Apa perbedaan impresionisme Rusia dalam seni lukis dengan lukisan Prancis? Munculnya impresionisme. Ciri-ciri umum kreativitas

Impresionisme(Impresinisme Prancis, dari kesan - kesan) - sebuah gerakan seni pada sepertiga terakhir abad ke-19 - awal abad ke-20, yang berasal dari Prancis dan kemudian menyebar ke seluruh dunia, yang perwakilannya berusaha menangkap dunia nyata secara alami dalam mobilitasnya dan variabilitas, untuk menyampaikan kesan sekilas mereka.

1. Pembebasan dari tradisi realisme (tidak ada lukisan mitologi, alkitabiah dan sejarah, hanya kehidupan modern).

2. Pengamatan dan kajian terhadap realitas sekitar. Bukan apa yang dilihatnya, tetapi bagaimana ia melihatnya dari sudut pandang “esensi visual dari segala sesuatu”

3. Kehidupan sehari-hari kota modern. Psikologi penduduk kota. Dinamika kehidupan. Kecepatan, ritme kehidupan.

4. “Efek dari momen yang diperpanjang”

5. Cari formulir baru. Karya ukuran kecil (studi, framing). Tidak khas, tapi acak.

6. Serialitas lukisan (Monet “Haystacks”)

7. Kebaruan sistem pengecatan. Buka warna murni. Kelegaan, kumpulan refleks yang kaya, rasa gentar.

8. Mencampur genre.

Edouard Manet- inovator. Dari warna pekat kusam hingga lukisan tipis. Fragmentasi komposisi.

"Olimpiade"- mengandalkan Titian, Giorgione, Goya. Victoria Muran berpose. Venus digambarkan sebagai cocotte modern. Ada seekor kucing hitam di kakiku. Seorang wanita kulit hitam mempersembahkan karangan bunga. Latar belakangnya gelap, warna hangat tubuh wanita bagaikan mutiara di seprai biru. Volumenya terganggu. Tidak ada pemodelan yang terputus-putus.

"Sarapan di Rumput"- model dan dua seniman + lanskap + lukisan alam benda. Jas rok hitam kontras dengan tubuh telanjang.

"Pemain suling"- kesan musik.

"Bar Folies Bergere" - Gadis itu adalah seorang bartender. Sensasi sesaat. Kesendirian di kota yang ramai. Ilusi kebahagiaan. Saya meletakkannya di seluruh kanvas (dalam pikiran saya tidak dapat diakses, tetapi dapat diakses oleh klien bar). Aula yang penuh pengunjung adalah gambaran dunia.

Claude Monet- meninggalkan urutan tradisional (pengecatan bawah, kaca, dll.) - ala prima

"Kesan. Matahari terbit" - fieria kuning, oranye, hijau. Perahu adalah aksen visual. Lanskap yang sulit dipahami dan belum selesai, tidak ada kontur. Variabilitas lingkungan ringan-udara. Sinar cahaya mengubah penglihatan.

"Sarapan di Rumput" - pinggir hutan, kesan piknik , skema warna hijau tua diselingi coklat dan hitam. Dedaunan menjadi basah. Pakaian dan taplak meja wanita itu diterangi, dipenuhi udara, menerangi dedaunan.

"Boulevard des Capucines di Paris" - fragmentaris. Memotong dua orang yang sedang melihat jalan raya dari balkon. Kerumunan orang adalah kehidupan kota. Setengahnya terkena cahaya matahari terbenam, dan setengahnya lagi di bawah bayangan bangunan. Tidak ada pusat visual, kesan instan.

"Batu di Belle-Ile» - massa air yang bergerak mendominasi (guratan tebal). Warna pelangi diterapkan dengan penuh semangat. Batuan dipantulkan di air, dan air dipantulkan di batu. Merasakan kekuatan unsur, air mendidih berwarna hijau kebiruan. Komposisi dengan cakrawala tinggi.

"Gare Saint-Lazare" - bagian dalam stasiun ditampilkan, tetapi lebih tertarik pada lokomotif dan uap, yang ada di mana-mana (daya tarik dengan kabut, kabut ungu).

Pierre Auguste Renoir- seorang seniman kegembiraan, yang dikenal terutama sebagai ahli potret sekuler, bukannya tanpa sentimentalitas.

"Mengayun"- Diresapi dengan warna hangat, masa muda ditampilkan, gadis itu terkesan.

"Bola di Moulin de la Gallette" - adegan bergenre. Hari. Kaum muda, pelajar, pramuniaga, dll. Di meja-meja di bawah pohon akasia terdapat panggung untuk menari. Permainan ringan (sinar matahari di punggung).

"Potret Jeanne Samary" - wanita bunga. Aktris menawan, feminin, anggun, menyentuh, spontan. Mata yang dalam, senyum cerah.

"Potret Madame Charpentier dengan Anak-anak"- seorang wanita sosialita anggun dalam gaun hitam dengan kereta api dan dua gadis berbaju biru. Permadani, meja, anjing, lantai parket - semuanya berbicara tentang kekayaan keluarga.

Edgar Degas– tidak melukis di udara terbuka, pemujaan terhadap garis dan gambar. Komposisi secara diagonal (dari bawah ke atas)); Bentuk spiral berbentuk S + jendela tempat penerangan + penerangan dari lampu sorot. Minyak, lalu tidur.

"Gadis Balet", "Penari"- Menyerang kehidupan balerina. Goresan menghubungkan menggambar dan melukis. Irama latihan yang konstan.

"Penari Biru"- tidak ada individualitas - satu karangan bunga. Di satu sudut masih ada cahaya dari jalur landai, dan di sudut lain masih ada bayangan di belakang panggung. Momen ini juga diperuntukkan bagi para aktris dan masyarakat awam. Siluet ekspresif, gaun biru bunga jagung. Fragmentasi - karakter tidak melihat ke arah penonton.

"Tidak hadir" - seorang pria dan seorang wanita sedang duduk di sebuah kafe. Kisaran abu. Seorang pria dengan pipa melihat ke satu arah, dan seorang wanita mabuk dengan pandangan jauh - kesepian yang menyakitkan.

Camille Pissarro- tertarik pada lanskap, termasuk manusia dan kereta di dalamnya. Motif jalan dengan orang berjalan. Saya menyukai musim semi dan musim gugur.

“Memasuki desa Voisin"- pemandangan yang redup dan lembut, pepohonan di sepanjang jalan - membingkai pintu masuk, cabang-cabangnya bercampur, larut di langit. Kuda itu berjalan perlahan dan tenang. Rumah bukan sekedar benda arsitektural, melainkan tempat tinggal manusia (sarang hangat).

"Jalan Opera di Paris"(seri) – hari berawan kelabu. Atapnya sedikit ditaburi salju, trotoar basah, bangunan-bangunan tenggelam dalam selubung salju, orang-orang yang lewat dengan payung berubah menjadi bayangan. Warna udara lembab menyelimuti. Biru ungu, warna zaitun. Pukulan kecil.

Alfred Sisley– berusaha memperhatikan keindahan alam, ketenangan epik yang melekat pada lanskap pedesaan.

"Embun beku di Louveciennes" - pagi hari, keadaan segar, benda bermandikan cahaya (penggabungan). Tidak ada bayangan (nuansa halus), warna kuning-oranye. Sudut yang tenang, bukan kota yang sibuk. Perasaan kemurnian, kerapuhan, cinta terhadap tempat ini

Impresionisme di Rusia. berkembang di waktu yang lebih lambat dan lebih cepat dibandingkan di Prancis

V.A.Serov – cuek dengan gambar akademis, ingin menampilkan keindahan alam dalam warna.

"Gadis dengan Persik"" - potret Verochka Mamontova. Semuanya natural dan santai, setiap detail terhubung satu sama lain. Keindahan wajah seorang gadis, puisi gambaran kehidupan, lukisan warna-warni yang jenuh cahaya. Keindahan dan kesegaran sketsa, dua tren, dua kekuatan bersatu secara organik, membentuk satu bentuk visi bergambar. Segalanya tampak begitu sederhana dan alami, namun ada begitu banyak kedalaman dan integritas dalam kesederhanaan ini!! Dengan sangat ekspresif, V. Serov menyampaikan cahaya yang mengalir seperti aliran perak dari jendela dan memenuhi ruangan. Gadis itu sedang duduk di meja dan tidak sibuk dengan apa pun, seolah-olah dia benar-benar duduk sejenak, secara mekanis mengambil buah persik dan memegangnya, menatap Anda dengan sederhana dan terus terang. Namun perdamaian ini hanya bersifat sementara, dan melalui perdamaian ini semangat untuk melakukan gerakan yang penuh semangat dapat terlihat.

"Anak-anak"- menunjukkan dunia spiritual anak (anak laki-laki). Yang lebih tua melihat matahari terbenam, dan yang lebih muda menghadap penonton. Pandangan hidup yang berbeda.

"Mika Morozov"- duduk di kursi, tetapi berguling ke arah penonton. Kegembiraan anak-anak tersampaikan.

"Gadis Paduan Suara"- ketidakjelasan. Ia melukis dengan sapuan kuas yang kaya, sapuan lebar pada dedaunan, sapuan yang terkadang vertikal, terkadang horizontal dan dengan tekstur berbeda ⇒ dinamisme, udara dan cahaya. Kombinasi alam dan seorang gadis, kesegaran, spontanitas.

"Paris. Boulevard des Capucines" - kaleidoskop warna beraneka ragam. Pencahayaan buatan - hiburan, sandiwara dekoratif.

Yaitu Grabar – awal yang berkemauan keras dan emosional.

« Februari biru"- Saya melihat pohon birch dari permukaan tanah dan terkejut. Lonceng pelangi disatukan oleh langit biru. Pohon birch itu monumental (di seluruh kanvas).

"Salju Maret"- seorang gadis membawa ember di atas kuk, bayangan pohon di atas salju yang mencair.

Impresionisme membuka seni baru - yang penting adalah bagaimana seniman melihat, bentuk dan metode presentasi baru. Mereka punya waktu, kita punya waktu yang panjang; Kita mempunyai lebih sedikit dinamika, lebih banyak romantisme.

Mane Sarapan di rumput Mane Olympia

Manet "Bar Folies Bergere" Manet Pemain suling"

Monet "Kesan. Matahari Terbit Monet "Makan Siang di Rumput" - "Boulevard des Capucines di Paris"

Monet "Batu di Belle-Ile"» Monet "Gare Saint-Lazare"

Monet "Boulevard des Capucines di Paris"Renoir"Mengayun"

Renoir “Bola di Moulin de la Gallette” Renoir “Potret Jeanne Samary”

Renoir "Potret Madame Charpentier dengan Anak-anak"

Menghilangkan gas "Penari Biru" Menghilangkan gas "Tidak hadir"

Pissarro –"Jalan Opera di Paris"(seri) Pissarro “Memasuki desa Voisin»

Sisley “Frost di Louveciennes” Serov “Gadis dengan Persik”

Serov "Anak-anak" Serov "Mika Morozov"

Korovin “Gadis Paduan Suara” Korovin “Paris. Boulevard des Capucines"

Grabar “Azure Februari” Grabar “Salju Maret”

Impresionisme merupakan gerakan seni yang muncul pada tahun 70an. Abad XIX dalam seni lukis Perancis, dan kemudian diwujudkan dalam musik, sastra, teater.

Impresionisme dalam seni lukis mulai terbentuk jauh sebelum pameran terkenal tahun 1874. Edouard Manet secara tradisional dianggap sebagai pendiri kaum Impresionis. Ia sangat terinspirasi dengan karya klasik Titian, Rembrandt, Rubens, Velazquez. Manet mengungkapkan visinya terhadap gambar-gambar di kanvasnya, dengan menambahkan guratan “getar” yang menciptakan efek ketidaklengkapan. Pada tahun 1863, Manet menciptakan Olympia, yang menyebabkan skandal besar dalam masyarakat budaya.

Sekilas, gambar tersebut dibuat sesuai dengan kanon tradisional, namun pada saat yang sama sudah mengusung tren inovatif. Sekitar 87 ulasan ditulis tentang Olympia di berbagai publikasi Paris. Dia mendapat banyak kritik negatif - artis tersebut dituduh vulgar. Dan hanya beberapa artikel yang bisa disebut menguntungkan.

Manet menggunakan teknik cat satu lapis dalam karyanya, yang menciptakan efek noda. Selanjutnya, teknik pengaplikasian cat ini diadopsi oleh seniman impresionis sebagai dasar gambar pada lukisan.

Ciri khas impresionisme adalah rekaman kesan sekilas yang paling halus, dengan cara khusus mereproduksi lingkungan cahaya dengan bantuan mosaik kompleks warna-warna murni dan sapuan dekoratif sepintas.

Anehnya, pada awal pencariannya, para seniman menggunakan cyanometer - alat untuk menentukan kebiruan langit. Warna hitam dikeluarkan dari palet, diganti dengan corak warna lain, yang memungkinkan untuk tidak merusak suasana cerah lukisan.

Kaum Impresionis dipandu oleh penemuan ilmiah terkini pada masanya. Teori warna Chevreul dan Helmholtz bermuara pada hal berikut: sinar matahari terpecah menjadi warna-warna komponennya, dan karenanya, dua cat yang diletakkan di atas kanvas meningkatkan efek gambar, dan ketika dicampur, cat kehilangan intensitasnya.

Estetika impresionisme berkembang, sebagian, sebagai upaya untuk secara tegas membebaskan diri dari konvensi klasisisme dalam seni, serta dari simbolisme yang terus-menerus dan kedalaman lukisan romantis akhir, yang mengundang semua orang untuk melihat rencana terenkripsi yang memerlukan interpretasi yang cermat. Impresionisme tidak hanya menegaskan keindahan realitas sehari-hari, namun juga menangkap suasana penuh warna, tanpa merinci atau menafsirkan, menggambarkan dunia sebagai fenomena optik yang selalu berubah.

Seniman impresionis mengembangkan sistem udara plein yang lengkap. Pendahulu fitur gaya ini adalah pelukis lanskap yang berasal dari sekolah Barbizon, perwakilan utamanya adalah Camille Corot dan John Constable.

