A művészettörténet kialakulásának és fejlődésének fő állomásai Európában és Oroszországban. Program. Tudományos tevékenység és találmány

A 18. század a világtörténelemben a társadalmi szerkezet és világkép nagy változásainak időszaka. Nem véletlenül nevezik a „felvilágosodás korának”. Diderot, Rousseau, Radishchev és Voltaire gondolatai hozzájárultak a szabadság szellemének megalapozásához, a vallási merevség és dogmatizmus elleni küzdelemre ösztönöztek.

Minden európai ország kulturális életében érezhetővé váltak az új trendek. Az oktatás, a tudomány, a filozófia, a művészet a felvilágosítók eszméinek nyomát viselte. A 18. századi oroszországi kultúra is példátlan emelkedésen ment keresztül, több tényező miatt.

A fejlődés szakaszai

A történettudományban a moszkvai királyság kultúráját általában "ókori" vagy "középkori"-nak nevezik. Péter reformjai és az Orosz Birodalom létrehozása nemcsak az orosz állam társadalmi-politikai szerkezetét, hanem kulturális életét is gyökeresen megváltoztatta.

A 17-18. század fordulóján meggyengült az ortodox egyház befolyása, amely addig igyekezett megvédeni az országot a Nyugat "eretnek" befolyásától. Ezért a 18. századi kultúra fejlődése Oroszországban már összeurópai úton haladt. Ennek az időszaknak az egyik legnagyobb vívmánya a világi művészet megjelenése, amely semmilyen módon nem kapcsolódik az egyházi világképhez.

Általánosságban elmondható, hogy az orosz állam kulturális szférájának fejlődésében három szakaszt lehet megkülönböztetni:

1. A 18. század első negyede (péteri reformok ideje).
2. 30-60 év (a művészet, az irodalom és a tudomány területén elért eredmények).
3. Az elmúlt negyedszázad (a kultúra és a felvilágosodás demokratizálódásának növekedése).

Így Nagy Péter reformjainak kettős következményei voltak. Egyrészt megalapozták az orosz művészet megújítását, másrészt hozzájárultak a moszkvai Oroszország kulturális hagyományainak és értékeinek lerombolásához.

Eredmények az oktatás területén

Az orosz kultúra 18. századi fejlődését nagymértékben befolyásolták az oktatás területén bekövetkezett változások, amelyek gondozását I. Péter az állampolitika rangjára emelte. Ennek érdekében uralkodásának éveiben új oktatási intézmények nyíltak:

• navigációs iskola;
• tüzérségi;
• orvosi;
• mérnöki;
• bányásziskolák az Urálban;
• digitális iskolák, ahol hivatalnokok és nemesek gyermekei tanultak.

A reformátor cár utódai folytatták munkáját, így megalapították a dzsentri- és laphadtestet, a Szmolnij Intézetet, a Tudományos Akadémiát és a Moszkvai Egyetemet. A század végén már 550 oktatási intézmény működött Oroszországban. Az első újság, a Chimes, majd a Vedomosti is hozzájárult az oktatás ügyéhez. Emellett megjelent az országban a könyvkiadás, és N. Novikov pedagógusnak köszönhetően megjelentek az első könyvtárak és könyvesboltok.

Tudományos tevékenység és találmány

Eleinte az orosz tudósokat külföldről meghívott szakemberek uralták. Lomonoszovot azonban már 1745-ben megválasztották a Tudományos Akadémia professzori posztjára, majd a következő években az orosz akadémikusok sorába csatlakozott Krasheninnikov S., Lepekhin I., Rumovsky S. és mások. Ezek a tudósok észrevehető nyomot hagytak. a fejlesztésről:

• kémia;
• földrajz;
• biológia;
• történetek;
• térképészet;
• a fizika és a tudományos ismeretek más ágai.

A feltalálók a 18. századi orosz kultúra történetéhez is óriási mértékben hozzájárultak. Például Nikonov E. készített egy búvárruhát és egy primitív tengeralattjárót. Nartov A. új technológiát fejlesztett ki az érmék verésére, és feltalált egy esztergagépet, valamint egy gépet az ágyútorkolat fúrására.

A barokktól a realizmusig

A 18. századi orosz szerzők műveiben megmaradtak a régi bemutatási formák. Ennek ellenére tartalmukban már érezhető a humanista eszmék hatása. Így a hősökről szóló népszerű "történetek" megtanították az olvasóknak, hogy az élet sikere nem a származáson, hanem a személyes tulajdonságokon és erényeken múlik.

Az irodalmat, mint Oroszország 18. századi kultúrájának részét, először a barokk stílus, majd a klasszicizmus hatotta át. Közülük az első különösen szembetűnő a költészetben, a fordított színdarabokban, a szerelmi dalszövegekben. A nemzeti államiságot és az abszolút monarchiát dicsőítő klasszicizmus Lomonoszov ódáiban érte el csúcspontját. Rajta kívül ugyanez az irodalmi stílus jellemző Knyazhnin Ya., Sumarokov A., Kheraskov M., Maykov V. és más szerzők munkáira.

Az irodalom területén elért eredmények a következők:

• egy új versformáció megjelenése, amely a modern orosz költészet alapja lett (Trediakovszkij V.);
• a lexikális nyelvi normák rendezése (Lomonoszov M.);
• az első orosz tragédiák és vígjátékok megírása (A. Sumarokov).

A század végén az irodalomban a klasszicizmust felváltotta N. Karamzin munkásságában rejlő szentimentalizmus.Az általa írt „Trouble Lisa” egy egyszerű lány mély érzelmeit és érzéseit tükrözi, aki olyan szenvedélyesen tud szeretni, mint egy nemes lány, aki a boldogságban nőtt fel.

Fonvizin D. és Radishchev A. munkáiban akut társadalmi problémákat érintett, ezért az irodalomkritikusok a realizmus vonásait látják bennük - ez a stílus a következő évszázadban alakult ki.

Az ikonográfia pótlására

Egészen a 18. századig Oroszország fő és tulajdonképpen egyetlen festője Bogomaz volt, aki ikonokat festett. A világi művészet fejlődésével új műfajok jelennek meg. Az orosz festészet megalapítójának tartják Losenko A.-t, bár vásznai csak a nyugat-európai minták utánzatai voltak, mégis törést jelentettek a 18. század első felében Oroszország kultúrájában az egyházi művészettel, amely mind a formákat, mind a formákat diktálta. telkek.

A következő évtizedekben a portré műfaja kezdett vezetni az orosz festészetben. A kamrás, szertartásos és intim vásznak sokáig beárnyékolták a hétköznapi jelenetek létrehozását. A kor leghíresebb portréfestői:

• Levitsky D.
• Borovikovszkij V.
• Antropov A.
• Rokotov F.

A század végén nyugat-európai festők Katalin császárné által megszerzett festményei képezték az Ermitázs művészeti gyűjteményének alapját.

Kőben és fémben

A képzőművészetnek az egyházi dogmatizmustól való elszakadása hihetetlen lendületet adott a szobrászat fejlődésének. Ezen a területen Oroszország kultúrája a 18. és 19. században elérte a világszintű magasságokat. Antik szobrok díszítették Szentpétervár parkjait és kertjeit, szökőkutak - palotakomplexumok, stukkó díszlécek és domborművek - a homlokzatok racionális egyszerűsége.

Oroszországban mutatkozott meg teljes mértékben Rastrelli K. sokrétű tehetsége, alkotásai közül, melyek eljutottak hozzánk, érdemes megemlíteni az ünnepélyes mellszobrokat, Anna Joannovna szobrát és az elé állított Nagy Péter emlékművet. a Mihajlovszkij-kastély. Rastrelli mellett Ivan Zarudnij orosz szobrász is dolgozott.

A 18. század második felétől a szobrászat Oroszországban még keresettebbé vált, ahogy azt a barokk stílus megkövetelte. A paloták és középületek homlokzatán bővelkedtek a szobrok, a domborműveket aktívan használták a belső terek díszítésére. A festészethez hasonlóan a portré műfaja aktívan fejlődött az időszak szobrászatában, amelyhez szinte minden tehetséges orosz szobrász nagy mértékben hozzájárult:

• Shubin F.
• Gordeev F.
• Prokofjev I.
• Kozlovsky M.
• Scsedrin F.
• Martos I.

Természetesen a 18. századi orosz szobrászat egyik legkiemelkedőbb eredménye II. Katalin császárnő megbízásából megalkotta a Bronzlovast.

színházi színpad

A 18. századi oroszországi kultúra elképzelhetetlen színház és zene nélkül. Ekkor kerültek lerakásra azok az alapok, amelyek lehetővé tették, hogy a következő évszázadban egyértelműen megnyilvánuljanak a nemzeti tehetségek ezeken a művészeti területeken.

Péter alatt először tartottak zenei esteket - összejöveteleket, amelyeken az udvaroncok és a nemesek táncolhattak. Ezzel párhuzamosan divatba jött a brácsa, csembaló, furulya, hárfa, valamint a szalonéneklés tanulása.

A színház és az orosz opera megjelenése a zenéhez kötődik, ezek közül az elsőt, a Cephalus és Prokrist 1755-ben állították színpadra. A műkritikusok azonban E. Fomin zeneszerző Orpheus és Eurydice című operáját tartják a kor legkiemelkedőbb művének. számára a zenét:

• Berezovszkij M.
• Khandoskin I.
• Bortnyansky D.
• Pashkevich V. és mások.

Katalin uralkodása alatt különösen népszerű volt a jobbágyszínház, amelynek saját zenekara volt. Ezek a csoportok gyakran aktívan turnéztak, felkeltve ezzel az érdeklődést e művészeti forma iránt. Ha az akkori kulturális eredményekről beszélünk, nem szabad figyelmen kívül hagyni a Petrovszkij Színház 1776-os moszkvai megnyitóját - a világhírű Bolsoj Színház elődjét.

Orosz barokk és klasszicizmus

Két stílus uralta Oroszország építészetét a 18. században. A század közepéig orosz barokk volt, amelyet klasszicizmus váltott fel. Az első stílust a holland, német és svéd építészektől kölcsönzött vonások jellemezték. Példa erre a Péter és Pál-székesegyház.

Az Oroszországba meghívott külföldi építészek ellenére azonban a barokk keretein belül hamar kialakultak a nemzeti építészeti jegyek. Az orosz stílus már Uhtomszkij D., Zemcov M., Michurin I. munkáiban is észrevehető. Nos, a barokk vitathatatlan vívmányai Rastrelli B. építészeti remekei voltak és maradnak: Peterhof, Katalin és Téli paloták.

A 18. század második felében egy új stílus jegyei kezdtek megjelenni Oroszország kultúrájában - a klasszicizmus, amely végül a 80-as években öltött formát. A korszak építészetének tipikus példája a Tauride-palota, amelyet Szentpéterváron épített I. Sztarov. Saját projektjei szerint a következők készültek:

• Szentháromság és Vlagyimir herceg székesegyház.
• A Tudományos Akadémia és a Szmolnij Intézet épületei.
• Sándor és Pellinszkij palota.

Eredmények

Természetesen nagyon nehéz röviden beszélni a 18. századi oroszországi kultúráról és annak eredményeiről, olyan sokoldalúak és sokak. De mégsem lehet vitatkozni azzal a ténnyel, hogy ez a nagy változások időszaka volt, amit nagyban elősegítettek Nagy Péter reformjai. A nyugati művészet hatása, amely lehetővé tette az orosz kultúra világivá válását, kiterjesztve a spirituális tevékenység körét, előre meghatározta fejlődésének irányát a következő évszázadban.

Yu.D. Kolpinsky

A 18. század európai művészetének fényes hozzájárulását a világ művészeti kultúra történetéhez elsősorban az határozza meg, hogy ez az időszak a feudalizmusból a kapitalizmusba vezető hosszú átmeneti korszak utolsó történelmi szakasza volt. A 17. században a korai polgári forradalmak mindössze két országban vezettek győzelemhez. A legtöbb európai országban a régi rendet módosított formában őrizték meg. A történelmi folyamat fő tartalma Európában a XVIII. Az ipari kapitalizmusba való átmenet előkészítése, a fejlett burzsoá-kapitalista társadalom klasszikus formái és kultúrája dominanciájának megteremtése volt. Angliában az ipari forradalom – a gépi kapitalista iparra való átállás – már ebben a században kibontakozott. A polgári forradalom eszméinek legteljesebb és legkövetkezetesebb előkészítése és alátámasztása Franciaországban történt. A francia forradalom klasszikus polgári forradalom volt, amely harcra késztette a nép széles tömegeit. Fejlődése során a feudális rendeket kíméletlenül és következetesen felszámolták.

Ellentétben a 16. és 17. századi korai polgári forradalmakkal. a francia forradalom politikai és társadalmi eszméinek kifejezésében megszabadult a vallási buroktól. Az uralkodó társadalmi viszonyok természetellenességének nyílt és szenvedélyes feltárása az „ész álláspontjából” és a „nép általános javaiból” a francia polgári forradalom új jellemzője volt.

A 18. századi Európa társadalmi és ideológiai fejlődésének fő irányzata országonként egyenlőtlenül, és természetesen országosan egyedi, konkrét történelmi formákban nyilvánult meg. Bármily jelentősek is voltak azonban ezek a különbségek az egyes országok történelmi és kulturális evolúciójában, a közösség fő jellemzői a régi feudális rend, annak ideológiájának válsága, valamint a progresszív ideológia kialakulása és megalapozása volt. a felvilágosítók. A 18. század az „ész” kora, a filozófusok, szociológusok és közgazdászok kora.

Ebben a században virágzik a francia és az angol felvilágosodás alakjainak materialista filozófiája. Ezzel egy időben Németországban formálódott a klasszikus német idealista filozófia (Kant, Fichte) iskolája. Olaszországban Giovanni Battista Vico tette meg az első kísérleteket a dialektikus módszer bevezetésére a modern idők filozófiájába. Angliában (Adam Smith) és Franciaországban (Physiocrats) a politikai gazdaságtan mint tudományos diszciplína alapjait rakják le. Felgyorsult ütemben fejlődnek a természetes nyomok, amelyek egyre inkább a termeléshez, a technológiához kötődnek. Lomonoszov és Lavoisier munkái lefektették a kémia mint modern tudomány alapjait. Új gépek készülnek, előkészítve az ipari korszakba való átmenetet. Az értelem ereje megerősödik, és széles körben elterjedt az osztályelőítéletek kritikája és a régi ideológia képviselőinek egyházi homályossága.

Nagy jelentősége van a filozófiai, tudományos és esztétikai eszmék országok közötti cseréjének. A 17. századhoz képest még jobban megnőtt a kulturális interakciók szélessége és intenzitása, az alkotói teljesítmények cseréje, a művészek, építészek, zenészek egyik országból a másikba költöztetésének szokása.

Így Tiepolo velencei mester nemcsak hazájában dolgozik, hanem Németországban és Spanyolországban is részt vesz monumentális festmények készítésében. Falcone szobrász, sok más francia és olasz mester hosszú ideje Oroszországban él. A svéd portréfestő, Roslin sokat dolgozik Franciaországban és Oroszországban. A francia nyelv elterjedése, amely a társadalom felvilágosult rétegei között a nemzetközi kommunikáció nyelvévé vált, a műveltek körének viszonylagos bővülése, különösen a legtöbb országban a kiváltságtalanok érdekeit képviselő értelmiség kialakulása. osztályok (főleg a városi burzsoázia) hozzájárultak az emberi társadalom kultúrája egységének tágabb elképzeléséhez.

A társadalmi és ideológiai élet új körülményei meghatározzák a "művészi kultúra történetének új nagy szakaszának kialakulását. A 18. században megindult a művészettípusok és műfajok arányának döntő változási folyamata, amely a 18. században fejeződött be. jövő század. Az előző korokhoz képest megnő az irodalom és a zene aránya, elérve azt a művészi érettségi fokot, amelyet a festészet már a 16-17. a művészi kreativitás ezen formáinak művészi nyelvének sajátos lehetőségei a legközvetlenebbül feleltek meg a korabeli fő esztétikai igényeknek, a zene és az irodalom, egymást kiegészítve kielégítették a kor igényeit az élet esztétikai tudatában, mozgásában, ill. A prózairodalomban az a vágy, hogy az egyén sorsát időben, összetett fejlődésében, olykor zavaros és mentes a környező társadalmi környezettel való kapcsolatok dinamikus vizualizálása, a korszak életének és szokásainak tág képének vágya, az ember társadalom életében elfoglalt helyével és szerepével kapcsolatos alapvető kérdések megoldása. Ilyen, minden kézírásbeli és stílusbeli különbséggel, Le Sage Sánta démonja, Prevost Manon Lescautja, Voltaire Candide-ja, Fielding és Smolett regényei, Stern Szentimentális utazása, Goethe Az ifjú Werther és Wilhelm Meister fájdalmai és mások. A 18. századtól kezdődően a regény egyfajta prózai eposzlá válik, átfogó képet adva a líráról. Az epikus költészet életének mitológiai átalakulásával szemben azonban a 18. századi regényben a világ képét világilag megbízható és társadalomtörténetileg konkrét képek adják.

Az ember lelki világának, érzéseinek, gondolatainak költői, közvetlenül érzelmi holisztikus kifejezésének igénye, elvonatkoztatva a mindennapi élet körülményeinek ábrázolásától, az ember világnézetének és attitűdjének közvetlen feltárása fejlődésükben, ellentmondásos integritása előre meghatározta a virágzást. a zenét, mint önálló művészeti formát.

században jelentős. és az irodalomhoz szorosan kapcsolódó színházművészet, különösen a dramaturgia sikerei. Ez utóbbira a 18. század közepére fokozatos átmenet jellemző. a klasszicizmus hagyományától a realista és preromantikus alkotói irányokig.

A korabeli kultúrára jellemző a színházesztétika főbb kérdéseinek, a színészet természetének alapos tanulmányozása, különös tekintettel a színház társadalmi és nevelési szerepére.

Ha a többszólamúság már a késő reneszánsz korában felmerült a zeneművészetben az emberi élményvilág összetett sokoldalúságának közvetítésének eszközeként, akkor az alkotás a XVIII. Bach, Mozart, Gluck, Haydn olyan zenei formákról, mint a fúga, szimfónia, szonáta, feltárta a ZENE azon képességét, hogy átadja az emberi élmények kialakulásának folyamatát. Kiderült, hogy a zene képes megtestesíteni az élet konfliktusait, a tragikus gyászt, a harmonikus tisztaságot, a boldogságért való küzdelem viharos impulzusait, a magányos emberi lélek mély tükröződését és a nagy csapat érzéseinek és törekvéseinek egységét.

A képzőművészet területén a művészi haladás kissé ambivalens jelleggel bírt. Ennek ellenére a 18. század legjobb mesterei bizonyos tekintetben olyan művészetet hoztak létre, amely nemcsak elődeikhez képest, hanem a világ művészeti kultúra egészének fejlődésében is előrelépést jelentett. Megalkották az egyén művészetét, finomítva, differenciáltan elemezve az érzések és hangulatok legfinomabb árnyalatait. A kecses intimitás, a visszafogott líraiság, az udvariasan kíméletlen, elemző megfigyelés jellemzi ezt a művészetet. A finoman megragadott vagy szellemes "színpadi" cselekményhelyzet pontos érzése a lényege mind a századi figyelemre méltó portréban (Latour, Gainsborough, Rokotov, Houdon), mind a legjobb sokfigurás műfaji kompozíciókban rejlő tulajdonságoknak, legyen szó akár gáláns ünnepségek és Watteau és Fragonard hétköznapi jelenetei, Chardin szerény hétköznapi motívumai vagy Gvardi várostájai.

