הציור "דיוקן האמן (בריכה עם שתי דמויות)" מאת דיוויד הוקני נמכר במכירה פומבית של כריסטיס בניו יורק תמורת שיא של 90 מיליון דולר 315.5 אלף.
דייוויד הוקני (נולד ב-9 ביולי 1937) הוא אמן, גרפיקאי וצלם אנגלי שבילה חלק ניכר מחייו בארצות הברית. נציג בולט של אמנות הפופ בשנות ה-60, נחשב לאחד האמנים המשפיעים ביותר של המאה ה-20.
דיוויד הוקני בן ה-81 הפך לאמן החי היקר ביותר. בית המכירות הפומביות העריך את הציור ב-80 מיליון דולר. זה כמעט פי שלושה מהשיא הקודם של הוקני - במאי השנה נמכרה עבודתו Pacific Coast Highway וסנטה מוניקה (1990) ב-28.5 מיליון דולר בסותביס.
פול עם שתי דמויות הפך לאמן החי היקר ביותר שנמכר במכירה פומבית, והוקני לאמן החי היקר ביותר.
התואר הוחזק בעבר על ידי האמן האמריקאי ג'ף קונס בן ה-63, שכלב הבלונים מפלדת אל-חלד שלו (כתום) נמכר בכריסטיס ב-2013 תמורת 58 מיליון דולר.
- אמן הרחוב האמריקאי רון אינגליש "עבודת עבדים" תמורת 730,000 דולר והבטיח לצבוע אותו בלבן לחלוטין.
- תליון פנינה עם יהלומים של המלכה מארי אנטואנט מצרפת (1755-1793).
- בית המכירות הפומביות כריסטיס נמכר ב-432.5 אלף דולר
"שחקני קלפים"
מְחַבֵּר
פול סזאן
מדינה צָרְפַת
שנים של חיים 1839–1906
סִגְנוֹן פוסט אימפרסיוניזם
האמן נולד בדרום צרפת בעיירה הקטנה אקס-אן-פרובנס, אך החל לצייר בפריז. הצלחה אמיתית הגיעה אליו לאחר תערוכת יחיד שארגנה האספן אמברוז וולארד. ב-1886, 20 שנה לפני עזיבתו, עבר לפאתי עיר הולדתו. אמנים צעירים קראו לטיולים אליו "עלייה לרגל לאיקס".
130x97 ס"מ
1895
מחיר
250 מיליון דולר
נמכר ב 2012
במכירה פומבית פרטית
העבודה של סזאן קלה להבנה. הכלל היחיד של האמן היה העברה ישירה של הנושא או העלילה אל הבד, כך שציוריו אינם גורמים לתמיהה של הצופה. סזאן שילב באמנותו שתי מסורות צרפתיות עיקריות: קלאסיציזם ורומנטיקה. בעזרת מרקם צבעוני, הוא העניק לצורת החפצים פלסטיות מדהימה.
סדרה של חמישה ציורים "שחקני קלפים" נכתבה בשנים 1890-1895. העלילה שלהם זהה - כמה אנשים משחקים פוקר בהתלהבות. העבודות נבדלות רק במספר השחקנים ובגודל הקנבס.
ארבעה ציורים שמורים במוזיאונים באירופה ובאמריקה (מוזיאון ד'אורסיי, מוזיאון המטרופוליטן לאמנות, קרן בארנס ומכון קורטולד לאמנות), והחמישי, עד לאחרונה, היה עיטור של האוסף הפרטי של בעל הספינה המיליארדר היווני ג'ורג' אמביריקוס. זמן קצר לפני מותו, בחורף 2011, החליט להעמיד אותו למכירה. קונים פוטנציאליים של היצירה ה"חינמית" של סזאן היו סוחר האמנות וויליאם אקווולה ובעל הגלריה המפורסם בעולם לארי גאגוסיאן, שהציעו עבורה כ-220 מיליון דולר. כתוצאה מכך הלך הציור למשפחת המלוכה של מדינת קטאר הערבית תמורת 250 מיליון. עסקת האמנות הגדולה בתולדות הציור נסגרה בפברואר 2012. כך דיווחה לווניטי פייר העיתונאית אלכסנדרה פירס. היא גילתה את עלות הציור ואת שמו של הבעלים החדש, ואז המידע חדר לתקשורת ברחבי העולם.
בשנת 2010 נפתחו בקטאר המוזיאון הערבי לאמנות מודרנית והמוזיאון הלאומי של קטאר. עכשיו האוספים שלהם גדלים. אולי הגרסה החמישית של שחקני הקלפים נרכשה על ידי השייח למטרה זו.
הכיתמונה יקרהבעולם
בעלים
שייח' חמאד
בן ח'ליפה אל-ת'אני
שושלת אל-ת'אני שלטה בקטאר למעלה מ-130 שנה. לפני כחצי מאה התגלו כאן מאגרים אדירים של נפט וגז, שהפכו את קטאר בן רגע לאחד האזורים העשירים בעולם. הודות ליצוא של פחמימנים, המדינה הקטנה הזו רשמה את התמ"ג הגדול ביותר לנפש. השייח' חמד בן ח'ליפה אל-ת'אני תפס את השלטון ב-1995, בזמן שאביו שהה בשווייץ, בתמיכת בני המשפחה. הכשרון של השליט הנוכחי, על פי מומחים, הוא באסטרטגיה ברורה לפיתוח המדינה, יצירת תדמית מוצלחת של המדינה. לקטאר יש כעת חוקה וראש ממשלה, ונשים קיבלו זכות בחירה בבחירות לפרלמנט. אגב, האמיר של קטאר הוא שהקים את ערוץ החדשות אל ג'זירה. שלטונות המדינה הערבית מקדישים תשומת לב רבה לתרבות.
2
"מספר 5"
מְחַבֵּר
ג'קסון פולוק
מדינה ארה"ב
שנים של חיים 1912–1956
סִגְנוֹן אקספרסיוניזם מופשט
ג'ק הממטר - כינוי כזה ניתן לפולוק על ידי הציבור האמריקאי על טכניקת הציור המיוחדת שלו. האמן נטש את המברשת ואת כן הציור, ושפך את הצבע על פני הבד או לוח הסיבים במהלך תנועה מתמשכת סביבם ובתוכם. מגיל צעיר הוא אהב את הפילוסופיה של ג'ידו קרישנמורטי, שהמסר העיקרי שלה הוא שהאמת מתגלה במהלך "השתפכות חופשית".
122x244 ס"מ
1948
מחיר
140 מיליון דולר
נמכר בשנת 2006
במכירה הפומבית סותביס
הערך של עבודתו של פולוק הוא לא בתוצאה, אלא בתהליך. המחבר לא כינה את אמנותו בטעות "ציור פעולה". בידו הקלה, זה הפך לנכס העיקרי של אמריקה. ג'קסון פולוק ערבב צבע עם חול, זכוכית שבורה, וכתב עם חתיכת קרטון, סכין פלטה, סכין, חפירה. האמן היה כל כך פופולרי שבשנות החמישים היו אפילו חקיינים בברית המועצות. הציור "מספר 5" מוכר כאחד המוזרים והיקרים בעולם. אחד ממייסדי דרימוורקס, דיוויד גפן, קנה אותו עבור אוסף פרטי, וב-2006 מכר אותו בסותביס תמורת 140 מיליון דולר לאספן המקסיקני דיוויד מרטינז. עם זאת, משרד עורכי הדין פרסם עד מהרה הודעה לעיתונות בשם הלקוח שלו לפיה דיוויד מרטינז אינו הבעלים של הציור. רק דבר אחד ידוע בוודאות: איש הכספים המקסיקני אכן אסף לאחרונה יצירות אמנות עכשווית. לא סביר שהוא היה מפספס "דג גדול" כזה כמו "מספר 5" של פולוק.
3
"אישה שלישית"
מְחַבֵּר
וילם דה קונינג
מדינה ארה"ב
שנים של חיים 1904–1997
סִגְנוֹן אקספרסיוניזם מופשט
יליד הולנד, היגר לארצות הברית ב-1926. בשנת 1948 התקיימה תערוכה אישית של האמן. מבקרי אמנות העריכו את הקומפוזיציות השחור-לבן המורכבות והעצבניות, והכירו במחברם אמן מודרניסטי גדול. במשך רוב חייו סבל מאלכוהוליזם, אבל השמחה שביצירת אמנות חדשה מורגשת בכל יצירה. דה קונינג נבדל באימפולסיביות של הציור, קווים רחבים, וזו הסיבה שלפעמים התמונה לא נכנסת לגבולות הבד.
121x171 ס"מ
1953
מחיר
137 מיליון דולר
נמכר בשנת 2006
במכירה פומבית פרטית
בשנות החמישים מופיעות בציוריו של דה קונינג נשים עם עיניים ריקות, חזה מסיבי ומאפיינים מכוערים. "אישה III" הייתה היצירה האחרונה מסדרה זו שהשתתפה במכירה הפומבית.
מאז שנות ה-70 נשמר הציור במוזיאון לאמנות מודרנית של טהראן, אך לאחר הכנסת כללי מוסר נוקשים במדינה, ביקשו להיפטר ממנו. ב-1994 הוצאה היצירה מאיראן, וכעבור 12 שנים מכר בעליה דיוויד גפן (אותו מפיק שמכר את "מספר 5" של ג'קסון פולוק) את הציור למיליונר סטיבן כהן תמורת 137.5 מיליון דולר. מעניין שבשנה אחת החל גפן למכור את אוסף הציורים שלו. זה הוליד הרבה שמועות: למשל, שהמפיק החליט לקנות את הלוס אנג'לס טיימס.
באחד הפורומים לאמנות הובעה דעה על הדמיון של "אישה שלישית" לציור של ליאונרדו דה וינצ'י "גברת עם ארמין". מאחורי החיוך מלא השיניים ודמותה חסרת הצורה של הגיבורה, אנין הציור הבחין בחסד של אדם בעל דם מלכותי. מעיד על כך גם הכתר הלקוי שהכתיר את ראשה של אישה.
4
"דיוקן של אדלבלוך-באואר הראשון"
מְחַבֵּר
גוסטב קלימט
מדינה אוֹסְטְרֵיָה
שנים של חיים 1862–1918
סִגְנוֹן מוֹדֶרנִי
גוסטב קלימט נולד למשפחתו של חרט והיה השני מבין שבעה ילדים. שלושה בניו של ארנסט קלימט הפכו לאמנים, ורק גוסטב התפרסם בכל העולם. את רוב ילדותו בילה בעוני. לאחר מות אביו, הוא היה אחראי על כל המשפחה. בתקופה זו פיתח קלימט את הסגנון שלו. לפני ציוריו, כל צופה קופא: מתחת למשיכות הדקיקות של זהב, אירוטיקה גלויה נראית בבירור.
138x136 ס"מ
1907
מחיר
135 מיליון דולר
נמכר בשנת 2006
במכירה הפומבית סותביס
גורלו של הציור, המכונה "המונה ליזה האוסטרית", יכול בקלות להפוך לבסיס לרב מכר. עבודתו של האמן הפכה לגורם לסכסוך של המדינה כולה וגברת קשישה אחת.
אז, "דיוקן אדל בלוך-באואר הראשון" מתאר אריסטוקרט, אשתו של פרדיננד בלוך. צוואתה האחרונה הייתה להעביר את הציור לגלריה הממלכתית האוסטרית. אולם בלוך ביטל את התרומה בצוואתו, והנאצים הפקיעו את הציור. מאוחר יותר, הגלריה כמעט ולא קנתה את אדל הזהב, אבל אז הופיעה היורשת - מריה אלטמן, אחייניתו של פרדיננד בלוך.
ב-2005 החל המשפט המתוקשר "מריה אלטמן נגד הרפובליקה של אוסטריה", שבעקבותיו "עזבה" התמונה איתה ללוס אנג'לס. אוסטריה נקטה בצעדים חסרי תקדים: משא ומתן על הלוואות, האוכלוסייה תרמה כסף לקניית הדיוקן. הטוב מעולם לא כבש את הרוע: אלטמן העלה את המחיר ל-300 מיליון דולר. בזמן המשפט היא הייתה בת 79, והיא נכנסה להיסטוריה כמי ששינתה את צוואתו של בלוך-באואר לטובת אינטרסים אישיים. הציור נרכש על ידי רונלד לאודר, הבעלים של הגלריה החדשה בניו יורק, שם הוא נמצא עד היום. לא לאוסטריה, מבחינתו אלטמן הוריד את המחיר ל-135 מיליון דולר.
5
"לִצְרוֹחַ"
מְחַבֵּר
אדוארד מונק
מדינה נורווגיה
שנים של חיים 1863–1944
סִגְנוֹן אקספרסיוניזם
הציור הראשון של מונק, שהתפרסם בכל העולם, "הילדה החולה" (קיים בחמישה עותקים) מוקדש לאחותו של האמן, שמתה משחפת בגיל 15. מאנץ' תמיד התעניין בנושא המוות והבדידות. בגרמניה, הציור הכבד והמאני שלו אפילו עורר שערורייה. עם זאת, למרות העלילות המדכאות, לציוריו יש מגנטיות מיוחדת. קח לפחות "צעקה".
73.5x91 ס"מ
1895
מחיר
119.992 מיליון דולר
נמכר 2012
במכירה הפומבית סותביס
שמו המלא של הציור הוא Der Schrei der Natur (בתרגום מגרמנית כ"זעקת הטבע"). פניו של אדם או של חייזר מבטאים ייאוש ופאניקה – הצופה חווה את אותם רגשות כאשר מסתכל על התמונה. אחת מיצירות המפתח של האקספרסיוניזם מזהירה את הנושאים שהפכו חריפים באמנות המאה ה-20. לפי גרסה אחת, האמן יצר אותו בהשפעת הפרעה נפשית, ממנה סבל כל חייו.
