מאוד לציין שבעבודה על ניסוח ביצירה מסוימת, יש צורך שהביטויים יקלוט אחד את השני. , נצמדים זה לזה, יוצרים זרים, אבל יחד עם זה הם לא חפפו זה את זה.

מדברים על המאפיינים הסגנוניים של ביצוע יצירות מוזיקליות של מלחינים רומנטיים על הפסנתר, פרופסור לקונסרבטוריון לנינגרד V.Kh. legato of feelings."

יש צורך להרגיש את הנשימה בביצוע יצירות ליריות, ניתן לחוש אותה באמצעות מגע: רקע מלא באוויר, באסים נושמים, דוושה מדויקת.

על המאפיינים הסגנוניים של המוזיקה של פ. שופן, אמר ליסט את הדברים הבאים: "המוזיקה שלו מזכירה פרח עשבוני, המרעיד את העילולים שלו על גבעול דק במיוחד. העילילות האלה בעלות יופי יוצא דופן עשויות מבד כל כך ריחני ועדין שהוא נשבר. במגע הכי קל".שופן הוא ה"שיא" של אמנויות הבמה של העידן הרומנטי.

כשמבצעים יצירות מוזיקליות של עידן הרומנטיקה צריך לזכור שכדי להשיג את ה"סאונד" הרצוי - קטיפתי ולא ארצי, צריך מתנה מיוחדת וחריצות, וחוש סטייל. כפי שאמר ניוהאוס: "צליל הוא דבר קדוש, דאג לצליל כמו זהב, כמו תכשיט, הוא נולד באווירה פרזונית, לידתו היא קודש, חשוב מאוד למצוא את "מידת הקול" ההכרחית.

בא לקדמת הבמהמלוס. הלחן מתעדכן באופן לאומי וקומפוזיציוני. מופיעים שני מקורות שונים של התחדשות אינטונאלית: פולקלור ואינטונציות דיבור. מה שחורג מהנורמה הקלאסית, קודם כל, מושך תשומת לב. לקלאסיקאים היה דקלום (אוטורי), אבל לרומנטיקנים זה היה יותר אינטימי, לירי, פתוח, רגשי.

5. השפעת הסגנון הרומנטי על יצירת הפסנתר של פ. ליסט.

ליסט, כמו וירטואוז, הוא תופעה מבין אלה

שמופיעים פעם בכמה מאות שנים,

כתב סרוב

ביצירתו של פ. ליסט, יצירות פסנתר מהוות את החלק הטוב ביותר במורשת היצירתית שלו.

אישיותו האמנותית של ליסט כפסנתרן וכמלחין השתלבו כדי לפתוח נתיבים חדשים באמנות המוזיקה.

הוא הפקיד את כל מחשבותיו, חלומותיו, סבלותיו ושמחותיו בידי הפסנתר. ומשום כך מצא ליסט קודם כל שיטות הלחנה ואמצעי ביטוי חדשים בתחום מוזיקת ​​הפסנתר.

פ' ליסט היה פסנתרן מבריק ויכול היה לשכנע ולרתק אלפי מאזינים בביצועיו. באותו אופן, בתרגול ההלחנה, הוא השיג הקלה והצגה מובנת של מחשבות מוזיקליות. מצד שני, כאמן מחפש ללא הרף, ניחן בחוש יצירתי מבריק, הוא עדכן את כל המבנה והאופי של צליל הפסנתר, והפך אותו, כפי שניסח זאת סטסוב בצורה ראויה, ל"דבר לא ידוע ולא נשמע - תזמורת שלמה. ."

המלחין הכניס את הפרשנות הסימפונית לפסנתר לביצוע ויצירתיות מודרניים. בפיתוחיו הוא השיג צליל תזמורתי עוצמתי של הכלי והעשיר אותו באפשרויות צבעוניות. באחד המכתבים ציין ליסט כי מטרתו הייתה "... לצרף את רוחו של הפסנתרן-המבצע לאפקטים תזמורתיים ובמגבלותיו המצומצמות של הפסנתר, להפוך אפקטים וגוונים אינסטרומנטליים שונים לרגישים". ליסט השיג זאת על ידי הרוויה של יצירות הפסנתר בגוונים ובמחסן מלודי. ביצירות הפסנתר של ליסט מוצאים לעתים קרובות סימנים של המחבר - מעין טרומבה (כמו חצוצרה), מעין פלאוטו (כמו חליל) וכו', חיקוי של הצ'לו (למשל בעמק אוברמן), קרניים (האטיוד "האנט" ), פעמונים ("פעמוני ז'נבה"), עוגב וכו'. ליסט הרחיב את משאבי הביטוי של הפסנתרנות לקדמת הבמה, והביא לידי ביטוי את העוצמה, הברק והברק של הצליל.

פ. ליסט גילה שיטות חדשות של טכניקת פסנתר. הוא ניסה להשתמש בכל הרגיסטרים של הפסנתר: הוא השתמש בבסים שנשמעו עסיסיים ועמוקים, הוא העביר את המנגינה לרגיסטר האמצעי, "צ'לו", וברגיסטר העליון חשף צליל שקוף וצלול. בעת השוואת רגיסטרים, המלחין השתמש בקטעים, הוא רווה אותם במתחמי אקורדים בעיבוד רחב. ליסט עשה שימוש נרחב באפקטים של טרמולו תזמורתי, טרילים אקורדליים או אוקטבות מרטלטו, כדי להעביר באופן בולט וקליט יותר רגעים דרמטיים או דינמיים. הוא הקדיש תשומת לב מיוחדת להפצת חומרי הקול בין שתי הידיים, העברתם והעברתם לרגיסטרים שונים של הפסנתר. בין שאר הטכניקות האהובות על ליסט ניתן למצוא קטעים באוקטבות, תווים כפולים, טכניקת חזרות בשימוש מופתי. טכניקות אלו השפיעו על התפתחות המרקם הרב-שכבתי של יצירותיו של ליסט. התפתחותם ניתנת במספר תוכניות דינמיות וצבעוניות, כמו בקומפוזיציות תזמורתיות.

ליסט, כרפורמטור גדול של נגינת הפסנתר, לימד את הפסנתרנים "להתרגל לעשות הדגשים ולקבץ מוטיבים, להעלות את מה שחשוב יותר ולהכפיף את הפחות חשוב לו, במילה אחת, להציב לעצמם את הסטנדרט של התזמורת. ”

המאפיינים של סגנון הפסנתר של ליסט לא נוצרו מיד, ניתן לחלקם לארבעה שלבים. השלב הראשון (שנות ה-20 - אמצע שנות ה-30) קשור לחקר האפשרויות של הפסנתר, עם חיקוי האופן הברבורי של הוירטואוזים המודרניים, בשלב השני (סוף שנות ה-30 - ה-40), ליסט מפתח סגנון אינדיבידואלי, המעשיר את שלו. טכניקה ושפה מוזיקלית עם ההישגים האחרונים של מלחינים רומנטיים (פגאניני, ברליוז, שופן). השלב השלישי (סוף שנות ה-40 - ה-60) - שיא ​​המיומנות של ליסט - מאופיין בהצדקה של כל השיטות הטכניות בדרישות ההבעה והתוכן, היעדר "עודפים" וירטואוזיים, השלב הרביעי (שנות ה-70-80) הוא מסומן על ידי קווסטים חדשים: דחיית רעיונות מונומנטליים, החיפוש אחר צליל קאמרי, צביעה עדינה.

מסורת הפסנתרנות הקונצרטית "ליסטוב" פותחה באמנותו של א.ג. רובינשטיין, א' סילוטי ובעיקר ש' רחמנינוב.

סיכום.

הרומנטיקה כשיטה וככיוון באמנות הייתה תופעה מורכבת ושנויה במחלוקת. בכל מדינה היה לו ביטוי לאומי מבריק. לא קל למצוא מאפיינים בספרות, במוזיקה, בציור ובתיאטרון המאחדים את שאטובריאן ודלקרואה, מיצקביץ' ושופן, לרמונטוב וקיפרנסקי.

תחומי היצירתיות החשובים ביותר של מלחינים רומנטיים כוללים: מילים, פנטזיה, מקוריות בביצוע מוטיבים לאומיים אופייניים (לדוגמה, E. Grieg). החל משוברט וובר, היו המלחינים מעורבים בשפה המוזיקלית האירופית המשותפת בתפניות הלא לאומיות של הפולקלור העתיק, האיכרי ברובו, של ארצותיהם.

התוכן החדש של המוזיקה דרש אמצעי ביטוי חדשים. זהו, קודם כל, עושר מלודי עצום, כמו גם עושר מלודי של מצגת טקסטורה מפותחת, המורכבות המוגברת והצבעוניות של השפה ההרמונית.

בִּיבּלִיוֹגְרָפִיָה.

1. Abdullin, E.B., Nikolaeva, E.V. תורת החינוך המוזיקלי: ספר לימוד לתלמידי מוסדות חינוך פדגוגי גבוה / ע.ב. עבדולין, E.V. ניקולאייב. - מ.: אקדמיה, 2004. - 336 עמ'.
2. אלייב, יו.בי. מדריך של מורה-מוזיקאי בבית הספר / יו.ב. אלייב. - מ.: VLADOS, 2000. - 336 עמ'.
3. Bryantseva, V.N. ספרות מוזיקלית של מדינות זרות. שנה שנייה ללימודים. - מ': מוזיקה, 2004.
4. דרוסקין, מ.ס. היסטוריה של מוזיקה לועזית. גיליון 4: המחצית השנייה של המאה ה-19 / מ.ס. דרוסקין. - St. Petersburg: COMPOSITOR-ST. PETERSBURG, 2007. - 632 עמ'.
5. ז'בינסקי, ק.א. מילון מוזיקלי אנציקלופדי / ק.א. ז'בינסקי. מוסקבה: פניקס, 2009. 474 עמ'.
6. לבדבה, O.V. פיתוח חינוך מוזיקלי / O.V. לבדב. ― Kostroma: KSU, 2001. ― 69 עמ'.
7. Minakova, A.S. Minakov, S.A. היסטוריה של מוזיקת ​​עולם: ז'אנרים. סגנונות. הוראות הגעה / א.ש. Minakova, S.A. מינקוב. מוסקבה: Eksmo, 2010. 544 עמ'.