A művészi életfelfogás ezen tulajdonságai először ilyen következetességgel erősítettek meg a művészetben. A század jelentős vívmányait azonban drágán megvették a művészet virágkorának korábbi korszakai művészi teljesítményének részleges elvesztése. Ez a tény önmagában nem képviseli a 18. század művészetének sajátos jellemzőjét. A művészi fejlődés egyenetlensége, amelyet a társadalmi és szellemi haladás egyoldalúsága generált egy spontán ellentétes osztálykizsákmányoló társadalomban, korábban is megnyilvánult a művészeti kultúra történetében. A 18. század képzőművészete azonban nemcsak részben veszítette el az ember lelki életének lefedettségének egyetemes teljességét, azt a közvetlen művészi organikusságot, szintetikus integritást, amellyel a festészet korábbi virágkorának nagy mesterei - Rubens, Poussin, Rembrandt, Velazquez - a képekben megtestesültek korának fő esztétikai és etikai kérdéseit. Nem kisebb jelentősége volt annak, hogy a 16. és 17. századi művészethez képest. századi festészet és szobrászat. fokozatosan elvesztette azt a képességét, hogy a legnagyobb művészi tisztasággal és szervességgel testesítse meg a társadalom esztétikai elképzeléseit létezésük fő problémáiról.

A kapitalizmusba való fejlődésének átmeneti szakaszába lépett társadalom tudatára, mint már említettük, az esztétikai feladatok és igények olyan köre volt jellemző, amely a legteljesebben és művészileg nem annyira a képzőművészetben és az építészetben tárult fel, mint inkább az építészetben. irodalom és zene. Nem szabad azonban eltúlozni ennek az irányzatnak a kultúrafejlődésre gyakorolt ​​következményeit. A 18. században még csak most kezdett megmutatkozni. A képzőművészetnek és építészetnek az emberiség művészeti kultúrájában betöltött fajsúlyának problémája teljes élességgel csak a kapitalizmus korszakában, a kizsákmányoló osztálytársadalom és kultúrája általános válságának korszakában vetődik fel. Ezért nemcsak a festészet és a szobrászat, hanem az építészet is új fejlődési szakaszt él át. Csökken benne az egyházi építkezés aránya, meredeken növekszik a polgári építkezés volumene. Francia építészek zseniális tervezési megoldásai, csodálatos épületek Oroszországban, Szentpéterváron, paloták és birtokok Angliában, késő barokk remekművek Közép-Európában és Olaszországban - az európai építészet egyik utolsó felfutásának bizonyítékai a Kizsákmányoló Társaság keretein belül .

A fő progresszív irány, amely a 18. századi európai művészet arculatát meghatározta, összességében ellentmondásosan és összetetten alakult. Először is, egy új kultúra kialakulása Európa egyes országaiban nagyon egyenetlen volt, mivel a kapitalizmusba való átmenetre való felkészülés különböző szakaszaiban voltak. Másodszor, a 18. századi művészet esztétikai alapelveinek kialakulása számos fejlődési szakaszon ment keresztül. Tehát a nemzeti egységtől megfosztott, gazdasági fejlődésében lemaradt Olaszországban a művészet folytatta és módosította a 17. századi kultúra hagyományait. Jellemző, hogy az itáliai művészet e századi legmagasabb eredményei a velencei iskolához köthetők, amely jobban megőrizte a világi vidámság szellemét, mint Olaszország más régióinak művészete.

Franciaországban, ahol a polgári forradalom előkészületei a legkövetkezetesebben a filozófia, az irodalom és a művészet terén folytak, a művészet a század második fele felé fokozatosan tudatosan programszerű polgári irányultságot nyer. A 18. század Watteau szomorúan álmodozó és finoman kifinomult művészetével kezdődik, és David műveinek forradalmi pátoszával ér véget.

Az elmúlt negyedszázad spanyolországi művészetében a fiatal Goya munkássága, amelyet a klasszicizmussal ellentétben az élet fényes, jellegzetesen kifejező vonatkozásai iránti szenvedélyes érdeklődés hatott át, előkészítette a nyugat-európai képzőművészet átmenetét a klasszicizmussal szemben. század első harmadának realista romantikája.

Angliában a polgári forradalom már mögöttünk volt. Ebben az országban az új rendszerhez alkalmazkodó nagybirtokosok gazdasági és politikai uralma, a kereskedelmi és ipari burzsoázia csúcsa közepette ipari forradalom ment végbe. A képzőművészet egyes mesterei (például Hogarth) és különösen az irodalomban már a sajátos társadalmi életviszonyok közvetlen elemzésével, a társadalmi jellemzők, típusok nagy átérzésével kidolgozták a fejlett polgári társadalom realizmusának jellegzetes vonásait. és helyzetek, valamint jellemző vonásai a leíróság és a prózaiság.

Oroszországban a 17. század végén és a 18. század elején fejeződött be az átmenet a középkori vallásos kultúra és művészet történelmi szerepét túlélő formáiról egy új, világi kultúrára, a világi, realista művészeti formákra. Az orosz kultúra fejlődésének ezt az új szakaszát az orosz társadalom belső szükségletei, gazdaságának fejlődése, az államformák megfelelő megváltoztatásának szükségessége okozták. Összefüggött az abszolutizmus megerősödésével, amely az uralkodó történelmi viszonyok között biztosította az állam előtt álló fontos történelmi feladatok sikeres megoldását. Oroszország aktív részvétele a 18. századi európai tudomány és kultúra formálásában, az orosz művészet hozzájárulásának jelentősége és értéke az akkori világművészethez a korszak alapvető jellemzői.

A legtöbb nyugat-európai országgal ellentétben Oroszországban az abszolutizmus nem élte túl viszonylag progresszív történelmi szerepét. A burzsoázia továbbra is gyenge volt, az orosz kereskedőkből is hiányoztak azok a hosszú távú kulturális hagyományok, amelyeket a városi kommunák idejétől halmoztak fel a nyugat-európai polgárok, és ami a legfontosabb, az orosz burzsoáziát megfosztották történelmi küldetésének tudatától. A Pugacsov vezette parasztfelkelés spontán volt, és a lázadók vereségével végződött. Ilyen körülmények között az orosz művészet progresszív fejlődési vonala szinte az egész 18. században. nemesi kultúra keretein belül valósult meg.

Noha, mint láthatjuk, a művészet 18. századi fejlődése, fő progresszív esztétikai eszméinek kialakulása országonként eltérően ment végbe, ennek ellenére általában véve két szakasza jellemző a fejlődésére. Az első a sajátos történelmi viszonyoktól függően egyes országokban az 1740-es és 1750-es évek közepéig, másokban az 1760-as évekig folytatódott. Ez a szakasz a barokk késői formáinak kiteljesedéséhez és számos országban a művészeti és stilisztikai irányzat megjelenéséhez kapcsolódik, amely a "rokokó" vagy a "rocaille stílus" nevet kapta. Rokokó - a francia rocaille szóból, azaz kagyló alakú; ennek az irányzatnak a művészetében az egyik kedvenc díszítőmotívum egy szeszélyesen ívelt kagylóhoz hasonlított.). A második szakaszt a klasszicizmus és a szentimentalizmus művészetének uralkodó irányzatként való érvényesülése jellemzi.

A 17. századinál dinamikusan bonyolultabb, dekoratívan túlterheltebb, monumentálisabb késő barokk építészet azokban az országokban fejlődött ki széles körben, ahol még nem voltak megérettek az abszolutizmus felszámolásának és a kapitalizmusba való átmenetnek az előfeltételei. Például Olaszországban a barokk hagyományok a 18. század első kétharmadában tovább éltek. nemcsak az építészetben, hanem a festészetben és a szobrászatban is.

Németországban és Közép-Európában a késő barokk építészet és a monumentális művészet még nagyrészt a régi klerikális-feudális kultúrához kapcsolódott. Ragyogó kivétel volt, mint fentebb már említettük, a velencei művészet, elsősorban a festészet, amely kiegészítette ennek a csodálatos iskolának az ünnepi és vidám hagyományait. Olaszország más régióiban, Közép-Európában a reális tendenciák csak nehezen és nagyon bátortalanul mutatkoztak meg az uralkodó irányzat keretein belül. Az oroszországi barokk művészetnek sajátos karaktere volt. Az orosz barokk eredetisége leginkább az építészetben öltött testet. A világban méltó helyet elfoglaló hatalmas orosz nemesi hatalom érvényesülésének pátosza, a világ egyik legszebb városává vált Szentpétervár megépítése, az új városok növekedése előre meghatározta a az orosz barokk nagyrészt világi jellege. Franciaországban számos zseniális együttes megoldás született, mint például a párizsi Place de la Concorde, amelyek egyfajta újragondolása a klasszicizmus jegyében a városi együttes tervezési elveinek. Általánosságban elmondható, hogy Franciaországban a barokk hagyományok leküzdésének folyamata a század első felében összefüggésbe hozható egy különálló kastély építészeti arculatának bensőségesebb értelmezése iránti érdeklődés megjelenésével, amelynek tulajdonosai jobban aggódtak a az épület elegáns kedélyessége és kényelme, mint ünnepélyes reprezentativitása. Mindez az 1720-as éveket eredményezte. a rokokó, vagyis a művészet kamarásabb, mint barokk elveinek hozzáadásához. A rokokó építészetben azonban nem alakult ki a barokkhoz és a klasszicizmushoz hasonló teljes építészeti rendszer. A rokokó az építészetben elsősorban a díszítés terén mutatkozott meg, lapos, könnyed, szeszélyes, szeszélyes, letisztult, a barokk reprezentatív, térdinamikával teli, építészeti dekorációját fokozatosan az ellentétévé alakítva.

A Rocaille festészet és szobrászat, amely megőrizte kapcsolatát a belső tér építészeti kialakításával, nagyrészt dekoratív volt. A „kecsesre” érzékeny, „kiváló ízléssel” rendelkező magánszemély szabadidejének díszítésére hivatott bensőségesebb művészet iránti vágy azonban meghatározta a hangulati árnyalatokban, finomságokban differenciáltabb festészeti stílus kialakítását. cselekmény, kompozíció, kolorisztikus és ritmikai megoldások. A rokokó festészet és szobrászat kerülte a drámai témák felé fordulást, nem törekedett a való élet részletes megismerésére, jelentős társadalmi problémák felvetésére. A rokokó festészet őszintén hedonista, olykor elegánsan aranyos természete előre meghatározta szűkségét és korlátait.

Nagyon hamar, már az 1740-es évekre a rokokó festészet meggondolatlanul felszínes művészetté fajult, kifejezve a régi világ eltűnésre ítélt csúcsának ízlését és hangulatát. A 18. század közepére. éles határvonal húzódott a régi Franciaország jövőjében nem biztos mestereinek hozzáállását kifejező művészet, amely XV. Lajos sajátos aforizmája szerint él, „utánunk – akár özönvíz is!”, és a világ képviselőinek pátosza között. harmadik tulajdonság, olykor túlzott didaktikai egyenességgel az ész és a haladás eszméihez kapcsolódó művészet etikai és esztétikai értékeinek jelentőségét hangoztatva. Jellemző volt e tekintetben Diderot felhívása a művészhez a „Festészet tapasztalatai” című művéből: „Kötelességed dicsőíteni, megörökíteni a nagy és nemes tetteket, tisztelni a szerencsétlen és rágalmazott erényeket, megbélyegezni a mindenki által tisztelt boldog bűnt… álljon bosszút a bűnözőn, az isteneken és egy erényes ember sorsán, hogy megjósolja a jövő nemzedékeinek ítéletét, ha merészeli. Természetesen, mint általában, a művészet valódi fejlődésében nem illett bele az esztétikai és etikai programok merev rendszerébe. Csak egyéni, művészileg nem a legtökéletesebb megnyilvánulásaiban szó szerint követte a megfelelő recepteket.

A rokokó kialakulásának korai szakaszában, a még el nem jött művészi mozgalmak világos körülhatárolásának körülményei között lehetséges volt egy olyan nagy művész megjelenése, mint Watteau. Munkássága nemcsak a rokokó mint stilisztikai irányzat alapjait fektette le, hanem annak egyik legszembetűnőbb művészi megtestesülése is volt. Ugyanakkor esztétikai tartalmában döntően túllépett meglehetősen szűk művészi és eszmei keretein. Watteau volt az, aki elsőként fordult az úgynevezett gáláns ünnepségek műfajához, és alkotta meg e cselekmények kifinomultan elegáns, kamaraszerű intim előadásmódját. De ellentétben az olyan tipikus rokokó mesterek meggondolatlan ünnepi eleganciájával, mint Lancret vagy a gáláns-grivoise Boucher, akik a 18. század második harmadában dolgoztak, Watteau művészetét az ember belső világának spirituális árnyalatainak finom átadása jellemzi. , visszafogottan szomorú líra. Watteau munkássága fontos állomás volt a 17. század végi francia klasszicizmus hivatalos tradicionális stílusának elavult nagyképűségétől és grandiózusságától való átmenetben. a művészethez, szorosabban kapcsolódik az egyén lelki világához.

Más európai országokban például Németország és Ausztria egyes régióiban a rokokó elterjedt a palota- és kertépítészet területén. A rokokó stílus egyes vonásai az 1740-es és 1750-es években Csehország művészetében is megjelentek. A rokokó stílushoz hasonló vagy ahhoz közel álló pillanatok érezhetőek voltak az építészeti belső terek dekorációjában és más európai országok iparművészetében. Bár a XVIII A rokokó korának nevezett művészet nem kapott széles körű uralmat. Hatásainak széleskörűsége ellenére csak néhány országban szerzett igazán vezető stílus jelentőségét. A rokokó nem volt a kor stílusa, még abban az értelemben sem, ahogy a 17. századi művészetben néha a barokk kapcsán mondják. Sokkal inkább a legfontosabb és legjellemzőbb stílusirányzat volt, amely a 18. század első felében Nyugat- és Közép-Európa számos vezető országának művészetét uralta.

Általánosságban még egyszer hangsúlyozni kell, hogy a 18. századra, különösen annak második felére nézve lehetetlen megállapítani a korszak egészének egy bizonyos általános stílusát, amely minden térművészeti típust felölel. Ebben az időszakban az európai kultúrában a korábbinál nyitottabb formákban az ideológiai és művészeti irányzatok harca nyilvánul meg; Ezzel párhuzamosan folytatódik a nemzeti iskolák kialakulásának folyamata. A művészetben egyre nagyobb szerepet kezd betölteni a közvetlen valósághű életábrázolás; a festészetben és a szobrászatban fokozatosan elveszítve szerves kapcsolatát az építészettel, a festőállvány vonások nőnek. Mindezek a pillanatok aláássák azt a régi rendszert, amely a művészetek és az építészet szintetikus kapcsolatán alapul, a művészeti nyelv és technikák "stiláris" egységén alapul, amely a művészettörténet korábbi szakaszaiban is benne volt.

A művészet fejlődésének második szakasza a XVIII. az uralkodó rendszer ideológiája és ellenfelei közötti ellentmondások súlyosbodásával kapcsolatos.

Az abszolutizmus legelőrelátóbb képviselői bizonyos engedmények árán arra törekszenek, hogy a régi államformákat új módon hozzáigazítsák a „korszellemhez”, úgymond modernizálják, a látszatot keltsék. a felvilágosodás", osztályarisztokrata-abszolutista államukat az országos, általános polgári jog és rend hordozójaként adják tovább. A harmadik rend (és Oroszországban a nemesség haladó körei, az értelmiség osztályérdekeinek szűkösségét leküzdve) képviselői arra törekedtek, hogy a köztudatban meghonosítsák az állampolgárság alapelveit, az állam érdekeit szolgáló elveket. „a társadalom egésze”, bírálta az uralkodók despotikus önkényét, valamint a világi és egyházi arisztokrácia arrogáns egoizmusát.

A művészi kultúra progresszív fejlődésének új szakasza jelent meg két fő ideológiai és művészeti irányzat formájában, amelyek hol egymással szemben állnak, hol összefonódnak - egyrészt a klasszicizmus, másrészt nem illeszkednek a klasszicizmus stílusirányzatának keretei közé, közvetlenebbül valósághű a művészet fejlődésének formájában, ami leginkább a portréművészetben nyilvánult meg. A portrémesterek kreativitása a 18. század második felének festészetében és szobrászatában. Franciaországban, Angliában, Oroszországban (Gainsborough, Levitsky, Shubin, a klasszicizmushoz közel álló Houdon) a késő barokk szertartásos birtokarcképének vagy a korukat túlélő rocaille-hagyományokhoz kötődő, feltételesen szalonképes világi portrénak a vonalával álltak szemben.

Természetesen egyes portréfestők munkásságában akadtak úgymond maradványkapcsolatok egyik-másik stilisztikai irányzattal. De nem ez a pillanat, hanem a képek közvetlen valósághű életereje határozta meg a művészet fejlődéséhez való hozzájárulásuk művészi eredetiségét. Hogarth realisztikus festőállványfestészete és metszetei, részben Chardin, Greuze festménye, az élet közvetlen tükröződése felé fordulva még nagyobb mértékben átlépik a stílus határait. Általában a művészet a XVIII. nemcsak a középkorral és a reneszánszsal ellentétben nem ismert "a korszak egyetlen stílusát", de maguk a stílusirányzatok sem mindig testesítették meg koruk művészetfejlődésének fő irányzatait.

A klasszicizmus azon törekvésében, hogy olyan újakat hozzon létre, amelyek egyszerre természetesen egyszerűek és. a nemes gondolatok, ízlések és "erények" ápolására képes fenséges művészeti formák az ókori világ művészi kultúrája felé fordultak. Tanulmányozandó és követendő példa lett. A klasszicizmus tanának főbb rendelkezéseit Winckelmann német teoretikus és művészettörténész fogalmazta meg. Winckelmann tevékenysége nagyon jellemző a XVIII. Ebben a században rakták le az esztétika és a művészettörténet, mint a filozófia sikereihez szorosan kapcsolódó, valóban tudományos tudományág alapjait.

Winckelmann az ókori művészethez fordult, mint a pompás frazeológiától, a késő barokk "mesterségességétől" és a rokokó "komoly romlottságától" mentes kultúra klasszikus példájaként. Winckelmann úgy vélte, hogy az ókori Görögország művészete a természet felé fordult, és nemes, méltó érzéseket nevelt a szabad polgárokban.

Winckelmann elmélete bizonyos félszegséggel és politikai félénkséggel megfelelt a korszak progresszív tendenciáinak.

A 18. századi klasszicizmus, számos stílusjegyének feltétlen hasonlóságával a 17. századi klasszicizmussal, ugyanakkor korántsem jelenti annak egyszerű fejlődését. Ez egy alapvetően új történelmi és művészeti jelenség.