הציור נגנב פעמיים ממוזיאונים שונים, אך הוא הוחזר. ניזוק קל לאחר הגניבה, "הצעקה" שוחזר והיה מוכן להצגה שוב במוזיאון מאנץ' ב-2008. עבור נציגי תרבות הפופ, העבודה הפכה למקור השראה: אנדי וורהול יצר סדרת הדפסים-עותקים שלה, והמסכה מהסרט "צעקה" נעשתה בדמותו ובדמותו של גיבור התמונה.
לעלילה אחת כתב מאנץ' ארבע גרסאות של היצירה: זו שבאוסף פרטי עשויה בפסטל. המיליארדר הנורווגי פטר אולסן העמיד אותו למכירה פומבית ב-2 במאי 2012. הקונה היה ליאון בלאק, שלא חסך סכום שיא עבור ה"צעקה". מייסד Apollo Advisors, L.P. ו- Lion Advisors, L.P. ידוע באהבתו לאמנות. בלאק הוא פטרון של מכללת דארטמות', המוזיאון לאמנות מודרנית, מרכז האמנות לינקולן ומוזיאון המטרופוליטן לאמנות. יש בו את האוסף הגדול ביותר של ציורים של אמנים עכשוויים ומאסטרים קלאסיים של מאות השנים האחרונות.
6
"עירום על רקע חזה ועלים ירוקים"
מְחַבֵּר
פאבלו פיקאסו
מדינה ספרד, צרפת
שנים של חיים 1881–1973
סִגְנוֹן קוביזם
במוצאו הוא ספרדי, אך ברוחו ובמקום מגוריו הוא צרפתי אמיתי. פיקאסו פתח סטודיו לאמנות משלו בברצלונה כשהיה רק בן 16. אחר כך נסע לפריז ובילה שם את רוב חייו. לכן יש לחץ כפול בשם המשפחה שלו. הסגנון שהמציא פיקאסו מבוסס על הכחשת הדעה שניתן לצפות באובייקט המתואר על הבד מזווית אחת בלבד.
130x162 ס"מ
1932
מחיר
106.482 מיליון דולר
נמכר בשנת 2010
במכירה הפומבית כריסטי'ס
במהלך עבודתו ברומא, פגש האמן את הרקדנית אולגה חוכלובה, שהפכה במהרה לאשתו. הוא שם קץ לשיטוט, עבר איתה לדירה מפוארת. עד אז, ההכרה מצאה גיבור, אבל הנישואים נהרסו. אחד הציורים היקרים בעולם נוצר כמעט במקרה - מתוך אהבה גדולה, שכמו תמיד אצל פיקאסו, הייתה קצרת מועד. ב-1927 הוא החל להתעניין במארי-תרז וולטר הצעירה (היא הייתה בת 17, הוא היה בן 45). בחשאי מאשתו, הוא יצא עם פילגשו לעיירה ליד פריז, שם צייר דיוקן המתאר את מארי-תרז בדמותה של דפנה. הציור נרכש על ידי הסוחר הניו יורקי פול רוזנברג ונמכר ב-1951 לסידני פ. ברודי. בני הזוג ברודי הראו את הציור לעולם רק פעם אחת, ורק בגלל שהאמן היה בן 80. לאחר מות בעלה, הגברת ברודי העמידה את העבודה למכירה פומבית בכריסטיס במרץ 2010. בשישה עשורים המחיר עלה יותר מפי 5,000! אספן לא ידוע קנה אותו תמורת 106.5 מיליון דולר. בשנת 2011 נערכה "תערוכת ציור אחד" בבריטניה, שם היא ראתה את האור בפעם השנייה, אך שמו של הבעלים עדיין לא ידוע.
7
"שמונה אלביסים"
מְחַבֵּר
אנדי וורהול
מדינה ארה"ב
שנים של חיים 1928-1987
סִגְנוֹן
פופ ארט
"סקס ומסיבות הם המקומות היחידים שבהם אתה צריך להופיע באופן אישי", אמר אמן הפופ הקאלט, הבמאי ואחד ממייסדי המגזין "אינטרוויו", המעצב אנדי וורהול. הוא עבד עם ווג והארפר'ס בזאר, עיצב עטיפות תקליטים ועיצב נעליים עבור I.Miller. בשנות ה-60 הופיעו ציורים המתארים את סמלי אמריקה: המרק של קמפבל וקוקה קולה, פרסלי ומונרו - מה שהפך אותו לאגדה.
358x208 ס"מ
1963
מחיר
100 מיליון דולר
נמכר ב 2008
במכירה פומבית פרטית
שנות ה-60 של וורהול - מה שנקרא עידן הפופ ארט באמריקה. ב-1962 הוא עבד במנהטן בסטודיו המפעל, שם התכנסה כל הבוהמה של ניו יורק. הנציגים המבריקים שלה: מיק ג'אגר, בוב דילן, טרומן קפוטה ואישים מפורסמים אחרים בעולם. במקביל, וורהול ניסה את הטכניקה של הדפס משי - חזרות מרובות של תמונה אחת. הוא גם השתמש בשיטה הזו בעת יצירת "שמונה אלביסים": נראה שהצופה רואה פריימים מסרט שבו הכוכב מתעורר לחיים. כל מה שהאמן כל כך אהב נמצא כאן: תדמית ציבורית מנצחת, צבע כסף ותחושה מוקדמת של מוות כמסר העיקרי.
ישנם שני סוחרי אמנות המקדמים את עבודתו של וורהול בשוק העולמי כיום: לארי גאגוסיאן ואלברטו מוגרבי. הראשון ב-2008 הוציא 200 מיליון דולר לרכישת יותר מ-15 עבודות של וורהול. השני קונה ומוכר את הציורים שלו כמו כרטיסי חג המולד, רק יותר יקר. אבל לא הם היו אלה, אלא יועץ האמנות הצרפתי הצנוע פיליפ סגאלו שעזר לאנינית האמנות הרומית אניבל ברלינגהירי למכור את שמונה האלוויסים לקונה לא ידוע תמורת שיא של 100 מיליון דולר וורהול.
8
"תפוז,אדום צהוב"
מְחַבֵּר
מארק רותקו
מדינה ארה"ב
שנים של חיים 1903–1970
סִגְנוֹן אקספרסיוניזם מופשט
אחד היוצרים של ציור שדה צבעוני נולד בדווינסק, רוסיה (כיום דאוגבפילס, לטביה), במשפחה גדולה של רוקח יהודי. ב-1911 הם היגרו לארה"ב. רותקו למד במחלקה לאמנות של אוניברסיטת ייל, השיג מלגה, אבל רגשות אנטישמיים אילצו אותו לעזוב את לימודיו. למרות הכל, מבקרי האמנות העריצו את האמן, ומוזיאונים רדפו אחריו כל חייו.
206x236 ס"מ
1961
מחיר
86.882 מיליון דולר
נמכר ב 2012
במכירה הפומבית כריסטי'ס
הניסויים האמנותיים הראשונים של רותקו היו בעלי אוריינטציה סוריאליסטית, אך עם הזמן הוא פישט את העלילה לכתמי צבע, שלל מהם כל אובייקטיביות. בהתחלה היו להם גוונים בהירים, ובשנות ה-60 הם התמלאו בחום, סגול, שהתעבה לשחור עד מותו של האמן. מארק רותקו הזהיר מפני חיפוש אחר משמעות כלשהי בציוריו. המחבר רצה לומר בדיוק את מה שהוא אמר: רק את הצבע שמתמוסס באוויר, ותו לא. הוא המליץ להסתכל על העבודות ממרחק של 45 ס"מ, כדי שהצופה "נגרר" לתוך הצבע, כמו לתוך משפך. זהירות: צפייה בהתאם לכל הכללים יכולה להוביל להשפעה של מדיטציה, כלומר המודעות לאינסוף מגיעה בהדרגה, טבילה מלאה בעצמך, הרפיה, היטהרות. הצבע בציוריו חי, נושם ויש לו השפעה רגשית חזקה (לפעמים אומרים שהוא מרפא). האמן אמר: "הצופה צריך לבכות כשהסתכל עליהם" - ובאמת היו מקרים כאלה. לפי התיאוריה של רותקו, ברגע זה אנשים חיים את אותה חוויה רוחנית שעברה לו בתהליך העבודה על התמונה. אם הצלחת להבין את זה ברמה כה עדינה, אז אל תתפלא שיצירות ההפשטה הללו מושוות לעתים קרובות על ידי מבקרים עם אייקונים.
העבודה "כתום, אדום, צהוב" מבטאת את מהות הציור של מארק רותקו. העלות הראשונית שלו במכירה הפומבית של כריסטי בניו יורק היא 35-45 מיליון דולר. קונה לא ידוע הציע מחיר כפול מההערכה. שמו של הבעלים המאושר של הציור, כפי שקורה לעתים קרובות, לא נחשף.
9
"טריפטיכון"
מְחַבֵּר
פרנסיס בייקון
מדינה
בריטניה הגדולה
שנים של חיים 1909–1992
סִגְנוֹן אקספרסיוניזם
הרפתקאותיו של פרנסיס בייקון, שמו המלא, ויותר מכך, צאצא רחוק של הפילוסוף הגדול, החלו כאשר אביו התנער ממנו, ללא יכולת לקבל את נטיותיו ההומוסקסואליות של בנו. בייקון נסע תחילה לברלין, אחר כך לפריז, ואז עקבותיו מבולבלים בכל אירופה. עוד במהלך חייו הוצגו יצירותיו במרכזי התרבות המובילים בעולם, לרבות מוזיאון גוגנהיים וגלריה טרטיאקוב.
147.5x198 ס"מ (כל אחד)
1976
מחיר
86.2 מיליון דולר
נמכר ב 2008
במכירה הפומבית סותביס
מוזיאונים יוקרתיים שאפו להחזיק בציורים של בייקון, אבל הציבור האנגלי הראשוני לא מיהר להוציא כסף לאמנות כזו. ראש ממשלת בריטניה האגדית מרגרט תאצ'ר אמרה עליו: "האיש שמצייר את התמונות הנוראיות האלה".
את התקופה ההתחלתית ביצירתו, האמן עצמו התייחס לתקופה שלאחר המלחמה. כשחזר מהשירות, הוא שוב התחיל לצייר ויצר את יצירות המופת העיקריות. לפני השתתפותו של "טריפטיכון, 1976" במכירה הפומבית, עבודתו היקרה ביותר של בייקון הייתה "מחקר לפורטרט של האפיפיור אינוקנטינס X" (52.7 מיליון דולר). ב"טריפטיכון, 1976" תיאר האמן את העלילה המיתולוגית של הרדיפה של אורסטס על ידי הזעם. כמובן, אורסטס הוא בייקון עצמו, והזעמות הם הייסורים שלו. במשך יותר מ-30 שנה היה הציור באוסף פרטי ולא השתתף בתערוכות. עובדה זו מעניקה לו ערך מיוחד ובהתאם מייקר את העלות. אבל מה זה כמה מיליונים עבור אנין אמנות, ואפילו נדיב ברוסית? רומן אברמוביץ' החל ליצור את האוסף שלו בשנות ה-90, בכך הוא הושפע משמעותית מחברתו דאשה ז'וקובה, שהפכה לבעלת גלריה אופנתית ברוסיה המודרנית. לפי נתונים לא רשמיים, איש העסקים מחזיק בעבודות של אלברטו ג'קומטי ופאבלו פיקאסו, שנרכשו בסכומים שעולים על 100 מיליון דולר. בשנת 2008, הוא הפך לבעלים של הטריפטיך. אגב, ב-2011 נרכשה עוד עבודה יקרת ערך של בייקון - "שלושה סקיצות לפורטרט של לוסיאן פרויד". מקורות נסתרים אומרים שרומן ארקדיביץ' שוב הפך לקונה.
10
"בריכה עם חבצלות מים"
מְחַבֵּר
קלוד מונה
מדינה צָרְפַת
שנים של חיים 1840–1926
סִגְנוֹן אימפרסיוניזם
האמן מוכר כמייסד האימפרסיוניזם, אשר "רשם פטנט" על שיטה זו בציוריו. היצירה המשמעותית הראשונה הייתה הציור "ארוחת בוקר על הדשא" (הגרסה המקורית של עבודתו של אדואר מאנה). בצעירותו הוא צייר קריקטורות, ועסק בציור אמיתי במהלך מסעותיו לאורך החוף ובאוויר הפתוח. בפריז הוא ניהל אורח חיים בוהמייני ולא עזב אותו גם לאחר שירות בצבא.
210X100 ס"מ
1919
מחיר
80.5 מיליון דולר
נמכר ב 2008
במכירה הפומבית כריסטי'ס
מלבד העובדה שמונה היה אמן גדול, הוא גם עסק בהתלהבות בגינון, העריץ חיות בר ופרחים. בנופים שלו, מצב הטבע הוא רגעי, אובייקטים כמו מטושטשים על ידי תנועת האוויר. הרושם מוגבר על ידי משיכות גדולות, ממרחק מסוים הם נעשים בלתי נראים ומתמזגים לתמונה תלת מימדית בעלת מרקם. בציור של מונה המנוח תופס מקום מיוחד לנושא המים והחיים בו. בעיירה ג'יברני היה לאמן בריכה משלו, שבה גידל חבצלות מים מזרעים שהובאו במיוחד על ידו מיפן. כשהפרחים שלהם פרחו, הוא התחיל לצייר. סדרת חבצלות המים מורכבת מ-60 יצירות שהאמן צייר במשך כמעט 30 שנה, עד מותו. ראייתו הידרדרה עם הגיל, אך הוא לא הפסיק. בהתאם לרוח, לעונה ומזג האוויר, הנוף של הבריכה השתנה ללא הרף, ומונה רצה ללכוד את השינויים הללו. בעבודה קפדנית הגיעה אליו הבנה של מהות הטבע. חלק מציורי הסדרה נשמרים בגלריות המובילות בעולם: המוזיאון הלאומי לאמנות מערבית (טוקיו), אורנג'רי (פריז). הגרסה של "בריכה עם חבצלות מים" הבא עברה לידיו של קונה לא ידוע תמורת סכום שיא.