Bekerja di ruang terbuka memberikan lebih banyak peluang untuk menangkap perubahan warna sekecil apa pun pada waktu berbeda dalam sehari.

Claude Monet membuat beberapa rangkaian lukisan dengan subjek yang sama, misalnya “Katedral Rouen” (rangkaian 50 lukisan), “Tumpukan Jerami” (rangkaian 15 lukisan), “Kolam dengan Bunga Lili Air”, dll. dari rangkaian ini terjadi perubahan cahaya dan warna pada gambar objek yang sama yang dilukis pada waktu yang berbeda dalam sehari.

Pencapaian impresionisme lainnya adalah pengembangan sistem lukisan orisinal, di mana corak kompleks diurai menjadi warna murni yang disampaikan melalui guratan individual. Para seniman tidak mencampurkan warna pada palet, tetapi lebih suka mengaplikasikan guratan langsung ke kanvas. Teknik ini memberi lukisan itu rasa gentar, variabilitas, dan kelegaan khusus. Karya para seniman penuh dengan warna dan cahaya.

Pameran pada tanggal 15 April 1874 di Paris merupakan hasil masa pembentukan dan presentasi suatu gerakan baru kepada masyarakat umum. Pameran berlangsung di studio fotografer Felix Nadar di Boulevard des Capucines.

Nama “Impresionisme” muncul setelah sebuah pameran yang menampilkan lukisan “Impresi” karya Monet. Matahari terbit". Kritikus L. Leroy, dalam ulasannya di publikasi Charivari, memberikan gambaran lucu tentang pameran tahun 1874, dengan mengutip contoh karya Monet. Kritikus lainnya, Maurice Denis, mencela kaum Impresionis karena kurangnya individualitas, perasaan, dan puisi.

Pada pameran pertama, sekitar 30 seniman memamerkan karyanya. Ini merupakan jumlah terbesar dibandingkan dengan pameran-pameran berikutnya hingga tahun 1886.

Kita tidak bisa tidak menyebutkan tanggapan positif dari masyarakat Rusia. Seniman Rusia dan kritikus demokrasi, yang selalu tertarik dengan kehidupan artistik Prancis - I. V. Kramskoy, I. E. Repin dan V. V. Stasov - sangat mengapresiasi pencapaian kaum Impresionis sejak pameran pertama.

Tahap baru dalam sejarah seni rupa, yang dimulai dengan pameran tahun 1874, bukanlah ledakan kecenderungan revolusioner yang tiba-tiba, melainkan puncak dari perkembangan yang lambat dan bertahap.

Walaupun semua tokoh besar di masa lalu berkontribusi pada pengembangan prinsip-prinsip impresionisme, akar langsung dari gerakan ini paling mudah ditemukan dalam dua puluh tahun sebelum pameran sejarah.

Sejalan dengan pameran di Salon, pameran Impresionis juga mendapatkan momentumnya. Karya-karya mereka menunjukkan tren baru dalam seni lukis. Ini merupakan celaan terhadap budaya salon dan tradisi pameran. Selanjutnya, seniman impresionis berhasil menarik pengagum tren seni baru ke pihak mereka.

Pengetahuan teoritis dan rumusan impresionisme mulai berkembang cukup terlambat. Seniman lebih menyukai lebih banyak latihan dan eksperimen mereka sendiri dengan cahaya dan warna. Dalam impresionisme, terutama piktorial, warisan realisme dapat ditelusuri, yang secara jelas mengungkapkan orientasi dan sikap anti-akademik, anti-salon dalam menggambarkan realitas sekitar pada masa itu. Beberapa peneliti mencatat bahwa impresionisme telah menjadi cabang khusus realisme.

Tidak diragukan lagi, dalam seni impresionistik, seperti dalam setiap gerakan seni yang muncul pada masa titik balik dan krisis tradisi lama, berbagai tren bahkan kontradiktif saling terkait, dengan segala integritas eksternalnya.

Ciri mendasarnya adalah tema karya seniman dan sarana ekspresi artistik. Buku Irina Vladimirova tentang kaum Impresionis mencakup beberapa bab: “Pemandangan, alam, kesan”, “Kota, tempat pertemuan dan perpisahan”, “Hobi sebagai cara hidup”, “Orang dan karakter”, “Potret dan potret diri” , "Masih hidup". Di dalamnya juga dijelaskan sejarah penciptaan dan lokasi setiap karya.

Pada masa kejayaan impresionisme, seniman menemukan keseimbangan harmonis antara realitas objektif dan persepsinya. Para seniman berusaha menangkap setiap pancaran cahaya, pergerakan angin, dan perubahan alam. Untuk menjaga kesegaran lukisannya, kaum Impresionis menciptakan sistem seni lukis orisinal, yang kemudian ternyata sangat penting bagi perkembangan seni rupa selanjutnya. Terlepas dari tren umum dalam seni lukis, setiap seniman menemukan jalur kreatifnya sendiri dan genre utama dalam seni lukis.

Impresionisme klasik diwakili oleh seniman seperti Edouard Manet, Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Edgar Alfred Sisley, Camille Pissarro, Jean Frédéric Bazille, Berthe Morisot, Edgar Degas.

Mari kita perhatikan kontribusi beberapa seniman terhadap perkembangan impresionisme.

Edouard Manet (1832-1883)

Manet menerima pelajaran melukis pertamanya dari T. Couture, berkat seniman masa depan itu memperoleh banyak keterampilan profesional yang diperlukan. Karena kurangnya perhatian dari guru kepada murid-muridnya, Manet meninggalkan studio masternya dan terlibat dalam pendidikan mandiri. Ia menghadiri pameran di museum, pembentukan kreatifnya sangat dipengaruhi oleh para empu tua, terutama Spanyol.

Pada tahun 1860-an, Manet menulis dua karya yang menunjukkan prinsip dasar gaya artistiknya. Lola dari Valencia (1862) dan The Flutist (1866) menampilkan Manet sebagai seniman yang mengungkapkan karakter subjeknya melalui rendering warna.

Ideanya mengenai sapuan kuas dan pendekatannya terhadap warna diadopsi oleh seniman Impresionis lainnya. Pada tahun 1870-an, Manet menjadi lebih dekat dengan para pengikutnya dan bekerja tanpa warna hitam di palet. Masuknya impresionisme merupakan hasil evolusi kreatif Manet sendiri. Lukisan Manet yang paling impresionistik adalah “In a Boat” (1874) dan “Claude Monet in a Boat” (1874).

Manet juga banyak melukis potret berbagai wanita, aktris, model, dan wanita cantik dari masyarakat. Setiap potret menyampaikan keunikan dan individualitas modelnya.

Sesaat sebelum kematiannya, Manet melukis salah satu mahakaryanya - “Bar Folies-Bergère” (1881-1882). Lukisan ini memadukan beberapa genre: potret, still life, pemandangan sehari-hari.

N. N. Kalitina menulis: “Keajaiban seni Manet sedemikian rupa sehingga gadis itu menghadapi lingkungannya, berkat suasana hatinya yang terungkap dengan jelas, dan pada saat yang sama merupakan bagian, untuk keseluruhan latar belakang, samar-samar terlihat, samar-samar, mengkhawatirkan, juga diselesaikan dalam warna biru-hitam, putih kebiruan, kuning.”

Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet tidak diragukan lagi adalah pemimpin dan pendiri impresionisme klasik. Genre utama lukisannya adalah lanskap.

Di masa mudanya, Monet menyukai karikatur dan karikatur. Model pertama karyanya adalah guru dan rekan-rekannya. Dia menggunakan kartun di surat kabar dan majalah sebagai model. Dia menyalin gambar di Gaulois karya E. Carge, seorang penyair dan karikaturis, teman Gustave Coubret.

Di perguruan tinggi, lukisan Monet diajarkan oleh Jacques-François Hauchard. Namun patut dicatat pengaruh Monet dari Boudin, yang mendukung sang seniman, memberinya nasihat, dan memotivasinya untuk melanjutkan karyanya.

Pada November 1862, Monet melanjutkan studinya di Paris bersama Gleyre. Berkat ini, Monet bertemu Basil, Renoir, dan Sisley di studionya. Seniman-seniman muda bersiap memasuki Sekolah Seni Rupa, dengan menghormati guru mereka, yang memungut biaya sedikit untuk pelajarannya dan memberikan nasihat dengan cara yang lembut.

Monet menciptakan lukisannya bukan sebagai sebuah cerita, bukan sebagai ilustrasi ide atau tema. Lukisannya, seperti kehidupan, tidak memiliki tujuan yang jelas. Dia melihat dunia tanpa berfokus pada detail, pada beberapa prinsip, dia menuju ke “visi lanskap” (istilah sejarawan seni A. A. Fedorov-Davydov). Monet mengupayakan ketiadaan alur dan perpaduan genre di atas kanvas. Sarana pelaksanaan inovasinya adalah sketsa-sketsa yang seharusnya menjadi lukisan jadi. Semua sketsa diambil dari kehidupan.

Dia melukis padang rumput, bukit, bunga, bebatuan, taman, jalan desa, laut, pantai, dan banyak lagi; dia mulai menggambarkan alam pada waktu yang berbeda dalam sehari. Ia sering menulis tempat yang sama pada waktu yang berbeda, sehingga menciptakan keseluruhan siklus dari karyanya. Prinsip karyanya bukanlah penggambaran objek dalam gambar, melainkan transmisi cahaya yang akurat.

Mari kita berikan beberapa contoh karya seniman - “Field of Poppies at Argenteuil” (1873), “Splash Pool” (1869), “Pond with Water Lilies” (1899), “Wheat Stacks” (1891).

Pierre Auguste Renoir (1841-1919)

Renoir adalah salah satu ahli potret sekuler yang luar biasa, selain itu, ia bekerja dalam genre lanskap, pemandangan sehari-hari, dan benda mati.

Keunikan karyanya adalah ketertarikannya pada kepribadian seseorang, pengungkapan watak dan jiwanya. Dalam kanvasnya, Renoir mencoba menonjolkan rasa kepenuhan keberadaan. Seniman tertarik pada hiburan dan perayaan; ia melukis bola, berjalan dengan gerakan dan variasi karakternya, serta menari.

Karya seniman yang paling terkenal adalah "Potret Aktris Jeanne Samary", "Payung", "Bathing in the Seine", dll.

Sangat menarik bahwa Renoir dibedakan oleh musikalitasnya dan sebagai seorang anak ia bernyanyi dalam paduan suara gereja di bawah arahan komposer dan guru terkemuka Charles Gounod di Paris di Katedral Saint-Eustache. C. Gounod sangat menganjurkan agar anak laki-laki itu belajar musik. Tetapi pada saat yang sama, Renoir menemukan bakat seninya - sejak usia 13 tahun ia telah belajar melukis piring porselen.

Pelajaran musik mempengaruhi perkembangan kepribadian artis. Sejumlah karyanya berkaitan dengan tema musik. Mereka mencerminkan permainan piano, gitar, dan mandolin. Ini adalah lukisan “Pelajaran Gitar”, “Wanita Muda Spanyol dengan Gitar”, “Wanita Muda di Piano”, “Wanita Bermain Gitar”, “Pelajaran Piano”, dll.

Jean Frédéric Bazille (1841-1870)

Menurut teman senimannya, Basil adalah seorang impresionis yang paling menjanjikan dan menonjol.

Karya-karyanya dibedakan oleh warna-warna cerah dan spiritualitas gambarnya. Pierre Auguste Renoir, Alfred Sisley dan Claude Monet memiliki pengaruh besar dalam jalur kreatifnya. Apartemen Jean Frederic adalah semacam studio dan perumahan bagi calon pelukis.

Kemangi terutama dicat di udara terbuka. Ide utama karyanya adalah gambaran manusia dengan latar belakang alam. Pahlawan pertamanya dalam lukisan adalah teman senimannya; banyak impresionis yang sangat suka menggambar satu sama lain dalam karya mereka.

Frédéric Bazille, dalam karya kreatifnya, menguraikan gerakan impresionisme realistis. Lukisannya yang paling terkenal, Family Reunion (1867), bersifat otobiografi. Artis itu menggambarkan anggota keluarganya di atasnya. Karya ini dipresentasikan di Salon dan mendapat persetujuan dari publik.

Pada tahun 1870, sang seniman tewas dalam Perang Prusia-Prancis. Setelah sang seniman meninggal, teman-teman senimannya menyelenggarakan pameran impresionis ketiga, di mana lukisannya juga dipamerkan.

Camille Pissarro (1830-1903)

Camille Pissarro adalah salah satu perwakilan seniman lanskap terbesar setelah C. Monet. Karya-karyanya terus-menerus dipamerkan di pameran Impresionis. Dalam karyanya, Pissarro lebih suka menggambarkan ladang yang dibajak, kehidupan petani, dan buruh. Lukisannya dibedakan berdasarkan bentuk struktural dan kejelasan komposisinya.

Belakangan, sang seniman mulai melukis lukisan bertema perkotaan. N. N. Kalitina mencatat dalam bukunya: “Dia melihat jalan-jalan kota dari jendela lantai atas atau dari balkon, tanpa memasukkannya ke dalam komposisi.”

Di bawah pengaruh Georges-Pierre Seurat, sang seniman mempelajari pointillisme. Teknik ini melibatkan penerapan setiap pukulan secara terpisah, seolah-olah meletakkan titik. Namun prospek kreatif di bidang ini tidak terwujud, dan Pissarro kembali ke impresionisme.

Lukisan Pissarro yang paling terkenal adalah “Boulevard Montmartre. Sore, cerah”, “Opera Passage di Paris”, “French Theatre Square di Paris”, “Garden in Pontoise”, “Harvest”, “Haymaking”, dll.

Alfred Sisley (1839-1899)

Genre lukisan utama Alfred Sisley adalah lanskap. Dalam karya awalnya, pengaruh K. Corot terutama terlihat. Lambat laun, dalam proses kerja sama dengan C. Monet, J. F. Bazille, P. O. Renoir, warna-warna terang mulai muncul dalam karya-karyanya.