A klasszicizmus két fejlődési szakasza közötti minőségi különbség nem csak abból adódik, hogy az első úgyszólván a barokk kontextusában és azzal sajátos viszonyban alakult ki ( Lásd a Bevezetés a 17. századi művészetbe és a 17. századi Franciaország művészetéről szóló fejezetet.), a második pedig a rokokó művészet, más országokban a késő barokk leküzdésének folyamatában keletkezett. A művészi elképzelések skálájával és a klasszicizmus 17-18. századi társadalmi funkciójának sajátosságaival közvetlenül összefüggő, talán jelentősebb eltérések is voltak. Az antikvitás mint normához és művészi modellhez való apelláció, a kötelesség elsőbbségének érvényesítése az érzéssel szemben, a stílus magasztos elvonatkoztatása, az értelem, a rend és a harmónia pátosza a 17. és 18. századi klasszicizmus közös jellemzői. A 17. században azonban a klasszicizmus az abszolutista monarchia keretei között, a nemesi abszolutizmus keretein belüli nemzet megszilárdulásának kontextusában formálódott, és nem emelkedett a rendszer alapját képező társadalmi viszonyok nyílt tagadásáig. . A progresszív irányzat antifeudális irányultsága a 18. századi klasszicizmusban sokkal hangsúlyosabb volt. A 18. századi klasszicizmus nemcsak az ókorból merített példákra hivatkozva folytatódott, hogy megerősítse az értelem érzés feletti győzelmének, a kötelesség a szenvedély feletti győzelmének nagyságát. A 18. században az ókori művészetet azért is normának és ideális modellnek nyilvánították, mert a klasszicizmus ideológusai szerint ez volt a legharmonikusabb és legtökéletesebb megtestesítője az ésszerű, szabad társadalomban élő emberben rejlő maradandó, ősi erényeknek. az ókor városköztársaságai. A 18. századi klasszicizmus egyik vagy másik képviselőjének progresszivitásának mértékétől és mélységétől függően vagy a nemesített természetesség eszményének esztétikai és erkölcsi felsőbbrendűsége és az új irány kecses egyszerűsége került hangsúlyozásra a késő rokokó könnyelműségéhez képest. vagy a késő barokk bonyolult pompája, vagy a klasszicizmus polgári pátosza hangsúlyozott.

A klasszicizmus alapelveinek kidolgozása a következetes polgári tudat és a harcos forradalmi szellem jegyében Dávid munkásságában valósult meg, aki felülkerekedett a világszemlélet kialakulásának egy korábbi szakaszára jellemző osztályfilisztikus beszűkületen és szentimentális moralizáláson. harmadik birtok. Dávid festményein a köztársasági Róma hőseinek polgári képességeit énekelte, és arra buzdította a „szabadság barátait”, hogy inspirálódjanak magasztos példájukon. A 18. század végi forradalmi klasszicizmus elvei. összefügg azonban a forradalom alatti következő történelmi korszak születésével. A század második felének francia építészetében a klasszicizmus elegánsabb kamaraformáival, az úgynevezett XVI. Lajos-stílussal együtt Souflot munkásságában fektették le az alapokat a korszak szigorúbb, tulajdonképpen monumentális-polgári megértéséhez. építészet feladatai.

A legtöbb más európai országban a klasszicizmusnak nem volt olyan következetesen forradalmi jellege, mint Franciaországban a forradalom előestéjén és első éveiben.

Oroszországban a fenséges civil építmények (Bazhenov zseniális projektjei, Delamotte és Quarenghi munkája), valamint Felten és Cameron elegánsabb és egyszerűbb művészetében, Kozlovszkij monumentális és hősi szobraiban a nemes racionalitás eszményét erősítették meg. és a polgári patriotizmus, amely még nem került nyílt ellentmondásba az orosz állam államszerkezetével. Németországban a klasszicizmus művészeti gyakorlata korlátozottabb és kompromisszumosabb volt. A szentimentalizmus és kontempláció elemeivel színesített Mengs művészete és Angelica Kaufman cukros munkája a klasszicizmusnak azt a szárnyát képviselte, amely a művészet szférájában a régi rendszer modernizációs és a kor új irányzataihoz való alkalmazkodási törekvéseit fejezte ki.

Megjegyzendő, hogy az építészetben, részben a szobrászatban és a festészetben uralkodó stílussá vált klasszicizmus az irodalom területén nem ért el hegemóniát. A klasszicizmus realista oldalát és kissé racionalista elvonatkoztatását egyaránt elsősorban Voltaire tragédiaszínháza vette át. A klasszicizmus a költészetre is érezhető hatást gyakorolt ​​(Chenier). Az olyan irodalmi formák, mint a regény és a novella, amelyek közvetlenül kapcsolódnak a valóságos élet ellentmondásainak elemzéséhez, következetesebben és nyíltabban realisztikus művészi formákban fejlődtek tovább.

A klasszicizmus mellett a 18. század második felének kultúrájában. olyan irányzatok alakultak ki, mint a szentimentalizmus és az úgynevezett preromantikus mozgalom a művészetben. Ezek az irányok legteljesebben a költészetben, a színházban és a prózairodalomban öltöttek testet. A vizuális művészetekben hatásuk kevésbé volt látható, és különösen Franciaországban kevésbé volt gyümölcsöző. Ha a klasszicizmus főként a korszak magas civil és etikai eszméit fejezte ki a leguniverzálisabb és legelvontabb formájukban, akkor a szentimentalizmus és a preromantizmus közvetlenül az ember személyes érzésvilágának értékének vagy a vele való konfliktusok drámaiságának érvényesítésére apellált. a környező valóságot.

Stern „Szentimentális utazás” című művében nemcsak a régi rendszer birtokát és reakciós etikáját utasítja el, hanem kigúnyolja a burzsoá erkölcs képmutatását és hitványságát is, amely Angliában már megnyilvánult. Németországban a néha preromantikaként jellemezhető Sturm und Drang mozgalom élesen polemikus álláspontot foglal el a német klasszicizmussal kapcsolatban, racionális-racionális, ideológiailag félénk és félkegyelmű. A Sturm und Drang mozgalmat, amelyhez az ifjú Schiller és Goethe csatlakozott, antifeudális vádaskodó pátosz hatotta át.

Franciaországban, ahol a 18. század második felétől. döntő forradalmi robbanás volt készülőben, ahol a burzsoázia nagy kulturális hagyományokkal és kellő társadalmi hatalommal rendelkezett, a művészet fő fejlődési vonala Dávid forradalmi klasszicizmusa teljes polgári pátoszának megszületéséhez vezetett. Az 1780-as években Franciaországban közvetlenül a forradalom előtti helyzet alakul ki. Az 1789-es polgári forradalom egy egész korszakot zárt le az emberiség történetében, és megnyitotta az utat a társadalom és művészeti kultúrája fejlődésének új szakasza előtt.

A disszertáció absztrakt teljes szövege "A 18. század orosz művészete az orosz művészettörténetben (a 19-20. századi orosz művészettörténészek válogatott munkái alapján)" témában.

Szentpétervári Állami Egyetem

Kéziratként

Szvjatoszlav Vszevolodovics BENOIS-ROGALSKIP

A XVIII. SZÁZAD OROSZ MŰVÉSZETE AZ OROSZ MŰVÉSZETTUDOMÁNYBAN

(a 19-20. századi orosz művészettörténészek válogatott munkái alapján)

Specialitás 07.00.12 - művészettörténet

SZENTPÉTERVÁR

A munkát a Szentpétervári Állami Egyetem Művészettörténeti Tanszékén végezték.

Akadémiai felügyelő – Hivatalos ellenfelek

Vezető intézmény -

A művészettörténet doktora, T. V. Iljina professzor, a történettudomány doktora Yu. I. E. Repin, az Orosz Művészeti Akadémia

A szakdolgozat megvédése 1993 $ »

óra a Szaktanács K-063.57.40 ülésén a Szentpétervári Állami Egyetemen a tudomány kandidátusi fokozatának odaítélésére (199034, Szentpétervár, Mendelejevszkaja vonal, 5).

A disszertáció a Tudományos Könyvtárban található. M. Gorkij Szentpétervári Állami Egyetem.

a Szaktanács tudományos titkára,

V. A. Kozmin a történelemtudományok kandidátusa

1. AZ ÉRTEKEZÉS ÁLTALÁNOS LEÍRÁSA

A tanulmány tárgya és kronológiai kerete. A disszertáció témája a 18. századi orosz művészet az orosz művészettörténetben. Az orosz művészet ezeréves történetének tanulmányozása teljes terjedelmében a 19. században kezdődik. A művészettörténet születése a nemzeti kultúra új szakaszát jellemzi - az évszázados művészeti tapasztalatok megértésének és tanulmányozásának szakaszát. A művészi értékkel bíró művészet szellemi értékre tesz szert, fejlődésének folyamatainak tanulmányozása önálló tudományos tevékenységi formává válik. Ez lehetővé teszi, hogy a művészetforma kutatásáról, mint sajátos vizsgálati tárgyról beszéljünk. A művészettörténet fejlődése, egy új diszciplína - a művészettörténet - kialakulása ahhoz vezet, hogy nagy mennyiségű irodalmat kell tanulmányozni és rendszerezni, amely a különféle művészettípusok problémáival, az egyes mesterek alkotói modorával, interakciójával foglalkozik. a stílusok és a művészeti kultúrák kölcsönös hatása.

A művészet tanulmányozása lehetővé teszi, hogy a művészeti formák folyamatos fejlődési folyamatának tekintsük. Tanulmányozni kell e folyamat megértésének jellemzőit a történelem különböző időszakaiban. A 18. századi orosz művészet, mint az orosz művészeti kultúra egyik legfontosabb korszaka, folyamatosan felkelti a kutatók figyelmét. A művészettörténészek több generációjának alkotói örökségének általánosítása a korszak további tanulmányozásának szükséges feltételévé vált.

A 18. századi oroszországi térművészet fejlődésének problémái, amelyeket a művészettörténészek számos tanulmányában felvetettek, e munka tárgyát képezték. A disszertáció kronológiailag két évszázadot ölel fel – a XIX. és a XX. évet, amelyek során az orosz művészettörténet nagy utat tett meg a kezdetektől egészen a mai állapotáig, mint teljesen független tudományág.

A 19. század a művészettörténet létezésének ideje az irodalom, a műkritika és a régészet metszéspontjában. Az orosz művészettörténet fokozatosan önálló tudományos tevékenységgé kristályosodik ki a XIX-XX. század fordulóján. fénykora, amikor a 18. századi művészeti örökség igazi felfedezése történik. Ezt követően a kutatók különböző szempontok felé fordulnak

az Új Idő művészete Oroszországban, felfedezve minden újat; oldalak és új nevek.

A téma relevanciája. A disszertáció választott témája elméleti és gyakorlati szempontból tudományos szempontból relevánsnak tűnik a szerző számára. Ennek a kérdéskörnek a vizsgálata kiemelt tudományos jelentőséggel bír, mivel lehetővé teszi magának a 18. századi művészettörténetnek és a művészettörténetnek egyidejű tanulmányozását. Ez a kombináció az orosz művészeti kultúra erőteljes rétegét alkotja, amely a szellemi-időbeli térben három évszázadot ölel fel. Ezeknek a problémáknak a vizsgálata különösen aktuálisnak tűnik jelenleg, azért is, mert napjainkban óriási a nemzeti öntudat hullámzása, az európai interetnikus kapcsolatok bővülése és bonyolódása. Ez szükségessé teszi a művészeti kultúrák múltbeli interakciójának és kölcsönös befolyásának történetének megértését, ami lehetővé teszi az orosz művészet helyének pontosabb meghatározását az európai művészeti folyamatban. Annak ellenére, hogy az orosz művészettörténet sokkal fiatalabb, mint az orosz művészet, amelynek problémáit tanulmányozza, már elegendő tudományos anyag halmozódott fel, bizonyos hagyományok és irányzatok kialakultak, és ez lehetővé teszi és feladat elé állítja a történelem fejlesztését. magának a művészettörténetnek.

A téma tanulmányozási foka. A hazai művészettörténészek erőfeszítéseinek köszönhetően a 18. század orosz művészetének problémái meglehetősen fejlettek. Teljes kép készült a 18. századi oroszországi művészet fejlődéséről. A 18. századi orosz művészet tanulmányozásának történetével kapcsolatban azonban eddig gyakorlatilag nincs történetírói munka.

A kutatás célja és módszere. A tanulmány célja az orosz művészettörténészek legfontosabb, a 18. századi problémákkal foglalkozó munkáinak áttekintése és elemzése, e tanulmányok jelentőségének meghatározása a nemzeti művészettörténeti iskola fejlődése szempontjából, és ennek alapján a ennek alapján alkotja meg az orosz művészettörténet legteljesebb képét, amelyet a 18. század oroszországi művészetének szenteltek.

E tanulmány jellege szisztematikus megközelítést igényel, amely magában foglalja egy integrált kutatási módszer alkalmazását, amely magában foglalja a művek ideológiai, művészi és stilisztikai jellemzőinek elemzését; tudományos forrásokban található információk összehasonlítása; kutatási források jellemzőinek azonosítása és leírása; műemlékek (források) korszakonkénti rendszerezése ezen időszakok legjellemzőbb típusainak, sajátosságainak azonosításával - munkák.

A szakdolgozat megírásakor a következő feladatokat tűztük ki:

A 18. századi orosz művészet tanulmányozása felé való fordulás előfeltételeinek jellemzése;

Mutassa be a 18. századi művészet helyét és jelentőségét az orosz művészeti kultúra történetében;

Monográfiák és cikkek elemzése - a 19-20. századi nemzeti művészettörténeti iskola főbb, a 18. századi művészet problémáihoz kapcsolódó munkái;

Határozza meg a vizsgált időszakban a műalkotások jelentőségét a nemzeti művészettörténeti iskola kialakításának folyamatában (a XVIII. századi művészetkutatás kapcsán);

Feltárja az egyes időszakok természetét és sajátosságait a XVIII. századi orosz művészet tanulmányozásának történetében;

Meghatározni a művészettörténészek főbb megközelítéseit az orosz és az európai művészeti kultúra interakciójának problémáihoz, valamint az eredetiség és a behatolás elemeinek összefüggéséhez, mint az új idő oroszországi művészetének fő jellemzőihez;

Vázolja fel a 18. századi orosz művészet további kutatásának lehetséges módjait.

Források. A téma feldolgozásához a 19-20. században Oroszországban megjelent monográfiák, folyóiratcikkek, referenciaanyagok széles skáláját vonták be. Ennek alapján elemezzük a 18. század legjellemzőbb képzőművészeti és építészeti alkotásait.

A disszertáció tudományos újszerűségét meghatározza, hogy a hazai művészettörténetben nem találhatóak olyan általánosító jellegű alkotások, amelyek egyben átfogó leírást tartalmaznának a 18. századi orosz művészetről és az e korszaknak szentelt művészettörténetről.

A 18. század orosz művészetének történettudományi kérdései mindeddig nem képeztek különösebb figyelmet, és a különböző szerzők csak annyiban foglalkoztak velük, amennyire ez kutatásaik problémáinak megoldásához szükséges volt. Emellett a mű a 18. századi hazai művészet további kutatásának lehetséges irányait mutatja be.

A disszertáció gyakorlati jelentősége abban rejlik, hogy a vizsgálat eredményei felhasználhatók a XVIII. századi orosz művészet és az orosz művészettörténet történetének továbbtanulmányozásában, az oktatási folyamatban az általános és speciális kurzusok elkészítésében. előadások, tankönyvek a XVIII. századi orosz művészet történetéről és az orosz művészettörténetről, valamint referenciaanyag mindenki számára, aki érdeklődik az orosz művészeti kultúra története iránt.

Munka szerkezete. A dolgozat bevezetőből, három fejezetből áll (az utolsó fejezet négy részre oszlik),

zárványok és hivatkozások listája a 18. századi orosz művészet történetéről. A munka időrendi sorrendben történik.

II. AZ ÉRTEKEZÉS FŐ TARTALMA.

Bevezetés. XVIII. SZÁZAD AZ OROSZ MŰVÉSZET TÖRTÉNETÉBEN. VIZSGÁLATÁNAK SZAKASZAI.

A 18. század az orosz művészeti kultúra fejlődésének ezeréves történetének egyik legfényesebb korszaka. Mint minden más korszaknak, ennek is számos sajátossága van, amelyek teljesen eltérnek a többi korszaktól. Az orosz kultúra számára a 18. század elsősorban a nyugat-európai civilizációval való intenzív interakció időszaka. Ekkor vált Oroszország felvilágosult európai monarchiává. Oroszország és Európa sorsát mostantól nemcsak a közös földrajzi fekvés, hanem nagymértékben a közös kulturális tér is meghatározza. Az orosz élet hagyományos alapjainak reformjai a 17. században kezdődtek, de a 18. században ez a folyamat egyértelmű irányt kapott, és az állampolitika fontos részévé vált.

Eleinte a Nyugathoz való felhívás főként „pragmatikus” volt, amit I. Péter céljai határoztak meg – Oroszország bevonása az európai politikai, gazdasági és kulturális életbe. Ezt követően ez kétféle kultúra szoros kölcsönhatásává vált. Ennek az interakciónak az eredménye egy európai típusú orosz nemzeti kultúra létrejötte. A 18. század a nemzeti művészet új figurális rendszerének megalapozásának idejét jelenti. Az építészet, festészet, szobrászat, grafika, iparművészet fokozatosan elnyeri az európai művészetben rejlő formákat; most bizonyos fejlődési törvényeknek vannak kitéve, amelyek szinte az egész kontinens kulturális fejlődési folyamatát egyesítették. Egységessé válik a művészet stílusrendszere, a műfaji felépítés, a figurális rendszer. Oroszország belépése a páneurópai kulturális térbe lehetőséget adott számára, hogy csatlakozzon az új művészeti értékekhez. A 18. századi orosz művészet története feltételesen öt időszakra osztható, amelyek megfelelnek a dinasztia legjelentősebb képviselőinek uralkodási időszakainak: I. Péter, Anna Joannovna, Erzsébet, II. Katalin, I. Pál. Ez a periodizáció tükrözi a a térművészet történeti fejlődésének menete, amelyet nagyban befolyásoltak a királyi udvar igényei. Minden következő szakasz szorosan kapcsolódik az előzőhöz, ennek ellenére mindegyiknek van fényes

kifejezett jellegzetes vonások, ami a művészet fejlődésének sajátosságaiban is megmutatkozik.

A 18. század hatalmas mennyiségű anyagot hagyott a művészettörténészekre, amelyek tanulmányozása szokatlanul nehéz feladatnak tűnik. És a nehézség itt nem csak a nevek, művek, stílusok, műfajok és cselekmények bőségében van. Az orosz művészet ezen szakaszának tanulmányozásának összetettsége abban rejlik, hogy meg kell határozni jelentőségét az orosz művészeti kultúra egész későbbi fejlődése szempontjából. Oroszország, amelynek kultúrája hét évszázadon át egy bizonyos úton fejlődött ki, és ezen az úton jelentős eredményeket ért el, a 18. század elején egy teljesen más típusú kultúra felé fordul, sok tekintetben az ellenkezője annak, mint amilyennek. korábban elkövették. A fentiek alapján elmondható, hogy a 18. századi orosz művészet tanulmányozásának fő problémája az orosz és az európai kultúra történetében betöltött szerepének és helyének tisztázása, a művészet művészi értékének és hitelességének meghatározása. század.

Az első lépések ebben az irányban a XVIII. Elég csak felidéznünk Jakob Stehlin művészettörténész, gyűjtő és tudós írásait, akinek az oroszországi képzőművészetről szóló feljegyzései igazi enciklopédia, ahol információkat gyűjtöttek az építészet, festészet, szobrászat, mozaikok, metszet történetéről és jelenlegi állapotáról. és sok más művészeti fajta. Shtelin jegyzetei a 18. századi orosz művészet első történetévé váltak.