חולופובה, V.N. תורת המוזיקה: מנגינה, קצב, מרקם, תמטיות / V.N. חולופוב. - מ.: לאן

בסוף המאה ה-18 - תחילת המאה ה-19 הופיעה תנועה אמנותית כמו רומנטיקה. בעידן זה, אנשים חלמו על עולם אידיאלי ו"בורחים" בפנטזיה. סגנון זה מצא את התגלמותו החיה והפיגורטיבית ביותר במוזיקה. בין נציגי הרומנטיקה, מלחינים מהמאה ה-19 כמו קרל ובר,

רוברט שומאן, פרנץ שוברט, פרנץ ליסט וריכרד וגנר.

פרנץ ליסט

העתיד נולד במשפחתו של צ'לן. אביו לימד אותו מוזיקה מגיל צעיר. בילדותו שר במקהלה ולמד לנגן על עוגב. כשפרנץ היה בן 12, משפחתו עברה לפריז כדי שהילד יוכל ללמוד מוזיקה. אולם הוא לא התקבל לקונסרבטוריון, מגיל 14 הוא מלחין מערכונים. למאה ה-19 כמו ברליוז, פגניני, הייתה השפעה רבה עליו.

פגניני הפך לאליל האמיתי של ליסט, והוא החליט לחדד את כישורי הפסנתר שלו. פעילות הקונצרט בשנים 1839-1847 לוותה בניצחון מבריק. במהלך השנים הללו יצר פרנץ את אוסף המחזות המפורסם "שנים של נדודים". וירטואוז של נגינה בפסנתר וחביב הציבור הפך להתגלמות אמיתית של התקופה.

פרנץ ליסט הלחין מוזיקה, כתב כמה ספרים, לימד וניהל שיעורים פתוחים. הגיעו אליו מלחינים מהמאה ה-19 מכל רחבי אירופה. אפשר לומר שכמעט כל חייו הוא עסק במוזיקה, כי הוא עבד 60 שנה. עד היום, הכישרון והמיומנות המוזיקלית שלו מהווים מודל לחיקוי לפסנתרנים מודרניים.

ריכרד וגנר

הגאון יצר מוזיקה שלא יכלה להשאיר אף אחד אדיש. היו לה גם מעריצים וגם יריבים עזים. וגנר היה מוקסם מהתיאטרון מילדותו, ובגיל 15 החליט ליצור טרגדיה במוזיקה. בגיל 16 הביא את יצירותיו לפריז.

במשך 3 שנים הוא ניסה לשווא להעלות אופרה, אבל אף אחד לא רצה להתמודד עם מוזיקאי לא ידוע. מלחינים פופולריים מהמאה ה-19 כמו פרנץ ליסט וברליוז, אותם פגש בפריז, לא מביאים לו מזל. הוא נמצא בעוני, ואף אחד לא רוצה לתמוך ברעיונות המוזיקליים שלו.

לאחר שנכשל בצרפת, המלחין חוזר לדרזדן, שם הוא מתחיל לעבוד כמנצח בתיאטרון החצר. ב-1848 היגר לשווייץ, כי לאחר השתתפותו במרד הוכרז כפושע. ואגנר היה מודע לחוסר השלמות של החברה הבורגנית ולעמדה התלותית של האמן.

ב-1859 הוא שר אהבה באופרה טריסטן ואיזולדה. בפרסיפל, האחווה האוניברסלית מוצגת בצורה אוטופית. הרוע מובס, והצדק והחוכמה מנצחים. כל גדולי המלחינים של המאה ה-19 הושפעו מהמוזיקה של וגנר ולמדו מיצירתו.

במאה ה-19 הוקם ברוסיה בית ספר לאומי ללחן ולביצוע. ישנן שתי תקופות במוזיקה הרוסית: רומנטיקה מוקדמת וקלאסית. הראשון כולל מלחינים רוסים מהמאה ה-19 כמו א' ורלמוב, א' ורסטובסקי, א' גורילב.

מיכאיל גלינקה

מיכאיל גלינקה ייסד בארצנו בית ספר למלחינים. הרוח הרוסית נוכחת בכל האופרות המפורסמות שלו כמו "רוסלן ולודמילה", "חיים למען הצאר" חדורות פטריוטיות. גלינקה סיכמה את המאפיינים האופייניים במוזיקת ​​העם, תוך שימוש במנגינות ובמקצבים ישנים של מוזיקת ​​עם. המלחין היה גם חדשן בדרמטורגיה מוזיקלית. עבודתו היא עלייתה של התרבות הלאומית.

מלחינים רוסים נתנו לעולם יצירות מבריקות רבות שעדיין כובשות את ליבם של אנשים היום. בין המלחינים הרוסים המבריקים של המאה ה-19, מונצחים שמות כמו מ' בלאקירב, א' גלזונוב, מ' מוסורגסקי, נ' רימסקי-קורסקוב, פ' צ'ייקובסקי.

מוזיקה קלאסית משקפת בצורה חיה וחושנית את עולמו הפנימי של האדם. הרציונליזם הקפדני הוחלף ברומנטיקה של המאה ה-19.

תקופה רומנטית

התקופה הרומנטית במוזיקה נמשכה בערך משנות ה-30 עד שנות ה-19. במידה מסוימת, המילה "רומנטי" היא רק תווית, מושג שלא ניתן להגדיר בקפדנות, כמו, באמת, הרבה אחרים. רבות מהיצירות המוזכרות בכל פרקי ספרנו ללא יוצא מן הכלל יכולות להיקרא בצדק "רומנטיות".

ההבדל העיקרי של תקופה זו מאחרות הוא שהמלחינים של אותה תקופה הקדישו יותר תשומת לב לרגשות ולתפיסה של מוזיקה, וניסו לבטא חוויות רגשיות בעזרתה. בכך הם נבדלים מהמלחינים של התקופה הקלאסית, שהדבר החשוב ביותר במוזיקה היה הצורה וניסו לפעול לפי כללים מסוימים לבניית קומפוזיציה.

יחד עם זאת, ניתן לראות אלמנטים של רומנטיקה אצל חלק מהמלחינים מהתקופה הקלאסית, ואלמנטים של קלאסיציזם ניתן לראות אצל מלחיני התקופה הרומנטית. אז כל מה שדיברנו עליו למעלה הוא לא כלל קשה בכלל, אלא רק מאפיין כללי.

ההיסטוריה לא עמדה במקום, וכל האנשים פתאום לא הפכו לרומנטיקנים, שמתעניינים רק בחוויותיהם הרגשיות. זה הזמן להולדת הסוציאליזם, הרפורמה בדואר וייסוד צבא ההצלה. במקביל, התגלו ויטמינים ורדיום, נבנתה תעלת סואץ; דיימלר עיצב את המכונית הראשונה, והאחים רייט ביצעו את הטיסה הראשונה. מרקוני המציא את הרדיו על ידי שליחת הודעה אלחוטית מוצלחת במרחק של קילומטר וחצי משם. המלכה ויקטוריה ישבה על כס המלכות של בריטניה הגדולה יותר מכל מלוכה אנגלי אחר. הבהלה לזהב גרמה לאלפי אנשים לנסוע לאמריקה.

תדפדפו בספרנו, תבחינו כי זהו הפרק הגדול ביותר מכל פרקיו, בו מוזכרים לא פחות משלושים ושבעה מלחינים. רבים מהם חיו ועבדו בו זמנית במדינות שונות. לכן, חילקנו את הפרק הזה לשלושה חלקים: "רומנטיקנים מוקדמים", "מלחינים לאומיים" ו"רומנטיקנים מאוחרים".

כפי שבטח כבר ניחשתם, גם החלוקה הזו לא מתיימרת להיות מדויקת לחלוטין. עם זאת, אנו מקווים שזה יעזור לשמור על עקביות הנרטיב, אם כי לא תמיד בסדר כרונולוגי.

מדובר במלחינים שהפכו למעין גשר בין התקופה הקלאסית לתקופת הרומנטיקה המאוחרת. רבים מהם פעלו במקביל ל"קלאסיקה", ולמוצרט ובטהובן הייתה השפעה רבה על יצירתם. במקביל, רבים מהם תרמו את תרומתם האישית לפיתוח המוזיקה הקלאסית.

המלחין הראשון שלנו מהתקופה הרומנטית היה כוכב אמיתי בתקופתו. במהלך הופעותיו הוא הפגין את נפלאות הווירטואוזיות בכינור וביצע תחבולות מדהימות. כמו גיטריסט הרוק הוירטואוז ג'ימי הנדריקס, שנולד מאה ושישים שנה מאוחר יותר, ניקולו פגניניתמיד הרשים את הקהל עם הופעתו הנלהבת.

פגניני יכול לנגן את כל היצירה על שני מיתרי כינור במקום ארבעה. לִפְעָמִים

הוא אפילו גרם למיתרים להישבר בכוונה באמצע ההופעה, ולאחר מכן הוא עדיין סיים בצורה מבריקה את העבודה לקול תשואות הקהל.

בילדותו עסק פגניני אך ורק במוזיקה. עם זאת, אביו אף העניש אותו על כך שלא התאמן מספיק בכך שלא נתן לו אוכל ומים.

כמבוגר, פגניני ניגן בכינור כל כך וירטואוזי עד שהשמועה כרת ברית עם השטן בעצמו, מאחר שאף בן תמותה לא יכול היה לנגן בצורה כה מפוארת. לאחר מותו של המוזיקאי, הכנסייה תחילה אפילו סירבה לקבור אותו על אדמתם.

פגניני, ללא ספק, עצמו הבין את כל היתרונות של נאומיו הפומביים, ואמר:

"אני מכוער, אבל כשנשים שומעות אותי מנגן, הן זוחלות על רגליי".

הסגנון והמבנה של יצירות מוזיקליות המשיכו להתפתח הן ביצירות אינסטרומנטליות והן באופרה. בגרמניה הוביל האוונגרד של האופרה קרל מריה פון ובר,למרות שהוא חי בשנים שרבים לא מייחסים לתקופה הרומנטית.

ניתן לומר שעבור בני הזוג וובר, האופרה הייתה עניין משפחתי, וקרל טייל רבות עם להקת האופרה של אביו בילדותו. האופרה שלו יורה חינם (Magic Shooter)נכנסה להיסטוריה של המוזיקה בשל העובדה ששימשו בה מוטיבים עממיים.

קצת מאוחר יותר תלמד כי טכניקה כזו נחשבת למאפיין אופייני של התקופה הרומנטית.

ובר כתב גם כמה קונצ'רטו לקלרינט, שבשבילם הוא ידוע בעיקר כיום.

איטליה היא מקום הולדתה של האופרה, ובפנים ג'ואקינו אנטוניו רוסינילאיטלקים היה מזל למצוא גיבור חדש מהז'אנר הזה. הוא כתב אופרות בעלות תוכן קומי וטרגי באותה מידה.