Seniman tertarik dengan permainan cahaya, perubahan keadaan atmosfer. Sisley beralih ke lanskap yang sama beberapa kali, memotretnya pada waktu berbeda dalam sehari. Seniman dalam karyanya mengutamakan gambar air dan langit, yang berubah setiap detik. Seniman berhasil mencapai kesempurnaan dengan bantuan warna, setiap corak dalam karyanya membawa simbolisme yang unik.

Karya-karyanya yang paling terkenal: “Rural Alley” (1864), “Frost in Louveciennes” (1873), “View of Montmartre from the Flower Island” (1869), “Early Snow in Louveciennes” (1872), “Bridge at Argenteuil” (1872).

Edgar Degas (1834-1917)

Edgar Degas adalah seorang seniman yang memulai perjalanan kreatifnya dengan belajar di School of Fine Arts. Ia terinspirasi oleh seniman Renaisans Italia, yang memengaruhi karyanya secara keseluruhan. Pada awalnya Degas melukis lukisan sejarah, misalnya, “Gadis Spartan menantang anak laki-laki Spartan untuk berkompetisi. (1860). Genre utama lukisannya adalah potret. Dalam karyanya, sang seniman mengandalkan tradisi klasik. Ia menciptakan karya-karya yang ditandai dengan kepekaan terhadap zamannya.

Berbeda dengan rekan-rekannya, Degas tidak memiliki pandangan yang menyenangkan dan terbuka tentang kehidupan dan hal-hal yang melekat dalam impresionisme. Seniman lebih dekat dengan tradisi kritis seni: kasih sayang terhadap nasib rakyat jelata, kemampuan melihat jiwa manusia, dunia batin mereka, inkonsistensi, tragedi.

Bagi Degas, objek dan interior di sekitar seseorang berperan besar dalam menciptakan sebuah potret. Berikut beberapa contoh karya: “Désirée Dio with an orkestra” (1868-1869), “Portrait of a Woman” (1868), “The Morbilli Couple” (1867), dll.

Prinsip potret dalam karya Degas dapat ditelusuri sepanjang karir kreatifnya. Pada tahun 1870-an, sang seniman menggambarkan masyarakat Prancis, khususnya Paris, dalam karya-karyanya yang penuh kejayaan. Minat seniman meliputi kehidupan perkotaan yang bergerak. “Baginya, gerakan adalah salah satu manifestasi kehidupan yang paling penting, dan kemampuan seni untuk menyampaikannya adalah pencapaian terpenting seni lukis modern,” tulis N.N. Kalitina.

Selama periode waktu ini, film-film seperti "The Star" (1878), "Miss Lola in Fernando's Circus", "Horsing at Epsom", dll.

Babak baru kreativitas Degas adalah minatnya pada balet. Ini menunjukkan kehidupan di balik layar para balerina, berbicara tentang kerja keras dan latihan keras mereka. Namun, meskipun demikian, sang seniman berhasil menemukan kesan sejuk dan ringan dalam rendering gambarnya.

Dalam rangkaian lukisan balet karya Degas, terlihat prestasi di bidang transmisi cahaya buatan dari panggung, yang berbicara tentang bakat warna sang seniman. Lukisan yang paling terkenal adalah “Blue Dancers” (1897), “Dance Class” (1874), “Dancer with a Bouquet” (1877), “Dancers in Pink” (1885) dan lain-lain.

Di akhir hayatnya, karena penglihatannya yang memburuk, Degas mencoba seni pahat. Objeknya adalah balerina, wanita, kuda yang sama. Dalam seni patung, Degas mencoba menyampaikan gerakan, dan untuk mengapresiasi sebuah patung, Anda perlu melihatnya dari sudut yang berbeda.

Pada sepertiga terakhir abad ke-19. Seni Perancis masih memainkan peran utama dalam kehidupan seni negara-negara Eropa Barat. Pada masa ini, banyak bermunculan tren-tren baru dalam seni lukis, yang perwakilannya mencari cara dan bentuk ekspresi kreatifnya sendiri.

Fenomena seni rupa Prancis yang paling mencolok dan signifikan pada periode ini adalah impresionisme.

Kaum Impresionis mengumumkan kehadiran mereka pada tanggal 15 April 1874 di sebuah pameran Paris yang diadakan di udara terbuka di Boulevard des Capucines. Di sini 30 seniman muda yang karyanya ditolak Salon memamerkan lukisannya. Tempat sentral dalam pameran ini diberikan kepada lukisan “Impression. Matahari terbit". Komposisi ini menarik karena untuk pertama kalinya dalam sejarah seni lukis, sang seniman mencoba menyampaikan kesannya di atas kanvas, dan bukan objek realitasnya.

Perwakilan dari publikasi “Charivari”, reporter Louis Leroy, mengunjungi pameran tersebut. Dialah yang pertama kali menyebut Monet dan rekan-rekannya sebagai “impresionis” (dari kesan Perancis - kesan), sehingga mengungkapkan penilaian negatifnya terhadap lukisan mereka. Segera nama ironis ini kehilangan makna negatif aslinya dan selamanya memasuki sejarah seni.

Pameran di Boulevard des Capucines menjadi semacam manifesto yang memproklamirkan munculnya gerakan baru dalam seni lukis. O. Renoir, E. Degas, A. Sisley, C. Pissarro, P. Cezanne, B. Morisot, A. Guillaumin, serta master dari generasi yang lebih tua - E. Boudin, C. Daubigny, I. Ionkind ambil bagian di dalamnya.

Hal terpenting bagi kaum impresionis adalah menyampaikan kesan atas apa yang dilihatnya, mengabadikan momen singkat kehidupan di atas kanvas. Dengan cara ini, kaum impresionis mirip dengan fotografer. Plotnya hampir tidak ada artinya bagi mereka. Para seniman mengambil tema lukisannya dari kehidupan sehari-hari di sekitar mereka. Mereka melukis jalan-jalan yang sepi, kafe malam, pemandangan pedesaan, bangunan kota, pengrajin yang sedang bekerja. Peran penting dalam lukisan mereka dimainkan oleh permainan cahaya dan bayangan, sinar matahari melompati objek dan memberi mereka tampilan yang sedikit tidak biasa dan sangat hidup. Untuk melihat objek dalam cahaya alami dan menyampaikan perubahan yang terjadi di alam pada waktu yang berbeda dalam sehari, seniman impresionis meninggalkan bengkelnya dan pergi ke alam terbuka (plein air).

Kaum Impresionis menggunakan teknik melukis baru: cat tidak dicampur pada kuda-kuda, tetapi langsung diaplikasikan pada kanvas dengan sapuan terpisah. Teknik ini mampu menyampaikan kesan dinamika, sedikit getaran udara, pergerakan dedaunan di pepohonan, dan air di sungai.

Biasanya lukisan perwakilan gerakan ini tidak memiliki komposisi yang jelas. Sang seniman memindahkan momen yang diambil dari kehidupan ke dalam kanvas, sehingga karyanya menyerupai foto yang diambil secara kebetulan. Kaum Impresionis tidak menganut batasan genre yang jelas; misalnya, potret sering kali menyerupai pemandangan sehari-hari.

Dari tahun 1874 hingga 1886, kaum Impresionis menyelenggarakan 8 pameran, setelah itu kelompok tersebut dibubarkan. Sedangkan bagi masyarakat, mereka, seperti kebanyakan kritikus, memandang seni baru dengan permusuhan (misalnya, lukisan C. Monet disebut “memulaskan”), sehingga banyak seniman yang mewakili gerakan ini hidup dalam kemiskinan ekstrem, terkadang tidak memiliki sarana. untuk menyelesaikan apa yang mereka mulai gambar. Dan baru menjelang akhir abad ke-19 - awal abad ke-20. situasinya telah berubah secara radikal.

Dalam karyanya, kaum impresionis menggunakan pengalaman para pendahulunya: seniman romantis (E. Delacroix, T. Géricault), realis (C. Corot, G. Courbet). Mereka sangat dipengaruhi oleh lanskap J. Constable.

E. Manet memainkan peran penting dalam munculnya gerakan baru.

Edouard Manet

Edouard Manet, lahir pada tahun 1832 di Paris, adalah salah satu tokoh paling penting dalam sejarah seni lukis dunia, yang meletakkan dasar bagi impresionisme.

Pembentukan pandangan dunia artistiknya sangat dipengaruhi oleh kekalahan revolusi borjuis Perancis tahun 1848. Peristiwa ini sangat mengkhawatirkan pemuda Paris sehingga ia memutuskan untuk mengambil langkah putus asa dan melarikan diri dari rumah, bergabung dengan kapal layar sebagai pelaut. Namun, di masa depan ia tidak terlalu sering bepergian, mencurahkan seluruh kekuatan mental dan fisiknya untuk bekerja.

Orang tua Manet, orang-orang yang berbudaya dan kaya, memimpikan karier administratif untuk putra mereka, tetapi harapan mereka tidak menjadi kenyataan. Lukisan itulah yang menarik minat pemuda itu, dan pada tahun 1850 ia memasuki Sekolah Seni Rupa, bengkel Tata Busana, di mana ia menerima pelatihan profesional yang baik. Di sinilah calon seniman merasa muak dengan klise akademis dan salon dalam seni, yang tidak dapat sepenuhnya mencerminkan apa yang hanya mungkin dilakukan oleh seorang master sejati dengan gaya melukisnya masing-masing.

Oleh karena itu, setelah belajar beberapa lama di bengkel Couture dan mendapatkan pengalaman, Manet meninggalkannya pada tahun 1856 dan beralih ke kanvas para pendahulunya yang besar yang dipamerkan di Louvre, menyalin dan mempelajarinya dengan cermat. Pandangan kreatifnya sangat dipengaruhi oleh karya-karya master seperti Titian, D. Velazquez, F. Goya dan E. Delacroix; artis muda itu membungkuk sebelum yang terakhir. Pada tahun 1857, Manet mengunjungi sang maestro besar dan meminta izin untuk membuat beberapa salinan “Barque Dante” miliknya, yang bertahan hingga hari ini di Museum Seni Metropolitan di Lyon.

Paruh kedua tahun 1860-an. sang seniman mengabdikan dirinya untuk mempelajari museum-museum di Spanyol, Inggris, Italia dan Belanda, di mana ia menyalin lukisan karya Rembrandt, Titian dan lain-lain.Pada tahun 1861, karyanya “Portrait of Parents” dan “Guitar Player” mendapat pujian kritis dan dianugerahi “ Panggilan terhormat."

Studi tentang karya para empu tua (terutama orang Venesia, Spanyol abad ke-17, dan kemudian F. Goya) dan pemikiran ulangnya mengarah pada fakta bahwa pada tahun 1860-an. dalam karya seni Manet terdapat kontradiksi, yang diwujudkan dalam pembebanan cap museum pada beberapa lukisan awalnya, antara lain: “The Spanish Singer” (1860), sebagian “Boy with a Dog” (1860), “The Old Musician ” (1862).

Adapun para pahlawan, sang seniman, seperti para realis pertengahan abad ke-19, menemukan mereka di antara kerumunan orang Paris yang ramai, di antara mereka yang berjalan-jalan di Taman Tuileries dan pengunjung tetap kafe. Pada dasarnya, ini adalah dunia bohemia yang cerah dan penuh warna - penyair, aktor, seniman, model, peserta adu banteng Spanyol: “Music in the Tuileries” (1860), “Street Singer” (1862), “Lola from Valencia” ( 1862), “Sarapan di Rumput” (1863), “Flutist” (1866), “Potret E. Zsl” (1868).

Di antara lukisan-lukisan awal, tempat khusus ditempati oleh “Potret Orang Tua” (1861), yang mewakili sketsa realistis yang sangat akurat tentang penampilan dan karakter pasangan lansia. Makna estetis lukisan itu tidak hanya terletak pada penetrasi mendetail ke dalam dunia spiritual para tokohnya, tetapi juga pada seberapa akurat kombinasi pengamatan dan kekayaan perkembangan gambar disampaikan, yang menunjukkan pengetahuan tentang tradisi artistik E. Delacroix.

Kanvas lain yang merupakan karya terprogram sang pelukis dan harus dikatakan sangat khas dari karya awalnya adalah “Breakfast on the Grass” (1863). Dalam gambar ini, Manet mengambil komposisi plot tertentu, sama sekali tidak ada maknanya.

Lukisan tersebut dapat dilihat sebagai gambaran dua seniman yang sedang sarapan pagi di pangkuan alam, dikelilingi oleh model perempuan (sebenarnya, saudara laki-laki seniman Eugene Manet, F. Lenkoff, dan seorang model perempuan, Victorine Meran, yang jasanya digunakan oleh Manet. cukup sering, berpose untuk lukisan itu). Salah satu dari mereka memasuki sungai, dan yang lainnya, telanjang, duduk ditemani dua pria berpakaian artistik. Seperti diketahui, motif menyandingkan tubuh laki-laki berpakaian dengan tubuh perempuan telanjang merupakan motif tradisional dan berasal dari lukisan Giorgione “Rural Concert” yang terletak di Louvre.

Susunan komposisi gambar-gambar tersebut sebagian mereproduksi ukiran Renaisans yang terkenal oleh Marcantonio Raimondi dari lukisan karya Raphael. Kanvas ini seolah-olah secara polemik menegaskan dua posisi yang saling berhubungan. Salah satunya adalah kebutuhan untuk mengatasi klise seni salon, yang telah kehilangan hubungan sebenarnya dengan tradisi seni besar, dan untuk langsung beralih ke realisme Renaisans dan abad ke-17, yaitu asal mula seni realistik zaman modern. . Ketentuan lain menegaskan hak dan kewajiban seniman untuk menggambarkan tokoh-tokoh di sekitarnya dari kehidupan sehari-hari. Pada saat itu, kombinasi tersebut mengandung kontradiksi tertentu. Sebagian besar berpendapat bahwa tahapan baru dalam perkembangan realisme tidak dapat dicapai dengan mengisi skema komposisi lama dengan tipe dan karakter baru. Namun Edouard Manet berhasil mengatasi dualitas prinsip seni lukis pada masa awal kreativitasnya.