A 19. században az előző századi művészet jelentőségének megértésének folyamata szisztematikus jelleget kap. Ekkor nagy mennyiségű tényanyag gyűlt össze, ami minden kutatásnak fontos feltétele. Hangsúlyozni kell, hogy a XIX. században Oroszországban nem volt a művészettörténet mint a szellemi tevékenység egyértelműen meghatározott területe. Míg a művészettörténet mint önálló humanitárius tudományág formálódásban volt, addig a térművészet fejlődésének és jelenlegi helyzetének kérdéseivel elsősorban a művészetkritika és az irodalom foglalkozott. Az irodalom és a művészet szintézise meghozta pozitív eredményeit. Ez mindenekelőtt a művészi nyelv kialakulását érinti, amely korának egyik fontos emléke. Ezt elemezve megítélhető a korszak társadalmának a műalkotásokhoz való viszonyulása, képeik, cselekményeik megítélése. A 19. század utolsó harmadában új irányzatok jelentek meg a formálódó hazai művészettörténetben. A művészet tanulmányozását nagyban befolyásolja a történelem, ami egészen természetesnek tűnik, mert a XIX.

ka - az általános érdeklődés időszaka Oroszország múltjában, kultúrájának elmúlt korszakaiban. A 19. század végét az orosz művészet első enciklopédiájának - N. Sobko "Orosz művészek szótárának" - kiadásával jellemezték, amely az orosz művészet történetével kapcsolatos sokéves anyaggyűjtés eredménye volt, különösen a 18. század művészete.

A 20. század eleje az orosz művészettörténet klasszikus korszakának nevezhető. A humanitárius tudásnak ez az új ága, amely végül a századfordulón alakult ki, gyorsan fejlődik. A térművészet történeti kutatásában intenzíven zajlanak a különböző irányzatok kialakulása. A kutatás egyik fontos tárgya a 18. századi orosz művészet. A nemesi birodalom virágkorának művészete iránti érdeklődés növekedését nagyban elősegítette a "World of Art" művészeti egyesület tevékenysége, amely a 20. század elején Oroszország egyik legszembetűnőbb kulturális jelenségévé vált. Ennek az egyesületnek a tagjai, A. Benois és I. Grabar a 18. századi orosz művészet legnagyobb történészei voltak. Munkájuknak köszönhetően megindult a 18. század hatalmas művészeti örökségének szisztematikus tanulmányozása.

Az 1920-40-es években. századi kifinomult udvari kultúra nem keltett nagy érdeklődést az esztétikai irányvonalait megváltoztató társadalomban. A forradalom után egy ideig továbbra is fennállt a World of Art hagyomány, amely továbbra is elkötelezett maradt az orosz ókor iránt. Az 1950-es évek közepén. század művészeti kultúrájának intenzív kutatása újjáéled. Ezután kezdődik az oroszországi térművészet történetéről szóló legalapvetőbb mű, az "Orosz művészet története" (I. Grabar főszerkesztője alatt) kiadása, amelyben három kötetet különítettek el az oroszországi művészettörténet bemutatására. 18. század. Az elmúlt harminc év művészettörténetét a XVIII. századnak szentelt tanulmányok nagy száma jellemzi. A jelentősebb festők és szobrászok munkássága részletes vizsgálaton esett át; számos vitatott vagy azonosítatlan szerzőségű műalkotás helyes hozzárendelése megtörtént; igyekeztek tanulmányozni a 18. századi orosz művészet főbb stílusait.

A művészettörténészek több generációjának munkájának köszönhetően a 18. század fényes és ragyogó korszakként jelenik meg előttünk, amelynek jelentőségét és hozzájárulását az orosz művészet általános történetéhez aligha lehet túlbecsülni. A művészettörténet, amely nélkül ez a korszak nem létezne a következő generációk emlékezetében, mint rendkívüli művészi érték, szintén kiemelt figyelmet és tanulmányozást érdemel. Egy egész évszázad művészetének történeti felfedezésének tanulmányozására tett hasonló kísérletet jelen munka is.

Tlava 1. XIX. SZÁZAD – A HÁZI MŰVÉSZET EREDETE. AZ ELSŐ KÍSÉRLET A 18. SZÁZAD FÜGGETLEN KORKÉNT ÉRTÉKELÉSÉRE AZ OROSZ MŰVÉSZETBEN.

Az orosz művészettörténet, mint a humanitárius tudás önálló ága és az orosz művészeti kultúra kutatási folyamatának legfontosabb összetevője kialakulásának kezdete a XIX. Fokozatosan megjelenik Oroszországban a nemzeti művészet története és elmélete, amely a művészeti kritikával együtt, egy-egy művészi folyamat menetét megvilágítja, olyan összetett fogalmat alkot, mint a művészettörténet. Ekkor kezdődött az orosz művészettörténeti anyagok gyűjtése és rendszerezése, felkelt az érdeklődés az egyes mesterek munkáinak stilisztikai elemzése iránt, és szükség volt a nemzeti művészeti kultúra történetének tanulmányozására.

Megjegyzendő, hogy a 19. századi művészettörténeti hagyomány jelentősen eltér a későbbi kor hagyományától. Ez a különbség elsősorban a ténymegállapítás preferálásában rejlik, míg a későbbi művészettörténet inkább a láthatót elemzi, nem elégszik meg pusztán felületes leírással. A 19. század első felében a művészettörténet által kidolgozott témák és cselekmények körének folyamatos bővülése figyelhető meg. A század elején az európai művészetet részesítették előnyben, mind a múltban, mind a jelenben, de 20 év után meglepő az orosz művészetben lefedett jelenségek sokfélesége. Az 1830-as években egyre nagyobb az érdeklődés az orosz középkori művészet története iránt. A 18. századot, amelynek művészi kultúrája az új idők orosz kultúrájának alapja, kezdik a nemzeti történelem egyik legjelentősebb korszakaként elismerni - amikor az ó-oroszország túlnyomórészt egyházi kultúrája átadta helyét a világinak. a kultúra nyitott a különféle hatásokra, sőt keresi ezeket a hatásokat.

A korabeli néhány művészeti folyóirat a klasszicista esztétikát követte. Ez a körülmény minden kiadvány legelső olvasásakor feltűnő, legyen szó V. Grigorovics „Szépművészeti Lapjáról” vagy N. Kukolnik „Művészeti Újságjáról”. De ez semmilyen módon nem akadályozza a művészeti tevékenység fontosságáról és jelentőségéről szóló elképzelések kialakulását, valamint e tevékenység tanulmányozásának szükségességét.

Hangsúlyozandó, hogy a hazai művészettörténet kialakulásának folyamata csak a 19. század végén - a 20. század elején zárul le. A 19. század első felében beszélhetünk műkritikáról, időről időre foglalkozni

a művészet tanulmányozása a művészetkritika által meghatározott korlátok között. Akkoriban nagyrészt írók foglalkoztak vele, ami rányomta bélyegét, hiszen az irodalomkritika tapasztalatai átkerültek a művészettörténet talajára. Bevezettek egy irodalmi formát a művészetkritikába.

A 19. század második felében a formálódó hazai művészettörténet új vonásokat kap. Ez egyrészt annak köszönhető, hogy a művészettörténeti tanulmányozás önálló tevékenységgé válik. A művészettörténet tudományos alapjainak fejlődésével, még ha nem is ilyen egyértelműen megfogalmazva, megjelennek olyan emberek, akiknek hivatása a térművészeti alkotások rendszerezése, tanulmányozása. Az akkori művészettörténészek gyakran nem rendelkeztek speciális oktatással. Professzionális tudásukat a művészet iránti szenvedély adta, amiért otthagyták korábbi szakterületüket. Másrészt ennek az időszaknak a jellegzetessége a történelem iránti szenvedély. A műalkotáshoz, mint történelmi dokumentumhoz való viszonyulás, amely már a 19. század első felében megjelent, mára irányt vesz. A művészetet tanulmányozni kell, hogy megismerjük az emberi kultúra történetének múltbeli korszakait.

Az orosz művészettörténet egyfajta mérföldkövének tekinthető az 1870-es év, amikor a 16-18. A rajta bemutatott vásznak sokszínűségét a P. Petrov által összeállított részletes katalógus alapján lehet megítélni. Egy kiállítás keretein belül először mutatkoztak be ilyen nagyszámú 18. századi portré. A portréfestészet a történelmi és vallási festészet mellett kiemelt figyelem tárgyává válik. Meg kell azonban jegyezni, hogy ez a kiállítás elsősorban történelmi volt. A portré műfaj segítségével Oroszország történelmét arcokban mutatták be. Az érdeklődést a művészet képeivel kifejezett történet keltette fel.

A 19. század orosz művészettörténetének egyik legjelentősebb alkotása N. Sobko orosz művészek szótára. Ez a kiadvány az orosz művészet történetének területén végzett sokéves kutatás eredménye. Az igen széles levéltári bázis mellett a Szótár szigorú anyagelrendezési logikára épült. Minden cikk tartalmaz egy életrajzi vázlatot, a művek listáját a tárolási helyük megjelölésével, valamint egy bibliográfiai tárgymutatót, amely információkat tartalmaz a témában megjelent főbb publikációkról. Ez oda vezetett, hogy a szótár biobibliográfiaivá vált, így az orosz művészettörténet új szakaszának kezdeteként tekinthető. tervezés szerint

Sobko szerint ennek a kiadásnak egy hatalmas referencia-apparátust kellett volna tartalmaznia, amely önálló értékkel bír az orosz művészet történetével kapcsolatos információk tárházaként. És bár a szótárat nem adták ki teljes terjedelmében, óriási mértékben hozzájárult az orosz művészettörténet kialakulásához, megbízható anyagok tömegével szolgált az orosz művészet történetéről, és hozzájárult az orosz művészettörténeti bibliográfia fejlődéséhez.

Egy másik irány, amelyben a művészettörténet nagy sikereket ért el, az orosz képzőművészet ikonográfiai kutatása volt. A 19. század végének ikonográfiai kiadványai közül D. Rovinszkij munkája klasszikusnak tűnik, amely máig sem veszített értékéből. Ő volt a legnagyobb hazai vésett arcképgyűjtő. Rovinszkij az "Orosz vésett portrék részletes szótára" című műveinek kiválasztásakor a mű történelmi és művészi értékéből is kiindult. A kutató munkája körülbelül harminc évig tartott. A szótár legteljesebb változata mintegy tízezer képet tartalmazott több száz és több száz történelmi személyről. A kommentárok komoly levéltári kutatásokon alapultak, és teljes értékű cikkek voltak emberekről, akik közül sokan tetteikkel dicsőítették az orosz államot.

Rovinszkij ikonográfiai munkái, Petrov és Szobko levéltári kutatásai nagymértékben hozzájárultak ahhoz, hogy a hazai művészettörténet tényanyagot halmozzon fel az újidő orosz művészettörténetéről. Egy ilyen szilárd ténybeli alap lehetővé tette, hogy a különféle művészeti műemlékek gyűjtésétől, gyűjtésétől és rendszerezésétől elmozduljunk a művek művészi elemzése felé, ami a művészettörténet, mint analitikus tudományág kialakulását jelezné a maga módszereivel és kutatási módszereivel. A 19. század nagyon fontos szakasznak bizonyult az oroszországi művészettörténeti tanulmányok kialakulásának összetett és hosszadalmas folyamatában. A művészettörténet kialakulásának alapvető törvényszerűségei szorosan összefüggenek az ország kulturális életének alakulásával. Az alkotói gyakorlat sajátos problémái, amelyek befolyásolták a művészet egyes ítéleteinek tartalmát és magát az elméleti kérdések felvetésének módját, meghatározták az orosz művészettörténeti gondolkodás fejlődésének alapvető vonásait.

fejezet II. A XX. SZÁZAD eleje- A XVIII. SZÁZAD OROSZ MŰVÉSZETÉNEK TANULMÁNYÁNAK FŐ IRÁNYAI KIALAKULÁSA.

Oroszország művészeti élete a XIX végén - a XX. század elején. rendkívül sokszínű volt. A művészetben ebben az időszakban kialakult helyzet sokkal bonyolultabbá vált, mint a XIX. Számos új művészeti koncepció jelent meg, amelyek a művészet új stílusainak és irányzatainak kialakulásában nyilvánultak meg. Ennek kapcsán gyakran fellángoltak az eddig ismeretlen terjedelmű polémiák a művészi gondolkodás egyik vagy másik módszerének védelmezői és ellenzői között.

Az 1890-es években megkezdődik a századfordulón a World of Art csoportban egyesült mesterek aktív alkotói tevékenysége, akiknek művészete a 20. századhoz tartozik - A. Benois, K. Somov, A. Golovin, E. Lansere és még sokan mások. aktív alkotó tevékenység. A korabeli művészeti témák sokfélesége közül a művészet világának képviselőit a 18. század kifinomult és kifinomult művészete vonzza.

Számukra a 18. század a művészet számára ideális korszak, esztétikailag teljes és tökéletes korszak volt. Festészetüket inkább a nemes művészet kifinomultságának és finom ízlésének nosztalgikus emlékei ihlették. Sokkal inkább szimbolikus, mint konkrét, valóságos, még akkor is, ha a valóságban megtörtént események ábrázolásáról beszélünk. A "Művészet Világa" számára a fő cél az volt, hogy átadja a kor esztétikáját. Művészetükkel felkeltették az érdeklődést az „ősi” iránt, feltárták a korántsem ősi, de ősi, a racionális felfogás számára nem mindig hozzáférhető, ezért még vonzóbb művészi kultúra vonzó aspektusait.

A XVIII. századi művészet iránti szenvedély hozzájárult a tanulmányozási folyamat fejlődéséhez. A 20. század elején rakták le az alapokat a korszak művészeti kultúrájának későbbi átfogó tanulmányozására. 1902-ben rendezték meg az „Oroszországi portréfestészet 150 éves (1700-1850) kiállítását”, amely az orosz portréművészet mestereinek számos alkotását mutatta be, Nagy Péter korától a 19. század közepéig. A kiállítás szervezői mindenekelőtt arra törekedtek, hogy a portrék művészi oldalára hívják fel a látogatók figyelmét, függetlenül az ábrázolt személy történelmi szerepétől. Művészeti kiállítás volt, nem történelmi kiállítás. Ennek az eseménynek a tudatosítása játszott fontos szerepet a művészettörténet-kutatás fejlődésében, és nem a történelem a bemutatott képeken keresztül.

műalkotások, mint eddig.

A 18. század orosz művészetének tanulmányozása századunk elején folyamatos jelleget kap. Sok művészettörténész tanulmányozta ezt a korszakot. Ez részben a 18. század első harmadának esztétika iránti általános szenvedélyének volt köszönhető, amely a 20. század eleji orosz művészetben egész jelenséggé vált, és nagy hatással volt számos művész és építész alkotói modorára. . A művészettörténészek közül, akiknek erőfeszítései révén a 18. századot „felfedezték”, és az orosz művészeti kultúra grandiózus korszakaként kezdték el felfogni, mindenekelőtt A. Benois, I. Grabar, I. Kurbatov, Hv Wrangel, S. Diaghilev, I. Fomin, A. Uspensky.

A 18. század művészetének szentelt irodalom teljes kötete több kiadványcsoportra osztható. Mindenekelőtt általánosító jellegű monografikus alkotásokról van szó (A. Benois „Orosz festészeti iskolája”, 1904; I. Grabar „Az orosz művészet története”), amelyekben az akkori elképzelések * erről a művészetről korban találtak kifejezést, és amelyek tükrözik a tudományos forgalomba hozott anyagok kutatási fokát. A második csoportba hatalmas számú folyóirat-kiadvány tartozik - cikkek, esszék, jegyzetek, amelyek leggyakrabban az egyes mestereknek és munkáiknak szenteltek. Néha azonban vannak köztük olyan cikkek, amelyek a 18. századi orosz művészet történetének egész szakaszaihoz kapcsolódó problémákkal foglalkoznak (N. Wrangel "Idegenek Oroszországban" - cikk az "Old Years" folyóiratban, 1911; I. Fomin "Moszkva klasszicizmus" - cikk a "World of Art" folyóiratban, 1904). A harmadik csoportot különféle referencia kiadványok alkotják. Az ilyen jellegű irodalmat is több típusra oszthatjuk: kiállítások és múzeumi gyűjtemények katalógusai (N. Wrangel "Az orosz portré kiállításának részletes illusztrált katalógusa 150 év (1700-1850)", 1902; "Sexander császár orosz múzeuma III: Festészet és szobrászat", 1904; „A Művészeti Akadémián tárolt ókori műalkotások katalógusa", 1908); életrajzi szótárak (A. Uspensky "A 18. századi művészek szótára, akik a királyi palotákban dolgoztak", 1913); ikonográfiai szótárak ("XVIII. és 19. századi orosz portrék", 1905-1909); századi művészet irodalom indexei (N. Wrangel "A XVIII. századi orosz könyvek a művészetről", 1907-1908). Mindezek a kiadványok hozzájárultak a századi művészettörténet változatos és sokrétű anyagainak rendszerezéséhez, és voltak az alapjai, amelyekre a művészettörténetnek az a része épült, amelynek vizsgálati tárgya az újidő hazai művészete volt.

Óriási szerepe van az orosz nyelv "felfedezésének" és kutatásának folyamatában

A század eleji művészeti folyóiratok szerepet játszottak a 18. század képzőművészetében és építészetében, sőt, a hazai művészettörténet fejlődésében is. Közülük mindenekelőtt "A művészet világa" (1898/99-1904, szerk.: S. Diaghilev és A. Benois), a "régi évek" (1907-1916, szerk. V. Vereshchagin és P. . Weiner) és "Oroszország művészeti kincsei" (1901-1907, szerk. A. Benois). Ezek a folyóiratok a 18. – 19. század eleji orosz művészeti kultúra tanulmányozásának eredeti központjai voltak. Körülöttük nemcsak művészek, grafikusok, szobrászok, építészek, más művészeti ágak képviselői csoportosultak, hanem művészettörténészek, gyűjtők, az „orosz ókor” szerelmesei is, ami hozzájárult a kutatási tevékenység intenzívebbé tételéhez.

A 20. század eleji művészettörténet jelentőségét az orosz művészet fejlődéséről alkotott kép alakításában aligha lehet túlbecsülni. Ezalatt a rövid idő alatt kidolgozták a 18. századi oroszországi művészet tanulmányozásának rendszerét, kidolgozták a művészettörténet mint a humanitárius tudás sajátos ágának tanulmányozásának módszereit.

Természetesen előfordult, hogy a 18. századi művészettörténet tanulmányozása három, egy-egy mesternél gyakran egymást metsző, sőt egybeeső, de mégis jól elkülöníthető irányban folyt. Ezek közül az első, a legkorábbi, a 19. századból származó, a megbízható információk felkutatása, felhalmozása, meghatározott sorrendben való elrendezéseként jellemezhető. Ez az irány valóban a kezdeti, hiszen „egy adott időszak tényanyaga nélkül lehetetlen ennek az időszaknak a történetét összeállítani, itt az események kronológiájának felépítése a cél.

A 18. század művészettörténetének vizsgálata, mint az egész hazai művészet fejlődési folyamatának szerves része, a második irányhoz köthető. A legteljesebb és legátfogóbb ilyen jellegű munka az I. Grabar által szerkesztett orosz művészet története. Ez a kiadás ugyan befejezetlen volt, de egyfajta alapjául szolgált az oroszországi művészet történeti fejlődésének képének felépítéséhez. A szerzők a korábban rendelkezésre álló, gyakran töredékes információk és az általuk az archívumban gyűjtött anyagok alapján az orosz művészet történetének egymást követő eseményeinek láncolatát hozhatták létre széles általános kulturális háttér mellett.