רוסיני היה אחד מאותם מלחינים שמלחינים במהירות, ובדרך כלל לקח לו רק כמה שבועות לכתוב אופרה. בשיא תהילתו, הוא אמר פעם:

"תן לי את חשבון הכביסה ואני אתן אותו למוזיקה."

הם אומרים את זה ספר מסביליהרוסיני הלחין תוך שלושה עשר יום בלבד. קצב עבודה כה מהיר הוביל לכך שהאופרות החדשות שלו הועלו ללא הרף בכל התיאטראות באיטליה. אבל הוא לא תמיד התייחס למבצעי יצירותיו בחיוב ופעם אחת אפילו דיבר עליהם בזלזול:

"איזו אופרה נפלאה הייתה אם לא היו בה זמרים!"

אבל בגיל שלושים ושבע, רוסיני הפסיק לפתע לכתוב אופרות ובמשך כמעט ארבעת העשורים האחרונים לחייו, מיצירות מרכזיות, הוא יצר רק סטבט מאטר.

עד כה לא לגמרי ברור מה הוא הונחה בקבלת החלטה כזו, אולם עד אז הצטבר בחשבון הבנק שלו סכום לא מבוטל - תמלוגים מהפקות.

בנוסף למוזיקה, לרוסיני הייתה תשוקה לאמנויות הקולינריה, והרבה יותר מנות נקראות על שמו מאשר מלחינים אחרים. תוכלו אפילו לארגן ארוחת ערב שלמה, שתכלול סלט רוסיני, חביתת רוסיני ורוסיני טורנדו. (טרנדוס הם רצועות בשר מטוגנות בפירורי לחם, מוגשות עם פטה וכמהין.)

פרנץ שוברט,שחי רק שלושים ואחת שנים, כבר בגיל שבע-עשרה ביסס את עצמו כמלחין מוכשר. במהלך חייו הקצרים כתב בסך הכל יותר משש מאות שירים, תשע סימפוניות, אחת עשרה אופרות וכארבע מאות יצירות נוספות. רק ב-1815 הלחין מאה ארבעים וארבעה שירים, שתי מיסות, סימפוניה ועוד מספר יצירות.

ב-1823 הוא חלה בעגבת, וחמש שנים מאוחר יותר, ב-1828, הוא מת ממחלת הטיפוס. שנה קודם לכן, הוא השתתף בהלוויה של האליל שלו לודוויג ואן בטהובן.

ראוי לציין ששוברט היה אחד המלחינים הגדולים הראשונים שהתפרסמו בזכות הביצוע של יצירות של אנשים אחרים. הוא עצמו נתן רק קונצרט אחד גדול בשנת מותו, וכבר אז האפילה עליו הופעתו של פגניני, שהגיע לווינה בערך באותו זמן. אז שוברט המסכן מעולם לא זכה לכבוד הראוי לו במהלך חייו.

אחת התעלומות הגדולות ביותר של שוברט היא סימפוניה מס' 8,ידוע בשם לא גמור.הוא כתב רק שני חלקים ממנו, ואז הפסיק לעבוד. אף אחד לא יודע למה הוא עשה את זה, אבל הסימפוניה הזו היא עדיין אחת מיצירותיו הפופולריות ביותר.

הקטור ברליוזנולד במשפחתו של רופא, כך שבניגוד למלחינים רבים אחרים המוזכרים בספרנו, לא זכה לחינוך מוזיקלי מן המניין.

בתחילה החליט ללכת בדרכו של אביו ולהיות רופא, לשם כך נסע לפריז, אך שם החל לבלות יותר ויותר זמן באופרה. בסופו של דבר הוא החליט לעסוק במוזיקה, למורת רוחם של הוריו.

דמותו של ברליוז עשויה להיראות קריקטורית לאנשים רחוקים מכתיבה

כל מלחין מוצג: עצבני ועצבני מאוד, אימפולסיבי, עם מצבי רוח חדים וכמובן רומנטיים בצורה יוצאת דופן ביחסים עם המין השני. פעם אחת הוא תקף את אהובתו לשעבר עם אקדח בידו ואיים להרעיל אותה; אחר הוא רדף אחריו, לבוש בבגדי נשים.

אבל הנושא העיקרי של שאיפותיו הרומנטיות של ברליוז היה השחקנית הרייט סמיתסון, שלימים סבלה מהתמוטטות עצבים קשה - כנראה, היא חייבת אותן במידה רבה לברליוז עצמו. הוא ראה אותה לראשונה ב-1827, אך הוא הצליח לפגוש אותה אישית רק ב-1832. בהתחלה, סמיתסון דחה את ברליוז, והוא, מתוך רצון להשיג הדדיות, כתב סימפוניה פנטסטית.ב-1833 הם בכל זאת נישאו, אך כצפוי, כעבור כמה שנים התאהב ברליוז באישה אחרת.

באשר למוזיקה, ברליוז אהב היקף. קח, למשל, את שלו אַשׁכָּבָה,נכתב עבור תזמורת ענקית ומקהלה, וכן ארבע תזמורות כלי נשיפה המוצבות בכל פינה של הבמה. נטייה כזו לצורות גדולות לא תרמה הרבה לתהילתו לאחר המוות. ביצוע יצירותיו בצורה שבה הגה אותן עשוי להיות יקר מאוד, ולפעמים אפילו בלתי אפשרי. אבל מכשולים כאלה לא הפריעו לו כלל, והוא המשיך להלחין מוזיקה בכל התשוקה שהוא מסוגל לה. פעם הוא אמר:

"כל מלחין מכיר את הכאב והייאוש הנובעים מכך שאין לו מספיק זמן לכתוב את מה שהוא הגה".

כל תלמיד שקורא את הספר הזה צריך לקנא באנשים כמו פליקס מנדלסון,לאנשים שהתפרסמו בילדותם.

כפי שאנו רואים מדוגמאות רבות, זה רחוק מלהיות נדיר בעולם המוזיקה הקלאסית.

עם זאת, מנדלסון הצליח לא רק במוזיקה; הוא היה אחד האנשים הבודדים שמצליחים להגיע לתוצאה טובה בכל מה שהם לוקחים על עצמם - בציור, בשירה, בספורט, בשפות.

למנדלסון לא היה קשה לשלוט בכל זה.

למנדלסון היה מזל - הוא נולד למשפחה אמידה וגדל באווירה היצירתית של חוגי האמנות של ברלין. בילדותו פגש אמנים ומוזיקאים רבים ומוכשרים שבאו לבקר את הוריו.

מנדלסון הופיע לראשונה בפומבי בגיל תשע, וכשהיה בן שש עשרה כבר הלחין אוקטט מיתרים.שנה לאחר מכן כתב פתיחה למחזה של שייקספיר חלום בליל קיץ.אבל הוא יצר את שאר המוזיקה לקומדיה הזו רק אחרי שבע עשרה שנים (כולל המפורסמת מרץ חתונה,שעדיין מבוצע לעתים קרובות בחתונות).

גם חייו האישיים של מנדלסון התפתחו בהצלחה: במהלך שנות נישואים ארוכות וממושכות נולדו לו ולאשתו חמישה ילדים.

הוא עבד וטייל הרבה, כולל בסקוטלנד, על התושבים שעליהם דיבר בחוסר הסכמה:

"... [הם] לא מייצרים דבר מלבד וויסקי, ערפל ומזג אוויר גרוע."

אבל זה לא מנע ממנו לכתוב שתי יצירות נפלאות המוקדשות לסקוטלנד. 13 שנים אחרי שהטיול הראשון הסתיים הסימפוניה הסקוטית;הבסיס פתיחה של ההברידיםמנגינות סקוטיות שכבו. מנדלסון היה קשור גם לבריטניה על ידי האורטוריה שלו אליהו, שהועלתה לראשונה בברמינגהם ב-1846. הוא אפילו פגש את המלכה ויקטוריה ונתן שיעורי מוזיקה לנסיך אלברט.

מנדלסון נפטר משבץ בגיל צעיר יחסית - בגיל שלושים ושמונה. כמובן, ניתן לומר שהוא לא חס על עצמו ועבד יתר על המידה מעבודה מופרזת, אבל במידה רבה מותו הואץ על ידי מותה של אחותו האהובה פאני, שהייתה גם היא מוזיקאית מוכשרת.

לפנינו עוד רומנטיקן עד מוח העצמות. איפה פרדריק שופןהוא גם התבלט במסירות נלהבת לכלי אחד, וזה דבר נדיר עבור המלחינים המוזכרים בספרנו.

להגיד ששופן אהב את הפסנתר זה אנדרסטייטמנט. הוא העריץ אותו, הוא הקדיש את כל חייו להלחנת יצירות פסנתר ולשיפור טכניקות הנגינה בו. זה היה כאילו לא היו כלים אחרים עבורו, חוץ אולי כליווי ביצירות תזמורתיות.

שופן נולד ב-1810 בוורשה; אביו היה צרפתי מלידה, ואמו הייתה פולניה. פרדריק החל להופיע בגיל שבע, והיצירות הראשונות שלו מתוארכות לאותה תקופה. אני חייב לומר שהתכונה הייחודית שלו תמיד הייתה שאיפה לעתיד.

לאחר מכן, שופן התפרסם בפריז, שם החל לתת שיעורי מוזיקה לעשירים, שבזכותם הוא עצמו התעשר. הוא תמיד עקב בקפידה אחר המראה שלו והבטיח שהמלתחה שלו תואמת את האופנה העדכנית ביותר.

כמלחין, שופן היה שיטתי וקפדן. הוא מעולם לא הרשה לעצמו להיות רשלני, כל יצירה השתכללה על ידו לשלמות. באופן לא מפתיע, הלחנת מוזיקה הייתה עבורו תהליך כואב.

בסך הכל הלחין מאה שישים ותשע יצירות סולו לפסנתר.

בפריז התאהב שופן באמנדין אורורה לוסיל דופין, סופרת צרפתייה ידועה בעלת שם מהודר, המוכרת יותר תחת השם הבדוי ג'ורג' סאנד. היא הייתה אדם יוצא דופן למדי: לעתים קרובות ניתן היה למצוא אותה ברחובות פריז מסתובבת בבגדי גברים ומעשנת סיגרים, דבר שהיא זעזעה את הציבור המנומס. הרומן בין שופן לג'ורג' סאנד התנהל בסערה והסתיים בהפסקה כואבת.