Namun, terlepas dari sifat plot dan komposisinya yang tradisional, serta kehadiran lukisan karya master salon yang menggambarkan keindahan mistis telanjang dalam pose menggoda, kanvas Manet menyebabkan skandal besar di kalangan borjuasi modern. Publik dikejutkan dengan penjajaran tubuh perempuan telanjang dengan pakaian laki-laki modern sehari-hari yang biasa-biasa saja.

Mengenai norma bergambar, “Breakfast on the Grass” ditulis dengan kompromi khas tahun 1860-an. suatu cara yang ditandai dengan kecenderungan terhadap warna-warna gelap, bayangan hitam, dan juga penggunaan pencahayaan plein air dan warna terbuka yang tidak selalu konsisten. Jika kita melihat sketsa awal yang dibuat dengan cat air, maka terlihat (lebih dari pada lukisan itu sendiri) betapa besar minat sang master terhadap masalah gambar baru.

Lukisan “Olympia” (1863), yang menggambarkan sosok wanita telanjang yang sedang berbaring, tampaknya mengacu pada tradisi komposisi yang diterima secara umum - gambar serupa ditemukan di Giorgione, Titian, Rembrandt dan D. Velazquez. Namun, dalam ciptaannya, Manet mengambil jalan yang berbeda, mengikuti F. Goya (“Nude Macha”) dan menolak motivasi mitologis plot, interpretasi gambar yang diperkenalkan oleh Venesia dan sebagian dilestarikan oleh D. Velazquez (“Venus dengan Cermin”).

"Olympia" sama sekali bukan gambaran kecantikan wanita yang dipikirkan ulang secara puitis, melainkan potret ekspresif yang dieksekusi dengan ahli, akurat dan, bahkan bisa dikatakan, dengan agak dingin menyampaikan kemiripan dengan Victorine Meran, model tetap Manet. Sang pelukis andal menampilkan pucat alami tubuh wanita modern yang takut dengan sinar matahari. Sementara para empu tua menekankan keindahan puitis dari tubuh telanjang, musikalitas dan harmoni ritmenya, Manet berfokus pada penyampaian motif-motif yang bersifat vital, sepenuhnya menjauh dari idealisasi puitis yang melekat pada para pendahulunya. Jadi, misalnya, isyarat tangan kiri Venus Giorgione di “Olympia” memiliki nada yang hampir vulgar dalam ketidakpeduliannya. Pengasuhnya yang acuh tak acuh, tetapi pada saat yang sama dengan hati-hati menangkap pandangan pemirsa sangatlah khas, kontras dengan keasyikan diri dari Venus Giorgione dan mimpi sensitif dari Venus of Urbino karya Titian.

Dalam lukisan ini terlihat tanda-tanda peralihan ke tahap selanjutnya dalam perkembangan gaya kreatif sang pelukis. Ada pemikiran ulang terhadap skema komposisi biasa, yang terdiri dari pengamatan biasa-biasa saja dan visi dunia yang indah dan artistik. Penjajaran kontras tajam yang ditangkap secara instan berkontribusi pada penghancuran harmoni komposisi yang seimbang dari para empu lama. Dengan demikian, statika seorang model yang berpose seolah-olah berbenturan dengan dinamika gambar perempuan kulit hitam dan kucing hitam yang melengkungkan punggungnya. Perubahan tersebut juga mempengaruhi teknik melukis, yang memberikan pemahaman baru tentang tugas kiasan bahasa seni. Edouard Manet, seperti banyak impresionis lainnya, khususnya Claude Monet dan Camille Pissarro, meninggalkan sistem seni lukis usang yang berkembang pada abad ke-17. (underpainting, copywriting, kaca). Sejak saat itu, kanvas mulai dilukis dengan menggunakan teknik yang disebut “a la prima”, yang bercirikan spontanitas dan emosionalitas yang lebih besar, mirip dengan etudes dan sketsa.

Masa transisi dari kreativitas awal ke kreativitas matang, yang berlangsung hampir sepanjang paruh kedua tahun 1860-an bagi Manet, diwakili oleh lukisan-lukisan seperti “The Flutist” (1866), “The Balcony” (c. 1868-1869), dll. .

Lukisan pertama, dengan latar belakang abu-abu zaitun netral, menggambarkan seorang musisi laki-laki yang mengangkat seruling ke bibirnya. Ekspresi gerakan halus, gema berirama kancing emas warna-warni pada seragam biru dengan jari-jari yang ringan dan cepat meluncur di sepanjang lubang seruling berbicara tentang seni bawaan dan pengamatan halus dari sang master. Meskipun gaya lukisan di sini cukup padat, warnanya berbobot, dan senimannya belum beralih ke udara plein, lukisan ini, lebih dari lukisan lainnya, mengantisipasi masa matang karya Manet. Adapun “Balkon”, lebih mirip dengan “Olympia” daripada karya tahun 1870-an.

Pada tahun 1870-1880 Manet menjadi pelukis terkemuka pada masanya. Dan meskipun kaum Impresionis menganggapnya sebagai pemimpin ideologis dan inspirator mereka, dan dia sendiri selalu sependapat dengan mereka dalam menafsirkan pandangan mendasar tentang seni, karyanya jauh lebih luas dan tidak sesuai dengan kerangka satu arah mana pun. Apa yang disebut impresionisme Manet sebenarnya lebih dekat dengan seni para empu Jepang. Dia menyederhanakan motif, menyeimbangkan dekoratif dan nyata, menciptakan gambaran umum tentang apa yang dilihatnya: kesan murni, tanpa detail yang mengganggu, ekspresi kegembiraan sensasi (“On the Seashore”, 1873) .

Selain itu, sebagai genre yang dominan, ia berupaya mempertahankan gambaran komposisi yang utuh, di mana tempat utama diberikan pada citra seseorang. Seni Manet adalah tahap akhir dalam pengembangan tradisi lukisan subjek realistik yang telah berusia berabad-abad, yang asal mulanya terjadi pada zaman Renaisans.

Dalam karya-karya Manet selanjutnya, terdapat kecenderungan untuk menyimpang dari interpretasi mendetail terhadap detail lingkungan sekitar pahlawan yang digambarkan. Jadi, dalam potret Mallarmé, yang penuh dengan dinamika kegugupan, sang seniman memusatkan perhatian pada gerak tubuh penyair yang tampaknya tidak sengaja diamati, yang, dalam suasana melamun, menurunkan tangannya dengan cerutu yang sedang merokok ke atas meja. Terlepas dari semua ketidakjelasannya, hal utama dalam karakter dan mental Mallarmé ditangkap dengan sangat akurat, dengan penuh keyakinan. Penokohan mendalam dunia batin individu, ciri potret J. L. David dan J. O. D. Ingres, di sini digantikan oleh penokohan yang lebih tajam dan langsung. Begitulah potret puitis lembut Berthe Morisot dengan kipas angin (1872) dan gambar pastel elegan George Moore (1879).

Karya seniman meliputi karya-karya yang berkaitan dengan tema sejarah dan peristiwa besar dalam kehidupan bermasyarakat. Namun perlu dicatat bahwa lukisan-lukisan tersebut kurang berhasil, karena masalah-masalah semacam ini asing bagi bakat seninya, jangkauan gagasan dan gagasannya tentang kehidupan.

Misalnya, seruan terhadap peristiwa Perang Saudara antara Utara dan Selatan di Amerika Serikat mengakibatkan penggambaran tenggelamnya kapal corsair oleh orang utara dari selatan (“Pertempuran Kirsezha dengan Alabama” , 1864), dan episode tersebut sebagian besar dapat dikaitkan dengan lanskap tempat kapal militer berperan sebagai staf. “The Execution of Maximilian” (1867), pada dasarnya, memiliki karakter sketsa bergenre, tidak hanya tertarik pada konflik pertempuran orang-orang Meksiko, tetapi juga drama dari peristiwa tersebut.

Tema sejarah modern disinggung oleh Manet pada masa Komune Paris (“Execution of the Communards,” 1871). Sikap simpatik terhadap kaum Communard merupakan penghargaan bagi penulis gambar tersebut, yang sebelumnya tidak pernah tertarik dengan peristiwa semacam itu. Namun demikian, nilai seninya lebih rendah dibandingkan lukisan-lukisan lainnya, karena sebenarnya skema komposisi “Eksekusi Maximilian” diulangi di sini, dan penulis membatasi dirinya hanya pada sketsa, yang sama sekali tidak mencerminkan makna lukisan tersebut. tabrakan brutal dua dunia yang berlawanan.

Selanjutnya, Manet tidak lagi beralih ke genre sejarah yang asing baginya, lebih memilih mengungkapkan prinsip artistik dan ekspresif dalam episode-episodenya, menemukannya dalam arus kehidupan sehari-hari. Pada saat yang sama, ia dengan cermat memilih momen-momen yang khas, mencari sudut pandang yang paling ekspresif, dan kemudian mereproduksinya dengan sangat terampil dalam lukisannya.

Pesona sebagian besar karya pada periode ini bukan karena pentingnya peristiwa yang digambarkan, melainkan karena dinamisme dan pengamatan cerdas penulisnya.

Contoh luar biasa dari komposisi kelompok udara plein adalah lukisan “In the Boat” (1874), yang merupakan kombinasi garis buritan perahu layar, energi terkendali dari gerakan juru mudi, keanggunan melamun dari seorang wanita yang duduk, Transparansi udara, kesegaran angin sepoi-sepoi, dan gerakan meluncur perahu menciptakan gambaran yang tak terlukiskan penuh kegembiraan dan kesegaran ringan.

Sebuah ceruk khusus dalam karya Manet ditempati oleh benda mati, yang merupakan karakteristik dari berbagai periode karyanya. Jadi, lukisan alam benda awal “Peony” (1864-1865) menggambarkan kuncup mekar berwarna merah dan putih-merah muda, serta bunga yang sudah mekar dan mulai memudar, kelopaknya berjatuhan ke taplak meja yang menutupi meja. Karya-karya selanjutnya dibedakan oleh sketsa yang santai. Di dalamnya, sang pelukis mencoba menyampaikan pancaran bunga yang diselimuti suasana yang diresapi cahaya. Ini adalah lukisan “Mawar dalam Gelas Kristal” (1882-1883).

Di penghujung hayatnya, Manet rupanya mengalami ketidakpuasan terhadap apa yang telah diraihnya dan berusaha kembali menulis komposisi plot yang besar dan lengkap dengan tingkat keahlian yang berbeda. Pada saat ini, ia mulai mengerjakan salah satu lukisan paling penting - “Bar at the Folies Bergere” (1881-1882), di mana ia mendekati tingkat baru, tahap baru dalam perkembangan seninya, terganggu oleh kematian. (seperti diketahui, pada Saat bekerja, Manet sakit parah). Di tengah komposisi adalah sosok pramuniaga wanita muda yang menghadap penonton. Seorang pirang yang sedikit lelah dan menarik, mengenakan gaun gelap dengan pinggang yang dalam, berdiri dengan latar belakang cermin besar yang memenuhi seluruh dinding, yang memantulkan pancaran cahaya yang berkelap-kelip dan garis-garis buram dari penonton yang duduk di kafe. tabel. Wanita itu berbalik menghadap aula, di mana penontonnya sendiri tampaknya berada. Teknik aneh ini, pada pandangan pertama, memberikan gambaran tradisional ketidakstabilan tertentu, menunjukkan perbandingan dunia nyata dan dunia yang dipantulkan. Pada saat yang sama, poros tengah gambar ternyata digeser ke sudut kanan, sesuai dengan ciri khas tahun 1870-an. Di resepsi, bingkai foto sedikit menghalangi sosok pria bertopi tinggi, terpantul di cermin, sedang berbicara dengan seorang pramuniaga muda.

Oleh karena itu, dalam karya ini prinsip klasik simetri dan stabilitas dipadukan dengan pergeseran dinamis ke samping, serta fragmentasi, ketika suatu momen (fragmen) tertentu direnggut dari satu aliran kehidupan.

Adalah keliru untuk berpikir bahwa plot “The Bar at the Folies Bergere” tidak memiliki konten yang signifikan dan mewakili semacam monumentalisasi dari hal-hal yang tidak penting. Sosok seorang wanita muda, tetapi sudah lelah secara internal dan acuh tak acuh terhadap topeng di sekitarnya, tatapannya yang mengembara tidak mengarah ke mana pun, keterasingan dari pancaran ilusi kehidupan di belakangnya, memperkenalkan konotasi semantik yang signifikan ke dalam karya, memukau penonton dengan hal-hal yang tidak terduga. .

Pemirsa mengagumi kesegaran unik dari dua mawar yang berdiri di meja bar dalam gelas kristal dengan tepi berkilau; dan segera muncul perbandingan bunga-bunga mewah ini dengan mawar setengah layu di aula yang pengap, ditempelkan di garis leher gaun pramuniaga. Melihat gambar tersebut, Anda dapat melihat kontras unik antara kesegaran dadanya yang setengah terbuka dan tatapan acuh tak acuhnya yang berkeliaran di sekitar kerumunan. Karya ini tergolong terprogram dalam karya senimannya, karena menghadirkan unsur-unsur dari semua tema dan genre favoritnya: potret, still life, berbagai efek pencahayaan, pergerakan massa.

Secara umum warisan yang ditinggalkan Manet diwakili oleh dua aspek, terutama terlihat pada karya terakhirnya. Pertama, dengan karyanya ia menyelesaikan dan menghabiskan perkembangan tradisi realistik klasik seni rupa Prancis abad ke-19, dan kedua, ia meletakkan dalam seni tunas pertama dari tren-tren yang akan diambil dan dikembangkan oleh para pencari realisme baru di dunia. abad ke-20.

Pengakuan penuh dan resmi sang pelukis mendapat pada tahun-tahun terakhir hidupnya, yaitu pada tahun 1882, ketika ia dianugerahi Order of the Legion of Honor (penghargaan utama Perancis). Manet meninggal pada tahun 1883 di Paris.