A harmadik irány talán a legnehezebben meghatározható és jellemezhető. A korszak történeti és esztétikai portréjának kialakításáról, olyan mesterek és alkotásaik kiosztásáról beszélünk, amelyek alapján megítélhető a korszak hozzájárulása a művészi formák fejlődéséhez. Ebből a pozícióból A. Benois a művészettörténetet tanulmányozta. Razo-

egy nagy ízlésű, fejlett intuícióval rendelkező történész, a művész és a kutató tehetségét ötvözi, át tudta venni a 18. század művészeti jelenségeinek lényegét. A középkorból származó régi orosz kultúra és a nyugat-európai kultúra ötvözete nagyon nehezen érthető és értékelhető eredményt hozott. A. Benois nevezhető annak a művészettörténésznek és kulturális személyiségnek, akinek nagyrészt köszönhetően a 18. századi hazai művészet nemcsak az orosz művészet általános történetének szerves részévé vált, hanem egyedülálló korszakként elfoglalta az őt megillető helyet. két teljesen különböző típusú figurális rendszer kölcsönhatására.

fejezet III. 1920-1990 - A XVIII. SZÁZAD OROSZ MŰVÉSZET TÖRTÉNETÉRŐL TELJES KÉP KÉPZÉSE. SZEREPE ÉS HELYÉNEK MEGHATÁROZÁSA A NEMZETI MŰVÉSZI KULTÚRÁBAN.

Az 1920-1990-es évek hazai művészettörténete. csakúgy, mint a művészetkutatás történetének bármely más korszaka, számos, csak rá jellemző sajátossága van. Ezek a tulajdonságok az összes többi tulajdonságon kívül egymástól eltérő eredetűek. Vagyis az egyes időszakok jellemzői magán viselik mind a külső hatások, mind a benne lezajló folyamatok lenyomatát. A külső hatások annak a következményei, ami kívül esik a művészettörténeten vagy a humán tudomány bármely más ágán. Ez egy reakció a véleménynyilvánítási jog gyakorlására. Ez nagyon különböző lehet, de végső soron az a kérdés, hogy a kutatót csak saját meggyőződése és a kutatás tárgyának szubjektív megértése korlátozza-e véleményének kifejtésében, vagy további, leggyakrabban politikai természetű tényezők befolyásolják. . A korszak hazai művészettörténetének tanulmányozása a művészet általános fejlődési folyamatának és oroszországi tanulmányozási folyamatának sajátosságai miatt meglehetősen nehéz feladatnak tűnik. Ez a sajátosság elsősorban a művészetek státuszának változásában rejlik, amelyről kiderült, hogy szorosan összefügg a politikai események menetével. A politika hatása lehetetlenné tette a kreativitás természetes és szabad fejlődését. Túlzás lenne azt állítani, hogy régen a művészet teljes fejlődési szabadságot élvezett, mert a kor ízlése kétségtelenül befolyásolta az adott művészt, műfajt, a művészi folyamat fejlődésének logikáját. Létező-

Voltak bizonyos szabályok, kánonok, amelyek így vagy úgy korlátozták az alkotói szabadságot. De mindez természetes természetű volt, és ilyen állapotba nem került. ellentmondás a kreativitás fejlődésének törvényeivel.

A művészet nem tapasztalta meg a tartalom romboló hatását. Ez utóbbi, bár nem teljesen a művész fantáziájának szüleménye, és gyakran, ilyen vagy olyan formában, ráerőltetett, mégis teret engedett az utóbbinak a saját képzeletének. A vizsgált időszakban a helyzet minőségileg változik. A művészet megszűnik szabad lenni a mester kreativitása szempontjából. Felette nem csak a társadalom ízlése, a vevő igényei vannak – most egy erős állami rendszer nyomása nehezedik rá. A kor művészeti folyamatának hasonló vonásai tükröződnek a művészettörténetben. A kreativitáshoz való hozzáállás átkerül a tanulmányozásába. Ennek megerősítése számos művészettörténeti tanulmányban található.

A XVIII. századi orosz művészet történetének tanulmányozása az 1920-1990-es években. több időszakra osztható. Az első az 1920-as évekből való. - a század eleji művészettörténeti irányzatok bizonyos fejlődése, különböző nézőpontok jelenléte jellemzi. 1930 - az 1950-es évek első fele nehéz időszak a bölcsészettudományok számára általában. Az orosz nemesi társadalom apogeusa, amely a XVIII. század volt, és a felvilágosodás korának eszméi természetesen nem találtak megfelelő megértést és megbecsülést akkor - az állam totális ideológiai nyomásának időszakában. A művészetben a primitíven értelmezett „realizmus” felé való orientáció természetesen lelassította az ország művészeti folyamatának fejlődését, és komoly károkat okozott az orosz művészettörténetben, amely a 19. század végén és a 20. század elején ért el ilyen sikereket. Ennek a korszaknak a tanulmányai közül azonban számos olyan monográfia jegyezhető meg, amelyeket a vizsgált idő sajátosságainak nagy megértése jellemez. Először is ez „az 1. emelet orosz festménye. 18. század." G. Lebedev, V. Taleporovsky "Charles Cameron" és N. Kovalenskaya munkái a 18. századi orosz művészetben a klasszicizmus fejlődésének problémáival és az e századi orosz művészeti kultúra általános problémáival foglalkoztak. A következő időszak az 1950-es évek második fele – 1960-as évek; ilyenkor az ideológiai nyomás valamelyest gyengül, és a humanitárius tudás fokozatosan kezd visszatérni a normális állapot valamilyen látszatához. Ezeknek az éveknek a fő művészettörténeti kiadványa az egész orosz művészettörténet legjelentősebb kollektív tanulmánya volt "Az orosz művészet története" (13 kötetben), I. Grabar főszerkesztője alatt. Számos vezető művészettörténész közreműködött ebben a munkában. Ennek a kiadványnak három, a XVIII. századi művészetnek szentelt kötetét mutatjuk be

egyfajta tudásanyagot képviselnek, amely akkorra már elérhető volt a század művészetéről. Jelentős tanulmányok ebben az időszakban is "orosz építészet a XVIII. század első felében". szerkesztette I. Grabar, „A. Losenko és az orosz művészet a 18. század közepén” A. Kaganovich és „D. G. Levitsky "N. Gershenzon-Chegodaeva. Időszak. 1970-es évek - 1990-es évek eleje századi orosz művészettörténet konkrétabb témáihoz való fordulás idejeként jellemezhető. V. Petrov „Mihail Ivanovics Kozlovszkij” és T. Iljina „Ivan Visnyakov” monográfiái az egyes mesterek munkájának fontos tanulmányaivá váltak. O. Evangulova „Szépművészet Oroszországban a 18. század első negyedében” című monográfiája a Petrine-korszak orosz művészetének elméleti problémáinak szentel.

Az orosz építészet történetének sokéves kutatásának eredménye az a koncepció, hogy a 18. századi orosz építészetben két fő stílus létezik: az orosz barokk és az orosz klasszicizmus, amelyek kifejezett nemzeti sajátosságokkal rendelkeznek, és jelentősen eltérnek a nyugati hasonló stílusoktól. európai építészet. Nagy előrelépés történt a 18. századi képzőművészet, különösen a festészet tanulmányozása terén. Ebben az időszakban jelentek meg monográfiák a 18. század legnagyobb orosz festőinek munkáiról. A művészettörténészek érdeklődését munkájuk tisztán festészeti vonatkozásai mellett az életrajzok olyan részletei is felkeltik, amelyek befolyásolták egyéni modoruk kialakulását, amelyek később az orosz festészet egész pályájának alakulását is befolyásolták. Emellett folyamatosan dolgoztak az ismeretlen szerzőjű művek hozzárendelésére és a múltban történt attribúciók tisztázására. Ez a folyamat hozzájárult számos mester munkájának értékelésének megváltozásához, és kiigazította az orosz festészet fejlődésére vonatkozó néhány jól bevált rendelkezést. A 18. századi orosz művészet történetéről az elmúlt évtizedekben felhalmozott anyagok komoly alapot jelentettek a korszak következő generációi művészettörténészeinek átfogó tanulmányozására, amely az európai művészet kolosszális történeti tapasztalatainak elsajátításának ideje lett. az évszázados orosz művészeti kultúra.

Következtetés. JAVASOLT MÓDOK A 18. SZÁZAD OROSZ MŰVÉSZETÉNEK TOVÁBBI TANULMÁNYÁHOZ.

Nyilvánvalónak tűnik, hogy a már összegyűjtött anyagok és a még feldolgozásra váró adatok alapján tanulmányozni kell az oroszok közötti interakció folyamatait.

a középkori és nyugat-európai művészeti kultúráról, nemcsak az egyes mesterek munkáinak példái alapján, hanem kétféle kultúra szerkezetének elemzése alapján is intenzív interakciójuk kezdetén, az uralkodás idején. I. Péter. Ebben az értelemben a térművészet fejlődése Oroszországban a 17. század végén – a 18. század első harmadában alapvető fontosságúak a világi művészeti kultúra megteremtésének egész folyamatában, a későbbi uralkodások során bekövetkezett változások ellenére is. Oroszország Nyugat-Európával való interakciójának tanulmányozása szükséges feltételnek tűnik az oroszországi művészet fejlődését szolgáló új koncepciók kialakításához. A Nyugattal való kulturális kapcsolatok tanulmányozása mellett szem előtt kell tartani a New Age - középkori művészeti hagyományok - állandó hatását az orosz kultúrára. A középkori hagyomány egészének hatásáról beszélünk, nem pedig a múlt egy-egy időszakának stílusjegyeiről. Ez a jelenség is külön megfontolást érdemel, mivel valószínűleg elkerülhetetlen reakció a Petrine-korszak kultúrájának átalakulásának gyorsaságára és intenzitására. Az oroszországi művészet létezésével és fejlődésével kapcsolatos számos probléma közül az egyik fő az állam, annak politikája és művészeti kultúrája közötti kapcsolat problémája. Ez a kérdés Oroszországban aktuális, mivel az állami és kormányzati struktúrák hagyományosan erős befolyást gyakorolnak az egyén tudatára, a művész személyiségére. A felvilágosodás eszméi Oroszországban valósultak meg, gyökeresen megváltoztatták az egyén szerepével kapcsolatos elképzeléseket, és hozzájárultak az egyén elidegeníthetetlen jogainak tudatosításához. Ezeknek az eszméknek az orosz kultúrára gyakorolt ​​hatása nagy jelentőséggel bírt, valójában a nyugat-európai szellemi teljesítmények legerőteljesebb befolyása volt az orosz társadalom és az orosz államiság alapjaira. A felvilágosodás a 18. század közepén és második felében az orosz művészeti kultúra fejlődésének legerősebb ideológiai tényezőjévé vált, és meghatározta Oroszország egyik legragyogóbb uralkodását - Nagy Katalin uralkodását.

A 18. századi orosz művészeti kultúra tanulmányozása történhet az orosz művészettörténet történetének tanulmányozása formájában is, amely nagy tapasztalattal rendelkezik ebben a kérdésben, és sok tekintetben ennek köszönhető az orosz művészet a XVIII. többként jelenik meg előttünk, mint számos fennmaradt emlékmű. Ebben a munkában megkísérlik figyelembe venni a művészetkutatók által a XVIII. századdal kapcsolatban megfogalmazott gondolatokat és ítéleteket. Ez annál is inkább fontos, hiszen egy ilyen vizsgálat nyomon követheti a különböző generációk elképzeléseiben végbement változásokat.

o roll” és az új orosz kultúra ezen első századának jelentősége. Számos mester alkotásai jelennek meg a velük kapcsolatban megfogalmazott ítéletek megtörésében. Így ezek a művek mintegy további művészi értékre tesznek szert, a maguk módján értékelve a művészettörténészek nézetei szerint.

A disszertáció egyes rendelkezéseit a következő cikkek tükrözik:

Rogalsky S. V. A XVIII. századi orosz festészet A. Benois tanulmányaiban//A Szentpétervári Egyetem Értesítője, sorozat „Történelem. Nyelvészet. Irodalomkritika, 1. szám - Szentpétervár, 1993, - S. 21-29. (0,8 p. l.). Benois-Rogalsky S.V. XVIII. század az orosz művészeti kultúrában és tanulmányozásának szakaszai / St. Petersburg University, St. Petersburg, 1993. -Dep. INION RAS, - 1993. szeptember 17-i 48492. sz. (0,5 p. l.). Benois-Rogalsky S. V. Charles Cameron építész kreativitása V. Taleporovsky tanulmányában// Bulletin of St. Petersburg University, series „History. Nyelvészet. Irodalomkritika, IV. szám - Szentpétervár, 1993. (0,5 oldal).

1. Bevezetés. A 18. század művészete Oroszországban
2. Orosz építészet a 18. században
3. Oroszország képzőművészete a 18. században
4. Következtetés
5. Felhasznált irodalom jegyzéke

Ez a mű a XVIII. század legnagyobb műalkotásait tárja fel. Oroszországban és egy kísérlet ezek elemzésére.

Péter korának művészetében Oroszország nemzeti erejének eszméi érvényesülnek. Az orosz állam a világ egyik legnagyobb állama lett.

Fennmaradt épületek a 18. századból és ma már nemcsak az orosz városok díszei, hanem világméretű remekművek is.

A 18. század első felének műemlékeinek vizsgálata a 19. század végén és a 20. század elején kezdődött. Az akkori portrékiállítások hozzájárultak az akkori műalkotások azonosításához. A szovjethatalom éveiben, különösen a háború utáni időszakban a grandiózus helyreállítási munkálatok kapcsán aktív kutatói tevékenység indult meg. Jelentős anyagokat gyűjtöttek és foglaltak össze az egyes mesterek munkásságáról és általában az orosz művészet fejlődéséről a 18. század első felében. Az 1970-es években a Nagy Péter korabeli képzőművészet a szakemberek szoros és elmélyült figyelmének tárgya lett. Kiállításokat nyitnak meg, monográfiákat tesznek közzé az orosz kultúra történetének e fényes időszakára.

Jelenleg a képzőművészeti alkotások köre a XVIII. században, amelyet a szakemberek elemzésre vonzottak, jelentősen bővült a szovjet restaurátorok új felfedezésének köszönhetően.

A 18. SZÁZAD OROSZ ÉPÍTÉSZETE

Az orosz építészet fejlődése a XVII-XVIII. század fordulóján. világi elemek jelentős erőfeszítése jellemezte. Az orosz építészet évszázados fejlődése során kialakult stabil hagyományai azonban nem tűntek el, nem tudták teljesen elvágni. Az orosz építészet a XVIII. meg tudta őrizni a nemzeti ízt, és ez az ősi orosz építészet érdeme.

A reneszánsz kortól kezdődően Európa fejlett országaiban elfogadott új idők kultúra normáihoz való apelláció a város más ideálját hozta magával - egy szabályosan és racionálisan tervezett egységes építészeti együttest. A középkorral ellentétben ez már nem történelmi, jórészt spontán fejlődés végeredménye, hanem egyfajta gigantikus munka, amely egy projekt alapján jött létre.

Az orosz építészet az adminisztratív, ipari, oktatási és tudományos épületek korábban ismeretlen változatait sajátítja el. A már meglévő építménytípusok módosulnak: a keresztkupolás templom mellett bazilika jelenik meg, gyümölcsös kórus helyett palota-parkegyüttes.

A térfogati kiállítások, homlokzatok, belső terek szinte szükségszerűen a szimmetria - egy tengely körüli kétoldalú szimmetria - elvén épülnek.

Ezt az időszakot néha feltételesen "Péter-barokknak" nevezik, azonban az akkori orosz építészek a reneszánsz öröksége és a barokk, valamint a Franciaországban már megjelent klasszicizmus felé fordultak.

Kiemelkedő hely Moszkva fejlődésében a XVIII. század elején. ipari épületek foglalták el, amelyek akkoriban gyakran ünnepélyes megjelenést kaptak. Ezek a Posztóudvar épületei a Kőhídnál, a Khamovny Yard, az Arzenál a Kremlben, valamint a Főgyógyszertár háromemeletes épülete, ahol az első orosz egyetem és egy vitorlásgyár Preobrazsenszkij faluban. eredetileg helyezkedtek el.

A Moszkvában dolgozó mesterek közül I. P. Zarudny volt a legnagyobb. Kiváló építész és kiváló szobrász-dekoratőr volt. A vallási épületek közül kiemelkedik a Mensikov-torony. Itt egyedülállóan ötvöződnek a templomépület motívumai és a tisztán világi elemek. Itt a korábbi templomépítészet hagyományos sémáját alkalmazzák - nyolcszög egy négyszögön. Itt azonban rendi elemekkel és az épületet egykoron megkoronázó magas toronnyal kombinálják.

Az építészetben fontos szerepet játszott I. Péter rendelete a monumentális építkezések tilalmáról Oroszország összes többi városában, kivéve az új fővárost, az új oktatási rendszer jóváhagyását és a külföldi progresszív irodalom megjelenését.

Az orosz építészet további intenzív fejlesztésének nagyszerű lehetőségei nyíltak meg egy új város építésében a Néva partján - Péterváron, amelyet eredetileg kikötőnek és erődnek építettek, de hamarosan fővárossá vált. Szentpétervár építése ugyan az északi háború nehéz, feszült körülményei között zajlott, ennek ellenére a kezdetektől fogva egyértelműen feltárultak benne új, az akkori építészetre utaló vonások. Szükség volt a város főtervének elkészítésére. Az első kísérletek (J.-B. Leblon - 1716 és D. Trezzini - 1717-1725) általában sikertelenek voltak, mivel túl sematikusan és absztrakt módon oldották meg a problémát, anélkül, hogy figyelembe vették volna a terület sajátosságait. De utat nyitottak a további fejlődéshez.

Az új feladatok sikeres megoldásához külföldi építészeket hívtak meg, akik segítettek a nyugat-európai építkezés tapasztalatainak gyors elsajátításában; ugyanakkor orosz mestereket küldtek külföldre tanulni. A meghívottak közül, és néhány külföldi építész, akik saját kezdeményezésükre érkeztek, jelentős hatást gyakoroltak az orosz építészet fejlődésére a 18. század elején. csak azok, akik hosszabb ideig Oroszországban éltek, megismerkedtek a helyi viszonyokkal, szélesen és komolyan közelítették a rájuk bízott feladatok megoldását.

A legnagyobb Domenico Trezzini (kb. 1670-1734) volt, aki a Péter-Pál-székesegyházat és a Péter-Pál-erődöt építette, megtervezte a Tizenkét Kollégium hatalmas épületét, az ország fő közigazgatási intézményét és a Gostiny Dvort. A D. Trezzini által épített épületek hozzájárultak az új orosz barokk stílus jellegzetes technikáinak kialakulásához. A tervek és tervek valósághűsége, valamint a homlokzatok mérsékelt plasztikus díszítése jellemezte őket. Trezzini három kategóriába tartozó lakóépületek "standard projektjeinek" szerzője volt: a "kiváló" polgárok számára - kő, a "gazdag" és az "átlagos" (közönséges) emberek számára - sárkunyhók. 1718-ig Több mint 4000 lakás épült.

Szentpétervárral egy időben vidéki paloták épültek híres parkegyüttesekkel. Peterhofot I. Péter vidéki rezidenciájaként képzelték el, amelyet Versailles-hoz akart hasonlítani, különösen annak központját szökőkutak zuhatagával és Sámson szobrászati ​​alakjával.

A fa építészet különleges helyet foglalt el ennek az időszaknak az építészetében. Legszorosabban a népművészethez kapcsolódott, és megőrizte viszonylagos függetlenségét, a modern idők korában fejlesztette ki az orosz középkor művészeti kultúrájában kialakult eszméket, elveket és technikákat. A fa lakóházak és templomok elképesztő tökéletességet és eredetiséget értek el olyan alkotásokban, mint például a híres, 1714-ben felszentelt, huszonkét kupolás templom Kizhiben.