11
כוכב שווא ט
מְחַבֵּר
ג'ספר ג'ונס
מדינה ארה"ב
שנת לידה 1930
סִגְנוֹן פופ ארט
בשנת 1949, ג'ונס נכנס לבית הספר לעיצוב בניו יורק. יחד עם ג'קסון פולוק, וילם דה קונינג ואחרים, הוא מוכר כאחד האמנים המרכזיים של המאה ה-20. ב-2012 הוא קיבל את מדליית החירות הנשיאותית, הפרס האזרחי הגבוה ביותר בארצות הברית.
137.2x170.8 ס"מ
1959
מחיר
80 מיליון דולר
נמכר בשנת 2006
במכירה פומבית פרטית
כמו מרסל דושאן, ג'ונס עבד עם חפצים אמיתיים, תוך שהוא מתאר אותם על קנבס ובפיסול בהתאמה מלאה למקור. לעבודותיו הוא השתמש בחפצים פשוטים ומובנים לכולם: בקבוק בירה, דגל או מפות. אין קומפוזיציה ברורה בתמונה של False Start. נראה שהאמן משחק עם הצופה, לעתים קרובות חותם "שגוי" את הצבעים בתמונה, הופך את עצם הרעיון של צבע על הפוך: "רציתי למצוא דרך לתאר את הצבע כך שהוא יכול להיקבע על ידי מישהו אחר שיטה." הציור הנפיץ וה"לא בטוח" שלו, לפי המבקרים, נרכש על ידי קונה לא ידוע.
12
"יושבעֵירוֹםעל הספה"
מְחַבֵּר
אמדיאו מודיליאני
מדינה איטליה, צרפת
שנים של חיים 1884–1920
סִגְנוֹן אקספרסיוניזם
מודיליאני היה חולה לעתים קרובות מילדות, במהלך דליריום קדחתני, הוא זיהה את ייעודו כאמן. הוא למד רישום בליוורנו, פירנצה, ונציה, וב-1906 עזב לפריז, שם שגשגה אמנותו.
65X100 ס"מ
1917
מחיר
68.962 מיליון דולר
נמכר בשנת 2010
במכירה הפומבית סותביס
ב-1917 פגש מודיליאני את ז'אן הבוטרן בת ה-19, שהפכה לדוגמנית שלו ואחר כך לאשתו. ב-2004, אחד מהדיוקנאות שלה נמכר ב-31.3 מיליון דולר, השיא האחרון לפני מכירת ה-Seated Nude on a Sofa ב-2010. הציור נרכש על ידי קונה לא ידוע במחיר המקסימלי עבור מודיליאני כרגע. מכירה פעילה של יצירות החלה רק לאחר מותו של האמן. הוא מת בעוני, סבל משחפת, ולמחרת התאבדה גם ז'אן הבוטרן, שהייתה בחודש התשיעי להריונה.
13
"עיט על אורן"
מְחַבֵּר
Qi Baishi
מדינה חרסינה
שנים של חיים 1864–1957
סִגְנוֹן guohua
העניין בקליגרפיה הוביל את צ'י באישי לצייר. בגיל 28 הוא הפך לתלמידו של האמן הו צ'ינגיואן. משרד התרבות של סין העניק לו את התואר "האמן הגדול של העם הסיני", בשנת 1956 הוא קיבל את פרס השלום הבינלאומי.
10X26 ס"מ
1946
מחיר
65.4 מיליון דולר
נמכר ב 2011
במכירה הפומבית שומר סין
צ'י באישי התעניין באותם גילויים של העולם הסובב, שרבים אינם מייחסים להם חשיבות, וזו הגדולה שלו. אדם ללא השכלה הפך לפרופסור ויוצר מצטיין בהיסטוריה. פבלו פיקאסו אמר עליו: "אני מפחד ללכת לארצך, כי יש צ'י באישי בסין". החיבור "נשר על עץ אורן" מוכר כיצירתו הגדולה ביותר של האמן. בנוסף לקנבס, הוא כולל שתי מגילות חרטומים. עבור סין, הסכום עבורו נקנה המוצר הוא שיא - 425.5 מיליון יואן. רק המגילה של הקליגרף העתיק הואנג טינגג'יאן נמכרה ב-436.8 מיליון דולר.
14
"1949-A-#1"
מְחַבֵּר
קליפורד סטיל
מדינה ארה"ב
שנים של חיים 1904–1980
סִגְנוֹן אקספרסיוניזם מופשט
בגיל 20 הוא ביקר במוזיאון המטרופוליטן לאמנות בניו יורק והתאכזב. מאוחר יותר, הוא נרשם לקורס ליגת הסטודנטים לאמנויות, אבל עזב 45 דקות לאחר תחילת השיעור - התברר שזה "לא שלו". התערוכה האישית הראשונה עוררה תהודה, האמן מצא את עצמו, ואיתה הכרה
79X93 ס"מ
1949
מחיר
61.7 מיליון דולר
נמכר ב 2011
במכירה הפומבית סותביס
כל יצירותיו, שהן יותר מ-800 בדים ו-1600 עבודות על נייר, עדיין הורשו לעיר האמריקאית, שם ייפתח מוזיאון על שמו. דנבר הפכה לעיר כזו, אבל רק הבנייה הייתה יקרה לרשויות, וארבע עבודות הועלו למכירה פומבית כדי להשלים אותה. סביר להניח שהעבודות של סטיל לא יימכרו שוב למכירה פומבית, מה שהעלה את מחירן מראש. ציור "1949-A-No.1" נמכר בסכום שיא עבור האמן, אם כי מומחים חזו מכירה של מקסימום 25-35 מיליון דולר.
15
"קומפוזיציה סופרמטיסטית"
מְחַבֵּר
קזימיר מלביץ'
מדינה רוּסִיָה
שנים של חיים 1878–1935
סִגְנוֹן סופרמטיזם
מאלביץ' למד ציור בבית הספר לאמנות קייב, ולאחר מכן באקדמיה לאמנויות במוסקבה. ב-1913 החל לצייר ציורים גיאומטריים מופשטים בסגנון שהוא כינה סופרמטיזם (מלטינית "דומיננטיות").
71x88.5 ס"מ
1916
מחיר
60 מיליון דולר
נמכר ב 2008
במכירה הפומבית סותביס
הציור נשמר במוזיאון העיר של אמסטרדם במשך כ-50 שנה, אך לאחר סכסוך של 17 שנים עם קרובי משפחתו של מלביץ', המוזיאון נתן אותו. האמן צייר את היצירה הזו באותה שנה כמו מניפסט הסופרמטיזם, כך שסותביס עוד לפני המכירה הפומבית הודיעה שהיא לא תיכנס לאוסף פרטי תמורת פחות מ-60 מיליון דולר. וכך זה קרה. עדיף להסתכל על זה מלמעלה: הדמויות על הבד דומות למבט אווירי של כדור הארץ. אגב, כמה שנים קודם לכן, אותם קרובי משפחה הפקיעו עוד "הרכב סופרמטיסט" ממוזיאון ה-MoMA כדי למכור אותו בפיליפס תמורת 17 מיליון דולר.
16
"מתרחצים"
מְחַבֵּר
פול גוגן
מדינה צָרְפַת
שנים של חיים 1848–1903
סִגְנוֹן פוסט אימפרסיוניזם
עד גיל שבע, האמן חי בפרו, ואז חזר לצרפת עם משפחתו, אבל זיכרונות ילדות דחפו אותו ללא הרף לנסוע. בצרפת, הוא התחיל לצייר, היה מיודד עם ואן גוך. הוא אפילו בילה איתו כמה חודשים בארל, עד שאן גוך חתך את אוזנו במהלך ריב.
93.4x60.4 ס"מ
1902
מחיר
55 מיליון דולר
נמכר ב 2005
במכירה הפומבית סותביס
בשנת 1891, ארגן גוגן מכירה של ציוריו כדי להשתמש בהכנסות כדי להיכנס עמוק לאי טהיטי. שם הוא יצר יצירות שבהן אפשר להרגיש את הקשר העדין בין הטבע לאדם. גוגן גר בבקתת קש, וגן עדן טרופי פרח על הקנבסים שלו. אשתו הייתה טהורה בת 13, מה שלא מנע מהאמן לעסוק בהפקרות. לאחר שחלה בעגבת, הוא עזב לצרפת. עם זאת, גוגן היה צפוף שם, והוא חזר לטהיטי. תקופה זו מכונה "הטהיטי השנייה" - אז צויר הציור "מתרחצים", מהמפוארים ביצירתו.
17
"נרקיסים ומפה בכחול וורוד"
מְחַבֵּר
אנרי מאטיס
מדינה צָרְפַת
שנים של חיים 1869–1954
סִגְנוֹן פאוביזם
בשנת 1889, אנרי מאטיס לקה בהתקף של דלקת התוספתן. כשהחלים מהניתוח, אמו קנתה לו צבעים. ראשית, מתוך שעמום, מאטיס העתיק גלויות צבעוניות, לאחר מכן - יצירותיהם של ציירים גדולים שראה בלובר, ובתחילת המאה ה-20 הוא המציא סגנון - פאוביזם.
65.2x81 ס"מ
1911
מחיר
46.4 מיליון דולר
נמכר ב 2009
במכירה הפומבית כריסטי'ס
הציור "נרקיסים ומפת שולחן בכחול וורוד" היה שייך לאיב סן לורן במשך זמן רב. לאחר מותו של הקוטורייר, כל אוסף האמנות שלו עבר לידיו של חברו ואהובו פייר ברגר, שהחליט להעמיד אותו למכירה פומבית בכריסטיס. הפנינה של האוסף הנמכר היה הציור "נרקיסים ומפה בכחול וורוד", שצויר על מפה רגילה במקום קנבס. כדוגמה לפאוביזם, הוא מלא באנרגיה של צבע, נראה שהצבעים מתפוצצים וצועקים. מבין סדרת ציורי מפות השולחן המוכרת, כיום העבודה הזו היא היחידה שנמצאת באוסף פרטי.
18
"ילדה ישנה"
מְחַבֵּר
רועילי
חנטשטיין
מדינה ארה"ב
שנים של חיים 1923–1997
סִגְנוֹן פופ ארט
האמן נולד בניו יורק, ולאחר שסיים את לימודיו הוא נסע לאוהיו, שם הלך לקורסי אמנות. בשנת 1949 קיבל ליכטנשטיין את התואר השני שלו באמנויות. העניין בקומיקס והיכולת להיות אירוני הפכו אותו לאמן פולחן של המאה הקודמת.
91X91 ס"מ
1964
מחיר
44.882 מיליון דולר
נמכר ב 2012
במכירה הפומבית סותביס
פעם אחת, מסטיק נפל לידיו של ליכטנשטיין. הוא צייר מחדש את התמונה מהתוספת שעל הבד והתפרסם. העלילה הזו מהביוגרפיה שלו מכילה את כל המסר של הפופ-ארט: הצריכה היא האל החדש, ויש לא פחות יופי בעטיפת מסטיק מאשר במונה ליזה. ציוריו מזכירים קומיקס וקריקטורות: ליכטנשטיין פשוט הגדיל את התמונה המוגמרת, צייר רסטרים, השתמש בדפוס מסך ובדפוס משי. הציור "ילדה ישנה" היה שייך לאספנים ביאטריס ופיליפ גרש במשך כמעט 50 שנה, שיורשיהם מכרו אותו במכירה פומבית.
19
"ניצחון. בוגי ווגי"
מְחַבֵּר
פיט מונדריאן
מדינה הולנד
שנים של חיים 1872–1944
סִגְנוֹן ניאופלסטיות
שמו האמיתי - קורנליס - האמן הוחלף למונדריאן כשעבר לפריז ב-1912. יחד עם האמן תיאו ואן דוסבורג, הוא הקים את התנועה הניאופלסטית. שפת התכנות Piet נקראת על שם מונדריאן.
27X127 ס"מ
1944
מחיר
40 מיליון דולר
נמכר ב 1998
במכירה הפומבית סותביס
ה"מוזיקלי" ביותר מבין אמני המאה ה-20 התפרנס עם טבע דומם בצבעי מים, למרות שהתפרסם כאמן ניאופלסטי. הוא עבר לארה"ב בשנות הארבעים ובילה שם את שארית חייו. ג'אז וניו יורק - זה מה שהכי נתן לו השראה! ציור "ניצחון. בוגי ווגי היא הדוגמה הטובה ביותר לכך. ריבועים מסודרים "ממותגים" התקבלו באמצעות שימוש בסרט דביק - החומר האהוב על מונדריאן. באמריקה כינו אותו "המהגר המפורסם ביותר". בשנות השישים ייצר איב סן לורן את שמלות "מונדריאן" המפורסמות בעולם עם הדפס צ'ק צבעוני גדול.
20
"הרכב מס' 5"
מְחַבֵּר
ריחןקנדינסקי
מדינה רוּסִיָה
שנים של חיים 1866–1944
סִגְנוֹן חֵיל הֶחָלוּץ
האמן נולד במוסקבה, ואביו היה מסיביר. לאחר המהפכה הוא ניסה לשתף פעולה עם השלטונות הסובייטיים, אך עד מהרה הבין שחוקי הפרולטריון לא נוצרו עבורו, והיגר לגרמניה לא בלי קשיים.
