Afrika művészete – áttekintés az egyes népek országainak és kultúráinak kontextusában

Afrikai művészet (afrikai művészet)

Art of Africa (afrikai művészet) egy kifejezés, amelyet általában a szubszaharai Afrika művészetére használnak. A hétköznapi szemlélők gyakran a "hagyományos" afrikai művészetről szoktak általánosítani, de a kontinens tele van emberekkel, közösségekkel és civilizációkkal, mindegyiknek megvan a maga egyedi vizuális kultúrája. Ez a meghatározás magában foglalhatja az afrikai diaszpórák művészetét is, például az afroamerikaiak művészetét. E sokféleség ellenére az afrikai kontinens vizuális kultúrájának összességét tekintve van néhány egyesítő művészeti téma. Az afrikai stílus alkalmazása a belső térben meglehetősen egyszerű. Az alábbiakban bemutatjuk az afrikai maszkok és figurák néhány fontos jellemzőjét, amelyek analógjai megvásárolhatók az Afroart Galériában.

Az "Afrika művészete" kifejezés általában nem foglalja magában Észak-Afrika Földközi-tenger partja mentén fekvő területeinek művészetét, mivel ezek a területek régóta különböző hagyományok részét képezik. Több mint ezer éve a művészet ezeken a területeken az iszlám művészet szerves részét képezi, bár számos különleges tulajdonsággal. A nagy keresztény hagyományokkal rendelkező etióp művészet is különbözik a legtöbb afrikai országtól, ahol a hagyományos afrikai vallások (az iszlám az északon elterjedt) egészen a közelmúltig domináltak.

Történelmileg az afrikai szobrászat többnyire fából és más természetes anyagokból készült, amelyek nem maradtak fenn korábbi időszakokból, mint jó esetben néhány évszázaddal ezelőtt; régebbi kerámiafigurák számos területen találhatók. A maszkok sok nép művészetének fontos elemei, a gyakran erősen stilizált emberi alakok mellett. Nagyon sokféle stílus létezik, amelyek gyakran ugyanazon származási feltételeken belül változnak, attól függően, hogy az objektumot hogyan használják, de nyilvánvalóak a regionális hasonlóságok. A szobrászat legelterjedtebb a nyugat-afrikai Niger és Kongó folyó völgyében élő ülő mezőgazdasági csoportok körében. A közvetlen istenszobrok viszonylag ritkák, de a maszkokat különösen gyakran készítik vallási szertartásokhoz (rituálékhoz). Az afrikai maszkok hatással voltak az európai modernista művészetre, amelyet a naturalizmus hiánya ihletett. A 19. század vége óta nőtt az afrikai művészetek száma a nyugati gyűjteményekben, amelyek legjavát ma már neves múzeumokban és galériákban láthatják.

A későbbi nyugat-afrikai kultúrák kifejlesztették a bronzöntvényt, amelyből domborműves szobrokat és naturalista uralkodófejeket készítettek, mint például a híres benini bronzot, a paloták díszítésére. Az aranyfigurás nehezék az 1400-1900 közötti időszakban készült kisméretű fémszobrok egyik fajtája; egyesek közmondásokat ábrázolnak, bevezetve az afrikai szobrászatban ritka narratív elemet; a királyi dísztárgyak impozáns arany szoborelemeket tartalmaztak. Sok nyugat-afrikai figurát használnak vallási rituálékban, és gyakran tartalmaznak olyan részleteket, amelyek szükségesek az ünnepi áldozatokhoz. Ugyanezen vidéken élő mande nyelvű népek fából készítenek tárgyakat széles lapos felülettel, hengeres karokkal és lábakkal. Közép-Afrikában azonban a fő megkülönböztető jellemzők a szív alakú, befelé ívelt arcok, körökből és pontokból álló mintákkal.

Kelet-Afrika, ahol nincs felesleges fa a faragáshoz, a Tinga-Tinga festményekről és a Makonde-szobrokról ismert. A textilművészet előállításának is hagyománya van. Nagy Zimbabwe kultúrája lenyűgözőbb épületeket hagyott maga után, mint a szobrokat, de úgy tűnik, hogy a nyolc szappankő zimbabwei madár különleges jelentőséggel bír, és valószínűleg monolitokra helyezték őket. A kortárs zimbabwei szappankő szobrászok jelentős nemzetközi sikereket értek el. A legrégebbi ismert dél-afrikai agyagfigurák az i.sz. 400 és 600 közötti időszakból származnak. Kr.e. hengeres fejük van, emberi és állati vonások keverékével.

Az afrikai művészet alapvető elemei

Művészi kreativitás vagy expresszív individualizmus: A nyugat-afrikai művészetben különösen nagy hangsúlyt fektetnek az expresszív individualizmusra, ugyanakkor az elődök munkái is befolyásolják. Példa erre a dán nép művészi kreativitása, valamint a nyugat-afrikai diaszpórában való létezésük.

Hangsúly az emberi alakon: Az emberi alak mindig is a fő témája volt az afrikai művészet nagy részének, és ez a hangsúly még néhány európai hagyományra is hatással volt. Például a tizenötödik században Portugália a nyugat-afrikai Elefántcsontpart közelében kereskedett a sapi néppel, akik kifinomult elefántcsont-sószórókat készítettek, amelyek ötvözték az afrikai és az európai művészet jellemzőit, elsősorban az emberi alak hozzáadásával (az emberi alak általában , nem jelent meg a portugál sótartókban). Az emberi alak szimbolizálhatja az élőket vagy a holtakat, az uralkodókat, a táncosokat vagy a különféle szakmákat, mint például a dobosokat vagy a vadászokat, vagy akár egy isten antropomorf ábrázolása vagy más fogadalmi funkciója is lehet. Egy másik gyakori téma az ember-állat hibrid.

Vizuális absztrakció: Az afrikai művészet hajlamos a vizuális absztrakciót előnyben részesíteni a naturalista ábrázolással szemben. Ennek az az oka, hogy sok afrikai mű általánosítja a stilisztikai normákat. Az általában naturalisztikusan leíró jellegűnek tartott ókori egyiptomi művészet rendkívül absztrakt és egységes vizuális kánonokat használ, különösen a festészetben, valamint különféle színeket, hogy az ábrázolt lény tulajdonságait és jellemzőit képviselje.

Hangsúly a szobrászaton: Az afrikai művészek általában a 3D-s alkotásokat részesítik előnyben a 2D-s munkákkal szemben. Még sok afrikai festménynek vagy szövetnek is háromdimenziósnak kell lennie. A házfestést gyakran úgy tekintik, mint egy folyamatos, a házat körülölelő tervezést, amely arra kényszeríti a nézőt, hogy sétáljon körül, hogy a lehető legteljesebb mértékben megtapasztalhassa; míg a díszített szöveteket dekorációs vagy szertartási ruhaként viselik, élő szoborrá változtatva az őket viselő személyt. A hagyományos nyugati szobrászat statikus formájától eltérően az afrikai művészet dinamikát, mozgáskészséget ábrázol.

Hangsúly az akcióművészeten: A hagyományos afrikai művészet haszonelvűségének és háromdimenziósságának kiterjesztése az a tény, hogy nagy része cselekvési kontextusban való felhasználásra készült, nem pedig statikusan. Például a hagyományos afrikai maszkokat és jelmezeket nagyon gyakran használják közösségi, szertartásos kontextusokban, ahol "táncolnak". A legtöbb afrikai társadalomnak van neve maszkjainak, de ez az egy név nemcsak magát a maszkot tartalmazza, hanem a jelentését, a hozzá kapcsolódó táncot és a benne lakozó szellemeket is. Az afrikai gondolkodás nem választja el egyiket a másiktól.

Nem lineáris méretezés: Az afrikai művészi kompozíció egy kis része gyakran úgy néz ki, mint egy nagy rész, mint a gyémántok különböző léptékű Kasai mintákban. Louis Senghor, Szenegál első elnöke "dinamikus szimmetriának" nevezte. William Fagg brit művészettörténész ezt D'Arcy Thompson biológus természetes növekedésének logaritmikus megjelenítéséhez hasonlította, amelyet újabban fraktálgeometriaként írnak le.

Az afrikai művészet léptéke

Egészen a közelmúltig az "afrikai" megjelölés általában csak a "Fekete-Afrika" művészetére utalt, a szubszaharai Afrikában élő népekre. Észak-Afrika nem fekete népei, Afrika szarvának lakossága (Szomália, Etiópia), valamint az ókori Egyiptom művészete általában nem szerepelt az afrikai művészet fogalmában.

A közelmúltban azonban az afrikai művészettörténészek és más tudósok szorgalmazzák e területek vizuális kultúrájának bevonását, mivel ezek lényegében az afrikai kontinens földrajzi határain belül vannak.

A lényeg az, hogy az összes afrikai nép és vizuális kultúrájuk bevonásával az afrikai művészetbe a nem profik is mélyebben megértsék a kontinens kulturális sokszínűségét. Mivel a hagyományos afrikai, iszlám és mediterrán kultúrák gyakran egybeolvadtak, a tudósok úgy találták, hogy nincs értelme egyértelmű különbséget tenni a muszlim régiók, az ókori Egyiptom, a Földközi-tenger és az őslakos fekete-afrikai társadalmak között.

Végül az afrikai diaszpóra művészetét Brazíliában, a karibi térségben és az Egyesült Államok délkeleti részén is elkezdték bevonni az afrikai művészet tanulmányozásába. A művészet idegen hatásokkal való ötvözése elrejti a belső művészi érdemek hiányát, különösen a kontinensen a civilizáció megjelenése előtti időszakban, amelyet a hosszabb fejlődési múlttal rendelkező kultúrákból hoztak.

Afrikai művészet - anyagok

Az afrikai művészetnek számos formája van, és sokféle anyagból készül. Az ékszer egy népszerű művészeti forma, amelyet a rang, csoporttagság vagy pusztán esztétika jelzésére használnak. Az afrikai ékszerek olyan változatos anyagokból készülnek, mint a tigrisszem, a hematit, a szizál, a kókuszdióhéj, a gyöngyök és az ébenfa. A szobrok lehetnek fából, kerámiából vagy kőből faragtak, mint a híres Shona-szobrok, és a díszített vagy faragott kerámia számos régióból származik. A textíliák különféle formái léteznek, beleértve a kitenzh, bogolan és kent szövetet. Nyugat-Afrikában népszerűek a pillangószárnyak vagy a színes homokmozaikok.