A XVIII. század közepén. Péter bel- és külpolitikai, gazdasági és kulturális vállalásai bizonyos eredményeket hoztak.

Az akkori évek művészetének fő témája a monarchikus állam dicsőítése volt, amelynek tiszteletére ünnepélyes ódákat állítottak össze és építészeti együtteseket hoztak létre. Az építészet válik korának eszméinek legélénkebb kifejezésévé.

Középületek ezekben az években szinte nem épülnek. Folytatódik az új erődvárosok építése: Rostov-on-Don, Orenburg, Izyum. Számos építészeti iskola alakul ki. De az építészet legszembetűnőbb eredményei a fővárosokhoz, a szentpétervári és moszkvai mesterek tevékenységéhez kötődnek.

Az orosz építészet virágkora a XVIII. század közepén. egyetlen stilisztikai alaphoz – barokkhoz – kapcsolódik. Az orosz barokk sajátosságai a XVIII. század 40-50-es éveiben. más európai stílusok tapasztalatainak felhasználásával kapcsolatos - XVIII. századi francia klasszicizmus, rokokó és hazai hagyomány.

A barokk stílus felvirágoztatása szempontjából meghatározó volt Rastrelli apjának és fiának tevékenysége. Bartolomeo Carlo Rastrelli (1675-1744) olasz szobrász, 1716-tól dolgozott Péterváron. Részt vett Peterhof dekorációs tervezésében, szoborportrékat készített I. Péterről és Anna Joannovna császárnőről fekete arachik segítségével.

Fia - Bartalomeo Rastrelli (1700-1771) - a legnagyobb építész, egy híres szobrász fia. Rastrelli korai épületeiben a század eleji építkezésre jellemző technikákat alkalmazza. A jövőben, az 1740-es évek közepétől munkássága egészen sajátossá válik: bővül az épületek mérete, megjelennek a belső homlokzati udvarok, nő a homlokzatok domborműve. Bevezetik az épületek intenzív színezését, élénk színekre és aranyozásra építve. Építészetének stílusa orosz barokk, amely magába szívta a nyugati és az orosz hagyományokat. Rastrelli legnagyobb és legjellegzetesebb épületei a szentpétervári Szmolnij kolostor és a Téli Palota, a peterhofi Nagypalota, a Carszkoje Selo-i Katalin-palota stb. Rastrelli szerette a terjedelmet, a pompát, az élénk színeket, gazdag szobrászati ​​díszítést használt, bonyolult dísz.

Sz. Csevakinszkij az orosz építészet nagy mestere volt. Legnagyobb épülete a Szent Miklós Tengerészeti Katedrális (1753-1762), eredeti nevén a székesegyház. Maga a templom ötkupolás, kétszintes. Távolabb tőle egy magas, karcsú, nagyon szép sziluettű harangtorony, sajátos befejezéssel - toronymá alakuló kis kupola. A Nikolszkij-székesegyház az ősi orosz építészeti hagyományokkal való kapcsolatról tanúskodik, ez érződik a katedrális tervében, jellegzetes ötkupolás szerkezetben, két templom jelenlétében: az egyik - fűtött - az első emeleten, a másik - hideg. - a másodikon (nyári templom).

Moszkva legnagyobb építésze a XVIII. század közepén. Dmitrij Vasziljevics Uhtomszkij volt. Fennmaradt épületei közül a legfontosabb a Trinity-Sergius Lavra (1741-1769) magas harangtornya, amely távolról is látható. A masszív köbös emelet felett, a távoli nézőpontok elől a kolostor magas, régi falai mögé rejtve, négy felső – csengő, ünnepi és változatosan díszített – szint található. Neki köszönheti virágzását az iskola-műhely, az ún. építész csapat, ahol a hallgatók az elméleti tanulmányokat a közvetlen gyakorlati munkával ötvözték.

A XVIII. század közepén. az építkezésben a fő figyelem a palota- és templomépítészetre irányult. A szerkezetek nagy mérete új szerkezetek alkalmazását tette szükségessé. A népi kézművesek széles körű bevonása, dekoratív formákban a XVII. századi orosz építészet hagyományaira való utalás vágya. számos, rendkívül művészi, ünnepi és színes alkotás létrejöttéhez vezetett, amelyek az oroszországi barokk virágkorára jellemzőek.

A XVIII. század második felében. építészek a városok tervezésével kapcsolatos kérdéseket dolgoztak ki, új típusú középületeket hoztak létre.

Más városokban jelentős építkezések folytak. Tehát Tverben (ma Kalinin városa) az 1763-as tűzvész után az egész városközpontot új elvek alapján rekonstruálták. Jelentős építkezés bontakozott ki Jaroszlavlban.

Ezzel párhuzamosan új célú különálló nagy építmények is épültek. A Néva partján A. F. Kokorinov (1726-1772) a Művészeti Akadémia (1764-1788) hatalmas épületét emelte oktatási célokra. Az árvaház kiterjedt épületét emelték Moszkvában. Megoldásaik általános sémáiban még sok az egykori palotaépület, ugyanakkor az építészek merészen új technikákat dolgoztak ki, kényelmes, racionális terveket alkottak. Ezen épületek külső megjelenését is más módon - szigorú és egyszerű formákban - oldják meg.

Az egyszerűség és a visszafogottság más korabeli szerkezetekre is jellemző. A Szentpétervár központi részén található A. Rinaldi (kb. 1710-1785) építész által épített Márványpalota (1768-1785) jelzésértékű, homlokzatait letisztult kompozíció és harmonikus arányok jellemzik.

Az 1760-as évek ezekben a munkáiban körvonalazottak később különösen élénken és következetesen megjelentek az akkori vezető építészek - Bazhenov, Kazakov, Starov - munkáiban.

Vaszilij Petrovics Bazhenov (1737-1799) tehetséges orosz építész volt. 1767-1792-ben. Moszkvában dolgozott, amelyhez legnagyobb épületei és projektjei kapcsolódnak. Közülük különösen előkelő helyet foglal el a Kreml-palota projektje és a Moszkva melletti Caricyn építése.

A cári együttes építése során bátran és újszerű módon közeledett a rábízott feladathoz. A századközepi palotaépületekkel ellentétben itt egy festői tájparkot alakított ki kis pavilonokkal. Bazhenov épületei közül különösen fontos a Pashkov-ház, a 18. század legszebb épülete. Moszkvában. Az építész jól kihasználta a helyszín domborművét, és figyelembe vette a Kreml közvetlen közelében lévő helyet. Alkotásai a kompozíciók merészségéről, az ötletek sokszínűségéről, a nyugati és orosz stílus ötvözéséről nevezetesek.

Matvey Fedorovich Kazakov (1738-1812) nevét is dicsőítik, aki városi ház- és középülettípusokat fejlesztett ki Moszkvában. Az egyik első kiemelkedő épület a Szenátus épülete volt a moszkvai Kremlben. Kazakov tökéletesen figyelembe vette és felhasználta az építkezésre kijelölt háromszög alakú telek adottságait, és olyan épületet hozott létre, amelyben az általános megjelenés monumentalitása és a kompozíció nagyszerűsége szervesen ötvöződik a terv kényelmével és célszerűségével, amely akkoriban szokatlan. Ezt követően Kazakov sok különböző épületet épített Moszkvában, köztük a Moszkvai Egyetemet, a Golicin Kórházat, a Petrovszkij-palotát, amelyet pszeudogótikus stílusban emeltek, a Nemesi Gyűlést a csodálatos Oszlopok termében. Kazakov felügyelte Moszkva főtervének elkészítését, megszervezte az Építészeti Iskolát.

Ivan Egorovich Starov (1745-1808) - az egyik legnagyobb építész. Sokat tervezett különböző városokba, de legfontosabb épületei Szentpéterváron vannak. Közülük a legnagyobb a Tauride-palota (1783-1789). A palotát a Krím Oroszországhoz csatolása alkalmából tartott nagy ünnepségekre és fogadásokra szánták. Ez annak is köszönhető, hogy a palotában dísztermek vannak. Szélességét és terjedelmét, ünnepélyességét és egyben szigorúságát tekintve a Tauride-palota a kor egyik legjelentősebb épülete volt.

Ebben az időben a klasszicizmus különösen a birtoképítésben mutatkozott meg, amely hangulatos és elegáns, oszlopos házak voltak, amelyek jól illeszkedtek az orosz tájba.

A klasszicizmus legfőbb értéke az együttes, a térszervezés: szigorú szimmetria, egyenes vonalak, egyenes oszlopsorok. Élénk példa a szentpétervári Karl Ivanovics Rossi (1775-1849) építész Palota tere. A tér sima ívű, ezt zárja a vezérkar épületének kettős íve, a tér közepén a magas Sándor-oszlop és a Téli Palota barokk homlokzata. 1829-1834-ben. Oroszország befejezte a Szenátus tér kialakítását. Grandiózus terjedelmével, letisztult térkompozíciójával, sokszínűségével és organikus megoldásaival jellemezhető Rossi együttes a klasszicizmus korának várostervezési művészetének csúcsa.

A XVIII. századi építészet fejlődésének fő jellemzője. - a kompozíciós-figuratív eszközök javítása, bonyolítása. Az építészet "barokk" fejlődési vonalával párhuzamosan a szigorúbb, klasszikus képalkotásra fókuszáló, a klasszicizmus felvirágzását előkészítő irányvonal mutatkozott.

A klasszicista építészet sajátossága figurális szerkezetének és a barokk építészetnek az összehasonlításában mutatkozik meg: Rastrelli, Csevakinszkij, Argunov kompozícióinak összetettsége és luxusa az új stílus letisztultsága és egyszerűsége áll szemben. Az oroszországi klasszicizmus az előző időszak építészetének jó néhány jellemzőjét örökölte. Természetes, hogy az 1760-as évek elején Oroszországban az ízpreferenciák megváltoztak. Az Oroszországban akkoriban végbement társadalmi-kulturális változásokat tükrözte. A Nagy Péter által megkezdett kor építészettörténetét kiegészítve a klasszicizmus korszaka új fordulópont előtt nyitotta meg az utat.

Fontos hely a XVIII. század második felének építészetének fejlődésében. a birodalom urbanizációjának kezdete foglalta el. Hozzájárult az 1763-as rendelethez is. "Az összes városra, azok utcáira és épületeire, különösen az egyes tartományokra vonatkozó speciális tervek készítéséről." Megkezdődött a városok átalakulása, amely megfelelt a város, mint önálló, harmonikusan szabályozott komplexum elképzelésének.

A klasszicizmus korának középületei és nagyméretű mérnöki építményei állami megrendelésre épülnek. A városrendezési átalakításokat is az állam irányította: a nagyobb projekteket a Szenátus hagyta jóvá, a templomépítést a Zsinat irányította, a végső döntés pedig a császáré.

Hatalmas építkezéseket végeztek a királyi család személyes megrendelésére - paloták, birtokok, múzeumok.

Van egy általános feltételes séma a klasszicizmus fejlődésére. Fejlődésének korai szakaszában a klasszikus építészet még nem volt mentes a barokk hatásától, jól felismerhető az egyes elemek és formák körvonalaiban olyan mesterek munkáiban, mint A. Rinaldi vagy V. Bazhenov. A barokk hatásától megszabadulva az építészet nyelve szigorúvá, tömörsé, a rendi szabályok felé vonzódóvá válik; olyan mesterek használják, mint I. Starov, N. Lvov, D. Quarenghi, M. Kazakov. A stílusfejlődés mindkét szakasza II. Katalin uralkodásának éveire esik.

OROSZORSZÁG KÉZMŰVÉSZETE

A 18. század fontos mérföldkő az orosz kultúra fejlődésében. I. Péter reformjai a társadalom minden szektorát és az orosz állam életének minden területét érintették. A városi és külvárosi királyi rezidenciákat, a nemesi palotákat kerek festőállványszobrokkal, dekoratív műanyag és portré mellszobrokkal kezdték díszíteni. Anélkül, hogy megvárta volna, hogy a nemzeti iskola kádereket alakítson ki, Péter elrendelte, hogy antik szobrokat és modern szobrászati ​​alkotásokat vásároljon külföldön. Az orosz fiatalok Európába mentek, hogy a szobrászat művészetét tanulják.

A XVIII. század elején. különösen elterjedt a monumentális-dekoratív plasztika. Ebben az időben gyakran találkozhatunk magas domborművel, amely lehetővé tette a műanyag térfogatok erős leválását a háttértől. Azokban az esetekben, amikor a mesterek domborművet készítettek, szívesen alkalmazták az úgynevezett képi domborművet, amelyben a festményekhez hasonlóan a tervek váltják egymást, átadják a tárgyak perspektivikus redukcióját, és tájelemeket használnak. A tisztán ornamentális kompozíciókat leginkább síkszerűen oldják meg.

Mindez jól látható a moszkvai Dubrovitskaya templom (1690-1704) és a Mensikov-torony (1701-1707) szobordíszítésén, a péterhofi nagy palotákban található Péter irodájának elegáns faragott díszein, amelyeket 1718-ban készítettek. -1721. Nicola Pino, domborművek a szentpétervári Nyári Palota falán (1710-1714), allegorikusan ábrázolva az északi háború eseményeit. Szerzőjük, a kiváló német szobrász és építész, Andreas Schlüter mindössze hat hónappal Szentpétervárra érkezése után halt meg, és ebben az időszakban természetesen nem volt ideje többet alkotni.

A szobrászat, azon belül is a dekoratív plasztika sajátos része a fa ikonosztázok, oltári előcsarnokok stb. faragása. Különösen figyelemre méltó Ivan Petrovich Zarudny munkái, aki emellett festészettel és építészettel is foglalkozott.

A dekorplasztika területén elért eredményekkel komoly sikereket terveznek a szobrászati ​​miniatúrák fejlesztésében. A 40-es években a neves orosz tudós, D. I. Vinogradov, M. V. Lomonoszov barátja erőfeszítéseinek köszönhetően porcelángyárat alapítottak Szentpéterváron, amely az előfordulási időt tekintve a harmadik Európában. 1766-ban Megnyílik Gardner magángyára a Moszkva melletti Verbilkiben. Ezek a gyárak az edényekkel, tubákosdobozokkal és egyéb háztartási cikkekkel együtt olyan képzőművészeti alkotásokat is készítettek, amelyek eleganciával hívták fel magukra a figyelmet.

A század közepének orosz kultúrájához kivételes hozzájárulást tett Mihail Vasziljevics Lomonoszov, aki újjáélesztette a mozaikművészetet, amelyet még a Kijevi Rusz mesterei is ismertek. Nyugat-Európában szigorú titokban tartották a smaltok - különböző árnyalatú színes üveges masszák - készítésének titkait. A smalt előállításához Lomonoszovnak ki kellett fejlesztenie az előállításukhoz szükséges technológiát és technikát. Az üvegszínek leggazdagabb "palettája", erejében és szépségében sem alacsonyabb a 18. században híres színeknél. Olasz smalt, több mint négyezer kísérleti olvasztást követően a Szentpétervár melletti Uszt-Ruditsában található gyár tudósa szerezte be. 1758-ban M.V. Lomonoszov a Szenátus által az ő kezdeményezésére kiírt pályázatra benyújtotta a császárt nyugvó Péter-Pál-székesegyház I. Péter emlékművének projektjét.

Erősségeik és képességeik hasznosításának bőséges lehetőségei sok külföldi művészt, szobrászt, építészt stb. vonzottak Oroszországba. Számos kiváló külföldi mester lépett be az orosz művészet történetébe, részt vett Oroszország művészeti életében, és pedagógiai tevékenységet folytat itt.

18. század második fele - a szobrászat magas felemelkedésének időszaka. Minden fő típusa fejlődik: a dombormű, szobor, portré mellszobor, a monumentális és dekoratív mellett a festőállványok is kedvencekké válnak.

Abban az időben a francia Houdon és Fedot Ivanovich Shubin portrészobrász a pszichológiai portrékészítés felülmúlhatatlan mestereinek számított. Számos bronzszobor alkotójaként is ismert. De Shubin pontosan a márványművekben fejezte ki magát. A márvány megmunkálásában nagy ügyességet mutatott, különféle és meggyőző technikákat talált a nehéz és könnyű ruhaszövetek, áttört csipkehab, puha hajszálak és parókák közvetítésére, de ami a legfontosabb - az ábrázolt személy arckifejezése, attól függően, hogy életkor, nem és egyéb jellemzők.

Shubin volt a mellszobor ura. Megoldásaiban sohasem ismételve önmagát, minden alkalommal talált egy sajátos kompozíciót és egy sajátos ritmusmintát, amely nem külső eszközből, hanem az ábrázolt személy belső tartalmából fakad. Shubin műveivel megerősítette az emberi személyiség értékét, ügyesen megmutatta a jellem következetlenségét, és részletes pontossággal reprodukálta az ábrázolt személy megjelenését. Példa erre Z. G. Csernisev tábornagy (1774) márvány mellszobra, aki az 1760-ban megszálló orosz csapatokat vezette. Berlin. Ez nem egy nemes, hanem egy katonai vezető portréja.

1774-1775-ben. Shubin nagy és eredeti ciklust készített történelmi portréiból. Ötvennyolc ovális márvány domborműről van szó, amelyek a szentpétervári Chesme-palotát díszítették, majd később a moszkvai Kreml fegyvertárába kerültek. A domborművek a nagy hercegek, királyok és császárok félalakos képei, kezdve a legendás Ruriktól és Elizaveta Petrovnáig.

A természeti portré maradt Shubin számára a kreativitás fő vonala. Az évek múlásával a környezet érzése fokozódik. Modelljeit alaposan szemügyre véve a művész arra törekszik, hogy olyan személyt ábrázoljon, akinek megjelenése egyedi vonásai vannak. Shubin tartalmasnak és mélynek találja a külsőleg diszkrét és az ideálistól távol álló vonásokat, az eredetiség varázsát és a már-már groteszk kidülledő szemeket és felfelé fordított orrokat, esetlen arcokat, nehéz, húsos állokat. Mindez ismét az ábrázolt egyéniségét hangsúlyozza. A szobrász munkájának ez a vonása megjelent az ismeretlen és M. R. Panina mellszobrain. A kép hitelessége és meggyőző volta P. V. Zavadszkij gipsz mellszobrán, II. Katalin A. A. Bezborodko külügyminiszter, V. Ya admirális márvány mellszobrain nyilvánult meg. Ebben a tekintetben jelzésértékű I. I. Betsky gipsz mellszobra – egy rozoga, foghíjas, vékony öregember egyenruhában, csillagokkal. Shubin másik későbbi munkája I. Pál mellszobra, amely különösen bronz változatban aratott sikert. A császár egészségtelen arcvonásainak groteszkségét mintegy kompenzálja a remekül elrendezett és filigrán kivitelezésű kellékek - rendek, vallások és köpenyredők - művészi tökéletessége.

Shubin kiemelkedő tehetsége elválaszthatatlan attól a korszaktól, amelyben formát öltött és kivirágzott. Műveiben a realizmus ötvöződik a klasszicizmus korai szakaszával. Ez különösen szembetűnő II. Katalin portréin.

A peterhofi Grand Cascade számára Shubin egy bronz Pandora-szobrot készített, amelyet klasszikus formákban tartottak fenn, és sikeresen illeszkedik a teljes kert és park együttesébe.