כמו כמה מלחינים אחרים מהתקופה הרומנטית, שופן לא האריך ימים - הוא מת משחפת בגיל שלושים ותשע, זמן קצר לאחר פרידתו מג'ורג' סאנד.

רוברט שומאן- עוד מלחין שחי חיים קצרים ומרגשים, למרות שבמקרה שלו הכל היה מתובל בכמות לא קטנה של טירוף. כיום ידועות יצירות לפסנתר, שירים ומוזיקה קאמרית מאת שומאן.

שומאן היה מלחין מבריק, אבל במהלך חייו היה בצל אשתו קלרה שומאן,פסנתרן מבריק של אותה תקופה. כמלחינה היא פחות מוכרת, אם כי גם כתבה מוזיקה מעניינת למדי.

רוברט שומאן עצמו לא יכול היה להופיע כפסנתרן עקב פציעה ביד, והיה לו קשה לחיות לצד אישה שהתפרסמה בתחום זה.

המלחין סבל מעגבת והתמוטטות עצבים; פעם אחת הוא אפילו ניסה להתאבד על ידי השלכת עצמו לנהר הריין. הוא חולץ והוכנס לבית חולים פסיכיאטרי, שם נפטר כעבור שנתיים.

שומאן התייחס לאמנות באופן פרגמטי. ידועה ההצהרה הבאה:

"כדי להלחין, אתה רק צריך להמציא מנגינה שאף אחד אחר לא חשב עליה."

אם אפשר לכנות את פגניני מלך הכנרים-מבצעים, אז בקרב פסנתרנים רומנטיים התואר הזה שייך בצדק ל פרנץ ליסט.הוא עסק גם בפעילות הוראה וביצע ללא לאות את יצירותיהם של מלחינים אחרים, במיוחד ואגנר, שעליו יידונו בהמשך.

יצירות הפסנתר של ליסט קשות ביותר לביצוע, אך הוא כתב לפי טכניקת הנגינה שלו, ביודעו היטב שאיש לא ינגן אותן טוב יותר ממנו.

בנוסף, ליסט תמלל לפסנתר את יצירותיהם של מלחינים אחרים: בטהובן, ברליוז, רוסיני ושוברט. מתחת לאצבעותיו, הם רכשו מקוריות מוזרה והחלו להישמע בצורה חדשה. בהתחשב בכך שהם נכתבו במקור עבור התזמורת, נותר להתפעל ממיומנותו של המוזיקאי, שמשחזר אותם בצורה מדויקת באופן מפתיע על כלי בודד.

ליסט היה כוכב אמיתי בתקופתו; מאה שנים לפני המצאת הרוקנרול, הוא ניהל חיים ראויים לכל מוזיקאי רוק, כולל פרשיות אהבים שונות. אפילו ההחלטה לקבל פקודות קודש לא מנעה ממנו לפתוח ברומן.

ליסט גם פרסם הופעות עם הפסנתר והתזמורת, ז'אנר שנמשך עד היום. הוא אהב לתפוס את מבטי ההערצה של המעריצים ולהקשיב לקריאות הנלהבות של הקהל המתבונן באצבעותיו עפות על המקשים. אז הוא סובב את הפסנתר כדי שהקהל יוכל לעקוב אחר נגינתו של הפסנתרן. לפני כן הם ישבו עם הגב לקהל.

הציבור הרחב יודע ז'ורז' ביזהכיוצר האופרה כרמןאבל הרשימה שפורסמה בסוף ספרנו כללה עוד מיצירותיו, Au Fond du Temple Saint(מוכר גם בשם דואט של נדיר וזורגי)מהאופרה מחפשי פנינים.הוא נמצא בעקביות בראש המצעדים מאז שהתחלנו לאסוף את רשימת השירים הפופולריים ביותר בקרב מאזיני FM Classic ב-1996.

ביזה הוא עוד ילד פלא שהפגין את יכולותיו המוזיקליות יוצאות הדופן בילדותו. את הסימפוניה הראשונה שלו כתב בגיל שבע עשרה. נכון, הוא גם מת מוקדם, בגיל שלושים ושש, והוסיף לרשימת הגאונים שעזבו בטרם עת.

למרות כישרונו, ביזה מעולם לא זכה להכרה אמיתית במהלך חייו. אוֹפֵּרָה מחפשי פניניםהועלה בהצלחה מעורבת, והבכורה כרמןוהסתיים לגמרי בכישלון - הציבור האופנתי של אז לא קיבל זאת. אהוב על המבקרים ואניני המוזיקה האמיתיים כרמןנכבש רק לאחר מותו של המלחין. מאז היא הועלתה בכל בתי האופרה המובילים בעולם.

הנה עוד הגדרה מעורפלת ביותר. לא רק כל המלחינים הרומנטיים, אלא גם, במידה מסוימת, נציגים רבים של הבארוק והתקופה הקלאסית יכולים להיקרא בצדק "לאומנים".

אף על פי כן, בחלק זה נפרט ארבעה עשר מלחינים מובילים מהתקופה הרומנטית, שיצירותיהם כתובות בסגנון כזה שאפילו מאזינים שאינם בקיאים במוזיקה קלאסית יכולים לדעת מאיפה בא מאסטר זה או אחר.

לפעמים מלחינים אלה מסווגים כשייכים לבית ספר מוזיקלי לאומי כזה או אחר, אם כי גישה זו אינה נכונה לחלוטין.

בדרך כלל, כאשר משתמשים במילה "בית ספר", מוצגת כיתה שבה ילדים, בהנחיית מורה, מבצעים את אותה משימה.

אם מדברים על מלחינים, הם היו מאוחדים על ידי כיוון אחד משותף, וכל אחד הלך בדרכו, מנסה למצוא את אמצעי הביטוי המוזיקלי הייחודי שלו.

אם למוזיקה הקלאסית הרוסית יש אב מייסד, אז זה, ללא ספק, מיכאיל איבנוביץ' גלינקה.מוזיקאים לאומניים בולטים דווקא בעובדה שהם משתמשים בלחנים עממיים ביצירותיהם. גלינקה התוודע לשירים רוסיים על ידי סבתו.

בניגוד למלחינים מוכשרים רבים אחרים המוזכרים לעתים קרובות כל כך על דפי ספרנו, גלינקה החל ללמוד מוזיקה ברצינות בגיל מאוחר יחסית - בתחילת שנות העשרים לחייו. בתחילה שימש כפקיד במשרד הרכבת.

כשגלינקה החליט לשנות את הקריירה שלו, הוא נסע לאיטליה, שם הופיע כפסנתרן. שם הוא פיתח אהבה עמוקה לאופרה. בשובו הביתה, הלחין את האופרה הראשונה שלו חיים למלך.הציבור זיהה אותו מיד כמלחין הרוסי העכשווי הטוב ביותר. האופרה השנייה שלו רוסלן ולודמילה,לא היה מוצלח באותה מידה, למרות שהוא עמד במבחן הזמן טוב יותר.

אלכסנדר פורפירייביץ' בורודיןשייך למלחינים שבנוסף למוזיקה היו מעורבים באופן פעיל בפעילויות אחרות. לגבי בורודין, הוא החל את דרכו כמדען - כימאי. החיבור הראשון שלו נקרא "על פעולת אתיל יודיד על הידרופנזמיד ואמרין", וכמובן שלעולם לא תשמעו אותו ב-Classic FM, שכן מדובר ביצירה מדעית שאין לה שום קשר למוזיקה.

בורודין היה בנו הבלתי חוקי של נסיך גאורגי; הוא השתלט על אהבתו למוזיקה והתעניינות באמנות בכלל מאמו, ושמר אותם לכל החיים.

עקב העסקה מתמדת הספיק לפרסם רק כעשרים יצירות, הכוללות סימפוניות, שירים ומוזיקה קאמרית.

ביחד עם מילי באלקירב, ניקולאי רימסקי-קורסקוב, קיסר קויו צנוע מוסורגסקיבורודין היה חבר בקהילה המוזיקלית Mighty Handful. ההצלחה של כל המלחינים הללו יוצאת דופן עוד יותר בכך שלכולם היו עיסוקים אחרים מלבד מוזיקה.

בכך הם שונים באופן מובהק מרוב המלחינים האחרים המוזכרים בספר זה.

היצירה הפופולרית ביותר של בורודין - ריקודים פולובצייםמהאופרה שלו הנסיך איגור.יש להזכיר שהוא עצמו מעולם לא השלים אותו (למרות שעבד עליו שבע עשרה שנים). את האופרה השלים חברו רימסקי - קורסקוב, עליו נדבר בפירוט רב יותר בהמשך.

לפי דעתנו, צנוע פטרוביץ' מוסורגסקיהיה המציאה והמשפיעה ביותר מבין מלחיני "החופן האדיר", אם כי הוא, כאדם יוצא דופן, לא נמלט מחטא אחד או שניים הטמונים בנציגים רבים של מקצועות יצירתיים.

עזב את הצבא, מוסורגסקי קיבל עבודה בשירות המדינה. בצעירותו הוא אהב, כמו שאומרים, לטייל, הוא התבלט בכושר ההתרשמות, ולקראת סוף ימיו סבל מאלכוהוליזם. מסיבה זו, הוא מתואר לעתים קרובות עם שיער פרוע ואף אדום לא טבעי.

מוסורגסקי לרוב לא סיים את יצירותיו, וחבריו עשו זאת עבורו - לפעמים לא כפי שהתכוון, כך שכעת איננו בטוחים מה הייתה כוונתו המקורית של המחבר. תזמור של האופרה בוריס גודונובעשה מחדש את רימסקי-קורסקוב, כמו גם את "התמונה המוזיקלית" המפורסמת לילה על הר קירח(בשימוש בסרט דיסני פנטזיה).תזמור ל תמונות מהתערוכהכתב מוריס ראוול, ובגרסה זו הם ידועים בתקופתנו.

למרות העובדה שמוסורגסקי בא ממשפחה אמידה ובעל כישרון רב כפסנתרן וכמלחין, הוא מת בגיל ארבעים ושתיים בלבד מאלכוהוליזם.

הורים ניקולאי רימסקי-קורסקובחלמו על בנם משרת בחיל הים, והוא עמד בציפיותיהם. אבל, לאחר ששירת מספר שנים בחיל הים וערך מספר מסעות ימיים, הוא הפך למלחין ומורה למוזיקה, מה שללא ספק הפתיע את משפחתו. אם לומר את האמת, רימסקי-קורסקוב תמיד התעניינה במוזיקה, ואף החלה להלחין סימפוניה מס' 1,כאשר ספינתו עגנה באזור התעשייה של גרייבסנד בפתח התמזה. זה כנראה אחד המקומות הפחות רומנטיים להלחין את המוזיקה המוזכרת בספר הזה.