Az afrikai művészet története

Az afrikai művészet eredete jóval a feljegyzett történelem előtt rejlik. A nigeri Szaharában található afrikai sziklaművészet több mint 6000 évvel ezelőtti képeket tartalmaz. A szubszaharai Afrika mellett a nyugati kultúra művészete, az ókori egyiptomi festmények és műtárgyak, valamint az őslakos déli mesterségek is nagyban hozzájárultak az afrikai művészethez. A környező természet bőségét ábrázoló művészet gyakran az állatok, a növényvilág vagy a természetes minták és formák absztrakt értelmezéseire redukálódott. A mai Szudán területén található Kush núbiai királysága szoros és gyakran ellenséges kapcsolatban állt Egyiptommal, és monumentális szobrokat készített, amelyek többnyire olyan stílusokból származtak, amelyek nem domináltak északon. Nyugat-Afrikában a legkorábbi ismert szobor a Nok kultúrából származik, amely a mai Nigéria területén virágzott i.e. 500 között. e. és i.sz. 500 e. agyagfigurákkal, általában hosszúkás testtel és szögletes alakkal.

A szubszaharai Afrikában kifinomultabb művészeti technikákat fejlesztettek ki a 10. század környékén, a legjelentősebb eredmények közé tartozik az Igbo Ukwu bronzmunkája és az Ile Ife kerámia és fémmegmunkálás. A gyakran elefántcsonttal és drágakövekkel díszített bronz- és rézöntvények Nyugat-Afrika nagy részén igen tekintélyesek lettek, néha az udvari kézművesek munkáira korlátozódtak, a királyi jogokkal azonosítva, mint a benini bronz.

Hatása a nyugati művészetre

A nyugatiak régóta „primitívnek” tartják az afrikai művészetet. A kifejezés az alulfejlettség és a szegénység negatív konnotációit hordozza magában. A tizenkilencedik századi afrikai gyarmatosítás és rabszolga-kereskedelem megszilárdította a nyugati véleményt abban a hitben, hogy az afrikai művészet alacsony társadalmi-gazdasági státusza miatt nem rendelkezik technikai képességekkel.

A huszadik század elején olyan művészek találkoztak, mint Picasso, Matisse, Vincent van Gogh, Paul Gauguin és Modigliani, és az afrikai művészet ihlette őket. Abban a helyzetben, amikor a bevett avantgárd ellenállt a vizuális világ szolgálata által támasztott korlátoknak, az afrikai művészet megmutatta a magasan szervezett formák erejét, amelyet nemcsak a látás ajándéka hozott létre, hanem – és gyakran mindenekelőtt – a a képzelőerő, az érzelmek, a misztikus és vallásos élmény. Ezek a művészek a formai tökéletességet, a kifinomultságot és a fenomenális kifejezőerőt ötvözték az afrikai művészetben. Az afrikai művészet művészek általi feltárása és reagálása a huszadik század elején hozzájárult az absztrakció, a formák szerveződése és átszervezése, valamint a nyugati művészetben eddig nem látott érzelmi és pszichológiai területek feltárásához való érdeklődés robbanásszerű megnövekedéséhez. Ezekkel a forrásokkal a képzőművészet státusza megváltozott. A művészet megszűnt egyszerűen és elsősorban esztétikai lenni, de a filozófiai és intellektuális diskurzus igazi hordozójává is vált, ennélfogva valóban és mélyebben esztétikusabb, mint valaha.

Hatása a nyugati építészetre

Az európai építészetet erősen befolyásolta az afrikai művészet. Az úttörők, mint Antonio Sant Elia, Le Corbusier, Pier Luigi Nervi, Theo van Desburg és Erich Mendelssohn szintén szobrászok és festők voltak. A futurista, racionalista és expresszionista építészet az elsődleges szimbólumok új repertoárjára bukkant Afrikában; formális szinten a tér ma már egyes alakokból tevődik össze, amelyek nemcsak az emberi arányokra és léptékekre, hanem pszichológiájára is utalnak; felületeket geometrikus mintákkal modellezzük. Az 1950-es években az európai építészek az épületeket nagyméretű szobrokká alakították át, a szükségtelen dekorációt (amelyet Adolf Loos bírált) felváltva texturált freskók és nagy domborművek a falakon. Az 1960-as években az afrikai művészet hatással volt a brutalizmusra, mind nyelvben, mind szimbolikában, különösen a néhai Le Corbusier-ban, Oscar Niemeyerben és Paul Rudolphban. John Lautner erőteljes munkája a joruba műalkotásokra emlékeztet; Patricio Pouchulu érzéki tervei a Dogon és Baule faszobrai előtt tisztelegnek. Európával ellentétben az afrikai művészet soha nem szab határt a body art, a festészet, a szobrászat és az építészet között; ennek köszönhetően a nyugati építészek ma már a különféle művészi kifejezések felé terjeszkedhetnek.

tradícionális művészet

A hagyományos művészet az afrikai művészet legnépszerűbb és tanulmányozott formáit írja le, amelyek általában megtalálhatók a múzeumi gyűjteményekben. Helyesebb afrikai stílust létrehozni a belső térben csak ilyen tárgyak segítségével. Az embert, állatot vagy mitikus lényeket ábrázoló fa maszkok az egyik leggyakrabban látható művészeti forma Nyugat-Afrikában. Az eredeti szövegkörnyezetben a szertartásos maszkokat ünnepségekre, beavatásra, betakarításra és a háborúra való felkészülésre használják. A maszkokat a kiválasztott vagy beavatott táncos veszi fel. A ceremónia során a táncos mély transzba kerül és ebben az állapotban "kommunikál" őseivel. A maszkokat háromféleképpen lehet viselni: függőlegesen, az arcot eltakarva, mint a sisakok, az egész fejet befedve, valamint egy álarc részeként általában anyaggal bevont címer formájában is. Az afrikai maszkok gyakran szellemeket ábrázolnak, és úgy gondolják, hogy az ősi szellemek birtokolják azokat, akik viselik őket. A legtöbb afrikai maszk fából készül, és díszíthető elefántcsonttal, állati szőrrel, növényi rostokkal (például raffiával), pigmentekkel (például kaolinnal), kövekkel és féldrágakövekkel.

A szobrok általában fából vagy elefántcsontból készülnek, gyakran cowrie-kagylókkal, fémelemekkel és tüskékkel kirakva. A dekoratív ruházat is gyakori, és az afrikai művészet másik jelentős részét foglalja magában. Az afrikai textilek egyik legbonyolultabb fajtája a ghánai színes, csíkos kentszövet. Egy másik jól ismert technika a bonyolult mintájú Bogolan.

Kortárs afrikai művészet

Afrika virágzó kortárs vizuális művészeti kultúrának ad otthont. Ez sajnos a közelmúltig kevéssé volt kutatott, mivel a tudósok és gyűjtők a hagyományos művészetre helyezték a hangsúlyt. Nevezetes kortárs művészek: El Anatsui, Marlene Dumas, William Kentridge, Karel Nal, Kendell Geers, Yinka Shonibare, Zerihun Yetmgeta, Odhiambo Siangla, Elias Jengo, Ola Oguibe, Lubaina Himid és Bili Bidjocka, Henry Tayali. A szenegáli Dakarban és a dél-afrikai Johannesburgban művészeti biennálét rendeznek. Számos kortárs afrikai művész képviselteti magát a múzeumi gyűjteményekben, és munkáik magas áron kaphatók a művészeti aukciókon. Ennek ellenére sok kortárs afrikai művész nehezen talál piacot munkáinak. Sok kortárs afrikai művészet jelentős mértékben kölcsönöz hagyományos elődeitől. Ironikus módon a nyugatiak az absztrakcióra helyezett hangsúlyt olyan európai és amerikai kubista és totemikus művészek utánzatának tekintik, mint Pablo Picasso, Amadeo Modigliani és Henri Matisse, akikre a huszadik század elején nagy hatással volt a hagyományos afrikai művészet. Ez az időszak nagyon fontos volt a nyugati modernizmus képzőművészetben történő fejlődése szempontjából, amelyet Picasso áttörést jelentő festménye, az Avignoni lányok jellemez.

Ma Fathi Hassan a kortárs fekete-afrikai művészet korai képviselőjének számít. A kortárs afrikai művészetet először az 1950-es és 1960-as években mutatták be Dél-Afrikában olyan művészek, mint Irma Stern, Cyril Fraden, Walter Battiss, valamint olyan galériákon keresztül, mint a johannesburgi Goodman Gallery. A későbbi európai galériák, mint például a londoni October Gallery, valamint olyan gyűjtők, mint Jean Pigozzi, Arthur Walter és Gianni Baiocchi Rómában segítettek növelni a téma iránti érdeklődést. Számos kiállítás a New York-i Afrikai Művészeti Múzeumban és a 2007-es Velencei Biennálé Afrikai Pavilonjában, amelyek Sindika Dokolo afrikai kortárs művészeti gyűjteményét mutatták be, nagy utat jártak be a kortárs afrikai művészetet sújtó mítoszok és előítéletek leküzdésében. A nigériai Okwui Enwezor kinevezése a Documenta 11 művészeti igazgatójává és a művészetről alkotott afrikai-központú víziója számtalan afrikai művész pályafutását emelte a nemzetközi színtérre.

A művészet többé-kevésbé hagyományos formáinak széles skáláját, vagy a hagyományos stílus kortárs ízléshez való adaptációját hozzák létre a turisták és mások számára történő eladásra, beleértve az úgynevezett "őslakos művészetet". Sok erőteljes néphagyomány a nyugati hatásokat az afrikai stílusokba asszimilálja, mint például a nyugat-afrikai városok repülőgépek, autók vagy állatok formájú, kidolgozott fantáziakoporsói és a klubok transzparensei.

országok és emberek

Zambia

Miközben a világ más irányba néz, Zambiában a művészetek szerény eszközökkel virágoznak. Zambia talán a világ legkreatívabb és legtehetségesebb művészeinek otthona. A zambiai művészek kreativitás iránti vágya olyan erős, hogy bármit felhasználnak. A zsákvászontól az autófestékig még a régi lapokat is gyakran használják vászon helyett művészeti anyagként. A törmeléket és a törmeléket műalkotásokká alakítják, amelyek méretükben gyakran lenyűgözőek. A képzőművészeti hagyomány, a fogalom nyugati felfogása szerint Zambiában a gyarmati időkre nyúlik vissza, és azóta is folyamatosan növekszik. A Lechwe Alapítványnak köszönhetően a zambiai művészet garantáltan otthont kap abban az országban, ahol létrejött.