Etienne-Maurice Falcone szobrász orosz mesterekkel együtt nagyban hozzájárult az orosz befolyás dicsőségéhez. 1766-ban Falcone fiatal tanítványával, Marie-Anne Colóval együtt II. Katalin meghívására érkezik Oroszországba. A látogatás célja I. Péter emlékművének elkészítése. A szobrász tizenkét éve dolgozik Szentpéterváron. Az emlékmű eredeti vázlata Franciaországban készült 1765-ben. Miután Szentpéterváron telepedett le, Falcone lelkesen hozzálátott a munkához, és 1770-re. kész életnagyságú modell. Az emlékmű felállítási helyére egy kősziklát szállítottak, amely részleges kivágása után körülbelül 80 000 fontot nyomott. 1775-1777-ben. bronzszobor öntése volt, az emlékmű felavatására 1782-ben került sor.

A ló mozgásának, testtartásának, gesztusának és a lovas ruházatának tökéletes természetességével – szimbolikusak. Ilyen a szikla szélén egy hatalmas kéz erejével nevelt ló, a hullámban felemelkedő szikla, amely a lovast a címerre emeli, Péter öltözékének absztrakt jellege, az állatbőr, amelyen ül. Az egyetlen allegorikus elem - a patái alá taposott kígyó - a legyőzött gonoszt személyesíti meg. Ez a részlet konstruktív értelemben is fontos, mert a harmadik támaszpontként szolgál. A kompozíció számos pontból nyitja meg az észlelés lehetőségét. Ennek köszönhetően nyilvánvalóvá válik a ló és a lovas mozgásának logikája - az út intenzitása és a győztes befejezés. A figuratív szerkezet harmóniáját nem sérti a féktelen felszállás és a pillanatnyi megállás, a mozgásszabadság és az akaraterős kezdés összetett szembenállása. A Bronz Lovas a Néva-parti város jelképe lett.

A 70-es évektől kezdve olyan mesterek, mint F. G. Gordeev, M. I. Kozlovsky, F. F. Shchedrin, I. P. Martos, I. P. Prokofjev, akiknek munkássága messze túlmutat a korszakon. Oktatásukban a főszerep a Művészeti Akadémiáé.

A XVIII. századi szobrászok idősebb generációjának. Gordejev Fedor Gordejevre utal. Gordeev a legvilágosabban az emlékműplasztikában mutatkozott meg. Korai példái közé tartozik N. M. Golitsina domborműves sírköve (1780). A klasszicizmus jegyei leginkább az Ostankino-palota homlokzatára és belső tereire készült domborművek sorozatában mutatkoznak meg leginkább: „Áldozat Zeusznak”, „Áldozat Demeternek”, „Ámor és psziché esküvői vonata” stb. frízek, Gordejev ragaszkodik a dombormű megértéséhez, amely a klasszikus Görögország plasztikájában létezett. A képi-térbeli karakter hatásait megtagadva nagy hozzáértéssel modellálja az alacsony dombormű formáját, elegáns ritmusban, semleges háttér síkján.

A szobrász kései munkái között szerepelnek a kazanyi katedrális domborművei. Ez az épület az orosz művészet fejlődésének új szakaszának kezdetét jelentette, az építészet és a monumentális és dekoratív plasztika kapcsolatának más megértését.

Mihail Ivanovics Kozlovszkij főként a 18. század 90-es éveiben vált híressé, amikor klasszicista tehetsége felvirágzott. Munkásságát áthatja a felvilágosodás, a magasztos humanizmus és az élénk érzelmesség eszméi.

A szobrász a Márványpalota monumentális domborművein dolgozik. A "Nagy Sándor virrasztásai" és a "Jakov Dolgorukij" márványszobrok csodálatos példái ennek a művészetnek.

Kozlovszkij legmagasabb művészi teljesítménye A. V. Szuvorovnak szentpétervári emlékműve (1799-1801). Az emlékműben portré nem hasonlít az eredetire, de a Kozlovszkij által alkotott képen vannak hasonlóságok a nagy parancsnokkal. A harcosok mindent legyőző energiája, elszántsága és bátorsága, a parancsnok bölcsessége és a belső nemesség mintegy belülről világítja meg az egész alakot.

A XVIII. század legvégén. megkezdődött a péterhofi szökőkutak együttes rekonstrukciója és a romos ólomszobrok újakra való cseréje. Kozlovszkij a legfelelősebb és legmegtisztelőbb feladatot kapja: a központi szoborkompozíció megfaragását. Grand Cascade, Sámson alakja. Erőteljes mozgásban, Herkules szobraira és Michelangelo titáni képeire emlékeztető Sámson erőteljes alakja megszemélyesítette az orosz fegyverek félelmetes erejét.

Kozlovszkij társa Theodosius (Fedos) Fedorovich Shchedrin volt. A klasszicizmus, mint az erős érzelmek és tüzes impulzusok, harmonikus arányok és magas gondolati járat telivér művészete, ragyogó kifejezést kapott munkáiban.

Szentpétervár kiemelkedő építészeti és művészeti együttesei Shchedrin - az Admiralitás és a péterhofi Nagy Kaszkád - nevéhez fűződnek. A kaszkádhoz a Néva allegorikus alakot faragta, könnyed, természetes mozdulattal. Scsedrin az Admiralitás számára készített szobrászati ​​alkotásaiban a fő téma Oroszország tengeri erejének érvényesülése volt. E szobrászati ​​öltözékek közül a legkiemelkedőbbek a "tengeri nifák" voltak – két csoport, amely az Admiralitás főkapuját keretezte; a három női alak mindegyike az égi szférát támasztja alá.

Gordejevvel, Martosszal, Prokofjevvel és Borovikovszkij, Egorov és Sebuev festőkkel együtt Scsedrin a kazanyi katedrális díszítésén dolgozott.

Ivan Petrovics Martos ugyanabba a generációba tartozott, mint Kozlovszkij és Scsedrin. I. P. Martos tehetsége erejénél fogva az egyik legnagyobb orosz szobrász, alkotói pályájának sokoldalúsága és szakmai felkészültsége. Legjelentősebb műveit a XIX. munkásságának jellemző vonásai a klasszicizmusra jellemző polgári pátosz, a szigor iránti vágy és a plasztikus forma hajszolt tisztasága.

A 18. század 80-90-es éveiben Martos által készített sírkövek tele vannak gyengéd dalszövegekkel és bánatmegnyilvánulásokkal. A legtökéletesebb alkotások M. P. Sobakina, P. A. Bryus, N. I. Panin sírkövei, amelyekben van szenvedély, elégiaosság és fenséges nyugalom. A líra erős drámai érzésekkel kombinálva E. S. Kurakina emlékművét jelölte.

A 18. század végi orosz emlékszobrászat fejlődésében kiemelt helyet foglalnak el Martos legjobb sírkövei, melyeket a képek széles skálája és a ritka művészi tökéletesség jellemez.

A portrémunka Martos munkásságában viszonylag másodlagos helyet foglalt el. Ennek ellenére a szobrász ebben a műfajban is csodálatos alkotásokat alkotott. Ezt bizonyítja különösen N. I. Panin (1782) és A. V. Panina (1782) és mások márvány mellszobra.

A XVIII. század végén. Martos számos szobrászati ​​és díszítő alkotást végzett Katalin Carszkoje Selo palotájának belső tereiben, és a 19. század legelején. - Actaeon szobra a Peterhof Nagy Kaszkád együtteséhez.

Martos legújabb monumentális alkotása M. V. Lomonoszov emlékműve Arhangelszk számára.

A XVIII. századi kiemelkedő orosz szobrászok galaxisának legfiatalabb tagja. Ivan Prokofjevics Prokofjev volt. Övé az Actaeon szobor (1784), amelyen egy fiatal akt figura erőteljes és könnyed mozgását közvetítik nagy szakértelemmel. Prokofjev folyamatosan megőrizte érzéki lágyságát az emberi test értelmezésében. Prokofjev műveinek idilli hangszíne van.

Ez a legszembetűnőbben a Művészeti Akadémia (1785-1786), I. I. 1819-1820 házának homlokzati lépcsőházát díszítő kiterjedt gipszdombormű-sorozaton mutatkozott meg. Alapvetően a művészi alkotás különféle típusainak meglehetősen összetett allegóriáit képviselik. Itt „Kifared és a három legnemesebb művészet”, a szobrászatnak, festészetnek stb. szentelt allegóriák. Prokofjev jól tudott gyerekeket ábrázolni; nagyon elevenen és nagy kegyesen adta nekik. Néha ezek a figurák olyan fogalmakat személyesítenek meg, amelyeket nehéz plasztikusan megvalósítani, például "matematika" vagy "fizika".

Prokofjev jelentős portréfestő is volt. Két gyönyörű terrakotta mellszobor A.F. és A.E. Labzins. A képek értelmezésének egyszerűsége és meghittsége szempontjából ezek a művek a 18. század végi orosz mesterek festői portréihoz kapcsolódnak. - 19. század eleje

Az orosz tartományokban a szobrászat összetételében és sajátosságaiban eltért a szentpétervári és moszkvai műanyagokétól. Az arisztokrácia birtokain csak elvétve voltak híres fővárosi mesterek alkotásai. Az alkotás zöme helyi szobrászoké, főként fafaragóké volt, és általában egyértelműen dekoratív jellegű volt (építészeti részletek, ikonosztáz-faragványok). Bőségesen alkalmazták a virágdísz motívumait, az aranyozást és a faragott faformák élénk színeit. Sok múzeumban van vallási jellegű körszobor: számos szoborváltozat „Krisztus a börtönben”, „Keresztre feszítés” stb. Egy részük a 18. századra nyúlik vissza, primitív természetű, stilárisan az orosz művészeti kultúra legősibb rétegeire nyúlik vissza. Más, szintén 18. századi alkotások már a 18. század első felének hivatásos szobrászainak alkotásaival való ismerkedésről beszélnek. vagy akár a korai klasszicizmust.

A szép folklór emlékművei nagy érdeklődést és esztétikai értéket képviselnek. Ezek az orosz parasztság plasztikus tervezésű háztartási cikkei (faragott fatárgyak, kerámiák, játékok stb.)

18. század - Ez a portréművészet virágkora. Az orosz portréművészet művészi vonala megőrizte eredetiségét, ugyanakkor érzékelte a legjobb nyugati hagyományokat.

Az ikonfestés hagyományos módszerei helyett a látható világ valósághű ábrázolásának törvényei léptek gyakorlatba. A 18. század eleji művészet. közös európai képi nyelv megszólalására törekedett.

A művészet és az oroszországi élet kapcsolatának példája azokban az években a metszetek, a legelterjedtebb művészet, amely a leggyorsabban reagált a megtörtént eseményekre. Könyvek és önálló, szinte festőállványos lapok tervezése és illusztrációja képviseli őket. A metszeteken a csatajelenetek és a városi táj dominált, amelyet a katonai események és a szentpétervári építkezések generáltak. A 18. század utolsó harmadának metszete. különböző technikákban különbözik. Különösen nagy hasznát ilyenkor találja a rézkarc. Maguk a gravírozók és gyakran az építészek is ehhez a technikához folyamodtak.

Az akkori festészetben elsősorban azok a szakaszok alakulnak ki, amelyekre sürgős szükség volt. A század eleji terminológia szerint ezek „személyek” és „történelmek”. Az első portrékat sorolt ​​fel, a második egészen más alkotásokat jelentett: csatákat, mitológiai és allegorikus kompozíciókat, dísztáblákat, vallásos képeket. A XVIII. század első negyedében. a műfaji sokszínűség fogalma még csak most kezd kialakulni. A történelmi festészet is megtette első lépéseit, de még mindig szorosan kapcsolódott az ősi orosz csaták hagyományaihoz. Pétert középre helyezték, körülötte álltak a tábornokok, a király gesztusa a mozgó csapatok felé irányult, mintha szervezné őket. Ahogy Nagy Péter idejében még nem volt történettudomány, a történelmi tudás pedig a jelent szolgálta, úgy a még egészen fiatal történeti festmény is a történtek nagyszerűségét dicsőítette. Külön műfajként a történelmi festészet az 1750-es évek körül honosodott meg Oroszországban, és a Művészeti Akadémia alkotói gyakorlatához kapcsolódott.

A XVIII. század elejével. a festészetben a fő helyet a világi tárgyú olajfestészet kezdi elfoglalni. A festőállvány festmények, számos monumentális tabló és plafon, miniatúra stb. között minden változatban előnyben részesülnek a portrék: kamra, front; magasságban, mellkasban, dupla. A 18. századi portré az orosz művészetre oly jellemző kivételes érdeklődést mutatott az ember iránt.

Nagy Péter korának leghíresebb művészei - Ivan Nikitin (1690-1742) és Andrei Matveev (1701-1739) - az orosz világi festészet alapítói.

Nyikitin korai portréi, amelyek Natalja Alekszejevna hercegnőt, I. Péter nővérét és unokahúgát, Praszkovja Ivanovnát ábrázolják, megerősítik, hogy híres volt művészetéről, tiszteletbeli kitüntetéseket kapott.

Ivan Nikitin munkáihoz az érett pórusok két remekmű tartozik, amelyeknek nincs párja az akkori orosz festészetben. Az első közülük egy körben I. Péter portréja, amely elképesztő kifejezőkészségével és egyszerűségével figyelemreméltó. Az orosz festészetben és még a világban sem lehet ilyen mély behatolást egy autokratikus uralkodó személyiségébe. Határozott tekintet, szorosan összeszorított ajkak, energikus fejforgatás felfedi Péter természetének erőteljes akaratát, érdeklődő elméjét, szenvedélyét és dühét.

Ugyanabban a sorban a császár képével egy másik portré a művészről - "Napoleon Hetman". A portrét a korában ritka lélektani mélység jellemzi. A hetman kemény, bátor vonásaiban úgy tűnik, Péter viharos átalakulásának és csatáinak korszakának visszhangja van.

Nyikitin munkássága tükrözte azokat a trendeket is, amelyekkel a mester külföldön találkozott. Sz. G. Sztroganov báró portréja modorosságával és kifinomultságával jellemző a nyugat-európai udvari művészetre, amely fokozatosan Oroszországba is átterjedt. Ugyanakkor az orosz festészetben volt egy hagyományos irányzat, amely megőrizte a parsuna archaizáló hatását. Példa erre M. Ya. Strogonova portréja, amelyet Ivan Nikitin testvére, Roman, szintén Péter nyugdíjasai festett.

De ezek a tulajdonságok nem voltak meghatározóak Nikitin munkásságában; a kép valódisága felé vonzódott. A császár utolsó nagyméretű portréján - "I. Péter halálos ágyán" a szerző nemcsak az elhunyt cár képét, hanem sok gyertya lángjának tükröződését is mesterien közvetítette az arcán és a ruháin. A művész úgy érezte, hogy Péter halálával véget ért Oroszország történetének hősi korszaka.

Andrej Matvejev az orosz festészet kiemelkedő alakja volt. A festő Hollandiában tanult. A mester rendkívül kevés fennmaradt alkotása közül a leghíresebb az „Önarckép feleségével, Irina Sztepanovnával”. Valójában ez a művész első önarcképe az orosz festészetben.

A XVIII. század első felében. sok külföldi művész dolgozott Oroszországban. Néhányuk jelentős szerepet játszott Oroszország művészeti életében.

Az I. Péter által külföldről hívott festők közül a legelőkelőbb helyet Johann Gottfried Tannauer és Louis Caravaque foglalta el.

Változatos és gazdag a XVIII. század elején. portré miniatűr, amelyben az ókori Oroszország kéziratainak és könyveinek miniatúráinak és a zománcfestésnek a hagyományának fejlődését találjuk. Legnagyobb mesterei Andrej Ovszov és Grigory Musikisky voltak.

A 18. század, különösen a második fele orosz művészei között sokan voltak a népből. A nagyszerű portréfestő, Fjodor Rokotov sok tekintetben titokzatos figura marad. Nagyon kevés információ áll rendelkezésre a mester életéről és azokról, akiket festett. Ez az egyetlen eset az orosz művészetben, amikor a művész összes munkájának több mint egyharmada "ismeretlen emberek portréja". Viszonylag nemrégiben derült ki, hogy Rokotov Repnin herceg jobbágyai közül szabadult fel.

Rokotov az egyszerű kompozíciókat részesítette előnyben. Például sok portréja félalakok képeit tartalmazza. A szerző az emberi arcra, mint minden élmény középpontjára helyezte a hangsúlyt, ezért logikus Rokotov későbbi átmenete az 1770-es években a négyszögletesről az ovális vásznakra. A művész igazi alkotóeleme azonban továbbra is egy meghitt lírai portré volt. Hozzá kötődnek a szerző legnagyobb sikerei. 1785-ben Rokotov E. V. Santi grófnő portréját festette, amely méltán tekinthető a 80-as évek festészetének csúcsának. Egy másik remekmű V.N. portréja. Surovtseva. A színezésnek kivételes jelentősége van a képek megoldásában.

A XVIII. század végére. Rokotov elhalványuló, változó művészetét, későbbi alkotásait a képi visszafogottság, a klasszicista hagyományokhoz való közelség és a részletesség jellemzi.

A Művészeti Akadémia fontos szerepet játszott az orosz művészetben, 1757-ben nyitották meg Szentpéterváron. A legtöbb művész munkája az ő munkásságához kapcsolódik.

Anton Losenko az Akadémia egyik első növendéke. Híres vászna a „Vlagyimir és Rogneda”. Az esemény nemzeti ízének közvetítésének vágya Losenko festményén a klasszicizmus hagyományának követésével ötvöződik: harcosok orosz arcai, orosz ruhás szolgálólány, mellette mozaikpadló, antik váza a sarokban. , pilaszterek a falakon. A főszereplők jelmezei teátrálisak. A felsorolt ​​jelek egyrészt a klasszicizmus hatását tükrözik, másrészt az orosz ókori történelem és kultúra akkoriban még gyenge ismereteit tükrözik. "Vlagyimir és Rogneda" az első nagy orosz történelmi mű. Számára a művész akadémikusi és egyetemi docensi címet kapott.

Festőibb és plasztikusan kifejezőbb Losenko "Hektor búcsúja Andromache-tól" című festménye. A homéroszi korszak legendás eseményét dicsőítő vásznat drámai és pátosz hatja át.

Losenko számára nem a történelmi műfaj volt az egyetlen. F.G. Volkov színész - az első orosz közszínház alapítója - portréját a mester festette 1763-ban. A nagyszerű színészt nagy tragédia hőseként mutatják be: karddal, koronával és maszkkal a kezében. Képében a szerző a magasztos kezdetet hangsúlyozta.

Dmitrij Levitszkij a korszak kiemelkedő portréfestője is. Az 1770-es kiállításon hívta fel magára a figyelmet. A. F. Kokorinov építész, a Művészeti Akadémia igazgatója és első rektora portréja, amelyért akadémikusi címet kapott. Ez a kivitelezésében briliáns portré nemcsak a mester egyik kiemelkedő alkotása, hanem a 18. század festészetének egyik remeke is.

4 év elteltével Levitsky elkészítette P. A. Demidov portréját, ahol az elülső kép sémáját merészen megváltoztatták. Oroszország leggazdagabb embere, az uráli híres gyárak tulajdonosa, Demidov váratlanul virágárusként, a ritka növények szerelmeseként jelenik meg. Nem teljes ruhában, hanem pongyolában, hálósapkával a fején. A helyzet egyszerűsége feltárja az ábrázolt ember emberi tulajdonságait: szívélyességét, barátságosságát. Demidov osztotta a francia felvilágosodás filozófusainak nézeteit. Ezért a művész nem felejtette el természetének fő jellemzőjét - a mecénás nagylelkűségét. Messze a kert mögött Levitsky megmutatta a tenyésztő költségén épült moszkvai árvaházat.