275x190 ס"מ
1911
מחיר
40 מיליון דולר
נמכר בשנת 2007
במכירה הפומבית סותביס
קנדינסקי היה מהראשונים שנטשו לחלוטין את ציור החפצים, ועל כך קיבל את התואר גאון. בתקופת הנאציזם בגרמניה, ציוריו סווגו כ"אמנות מנוונת" ולא הוצגו בשום מקום. בשנת 1939 לקח קנדינסקי אזרחות צרפתית, בפריז השתתף באופן חופשי בתהליך האמנותי. ציוריו "נשמעים" כמו פוגות, ולכן רבים מכונים "קומפוזיציות" (הראשון נכתב ב-1910, האחרון ב-1939). "קומפוזיציה מס' 5" היא אחת מיצירות המפתח בז'אנר זה: "המילה "קומפוזיציה" נשמעה לי כמו תפילה", אמר האמן. בניגוד לעוקבים רבים, הוא תכנן מה יצייר על בד ענק, כאילו כותב הערות.
21
"מחקר של אישה בכחול"
מְחַבֵּר
פרננד לג'ר
מדינה צָרְפַת
שנים של חיים 1881–1955
סִגְנוֹן קוביזם-פוסט-אימפרסיוניזם
לגר קיבל השכלה אדריכלית, ולאחר מכן היה סטודנט בבית הספר לאמנויות יפות בפריז. האמן ראה עצמו חסיד של סזאן, היה מתנצל על הקוביזם, ובמאה ה-20 זכה להצלחה גם כפסל.
96.5x129.5 ס"מ
1912–1913
מחיר
39.2 מיליון דולר
נמכר ב 2008
במכירה הפומבית סותביס
דייוויד נורמן, נשיא האימפרסיוניזם והמודרניזם הבינלאומי של סותביס, מאמין שהסכום העצום ששולם עבור הגברת בכחול מוצדק לחלוטין. הציור שייך לאוסף לגר המפורסם (האמן צייר שלושה ציורים על חלקה אחת, האחרון שבהם נמצא היום בידיים פרטיות. - אד'), ומשטח הבד נשמר בצורתו המקורית. המחבר עצמו נתן את היצירה הזו לגלריה Der Sturm, ואז היא הגיעה לאוסף של הרמן לאנג, אספן גרמני של מודרניזם, וכעת שייכת לקונה לא ידוע.
22
"סצנת רחוב. ברלין"
מְחַבֵּר
ארנסט לודוויגקירשנר
מדינה גֶרמָנִיָה
שנים של חיים 1880–1938
סִגְנוֹן אקספרסיוניזם
עבור האקספרסיוניזם הגרמני, קירשנר הפך לאדם ציון דרך. עם זאת, הרשויות המקומיות האשימו אותו בדבקות ב"אמנות מנוונת", שהשפיעה באופן טרגי על גורל ציוריו ועל חייו של האמן, שהתאבד ב-1938.
95x121 ס"מ
1913
מחיר
38.096 מיליון דולר
נמכר בשנת 2006
במכירה הפומבית כריסטי'ס
לאחר המעבר לברלין, קירשנר יצר 11 סקיצות של סצנות רחוב. הוא קיבל השראה מההמולה והעצבנות של העיר הגדולה. בציור, שנמכר ב-2006 בניו יורק, חרדתו של האמן חריפה במיוחד: אנשים ברחוב ברלין דומים לציפורים - חינניות ומסוכנות. היא הייתה העבודה האחרונה מהסדרה המפורסמת, שנמכרה במכירה פומבית, השאר נשמרים במוזיאונים. ב-1937 התייחסו הנאצים לקירשנר באכזריות: 639 מיצירותיו נתפסו בגלריות גרמניות, הושמדו או נמכרו בחו"ל. האמן לא יכול היה לשרוד את זה.
23
"מנוחהרַקדָן"
מְחַבֵּר
אדגר דגה
מדינה צָרְפַת
שנים של חיים 1834–1917
סִגְנוֹן אימפרסיוניזם
ההיסטוריה של דגה כאמן החלה בעובדה שהוא עבד כמעתיק בלובר. הוא חלם להיות "מפורסם ולא ידוע", ובסופו של דבר הוא הצליח. בסוף ימיו, חירש ועיוור, המשיך דגה בן ה-80 להשתתף בתערוכות ובמכירות פומביות.
64X59 ס"מ
1879
מחיר
37.043 מיליון דולר
נמכר ב 2008
במכירה הפומבית סותביס
"בלרינות תמיד היו בשבילי רק תירוץ לתאר בדים ולתפוס תנועה", אמר דגה. נראה שהסצנות מחיי הרקדניות מציצנות: הבנות לא מצטלמות לאמן, אלא פשוט הופכות לחלק מהאווירה שנתפסה במבטה של דגה. Resting Dancer נמכרה ב-28 מיליון דולר ב-1999, ופחות מ-10 שנים לאחר מכן היא נקנתה ב-37 מיליון דולר - כיום היא היצירה היקרה ביותר של האמן שהוצעה אי פעם למכירה פומבית. דגה הקדיש תשומת לב רבה למסגרות, הוא עיצב אותן בעצמו ואסר על החלפתן. מעניין איזו מסגרת מותקנת על הציור הנמכר?
24
"צִיוּר"
מְחַבֵּר
חואן מירו
מדינה סְפָרַד
שנים של חיים 1893–1983
סִגְנוֹן אמנות מופשטת
במהלך מלחמת האזרחים בספרד, האמן היה בצד של הרפובליקנים. ב-1937 ברח מהשלטון הפשיסטי לפריז, שם חי בעוני עם משפחתו. במהלך תקופה זו, מירו מצייר את הציור "עזרה לספרד!", מפנה את תשומת הלב של העולם כולו לדומיננטיות של הפאשיזם.
89x115 ס"מ
1927
מחיר
36.824 מיליון דולר
נמכר ב 2012
במכירה הפומבית סותביס
שמו השני של הציור הוא "כוכב כחול". האמן כתב את זה באותה שנה כשהכריז: "אני רוצה להרוג את הציור" ולגלג ללא רחם על הקנבסים, שרט את הצבע עם מסמרים, הדביק נוצות על הבד, כיסה את העבודה באשפה. מטרתו הייתה להפריך את המיתוסים על תעלומת הציור, אבל לאחר שהתמודד עם זה, מירו יצר את המיתוס שלו - הפשטה סוריאליסטית. ה"ציור" שלו מתייחס למחזור של "תמונות-חלומות". ארבעה קונים נאבקו על זה במכירה הפומבית, אבל שיחת טלפון אחת בסתר יישבה את המחלוקת, ו"ציור" הפך לציור היקר ביותר של האמן.
25
"ורד כחול"
מְחַבֵּר
איב קליין
מדינה צָרְפַת
שנים של חיים 1928–1962
סִגְנוֹן ציור מונוכרום
האמן נולד למשפחה של ציירים, אך למד שפות מזרחיות, ניווט, מלאכת מוזהבת מסגרות, זן בודהיזם ועוד ועוד. אישיותו ותעלוליו החצופים היו מעניינים פעמים רבות יותר מציורי מונוכרום.
153x199x16 ס"מ
1960
מחיר
36.779 מיליון דולר
נמכר בשנת 2012
במכירה הפומבית של כריסטיס
התערוכה הראשונה של יצירות צהובות, כתומות וורודות לא עוררה עניין ציבורי. קליין נעלב ובפעם הבאה הציג 11 קנבסים זהים, צבועים באולטרה-מרין מעורבב בשרף סינטטי מיוחד. הוא אפילו רשם פטנט על השיטה הזו. הצבע נכנס להיסטוריה בתור "הקליין הכחול הבינלאומי". האמנית גם מכרה ריקנות, יצרה ציורים על ידי חשיפת נייר לגשם, הצתת קרטון, הדפסה של גוף אדם על קנבס. במילה אחת, התנסיתי כמיטב יכולתי. ליצירת ה"שושנה הכחולה" השתמשתי בפיגמנטים יבשים, שרפים, חלוקי נחל וספוג טבעי.
26
"מחפש את משה"
מְחַבֵּר
סר לורנס אלמה-תדמה
מדינה בריטניה הגדולה
שנים של חיים 1836–1912
סִגְנוֹן ניאו-קלאסיות
סר לורנס עצמו הוסיף את הקידומת "אלמה" לשם משפחתו כדי להופיע ראשון בקטלוגים של אמנות. באנגליה הוויקטוריאנית, הציורים שלו היו כל כך מבוקשים עד שהאמן זכה בתואר אבירות.
213.4x136.7 ס"מ
1902
מחיר
35.922 מיליון דולר
נמכר ב 2011
במכירה הפומבית סותביס
הנושא המרכזי ביצירתה של עלמה-תדמה היה העת העתיקה. בציורים הוא ניסה לתאר את עידן האימפריה הרומית בפירוט הקטן ביותר, לשם כך אף עסק בחפירות ארכיאולוגיות בחצי האי האפניני, ובביתו הלונדוני שיחזר את הפנים ההיסטורי של אותן שנים. סיפורים מיתולוגיים הפכו עבורו למקור השראה נוסף. האמן היה מבוקש מאוד במהלך חייו, אך לאחר מותו הוא נשכח במהירות. כעת מתחדשת העניין, כפי שמעידה עלות הציור "בחיפוש אחר משה", גבוהה פי שבעה מההערכה שלפני המכירה.
27
"דיוקן של פקיד עירום ישן"
מְחַבֵּר
לוסיאן פרויד
מדינה גֶרמָנִיָה,
בריטניה הגדולה
שנים של חיים 1922–2011
סִגְנוֹן ציור פיגורטיבי
האמן הוא נכדו של זיגמונד פרויד, אבי הפסיכואנליזה. לאחר התבססות הפשיזם בגרמניה היגרה משפחתו לבריטניה. עבודותיו של פרויד נמצאות באוסף וואלאס בלונדון, שם אף אמן עכשווי לא הציג בעבר.
219.1x151.4 ס"מ
1995
מחיר
33.6 מיליון דולר
נמכר ב 2008
במכירה הפומבית כריסטי'ס
בעוד האמנים האופנתיים של המאה ה-20 יצרו "כתמי צבע על הקיר" חיוביים ומכרו אותם במיליונים, פרויד צייר ציורים נטורליסטיים ביותר ומכר אותם אפילו יותר. "אני לוכד את זעקות הנשמה ואת הסבל של בשר קמל", אמר. המבקרים מאמינים שכל זה הוא ה"מורשת" של זיגמונד פרויד. הציורים הוצגו בצורה כה פעילה ונמכרו בהצלחה עד שלמומחים היה ספק: האם יש להם תכונות היפנוטיות? נמכר במכירה פומבית, "דיוקן של פקיד עירום ישן", לפי הסאן, נרכש על ידי אנין היופי והמיליארדר רומן אברמוביץ'.
28
"כינור וגיטרה"
מְחַבֵּר
איקסגריס אחד
מדינה סְפָרַד
שנים של חיים 1887–1927
סִגְנוֹן קוביזם
נולד במדריד, שם סיים את לימודיו בבית הספר לאמנויות ואומנות. ב-1906 עבר לפריז ונכנס למעגל האמנים המשפיעים ביותר של התקופה: פיקאסו, מודיליאני, בראק, מאטיס, לגר, עבד גם עם סרגיי דיאגילב ולהקתו.
5X100 ס"מ
1913
מחיר
28.642 מיליון דולר
נמכר בשנת 2010
במכירה הפומבית כריסטי'ס
גריס, במילותיו שלו, עסק ב"אדריכלות מישורית וצבעונית". הציורים שלו מחושבים בדיוק: הוא לא השאיר ולו שבץ מקרי אחד, מה שהופך את היצירתיות לקשורה לגיאומטריה. האמן יצר גרסה משלו לקוביזם, למרות שהיה לו כבוד רב לפבלו פיקאסו, האב המייסד של התנועה. היורש אף הקדיש לו את יצירתו הקוביסטית הראשונה, מחווה לפיקאסו. הציור "כינור וגיטרה" מוכר כמצטיין ביצירתו של האמן. במהלך חייו, גריס היה ידוע, חביב על מבקרים והיסטוריונים של אמנות. עבודותיו מוצגות במוזיאונים הגדולים בעולם ונשמרות באוספים פרטיים.
29
"דְיוֹקָןשדות אלוארד»
מְחַבֵּר
סלבדור דאלי
מדינה סְפָרַד
שנים של חיים 1904–1989
סִגְנוֹן סוריאליזם
"סוריאליזם זה אני", אמר דאלי כשהורחק מהקבוצה הסוריאליסטית. עם הזמן, הוא הפך לאמן הסוריאליסטי המפורסם ביותר. העבודה של דאלי נמצאת בכל מקום, לא רק בגלריות. למשל, זה הוא שהמציא את האריזה של Chupa-Chups.
25X33 ס"מ
1929
מחיר
20.6 מיליון דולר
נמכר ב 2011
במכירה הפומבית סותביס
בשנת 1929 הגיעו המשורר פול אלוארד ורעייתו הרוסייה גאלה לבקר את הפרובוקטור והקטב הגדול דאלי. הפגישה הייתה תחילתו של סיפור אהבה שנמשך יותר מחצי מאה. הציור "דיוקן פול אלוארד" צויר בדיוק במהלך הביקור ההיסטורי הזה. "הרגשתי שהופקדה עליי החובה ללכוד את פניו של המשורר, מהאולימפוס שלו גנבתי את אחת המוזות", אמר האמן. לפני שפגש את גאלה, הוא היה בתול ונגעל מהמחשבה על קיום יחסי מין עם אישה. משולש האהבה היה קיים עד מותו של אלוארד, ולאחר מכן הפך לדואט דאלי-גאלה.