A Lechwe Alapítványt Cynthia Zukas alapította. A 80-as évek elején számos zambiai művésszel barátkozott, köztük William Bwalya Mikóval, aki szívesen emlékszik vissza arra, hogyan tért vissza Zukas tengerentúli útjáról művészeti anyagokkal teli bőröndökkel, hogy átadja azokat a helyi művészeknek, akiknek nem volt hozzáférésük eszközöket. 1986-ban örökséget kapott, és úgy döntött, hogy itt az ideje a művészek jelentősebb támogatásának, és megalakult a Lechwe Trust. Céljuk az volt, hogy ösztöndíjakat biztosítsanak azoknak a művészeknek, akik hivatalosan szeretnének tanulni vagy művészeti műhelyeken és tanfolyamokon részt venni. Emellett elhatározták, hogy elkezdenek gyűjteni, művészi hagyatékot biztosítva Zambiának, de vannak olyanok munkái, akik Zambiában éltek, vagy kapcsolatban állnak az országgal. Jelenleg több mint 200 műalkotás található a festményektől a szobrokig, a metszetektől a vázlatokig, ez az örökség, amelyre a zambiaiaknak büszkének kell lenniük, mégis kevesen tudnak a létezéséről. Vagy legalábbis a legutóbbi kiállításig így volt. A művészeknek a zambiai művészeti szcéna népszerűsítésének hiánya az egyetlen probléma.

A Lechwe Alapítvány kiállítása

A „Destiny” kiváló példája a Lechwe Alapítvány munkájának fontosságának. Henry Teiali eredeti Destiny (1975–1980) című festményén nyilvánvaló az identitásért folytatott küzdelem a haladás idején.

Henry Tayali "Destiny" című festménye

Az előtérben számtalan emberalak mászik és dolgozik, vasgerendákat, lapátokat cipelve, miközben mintha egy hatalmas, párával burkolt, modern városba zárnák be őket. Maga a város tompa szürke, barna árnyalatokra festett, a tömeg azonban élénk színekbe öltözött. A kiállítás katalógusa és a The Lowdown helyi magazin cikke szerint ez a festmény hosszú és érdekes életet élt. 1966-ban a festményt Tim Gibbsnek, az akkori dél-rodéziai kormányzó, Sir Humphrey Gibbs fiának adták el. 1980-ban Teyali a már független Zimbabwébe utazott, hogy visszaszerezze festményét. Nem meglepő, hogy visszautasították, de engedélyt kapott a festmény kiállításokra való kölcsönzésére. A Destiny bejárta Londont, Zambiát és Párizst, mielőtt visszatért Gibbsbe. 1989-re Henry Teiali meghalt, és a Destinyt ismét Londonban mutatta be a Lechwe Alapítvány. Két évbe telt, de immár az alapítvány birtokolja a festményt, lenyűgöző gyűjteményük magját.

A zambiai művészek sajátos, bár természetesen nem egyedi kihívásokkal néznek szembe. Még ma is olyan anyagokat kell importálni Dél-Afrikából, mint az olajfestékek, ecsetek, vásznak, ami rendkívül drágává teszi őket. A nyilvános könyvtár és a szakfolyóiratok hiánya azt jelenti, hogy a művészek megfosztják attól a lehetőségtől, hogy ismertebb művészeket tanulmányozzanak, vagy hogy egy szélesebb nemzetközi közösséghez tartsák magukat. Éppen egy évvel ezelőtt, ha Zambiában művészetet akartál tanulni, egyetlen kurzus volt elérhető az országban, a Certificate in Arts Education, amely inkább a tanításra, mint a művészetalkotásra készített fel.

Két festmény két különböző generációhoz tartozó művésztől: Henry Teyali (1943-1987) a bal oldalon és az élő művész, Stary Mwaba. És természetesen próbálkoznak munkájuk eladásával. A gazdaságilag stabilabb országokban csak néhány művész mondhatja el magáról, hogy egyedül a művészetéből él, de Zambiában nem sok ilyen ember él. Ennek nem csak az az oka, hogy kevesebb kellő jövedelmű ember hajlandó megvenni a festményt, hanem egyes turisták és emigránsok előítéletei miatt is, akik azt feltételezik, hogy akciós áron, egy emléktárgy árán vásárolják meg a művet. az árak magasabbnak bizonyulnak. Az a panaszkodás, hogy a munka túlárazott, vita tárgya. Lusaka a szubszaharai Afrika egyik legdrágább városa a bérleti díjak és a termékárak tekintetében, ráadásul, amint fentebb említettük, a művészeti kellékek különösen drágák. A művészek azt állítják, hogy alkotásaik árai tisztességesen tükrözik gazdasági realitásukat, ráadásul néhány művész nemzetközi kiállításon is kiállított, és úgy érzi, joga van több pénzt kérni. Az alacsony eladási adatok arra utalnak, hogy sajnos sokan nem értenek egyet ezzel. Az alacsony eladások másnak is lehetnek az eredménye. A nagyon kicsi zambiai művészvilágon kívül nagyon kevesen tudják, milyen aktívak jelenleg a művészek. Ha egy pillantást vetünk a nemzetközi művészeti magazinokra, kiderül, hogy a szubszaharai Afrika nem foglalkozik vele, és csak néhány művésznek, például Chris Ofilinek és Yinka Shonibairnek sikerült betörnie Európába és az Egyesült Államokba. Számos kortárs zambiai művész, például Zenzele Chulu és Stari Mwaba, akik nemzetközi kiállításokon is részt vettek, úgy vélik, ennek az az oka, hogy a művészeti világ az afrikai művészetet egy nagyon sajátos, etnocentrikus sztereotípiában szeretné látni. Ennek eredményeként gyakran kérik fel őket afrikai stílusú kiállításokon való részvételre, ami korlátozza tevékenységüket, ami frusztrálja a művészeket. Ahogy Mwaba mondja: „Afrikai vagy afrikai művész vagyok?” És ami még fontosabb, miért számít még mindig ez a kérdés?

Lusaka mégis tele van művészekkel, és a Henry Tayali Galéria – Lusaka első számú képzőművészeti galériája – szinte a padlótól a mennyezetig tele van műalkotásokkal, és bár csak szerényen csordogálnak látogatók (néhány nap, mondjuk egyet sem), a galéria a tevékenység központja. Miért? Nos, egy olyan országban, ahol korlátozottak a munkalehetőségek, jobb művésznek lenni és dolgozni, mint várni egy olyan állásra, amely talán soha nem jön el. Sok olyan gyerek nem járhat iskolába, akiknek a szüleinek nincs pénzük vagy idejük, amit gyakran a ház körüli segítséggel töltenek. De a művészeten keresztül az ember kifejezheti magát anélkül, hogy tudna írni és olvasni. A művészközösség meleg és barátságos, tele van emberekkel, akik megértik, hogy a leggazdagabb erőforrásuk ők maguk; tárt karokkal várják az új tagokat. Van egy elvontabb és talán szintén ritkán artikulált motiváció – a büszkeség és a vágy, hogy Zambiát képi eszközökkel ábrázolják és felfedezzék. Munkájukon keresztül a zambiai művészek méltóságot és megértést sugároznak társadalmukban a jó és a rossz iránt. Kérdeznek, vizsgálnak és néha ítélkeznek. Az itteni művészek egyszerűen szeretik a művészetet, vágynak rá, és ez döntően hozzájárul öntudatukhoz, céltudatosságukhoz.

Zambia története tele van tehetségekkel és karakterekkel, még akkor is, ha hőstetteiket és eredményeiket nem mindig dokumentálják megfelelően. Vegyük Aquila Simpasát. Simpasa valamikor világhírű művész volt, a szobrászatot és a rajzot választotta, de a művészetek olyan mélyen beleivódtak, hogy festett és zenét is alkotott. Barát volt Eddie Granttel, és Jimi Hendrixszel és Mick Jaggerrel lógott. Simpasa jelentős felfedező volt. Sajnos mentális egészségügyi problémái is voltak, és viszonylag fiatalon halt meg az 1980-as években, és azóta eltűnt a homályba. A még élő kortársai jól emlékeznek rá. Barátja, Simpasu megjegyzéskérésére Patrick Mwimba művész így kommentálta: "Ő volt a legjobb zambiai művész." Szájról szájra szállnak a róla szóló történetek, amelyek – akárcsak maga a művész és élete – kevéssé dokumentáltak. William Miko és Zenzel Chulu is megemlítette, hogy egyesek azt hiszik, hogy még mindig él, mint Elvis, legendává vált, és a Lechwe Trust-nak köszönhetően a legenda megszólalhat az ő munkáján keresztül.

Tagadhatatlan, hogy a Lechwe Trust hosszú utat tett meg a zambiai művészek előtt álló számos probléma megoldásában. Ha méltányos áron vásárol műalkotásokat, néhány művész Zambiában maradhat és dolgozhat ahelyett, hogy elhagyná az országot, mint sokan, köztük Henry Teyali. Az alapítvány segített William Mikonak művészként fejlődni és külföldön tanulni Európában. Végül visszatért dolgozni és segíteni az alapítványt. A Lychee az egyetlen ilyen alap Zambiában. Az ország tele van civil szervezetekkel, kevesen érdeklődnek a művészeti szcéna iránt, ha egyáltalán nem. Azonban "nem lehet fejlődés a művészet és a kultúra fejlődése nélkül" - mondja William Miko. Példaként hozza fel Japánt, amelynek több évszázados és nagy tiszteletnek örvendő művészeti hagyománya van. Úgy véli, hogy az inspiráció, a kreativitás és a kemény munka eme hagyománya segített Japánt a mai technológiai központtá alakítani. A Lechwe Alapítvány fáradhatatlan támogatása a zambiai művészeti szcéna számára kulcsfontosságú lehet az elismerés megszerzésében, különösen most, hogy úgy döntöttek, saját galériát építenek.