Claude Monet

Claude Monet, seniman Perancis, salah satu pendiri impresionisme, lahir pada tahun 1840 di Paris.

Sebagai putra seorang pedagang kelontong sederhana yang pindah dari Paris ke Rouen, Monet muda di awal karir kreatifnya menggambar karikatur lucu, kemudian belajar dengan pelukis lanskap Rouen Eugene Boudin, salah satu pencipta lanskap realistis plein air. Boudin tidak hanya meyakinkan pelukis masa depan tentang perlunya bekerja di udara terbuka, tetapi juga berhasil menanamkan dalam dirinya kecintaan terhadap alam, pengamatan yang cermat, dan penyampaian yang jujur ​​​​​​dari apa yang dilihatnya.

Pada tahun 1859, Monet berangkat ke Paris dengan tujuan menjadi seniman sejati. Orang tuanya memimpikan dia memasuki Sekolah Seni Rupa, tetapi pemuda itu tidak memenuhi harapan mereka dan langsung terjun ke kehidupan bohemian, mendapatkan banyak kenalan di komunitas seni. Benar-benar kehilangan dukungan finansial dari orang tuanya, dan karena itu tanpa mata pencaharian, Monet terpaksa bergabung dengan tentara. Namun, bahkan setelah kembali dari Aljazair, di mana ia harus menjalankan tugas yang sulit, ia terus menjalani gaya hidup sebelumnya. Beberapa saat kemudian, dia bertemu I. Ionkind, yang membuatnya terpesona dengan karyanya pada sketsa skala penuh. Kemudian ia mengunjungi studio Suisse, belajar beberapa waktu di studio pelukis akademis terkenal M. Gleyre saat itu, dan juga dekat dengan sekelompok seniman muda (J.F. Bazille, C. Pissarro, E. Degas, P. Cezanne, O. Renoir, A. Sisley, dll.), yang, seperti Monet sendiri, sedang mencari cara baru untuk berkembang dalam seni.

Pengaruh terbesar pada calon pelukis bukanlah sekolah M. Gleyre, tetapi persahabatan dengan orang-orang yang berpikiran sama, kritikus yang bersemangat terhadap akademisi salon. Berkat persahabatan, saling mendukung, kesempatan untuk bertukar pengalaman dan berbagi prestasi inilah lahirlah sistem seni lukis baru, yang kemudian diberi nama “impresionisme”.

Dasar reformasinya adalah pekerjaan dilakukan di luar ruangan, di udara terbuka. Pada saat yang sama, para seniman tidak hanya melukis sketsa di udara terbuka, tetapi juga keseluruhan gambar. Bersentuhan langsung dengan alam, mereka semakin yakin bahwa warna suatu benda selalu berubah tergantung perubahan pencahayaan, keadaan atmosfer, kedekatan benda lain yang menimbulkan refleks warna, dan banyak faktor lainnya. Perubahan inilah yang ingin mereka sampaikan melalui karya-karyanya.

Pada tahun 1865, Monet memutuskan untuk melukis kanvas besar “dengan semangat Manet, tetapi di udara terbuka”. Itu adalah "Makan Siang di Rumput" (1866) - karya pertamanya yang paling signifikan, menggambarkan orang-orang Paris berpakaian rapi yang pergi ke luar kota dan duduk di bawah naungan pohon di sekitar taplak meja yang diletakkan di tanah. Karya ini bercirikan sifat tradisional komposisinya yang tertutup dan seimbang. Namun, perhatian seniman diarahkan bukan pada kemampuan menampilkan karakter manusia atau menciptakan komposisi subjek yang ekspresif, melainkan pada penyesuaian sosok manusia ke dalam lanskap sekitarnya dan menyampaikan suasana kemudahan dan ketenangan relaksasi yang ada di antara mereka. Untuk menciptakan efek ini, sang seniman memberikan perhatian besar pada perpindahan sinar matahari yang menembus dedaunan, bermain pada taplak meja dan gaun wanita muda yang duduk di tengah. Monet secara akurat menangkap dan menyampaikan permainan refleks warna pada taplak meja dan tembus pandang gaun wanita ringan. Dengan penemuan-penemuan ini, sistem lukisan lama mulai dipatahkan, memberi penekanan pada bayangan gelap dan cara pelaksanaan material yang padat.

Sejak saat itu, pendekatan Monet terhadap dunia menjadi lanskap. Karakter manusia dan hubungan antar manusia semakin tidak menarik minatnya. Peristiwa tahun 1870-1871 memaksa Monet untuk beremigrasi ke London, dari mana dia melakukan perjalanan ke Belanda. Sekembalinya, ia melukis beberapa lukisan yang menjadi terprogram dalam karyanya. Ini termasuk “Kesan. Sunrise (1872), Lilacs in the Sun (1873), Boulevard des Capucines (1873), Field of Poppies di Argenteuil (1873), dll.

Pada tahun 1874, beberapa di antaranya dipamerkan di pameran terkenal yang diselenggarakan oleh Anonymous Society of Painters, Artists and Engravers, yang dipimpin oleh Monet sendiri. Setelah pameran, Monet dan sekelompok orang yang berpikiran sama mulai disebut impresionis (dari kesan Perancis - kesan). Pada saat ini, prinsip-prinsip artistik Monet, yang menjadi ciri tahap pertama karyanya, akhirnya terbentuk menjadi suatu sistem tertentu.

Dalam lanskap udara plein “Lilacs in the Sun” (1873), yang menggambarkan dua wanita duduk di bawah naungan semak-semak besar bunga lilac yang sedang mekar, sosok mereka diperlakukan dengan cara yang sama dan dengan intensitas yang sama seperti semak-semak itu sendiri dan rumput di atasnya. tempat mereka duduk. Sosok-sosok manusia hanyalah sebagian dari keseluruhan lanskap, sedangkan perasaan hangat lembut di awal musim panas, kesegaran dedaunan muda, kabut hari yang cerah disampaikan dengan sangat jelas dan langsung meyakinkan, tidak khas pada masa itu.

Lukisan lain - “Boulevard des Capucines” - mencerminkan semua kontradiksi utama, kelebihan dan kekurangan metode impresionis. Di sini tersampaikan dengan sangat akurat momen yang direnggut dari arus kehidupan kota besar: perasaan kebisingan lalu lintas jalan raya yang membosankan dan monoton, udara yang transparan dan lembap, sinar matahari bulan Februari yang meluncur di sepanjang dahan pohon yang gundul. , sebuah film awan keabu-abuan yang menutupi langit biru... Gambarannya sekilas, namun kurang waspada dan kurang memperhatikan pandangan seorang seniman, dan seorang seniman yang sensitif pada saat itu, menyikapi semua fenomena kehidupan. Fakta bahwa pandangan itu benar-benar terjadi secara kebetulan ditekankan oleh komposisi yang bijaksana
teknik: bingkai gambar sebelah kanan seolah memotong sosok laki-laki yang berdiri di balkon.

Kanvas-kanvas pada periode ini memberikan perasaan kepada pemirsa bahwa ia sendiri adalah protagonis dari perayaan kehidupan ini, yang dipenuhi sinar matahari dan keriuhan kerumunan yang tak henti-hentinya.

Setelah menetap di Argenteuil, Monet dengan penuh minat melukis Sungai Seine, jembatan, kapal layar ringan yang meluncur di sepanjang permukaan air...

Pemandangan itu begitu memikatnya sehingga, karena menyerah pada daya tarik yang tak tertahankan, ia membangun sebuah perahu kecil untuk dirinya sendiri dan di dalamnya sampai ke kampung halamannya, Rouen, dan di sana, kagum dengan gambar yang dilihatnya, ia mencurahkan perasaannya dalam sketsa yang menggambarkan pinggiran kota. kota dan lautan luas memasuki muara kapal sungai (“Argenteuil”, 1872; “Perahu layar di Argenteuil”, 1873-1874).

Tahun 1877 ditandai dengan terciptanya sejumlah lukisan yang menggambarkan stasiun Saint-Lazare. Mereka menguraikan tahapan baru dalam karya Monet.

Sejak saat itu, lukisan sketsa, yang dibedakan dari kelengkapannya, digantikan oleh karya-karya yang utama adalah pendekatan analitis terhadap apa yang digambarkan (“Gare Saint-Lazare”, 1877). Perubahan gaya lukisannya dikaitkan dengan perubahan kehidupan pribadi sang seniman: istrinya Camilla sakit parah, dan keluarganya dilanda kemiskinan akibat kelahiran anak kedua mereka.

Setelah kematian istrinya, Alice Goshede, yang keluarganya menyewa rumah yang sama di Veteil dengan Monet, mengambil alih pengasuhan anak-anak. Wanita ini kemudian menjadi istri keduanya. Setelah beberapa waktu, situasi keuangan Monet membaik sehingga dia bisa membeli rumahnya sendiri di Giverny, tempat dia bekerja selama sisa waktunya.

Pelukisnya memiliki kepekaan yang tajam terhadap tren baru, yang memungkinkannya mengantisipasi banyak hal dengan wawasan yang luar biasa.
dari apa yang ingin dicapai para seniman akhir XIX - awal abad XX. Ini mengubah sikap terhadap warna dan subjek
lukisan Sekarang perhatiannya terkonsentrasi pada ekspresi skema warna guratan yang terisolasi dari korelasi subjeknya, sehingga meningkatkan daya dekorasi. Pada akhirnya, dia mencipta lukisan panel. Mata pelajaran sederhana 1860-1870. memberi jalan pada motif kompleks yang kaya akan berbagai hubungan asosiatif: gambar epik bebatuan, rangkaian pohon poplar yang indah (“Rocks at Belle-Isle”, 1866; “Poplars”, 1891).

Periode ini ditandai dengan banyak karya serial: komposisi “Haystacks” (“Haystack in the snow. A suram hari”, 1891; “Haystacks. End of the day. Autumn”, 1891), gambar Katedral Rouen (“Katedral Rouen pada siang hari”, 1894, dll.), pemandangan London (“Fog in London”, 1903, dll.). Masih bekerja dengan cara impresionistik dan menggunakan nada palet yang bervariasi, sang master menetapkan tujuan untuk menyampaikan dengan akurasi dan keandalan tertinggi bagaimana pencahayaan objek yang sama dapat berubah dalam kondisi cuaca yang berbeda di siang hari.

Jika dicermati rangkaian lukisan tentang Katedral Rouen, akan terlihat jelas bahwa katedral di sini bukanlah perwujudan dari dunia pemikiran, pengalaman, dan cita-cita kompleks masyarakat Prancis abad pertengahan, bahkan bukan sebuah monumen. seni dan arsitektur, tetapi latar belakang tertentu, mulai dari mana penulis menyampaikan keadaan kehidupan, cahaya dan suasana. Penonton merasakan kesegaran semilir angin pagi, panasnya siang hari, bayang-bayang lembut menjelang malam, itulah yang menjadi pahlawan sejati serial ini.

Namun, selain itu, lukisan semacam itu merupakan komposisi dekoratif yang tidak biasa, yang berkat hubungan asosiatif yang tidak disengaja, memberikan kesan kepada pemirsanya tentang dinamika ruang dan waktu.

Setelah pindah bersama keluarganya ke Giverny, Monet menghabiskan banyak waktu di taman, terlibat dalam organisasi gambarnya. Aktivitas ini sangat memengaruhi pandangan sang seniman sehingga alih-alih dunia sehari-hari yang dihuni manusia, ia mulai menggambarkan dunia dekoratif misterius air dan tanaman di kanvasnya (“Irises at Giverny”, 1923; “Weeping Willows”, 1923). Oleh karena itu pemandangan kolam dengan bunga lili air yang mengapung di dalamnya, ditampilkan dalam seri paling terkenal dari panel-panel terakhirnya (“Lili air putih. Harmoni biru”, 1918-1921).

Giverny menjadi tempat perlindungan terakhir sang seniman, di mana ia meninggal pada tahun 1926.

Perlu diketahui bahwa gaya penulisan impresionis sangat berbeda dengan gaya akademis. Kaum Impresionis, khususnya Monet dan rekan-rekannya, tertarik pada ekspresi skema warna sapuan kuas yang terpisah dari korelasi subjeknya. Artinya, mereka melukis dengan guratan tersendiri, hanya menggunakan warna-warna murni yang tidak tercampur pada palet, sedangkan tone yang diinginkan sudah terbentuk dalam persepsi pemirsa. Jadi, untuk dedaunan pohon dan rumput, bersama dengan warna hijau, biru dan kuning digunakan, memberikan warna hijau yang diinginkan dari kejauhan. Metode ini memberikan karya-karya para master impresionis kemurnian dan kesegaran khusus yang hanya melekat pada mereka. Sapuan yang ditempatkan secara terpisah menciptakan kesan permukaan yang lega dan tampak bergetar.

Pierre Auguste Renoir

Pierre Auguste Renoir, pelukis Perancis, seniman grafis dan pematung, salah satu pemimpin kelompok Impresionis, lahir pada tanggal 25 Februari 1841 di Limoges, dari keluarga miskin seorang penjahit provinsi, yang pindah ke Paris pada tahun 1845. Bakat Renoir muda diketahui oleh orang tuanya sejak dini, dan pada tahun 1854 mereka menugaskannya ke bengkel lukisan porselen. Saat mengunjungi bengkel, Renoir sekaligus belajar di sekolah menggambar dan seni terapan, dan pada tahun 1862, setelah menabung (menghasilkan uang dengan melukis lambang, gorden, dan kipas), seniman muda tersebut masuk ke Sekolah Seni Rupa. Beberapa saat kemudian dia mulai mengunjungi bengkel C. Gleyre, di mana dia berteman dekat dengan A. Sisley, F. Basile dan C. Monet. Ia sering mengunjungi Louvre, mempelajari karya-karya master seperti A. Watteau, F. Boucher, O. Fragonard.

Komunikasi dengan sekelompok impresionis mengarahkan Renoir mengembangkan gaya visinya sendiri. Misalnya saja, berbeda dengan mereka, sepanjang karyanya ia beralih pada citra seseorang sebagai motif utama lukisannya. Apalagi karyanya, meski plein air, tak pernah bubar
berat plastik dunia material dalam lingkungan cahaya yang berkilauan.