Az 1770-es években, a kreativitás legmagasabb virágzásának időszakában, Levitsky nagyméretű vászonsorozatot készített, amelyen a Nemes Leányok Birodalmi Oktatási Társaságának (Smolny Institute) első, második és harmadik kiadásának diákjait ábrázolta. Maga II. Katalin, a társaság alapítója bízta meg a művészt kedvencei portréinak megfestésével.

Az 1780-as és 1790-es években Levitsky jelentős számú művet írt, melyeket előadóművésziségük, de a korábbinál kisebb lélektani mélységük jellemez. A. I. Voroncov gróf lányairól készült portrésorozat kissé elválik egymástól, és a mester legjobb alkotásaira emlékeztet. A néhai művész festményeinek nagy részét a hideg racionalitás pecsétje fémjelzi.

Levitsky művei nagy benyomást tettek kortársaira. G. R. Derzhavin a „II. Katalin – Törvényhozó az Igazság istennője templomában” című nagy festménye által inspirálva megkomponálta a „Murza látomása” című híres ódát. Levitsky festményét külföldön élő kortársai ismerték; a mester számos művét Párizsban, a Louvre-ban őrzik, Denis Diderot portréja pedig Genfben.

A 18. századi orosz festészetben a történelmi festészet, a csendélet és a táj műfajainak aktív fejlődése ellenére a portré maradt domináns. Hagyományait Vlagyimir Borovikovszkij alakította ki, akinek munkáiban formai és lírai jellegű portrék egyaránt szerepeltek. A mester legnagyobb megrendelt vásznain, amelyek A. B. Kurakin alkancellárt és I. Pál császárt a Máltai Lovagrend nagymesterének jelmezében ábrázolják, észrevehető az a képesség, hogy a széles, telt hangzású színességet a részletgazdagsággal kombinálják. , miközben megőrzi a képi tónus egységét és a képi kép integritását, ami csak a legnagyobb művészekben rejlik. Borovikovszkij ügyessége egyértelműen megmutatkozott Murtaza-Kuli-Khannak, a perzsa sah Aga-Mohammed testvérének csodálatos portréjában, amelyet II. Katalin irányításával festettek.

A táj mint háttér Borovikovszkij szívesen szerepelt számos portréjában. Ez tükrözte a társadalom nézeteiben a 18. század végén bekövetkezett változásokat. a környezetre és az emberekre. A természettel való egység nagyobb természetességet adott az embereknek, tükrözte a szentimentalizmus eszméit. II. Katalin képén dolgozva Borovikovszkij a cárnőt „kazanyi földbirtokosként” mutatta be, így akart kinézni a nemesek szemében. Negyven évvel később A. S. Puskin a "A kapitány lánya" című történetben II. Katalin verbális portréját adta, nagyon közel Borovikovszkij portréjához, és valószínűleg ő inspirálta.

A XVIII. század művészetében. a természetkép önállóságot nyer. A táj külön műfajként fejlődik, ahol kiemelkedő mesterek Szemjon Scsedrin, Mihail Ivanov, Fjodor Alekszejev voltak. Az első kettő gyakran Carszkoje Selo, Pavlovsk, Gatchina környékét ábrázolta, az olaszországi, svájci és spanyolországi utazások benyomásait közvetítette. Az orosz fővárosok, Szentpétervár és Moszkva Alekszejev számos művét szentelték, aki a császári művészeti akadémián tanult, majd Velencében fejlődött. A „Kilátás a Palota rakpartjára és a Péter-Pál erődre” egyik leghíresebb festménye, amely a Néva-part kiterjedését, a víz sokszínű fényjátékát és a klasszikus építészet palotáinak rideg szépségét érzékelteti.

18. század vége az orosz akadémiai festészet nagy alkotásainak megjelenése jellemezte. Alakul a világ egyik leggazdagabb művészeti gyűjteménye, az Ermitázs. A nyugat-európai mesterek (1764 óta) II. Katalin festményeinek magángyűjteményén alapul. 1852-ben nyitották meg a nagyközönség előtt.

A 18. század vizuális művészete jelentős előrelépést tett a világi irány fejlesztésében.

A XVIII. századi orosz kultúra számára. a világi művészet fejlődésének korszaka, a kreatív erők felhalmozódásának szakasza lett. A hazai festészet nemcsak nem volt alacsonyabb az európainál, hanem a magasságokba is eljutott. A nagy portréfestők - Rokotov, Levitsky, Borovikovsky - vásznai egyértelműen jelezték az ezen az úton elért eredményeket, befolyásolták az orosz művészeti iskola további gyümölcsöző növekedését.

KÖVETKEZTETÉS

A 18. század az orosz művészeti kultúra széleskörű és átfogó virágzásának időszaka volt, az I. Péter által végrehajtott alapvető társadalmi-gazdasági és politikai átalakulásoknak köszönhetően. A festészet és metszet, az építészet és a szobrászat nagy sikereket ért el. Ők örökölték az ókori Oroszország leggazdagabb nemzeti művészeti tapasztalatát, felhasználták az európai kulturális hagyományokat.

Oroszország új fővárosának - Szentpétervárnak és az állam más városainak, számos palotának, középületnek az építése a dekoratív műanyag és festészet, a kerek szobrok és a dombormű kifejlesztéséhez vezetett, amely egyedülálló szépséget adott az építészeti együtteseknek.

I. Péter külföldieket hívott Oroszországba, ugyanakkor ő gondoskodott az orosz művészek oktatásáról. A XVIII. század első negyedében. A nyugdíjasokat széles körben gyakorolták - külföldre küldték képzésre és a szakma fejlesztésére.

Ekkor ért el az építészet és a hozzá kapcsolódó képzőművészet igazi virágzása. Nemcsak az építészetben, hanem a festészetben, a szobrászatban is a barokk formákat a klasszicizmusra jellemző technikarendszer váltotta fel, amely az ókori lakosság hagyományaira épül. Emellett a század végét a szentimentalizmus és a romantikus irányzatok megjelenése jellemzi.

Oroszország művészeti életének legfontosabb eseménye a "három legnemesebb művészet akadémiájának" - a festészet, a szobrászat és az építészet - megnyitása volt.

A Művészeti Akadémia már történetének kezdeti éveiben nagy mestereket képezett, akiknek munkája nagymértékben gazdagította és dicsőítette az orosz nemzeti kultúrát.

Az orosz kultúra fejlődése a XVIII. században előkészítette az orosz kultúra ragyogó felvirágzását, amely a világkultúra szerves részévé vált.

HASZNÁLT IRODALOM JEGYZÉKE

1. AZ OROSZ MŰVÉSZET TÖRTÉNETE. MOSZKVA. "MŰVÉSZET". - 3. kiadás, átdolgozva. és további 1987
2. Kulturológia. Világkultúratörténet: Tankönyv egyetemek számára / Szerk. Prof. A.N. Markova. - 2. kiadás, átdolgozva. és további - M.: UNITI, 2002
3. AZ OROSZ KULTÚRA VILÁGA. Enciklopédiai kézikönyv. Az Orosz Vámakadémia szentpétervári fiókja V.B.Bobkovról nevezték el. MOSZKVA. 2000

Hasonló tartalom

→

→

→

→

→

A 18. század jelentős változásokkal és jelentős eredményekkel járt Oroszország számára a művészet terén. Műfaji felépítése, tartalma, karaktere, művészi kifejezőeszközei megváltoztak. És az építészetben, a szobrászatban, a festészetben és a grafikában az orosz művészet a páneurópai fejlődés útjára lépett. Még a 17. század mélyén, Nagy Péter idejében az orosz kultúra "szekularizációs" folyamata zajlott. A páneurópai típusú világi kultúra kialakulása és fejlődése során nem lehetett támaszkodni a régi művészi káderekre, akiknek az új feladatok meghaladták a lehetőségeit. Az orosz szolgálatba meghívott külföldi mesterek nemcsak új művészet létrehozásában segítettek, hanem az orosz nép tanárai is voltak.

A XVIII. században Oroszországban példátlan terek nyíltak a szobrászat fejlődésében, egy új, nyugat-európai szobortípus megjelenése, amelyet Oroszország még nem ismert. Az orosz plasztikai művészet fejlődésében észrevehető stilisztikai változást a felvilágosodás klasszicizmusának új esztétikája hozott. Az oroszországi klasszikus szobrászat fejlődésében fontos szerepet játszott az orosz szolgálatra meghívott francia szobrász, N. Gillet, aki hosszú ideig az Akadémia szobrászati ​​osztályát vezette. Az oroszországi klasszikus szobrászat alapjait lefektető N. Gillet iskoláját a 18. század második felének valamennyi vezető orosz szobrásza elvégezte, akik a szentpétervári művészeti akadémián végeztek: F. Gordejev, M. Kozlovszkij, I. Prokofjev, F. Scsedrin, F. Subin, I. Marosés mások

Az új idők művészetének pozíciójába más művészileg fejlett európai országokhoz képest jelentős késéssel belépve az orosz festészet a maga módján tükrözi ennek a fejlődési szakasznak az általános törvényeit. A világi művészet előtérbe kerül. A világi festészet kezdetben Szentpéterváron és Moszkvában honosodott meg, de már a 18. század második felétől széles körben elterjedt más városokban és birtokokon is. A festészet hagyományos ágát - az ikonfestést - még mindig széles körben használják a társadalom minden szektorában.

Az orosz festészet a 18. század során a nyugat-európai iskolák művészetével szorosan érintkezve fejlődött, csatlakozva a közkincshez - a reneszánsz és barokk műalkotásokhoz, és széles körben felhasználva a szomszédos államok tapasztalatait is. Ugyanabban az időben. Amint azt a kutatók régóta megállapították, a művészetet általában, és különösen a festészetet a 18. század során egyetlen fókusz kapcsolja össze, és kifejezett nemzeti jellege van. Ebben az időszakban mesterségük legnagyobb mesterei dolgoztak Oroszországban - a hazai művészeti iskola képviselői és a külföldi festők.

45. A portré fejlődése a 18. századi orosz művészetben.

A 18. század jelentős változásokkal és jelentős eredményekkel járt Oroszország számára a művészet terén. Műfaji felépítése, tartalma, karaktere, művészi kifejezőeszközei megváltoztak. És az építészetben, a szobrászatban, a festészetben és a grafikában az orosz művészet a páneurópai fejlődés útjára lépett.

A korai, századfordulón keletkezett művekben ma is megmaradtak a középkori portréművészet elemei - parsunák, a modell társadalmi pozíciójának jellegzetes átadása, statikus testtartás, formaértelmezés lapossága, ornamentika iránti érdeklődése.

Az ilyen portrékon ábrázolt modellek szinte ikonikus közömbös várakozást testesítenek meg.

Valójában nemzeti iskola (Ivan Nyikitin, Alekszej Matvejev, Ivan Visnyakov, Alekszej Antropov, Ivan Argunov). Munkáikat a megjelenés átadásának ügyessége és pontossága jellemzi, bár a teljes tökéletességet még nem érték el.

A 17. század közepétől a 18. század közepéig a portré főként udvari körök tulajdona volt - legyen szó királyi emlékmű „parsuna”, ünnepélyes császári portré vagy olyan személyek képei, akik valamilyen módon közel álltak a legfőbb hatalomhoz. . Csak a 18. század közepétől vált „alacsonyabbra” a portré a rendes helyi nemesség tömegei között, a felvilágosodás hatására megjelentek a máig legritkább parasztok és kereskedők képei, kulturális személyiségek portréi születtek.

A század közepét - a nemzeti hagyományok felemelkedésének és újjáéledésének idejét - a festészet területén I.Ya nevei képviselik. Vishnyakova, A.P. Antropova, I.P. Argunov. A kompozíció felépítésében, a péteri nyugdíjasok ecsetmozdulatában és vonásában a könnyedséget és szabadságot a századközép mesterei felváltják a hagyományosabb írásmóddal, a megfontoltság a modellpózban.

A 18. század utolsó évtizedeinek festészetét jelentős változatosság és teljesség jellemzi. Ez elsősorban a Művészeti Akadémia megalapításának köszönhető. Az orosz iskola most elsajátítja azokat a festészeti műfajokat, amelyeket korábban csak a régi és a modern nyugat-európai mesterek munkái képviseltek. Az orosz festészet legnagyobb eredményei a 18. század utolsó évtizedeiben a portréművészethez kötődnek. A 18. század második felében érte el csúcspontját a portréművészet. Ebben az időben a legnagyobb festők F.S. Rokotov, DG. Levitsky és V.L. Borovikovszkij, aki ragyogó galériát készített kortárs portréiból, olyan alkotásokból, amelyek az emberi törekvések szépségét és nemességét dicsőítik.

46. ​​A 19. század első felének orosz művészete. Fejlődésének szintetizáló jellege.

A 19. század első felében a festészet gyorsan fejlődött Oroszországban. Egyszerre több irány került előtérbe. Először is a klasszicizmus volt. A 18. században és a 19. század elején szilárdan meghonosodott az orosz festészetben. A Művészeti Akadémia által egyedüliként meghirdetett akadémizmus művészeti iskola keretein belül létrejött alkotásokban nyert kifejezést. A klasszikus formák alapján az akadémizmus művészi törvényként érvényesítette őket. Ez egyfajta "hivatalos" irányzat volt az orosz művészetben, amelyet F.A. munkái fejlesztettek ki. Bruni, I.P. Martos, F. I. Tolsztoj.

19. század eleje az orosz festészetben egy olyan irányzat megjelenésének ideje volt, mint a romantika.

A festményeken a romantika elveinek három megtestesülési formája volt: a városi tájak természetéből való rajz, az olasz természet képe, az orosz természet képe.
A dél-olasz tájak szépsége S. Scsedrin, M. Lebegyev festményeiben testesült meg.

47. A realista stílus kialakulása a 19. század első felének és közepének orosz mestereinek munkásságában.

A XIX. század 40-es éveiről. A realizmus megjelenik az orosz festészetben, amelynek alapítója V.P. Fedotov.
Az orosz realista táj fejlődésének több szakaszán ment keresztül. Az első 1851-ben kezdődött, amikor Solov tájképei, Savrasov és Ammon festményei jelentek meg a Moszkvai Festő- és Szobrászati ​​Iskola diákkiállításán. Rajtuk kívül Hertz, Bocharov, Dubrovin és mások is aktívan kiállítanak, az első időszak vívmányai közül Savrasov „Táj halászszal” és „Kenyérszüret” című festményeit kell megemlíteni.
A 60-as években kezdődött a realista tájfestészet kialakulásának második periódusa. Jellemzője volt, hogy a festményeiken az őshonos természetüket az ábrázolás tárgyának tekintő művészek köre sokkal szélesebbé vált, és megnőtt a realista művészet iránti érdeklődés.
A második periódusban jelentek meg A. Savrasov, F. Vasziljev, A. Kuindzhi, I. Shishkin, M. Klodt, A. Kiselev, I. Ostroukhov, S. Svetoslavsky és mások munkái.

A realizmus meghonosodása a művészetben a Művészeti Akadémia vezetése által képviselt hivatalos irányzattal való makacs küzdelemben ment végbe. Az akadémia dolgozói azzal a gondolattal inspirálták hallgatóikat, hogy a művészet magasabb rendű, mint az élet, csak bibliai és mitológiai témákat tűztek ki a művészek munkája elé.

48. Tájfestészet a 19. századi orosz művészetben.

A Vándorok valódi felfedezéseket tettek a tájfestészetben. Kezdetben az akadémiai szabályok elleni lázadásuk oka az ősi művészet és hagyományok imádatának követelésével az volt a vágy, hogy "élő" életet írjanak elődeik műveinek pompája és dekorativitása nélkül. Kramskoy volt a Vándorok feje. Olyan művészek, mint Savrasov ("Megérkeztek a bájosok"), Shishkin ("Örök békén át", "Hajóliget", "Vladimirka", "Rozs"), Levitan ("Volga", "Március", "Arany ősz") és sokan mások a 18. századi tájművészet igazi remekeit alkották meg.

49. A 19. század második felének orosz művészete. Változatos típusok és műfajok.

19. század második fele az orosz képzőművészet virágzása jellemezte. A nép szabadságharcának pátoszával átitatott, az élet igényeire reagáló, az életbe aktívan behatoló művészet lett igazán nagy. A realizmus végül meghonosodott a képzőművészetben - az emberek életének igaz és átfogó tükröződése, az élet újjáépítésének vágya az egyenlőség és az igazságosság alapján.

A művészet központi témája az emberek voltak, nemcsak az elnyomottak és szenvedők, hanem az emberek is - a történelem alkotója, a népharcos, az élet minden jójának megteremtője.

A realizmus meghonosodása a művészetben a Művészeti Akadémia vezetése által képviselt hivatalos irányzattal való makacs küzdelemben ment végbe.

Az akkori művészeti műfajok változatosak. A harci festészet legvilágosabban Verescsagin festményében ("A háború apoteózisa") fejeződik ki, ő mutatta meg a háború hátoldalát.

Ugyanakkor leírta a hétköznapi orosz emberek csodálatos tulajdonságait, amelyek a háborúban megnyilvánulnak - az önzetlen bátorságot, az önfeláldozásra való készséget, a katonabarátságot, ezeknek a feltűnő, jutalmatlan hősöknek a lelki szépségét.

A következő lépést N. N. Ge. "I. Péter és Alekszej" című festménye (1871) a dokumentarista történeti pontosságot elmélyült pszichologizmussal, ideológiai gazdagsággal ötvözi. Péter képe a hazaszeretet gondolatát testesíti meg, minden személyeset feláldozva az anyaország javára.

V. Vasnyecov műveiben nem találunk történelmi eseményeket a szó szoros értelmében. Történeteit az orosz népeposzból, eposzokból és mesékből merítette. Festményein a fikció és a valóság ugyanaz az összefonódása, a fantasztikus és hiteles történelmi elemei, a naivitás és a bölcsesség, ami rendkívüli varázst ad a népművészeti alkotásoknak.

V. Vasnyecovtól eltérően Surikov valós történelmi eseményekre hivatkozik.
Surikov a modern idők egyik legnagyobb festője. Nagyszerű az orosz nép történelmi sorsának megértésének mélységében, igazán epikus elképzeléseinek művészi megtestesítő erejében.

50. A Vándorkiállítások Egyesületének létrejötte. Jellemzője. képviselői.

Vándorművészeti Kiállítások Egyesülete (Vándorok) orosz művészek alkotószövetsége, amely a 19. század utolsó harmadában létezett. Esztétikai értelemben a Partnerség résztvevői, ill Vándorok, céltudatosan szembeállították magukat a hivatalos akadémizmus képviselőivel. A társaság alapítói I. N. Kramskoy, G. G. Myasoedov, N. N. Ge és V. G. Perov voltak. Tevékenységükben a vándorokat a populizmus eszméi inspirálták. A vándorok aktívak voltak az oktatási tevékenységben, különösen vándorkiállítások szervezésében;

1863. november 9-én a Császári Művészeti Akadémia legkiválóbb, első aranyéremért kiírt pályázatra felvett hallgatói közül 14 fordult az Akadémia Tanácsához azzal a kéréssel, hogy pótolja a pályázati feladatot (festmény festése adott alapján). cselekmény a skandináv mitológiából „Odin isten ünnepe Valhallában”) egy szabad feladattal, egy képet festve a művész által választott témára. A Tanács elutasítására mind a 14 ember elhagyta az Akadémiát.