Mali

Mali fő etnikai csoportja a bambara (más néven bamana) és a dogon. A kisebb etnikai csoportokat a Niger folyó Mark és Bozo halászai alkotják. Az ókori civilizációk virágoztak olyan területeken, mint Djene és Timbuktu, ahol számos ókori bronz és terrakotta figurát fedeztek fel.

Chivara Bambara két figurája, kb. 19. vége - kora 20. század, Chicago Art Institute. Női (balra) és férfi, függőleges változat

Bambara nép (Mali)

A bambara nép sok művészeti hagyományt adaptált, és elkezdett műalkotásokat készíteni. Mielőtt a pénz lett volna műalkotásaik fő mozgatórugója, képességeiket csak szakrális mesterségként használták fel a spirituális büszkeség, vallási hiedelmek és szokások bemutatására. Példa a műalkotásra a Banam maszk n "tomo. Más szobrokat embereknek, például vadászoknak és gazdálkodóknak készítettek, hogy mások felajánlhassanak felajánlást egy hosszú mezőgazdasági szezon vagy csoportos vadászat után. Bambara stílusváltozatai között szerepelnek szobrok, maszkok és olyan fejdíszek, amelyek stilizált vagy valósághű jellemzőket, vagy viharvert vagy megkövesedett patinákat ábrázolnak. Egészen a közelmúltig ezeknek a tárgyaknak a funkcióját rejtély övezte, de az elmúlt húsz évben a kutatások kimutatták, hogy bizonyos típusú figurák és fejdíszek számos A bambara élet szerkezetét alkotó társadalmak. Az 1970-es évek során az úgynevezett "Segu" stílushoz tartozó mintegy húsz TjiWara figurából, maszkból és fejdíszből álló csoportot azonosítottak. A stílus jellegzetes lapos arcairól ismerhető fel. , lesepert orr, háromszög alakú hegesedés az egész testen, és széttárt karok.

Mali maszkok

A Bambara maszk három fő és egy kisebb típusa létezik. Az első típus, amelyet az N "tomo társadalom használt, tipikus fésűszerű kialakítású az arc, tánc közben hordják, és cowrie kagylókkal is takarható. A Como társadalomhoz köthető második típusú maszk gömb alakú. fej, ​​tetején két antilopszarv és megnagyobbodott, lapított száj Tánc közben használják, de némelyiknek vastag, csontos bevonata van, amelyet más szertartásokból szereztek, amelyek során libálást öntenek rájuk.

Kanaga maszk eladó az Afroart Galériában

A harmadik típus a Nama társadalomhoz köthető, és madárfej alakúra van faragva, míg a negyedik, kisebb típus egy stilizált állatfej, és a Goryeo társadalom használja. Ismeretes, hogy más bambara maszkok is léteznek, a fent leírtakkal ellentétben nem kapcsolhatók bizonyos társaságokhoz vagy szertartásokhoz. A bambara faragók a TJI-Wara társaság tagjai által viselt zoomorf fejdíszekről híresek. Bár különböznek egymástól, mindegyikük rendkívül absztrakt testet mutat, gyakran tartalmaz egy cikk-cakk mintát, amely a nap keletről nyugatra haladását ábrázolja, és egy fejet két nagy szarvval. A Tji-Wara társadalom bambarái fejdíszt viselnek, miközben az ültetés idején táncolnak a földjükön, remélve, hogy növelhetik termésüket.

Mali figurái

A bambara figurákat elsősorban a Guang társadalom éves szertartásai során használják. A szertartások során a társaság vezető tagjai egy legfeljebb hét, 80 és 130 cm közötti figurából álló csoportot visznek ki szentélyeikből. A szobrokat megmossák, újra olajozzák, és áldozatot visznek oltárukra. Ezek a figurák, amelyek közül néhány a 14. és 16. század között származik, általában a tipikus címeres frizurát mutatják, amelyet gyakran talizmánok díszítenek.
E figurák közül kettőnek nagy jelentőséget tulajdonítottak egy ülő vagy álló terhes figurának, Guandousou-nak, akit nyugaton „Bambara királynőjének” neveznek, és egy Guantigui nevű férfialaknak, akit általában kést tartva ábrázolnak. A két figurát kísérő Guannyeni figurák vették körül, különböző pozíciókban álló vagy ülő, edényt, hangszert vagy mellüket tartva. Az 1970-es években számos bamakói hamisítvány került a piacra, amelyek ezeken a szobrokon alapultak.

Más bambara figurák, akiket Dyonyeninek hívnak, vagy a déli Dyo társadalomhoz vagy a Kwore társadalomhoz kötődnek. Ezek a női vagy hermafrodita alakok általában rendelkeznek ezekkel a geometriai jellemzőkkel

Gyakran Afrika művészetéről beszélve csak a színes és színes afrikai maszkokat értik. Az afrikai művészet azonban nem csak maszkok, hanem valami sokkal több. Ma pedig az emlékszobrokról fogunk beszélni.

Az évszázadok során a szubszaharai afrikai művészek társadalmuk számos kiemelkedő személyiségét örökítették meg az utókor számára a regionális szobrászati ​​idiómák rendkívül változatos repertoárjában, amelyek naturalisztikus és absztrakt. Kezdetben az ilyen szoborképek (szoborportrék) társadalmi iránymutatásul szolgáltak a következő nemzedékek számára, és azért, hogy emlékezzenek őseikre. Az afrikai művészet ugyanakkor nem tekinthető a társadalom archetípusainak átmeneti absztrakciójának. Pusztán formai szinten az archetípus funkciója egyáltalán nem nyilvánvaló. Ehelyett jól nyomon követhetjük az afrikai kreativitás összefüggését a kontinensen egy időben lezajlott valós történelmi eseményekkel. Ezen a szinten az afrikai művészet különleges jelentőséggel bír.

Az anyakirálynő maszkja. Nigéria, Benin. Elefántcsont, vas, réz.

Ez az elefántcsont maszk egyike annak a két egyforma műnek, amelyek közül az egyik a British Museumban található. Bár a benini művészeti hagyományban ritka a női kép, ez a két maszk a dinasztia máig tartó örökségének szimbólumává vált. A maszkot a feltételezések szerint a 16. század elején egy király számára készítették édesanyja tiszteletére.

Beninben az elefántcsontot a fehér színnel és a tenger istenével, Olokunnal társítják, és a rituális tisztaság szimbólumaként szolgál.

A maszk egy érzéki idealizált portré. A munka figyelembe veszi a témát, ezért látjuk az arc lágyan modellezett vonásait és számos részletet, például csíkokat a homlokon és korallgyöngyöket az áll alatt, ahol stilizált kígyófejek sorát látjuk.

Mindkettő feje. Nigéria, Benin. Bronz.

A Benini Királyság vezetői a mai Nigéria területén egy uralkodó dinasztiára vezetik vissza származásukat, amely a 14. században kezdődött. Az "Oba" vagy király címet minden egymást követő király elsőszülöttje kapja. Minden új király első feladata, hogy apja arcképét bronzba öntse és a palota oltárára helyezze. Az oltár fontos helyet foglal el a palotai rituálékban, és úgy értelmezik, hogy összekapcsolja a jelenlegi király tetteit ősei tetteivel.

E mű idealizált naturalizmusa a királyt fénykorában ábrázolja. A fejdísz a gyöngyös öltözék stilizációja, akárcsak a gallér.

Temetőfej. Ghána. Akan kultúra. Terrakotta.

A 16. század második felétől kezdődően a terrakotta portrészobrászat hagyománya fontos szerepet játszott a temetési szertartásokban, és megemlékezett a halottakról. Akkoriban ez csak a nemesség és a királyi család kiváltsága volt. Az ilyen temetőfejek stílusilag nagyon változatosak. Méretük hét centimétertől a természetes méretig változik, és lehetnek üregesek és tömörek, lekerekítettek és szögletesek is.

Mindkettő áldozati állatokkal az Ezomo-oltárról. Nigéria, Benin. Bronz.

Az ilyen jellegű tárgyak terrakottából, fából vagy bronzból készültek, attól függően, hogy az adott személy milyen státusszal rendelkezik. A szobor a kompozíció része. Általában azonos típusúak, és egy-egy hasonló műről szóló történet a következő kép leírásában.

Ezomo Ehenua oltára. Nigéria, Benin. Bronz.

Az oltár egy fontos történelmi pillanatot ábrázol, amely Első Akenzua uralkodásához kapcsolódik. A 18. század elején egy lázadó hadúr megkérdőjelezte Akenzua uralmát, és veszélyeztette a királyság stabilitását és egységét. Ekhenua és több katonai parancsnoka központi szerepet játszott a rend helyreállításában. Hála jeléül, Ekhenua hősi érdemei tiszteletére készült ez a szoborkompozíció. A művész itt különböző méretű figurákkal jelezte a frízen ábrázolt emberek relatív státuszát. A tetején maga Ekhenua harci páncélban, katonai trófeákat tartva a kezében. Körülötte miniatűr katonák, szolgák és papok csoportja. A fríz két sor katonát ábrázol, köztük a portugálokat, ami jól mutatja, hogy az európai hatalmak milyen mértékben voltak elfoglalva abban az időben a benini kormány támogatásával.

Egy udvari zenész emlékfigurája. Elefántcsontpart, terrakotta.

Ezt az udvari zenész agyagfiguráját az Akan uralkodó temetési szoborportréjának kísérésére hozták létre. Amikor az uralkodó meghalt, portréját bevitték a temetőbe, és ott maradt a korábbi vezető- és uralkodógenerációk portréi között. Az ehhez hasonló udvaroncok szobrait is hagyták a temetkezési hely közelében, hogy vigasztalják és támogassák az elhunytat a túlvilágon. Egy szokatlan típusú fejdísz jelzi az udvari zenész különleges státuszát. A csíkos nyak egészségre és jólétre utal, míg az arcokon, a homlokon és a halántékon lévő nyomok az etnikai hovatartozást jelzik. A figura kezei az ajkukhoz szorítják a furulyát. A mű, meglehetősen primitív megjelenése ellenére, nagyon kifejező, amint az a sajátos fejdőlésből és összehúzott szemekből is látszik: minden arra utal, hogy a zenész teljesen elmerült a furulyázásban.

Emlékfej. Ghána. Terrakotta kvarcdarabokkal.