30
"יוֹם הַשָׁנָה"
מְחַבֵּר
מארק שאגאל
מדינה רוסיה, צרפת
שנים של חיים 1887–1985
סִגְנוֹן חֵיל הֶחָלוּץ
מוישה סגל נולד בוויטבסק, אך ב-1910 היגר לפריז, שינה את שמו והתקרב לאמני האוונגרד המובילים של התקופה. בשנות ה-30, כשהנאצים תפסו את השלטון, הוא יצא לארצות הברית בעזרת קונסול אמריקאי. הוא חזר לצרפת רק ב-1948.
80x103 ס"מ
1923
מחיר
14.85 מיליון דולר
נמכר בשנת 1990
במכירה הפומבית של סותביס
הציור "יובל" מוכר כאחת היצירות הטובות ביותר של האמן. יש בו את כל המאפיינים של יצירתו: החוקים הפיזיים של העולם נמחקים, תחושת האגדה נשמרת בנוף החיים הזעיר-בורגני, והאהבה עומדת במרכז העלילה. שאגאל לא משך אנשים מהטבע, אלא רק מהזיכרון או מהפנטזיות. הציור "יובל" מתאר את האמן עצמו עם אשתו בלה. הציור נמכר בשנת 1990 ומאז לא הוגשה הצעת מחיר. מעניין שמוזיאון ניו יורק לאמנות מודרנית MoMA שומר בדיוק על אותו הדבר, רק תחת השם "יום הולדת". אגב, זה נכתב קודם לכן - ב-1915.
טיוטה הוכנה
טטיאנה פאלאסובה
דירוג נערך
לפי הרשימה www.art-spb.ru
מגזין tmn №13
(מאי-יוני 2013)
אם אתה חושב שכל האמנים הגדולים נמצאים בעבר, אז אין לך מושג כמה אתה טועה. במאמר זה תלמדו על האמנים המפורסמים והמוכשרים ביותר של זמננו. ותאמינו לי, היצירות שלהם ישבו בזיכרון שלכם לא פחות עמוק מיצירותיו של המאסטרו מתקופות קודמות.
וויצ'ך בבסקי
וויצ'ך בבסקי הוא אמן פולני עכשווי. הוא סיים את לימודיו במכון הפוליטכני שלזי, אך התחבר אליו. לאחרונה הוא מצייר בעיקר נשים. מתמקד בביטוי של רגשות, שואף להשיג את האפקט הגדול ביותר האפשרי באמצעים פשוטים.
אוהבת צבע, אך מרבה להשתמש בגוונים של שחור ואפור כדי להשיג את הרושם הטוב ביותר. לא מפחד להתנסות בטכניקות חדשות. לאחרונה הוא זוכה ליותר ויותר פופולריות בחו"ל, בעיקר בבריטניה, שם הוא מוכר בהצלחה את יצירותיו, שכבר ניתן למצוא באוספים פרטיים רבים. בנוסף לאמנות, הוא מתעניין בקוסמולוגיה ובפילוסופיה. מקשיב לג'אז. כיום חי ועובד בקטוביץ.
וורן צ'אנג
וורן צ'אנג הוא אמן אמריקאי עכשווי. נולד בשנת 1957 וגדל במונטריי, קליפורניה, הוא סיים בהצטיינות את לימודיו במכללה לעיצוב מרכז האמנות בפסדינה בשנת 1981 עם תואר ראשון באמנויות יפות. בשני העשורים הבאים הוא עבד כמאייר עבור חברות שונות בקליפורניה ובניו יורק לפני שהחל את דרכו כאמן מקצועי ב-2009.
ניתן לחלק את ציוריו הריאליסטיים לשתי קטגוריות עיקריות: ציורי פנים ביוגרפיים וציורים המתארים אנשים עובדים. העניין שלו בסגנון ציור זה מושרש בעבודתו של הצייר יאן ורמיר בן המאה ה-16, ומתפרש על חפצים, דיוקנאות עצמיים, דיוקנאות של בני משפחה, חברים, תלמידים, סטודיו, כיתה ופנים הבית. מטרתו היא ליצור מצב רוח ורגש בציוריו הריאליסטיים באמצעות מניפולציה של אור ושימוש בצבעים עמומים.
צ'אנג התפרסם לאחר המעבר לאמנות חזותית מסורתית. במהלך 12 השנים האחרונות, הוא זכה במספר רב של פרסים והצטיינות, כשהיוקרתי ביותר הוא חתימת האמן מאת איגוד ציירי השמן של אמריקה, קהילת ציורי השמן הגדולה ביותר בארצות הברית. רק אדם אחד מתוך 50 זוכה בהזדמנות לקבל את הפרס הזה. נכון לעכשיו, וורן מתגורר במונטריי ועובד בסטודיו שלו, הוא גם מלמד (הידוע בתור מורה מוכשר) באקדמיה לאמנויות בסן פרנסיסקו.
אורליו ברוני
אורליו ברוני הוא אמן איטלקי. נולד בבלייר, 15 באוקטובר 1955. בוגר תואר בסצנוגרפיה במכון לאמנות בספולטו. כאמן, הוא אוטודידקט, שכן הוא "בנה את בית הידע" באופן עצמאי על הבסיס המונח בבית הספר. הוא החל לצייר בשמן בגיל 19. כיום חי ועובד באומבריה.
הציור המוקדם של ברוני נטוע בסוריאליזם, אך עם הזמן הוא מתחיל להתמקד בקרבת הרומנטיקה הלירית והסמליות, ומחזק את השילוב הזה עם התחכום והטוהר המעודנים של דמויותיו. עצמים בעלי חיים ודוממים מקבלים כבוד שווה ונראים כמעט היפר-ריאליסטיים, אך יחד עם זאת, הם אינם מסתתרים מאחורי מסך, אלא מאפשרים לך לראות את מהות נשמתך. צדדיות ותחכום, חושניות ובדידות, התחשבות ופוריות הם רוחו של אורליו ברוני, הניזונה מפאר האמנות וההרמוניה של המוזיקה.
אלכסנדר באלוס
אלקסנדר באלוס הוא אמן פולני עכשווי המתמחה בציורי שמן. נולד ב-1970 בגליוויצה, פולין, אך מאז 1989 הוא חי ועובד בארה"ב, בעיר שאסטה, קליפורניה.
בילדותו למד אמנות בהדרכת אביו יאן, אמן ופסל אוטודידקט, כך שמגיל צעיר זכתה הפעילות האמנותית לתמיכה מלאה משני ההורים. בשנת 1989, בהיותו בן שמונה עשרה, עזב באלוס את פולין לארצות הברית, שם עודדה המורה שלו בבית הספר והאמנית במשרה חלקית קאתי גגליארדי את אלקסנדר להירשם לבית ספר לאמנות. באלוס קיבל אז מלגה מלאה לאוניברסיטת מילווקי ויסקונסין, שם למד ציור אצל פרופסור לפילוסופיה הארי רוזין.
לאחר שסיים את לימודיו ב-1995 עם תואר ראשון, עבר באלוס לשיקגו כדי ללמוד בבית הספר לאמנויות יפות, ששיטותיו מבוססות על עבודתו של ז'אק-לואי דיוויד. ריאליזם פיגורטיבי ודיוקנאות היוו את עיקר עבודתו של באלוס בשנות ה-90 ותחילת שנות ה-2000. כיום, באלוס משתמש בדמות האדם כדי להדגיש את התכונות והחסרונות של הקיום האנושי, מבלי להציע פתרונות.
קומפוזיציות העלילה של ציוריו נועדו להתפרש באופן עצמאי על ידי הצופה, רק אז הבדים יקבלו את משמעותם הזמנית והסובייקטיבית האמיתית. בשנת 2005 עבר האמן לצפון קליפורניה, מאז היקף עבודתו התרחב משמעותית וכולל כיום שיטות ציור חופשיות יותר, כולל הפשטה וסגנונות מולטימדיה שונים המסייעים לבטא את הרעיונות והאידיאלים של ההוויה באמצעות ציור.
אליסה מונקס
אליסה מונקס היא אמנית אמריקאית עכשווית. היא נולדה ב-1977 ברידג'ווד, ניו ג'רזי. היא החלה להתעניין בציור כשהייתה עדיין ילדה. היא למדה ב-The New School בניו יורק ובאוניברסיטת Montclair State, וסיימה את לימודיה בבוסטון קולג' ב-1999 עם תואר ראשון. במקביל למדה ציור באקדמיית לורנצו מדיצ'י בפירנצה.
אחר כך המשיכה את לימודיה במסגרת התוכנית לתואר שני באקדמיה לאמנות בניו יורק, במחלקה לאמנות פיגורטיבית, וסיימה את לימודיה ב-2001. היא סיימה את לימודיה במכללת פולרטון ב-2006. היא הרצתה לזמן קצר באוניברסיטאות ובמוסדות חינוך ברחבי הארץ, ולימדה ציור באקדמיה לאמנות של ניו יורק, כמו גם באוניברסיטת מונקלייר סטייט ובקולג' לאמנות ליים.
"באמצעות מסננים כמו זכוכית, ויניל, מים וקיטור, אני מעוות את גוף האדם. מסננים אלו מאפשרים ליצור שטחים גדולים של עיצוב מופשט, כשדרכם מציצים איים של צבע – חלקים מגוף האדם.
הציורים שלי משנים את המראה המודרני של התנוחות והמחוות המסורתיות שכבר מבוססות, של נשים רוחצות. הם יכלו לספר לצופה קשוב הרבה על דברים ברורים לכאורה כמו היתרונות של שחייה, ריקוד וכו'. הדמויות שלי נלחצות אל הזכוכית של חלון תא המקלחת, מעוותות את גופן שלהן, מבינות שבכך הן משפיעות על המבט הגברי הידוע לשמצה של אישה עירומה. שכבות עבות של צבע מעורבבות יחד כדי לחקות זכוכית, אדים, מים ובשר מרחוק. מקרוב, לעומת זאת, התכונות הפיזיקליות המדהימות של צבע השמן מתגלות. על ידי התנסות בשכבות של צבע וצבע, אני מוצא את הרגע שבו משיכות מופשטות הופכות למשהו אחר.
כשהתחלתי לצייר את גוף האדם, מיד הייתי מוקסם ואפילו אובססיבי לגביו והרגשתי שאני חייבת להפוך את הציורים שלי למציאותיים ככל האפשר. "הצהרתי" על ריאליזם עד שהתחיל להתפרק ולפרק את עצמו. עכשיו אני בוחן את האפשרויות והפוטנציאל של סגנון ציור שבו ציור ייצוגי והפשטה נפגשים - אם שני הסגנונות יכולים להתקיים באותו רגע בזמן, אעשה זאת".
אנטוניו פינלי
אמן איטלקי - שומר זמן” – אנטוניו פינלי נולד ב-23 בפברואר 1985. כיום חי ועובד באיטליה בין רומא לקמפובסו. עבודותיו הוצגו במספר גלריות באיטליה ומחוצה לה: רומא, פירנצה, נוברה, גנואה, פאלרמו, איסטנבול, אנקרה, ניו יורק, וניתן למצוא אותן גם באוספים פרטיים וציבוריים.
ציורי עיפרון" צופה בזמן” אנטוניו פינלי שולח אותנו למסע נצחי דרך העולם הפנימי של הזמניות האנושית והניתוח הקפדני של העולם הזה הקשור בו, שהמרכיב העיקרי בו הוא המעבר בזמן והעקבות שהוא משרה על העור.
פינלי מצייר דיוקנאות של אנשים מכל גיל, מין ולאום, שהבעות פניהם מעידות על המעבר בזמן, והאמן גם מקווה למצוא עדויות לאכזריות הזמן על גופן של דמויותיו. אנטוניו מגדיר את עבודותיו בכותרת כללית אחת: "דיוקן עצמי", משום שבציורי העיפרון שלו הוא לא רק מתאר אדם, אלא מאפשר לצופה להרהר בתוצאות האמיתיות של חלוף הזמן בתוך האדם.
פלמיניה קרלוני
פלמיניה קרלוני היא אמנית איטלקית בת 37, בתו של דיפלומט. יש לה שלושה ילדים. שתים עשרה שנים היא גרה ברומא, שלוש שנים באנגליה ובצרפת. קיבל תואר בתולדות האמנות מבית הספר לאמנות BD. אחר כך היא קיבלה דיפלומה בשחזור המומחיות של יצירות אמנות. לפני שמצאה את ייעודה והתמסרה כולה לציור, היא עבדה כעיתונאית, צבעונית, מעצבת ושחקנית.
התשוקה של פלמיניה לציור התעוררה בילדותה. המדיום העיקרי שלה הוא שמן כי היא אוהבת "קופר לה פאטה" וגם משחקת עם החומר. היא למדה טכניקה דומה בעבודותיו של האמן פסקל טורואה. פלמיניה שואבת השראה מאמני הציור הגדולים כמו בלתוס, הופר ופרנסואה לגראן, כמו גם תנועות אמנות שונות: אמנות רחוב, ריאליזם סיני, סוריאליזם וריאליזם הרנסנס. האמן האהוב עליה הוא Caravaggio. החלום שלה הוא לגלות את כוחה הטיפולי של האמנות.
דניס צ'רנוב
דניס צ'רנוב הוא אמן אוקראיני מוכשר, יליד 1978 בסמביר, אזור לבוב, אוקראינה. לאחר שסיים את לימודיו במכללה לאמנות בחרקוב בשנת 1998, הוא נשאר בחרקוב, בה הוא מתגורר ועובד כיום. הוא גם למד באקדמיה הממלכתית לעיצוב ואמנויות בחרקוב, המחלקה לגרפיקה, סיים את לימודיו ב-2004.