בנוסף לעובדה שרימסקי-קורסקוב השלים ושיפץ כמה מיצירותיו של מוסורגסקי, הוא עצמו יצר חמש עשרה אופרות על נושאים מהחיים הרוסיים, אם כי השפעתן של מדינות אקזוטיות מורגשת גם ביצירותיו. לדוגמה, שחרזדהמבוסס על הסיפור מאלף לילה ולילה.

רימסקי-קורסקוב היטיב במיוחד להראות את יופיו של הצליל של התזמורת כולה. הוא הקדיש לכך תשומת לב רבה בפעילות ההוראה שלו ובכך השפיע על מלחינים רוסים רבים שפעלו אחריו, בעיקר סטרווינסקי.

פיטר איליץ' צ'ייקובסקיהשתמש גם במנגינות עממיות רוסיות ביצירותיו, אך בניגוד למלחינים לאומיים רוסים אחרים, הוא עיבד אותן בדרכו שלו, כמו, אכן, המורשת המוזיקלית של אירופה כולה.

חייו האישיים של צ'ייקובסקי, אפופים בסודות שונים (היו שמועות נפוצות על נטיותיו ההומוסקסואליות), לא היו קלים. הוא עצמו אמר פעם:

"זה באמת יהיה משהו להשתגע לולא המוזיקה!"

כילד, הוא היה מושפע, וכמבוגר, הוא היה נוטה להתקפי מלנכוליה ואפילו דיכאון. לא פעם היו לו מחשבות על התאבדות. בצעירותו למד משפטים ועבד זמן קצר במשרד המשפטים, אך עד מהרה עזב את השירות כדי להתמסר כולו למוזיקה. בגיל שלושים ושבע הוא התחתן באופן בלתי צפוי, אך נישואיו הפכו לייסורים של ממש עבור עצמו ואשתו. בסופו של דבר, אשתו הגיעה לבית חולים פסיכיאטרי, שם נפטרה. גם צ'ייקובסקי עצמו סבל תקופה ארוכה מפרידה שהתרחשה חודשיים בלבד לאחר החתונה.

יצירותיו המוקדמות של צ'ייקובסקי לא זכו להכרה בציבור הרחב, והדבר גרם לו סבל רב. באופן מוזר, רבות מהעבודות הללו, כולל קונצ'רטו לכינור ותזמורתו קונצ'רטו לפסנתר מס' 1, בכרגע פופולריים מאוד. הקלטה קונצ'רטו לפסנתר מס' 1באופן כללי הפכה להקלטה הראשונה של מוזיקה קלאסית שזכתה במעמד של "דיסק הזהב" על מכירת מיליון עותקים.

צ'ייקובסקי כתב עשר אופרות, כולל יוג'ין אונייגין,ומוזיקה לבלטים כגון מפצח אגוזים, היפהפייה הנרדמתו אגם הברבורים.בהאזנה למוזיקה הזו, אתה מבין מיד את כל גדולת הכישרון של צ'ייקובסקי, שהצליח ליצור מנגינה הרמונית ומרגשת ביותר. הבלטים שלו עדיין מועלים לעתים קרובות על במות העולם ומעוררים הערצה בלתי משתנה של הציבור. מאותה סיבה, ביטויים מוזיקליים מהסימפוניות והקונצרטי שלו מוכרים גם למי שאינו בקיא במוזיקה קלאסית.

במשך שנים נהנה צ'ייקובסקי מחסודה של אלמנה עשירה בשם נדיז'דה פון מאק, ששלחה לו סכומי כסף גדולים בתנאי שלא יפגשו לעולם. יתכן שבפגישה אישית הם לא היו מזהים זה את זה.

נסיבות מותו של המלחין עדיין אינן ברורות לחלוטין. לפי המסקנה הרשמית, צ'ייקובסקי מת מכולרה: הוא שתה מים נגועים בנגיף. אבל יש גרסה לפיה הוא עצמו התאבד, מחשש שמערכות היחסים ההומוסקסואליות שלו יפורסמו ברבים.

אם גלינקה נחשב לאבי המוזיקה הקלאסית הרוסית, אז אותו תפקיד במוזיקה הקלאסית הצ'כית מגלם על ידי בדריך סמטנה.

סמטנה תמיד קיבלה השראה מהתרבות העממית הצ'כית ומהטבע של ארץ הולדתה. הדבר מורגש במיוחד במחזור השירים הסימפוניים שלו. מולדתי,שלקח לסמטנה שמונה שנים לכתוב.

נכון לעכשיו, העבודה הפופולרית ביותר של מחזור זה היא וולטבה,מוקדש לאחד מהנהרות הצ'כיים הגדולים הזורמים בפראג.

לקראת סוף חייו חלה בדריץ' סמטנה במחלה קשה (ככל הנראה בעגבת), התחרש ואיבד את דעתו. הוא נפטר בגיל שישים.

המוזיקה שלו השפיעה על המלחין הבא ברשימה שלנו, אנטונין דבוז'אק, שהלחנים שלו מוכרים הרבה מעבר לצ'כיה.

אנטונין דבורקהיה גיבור לאומי צ'כי אמיתי שאהב בלהט את מולדתו. בני ארצו גמלו לו והעריצו אותו.

יצירותיו של דבורק זכו לקידום נרחב על ידי ברהמס (עליו נדון מעט מאוחר יותר). בהדרגה, שמו של דבוראק הוכר בכל העולם. כך, למשל, הוא צבר מעריצים באנגליה, שם הופיע בהזמנת החברה הפילהרמונית המלכותית, כמו גם בפסטיבלים בברמינגהם ובלידס.

לאחר מכן החליט דבורק לנסוע לארצות הברית, שם בשנות ה-90 הוצע לו תפקיד המנצח של הקונסרבטוריון הלאומי בניו יורק, שאותו החזיק במשך שלוש שנים. דבורק התגעגע מאוד למולדתו, אך לא חדל להתעניין במוזיקה מקומית. הרשמים שלה משתקפים אצלו סימפוניות מס' 9,בשם מהעולם החדש.

בסופו של דבר, דבורק החליט לחזור הביתה ובילה את שנות חייו האחרונות בפראג בהוראה.

בנוסף למוזיקה, התעניין דבורק ברכבות ובספינות, והתשוקה הזו שלו היא שתרמה, ככל הנראה, להסכמתו לבקר בארצות הברית, אם כי גם התשלום הרב שהוצע לו יכול היה למלא תפקיד מכריע.

ד נציגים של בית הספר הלאומי למוזיקה צ'כית כוללים גם יוסף סוק, ליאוס יאנצקו בוגוסלב מרטין.

נורבגית אדוארד גריגשייך למעגל המלחינים שאהבו בלהט את מולדתם. והמולדת השיבה לו בתמורה. בנורבגיה, היצירות שלו עדיין פופולריות מאוד. אבל הכל יכול היה להתברר אחרת, שכן משפחת גריג הייתה למעשה ממוצא סקוטי - סבא רבא שלו היגר לסקנדינביה לאחר התבוסה בקרב עם הבריטים ליד קולדן.

החשוב מכל, גריג הוציא יצירות מז'אנרים קטנים, כגון מחזות ליריקהלפסנתר. אבל הקונצרט הכי מפורסם שלו הוא קונצרט פסנתר,עם הקדמה מרשימה, שבה נדמה שצלילי הפסנתר יורדים גשם מתחת לטרמולו הטימפני.

ד נציגים של בית הספר הלאומי למוזיקה סקנדינבי כוללים גם קרל נילסןו יוהאן סוונדסן.

למרות העובדה שמוזיקה קלאסית נכתבה גם בספרד במאה ה-19, לא חיו בה הרבה מלחינים שזכו לתהילת עולם. אחד החריגים הוא יצחק אלבניז,בצעירותו לא הבחין בנטייה מתלוננת.

אומרים שאלבניז למד לנגן בפסנתר בגיל שנה. שלוש שנים לאחר מכן הופיע בציבור, ובגיל שמונה החל לסיבוב הופעות. עד גיל חמש עשרה הספיק לבקר בארגנטינה, קובה, ארה"ב ואנגליה.

אלבניז הצליח במיוחד באלתור: הוא יכול היה להמציא סוג של מנגינה תוך כדי תנועה ומיד לנצח אותה בכמה גרסאות. הוא גם הדגים את נפלאות השליטה בכלי - הוא ניגן, עומד עם הגב אליו. לסירוגין, הוא התחפש למוסקטר בכל פעם, והוסיף לחזיון ההופעות שלו.

בבגרותו הוא התיישב מעט והדהים את הקהל כבר לא בהתנהגותו המקוממת, אלא ביצירותיו. הוא מפורסם במיוחד בזכות מחזור יצירות הפסנתר שלו. איבריה.הודות להצלחתו, המלחין הזה הוציא את ספרד מהצללים ומשך אליה את תשומת הלב של הקהילה המוזיקלית העולמית.

לאלבניז הייתה השפעה רבה על מלחינים רבים אחרים של האסכולה הלאומית של ספרד, כולל פבלו דה סראסטה, אנריקה גרנאדוס, מנואל דה פאלהו Heitora Villa - Lobosa(מי היה ברזילאי).

ארתור סאליבןידוע היום. אבל ההיסטוריה לא התייחסה אליו בהגינות, כי היום רחוקים ממיטב יצירותיו זכורות. בשנות ה-70 החל לשתף פעולה עם המשורר והליברית ו.ס. גילברט. יחד הם כתבו כמה אופרטות קומיות: משפט על ידי חבר מושבעים, שודדי פנזנס, פריגטה של ​​הוד מלכותה Pinafore, הנסיכה אידה, המיקאדו, יאומן המשמרואחרים.

למרות ההצלחה האדירה של עבודתם המשותפת, שני המחברים לא הסתדרו כל כך טוב אחד עם השני, ובסופו של דבר, לאחר מריבות אלימות, הם הפסיקו כליל לתקשר. אולם המריבות הללו היו ריקות.

כך, למשל, אחד מהם נגע לשטיח חדש בתיאטרון סבוי בלונדון, שבו בדרך כלל הועלו האופרטות שלהם.

סאליבן חלם להתפרסם כמלחין רציני, אבל עד עכשיו יצירותיו, שאינן שייכות לז'אנר האופרטה, נשכחו.