Ez az elegáns terrakotta fej egy emlékportré. Az idealizált előadásmód, a nyugodt kifejezésmód, a kiegyensúlyozott kompozíció az uralkodók pozitív tulajdonságait hivatott megtestesíteni. A posztumusz elkészült királyképeket a temetőkben helyezték el a korábbi uralkodók portréi között. Általában minden portrét szolgái képei kísértek, akik vigasztalták az elhunytat a halál után. Együtt egész szoboregyütteseket hoztak létre, amelyek megőrzik a tisztelt emberek emlékét. Az ilyen szobrok készítésének hagyománya legalább a 17. századig nyúlik vissza. és számos stílusjegye van. Ez a szobor például természetesebb arcvonásokkal rendelkezik, míg mások erősen stilizált formákat használnak. Bár az ilyen szobrászatban a fő hangsúly csak a fejen és a nyakon van, sok más portré is létezik, amelyek teljes növekedésben, sőt dinamikusan ábrázolják az embert.

Címke: art

19-20 SZÁZAD
AFRIKA NÉPMŰVÉSZETE 19-20 SZÁZAD
A nyugat- és egyenlítői afrikai feudális államok és kultúrájuk legyőzése nem tudta megszakítani a népművészet, különösen az iparművészet spontán fejlődését. Afrika törzsei és népei továbbra is a szobrászat, festészet és díszműfajok legkülönbözőbb műfajaiban alkottak. A legnagyobb formagazdagságot és esztétikai tökéletességet így a szobrászat területén érték el.

Ugyanakkor helytelen lenne Afrika művészetének jellemzésekor egyetlen szobor leírására korlátozódni, amely túlnyomórészt kultikus jellegű. Az afrikaiak művészi kreativitása korántsem korlátozódik a célját tekintve kultikus művészetre. Amikor az afrikai népek művészetét tanulmányozta. a munkával, az emberek mindennapi életvitelével elválaszthatatlanul összefüggő díszítő- és iparművészet felé is fordulni kell, amelyben élénken megnyilvánul az alkotó képzelet és az emberi munka esztétikai értékének érzékelése.

Ez elsősorban a különféle padokra, zsámolyokra, tálakra vonatkozik, különösen a kongói csodálatos faragott serlegekre.

Ha a háztartási cikkekről beszélünk, figyelembe kell venni azt a környezetet, amelyben vannak, vagyis otthon. Tehát Szudánban a tálakat és a faragott fából készült edényeket vályog, gyakran festett magaslatokra helyezik. Az esőerdők azon részein, ahol gyakoriak a faházak, a falakat és a padlót összetett geometrikus fonott mintázatú szőnyeg borítja. A sztyeppvidéken a vályogépületek dominálnak, melyeket mindenféle, sokszor furcsa alakú, festett párkányokkal, korlátokkal, párkányokkal díszítettek, esetenként faragott oszlopokkal, áthidalóval stb.

Áttérve a tulajdonképpeni szobrászatra és szobrászati ​​faragásra, a megismerhetőség kedvéért munkáit három fő műfaji csoportba kell osztani. Az első csoportot a faragott faszobrok alkotják. Ez alapvetően különféle szellemek, ősök vagy bizonyos történelmi alakok, valamint fejlett mitológiájú törzsek - és istenek - képe. A második csoportba azok a maszkok tartoznak, amelyeket a fiatal férfiak és nők törzs tagjaivá avatásának rítusai során használnak. Ugyanebbe a csoportba tartoznak a varázslók maszkjai, a táncmaszkok és a titkos szövetségek maszkjai. Végül a harmadik csoport a szobrászat, amely a legkülönfélébb vallási és háztartási tárgyakat díszíti.

Nyugat-Afrika számos régiójának népei, főként Felső-Guinea partjainál, Libériától a Niger torkolatáig, megőrizték a bronzöntés hagyományos készségeit. Természetesen ezeken a területeken a faszobrászat mellett bronzszobrászat is született. -kor érte el csúcspontját Dél-Nigéria népei a jorubák, biniek és ijok.

A fafaragás, a szőnyegek, gyöngyök, hímzések stb. készsége a trópusi Afrika összes népe körében gyakori, mind a nyugati, mind a keleti és a déli népek körében, ami az afrikaiak művészi tehetségét jelzi. Nyugat-Afrikán kívül azonban szinte nem is találunk valódi szobrászati ​​képeket. Igaz, a dél-afrikai népeknél a háztartási cikkeket -: vesszőket, fejalátéteket, kanalakat - gyakran faragással díszítik. Mozambik erdei részének, azaz Délkelet-Afrika népei között megtalálhatók az ősök maszkjai és faragott fafigurái. De általában még a kelet- és dél-afrikai művészeti kreativitás legjobb példái is sokkal rosszabbak, mint a nyugati részének művészeinek alkotásai.

Szudán legnyugati részén egy igen jellegzetes csoportot képviselnek a Bnssagos-szigetek törzseinek szobrai: Bidyo és mások.A francia és portugál-guinea partjain lakó Baga törzs szobrai egészen különleges stílust képviselnek. Továbbá Sierra Leone és Libéria angol kolóniájában az emberi alak különféle ábrázolásának sajátos stílusa alakult ki, amely mind a faragványokon, mind a maszkokon tükröződik. Jelentős műalkotásokat hoztak létre az elefántcsontparti népek - a Baule és az Atutu törzsek. Keletebbre, az Aranyparton, Togó és Dahomey déli részén a helyi művészek fő hangsúlya az öntött bronzszobrokon állt. Az egészen különös apró "mrammuo" figurák, amelyek aranyhomok mérésére szolgálnak, nem felelnek meg a súlyokról alkotott elképzelésünknek. Ezek az emberekről és állatokról készült kifejező képek valódi műalkotások. A dél-nigériai népi mesterek - a joruba törzsek - munkái is magas színvonalon vannak.

Keletebbre, Kamerunban és a Kongói-medencével szomszédos területeken, valamint Gabonban a fafaragás művészete gazdagon díszített trónok, padok, ajtó ablakkeretek és táncos maszkok formájában mutatkozik be.

A Kongói régióban két régiót kell megkülönböztetni - a Kongó-folyó alsó folyásának régióját és a Kongó déli részének régióját. Ezen területek közül az elsőt a bavili és bakongo törzsek faragott faszobrai képviselik, nagyon kifejezőek, de kissé durva és sematikus formában. Éppen ellenkezőleg, a Baluba, Bapende és mások régiójának második régiójának szobrát a képek tiszta nyugalma és a forma eleganciája különbözteti meg. Stílusosan ezzel a területtel szomszédos Angola északi régiója, amelyet legjobban a Wachivokwe nép faragványai képviselnek.

Általában véve joggal nevezhetjük Nyugat-Afrika faragott szobrát alapvetően realistának. Realizmusa azonban rendkívül sajátos. Először a vayanpya hagyományos művészete az iparművészet és az ornamentika virágzásának körülményei között öltött testet. Magát a szobrászat képzőművészetét is szoros, elválaszthatatlan szálak kapcsolták össze a népi ornamentális fantázia elemeivel. Ugyanakkor a munka közvetlen esztétikai szépségének, az ember munkakészségének érzékelése a szobrászatban is kifejezésre jutott. Egy ilyen szobrot egyszerre érzékelnek képként és dologként – a kézműves munka gyümölcse, az anyagfeldolgozás törvényeivel, a formák feltárásával stb. n nagymértékben meghatározza esztétikai varázsának eredetisége. Ugyanakkor e szobrok kultikus - mágikus - rendeltetése meghatározta a feltételesen szimbolikus jellegű, az azonnali életszerű meggyőződést nélkülöző, de hagyományosan a törzs minden tagja számára hagyományosan érthető motívumok nagy arányát a figurális megoldásukban.

A forma művészi általánosításának törvényszerűségeinek sajátos megértésére (vagyis a képen a fő, leglényegesebb kiemelésére) jellemző az afrikai művészet mestereinek hozzáállása az emberi test arányainak átvitelének kérdéséhez. Általában a mester képes helyesen átadni az n arányait, amikor szükségesnek tartja, eléggé megbirkózik a feladattal. Az ősök képére térve a művészek gyakran viszonylag pontos képeket alkotnak, mivel ebben az esetben kívánatos az emberi test felépítésében minden jellemzőt a lehető legpontosabban és legteljesebben átadni. Az afrikai szobrász azonban leggyakrabban abból az álláspontból indul ki, hogy a fejnek van a legnagyobb jelentősége az ember képében, különös tekintettel az arcra, amely hatalmas kifejezőképességre tehet szert, ezért naiv egyenességgel a fejre összpontosít, ábrázolva. túlságosan nagynak. Így például Bakongo figuráin, amelyek a betegségek szellemeit ábrázolják, a fejek az egész alak méretének akár kétötödét is elfoglalják, ami lehetővé tette, hogy a nézőt egy ijesztő arckifejezéssel nyűgözze le. félelmetes szellem különös erővel.