הוא משתתף באופן קבוע בתערוכות אמנות, כרגע היו יותר משישים מהן, באוקראינה ומחוצה לה. רוב יצירותיו של דניס צ'רנוב נשמרות באוספים פרטיים באוקראינה, רוסיה, איטליה, אנגליה, ספרד, יוון, צרפת, ארה"ב, קנדה ויפן. חלק מהעבודות נמכרו בכריסטיס.
דניס עובד במגוון רחב של טכניקות גרפיקה וצביעה. רישומי עיפרון הם אחת משיטות הציור האהובות עליו, גם רשימת הנושאים של רישומי העיפרון שלו מגוונת מאוד, הוא מצייר נופים, פורטרטים, עירום, קומפוזיציות ז'אנר, איורי ספרים, שחזורים ספרותיים והיסטוריים ופנטזיות.
מקורי נלקח מ vanatik05 בציור אמריקאי - 5 (מסורות ריאליסטיות במאה ה-20)
בשנת 1913 אגודת הציירים והפסלים האמריקאים ארגנה את התערוכה הבינלאומית הגדולה הראשונה לאמנות מודרנית, תערוכת הנשקייה, בנשקייה של המשמר הלאומי בשדרות לקסינגטון. זה הפך לאירוע חשוב בתולדות האמנות האמריקאית, גרם לרגשות שונים: הפתעה, הערצה, זעם, פולחן ודחייה מוחלטת של הציבור האמריקאי, רגיל לריאליזם, במידה מסוימת לאימפרסיוניזם, אבל לא לאמנות האירופית האוונגרדית. שהיא ראתה בתערוכה הזו. 1300 ציורים, פסלים ויצירות דקורטיביות של יותר מ-300 אמנים אירופיים ואמריקאים עכשוויים ביקרו לא רק בניו יורק, אלא גם בשיקגו ובוושינגטון.
בביקורות על התערוכה ירדו האשמות על חוסר מוסריות, חוסר מקצועיות, שיגעון, שרלטנות, יצירות רבות נקראו קריקטורות ופרודיות על ציור, ותיאודור רוזוולט אמר: "זו בכלל לא אמנות!"
הרשויות האזרחיות, לעומת זאת, לא התערבו ולא ניסו לסגור את התערוכה, והשערוריות סביבה רק תרמו למכירה מוצלחת של יצירות רבות שניתן לראות היום במוזיאונים אמריקאים, וב-MoMA (המוזיאון לאמנות מודרנית) בדרך כלל יכול להיחשב ליורש ויורש של אותה תערוכות אמנות עכשווית ראשונה.
זה השפיע בעקיפין על אמני הכיוון הריאליסטי, ומסורות ריאליסטיות מעולם לא מתו באמריקה, זה לא רק תרם לשינויים בטכניקת הרישום, בנושא העלילות, אלא אפילו הוליד מגמות חדשות בציור כמו "ריאליזם קסום". *
והשליחה שלו - "דיוק" **, האופיינית לאמנים אמריקאים,
והתנועה האמנותית ילידת אמריקה "אזוריות" *** (או אזוריות).
כאן נדבר על אמנים, נציגים של תחומים שונים של אמנות ריאליסטית באמריקה של המאה ה-20.
צ'ארלס בורצ'פילד(1893-1967), אחד מקובעי המים הבולטים באמריקה, שצייר את ציוריו על כן הציור בטכניקת ה"מכחול יבש", פיתח מוקדם (ב-1915) סגנון ניאו-ריאליסטי משלו, המשלב נטיות מודרניסטיות, ציור סיני מסורתי ואלמנטים של פאוביזם.
לאורך חייו היצירתיים הוא שינה כיוונים וטכניקות, צייר נופים וציורים בנושאים היסטוריים, סצנות שנצפו מחלון ביתו ופרחים, "הזויים", ברוח הריאליזם הקסום, נופי הטבע ועוצמתו האלוהית.
לכבודו, בשנת 1966, נוצר מרכז הטבע והאמנויות באפלו, הנקרא מרכז האמנות Birchfield Penny, הכולל גם את האוסף הגדול בעולם של יצירות האמן.
רג'ינלד מארש(1898-1954), יליד פריז, במשפחה אמידה של אמנים, היה תלמידו של ד' סלואן, הידוע בעיקר כצייר ומאייר של סצנות אורבניות, חיי רחוב, חופי ניו יורק.
ציוריו בולטים ביסודיות דוקומנטרית, חדורת אהבה אירונית לדמויות, הוא צייר הרבה לבורלסק ולוודוויל, ורואה בהם "התיאטרון של האדם הפשוט, המבטא את ההומור והפנטזיות של העניים, הזקנים והמכוערים".
הוא עבד בשמן ובדיו, בצבעי מים, בטמפרת ביצה, והחל את חייו היצירתיים בליטוגרפיה. ניתן לתאר את סגנונו כ"ריאליזם חברתי", בולט במיוחד בשנות השפל הגדול, ומסירות לאדונים הישנים, שאת יצירתם סגד, הביאה ליצירת יצירות המכילות מטאפורות דתיות.
זמן קצר לפני מותו מהתקף לב, קיבל מארש את מדליית הזהב לאמנויות גרפיות מהאקדמיה האמריקאית לאמנויות.
פיירפילד פורטר(1907-1975) נולד במשפחה של אדריכל ומשוררת, למד בהרווארד ובליגת הסטודנטים האמריקאים, דבק בכיוון הריאליסטי כל חייו, צייר בעיקר נופים ודיוקנאות של בני משפחה וחברים, מנסה להוציא את יוצא דופן בחיים הרגילים, כדי להפוך אותם ליפים יותר.
בעבודתו מורגשת השפעת אביו, אדריכל, עבודתם של ולסקז, ולאחר מכן האמנים בונרד וויאר, הוא האמין ש"אימפרסיוניזם מסוגל לשחזר בצורה ציורית את נוכחות המציאות".
אולי היעדר מורים טובים לציור שמן, היחס הזהיר כלפי חושניות ונטורליזם, הטבוע בהרבה אמריקאים של אותן שנים, עוזרים להסביר את האופי הפרימיטיבי משהו של עבודתו של פורטר, את הסרבול, הנוקשות של דמויותיו, אופיים הסטטי.
ורק בעבודותיו המאוחרות הוא מתחיל לחצות את הגבול בין אימפרסיוניזם לפאוביזם, הרישום שלו הופך חופשי יותר, הצבעים בהירים יותר, ויש יותר אור בעבודותיו.
אדוארד הופר(1882-1967) נולד בניאק, במרכז בניית היאכטות על נהר ההדסון, במשפחה עשירה ממוצא הולנדי. הופר הראה את כישרונו האמנותי כבר בגיל 5, הוריו החדירו בו אהבה לאמנות צרפתית ורוסית, עודדו את תשוקתו לציור ותחומי עניין שונים.
הופר עבד בעט ודיו, פחם, צבעי מים, שמן וליטוגרפיה, צייר דיוקנאות ונופי ים, קריקטורות פוליטיות ורישומים מהחיים. ביצירתו של הופר אפשר לנחש את ההשפעה של רוברט הנרי, אחד ממוריו, ומאנט עם דגה,
ויליאם צ'ייס ורמברנדט, במיוחד "משמר הלילה" שלו, וחי בפריז, וצייר סצנות ברחובות, בבתי קפה ובתיאטראות, הוא נשאר במסורת של אמנות ריאליסטית, אם כי כמה חוקרים מייחסים את עבודתו לדיוק בגלל הגיאומטריה הברורה צורות, מכאניות, סטריליות וריקנות של החלל.
לדבריו, "הדבר האהוב עליו בציור הוא אור השמש על קיר הבית". בתקופת השפל הגדול היה הופר בר מזל יותר מאמנים רבים אחרים - הוא המשיך להציג מדי שנה ונמכר היטב לאורך חייו המאוחרים.
ליצירתו הייתה השפעה רבה לא רק על האמנות הפלסטית אלא גם על הקולנוע עם יצירותיו הקולנועיות והשימוש הדרמטי באור ובחושך.
פול קדמוס(1904-1999), נציג תנועת "הריאליזם הקסום", שילב ביצירתו אלמנטים של אירוטיקה וביקורת חברתית,
זכה לשמצה בשל מניעים הומוסקסואלים מפורשים בציוריו ובתיאורים של דמויות גבריות עירומות.
הוא נולד למשפחה ענייה של אמן, אביו עודד את הילד לצייר, בגיל 14 הוא נרשם לקורסים באקדמיה הלאומית לעיצוב, ולאחר מכן באקדמיה. הוא טייל הרבה עם חבריו, צייר בדים גדולים ששיקפו את רשמיו מאירופה, צייר תמונות רב-דמויות מחיי דייגים, מלחים, מראות של חיים עירוניים,
ואחרי שפגש את האימפרסרי והבלטומן קירסטן, קדמוס קיבל הרבה יצירות בנושאי בלט, בעיקר מתארים רקדנים.
פול קדמוס חי חיים ארוכים ומת בגיל 95 בחיק חברו והדוגמנית הקבועה שלו, שהיה לצידו ב-35 השנים האחרונות לחייו. קדמוס אהב לחזור על דבריו של אינגרס: "אנשים אומרים שהציורים שלי לא מתאימים לזמן הזה. אולי הם טועים, ואני היחיד שממשיך עם הזמן.
איבן (איבן) אולברייט(1897-1983), אחד הנציגים המפורסמים ביותר של הריאליזם הקסום, נולד עם אחיו התאום במשפחתו של האמן.
האחים היו בלתי נפרדים במשך רוב חייהם, שניהם למדו במכון לאמנות בשיקגו, האח מלווין הפך לפסל, ואיבן הפך לאמן, אך החל כאדריכל, ובמהלך מלחמת העולם הראשונה ביצע שרטוטים רפואיים עבור בית חולים בנאנט. הוא תמיד היה תובעני מאוד לגבי עבודתו, כתב בקפידה את כל הפרטים והקדיש רבות מיצירותיו לנושאים מורכבים כמו חיים ומוות, חומריות ורוח, השפעת הזמן על המראה והעולמו הפנימי של אדם.
עבודה כזו דרשה זמן רב ולכן המכירות היו נדירות, ציורים רבים נותרו ברשותו. אולברייט יצר את הצבעים והפחמים שלו בעצמו, היה אובססיבי לתאורה עד כדי כך שהוא לבש בגדים שחורים וצבע את הסטודיו שלו בשחור כדי למנוע בוהק.
הוא צייר בצורה מציאותית אך מפורטת בצורה מוגזמת, הוא אהב להתבונן בחלוף הזמן וצייר למעלה מ-20 דיוקנאות עצמיים ב-3 השנים האחרונות לחייו בלבד כדי לשקף את השינויים המתרחשים באדם.
ג'ורג' קלייר טוקרהבן (1920-2011), שיצירותיו מייצגות את מגמות הריאליזם הסוציאליסטי והריאליזם הקסום, נולד למשפחה בעלת שורשים אנגלו-צרפתיים-ספרדים-קובניים ואמריקאים, למד ספרות אנגלית בהרווארד בהתעקשות הוריו, אך הקדיש את רוב זמנו לציור.
לאחר שירת בחיל הנחתים, משם פוטר עקב בריאות לקויה, הוא השתתף בקורסים של ליגת הסטודנטים לאמנות, עבד רבות בטכניקת הביצה טמפרה, והעריץ את אמנות הרנסנס האיטלקי.
ציוריו של טוקר מתארים סצנות מחיי היומיום האמריקאיים, הדמויות האנושיות בהם הן לרוב בלתי מוגדרות מבחינה גזעית ומינית, המבטאות בדידות, בידוד ואנונימיות.
הוא הקדיש תשומת לב רבה לשמירה על פרופורציות גיאומטריות וסימטריה, בגלל זה הוא צייר לאט מאוד - לא יותר משני ציורים בשנה. מאז התערוכה הגדולה הראשונה שלו ב-1951, טוקר הציג בהצלחה בעקביות ויש את עבודתו במוזיאונים גדולים באמריקה.
פיטר בלום(פיטר בלום) - (1906-1992), צייר ופסל, שביצירתו ישנם אלמנטים של דיוקנות, פוריזם, קוביזם, סוריאליזם ואמנות עממית. הוא נולד ברוסיה למשפחה יהודית שהיגרה לאמריקה ב-1912 והתיישבה בברוקלין.
לאחר שלמד אמנות במוסדות חינוך שונים, הוא פתח סטודיו משלו בחסות משפחת רוקפלר. כמו רבים מבני דורו הריאליסטים, הוא היה מעריץ של הרנסנס, טייל ברחבי איטליה, הציור הראשון שלו, שזכה להכרה ב-1934 - "העיר הנצחית", זה מנחש את דמותו של מוסוליני, כמו שטן מתוך קופסה, עוזבים את הקולוסיאום.
יצירותיו, המתארות לעתים קרובות הרס, יכולות להתפרש בכל זאת כסמלים של בנייה מחדש והתחדשות לאחר מלחמת העולם השנייה, כמו אבנים, קורות חדשות, דמויות של אנשים עובדים.
סגנונו האמנותי של בלום היה הכלאה מעניינת של סגנונות אמנות אמריקאית ואירופית, הוא מכונה "אמן סיפורי האגדות".
אנדרו ניואל ווית'(1917-2009), נציג של סגנון אזורי ברובו בריאליזם, נולד במשפחתו של מאייר שהיה קשוב לפיתוח כישרונות בחמשת ילדיו, הרגיל אותם לספרות טובה, למוזיקה ולחקר הטבע. . האב עצמו לימד את ילדיו בבית, וכולם היו מוכשרים: אמנים, מוזיקאים, מלחינים, ממציאים.