Penggunaan chiaroscuro oleh pelukis, yang memberikan gambar hampir seperti pahatan, membuat karya awalnya mirip dengan karya beberapa seniman realis, khususnya G. Courbet. Namun, skema warna yang lebih terang dan lebih terang, unik untuk Renoir, membedakan master ini dari pendahulunya (“Mother Anthony’s Tavern”, 1866). Upaya untuk menyampaikan plastisitas alami dari pergerakan sosok manusia di udara terbuka terlihat pada banyak karya seniman. Dalam “Potret Alfred Sisley bersama Istrinya” (1868), Renoir mencoba menunjukkan perasaan yang mengikat sepasang suami istri yang berjalan bergandengan tangan: Sisley berhenti sejenak dan dengan mesra mencondongkan tubuh ke arah istrinya. Dalam lukisan ini, dengan komposisi mengingatkan pada bingkai foto, motif pergerakannya masih acak dan bisa dibilang tidak disadari. Namun dibandingkan The Tavern, sosok dalam Potret Alfred Sisley dan Istrinya terkesan lebih santai dan lincah. Poin penting lainnya yang penting: pasangan digambarkan di alam (di taman), tetapi Renoir belum memiliki pengalaman menggambarkan sosok manusia di udara terbuka.

“Potret Alfred Sisley bersama istrinya” adalah langkah pertama sang seniman menuju seni baru. Tahap selanjutnya dalam karya seniman adalah lukisan “Mandi di Sungai Seine” (c. 1869), dimana sosok orang-orang yang berjalan di sepanjang pantai, orang-orang yang sedang mandi, serta perahu dan rumpun pohon dirangkai menjadi satu kesatuan oleh suasana udara ringan di hari musim panas yang indah. Pelukis sudah leluasa menggunakan bayangan berwarna dan refleks warna terang. Pukulannya menjadi hidup dan energik.

Seperti halnya C. Monet, Renoir juga tertarik dengan masalah pemasukan sosok manusia dalam dunia lingkungan hidup. Sang seniman memecahkan masalah ini dalam lukisan “Swing” (1876), tetapi dengan cara yang sedikit berbeda dari C. Monet, di mana sosok-sosok manusia seolah larut dalam lanskap. Renoir memperkenalkan beberapa tokoh kunci ke dalam komposisinya. Cara pembuatan kanvas ini yang indah dengan sangat alami menyampaikan suasana hari musim panas yang terik, dilembutkan oleh bayangan. Gambaran itu dipenuhi dengan perasaan bahagia dan gembira.

Pada pertengahan tahun 1870-an. Renoir melukis karya-karya seperti lanskap yang disinari matahari “Path in the Meadows” (1875), diisi dengan gerakan ringan yang hidup dan permainan sorotan cahaya terang yang sulit dipahami “Moulin de la Galette” (1876), serta “Umbrellas” ( 1883), “Lodge” (1874) dan Akhir Sarapan (1879). Lukisan-lukisan indah ini tercipta meskipun sang seniman harus bekerja di lingkungan yang sulit, karena setelah pameran Impresionis yang memalukan (1874), karya Renoir (serta karya orang-orang yang berpikiran sama) menjadi sasaran kekerasan yang tajam. serangan dari mereka yang disebut sebagai penikmat seni. Namun, di masa sulit ini, Renoir merasakan dukungan dari dua orang terdekatnya: saudaranya Edmond (penerbit majalah La Vie Moderne) dan Georges Charpentier (pemilik mingguan). Mereka membantu artis tersebut mendapatkan sedikit uang dan menyewa studio.

Perlu dicatat bahwa dalam hal komposisi, lanskap “Path in the Meadows” sangat mirip dengan “Maques” (1873) karya C. Monet, namun tekstur gambar kanvas Renoir lebih padat dan material. Perbedaan lain mengenai komposisi adalah langit. Di Renoir, yang menganggap penting materialitas alam, langit hanya menempati sebagian kecil gambar, sedangkan di Monet, yang menggambarkan langit dengan awan abu-abu keperakan atau seputih salju melintasinya, langit menjulang di atas a lereng yang dipenuhi bunga poppy yang bermekaran, menambah kesan hari musim panas yang sejuk dan bermandikan sinar matahari.

Dalam komposisi "Moulin de la Galette" (yang dengannya kesuksesan nyata datang kepada sang seniman), "Umbrellas", "Lodge" dan "The End of Breakfast", minat terhadap situasi kehidupan yang tampaknya tidak disengaja diungkapkan dengan jelas (seperti dalam Manet dan Degas); Hal ini juga khas untuk beralih ke teknik memotong ruang komposisi dengan bingkai, yang juga merupakan ciri khas E. Degas dan sebagian E. Manet. Namun, berbeda dengan karya-karyanya, lukisan-lukisan Renoir lebih tenang dan penuh kontemplasi.

Kanvas “Lodge”, di mana, seolah-olah melihat melalui teropong ke deretan kursi, penulis secara tidak sengaja menemukan sebuah kotak di mana seorang wanita cantik dengan tampilan acuh tak acuh sedang duduk. Rekannya, sebaliknya, memandang penonton dengan penuh minat. Sebagian sosoknya terpotong oleh bingkai foto.

Karya "The End of Breakfast" menyajikan episode biasa: dua wanita berpakaian putih dan hitam, serta pria mereka, sedang menyelesaikan sarapan di sudut taman yang teduh. Meja sudah disiapkan untuk kopi, yang disajikan dalam cangkir yang terbuat dari porselen biru pucat yang halus. Para wanita menunggu kelanjutan cerita yang disela sang pria demi menyalakan rokok. Gambaran ini tidak dramatis dan tidak terlalu psikologis; gambar ini menarik perhatian pemirsa dengan penyampaian nuansa suasana hati yang paling halus.

Perasaan tenang dan ceria juga merasuki “The Rowers’ Breakfast” (1881), yang penuh dengan gerakan ringan dan hidup. Sosok wanita muda cantik yang duduk sambil menggendong anjing memancarkan semangat dan pesona. Sang seniman menggambarkan calon istrinya dalam lukisan itu. Kanvas “Nude” (1876) diisi dengan suasana gembira yang sama, hanya dalam pembiasan yang sedikit berbeda. Kesegaran dan kehangatan tubuh remaja putri kontras dengan kain sprei dan linen berwarna dingin kebiruan yang menjadi semacam background.

Ciri khas karya Renoir adalah bahwa manusia kehilangan kepenuhan psikologis dan moral yang kompleks yang menjadi ciri khas lukisan hampir semua seniman realis. Ciri ini tidak hanya melekat pada karya-karya seperti “The Nude” (di mana sifat motif plotnya memungkinkan tidak adanya kualitas-kualitas tersebut), tetapi juga pada potret-potret Renoir. Namun, hal tersebut tidak menghilangkan pesona lukisannya yang terkandung dalam keceriaan para tokohnya.

Kualitas-kualitas ini paling terasa dalam potret terkenal Renoir “Girl with a Fan” (c. 1881). Kanvas adalah penghubung yang menghubungkan karya awal Renoir dengan karya selanjutnya, yang bercirikan skema warna yang lebih dingin dan halus. Selama periode ini, seniman, lebih dari sebelumnya, mengembangkan minat pada garis yang jelas, gambar yang jelas, dan juga pada lokalitas warna. Artis memberikan peran besar pada pengulangan berirama (setengah lingkaran kipas - bagian belakang kursi merah berbentuk setengah lingkaran - bahu miring anak perempuan).

Namun, semua tren dalam lukisan Renoir ini terwujud sepenuhnya pada paruh kedua tahun 1880-an, ketika terdapat kekecewaan terhadap karyanya dan impresionisme secara umum. Setelah menghancurkan beberapa karyanya, yang dianggap “kering” oleh sang seniman, ia mulai mempelajari karya N. Poussin dan beralih ke gambar J. O. D. Ingres. Hasilnya, paletnya memperoleh luminositas khusus. Yang disebut dimulai "periode mutiara", yang kita kenal dari karya-karya seperti "Girls at the Piano" (1892), "Falling Bather" (1897), serta potret putra - Pierre, Jean dan Claude - "Gabriel and Jean" (1895) ), “ kelapa" (1901).

Selain itu, dari tahun 1884 hingga 1887, Renoir mengerjakan pembuatan serangkaian versi lukisan besar “Bathers”. Di dalamnya ia berhasil mencapai kelengkapan komposisi yang jelas. Namun, segala upaya untuk menghidupkan kembali dan memikirkan kembali tradisi para pendahulu besar, sambil beralih ke plot yang jauh dari masalah besar di zaman kita, berakhir dengan kegagalan. “Bathers” hanya mengasingkan sang seniman dari persepsi langsung dan segar tentang kehidupan yang sebelumnya menjadi ciri khasnya. Semua ini sebagian besar menjelaskan fakta bahwa sejak tahun 1890-an. Kreativitas Renoir menjadi semakin lemah: warna oranye-merah mulai mendominasi warna karyanya, dan latar belakang, tanpa kedalaman yang lapang, menjadi dekoratif dan datar.

Sejak tahun 1903, Renoir menetap di rumahnya sendiri di Cagnes-sur-Mer, di mana ia terus mengerjakan lanskap, komposisi dengan figur manusia dan benda mati, di mana sebagian besar warna kemerahan yang telah disebutkan di atas mendominasi. Karena sakit parah, artis tersebut tidak dapat lagi memegang tangannya sendiri, dan tangannya terikat di tangannya. Namun, setelah beberapa waktu saya harus berhenti melukis sama sekali. Kemudian sang master beralih ke seni pahat. Bersama asistennya Guino, ia menciptakan beberapa patung mencolok, dibedakan oleh keindahan dan harmoni siluet, kegembiraan, dan kekuatan yang meneguhkan kehidupan (“Venus”, 1913; “The Great Washerwoman”, 1917; “Motherhood”, 1916). Renoir meninggal pada tahun 1919 di tanah miliknya yang terletak di Alpes-Maritimes.

Edgar Degas

Edgar Hilaire Germain Degas, pelukis Perancis, seniman grafis dan pematung, perwakilan impresionisme terbesar, lahir pada tahun 1834 di Paris dalam keluarga seorang bankir kaya. Karena kaya, ia menerima pendidikan yang sangat baik di Lyceum bergengsi yang dinamai Louis Agung (1845-1852). Selama beberapa waktu ia menjadi mahasiswa Fakultas Hukum Universitas Paris (1853), namun karena merasa mendambakan seni, ia meninggalkan universitas tersebut dan mulai bersekolah di sanggar seniman L. Lamothe (seorang mahasiswa dan pengikut. Ingres) dan pada saat yang sama (dari tahun 1855) Sekolah
seni rupa Namun, pada tahun 1856, secara tak terduga bagi semua orang, Degas meninggalkan Paris dan pergi ke Italia selama dua tahun, di mana ia belajar dengan penuh minat dan, seperti banyak pelukis, menyalin karya-karya para empu besar Renaisans. Perhatian terbesarnya tertuju pada karya A. Mantegna dan P. Veronese, yang lukisannya yang penuh inspirasi dan penuh warna sangat dihargai oleh seniman muda tersebut.

Karya-karya awal Degas (kebanyakan potret) dicirikan oleh gambar yang jelas dan tepat serta pengamatan yang halus, dikombinasikan dengan cara melukis yang sangat terkendali (sketsa saudaranya, 1856-1857; gambar kepala Baroness Belleli, 1859) atau dengan kejujuran yang mencolok eksekusi (potret seorang wanita pengemis Italia, 1857).

Sekembalinya ke tanah air, Degas beralih ke tema sejarah, namun memberikan interpretasi yang tidak seperti biasanya pada saat itu. Jadi, dalam komposisi “Gadis-gadis Spartan menantang para pemuda untuk berkompetisi” (1860), sang master, mengabaikan idealisasi konvensional dari plot kuno, berusaha untuk mewujudkannya sebagaimana seharusnya dalam kenyataan. Kepurbakalaan di sini, seperti lukisan-lukisannya yang lain bertema sejarah, seolah-olah melewati prisma modernitas: gambar anak perempuan dan laki-laki Sparta Kuno dengan bentuk bersudut, tubuh kurus dan gerakan tajam, digambarkan dengan latar belakang sebuah lanskap sehari-hari yang biasa-biasa saja, jauh dari gagasan klasik dan lebih mirip remaja biasa di pinggiran kota Paris daripada Spartan yang diidealkan.

Sepanjang tahun 1860-an, metode kreatif pelukis pemula berangsur-angsur terbentuk. Dalam dekade ini, bersama dengan lukisan sejarah yang kurang penting (“Semiramis Observing the Construction of Babylon,” 1861), sang seniman menciptakan beberapa karya potret yang mengasah kekuatan observasi dan keterampilan realistiknya. Dalam hal ini, lukisan yang paling indikatif adalah “Kepala Seorang Wanita Muda”, yang dibuat oleh
pada tahun 1867

Pada tahun 1861, Degas bertemu E. Manet dan segera menjadi pengunjung tetap di kafe Guerbois, tempat berkumpulnya para inovator muda pada masa itu: C. Monet, O. Renoir, A. Sisley, dll. pekerjaan udara , kemudian Degas lebih fokus pada tema tipe kota dan Paris. Dia tertarik pada segala sesuatu yang bergerak; statis membuatnya acuh tak acuh.

Degas adalah pengamat yang sangat perhatian, secara halus menangkap segala sesuatu yang ekspresif dalam fenomena perubahan kehidupan yang tiada akhir. Dengan demikian menyampaikan ritme gila kota besar, ia sampai pada penciptaan salah satu varian genre sehari-hari, yang didedikasikan untuk kota kapitalis.

Dalam karya-karya periode ini, potret sangat menonjol, di antaranya banyak yang dianggap sebagai mutiara seni lukis dunia. Diantaranya adalah potret keluarga Belleli (c. 1860-1862), potret seorang wanita (1867), dan potret ayah artis yang sedang mendengarkan gitaris Pagan (c. 1872).