Amikor a faragó elkezd figurát készíteni, általában egy hengeres fadarabbal kell megküzdenie. A modern európai művészettörténészek, mint például Frey, azt állítják, hogy az afrikai művész teljes plasztikus szabadságot érez, három dimenzióban érzékeli a formát, és nem tapasztal nehézséget, elvonja a figyelmet a síkképtől. Ez nagyrészt helyes, kivéve, hogy ez az érvelés egy modern európai szobrász gyakorlatán alapul, aki művészeti iskolákban tanult, és hozzászokott a rajzoláshoz, vagyis egy háromdimenziós tárgy síkon való ábrázolásához. Az afrikai faragó nem rendelkezik ilyen képességekkel. Közeledik a szoborhoz, közvetlenül szemléli az őt körülvevő valóságot. Közte és az élet között nincs akadály a tárgyak kétdimenziós képe egy síkon. Az afrikai szobrász közvetlenül kötetben készít képeket. Ezért az afrikai művésznek nagyon éles formaérzéke van, és ha egy hengeres fadarabból függőleges emberképet kell faragnia, nem esik nehezére e térfogati forma szűk határain belül kifejezni a megfelelőt. a mozgás képét, és ha szükséges, kifejezni e mozgás lendületes irányát. Az anyag merevsége csak azokban az esetekben mutatkozik meg, amikor a művész készségeitől szokatlan feladat elé néz, például amikor egy lovast próbál ábrázolni. Tulajdonképpen egy olyan figurával kell megküzdenie, akinek a kontúrjai már egyáltalán nem férnek bele a hengerbe. Ha a művész megpróbálja fenntartani a szükséges arányokat, akkor magának a lovasnak a képe túl kicsi lesz. Hasonló kihívással néznek szembe például a joruba művészek, amikor Oduduát, a joruba állam mitikus alapítóját kívánják ábrázolni. A hagyomány szerint ennek a mitikus ősnek úgy kell lovon ülnie, mint egy úrnak. A királyt ábrázolni vágyó szobrász természetesen minden figyelmét a képére irányította, a kompozícióban a ló alárendelt szerepet játszott számára. Lényegében a királyi hatalom egyik szimbolikus attribútumaként kezelte, ugyanúgy, mint a szarvat, amelyet a király a jobb kezében tart, vagy a baltát a baljában. Nem meglepő tehát, hogy a ló alakja a teljes képhez képest egyértelműen aránytalanul lecsökkent. Az afrikai művész egy személyt ábrázolva, mint már említettük, a fejére összpontosítja figyelmét. Különös gonddal ábrázolják, a törzs fejdíszének minden jellegzetes vonása fel van tüntetve rajta. Így például a háncs figuráit a magasan nyitott homlok jellemzi, mivel a háncs búbján a szőrt leborotválták, és a teljes frizura a fej hátuljára összpontosul1. Az arcon mindig gondosan fel vannak tüntetve a törzsi jegyek: tetoválás vagy pontosabban hegek. Az afrikaiak sötét bőrszíne lehetetlenné teszi a tetoválást, ezért a bőrön bemetszések váltják fel, amelyek begyógyulva vöröses-lila színű hegeket adnak. A homlokon vagy az arcokon elhelyezett jelek lehetővé teszik, hogy mindig egy adott törzshez tartozzanak.

A fejhez képest a testet egyszerűbben értelmezik. Gondosan csak azt jegyzi meg, ami a mester szempontjából lényeges: a szex jeleit és a tetoválást. Ami a ruházat és az ékszerek részleteit illeti, ritkán ábrázolják őket. Végeredményben nem nehéz arra a következtetésre jutni, hogy az efféle részletek átvitelének realitása ellenére funkciójuk főként rituális jellegű, segíti egyik-másik szereplő „felismerését”. Innen ered az a szabadság, amellyel ezek a részletek stilizált dekoratív értelmezést kapnak, vagy beleszövődnek az egész teljes kompozíciójába, élesen kifejezve a ritmusait. Az afrikai szobrok sajátos realizmusának ereje nem csak és nem is annyira ezeknek a valósághű részleteknek köszönhető. Nagy jelentőséggel bír a szobor egészének ritmusainak meggyőzősége, élesen közvetítve a mozgás természetét és lényegét, valamint a kép általános érzelmi állapotának közvetítésében a fokozott kifejezésmód: félelmetes harag, nyugalom, a mozgás lágy rugalmassága. vagy intenzív lendületessége stb.

Sok Kongo figura lényeges jellemzője a figurák fején és hasán lévő bemélyedések. Az ilyen képek általában egy személy halála után készültek az örökösei megbízásából. Feltételezték, hogy az elhunyt szelleme egy ideig a képében lakik, hogy örökre elhagyja. Annak érdekében, hogy az elhunyt szelleme lakjon a figurán, port vettek ki az elhunyt megégett csontjaiból, és különféle drogokkal együtt ezekbe a mélyedésekbe öntötték, parafával lezárva. Csak ezután tekintették „élőnek”, és segítségért imával fordultak hozzá. A figura mindaddig a háztartási szentélyek között volt, amíg az elhunyt emlékét megőrizték, majd kidobták. Mivel a szobornak egy elhunyt őst kell ábrázolnia, természetes, hogy igyekeztek minél több portrét adni neki. Ezért rendelkeznie kellett mindazokkal a fizikai tulajdonságokkal, amelyek az elhunytra jellemzőek. Ha valami testi hibája volt, a figura azt is reprodukálja. Természetesen különös figyelmet fordítanak a tetoválás pontos átvitelére.

Amikor egy utazó a múlt század végén behatolt Kongó belsejébe, olyan emberekkel találkozott, akik emlékeztek arra, hogy a német Wissmann expedíció húsz évvel ezelőtt látogatást tett törzsüknél. Az utazó megmutatta az öregeknek Wissmann könyvét, ahol az egykori vezető képe volt. Annak ellenére, hogy a fotó pontosan visszaadta az elhunyt arcvonásait, egyik idős ember sem ismerte fel, mivel az arcán lévő tetoválás egy része hiányzott a könyvből. Aztán felajánlották nekik, hogy rajzolják meg a portréját, és készségesen ábrázoltak egy nagyon sematikus arcot papíron, pontosan jelezve a teljes tetoválást. Ez a példa teljesen világosan mutatja, hogy egy ilyen „portré” nem az elhunyt képét és jellemét akarta közvetíteni, hanem olyan „jeleket” ábrázolni, amelyek biztosították az elhunyt felismerését. Igaz, egyes ilyen jellegű figurákon a tényleges külső portréhasonlóság, vagyis az arc szerkezetében az egyes egyedi vonások átvitelének kezdetlegességei is feltűnnek.

Nem minden szobrocska kapcsolódott azonban a halott ősök kultuszához. Afrika legnyugatabb részén, Bissagos szigetein a mai napig fennmaradtak az ország eredeti lakosságának maradványai: egy kis bidyo törzs. Minden biyogo faluban van egy figura, amelyet a házas nő kap. Figura Ez a helyi hiedelmek szerint hozzájárul a terhesség kialakulásához. Amint a nő úgy érzi, hogy megfogant, visszaadja ezt a figurát az idősebbnek, aki továbbadja a következő nőnek.

Afrikai szobrokat ritkán festenek. Általában megőrzi a fa természetes színét. A szobrászat anyaga szinte mindig az úgynevezett mahagóni vagy ébenfa, vagyis a legsűrűbb és legkeményebb kőzet. Csak a kameruni törzsek és a kongói szudáni törzsek faragói használnak néha világos, puha fákat, amelyek sárgásbarna, majd sárga színűek. A puha fafajokat könnyebb feldolgozni, de instabilok. A puha fából készült figurák törékenyek, törékenyek és érzékenyek a termeszhangyák támadására. Úgy tűnik, hogy a keményfából készült faragványokat soha nem festik, ellenkezőleg, a világos fából készültek szinte mindig polikróm. Talán valamilyen módon összefügg azzal a kísérlettel, hogy megvédjék őket a pusztulástól.

Az afrikai palettán csak három szín található: fehér, fekete és vörös-barna. A fehér festékek alapja a kaolin, a fekete - szén, a vörös-barna - vörös agyagfajták esetében. Csak néhány törzs polikróm szobrain a sárga, vagy ahogy nevezik, "citrom színe". A kék és a zöld csak a szobrokban és a festményekben található Dahomeyben és Nigéria déli részén. Ebben a tekintetben érdekes megjegyezni, hogy a nyugat-afrikai nyelveken csak fekete, fehér és vörös-barna jelölések vannak. Minden sötét tónust (beleértve a sötétkék eget is) feketének, a világos tónusokat (beleértve a világoskék eget is) fehérnek nevezzük.

A figurákat tehát ritkán festették, de szinte mindig díszítették, pontosabban ruhákkal, ékszerekkel egészítették ki. A figurák kezére gyűrűt, nyakára és törzsére gyöngyöket, csípőjére kötényt tettek. Ha a figura egy szellem volt, amelyhez kéréseket intéztek, akkor gyakran gyöngyöket, cowrie-kagylókat hoztak neki ajándékba, amelyek teljesen lefedték az egész képet.

Visszatérve az afrikai szobrászat művészi kvalitásaihoz, ismételten hangsúlyozni kell, hogy az afrikai művészek a ritmusátadásban és a kötetek kompozíciós összehasonlításában nagy mesterséget értek el. Ha alaposan megvizsgálja a háncs figuráját, könnyen látható, hogy nagyon ügyesen van elrendezve. A nagy fejet a test tömege egyensúlyozza ki. Ha a lábak aránytalanul nagyok, akkor ez azért történik, hogy stabilitást biztosítson az egész alaknak. A művész érzi a hangerőt, és tudja, hogyan adjon neki nyugodt, kiegyensúlyozott formákat. Az egész alak egésze harmonikus. A figura szigorú szimmetriája nyugalmat és stabilitást kölcsönöz neki. Ez nem jelenti azt, hogy a legtöbb figura mentes a dinamikától. Tehát, ha rátérünk a basszus egy másik figurájára, akkor azonnal megakad a szemünk egy másfajta kép- és kompozíciós megoldással. Az első esetben a figura a nagyszerűséget és a nyugalmat testesíti meg, a másodikban - a gyorsaságot.

A maszkok a fából faragott szobrok egy speciális kategóriáját képviselik. Céljuk szorosan összefügg a primitív közösség sajátos intézményeivel - beavatási rítusokkal és titkos egyesülésekkel. Egy primitív törzsi társadalomban a törzs minden tagja egy szorosan összefüggő csoport. Elsősorban a föld, a vadászterület és a halászterület közös tulajdona köti. A közösségi tulajdon az egész törzs létének gazdasági alapja. A törzs minden tagját a kölcsönös segítségnyújtás szokásai kötik össze. A nemzetség egységének kifejezése egy gyakori generikus név, gyakran egy állat vagy tárgy neve, az úgynevezett totem. A totemizmus szokásai az ókorban keletkeztek; az ősközösség tagjai totemnek vették - egy törzsfaj megjelölését - egy állat nevét. Az ember tehát arra törekedett, hogy sikeres legyen a vadászatban, ha a totem egy vadászó állat – antilop, bivaly stb. –, vagy egyesüljön erejével, ha sast, oroszlánt vagy leopárdot választottak totemnek.