הבית שלהם היה סביבה יצירתית, שביקרו בה לעתים קרובות מפורסמים כמו סקוט פיצג'רלד ומרי פיקפורד. וויית' עצמו, למרבה הפלא, ראה בעצמו מופשט, ייחס חשיבות רבה להבנת המשמעות העמוקה בחפצים פשוטים, הנושאים האהובים בציוריו היו האדמה והאנשים סביבו.
הציור המפורסם ביותר שלו, עולמה של כריסטינה, מתאר ילדה מחווה שכנה, נכה מפוליו, זוחלת לבדה לעבר בית מרחוק.
247 ציורים ורישומים הוקדשו לאישה אחת, הלגה טסטורף, והוא חקר אותה במסגרות ובמצבים רגשיים שונים, שהיא חוויה ייחודית באמנות האמריקאית.
למרות שלוויית' יש הרבה יצירות מצוינות מבחינה טכנית והיה לה קהל עוקבים גדול, האמנות שלו נחשבת לשנויה במחלוקת, כאשר היסטוריון האמנות רוזנבלום תיאר אותו כ"אמן המוערך ביותר והלא מוערך ביותר".
גרנט ווד(1891-1942), אחד הנציגים המפורסמים ביותר של האזוריות, נולד באיווה, איבד את אביו מוקדם, עבד בחנות לחומרי בניין, למד בבית ספר לאמנות, ולאחר מכן במכון לאמנות בשיקגו.
גרנט הצעיר נסע לאירופה 4 פעמים כדי ללמוד סגנונות ציור, תוך שימת לב מיוחדת לאימפרסיוניזם ולפוסט-אימפרסיוניזם, אך העריץ את עבודתו של ואן אייק וחלם לשלב בין שיטות מודרניות לבין הבהירות, הבהירות, העומק של אמנות ימי הביניים ביצירתו.
אין פלא שהציור המפורסם ביותר שלו נקרא "אמריקאי גותי", הוא משקף את ההשקפה המסורתית של המאה ה-19 על תפקידי הגברים והנשים באמריקה, התמונה התקבלה בצורה מעורפלת, חלקם ראו בה קריקטורה, ועיתונים ערכו לה פרודיה בשונות. דרכים.
מאוחר יותר, בעת שלימד ציור באוניברסיטת איווה, ווד הפך לדמות מפתח בחברה התרבותית של האוניברסיטה, אך בגלל שמועות על הרומן ההומוסקסואלי שלו עם מזכירתו האישית, ווד פוטר ומת מהרה מסרטן הלבלב.
תומאס הארט (הארט) בנטון(1889-1975) נולד למשפחה של פוליטיקאים, אביו, קולונל, עורך דין ופילנתרופ, נבחר לקונגרס ארבע פעמים. האב רצה שבנו ילך בעקבותיו, אבל הילד התעניין באמנות, אמו תמכה בבחירתו, והוא נכנס למכון לאמנות של שיקגו, ולאחר מכן נסע לפריז כדי להמשיך את לימודיו באקדמיה ג'וליאן.
חזר לאמריקה, ממשיך לצייר, שירת במהלך מלחמת העולם הראשונה בצי האמריקני, ועבד על יצירת תמונות הסוואה של ספינות ומספנות, שדרשו תמונה דוקומנטרית ריאליסטית ובהמשך השפיעו על סגנונו. בתחילת שנות ה-20 הכריז בנטון על עצמו כ"אויב המודרניזם", הפך לאחד הנציגים המובילים של האזוריות ודבק בדעות ה"שמאלניות".
הוא החל להתעניין באל גרקו, ניתן לראות את השפעת עבודתו בעבודה על ציורי קיר ענקיים, המשקפים שלבים ואירועים שונים בחיי המדינה.
בנטון לימד בליגת הסטודנטים לאמנות בניו יורק, רבים מתלמידיו הפכו לאמנים ידועים (הופר, פולק, מארש), אך פוטר בגלל שהוקיע את ההשפעה המוגזמת של הומוסקסואלים בעולם האמנות. לאחר מלחמת העולם השנייה, האזוריות ככיוון איבדה את הרלוונטיות שלו, בנטון המשיך לצייר פרסקאות,
עבד באופן פעיל במשך כ-30 שנה, אך לא זכה לפופולריות הקודמת שלו.
ג'ון סטיוארט קארי(1897-1946) נולד בחווה בקנזס, טיפל בבעלי חיים, אהב אתלטיקה, מילדותו היה מוקף ברפרודוקציות של ציורים של רובנס ודורה, שמילאו תפקיד בבחירתו לאחר מכן בסגנון אמנותי.
ג'ון למד במכון לאמנות בשיקגו, עבד כמאייר מגזינים, בילה שנה בפריז ולמד את עבודתם של קורבה, דאומייר, טיציאן ורובנס. כשחזר לארה"ב, עבד זמן מה בבית המלאכה שלו, טייל עם הקרקס, מונה לאמן הראשון באוניברסיטת ויסקונסין-מדיסון, נסע ברחבי הארץ כדי לקדם את התפתחות האמנות בקהילות חקלאות.
הוא צייר עבור משרד המשפטים בוושינגטון ועבור הקפיטול בקנזס. קארי היה אחד משלושת עמודי התווך (בנטון וווד) של האזוריות האמריקנית, שהיה רלוונטי במיוחד במהלך השפל הגדול.
הוא תיאר סצנות של עבודה, משפחה ואדמה וניהול אסונות כדי להפגין לעולם את ההתמדה, העבודה הקשה והאמונה של האנשים, שקארי חשבה למהות החיים האמריקאים.
למען האמת, אני לא מאוד שואב השראה מאמנים ריאליסטים באופן כללי, יש לי עניין בעבודתם של נציגים בודדים של הריאליזם הקסום (קדמוס, בלום, הופר), אבל באופן כללי התקופה הזו באמנות האמריקאית לא קרובה אליי , מה אני יכול לעשות.
החלק הבא והאחרון יוקדש לאמנות אמריקאית עכשווית. מסתיים להיות...
כמו תמיד, מצגת עם עוד הרבה תמונות ומוזיקה טובה:
* ריאליזם קסום- כתנועה אמנותית, התפתח ריאליזם מאגי על אדמת אמריקה, והפך למקבילה לסוריאליזם האירופי. מבחינות רבות, בהיענות לטעמים ולצרכים של הקהל האמריקאי, יצירותיהם של מאמני הריאליזם הקסום היו מזעזעות, מזעזעות בכנותן, תוך שילובה עם אנקדוטלי המצבים והקריקטורה של הדמויות, המציאות הייתה יותר כמו חלום חסר מנוחה או דליריום הזוי.
**דיוקנות, או פרזיגיזם (דיוק באנגלית - דיוק, בהירות) - כיוון המאפיין את הציור האמריקאי של שנות ה-30, סוג של ריאליזם מאגי. הנושא המרכזי לדייקנים הוא דימוי העיר, הנושא המרכזי הוא אסתטיקה מכניסטית, חלל הציורים סטרילי, נראה שהאוויר נשאב מהם, אין בו אדם.
***אזוריותאו אזוריות (מאנגלית regional - local) - כיוון אמנותי באמנות ארצות הברית של 1920-1940, שהתבסס על הרצון ליצור אמנות אמריקאית אמיתית בניגוד לתנועות האוונגרד שהגיעו מאירופה. בהשראת רעיונות של זהות לאומית, אמנים אזוריים התמקדו בהצגת אמריקה ה"אותנטית". נושאי יצירותיהם הם נופים אמריקאים, סצנות מחיי החקלאים, חיי עיירות קטנות, פרקים מההיסטוריה, אגדות מקומיות וסיפורי פולקלור.
אמנים אמריקאים מגוונים מאוד. מישהו היה קוסמופוליטי מובהק, כמו סרג'נט. הוא אמריקאי במוצאו, אבל גר כמעט כל חייו הבוגרים בלונדון ובפריז.
יש ביניהם גם אמריקאים אותנטיים, שגילמו את החיים של בני ארצם בלבד, כמו רוקוול.
ויש אמנים שלא מהעולם הזה, כמו פולוק. או כאלה שהאמנות שלהם הפכה לתוצר של חברת הצריכה. זה, כמובן, על וורהול.
עם זאת, כולם אמריקאים. אוהב חופש, נועז, בהיר. קרא על שבעה מהם למטה.
1. ג'יימס ויסלר (1834-1903)
ג'יימס ויסלר. דיוקן עצמי. 1872 המכון לאמנות בדטרויט, ארה"ב. בקושי אפשר לקרוא לוויסלר אמריקאי אמיתי. כשגדל, הוא חי באירופה. ואת ילדותו הוא בילה בכלל... ברוסיה. אביו בנה מסילת רכבת בסנט פטרבורג.
שם התאהב הילד ג'יימס באמנות, וביקר בהרמיטאז' ובפטרהוף הודות לקשריו של אביו (אז הם עדיין היו ארמונות סגורים לציבור).
למה ויסלר מפורסם? בכל סגנון שהוא מצייר, מריאליזם ועד טונאליזם*, ניתן לזהות אותו כמעט מיד על ידי שתי תכונות. צבעים יוצאי דופן ושמות מוזיקליים.
חלק מהפורטרטים שלו הם חיקויים של אדונים ותיקים. כמו, למשל, דיוקנו המפורסם "אמא של האמן".
ג'יימס ויסלר. אמו של האמן. מסודר באפור ושחור. 1871 האמן יצר עבודה מדהימה תוך שימוש בצבעים החל מאפור בהיר ועד אפור כהה. וקצת צהוב.
אבל זה לא אומר שוויסלר אהב צבעים כאלה. הוא היה אדם יוצא דופן. הוא יכול בקלות להופיע בחברה בגרביים צהובות ועם מטריה בהירה. וזה כאשר גברים לבושים אך ורק בשחור ואפור.
יש לו גם יצירות קלות בהרבה מ"אמא". לדוגמה, סימפוניה בלבן. אז התמונה נקראה על ידי אחד העיתונאים בתערוכה. ויסלר אהב את הרעיון. מאז, הוא כינה כמעט את כל היצירות שלו בצורה מוזיקלית.
ג'יימס ויסלר. סימפוניה בלבן מס' 1. 1862 הגלריה הלאומית של וושינגטון, ארה"ב אבל אז, ב-1862, הציבור לא אהב את הסימפוניה. שוב, בגלל ערכות הצבעים הייחודיות של ויסלר. זה נראה לאנשים מוזר לכתוב אישה בלבן על רקע לבן.
בתמונה אנו רואים את המאהבת ג'ינג'ית של ויסלר. ממש ברוח הפרה-רפאלים. אחרי הכל, אז האמן היה מיודד עם אחד היוזמים העיקריים של הפרה-רפאליזם, גבריאל רוסטי. יופי, חבצלות, אלמנטים יוצאי דופן (עור זאב). הכל כמו שצריך.
אבל ויסלר התרחק מהר מהפרה-רפאליזם. שכן לא היופי החיצוני היה חשוב לו, אלא מצב הרוח והרגשות. והוא יצר כיוון חדש - טונליזם.
נופי הלילה שלו בסגנון הטונאליזם באמת נראים כמו מוזיקה. מונוכרום, צמיג.
ויסלר עצמו אמר ששמות מוזיקליים עוזרים להתמקד בציור עצמו, בקווים ובצבע. יחד עם זאת, מבלי לחשוב על המקום ועל האנשים המתוארים.
ג'יימס ויסלר. נוקטורן בכחול וכסף: צ'לסי. 1871 גלריית טייט, לונדון 
מרי קאסט. תינוק ישן. פסטל, נייר. 1910 מוזיאון דאלאס לאמנות, ארה"ב אבל היא נשארה נאמנה לסגנון שלה עד הסוף. אימפרסיוניזם. פסטל רך. אמהות עם ילדים.
למען הציור, קאסאט נטשה את האימהות. אבל הנשיות שלה באה לידי ביטוי יותר ויותר דווקא ביצירות עדינות כמו Sleeping Child. חבל שחברה שמרנית העמידה אותה פעם לפני בחירה כזו.
3. ג'ון סרג'נט (1856-1925)
ג'ון סרג'נט. דיוקן עצמי. 1892 מטרופוליטן מוזיאון לאמנות, ניו יורק ג'ון סרג'נט היה בטוח שהוא יהיה צייר פורטרטים כל חייו. הקריירה עברה טוב. אריסטוקרטים עמדו בתור כדי להזמין אותו.
אבל פעם אחת חצה האמן את הגבול לדעת החברה. עכשיו קשה לנו להבין מה כל כך לא מקובל בסרט "מאדאם אקס".
נכון, בגרסה המקורית, לגיבורה הושמט אחד הברלטים. סרג'נט "גידל" אותה, אבל זה לא עזר למקרה. הפקודות לא הגיעו לשום דבר.
ג'ון סרג'נט. Madame H. 1878 Metropolitan Museum of Art, ניו יורק איזה מגונה ראה את הציבור? והעובדה שסרגנט גילם את הדוגמנית בפוזה בטוחה מדי. יתר על כן, עור שקוף ואוזן ורודה הם רהוטים מאוד.
התמונה, כביכול, אומרת שהאישה הזו עם מיניות מוגברת לא מתנגדת לקבל חיזור של גברים אחרים. יתר על כן, להיות נשוי.
לרוע המזל, מאחורי השערורייה הזו, בני זמננו לא ראו את יצירת המופת. שמלה כהה, עור בהיר, תנוחה דינמית - שילוב פשוט שניתן למצוא רק על ידי המאסטרים המוכשרים ביותר.