עם זאת, הוא כתב אופרה איבנהודי מעניין סימפוניה במי מינורוהמנון "קדימה, צבא המשיח!"- אולי עבודתו המבוצעת בתדירות הגבוהה ביותר.

ד נציגים של בית הספר הלאומי האנגלי למוזיקה כוללים גם ארנולד באקס, הוברט פארי, סמואל קולרידג'-טיילור, צ'ארלס וילייר סטנפורדו ג'ורג' באטרוורת'.

האנלוג הצרפתי של האופרטות של גילברט וסאליבן יכול להיקרא היצירות ז'אק אופנבך,אדם שבהחלט היה לו חוש הומור. הוא נולד בקלן ולכן חתם לפעמים בתור "O. מקלן" ("O. de Cologne" נשמע כמו "קלן").

ב-1858 הדהים אופנבך את הפריזאים יכול יכולמתוך אופרטה אורפיאוס בגיהנום; לציבור מעודן, ריקודים כאלה של פשוטי העם נראו פרועים ומגונים, אולם האופרטה עצמה נחשבה שערורייתית.

אגב, אם השם הזה נראה לכם מוכר, כדאי לזכור שפרי, מונטוורדי וגלוק כתבו מוזיקה למיתוס של אורפיאוס במאות הקודמות. הגרסה של אופנבך הייתה סאטירית, נועדה לבידור, ולכן כללה סצנות קלות דעת מאוד. אף על פי כן, למרות הרושם הראשוני, הציבור התאהב בסופו של דבר באופרטה, כך שלאופנבך עצמו כמעט ולא הייתה סיבה להתחרט על מה שכתב.

אופרה רצינית ידועה בין יצירותיו האחרות. סיפורי הופמןשבו זה נשמע ברקרול.

ליאו דליבסהיה מלחין משפיע לא פחות מאופנבך, אם כי כעת רק אחת מהאופרות שלו זכורה בעיקר - לאקמי,שבו המפורסמים צמד פרחים,משמש במספר רב של שומרי מסך ופרסומות בטלוויזיה.

בין מכריו של דליבס היו מוזיקאים גדולים כמו ברליוז וביזה, איתם עבד כמנהל המקהלה של התיאטרון הלירי בפריז.

ד נציגים של בית הספר הלאומי הצרפתי למוזיקה כוללים גם אלכסיס - עמנואל שברייר, צ'ארלס מארי ווידור, ג'וזף קאנטה - לובו ז'ול מסנט,אוֹפֵּרָה תאילנדיםאשר, כולל האינטרמצו הרהורים (מֶדִיטָצִיָה),פופולרי בקרב כנרים עכשוויים רבים.

שני המלחינים הלאומיים האחרונים שלנו - רומנטיקה - הם אב ובנו, אם כי הפרש הגילאים ביניהם (עשרים ואחת שנים) אינו כה גדול להיסטוריה. יוהאן שטראוס בכירנחשב ל"אבי הוואלס". הוא היה כנר מצוין והוביל תזמורת שהופיעה ברחבי אירופה וקיבלה על כך כסף איתן.

אף על פי כן, התואר "מלך הוואלס" שייך בצדק לבנו, שנקרא גם יוהאן שטראוס. אביו לא רצה שיהפוך לכנר, אבל יוהאן הצעיר הקדיש את חייו למוזיקה בכל זאת וארגן את התזמורת שלו, שהתחרתה בתזמורת של אביו. לשטראוס הצעיר היה חוש עסקי טוב, שבזכותו הצליח לחזק את מעמדו הכלכלי.

סך הכל יוהאן שטראוס - בןכתב מאה שישים ושמונה ואלס, כולל הפופולרי שבהם - על הדנובה הכחולה והיפה.בסופו של דבר נקראו שש תזמורות על שם השטראוס, אחת מהן הובלה על ידי אחיו של יוהאן, יוסף הצעיר, והשנייה על ידי אחיו השני, אדוארד (כל אחת מהן הלחינה כשלוש מאות יצירות).

הוואלס והפולקות של יוהן היו להיטים אמיתיים בבתי הקפה הווינאיים, וסגנונו הקליל והעליז הפך לסטנדרט של מוזיקת ​​הריקודים ברחבי אירופה.

כמה אוהבי מוזיקה קלאסית עדיין רואים ביצירות של שטראוס וולגריות וקלילות מדי. אל תאמין להם ואל תיכנע לפרובוקציות שלהם! המשפחה הזו הצליחה לכתוב יצירות נהדרות באמת, מרגשות ובלתי נשכחות במשך זמן רב מיד לאחר ההאזנה הראשונה.

רבים מהמלחינים של תקופה זו המשיכו לכתוב מוזיקה גם לתוך המאה ה-20. עם זאת, אנחנו מדברים עליהם כאן, ולא בפרק הבא, מהסיבה שדווקא רוח הרומנטיקה הייתה חזקה במוזיקה שלהם.

יש לציין שחלקם שמרו על קשרים הדוקים ואף ידידות עם המלחינים המוזכרים בתתי הסעיפים "רומנטיקנים מוקדמים" ו"לאומנים".

בנוסף, יש לזכור שבתקופה זו פעלו כל כך הרבה מלחינים מצוינים במדינות שונות באירופה, עד שכל חלוקה שלהם על פי כל עיקרון תהיה שרירותית לחלוטין. אם בספרות שונות המוקדשות לתקופה הקלאסית ולתקופת הבארוק מוזכרת אותה מסגרת זמן בערך, הרי שהתקופה הרומנטית מוגדרת אחרת בכל מקום. נראה שהגבול בין סוף התקופה הרומנטית לתחילת המאה ה-20 במוזיקה מטושטש מאוד.

המלחין המוביל של איטליה של המאה ה-19 היה ללא ספק ג'וזפה ורדי.האיש הזה עם השפם העבה והגבות, מביט בנו בעיניים בורקות, עמד בראש וכתפיים מעל כל מלחיני האופרה האחרים.

כל היצירות של ורדי ממש עולות על גדותיהן במנגינות בהירות ובלתי נשכחות. בסך הכל כתב עשרים ושש אופרות, שרובן מועלות בקביעות עד היום. ביניהן היצירות המפורסמות והבולטות ביותר של אמנות אופרה בכל הזמנים.

המוזיקה של ורדי זכתה להערכה רבה עוד בחייו של המלחין. בהקרנת הבכורה שְׁאוֹלהקהל נתן כפיים כה ארוכות, עד שהאמנים נאלצו להשתחוות עד שלושים ושתיים פעמים.

ורדי היה איש עשיר, אבל כסף לא יכול היה להציל את שתי הנשים ושני ילדיו של המלחין מהמוות המוקדם, אז היו רגעים טרגיים בחייו. הוא הוריש את הונו למקלט למוזיקאים ותיקים שנבנה בהנחייתו במילאנו. ורדי עצמו ראה ביצירת מקלט, ולא מוזיקה, את ההישג הגדול ביותר שלו.

למרות העובדה ששמו של ורדי קשור בעיקר לאופרות, אם כבר מדברים עליו, אי אפשר שלא להזכיר אַשׁכָּבָה,שנחשבת לאחת הדוגמאות הטובות ביותר של מוזיקת ​​מקהלה. הוא מלא בדרמה, וכמה מאפיינים של האופרה חומקים דרכו.

המלחין הבא שלנו הוא בשום אופן לא האדם המקסים ביותר. בכלל, זו הדמות השערורייתית והשנויה במחלוקת מכל המוזכרים בספרנו. אם היינו עושים רשימה המבוססת רק על תכונות אישיות, אז ריכרד וגנרלעולם לא יפגע בו. עם זאת, אנו מונחים אך ורק על ידי קריטריונים מוזיקליים, וההיסטוריה של המוזיקה הקלאסית היא בלתי נתפסת ללא האיש הזה.

לא ניתן להכחיש את כישרונו של וגנר. מתוך - מתחת לעטו הגיעו כמה מהיצירות המוזיקליות המשמעותיות והמרשימות ביותר של כל תקופת הרומנטיקה - במיוחד לאופרה. במקביל, מדברים עליו כעל אנטישמי, גזעני, אנטישמי, רמאי אחרון ואפילו גנב שלא מהסס לקחת את כל מה שהוא צריך, ואנשים גסים ללא חרטה. לוואגנר היה הערכה עצמית מוגזמת, והוא האמין שגאונותו מעלה אותו מעל כל שאר האנשים.

וגנר זכור בזכות האופרות שלו. המלחין הזה לקח את האופרה הגרמנית לרמה חדשה לגמרי, ולמרות שהוא נולד במקביל לוורדי, המוזיקה שלו הייתה שונה מאוד מהיצירות האיטלקיות של אותה תקופה.

אחד החידושים של וגנר היה שכל דמות ראשית קיבלה נושא מוזיקלי משלו, שחזר על עצמו בכל פעם שהחל לשחק תפקיד משמעותי על הבמה.

היום זה נראה מובן מאליו, אבל באותה תקופה הרעיון הזה עשה מהפכה של ממש.

ההישג הגדול ביותר של ואגנר היה המחזור טבעת הניבלונג,מורכב מארבע אופרות: ריין גולד, ולקירי, זיגפרידו מוות של אלים.בדרך כלל שמים אותם ארבעה לילות ברציפות, ובסך הכל הם נמשכים כחמש עשרה שעות. אופרות אלו לבדן יספיקו כדי להאדיר את המלחין שלהן. למרות כל העמימות של ואגנר כאדם, יש להכיר בכך שהוא היה מלחין מצטיין.

מאפיין ייחודי של האופרות של וגנר הוא משך הזמן שלהן. האופרה האחרונה שלו פרסיפלנמשך למעלה מארבע שעות.

המנצח דיוויד רנדולף אמר עליה פעם:

"זה סוג האופרה שמתחיל בשש, וכשאתה מסתכל בשעון היד שלך אחרי שלוש שעות, מתברר שהוא מראה 6:20".

חַיִים אנטון ברוקנרכמלחין, זה שיעור איך לא לוותר ולהתעקש על עצמך. הוא התאמן שתים עשרה שעות ביום, הקדיש את כל זמנו לעבודה (היה נגן עוגב) ולמד הרבה בנגינה בכוחות עצמו, סיים לשלוט בכישורי כתיבה בהתכתבות בגיל די בוגר - בגיל שלושים ושבע.

כיום זכורות לרוב הסימפוניות של ברוקנר, מהן כתב בסך הכל תשעה יצירות. לעתים היו לו ספקות לגבי הכדאיות שלו כמוזיקאי, אבל הוא עדיין זכה להכרה, אם כי לקראת סוף חייו. לאחר ביצועו סימפוניות מס' 1המבקרים לבסוף שיבחו את המלחין, שבאותו זמן כבר מלאו לו ארבעים וארבע שנים.