A primitív totemizmus túlélését néhol egészen a közelmúltig megőrizték egyes afrikai törzsek. A totemizmus nyomai legszembetűnőbben a beavatási rítusokon, vagyis a pubertáskorba jutott fiatalok törzs teljes jogú tagjai közé való beavatásán mutatkoznak meg. Ezek a rítusok igen sokrétűek, de alapjuk mindenhol az a feladat, hogy egy törzs vagy klán tagjává váló fiatal férfiakat és nőket megtanítsák a törzs eredetéről, történetéről stb. kapcsolatos hagyományokról, legendákról stb. gyakorlati információk és készségek. A kiképzés mindig különleges körülmények között zajlik: a fiatalokat elviszik a faluból, és a trópusi erdő ködében éjszaka az öregek, a törzs hagyományainak őrzői jelennek meg a jövevények előtt, tetőtől talpig fűbe és levelekbe burkolózva, fejükön maszkokkal, szellemeket, vagy ősöket, törzset ábrázolva. Minden maszknak saját neve, saját tánca és ritmusa van. A pantomim résztvevői dalokat énekelnek, amelyekben a múlt eseményeit éneklik.

A figurákkal ellentétben, amelyek mindig egy személyt ábrázolnak, a maszkok leggyakrabban egy állat arcát ábrázolják. Ez érthető is, mert a maszkot alapvetően állatvédőkhöz, a klán totemjeihez kötik. A kameruni törzsek bivalymaszkjai, a Nunuma törzs krokodilmaszkjai és még sokan mások teljesen valósághű képek az állatokról.

A legősibb maszkok-totemek mellett az úgynevezett titkos uniók álarcai is elterjedtek. Ezek a titkos szövetségek, amelyekről az első tudósítások a 16. századból származnak, új, már osztályviszonyok csíráját jelentik, amelyek a primitív közösség mélyén formálódnak. Ezek a törzsi nemesség és gazdagok szervezetei, amelyek segítségével engedelmességben tartják a törzs többi tagját. A korábbi totembeavatásokból a titkos szövetségek örökölték rituáléjukat, de a maszkok, miután elvesztették közvetlen kapcsolatukat a totemábrázolással, csak a megfélemlítés funkcióját őrizték meg, és nagyon bizarr formákat öltöttek. Így például a Nunuma törzs maszkjában egy krokodil és valamilyen rágcsáló képének kombinációját látjuk. Az ilyen típusú maszkok között egészen rendkívüli kombinációkat találhatunk, amelyek jól mutatják, hogy az ős-totemről szóló eredeti elképzelések eltűntek. Az állati maszkok mellett számos emberi arcot ábrázoló maszk létezik. Találunk köztük olyan maszkokat, amelyek nyugodt, méltóságteljes megjelenésükkel ámulatba ejtenek. Azonban velük együtt vannak teljesen szörnyű maszkok, amelyeket intenzív kifejezés jellemez. Az emberi arc gyakran kombinálódik a fenevad vonásaival. Az ilyen típusú maszkokat leggyakrabban festik. A tarka színezésnek tovább kell hangsúlyoznia az alak szokatlan, fantasztikus természetét, és horrort kell kelteni. Ezek a maszkok általában szellemeket ábrázolnak, és félelmet keltenek azokban az emberekben, akik nem tartoznak titkos szövetséghez. A nyugodt arcú maszkok láthatóan az ősök kultuszához kapcsolódnak, és általában elhunyt rokonokat ábrázolnak. A libériai Dan törzsben az ilyen maszkokat kifejezetten az elhunyttal való kommunikáció céljából készítik. Velük hordják, nehéz esetekben fordulnak hozzájuk tanácsért, sejtik a jövőt. Minden valószínűség szerint ezek a maszkok helyettesítik azokat a koponyákat, amelyeket időnként kunyhókban tartottak az ősi oltárokon. A maszkok utolsó csoportja nagy művészi érdeklődésre tart számot. Nagyon realisztikusak, még a portré vonásait is megtalálod bennük. Ezeknek a maszkoknak általában csukott szemük van, ami azt jelzi, hogy az elhunyt képe van előttünk.

A maszk szinte mindig egyetlen fadarabból készül. Különböző pozíciókban rögzítve van a fejen. A fej búbjára rögzíthető, az egész fejet fedheti, csak az arcot fedheti.

Az igazi antik maszkok magas művészi benyomást keltenek. Még abban az esetben is, ha van egy maszkunk az állati pofa nagyon bizarr interpretációjával, kifejezőképességével nyűgöz le: a nyitott száj, a nézőre szegezett szemek akaratlanul is felkeltik a figyelmet. Az ilyen típusú maszkok kifejezőképességének fokozása érdekében a művészek nagyon sajátos technikákat alkalmaznak. Például a szemet és a szájat az arc lapos felületéből előre kiálló hengerekként értelmezik. Az orr a homlokhoz kapcsolódik, a szemöldökbordák pedig árnyékot adnak a szem körül. Így az arc kivételes kifejezőerőt kap. A maszkoknak általában van egy bizonyos belső ritmusa; úgyszólván egy bizonyos „érzelmi kulcsban” jönnek létre. Az elmúlt évtizedekben a szobrok és maszkok a kezdetleges időkig visszanyúló hiedelmek és szokások fokozatos leküzdése miatt veszítenek mágikus és vallásos jellegükből.

Egyre gyakrabban gyártják a piacra látogató és helyi művészetkedvelők számára. Előadásuk kultúrája természetesen egyszerre esik. Az afrikai művészet formái, amelyek közvetlenül kapcsolódnak a boszorkányság és a primitív vallási eszmék világához, elkerülhetetlenül eltűnnek a gazdaság fejlődésével és az afrikai népek öntudatának növekedésével.

De a művészi mesterség csodálatos eredeti hagyományai, a rendkívüli ritmusérzék, a kifejező kifejezőkészség, a kompozíció mestere, amelyet az emberek a primitív közösségi vagy korai osztályművészet körülményei között halmoztak fel, nem tűnnek el. Kreatívan, innovatívan dolgozzák át, alakítják át és a gyarmatosítás igájából felszabaduló afrikai népek fejlődő nemzeti kultúráinak szolgálatába állítják őket.

Otthonaik és háztartási cikkeik díszítésére az emberek régóta törekedtek. A régészek ma is különféle megerősítéseket találnak a különböző korok művészi világának létezésére. Ezek a konfirmációk különféle háztartási cikkek, amelyeket az emberek a korszakukra jellemző különféle díszekkel próbáltak díszíteni.

A paleolit ​​korszakban a primitív emberek megpróbálták pontos és látható képekben reprodukálni az őket körülvevő világot. Ezért a paleolit ​​művészet legfontosabb témái az állatok és a vadászat témája voltak. A barlangfestmények alapvetően állatokat ábrázolnak: mamutokat, orrszarvúkat, bikákat, lovakat, barlangi oroszlánokat és medvéket.

A vadászjelenetek után a második helyet az állatok feltámadásának és szaporodásának rítusairól készült képek foglalták el, amelyek megszemélyesítik a termékenység varázsát. Ezenkívül a termékenységi rítusok végrehajtása során gyakran ábrázoltak egy személyt, ezek főként női alakok voltak. Az ilyen képek színezése fekete, piros, sárga és barna színekben történt.

Később az állatok képeivel együtt a primitív ember konvencionális jeleket, a geometriai alakzatokhoz hasonló vonalkombinációkat kezdett használni. Így lefektetik a mágikus szemantika alapjait. Fokozatosan ez a szimbólumok absztrakt geometriai képeihez vezet, amelyek a díszítésként szolgáló díszek létrehozásának alapját képezték. A szerszámokat és fegyvereket, háztartási eszközöket főleg geometrikus díszítésekkel díszítették, néha faragott vagy faragott állatképekkel borították ezeket a tárgyakat. A csontból készült karkötők lenyűgözőek a díszek eredetiségével. Meglep és gyönyörködtet az őket díszítő legfinomabb minta kanyargós csíkok formájában, amelyeket párhuzamos cikkcakk vagy „halszálkás” minta választ el.

A Kr.e. 3. évezred végén Európában továbbra is a geometrikus ornamentika uralkodik. A görbe vonalú, hullámos, szalagszerű vagy spirális minták továbbra is az art fémtermékek jellegzetes mintái maradnak. A kerámiaedényeket gyakran spirállal díszítik, amelynek közepén egy kiemelt pont található. Hasonló díszítés jellemző a vaskori Közép-Európára is (a hallstatti kultúra, Kr. e. IX-VI. század).

latin kultúra. (Kr. e. V-I. század). Kelta dísz. Az V - I században. időszámításunk előtt Nyugat-Európában a kelták törzsei igen gyakoriak voltak. Kelta művészet – a görögöktől és etruszkoktól kölcsönzött absztrakt és virágmotívumokat használ. A kelta díszítőművészetben is vannak keletről kölcsönzött motívumok, amelyek az állatvilág és az ember képéhez kapcsolódnak.

Emberek, állatok és növények stilizált formáiból háromszögek, spirálok és pontok formájában összeállított dísztárgyat helyeztek a díszítendő fém- vagy kőtárgyra. A temetkezési kultuszhoz kötődő képek eltérőek voltak, a realizmus és a konkrétság különböztette meg őket.

V. századtól IDŐSZÁMÍTÁSUNK ELŐTT. A kelta kézművesek elkezdték használni és módosítani más népek díszeinek mintáit, és ezzel egyfajta művészi "korai latenz stílust" alkottak.

A IV. század közepén. az i. e. A kelták termékein a díszítés motívumai madarak és állatok képei. Az iparművészeti termékek egyre hozzáférhetőbbé válnak a nagyközönség számára. Az iparművészet népszerűségének ilyen növekedése hozzájárult a plasztikus "Middle La Tène stílus" kialakulásához, amely az ie 2. században terjedt el. időszámításunk előtt e. Domborműves mintát kezdett használni, gyakran gravírozással gazdagítva.

A „késő latenz stílus” az 1. században jelent meg. IDŐSZÁMÍTÁSUNK ELŐTT. a kézművesség hanyatlása következtében. A III század közepén. IDŐSZÁMÍTÁSUNK ELŐTT. a kelták meghódították Anglia egyes részeit. A La Tène művészetet, amelyet ezekre a területekre hoztak, a helyi kézműves iskolák dolgozták át. Az ilyen feldolgozás eredményeként egy új, "szigeti stílus" alakult ki. Ennek a stílusnak a jellegzetességei a bronz kétszarvú sisakok voltak; a palmetta motívumai, a spirális fürtök domináltak a díszben; dombormű-dísz vonalas vésett mintával kombinálva. 1. századtól időszámításunk előtt e. a kelták terjeszkedése megállt, nem sokáig befolyásolta a díszítés formáinak és motívumainak jellegét. A cselekmény értelmezése valósághűvé vált, megjelennek az egzotikus állatok képei is.