אבל אין רע בלי טוב. סרג'נט קיבל בתמורה חופש. הוא התחיל להתנסות יותר באימפרסיוניזם. כתוב ילדים במצבים מיידיים. כך הופיעה העבודה "ציפורן, לילי, לילי, ורד".
סרג'נט רצה לתפוס רגע מסוים של דמדומים. אז עבדתי רק 2 דקות ביום כשהתאורה הייתה נכונה. עבד בקיץ ובסתיו. וכשהפרחים קמלו, הוא החליף אותם במלאכותיים.
ג'ון סרג'נט. ציפורן, שושן, שושן, ורד. 1885-1886 גלרי טייט, לונדון בעשורים האחרונים, סרג'נט נכנס לטעם החופש עד כדי כך שהוא החל לנטוש את הפורטרטים לחלוטין. למרות שהמוניטין שלו כבר שוקם. הוא אפילו דחה לקוחה אחת בגסות ואמר שהוא יצייר את השער שלה בהנאה גדולה מהפנים שלה.
ג'ון סרג'נט. ספינות לבנות. מוזיאון ברוקלין 1908, ארה"ב בני זמננו התייחסו לסרג'נט באירוניה. רואים בה מיושן בעידן המודרניזם. אבל הזמן שם הכל במקומו.
כעת עבודתו שווה לא פחות מעבודתם של המודרניסטים המפורסמים ביותר. ובכן, שלא לדבר על אהבת הציבור ואל תגיד כלום. תערוכות עם עבודותיו תמיד סולד אאוט.
4. נורמן רוקוול (1894-1978)
נורמן רוקוול. דיוקן עצמי. איור לגיליון ה-13 בפברואר 1960 של The Saturday Evening Post. קשה לדמיין אמן פופולרי יותר במהלך חייו מאשר נורמן רוקוול. כמה דורות של אמריקאים גדלו על האיורים שלו. אוהב אותם בכל ליבי.
אחרי הכל, רוקוול גילם אמריקאים רגילים. אבל במקביל להראות את חייהם מהצד החיובי ביותר. רוקוול לא רצה להראות לא אבות מרושעים ולא אמהות אדישות. ולא תפגשו איתו ילדים אומללים.
נורמן רוקוול. כל המשפחה למנוחה וממנוחה. איור ב-Evening Saturday Post, 30 באוגוסט 1947. מוזיאון נורמן רוקוול בסטוקברידג', מסצ'וסטס, ארה"ב עבודותיו מלאות בהומור, צבעים עסיסיים וביטויים שנלכדו במיומנות רבה מהחיים.
אבל זו אשליה שהעבודה ניתנה לרוקוול בקלות. כדי ליצור ציור אחד, הוא היה מצלם תחילה עד מאה תמונות עם הדוגמניות שלו כדי ללכוד את המחוות הנכונות.
לעבודתו של רוקוול הייתה השפעה עצומה על מוחם של מיליוני אמריקאים. אחרי הכל, הוא דיבר לעתים קרובות בעזרת הציורים שלו.
במהלך מלחמת העולם השנייה, הוא החליט להראות על מה נלחמים חיילי ארצו. לאחר שיצרה בין השאר את הציור "חופש מרצון". בצורת חג ההודיה, עליו נהנים כל בני המשפחה, מאכילים ומרוצים מהחג המשפחתי.
נורמן רוקוול. חופש ממחסור. 1943 מוזיאון נורמן רוקוול בסטוקברידג', מסצ'וסטס, ארה"ב לאחר 50 שנה ב"סאטרדיי איבנינג פוסט", עבר רוקוול למגזין "לוק" הדמוקרטי יותר, שם הוא הצליח להביע את עמדותיו בנושאים חברתיים.
העבודה המבריקה ביותר של אותן שנים היא "הבעיה שאיתה אנו חיים".
נורמן רוקוול. הבעיה איתה אנחנו חיים. 1964 מוזיאון נורמן רוקוול, סטוקברידג', ארה"ב זהו סיפורה האמיתי של ילדה שחורה שלמדה לבית ספר לבן. מאז התקבל חוק שאין לחלק יותר אנשים (ומכאן מוסדות חינוך) לפי קווים גזעיים.
אבל לכעסם של התושבים לא היה גבול. בדרך לבית הספר, הילדה נשמרה על ידי המשטרה. הנה רגע כזה "שגרתי" והראה את רוקוול.
אם אתה רוצה להכיר את החיים של האמריקאים באור מעט מקושט (כפי שהם עצמם רצו לראות אותם), הקפד להסתכל על הציורים של רוקוול.
אולי מכל הציירים המוצגים במאמר זה, רוקוול הוא האמן האמריקאי ביותר.
5. אנדרו וויית' (1917-2009)
אנדרו ווית'. דיוקן עצמי. 1945 האקדמיה הלאומית לעיצוב, ניו יורק בניגוד לרוקוול, ווית' לא היה כל כך חיובי. מתבודד מטבעו, הוא לא ביקש לייפות שום דבר. להיפך, הוא תיאר את הנופים הכי רגילים ודברים לא ראויים לציון. רק שדה חיטה, רק בית עץ. אבל הוא אפילו הצליח להציץ בהם משהו קסום.
יצירתו המפורסמת ביותר היא העולם של כריסטינה. וויית' הראה את גורלה של אישה אחת, שכנתו. לאחר שהייתה משותקת מילדותה, היא זחלה באזור סביב החווה שלה.
אז אין שום דבר רומנטי בתמונה הזו, כפי שזה אולי נראה בהתחלה. אם אתה מסתכל מקרוב, אז לאישה יש רזון כואב. ובידיעה שרגליה של הגיבורה משותקות, אתה מבין בעצב כמה היא עדיין רחוקה מהבית.
במבט ראשון, ווית' כתב את השגרתי ביותר. הנה החלון הישן של הבית הישן. וילון עלוב שכבר התחיל להפוך לגזרים. מחוץ לחלון מחשיך היער.
אבל יש קצת מסתורין בכל זה. מראה אחר.
אנדרו ווית'. רוח מהים. 1947 הגלריה הלאומית של וושינגטון, ארה"ב כך שילדים מסוגלים להסתכל על העולם במבט לא ממצמץ. כך גם וויאט. ואנחנו איתו.
כל ענייניו של ווית' טופלו על ידי אשתו. היא הייתה מארגנת טובה. היא זו שיצרה קשר עם מוזיאונים ואספנים.
הייתה מעט רומנטיקה במערכת היחסים שלהם. המוזיקה הייתה חייבת להופיע. והיא הפכה להלגה פשוטה, אבל בעלת מראה יוצא דופן. זה מה שאנחנו רואים בעבודות רבות.
אנדרו ווית'. צמות (מסדרת הלגה). 1979 אוסף פרטי נראה שאנו רואים רק תמונה מצלמת של אישה. אבל משום מה, קשה להתנתק מזה. העיניים שלה מורכבות מדי, כתפיה מתוחות. אנחנו, כביכול, מתאמצים איתה פנימית. מתקשה למצוא הסבר למתח הזה.
כשהיא מתארת את המציאות בכל פרט, העניק לה ווית' בקסם רגשות שלא יכולים להשאיר אדישה.
האמן לא הוכר במשך זמן רב. עם הריאליזם שלו, גם אם הקסום, הוא לא השתלב במגמות המודרניסטיות של המאה ה-20.
כשעובדי המוזיאון קנו את יצירותיו, הם ניסו לעשות זאת בשקט, מבלי למשוך תשומת לב. תערוכות אורגנו לעתים רחוקות. אבל לקנאתם של המודרניסטים, הם תמיד זכו להצלחה מסחררת. אנשים הגיעו בהמוניהם. והם עדיין באים.
6. ג'קסון פולוק (1912-1956)
ג'קסון פולוק. 1950 צילום מאת הנס נמות אי אפשר להתעלם מג'קסון פולוק. הוא חצה קו מסוים באמנות, שאחריו הציור לא יכול להיות זהה. הוא הראה שבאופן כללי אפשר להסתדר בלי גבולות. כשהנחתי את הקנבס על הרצפה והתיזתי אותו בצבע.
והאמן האמריקאי הזה התחיל בהפשטה, שבה עדיין ניתן לאתר את הפיגורטיבי. בעבודתו משנות הארבעים "דמות קצרת יד" אנו רואים את קווי המתאר הן של הפנים והן של הידיים. ואפילו מובנים לנו סמלים בצורת צלבים ואפסים.
ג'קסון פולוק. דמות קצרצרה. 1942 המוזיאון לאמנות מודרנית בניו יורק (MOMA) עבודתו זכתה לשבחים, אבל הם לא מיהרו לקנות. הוא היה עני כמו עכבר כנסייה. והוא שתה בלי בושה. למרות נישואים מאושרים. אשתו העריצה את כישרונו ועשתה הכל למען הצלחת בעלה.
אבל פולוק היה במקור אישיות שבורה. מנעוריו היה ברור ממעשיו שמוות מוקדם הוא גורלו.
השבר הזה כתוצאה מכך יוביל אותו למוות בגיל 44. אבל יהיה לו זמן לעשות מהפכה באמנות ולהתפרסם.
ג'קסון פולוק. קצב סתיו (מספר 30). 1950 מטרופוליטן מוזיאון לאמנות בניו יורק, ארה"ב והוא עשה את זה בתקופה של שנתיים של פיכחון. הוא היה מסוגל לעבוד פורה בשנים 1950-1952. הוא התנסה במשך זמן רב עד שהגיע לטכניקת הטפטוף.
כשהוא מניח בד ענק על רצפת הסככה שלו, הוא הסתובב סביבו, כביכול בתמונה עצמה. וריסס או סתם שפך צבע.
הציורים יוצאי הדופן הללו החלו להיקנה ממנו ברצון בשל מקוריותם וחידושם המדהימים.
ג'קסון פולוק. עמודים כחולים. 1952 הגלריה הלאומית של אוסטרליה, קנברה פולוק היה המום מהתהילה ונפל לדיכאון, לא הבין לאן ללכת הלאה. התערובת הקטלנית של אלכוהול ודיכאון לא הותירה לו סיכוי לשרוד. פעם אחת הוא עלה על ההגה שיכור מאוד. פעם אחרונה.
7. אנדי וורהול (1928-1987)
אנדי וורהול. 1979 צילום מאת ארתור טרס רק במדינה עם פולחן צריכה שכזה, כמו באמריקה, יכלה להיוולד פופ ארט. והיזם העיקרי שלה היה, כמובן, אנדי וורהול.
הוא התפרסם בכך שלקח את הדברים הכי רגילים והפך אותם ליצירת אמנות. זה מה שקרה לפחית המרק של קמפבל.
הבחירה לא הייתה מקרית. אמו של וורהול האכילה את בנה במרק הזה כל יום במשך יותר מ-20 שנה. גם כשעבר לניו יורק ולקח איתו את אמו.
אנדי וורהול. פחיות מרק קמפבל. פולימר, מודפס ביד. 32 ציורים 50x40 כל אחד. 1962 המוזיאון לאמנות מודרנית בניו יורק (MOMA) לאחר הניסוי הזה, וורהול החל להתעניין בהדפסת מסך. מאז, הוא צילם תמונות של כוכבי פופ וצייר אותם בצבעים שונים.
כך הופיעה המצוירת המפורסמת שלו מרילין מונרו.
נוצרו מספר עצום של צבעי חומצה מרלין כאלה. ארט וורהול העלה לזרם. כצפוי בחברה צרכנית.
אנדי וורהול. מרלין מונרו. משי, נייר. 1967 המוזיאון לאמנות מודרנית בניו יורק (MOMA) פרצופים מצוירים הומצאו על ידי וורהול מסיבה כלשהי. ושוב, לא בלי השפעת האם. בילדותה, במהלך מחלה ממושכת של בנה, היא גררה לו חבילות של חוברות צביעה.
תחביב הילדות הזה צמח למשהו שהפך לכרטיס הביקור שלו והפך אותו לעשיר להפליא.
הוא צייר לא רק כוכבי פופ, אלא גם את יצירות המופת של קודמיו. הבנתי ו.
ונוס, כמו מרילין, עשתה הרבה. הבלעדיות של יצירת אמנות "מוחקת" על ידי וורהול לאבקה. למה האמן עשה את זה?
לעשות פופולריות של יצירות מופת ישנות? או להיפך, לנסות להפחית בערכם? להנציח כוכבי פופ? או לתבל את המוות באירוניה?
אנדי וורהול. ונוס בוטיצ'לי. משי, אקריליק, קנבס. 122x183 ס"מ. 1982 E. Warhol Museum בפיטסבורג, ארה"ב עבודותיו המצוירות של מדונה, אלביס פרסלי או לנין ניתנות לזיהוי לפעמים יותר מהתמונות המקוריות.
אבל יצירות המופת לא יהיו בצל. יחד עם זאת, "ונוס" הקדמונית נותרה יקרה מפז.
וורהול היה חובב מסיבות נלהב, ומשך אליו הרבה מנודים. מכורים לסמים, שחקנים כושלים או סתם אישים לא מאוזנים. אחד מהם ירה בו פעם.
וורהול שרד. אבל כעבור 20 שנה, עקב תוצאות פצע שסבל פעם, הוא מת לבדו בדירתו.
כור היתוך בארה"ב
למרות ההיסטוריה הקצרה של האמנות האמריקאית, הטווח רחב. בין האמנים האמריקאים יש אימפרסיוניסטים (Sargent), וריאליסטים מאגיים (Wyeth), ואקספרסיוניסטים מופשטים (פולוק), וחלוצי אמנות הפופ (Warhol).
ובכן, האמריקאים אוהבים חופש בחירה בכל דבר. מאות עדות. מאות אומות. מאות כיווני אמנות. זו הסיבה שהוא כור ההיתוך של ארצות הברית של אמריקה.
בקשר עם
טוען...