יוהנס ברהמסלא אחד מאותם מלחינים שנולד, כביכול, עם שרביט כסף בידו. עד לידתו, המשפחה איבדה את עושרה הקודם ובקושי הצליחה להסתדר. כנער התפרנס ממשחק בבתי הבושת של עיר הולדתו המבורג. עד שברהמס התבגר, הוא, ללא ספק, הכיר את הצדדים הרחוקים מהאטרקטיביים של החיים.

את המוזיקה של ברהמס קידם חברו, רוברט שומאן. לאחר מותו של שומאן התקרב ברהמס לקלרה שומאן ולבסוף אף התאהב בה. לא ידוע בדיוק איזה סוג של מערכת יחסים הייתה ביניהם, אם כי כנראה שהתחושה כלפיה מילאה תפקיד כלשהו ביחסיו עם נשים אחרות - הוא לא נתן את ליבו לאף אחת מהן.

כאדם, ברהמס היה די חסר מעצורים ועצבני, אך חבריו טענו שיש בו רכות, למרות שלא תמיד הפגין זאת בפני הסובבים אותו. יום אחד, כשחזר הביתה ממסיבה, הוא אמר:

"אם לא פגעתי באף אחד, אז אני מבקש את סליחתם".

ברהמס לא היה זוכה בתחרות על המלחין הכי אופנתי ולבוש באלגנטיות. הוא נורא לא אהב לקנות בגדים חדשים ולעיתים קרובות לבש את אותם מכנסיים רחבים ומלאי טלאים, כמעט תמיד קצרים מדי בשבילו. במהלך הופעה אחת, המכנסיים שלו כמעט נפלו. בהזדמנות אחרת הוא נאלץ להוריד את העניבה ולהשתמש בה במקום חגורה.

סגנונו המוזיקלי של ברהמס הושפע מאוד מהיידן, מוצרט ובטהובן, וכמה היסטוריונים של מוזיקה אף טוענים שהוא כתב ברוח הקלאסיציזם, עד אז כבר יצא מהאופנה. במקביל, יש לו גם כמה רעיונות חדשים. הוא הצליח במיוחד בפיתוח קטעי מוזיקה קטנים ובחזרה עליהם לאורך כל היצירה – מה שמלחינים מכנים "מוטיב חוזר".

אופרה ברהמס לא כתב, אבל הוא ניסה את עצמו כמעט בכל הז'אנרים האחרים של המוזיקה הקלאסית. לכן, ניתן לכנותו אחד מגדולי המלחינים המוזכרים בספרנו, ענק אמיתי של מוזיקה קלאסית. הוא עצמו אמר זאת על עבודתו:

"לא קשה להלחין, אבל מפתיע לזרוק תווים נוספים מתחת לשולחן".

מקס ברוךנולד רק חמש שנים אחרי ברהמס, והאחרון בהחלט היה מאפיל עליו, אלמלא יצירה אחת, קונצ'רטו לכינור מס' 1.

ברוך עצמו הודה בעובדה זו, וקבע בצניעות יוצאת דופן עבור מלחינים רבים:

"בעוד חמישים שנה, ברהמס ייקרא אחד מגדולי המלחינים בכל הזמנים, ואני אזכר בזכות כתיבת הקונצ'רטו לכינור בסול מינור".

והתברר שהוא צודק. נכון, לברוג'ה עצמו יש מה לזכור! הוא הלחין יצירות רבות אחרות - כמאתיים בסך הכל - יש לו במיוחד יצירות רבות למקהלה ולאופרות, שממעטות להעלות על הבמה בימינו. המוזיקה שלו מלודית, אבל הוא לא תרם שום דבר חדש במיוחד לפיתוחה. על הרקע שלו, מלחינים רבים אחרים של אותה תקופה נראים כחדשנים של ממש.

ב-1880 מונה ברוך למנצח של החברה המלכותית לפילהרמונית של ליברפול, אך חזר לברלין שלוש שנים מאוחר יותר. נגני התזמורת לא היו מרוצים ממנו.

על דפי הספר שלנו, כבר פגשנו ילדי פלא מוזיקליים רבים, ו קמיל סן-סנסתופס לא את המקום האחרון ביניהם. בגיל שנתיים כבר קלט סן-סאנס מנגינות על הפסנתר, והוא למד לקרוא ולכתוב מוזיקה בו זמנית. בגיל שלוש ניגן מחזות משלו. בגיל עשר הוא ביצע בצורה מושלמת את מוצרט ובטהובן. עם זאת, הוא החל להתעניין ברצינות באנטומולוגיה (פרפרים וחרקים), ומאוחר יותר במדעים אחרים, כולל גיאולוגיה, אסטרונומיה ופילוסופיה. נראה היה שילד כל כך מוכשר פשוט לא יכול להגביל את עצמו לדבר אחד.

לאחר שסיים את לימודיו בקונסרבטוריון של פריז, עבד סן-סאנס כנגן עוגב במשך שנים רבות. עם הגיל, הוא החל להשפיע על החיים המוזיקליים של צרפת, ובזכותו החלה להופיע לעתים קרובות יותר מוזיקה של מלחינים כמו J.S.Bach, Mozart, Handel and Gluck.

החיבור המפורסם ביותר של סן-סנס - קרנבל בעלי חיים,שהמלחין אסר לבצע במהלך חייו. הוא חשש שמבקרי מוזיקה, לאחר ששמעו את היצירה הזו, לא יחשבו שהיא קלת דעת מדי. הרי זה מצחיק כשהתזמורת על הבמה מציגה אריה, תרנגולות עם תרנגול, צבים, פיל, קנגורו, אקווריום עם דגים, ציפורים, חמור וברבור.

סן-סאנס כתב כמה מיצירותיו האחרות לשילובים לא כל כך תכופים של כלים, כולל המפורסמים סימפוניה מס' 3 "אורגן",נשמע בסרט "בייבי".

המוזיקה של סן-סאנס השפיעה על יצירתם של מלחינים צרפתים אחרים, כולל גבריאל פאור.צעיר זה ירש את תפקיד נגן עוגב בכנסייה הפריזאית של סנט מגדלנה, שהייתה בעבר על ידי סן-סנס.

ולמרות שאי אפשר להשוות את כישרונו של פאור לכישרונו של מורו, הוא היה פסנתרן גדול.

פאורה היה איש עני ולכן עבד קשה, ניגן על עוגב, הנחה את המקהלה ונתן שיעורים. הוא כתב בזמנו הפנוי, שהיה מעט מאוד, אך למרות זאת, הוא הצליח לפרסם יותר ממאתיים וחמישים מיצירותיו. כמה מהם הולחנו במשך זמן רב מאוד: למשל, לעבוד על אַשׁכָּבָהנמשך למעלה מעשרים שנה.

ב-1905 הפך פאורה למנהל הקונסרבטוריון של פריז, כלומר האיש שהתפתחות המוזיקה הצרפתית של אותה תקופה הייתה תלויה בו במידה רבה. 15 שנים מאוחר יותר פרש פור. בסוף ימיו סבל מאובדן שמיעה.

כיום פאור זוכה לכבוד מחוץ לצרפת, למרות שהוא מוערך שם ביותר.

לחובבי מוזיקה אנגלית, הופעתה של דמות כמו אדוארד אלגר,זה כנראה נראה כמו נס אמיתי. היסטוריונים רבים מכנים אותו המלחין האנגלי המשמעותי הראשון אחרי הנרי פרסל, שפעל בתקופת הבארוק, אם כי קצת קודם לכן הזכרנו את ארתור סאליבן.

אלגר אהב מאוד את אנגליה, במיוחד את מולדתו ווסטרשייר, שם בילה את רוב חייו, ומצא השראה בשדות של גבעות מאלברן.

כילד, הוא היה מוקף במוזיקה בכל מקום: אביו היה בעל חנות מוזיקה מקומית ולימד את אלגר הקטן לנגן בכלי נגינה שונים. בגיל שתים עשרה, הילד כבר החליף את נגן העוגב בתפילות הכנסייה.

לאחר שעבד במשרד עורך דין, החליט אלגר להתמסר לעיסוק הרבה פחות בטוח מבחינה כלכלית. תקופה מסוימת עבד במשרה חלקית, נתן שיעורי כינור ופסנתר, ניגן בתזמורות מקומיות ואף ניצח מעט.

בהדרגה גדלה תהילתו של אלגר כמלחין, אם כי נאלץ להיאבק כדי לפלס את דרכו אל מחוץ למחוז הולדתו. התהילה הביאה אותו וריאציות על נושא מקורי,אשר כיום ידועים יותר בשם וריאציות אניגמה.

כעת המוזיקה של אלגר נתפסת כאנגלית מאוד ונשמעת במהלך האירועים הגדולים ביותר בסולם הלאומי. בצלילים הראשונים של זה קונצ'רטו לצ'לוהאזור הכפרי האנגלי מופיע מיד. נמרודמ וריאציותניגן לעתים קרובות בטקסים רשמיים, ו צעדה חגיגית וחגיגית מס' 1,ידוע כ ארץ של תקווה ותפארתהופיע בנשף בכל רחבי בריטניה.

אלגר היה איש משפחה ואהב חיים שקטים ומסודרים. למרות זאת, הוא הטביע את חותמו על ההיסטוריה. ניתן להבחין מיד במלחין הזה עם שפם עבות על השטר של עשרים לירות. ברור שמעצבי שטרות גילו ששיער פנים כזה יהיה קשה מאוד לזייף.

באיטליה, יורשו של ג'וזפה ורדי באמנות האופרה היה ג'אקומו פוצ'יני,נחשב לאחד המאסטרים העולמיים המוכרים של צורת אמנות זו.

משפחת פוצ'יני הייתה מזוהה זמן רב עם מוזיקת ​​כנסייה, אבל כשג'קומו שמע לראשונה אופרה אאידהורדי, הוא הבין שזה הייעוד שלו.

לאחר לימודיו במילאנו, פוצ'יני מלחין אופרה מנון לסקו,מה שהביא לו את הצלחתו הגדולה הראשונה ב-1893. לאחר מכן, הפקה מוצלחת אחת באה אחריה: בוהמיהבשנת 1896, גַעגוּעִיםבשנת 1900 ו מאדאם בטרפלייבשנת 1904.