Fokozatosan a kelta ornamentika változatos és egymástól eltérő elemeiből egységes stílus alakult ki, amelyben az állati és virágos elemek domináltak. A kelták művészete lett az alapja Franciaország, Svájc, Belgium és részben Anglia népeinek művészetének. Írországban és Skóciában a 7-9. ez a művészet új virágzást ért el, és kialakult az "új kelta stílus".

Afrika. Dél-Afrika leggyakoribb ábrázolásai túlnyomórészt vadászjelenetek, csaták, táncok, vallási hiedelmekkel és mitológiával kapcsolatos képek. Leggyakrabban esőhívási rítusokat, temetkezéseket és kultikus táncokat ábrázoltak. Mindez kétségtelenül tükröződik afrikai népek kultúrájában és iparművészetében. Az afrikai nép kultúráját az állatok fejének és figuráinak képe jellemzi. Számos afrikai ország ékszerművészetét zoomorf és antropomorf díszek jellemzik. Például sárgaréz súlyok vadon élő állatok formájában - elefánttól antilopig, táncosok vagy vizet hordozó nők figurái.

Az afrikai bútorokban a teknősök, krokodilok és más állatok formájában készült fából készült fejtámlák sokféle formájával találkozhatunk; madarak és állatok figuráit különféle tárgyak részleteinek díszítésére használják.

A fésűket különféle faragott minták díszítik, valamint "rekádok" - az erő szimbólumai, amelyek ijesztő motívumokat tartalmaznak. A tisztelt ősök figuráit geometrikus díszek díszítik, amelyek a tetoválások mintáját reprodukálják. A szövet dekoratív mintájában leggyakrabban négyzetek, háromszögek és rombuszok mintázata található.

Indonézia. Indonézia iparművészetéhez Kr.e. 2000 körül. pl. a faragott díszítésű kerámiatermékek voltak jellemzőek. Később megjelentek a bronztárgyak, amelyek spiráldísszel díszített sematikus emberfigurák, geometrikus mintázatú üstdobok és stilizált emberi arcképek, madarak stb.

Az indonéz népi építészet gyakran használt festett faragványokat a falak díszítésére. A tartóoszlopok és ajtók díszítésében totemállatok faragványait használták fel.

Indonéziában sokféle ősi mesterség létezik, különösen a fa- és bambuszfaragás. Jáva, Szumátra, Nias és mások szigetén démonok, ősök és totemállatok stilizált figuráit faragják. A szőnyegeket, sapkákat, táskákat festett bambuszból, pálmalevélből és gyógynövényekből szőtték. Aranyból és ezüstből készült ékszerek mitológiai lények és állatok figuráival, valamint gazdagon díszített tőrök - "kris" - készülnek.

A ruhák díszítésére nagyon gyakoriak a szőtt és hímzett minták. A kerámián készült képeken faragott vagy virágdíszeket, ember- és állatfigurákat, dyak korchagit használnak domborműves sárkányképekkel.

Óceánia. Óceánia népeinek művészete nem volt kitéve erőteljes változásoknak, mivel összekapcsolódott a vallási és társadalmi hagyományokkal. Vallási meggyőződésüket elsősorban a termékenységhez és az őskultuszokhoz kapcsolták.

Új-Guinea szigetein a helyiek kerámiákat készítettek és spirális bemetszéssel díszítették; különféle fából készült edények madarak vagy emberfigurák formájában; a bambusz edényeket rendszerint faragott geometrikus díszekkel díszítették.

Új-Zéland kultúrája a hősök kultusza, az üresség elkerülésének vágya a felület díszítésekor és a spirálmotívum meglehetősen gyakori használata más díszítő motívumokhoz képest. A spirálmotívum például nemcsak áttört vagy dombornyomott fafaragásokon, hanem arctetoválásokon is megtalálható.

A polinéz szigetek a kéregből készült szövetek - "tapa" - előállításáról híresek. Ezeknek a szöveteknek a dekoratív hatását egy nagyon egyszerű díszítéssel érték el. A mintákat leggyakrabban rombusz vagy sakktábla minta alapján építették fel, és minden sziget hozott nekik valamit. Néha növényi lakkal borították a díszt.

Az arc- és testtetoválás művészete nagy művészi magasságot ért el a Marquesas- és a Marshan-szigeteken. A tetoválás geometriai motívumokkal befedheti az egész testet. Nemcsak mágikus, hanem társadalmi jelentése is volt. Például az arcon lévő cikk-cakk mintákat csak vezetőknek szánták.

Mexikó. A VIII-II században. az i. e. az ókori Mexikóban megtörtént a kultikus képek és szimbólumok kanonizálása. A gyíkszerű és kígyószerű istenségek, antropomorf istenségek - az ég, a tűz, az eső és a nedvesség szimbólumai stb. - a mexikói művészet kötelező arzenáljává válnak.

századtól a 9. századig terjedő időszakban. n. e., „klasszikusnak” nevezett, amikor a művészetet a nemesség és a papok érdekeinek rendelték alá, megjelenik a vallási szimbolika. A kifinomult fantasztikus képek, az uralkodók ceremoniális képei, az élet és a halál megszemélyesítései összetett ornamentikával és hieroglifa feliratokkal kombinálódnak.

A mexikói piramistemplomokban nagy helyet foglaltak el a szimbolikus motívumok: tátott szájú kígyófejek, vonagló testük csodálatos tollazata, jaguárfejek, antropomorf képek – az indiai mitológia egész változatos és vibráló világa. A képi motívumok mellett a geometriai elemek váltakozásával kialakított „tiszta” ornamentikát is alkalmazzák. Tizennégy különböző motívumot használnak itt: kereszt, cikk-cakk, poliéder, rövid lépcsősor, T-alakú motívum és számos más.

Az ókori Mexikó utolsó időszakában (X - 16. század eleje) a művészet számos hagyományos jellemzőjét megőrizték, a vallási szimbólumok helyett a háború szimbólumait és a katonai jeleneteket foglalták el.

Peru. A legnagyobb érdeklődés Peru kerámiája. Itt a különböző korszakokban vagy absztrakt vésett mintával, vagy stukkó díszítéssel, vagy festői díszítéssel díszítették a kerámiát. A díszítéshez piros, téglarózsaszín, sötétvörös, narancssárga, sötétzöld, szürke-zöld és ultramarin festékeket használtak.

A perui szövetek díszítésére mitológiai és hétköznapi jeleneteket használtak, amelyek nagyon gazdag színezetűek voltak. Színezésük 190 különböző tónusból állt. Kr.e. 800 után. e. itt készült gobelin típusú szövet is, amelyet ruhák szegélyezésére használtak; néha egész ruhákat készítettek belőle - unkát, amolyan aktuális poncsót. E szövetek jellegzetes dísze állatias: halak, madarak, ragadozó állatok. Néha vannak emberek képei (vezetők, harcosok, táncosok vagy mitológiai jelenetek). Ezenkívül a szövetek díszítésében absztrakt dekoráció volt - lépcsős dísz, kanyarulat; zöldség, ritkán használták. A peruiak hímzéssel is díszítették a szöveteket.

A cikket Gorskaya Natalia készítette. A szöveg egy részének vagy egészének sokszorosítása a szerző engedélye nélkül tilos.

Rajzok: Kirichenko V., Afonkina A.S.

A műfaj dinamikájával és kifejezőképességével az afrikai művészet óriási hatással volt a kortárs művészetre és designra. Ebben a cikkben számos fekete-fehér illusztráció a hagyományos afrikai művészetből származik, és a kontinens gazdag és kulturális örökségének egy kis részét képviseli.

Az illusztrációk között találunk mór mintás szövet eredeti műtárgyait, faragott Ashanti ajtólapokat, mali antilop fejdíszeket, etióp kereszteket, dél-afrikai sziklafestményeket, tunéziai szőnyegterveket.

Az afrikai díszek mintái az afrikai népek képzőművészetének szokatlan grafikai tulajdonságaival csábítanak, elragadtatják a népművészet szerelmeseit és az afrikai szobrászat brutális műfajának rajongóit. A díszminták hasznosak lesznek grafikusok, tervezők és kézművesek számára.

1. Mór textíliák: középen az oldalakon mászó gyíkok képei, középen állat- és antropomorf figurák.

3. Textilminták Bambara (Mali).

4. A háttérben a lakóházak külső falainak jellegzetes díszítési mintája, középen a királyi család képe az Oba bronz emléktábláról.

5. A háttérben mintás textilmotívum, a kép közepén a bambara nép antilop formájú fejdíszei.

8. Nigériai bőr párnahuzat.

9. Nigériai mintás textíliák gyík motívumokkal.

10. Mezőgazdasági szertartásokon használt képek (Nigéria, Guinea).

11. A háttérben - kameruni és nigériai népek jellegzetes textildíszei. Középen egy faragott Kuyu (Kongó) díszítés töredéke.

12. A király képe testőrökkel Benin bronztábláiról.

13. Nigériai metszet egy elefántcsont karkötőn.

14. Bronz figura (Benin) az Akan dísz hátterében (Ghána).

15. Nigériai faragás elefántcsont edényen.

16. Kongó faragott díszítésének töredéke virágdísz hátterében Zaire.

17. A mauritániai párna bőrhuzata.

18. Élelmiszer tárolására szolgáló edények díszítésére használt díszítő motívumok.

19. Nigériai textildísz és rajztöredékek arany- és bronzdíszekből.

20. Vadász képe lándzsával a geometriai díszítés hátterében (Dél-Afrika).

21. Rajz egy joruba bőrdobra (Nigéria).

22. A királynő fejének bronz képe (Nigéria) a harcosok pajzsát díszítő geometriai dísz hátterében.

23. Több dél-afrikai nép textilfestményének részletei.

24. Baman (Mali) és guineai madármotívumokkal díszített díszek.

25. Maszkok motívumai és kéregruha színezése.

26. Díszítés és rajz bronzpecsétről (Burkina Faso).

27. Egy vadász bronz figurája nigériai zoomorf dísz hátterében.

28. Nigéria népeinek festménytöredékei.

29. Nigériai geometrikus faragvány és Yoriba-faragvány töredéke.