Beberapa lukisan dari tahun 1870-an dibedakan berdasarkan kebosanan fotografisnya dalam penggambaran karakter. Contohnya adalah lukisan berjudul “Pelajaran Menari” (c. 1874), yang dibuat dengan skema warna kebiruan yang dingin. Dengan akurasi yang luar biasa, penulis mencatat gerakan-gerakan balerina yang mengambil pelajaran dari seorang ahli tari tua. Namun, ada lukisan yang sifatnya berbeda, seperti, misalnya, potret Viscount Lepic bersama putri-putrinya di Place de la Concorde, yang berasal dari tahun 1873. Di sini, sifat fiksasi yang biasa-biasa saja diatasi karena dinamika komposisi yang menonjol dan ketajaman luar biasa dalam penyampaian karakter Lepic; singkatnya, hal ini terjadi berkat pengungkapan awal kehidupan yang ekspresif secara khas dan tajam secara artistik.

Perlu dicatat bahwa karya-karya pada periode ini mencerminkan pandangan seniman terhadap peristiwa yang digambarkannya. Lukisannya menghancurkan aturan akademis yang biasa. "Musicians of the Orchestra" (1872) karya Degas didasarkan pada kontras tajam yang diciptakan dengan menyandingkan kepala musisi (dilukis secara close-up) dan sosok kecil penari yang membungkuk kepada penonton. Ketertarikan pada gerakan ekspresif dan penyalinannya secara tepat di atas kanvas juga terlihat pada berbagai patung sketsa penari (jangan lupa bahwa Degas juga seorang pematung), yang dibuat oleh sang master untuk menangkap esensi gerakan dan logikanya secara akurat. mungkin.

Seniman tertarik pada sifat profesional dari gerakan, pose, dan gerak tubuh, tanpa puisi apa pun. Hal ini terutama terlihat dalam karya-karya yang didedikasikan untuk pacuan kuda (“Young Jockey”, 1866-1868; “Pacuan kuda di provinsi. Kru di balapan”, sekitar 1872; “Joki di depan tribun”, sekitar 1879, dll.). Dalam "Ride of the Racehorses" (1870-an), analisis dari sisi profesional dari masalah ini diberikan dengan ketepatan yang hampir seperti reporter. Jika kita membandingkan kanvas ini dengan lukisan T. Gericault “The Races at Epsom”, segera menjadi jelas bahwa, karena analitiknya yang jelas, karya Degas jauh lebih rendah daripada komposisi emosional T. Gericault. Kualitas yang sama juga melekat pada pastel Degas “Ballerina on Stage” (1876-1878), yang bukan merupakan salah satu mahakaryanya.

Namun, terlepas dari keberpihakan ini, dan mungkin bahkan berkat keberpihakannya, karya seni Degas dibedakan oleh persuasif dan isinya. Dalam karya-karya terprogramnya, ia dengan sangat akurat dan terampil mengungkapkan seluruh kedalaman dan kompleksitas keadaan internal orang yang digambarkan, serta suasana keterasingan dan kesepian di mana masyarakat kontemporer, termasuk penulisnya sendiri, hidup.

Sentimen ini pertama kali terekam dalam kanvas kecil “Penari di Depan Fotografer” (1870-an), di mana sang seniman melukis sosok penari kesepian yang membeku di lingkungan yang suram dan suram dalam pose yang dipraktekkan di depan kamera fotografi yang besar. . Selanjutnya perasaan pahit dan kesepian merasuk ke dalam lukisan-lukisan seperti “Absinthe” (1876), “Cafe Singer” (1878), “Linen Ironers” (1884) dan masih banyak lagi lainnya. sudut kafe Degas yang hampir sepi menunjukkan dua sosok pria dan wanita yang kesepian, acuh tak acuh satu sama lain dan terhadap seluruh dunia. Kilauan kehijauan kusam dari gelas berisi absinth menekankan kesedihan dan keputusasaan yang terlihat pada tatapan dan postur tubuh wanita tersebut. Pria berjanggut pucat dengan wajah sembab itu murung dan penuh perhatian.

Karya Degas bercirikan ketertarikan yang tulus terhadap karakter masyarakat, keunikan tingkah lakunya, serta komposisi dinamis yang berhasil dibangun menggantikan komposisi tradisional. Prinsip utamanya adalah menemukan sudut paling ekspresif dalam realitas itu sendiri. Hal ini membedakan karya Degas dari seni impresionis lainnya (khususnya, C. Monet, A. Sisley dan, sebagian, O. Renoir) dengan pendekatan kontemplatif mereka terhadap dunia sekitar. Sang seniman sudah menggunakan prinsip ini dalam karya awalnya “Cotton Reception Office in New Orleans” (1873), yang membangkitkan kekaguman E. Goncourt karena ketulusan dan realismenya. Ini adalah karya selanjutnya “Miss Lala in Fernando’s Circus” (1879) dan “Dancers in the Foyer” (1879), di mana dalam motif yang sama diberikan analisis halus tentang perubahan gerakan yang berbeda.

Terkadang beberapa peneliti menggunakan teknik ini untuk menunjukkan kedekatan Degas dan A. Watteau. Walaupun kedua seniman tersebut memang serupa dalam beberapa hal (A. Watteau juga fokus pada berbagai corak gerakan yang sama), namun cukup membandingkan gambar A. Watteau dengan gambaran gerakan pemain biola dari komposisi Degas yang disebutkan, dan kontras teknik artistik mereka langsung terasa.

Jika A. Watteau mencoba menyampaikan transisi halus dari satu gerakan ke gerakan lain, bisa dikatakan, halftone, maka bagi Degas, sebaliknya, perubahan motif gerakan yang energik dan kontras adalah ciri khasnya. Dia lebih berusaha untuk perbandingan dan benturan tajamnya, sering kali membuat sosoknya bersudut. Dengan cara ini, sang seniman mencoba menangkap dinamika perkembangan kehidupan masa kini.

Pada akhir tahun 1880-an - awal tahun 1890-an. dalam karya Degas terdapat dominasi motif dekoratif, yang mungkin disebabkan oleh menumpulkannya kewaspadaan persepsi artistiknya. Jika dalam lukisan-lukisan awal tahun 1880-an, yang didedikasikan untuk telanjang (Woman Coming Out of the Bathroom, 1883), terdapat minat yang lebih besar pada ekspresi gerakan yang jelas, maka pada akhir dekade tersebut minat sang seniman secara nyata bergeser ke arah penggambaran. kecantikan wanita. Hal ini terutama terlihat pada lukisan “Bathing” (1886), di mana sang pelukis dengan kepiawaiannya menyampaikan pesona tubuh luwes dan anggun seorang remaja putri yang membungkuk di atas panggulnya.

Seniman telah melukis lukisan serupa sebelumnya, namun Degas mengambil jalan yang sedikit berbeda. Jika para pahlawan wanita empu lain selalu merasakan kehadiran penontonnya, di sini pelukis menggambarkan seorang wanita seolah-olah tidak peduli sama sekali dengan penampilannya dari luar. Dan meskipun situasi seperti itu terlihat indah dan benar-benar alami, gambar-gambar dalam karya-karya seperti itu sering kali mendekati hal yang aneh. Lagi pula, pose dan gerak tubuh apa pun, bahkan yang paling intim sekalipun, cukup pantas di sini; mereka sepenuhnya dibenarkan oleh kebutuhan fungsional: saat mencuci, mencapai tempat yang tepat, membuka gesper di bagian belakang, terpeleset, dan memegang sesuatu.

Pada tahun-tahun terakhir hidupnya, Degas lebih banyak terlibat dalam seni patung daripada melukis. Hal ini antara lain disebabkan oleh penyakit mata dan penglihatan kabur. Dia menciptakan gambar yang sama dengan yang ada dalam lukisannya: dia membuat patung balerina, penari, dan kuda. Pada saat yang sama, sang seniman berusaha menyampaikan dinamika gerakan seakurat mungkin. Degas tidak meninggalkan lukisan, yang meski memudar ke latar belakang, tidak hilang sama sekali dari karyanya.

Karena konstruksi komposisi yang ekspresif dan ritmis secara formal, keinginan untuk interpretasi gambar dekoratif-planar, lukisan Degas, dieksekusi pada akhir tahun 1880-an dan selama tahun 1890-an. ternyata tidak memiliki daya persuasif yang realistis dan menjadi seperti panel dekoratif.

Degas menghabiskan sisa hidupnya di kota asalnya Paris, di mana dia meninggal pada tahun 1917.

Camille Pissarro

Camille Pissarro, pelukis dan seniman grafis Perancis, lahir pada tahun 1830 di pulau itu. St Thomas (Antilles) dalam keluarga seorang saudagar. Ia menerima pendidikannya di Paris, tempat ia belajar dari tahun 1842 hingga 1847. Setelah menyelesaikan studinya, Pissarro kembali ke St. Thomas dan mulai membantu ayahnya di toko. Namun, ini bukanlah apa yang diimpikan pemuda itu. Ketertarikannya jauh melampaui batas. Melukis adalah hal yang paling penting baginya, namun ayahnya tidak mendukung minat putranya dan menentang dia meninggalkan bisnis keluarga. Kesalahpahaman dan keengganan keluarga untuk bekerja sama menyebabkan pemuda yang putus asa itu melarikan diri ke Venezuela (1853). Namun tindakan ini mempengaruhi orang tua yang bersikeras, dan dia mengizinkan putranya pergi ke Paris untuk belajar melukis.

Di Paris, Pissarro memasuki studio Suisse, tempat ia belajar selama enam tahun (dari tahun 1855 hingga 1861). Pada Pameran Lukisan Dunia pada tahun 1855, seniman masa depan menemukan J. O. D. Ingres, G. Courbet, tetapi karya C. Corot memberikan kesan terbesar baginya. Atas saran yang terakhir, sambil terus mengunjungi studio Suisse, pelukis muda itu masuk Sekolah Seni Rupa di bawah bimbingan A. Melby. Saat ini, dia bertemu C. Monet, yang dengannya dia melukis pemandangan pinggiran kota Paris.

Pada tahun 1859, Pissarro pertama kali memamerkan lukisannya di Salon. Karya awalnya ditulis di bawah pengaruh C. Corot dan G. Courbet, tetapi lambat laun Pissarro mengembangkan gayanya sendiri. Pelukis pemula menghabiskan banyak waktu bekerja di udara terbuka. Dia, seperti kaum Impresionis lainnya, tertarik pada kehidupan alam yang bergerak. Pissarro menaruh perhatian besar pada warna, yang tidak hanya mampu menyampaikan bentuk, tetapi juga esensi material suatu objek. Untuk mengungkap pesona unik dan keindahan alam, ia menggunakan sapuan cahaya warna-warna murni, yang berinteraksi satu sama lain, menciptakan rentang nada yang bergetar. Diterapkan dalam garis melintang, paralel, dan diagonal, garis-garis tersebut memberikan kesan kedalaman dan suara ritmis yang menakjubkan pada keseluruhan gambar (“Seine at Marly”, 1871).

Melukis tidak menghasilkan banyak uang bagi Pissarro, dan ia nyaris tidak dapat memenuhi kebutuhannya. Di saat-saat putus asa, sang seniman berusaha untuk memutuskan hubungan dengan seni selamanya, tetapi segera kembali berkreasi lagi.

Selama Perang Perancis-Prusia, Pissarro tinggal di London. Bersama C. Monet, ia melukis pemandangan London dari kehidupan. Rumah seniman di Louveciennes saat ini dijarah oleh penjajah Prusia. Sebagian besar lukisan yang tersisa di rumah hancur. Para prajurit membentangkan kanvas di halaman di bawah kaki mereka saat hujan.

Sekembalinya ke Paris, Pissarro terus mengalami kesulitan keuangan. Republik yang menggantikannya
kekaisaran, hampir tidak mengubah apa pun di Prancis. Kaum borjuis, yang menjadi miskin setelah peristiwa-peristiwa yang berhubungan dengan Komune, tidak dapat membeli lukisan. Saat ini, Pissarro mengambil alih artis muda P. Cezanne di bawah naungannya. Keduanya bekerja di Pontoise, di mana Pissarro membuat kanvas yang menggambarkan lingkungan sekitar Pontoise, tempat sang seniman tinggal hingga tahun 1884 (“Oise in Pontoise”, 1873); desa-desa yang tenang, jalan-jalan terbentang di kejauhan (“Jalan dari Gisors ke Pontoise di bawah salju,” 1873; “Atap Merah,” 1877; “Lanskap di Pontoise,” 1877).

Pissarro mengambil bagian aktif dalam delapan pameran kaum Impresionis, yang diselenggarakan dari tahun 1874 hingga 1886. Dengan memiliki bakat mengajar, sang pelukis dapat menemukan bahasa yang sama dengan hampir semua calon seniman dan membantu mereka dengan nasihat. Orang-orang sezamannya berkata tentang dia bahwa “dia bahkan bisa mengajarimu menggambar batu.” Bakat sang master begitu hebat sehingga dia dapat membedakan bahkan corak warna yang paling halus sekalipun yang orang lain hanya melihat abu-abu, kecoklatan, dan hijau.

Tempat khusus dalam karya Pissarro ditempati oleh kanvas yang didedikasikan untuk kota, ditampilkan sebagai organisme hidup, terus berubah tergantung pada cahaya dan waktu dalam setahun. Seniman memiliki kemampuan luar biasa untuk melihat banyak hal dan menangkap apa yang tidak diperhatikan orang lain. Misalnya, sambil melihat ke luar jendela yang sama, ia melukis 30 karya yang menggambarkan Montmartre (“Boulevard Montmartre in Paris”, 1897). Sang master sangat mencintai Paris, jadi dia mendedikasikan sebagian besar lukisannya untuk itu. Sang seniman berhasil menyampaikan dalam karyanya keajaiban unik yang menjadikan Paris salah satu kota terbesar di dunia. Untuk karyanya, pelukis menyewa kamar di Rue Saint-Lazare, Grands Boulevards, dll. Dia memindahkan semua yang dilihatnya ke kanvasnya (“Italian Boulevard di pagi hari, diterangi matahari,” 1897; “Tempat Perancis Teater di Paris, musim semi,” 1898; “ Opera Passage di Paris").