בסך הכל הלחין פוצ'יני שתים עשרה אופרות, האחרונה שבהן טורנדוט.הוא מת מבלי להשלים חיבור זה, ומלחין אחר השלים את היצירה. בהקרנת הבכורה של האופרה, המנצח ארתורו טוסקניני עצר את התזמורת בדיוק במקום שבו פוצ'יני הפסיק. הוא פנה לקהל ואמר:

"כאן המוות ניצח על האמנות."

עם מותו של פוצ'יני הסתיימה תקופת הזוהר של אמנות האופרה של איטליה. ספרנו לא יזכיר עוד מלחיני אופרה איטלקים. אבל מי יודע מה צופן לנו העתיד?

בחיים גוסטב מאהלרהוא היה מוכר יותר כמנצח מאשר כמלחין. הוא ניצח בחורף, ובקיץ, ככלל, העדיף לכתוב.

כילד, מספרים על מאהלר שמצא פסנתר בעליית הגג של בית סבתו. ארבע שנים לאחר מכן, בגיל עשר, הוא כבר נתן הופעה ראשונה.

מאהלר למד בקונסרבטוריון של וינה, שם החל להלחין מוזיקה. ב-1897 הפך למנהל האופרה הממלכתית של וינה ובעשר השנים הבאות זכה לתהילה ניכרת בתחום זה.

הוא עצמו החל לכתוב שלוש אופרות, אך מעולם לא סיים אותן. בתקופתנו הוא ידוע בעיקר כמלחין סימפוניות. בז'אנר הזה, הוא הבעלים של אחד ה"להיטים" האמיתיים - סימפוניה מס' 8,בהופעה שבה מעורבים יותר מאלף מוזיקאים וזמרים.

לאחר מותו של מאהלר, המוזיקה שלו יצאה מהאופנה במשך חמישים שנה, אך במחצית השנייה של המאה ה-20 היא שבה לפופולריות, בעיקר בבריטניה ובארה"ב.

ריכרד שטראוסנולד בגרמניה ולא השתייך לשושלת שטראוס הווינאית. למרות העובדה שהמלחין הזה חי כמעט את כל המחצית הראשונה של המאה ה-20, הוא עדיין נחשב לנציג של הרומנטיקה המוזיקלית הגרמנית.

הפופולריות העולמית של ריכרד שטראוס סבלה במקצת מהעובדה שהחליט להישאר בגרמניה לאחר 1939, ולאחר מלחמת העולם השנייה הואשם לחלוטין בשיתוף פעולה עם הנאצים.

שטראוס היה מנצח מצוין, שבזכותו הבין היטב כיצד צריך להישמע כלי זה או אחר בתזמורת. לעתים קרובות הוא יישם את הידע הזה בפועל. הוא גם נתן עצות שונות למלחינים אחרים, כגון:

"לעולם אל תסתכל על טרומבונים, אתה רק מעודד אותם."

"אל תזיע בזמן הופעה; רק המאזינים צריכים להתחמם".

כיום, שטראוס זכור בעיקר בקשר להלחנה שלו כך אמר זרתוסטרא,המבוא אליו השתמש סטנלי קובריק בסרטו 2001: אודיסיאה בחלל. אבל הוא גם כתב כמה מהאופרות הגרמניות הטובות ביותר, ביניהן - רוזנקוואליר, סלומהו אריאדנה על נקסוס.שנה לפני מותו, הוא גם הלחין יפה מאוד ארבעה שירים אחרוניםלקול ותזמורת. למעשה, אלה לא היו השירים האחרונים של שטראוס, אבל הם הפכו למעין סיום של פעילותו היצירתית.

עד כה, בין המלחינים המוזכרים בספר זה, היה רק ​​נציג אחד של סקנדינביה - אדוארד גריג. אבל עכשיו אנחנו שוב מועברים לארץ הקשה והקרה הזו - הפעם לפינלנד, שם ז'אן סיבליוס,גאונות מוזיקלית גדולה.

המוזיקה של סיבליוס ספגה את המיתוסים והאגדות של מולדתו. היצירה הגדולה ביותר שלו פינלנד,נחשבת להתגלמות הרוח הלאומית של הפינים, בדיוק כפי שבבריטניה יצירותיו של אלגר מוכרות כאוצר לאומי. בנוסף, סיבליוס, כמו מאהלר, היה מאסטר אמיתי של סימפוניות.

באשר לתשוקותיו האחרות של המלחין, בחיי היומיום שלו הוא אהב יתר על המידה לשתות ולעשן, כך שבגיל ארבעים ושנים חלה בסרטן הגרון. גם לא פעם היה חסר לו כסף, והמדינה נתנה לו פנסיה כדי שימשיך לכתוב מוזיקה בלי לדאוג לשלומו הכלכלי. אבל יותר מעשרים שנה לפני מותו, סיבליוס הפסיק להלחין משהו בכלל. הוא חי את שארית חייו בבדידות יחסית. הוא היה קשוח במיוחד לגבי אלה שקיבלו כסף עבור ביקורות על המוזיקה שלו:

"אל תשים לב למה שאומרים המבקרים. עד כה, אף מבקר לא קיבל פסל”.

האחרון ברשימת המלחינים הרומנטיים שלנו חי גם הוא עד כמעט אמצע המאה ה-20, למרות שכתב את רוב היצירות המפורסמות ביותר שלו בשנות ה-1900. ובכל זאת הוא מדורג בין הרומנטיקנים, ונראה לנו שמדובר במלחין הכי רומנטי של הקבוצה כולה.

סרגיי ואסילביץ' רחמנינובנולד למשפחה אצילה, שעד אז הוציאה הרבה כסף. הוא גילה עניין במוזיקה בגיל צעיר, והוריו שלחו אותו ללמוד, תחילה לסנט פטרבורג, ולאחר מכן למוסקבה.

רחמנינוב היה פסנתרן מוכשר בצורה מפתיעה, והוא גם התגלה כמלחין נפלא.

שלי קונצ'רטו לפסנתר מס' 1הוא כתב בגיל תשע עשרה. הוא גם מצא זמן לאופרה הראשונה שלו, אלקו.

אבל המוזיקאי הגדול הזה, ככלל, לא היה מרוצה במיוחד מהחיים. ברבים מהתצלומים אנו רואים גבר זועם ומזעיף פנים. מלחין רוסי אחר, איגור סטרווינסקי, העיר פעם:

"המהות האלמותית של רחמנינוף הייתה הזעף שלו. הוא היה מטר וחצי של זעף... הוא היה אדם מפחיד".

כשרחמנינוב הצעיר שיחק בצ'ייקובסקי, הוא כל כך התמוגג עד שהניח חמישייה עם ארבעה פלוסים על דף הניקוד שלו - הציון הגבוה ביותר בתולדות הקונסרבטוריון במוסקבה. עד מהרה כל העיר התחילה לדבר על הכישרון הצעיר.

עם זאת, הגורל נשאר שלילי למוזיקאי במשך זמן רב.

המבקרים היו מאוד קשים כלפיו. סימפוניות מס' 1,שהבכורה שלו הסתיימה בכישלון. זה נתן לרחמנינוב חוויות רגשיות קשות, הוא איבד את האמון בכוחו שלו ולא יכול היה להלחין שום דבר.

בסופו של דבר, רק עזרתו של פסיכיאטר מנוסה ניקולאי דאל אפשרה לו לצאת מהמשבר. עד שנת 1901 השלים רחמנינוב את הקונצ'רטו לפסנתר, אותו עבד קשה שנים רבות והקדיש לד"ר דאל. הפעם, הקהל בירך את יצירתו של המלחין בהנאה. מאז קונצ'רטו לפסנתר מס' 2הפך ליצירה קלאסית אהובה בביצוע של קבוצות מוזיקליות שונות ברחבי העולם.

רחמנינוף החל לטייל באירופה ובארה"ב. בשובו לרוסיה, ניצח והלחין.

לאחר מהפכת 1917 יצאו רחמנינוב ומשפחתו לקונצרטים בסקנדינביה. הוא מעולם לא חזר הביתה. במקום זאת, הוא עבר לשווייץ, שם קנה בית על שפת אגם לוצרן. הוא תמיד אהב מקווי מים ועכשיו, כשהפך לאיש עשיר למדי, הוא יכול היה להרשות לעצמו להירגע על החוף ולהתפעל מהנוף הנפתח.

רחמנינוף היה מנצח מצוין ותמיד נתן את העצות הבאות למי שרצה להצטיין בתחום זה:

"מנצח טוב חייב להיות נהג טוב. שניהם זקוקים לאותן תכונות: ריכוז, קשב אינטנסיבי מתמשך ונוכחות נפש. המנצח צריך רק לדעת קצת את המוזיקה..."

בשנת 1935 החליט רחמנינוף להתיישב בארה"ב. הוא גר תחילה בניו יורק, ולאחר מכן עבר ללוס אנג'לס. שם החל לבנות לעצמו בית חדש, זהה לחלוטין לזה שהשאיר במוסקבה.

עם הגיל, רחמנינוב ניצח פחות ופחות וכמעט הפסיק לחלוטין להלחין מוזיקה. הוא הגיע לפסגת תהילתו כפסנתרן מצוין.

למרות הגעגועים הביתה, רחמנינוב אהב את ארה"ב. הוא היה גאה בקדילק הענקית שלו ולעתים קרובות היה מזמין אורחים לנסיעה ברכב רק כדי להשוויץ במכונית שלו.

זמן קצר לפני מותו קיבל רחמנינוף אזרחות אמריקאית. בארץ הזאת הוא נקבר.

הקדשנו בספרנו הרבה יותר תשומת לב לתקופה הרומנטית מאשר לכל שאר התקופות של המוזיקה הקלאסית.

בעידן הזה קרו כל כך הרבה דברים מעניינים במדינות שונות שפשוט אי אפשר לספר על הכל במאמר קטן. המוזיקה הקלאסית השתנתה מאוד, וכך גם הצליל שלה, שהפך לעשיר יותר ויותר בזכות תזמורות סימפוניות גדולות. במובנים רבים, היצירות של רחמנינוף הן הדוגמה המושלמת לצליל הזה. אם נשווה את זה לבטהובן, מתברר עד כמה השינויים היו גרנדיוזיים.

אבל לא משנה כמה משמעותיים אותם שינויים שחלו בעולם המוזיקה במשך כשמונים שנה של התקופה הרומנטית, אי אפשר להשוות אותם למה שקרה אחר כך. ובעתיד המוזיקה הפכה מגוונת ויוצאת דופן עוד יותר - מה שלדעתנו לא תמיד הלכה לטובתה.