Di antara pemandangan kotanya terdapat karya yang menggambarkan kota-kota lain. Jadi, pada tahun 1890-an. sang master tinggal lama di Dieppe atau Rouen. Dalam lukisannya yang didedikasikan untuk berbagai penjuru Perancis, ia mengungkapkan keindahan alun-alun kuno, puisi gang-gang dan bangunan-bangunan kuno, yang darinya semangat zaman yang telah lama berlalu (“Jembatan Besar di Rouen,” 1896; “Jembatan Boieldieu di Rouen saat matahari terbenam,” 1896; “ Pemandangan Rouen", 1898; "Gereja Saint-Jacques di Dieppe", 1901).

Meskipun lanskap Pissarro tidak dibedakan berdasarkan warna-warna cerahnya, tekstur gambarnya sangat kaya dalam berbagai corak: misalnya, warna abu-abu jalan berbatu terbentuk dari guratan merah muda murni, biru, biru, oker emas, merah Inggris, dll. Hasilnya, warna abu-abu tampak seperti mutiara, berkilau dan bercahaya, membuat lukisan tampak seperti batu mulia.

Pissarro tidak hanya menciptakan lanskap. Karyanya juga mencakup lukisan bergenre, yang mewujudkan ketertarikannya pada manusia.

Di antara yang paling penting adalah “Kopi dengan Susu” (1881), “Gadis dengan Cabang” (1881), “Wanita dengan Anak di Sumur” (1882), “Pasar: Pedagang Daging” (1883). Semasa mengerjakan karya-karya ini, pelukis berusaha mengefektifkan sapuan kuasnya dan memasukkan unsur monumentalitas ke dalam komposisinya.

Pada pertengahan tahun 1880-an, Pissarro, yang sudah menjadi seniman dewasa, di bawah pengaruh Seurat dan Signac, menjadi tertarik pada perpecahan dan mulai melukis dengan titik-titik kecil berwarna. Karyanya seperti “Pulau Lacroix, Rouen” ditulis dengan cara ini. Kabut" (1888). Namun hobi tersebut tidak bertahan lama, dan tak lama kemudian (1890) sang master kembali ke gaya sebelumnya.

Selain melukis, Pissarro juga mengerjakan cat air, membuat lukisan, litograf, dan gambar.
Artis itu meninggal di Paris pada tahun 1903.

Impresionisme adalah aliran seni lukis yang berasal dari Perancis pada abad 19-20, yang merupakan upaya artistik untuk mengabadikan suatu momen kehidupan dengan segala variabilitas dan mobilitasnya. Lukisan impresionis ibarat foto yang dicuci bersih, menghidupkan kembali fantasi kelanjutan cerita yang dilihat. Pada artikel ini kita akan melihat 10 impresionis paling terkenal di dunia. Untungnya, ada lebih dari sepuluh, dua puluh atau bahkan seratus artis berbakat, jadi mari kita fokus pada nama-nama yang pasti perlu Anda ketahui.

Agar tidak menyinggung artis atau pengagumnya, daftar ini diberikan dalam urutan abjad Rusia.

1. Alfred Sisley

Pelukis Perancis asal Inggris ini dianggap sebagai pelukis lanskap paling terkenal pada paruh kedua abad ke-19. Koleksinya berisi lebih dari 900 lukisan, yang paling terkenal adalah “Rural Alley”, “Frost in Louveciennes”, “Bridge in Argenteuil”, “Early Snow in Louveciennes”, “Lawns in Spring”, dan banyak lainnya.

2.Van Gogh

Dikenal di seluruh dunia karena kisah sedih tentang telinganya (omong-omong, dia tidak memotong seluruh telinganya, tetapi hanya lobusnya), Van Gon menjadi populer hanya setelah kematiannya. Dan semasa hidupnya ia mampu menjual satu lukisan saja, 4 bulan sebelum kematiannya. Konon dia adalah seorang pengusaha sekaligus pendeta, namun sering berakhir di rumah sakit jiwa karena depresi, sehingga segala pemberontakan terhadap keberadaannya membuahkan karya-karya legendaris.

3. Camille Pissarro

Pissarro lahir di pulau St. Thomas, dalam keluarga Yahudi borjuis, dan merupakan salah satu dari sedikit impresionis yang orang tuanya mendorong hasratnya dan segera mengirimnya ke Paris untuk belajar. Yang terpenting, sang seniman menyukai alam, ia menggambarkannya dalam semua warna, dan lebih tepatnya, Pissarro memiliki bakat khusus dalam memilih kelembutan warna, kesesuaian, setelah itu udara tampak muncul dalam lukisan.

4. Claude Monet

Sejak kecil, bocah itu memutuskan untuk menjadi seorang seniman, meski ada larangan keluarga. Setelah pindah ke Paris sendirian, Claude Monet terjun ke kehidupan sehari-hari yang kelabu dalam kehidupan yang sulit: dua tahun bertugas di angkatan bersenjata di Aljazair, litigasi dengan kreditor karena kemiskinan dan penyakit. Namun, ada perasaan bahwa kesulitan tersebut tidak menindas, namun sebaliknya menginspirasi sang seniman untuk menciptakan lukisan yang hidup seperti “Impression, Sunrise”, “Houses of Parliament in London”, “Bridge to Europe”, “Autumn di Argenteuil”, “Di Pantai” Trouville", dan banyak lainnya.

5. Konstantin Korovin

Senang rasanya mengetahui bahwa di antara orang Prancis, bapak impresionisme, kita dapat dengan bangga menempatkan rekan senegaranya, Konstantin Korovin. Kecintaannya yang besar terhadap alam membantunya secara intuitif memberikan keaktifan yang tak terbayangkan pada gambar statis, berkat kombinasi warna yang sesuai, lebar guratan, dan pilihan tema. Mustahil untuk mengabaikan lukisannya “Dermaga di Gurzuf”, “Ikan, Anggur dan Buah”, “Pemandangan Musim Gugur”, “Malam Terang Bulan. Musim Dingin" dan serangkaian karyanya didedikasikan untuk Paris.

6.Paul Gauguin

Hingga usia 26 tahun, Paul Gauguin bahkan tidak berpikir untuk melukis. Dia adalah seorang pengusaha dan memiliki keluarga besar. Namun, saat pertama kali melihat lukisan Camille Pissarro, saya memutuskan untuk mulai melukis. Seiring waktu, gaya seniman berubah, tetapi lukisan impresionistik yang paling terkenal adalah “Taman di Salju”, “Di Tebing”, “Di Pantai di Dieppe”, “Nude”, “Pohon Palem di Martinik” dan lain-lain.

7.Paul Cezanne

Cezanne, tidak seperti kebanyakan rekannya, menjadi terkenal selama masa hidupnya. Ia berhasil menyelenggarakan pamerannya sendiri dan memperoleh penghasilan yang cukup besar darinya. Orang-orang tahu banyak tentang lukisannya - dia, tidak seperti orang lain, belajar menggabungkan permainan cahaya dan bayangan, memberikan penekanan kuat pada bentuk geometris beraturan dan tidak beraturan, ketelitian tema lukisannya selaras dengan romansa.

8.Pierre Auguste Renoir

Hingga usia 20 tahun, Renoir bekerja sebagai dekorator kipas untuk kakak laki-lakinya, dan baru kemudian pindah ke Paris, di mana ia bertemu Monet, Basil, dan Sisley. Kenalan ini membantunya di masa depan untuk mengambil jalur impresionisme dan menjadi terkenal karenanya. Renoir dikenal sebagai penulis potret sentimental, di antara karyanya yang paling menonjol adalah “On the Terrace”, “A Walk”, “Potret Aktris Jeanne Samary”, “The Lodge”, “Alfred Sisley and His Wife”, “ Di Ayunan”, “Kolam Dayung” dan masih banyak lainnya.

9.Edgar Degas

Jika Anda belum pernah mendengar apa pun tentang “Blue Dancers”, “Ballet Rehearsal”, “Ballet School” dan “Absinthe”, segera cari tahu tentang karya Edgar Degas. Pemilihan warna asli, tema lukisan yang unik, kesan pergerakan gambar - semua ini dan masih banyak lagi menjadikan Degas salah satu seniman paling terkenal di dunia.

10. Edouard Manet

Jangan bingung antara Manet dengan Monet - ini adalah dua orang berbeda yang bekerja pada waktu yang sama dan dalam arah artistik yang sama. Manet selalu tertarik pada pemandangan kehidupan sehari-hari, penampilan dan tipe yang tidak biasa, seolah-olah momen yang “tertangkap” secara tidak sengaja, kemudian ditangkap selama berabad-abad. Di antara lukisan Manet yang terkenal: “Olympia”, “Luncheon on the Grass”, “Bar at the Folies Bergere”, “The Flutist”, “Nana” dan lain-lain.

Jika Anda memiliki kesempatan sekecil apa pun untuk melihat lukisan para empu ini secara langsung, Anda akan selamanya jatuh cinta pada impresionisme!

IMPRESIONISME(Impresinisme Perancis, dari kesan - kesan) - sebuah gerakan seni pada akhir tahun 1860-an - awal tahun 1880-an, yang tujuan utamanya adalah untuk menyampaikan kesan-kesan singkat yang dapat diubah. Impresionisme didasarkan pada penemuan terbaru dalam teori optik dan warna; dalam hal ini ia selaras dengan semangat analisis ilmiah yang menjadi ciri akhir abad ke-19. Impresionisme paling jelas terlihat dalam lukisan, di mana perhatian khusus diberikan pada transmisi warna dan cahaya.

Impresionisme muncul di Prancis pada akhir tahun 1860-an. Perwakilan utamanya adalah Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Berthe Morisot, Alfred Sisley dan Jean Frédéric Bazille. Edouard Manet dan Edgar Degas memamerkan lukisannya bersama mereka, meski gaya karyanya tidak bisa disebut impresionistik. Kata “impresionisme” berasal dari judul lukisan Monet Kesan. Matahari terbit(1872, Paris, Museum Marmottan), dipresentasikan pada pameran tahun 1874. Judulnya menyiratkan bahwa sang seniman hanya menyampaikan kesan sekilas tentang lanskap tersebut. Kini istilah “impresionisme” dipahami lebih luas dari sekedar visi subjektif seniman: sebagai studi yang cermat tentang alam, terutama dalam hal warna dan pencahayaan. Konsep ini pada hakikatnya merupakan kebalikan dari pemahaman tradisional tentang tugas utama seni lukis sejak zaman Renaisans, yaitu menyampaikan bentuk suatu benda. Tujuan kaum impresionis adalah untuk menggambarkan situasi dan gerakan yang terjadi seketika dan tampak “acak”. Hal ini difasilitasi oleh asimetri, fragmentasi komposisi, dan penggunaan sudut dan potongan gambar yang rumit. Gambar menjadi bingkai tersendiri, bagian dari dunia yang bergerak.

Pemandangan dan pemandangan dari kehidupan kota - mungkin genre lukisan impresionistik yang paling khas - dilukis "en plein air", yaitu. langsung dari alam, dan bukan berdasarkan sketsa dan sketsa persiapan. Kaum Impresionis mengamati alam dengan cermat, memperhatikan warna dan corak yang biasanya tidak terlihat, seperti biru dalam bayangan. Metode artistik mereka terdiri dari penguraian nada-nada kompleks menjadi warna-warna murni dari spektrumnya. Hasilnya adalah bayangan berwarna dan lukisan yang murni, ringan, dan cerah. Kaum Impresionis mengaplikasikan cat dalam guratan terpisah, terkadang menggunakan corak kontras pada satu area gambar, ukuran guratan bervariasi. Kadang-kadang, misalnya, untuk menggambarkan langit cerah, mereka dihaluskan dengan kuas menjadi permukaan yang lebih rata (tetapi bahkan dalam kasus ini, gaya lukisan yang bebas dan ceroboh lebih ditekankan). Ciri utama lukisan impresionis adalah efek kerlap-kerlip warna yang hidup.

Camille Pissarro, Alfred Sisley dan Claude Monet lebih menyukai lanskap dan pemandangan perkotaan dalam karya mereka. Auguste Renoir melukis orang di udara terbuka atau di dalam ruangan. Karyanya dengan sempurna menggambarkan kecenderungan khas impresionisme untuk mengaburkan batas antar genre. Gambar seperti Bola di Moulin de la Galette(Paris, Musée D'Orsay) atau Sarapan Pendayung(1881, Washington, Phillips Gallery), adalah kenangan penuh warna tentang kegembiraan hidup, perkotaan atau pedesaan.

Pencarian serupa untuk transmisi lingkungan cahaya-udara, penguraian nada kompleks menjadi warna murni spektrum matahari, terjadi tidak hanya di Prancis. Para impresionis antara lain James Whistler (Inggris dan Amerika Serikat), Max Liebermann, Lovis Corinth (Jerman), Joaquin Sorolla (Spanyol), K.A. Korovin, I.E. Grabar (Rusia).

Impresionisme dalam seni pahat menyiratkan pemodelan bentuk-bentuk lunak yang hidup dan bebas, yang menciptakan permainan cahaya yang kompleks pada permukaan material dan perasaan tidak lengkap. Pose-pose tersebut secara akurat menangkap momen pergerakan dan perkembangan; sosok-sosok tersebut sepertinya difilmkan dengan menggunakan kamera tersembunyi, seperti misalnya pada beberapa karya E. Degas dan O. Rodin (Prancis), Medardo Rosso (Italia), P. P. Trubetskoy (Rusia).

Pada awal abad ke-20. tren baru telah muncul dalam seni lukis, yang diekspresikan dalam penolakan terhadap realisme dan peralihan ke abstraksi; mereka menyebabkan seniman muda berpaling dari Impresionisme. Namun, Impresionisme meninggalkan warisan yang kaya: terutama minat pada masalah warna, serta contoh penolakan yang berani terhadap tradisi.