Un étudiant américain a déchiffré la notation musicale représentée sur les fesses d'un pécheur à partir d'un tableau de Bosch. La mélodie qui en résulte est devenue l'une des sensations Internet de ces derniers temps.
Dans presque toutes les œuvres d'art importantes, il y a un mystère, un double fond ou une histoire secrète que vous souhaitez découvrir. Aujourd'hui, nous allons en partager quelques-uns.
Musique sur les fesses
En 1902, l'artiste hongrois Tivadar Kostka Chontvari a peint le tableau "Old Fisherman". Il semblerait qu'il n'y ait rien d'inhabituel dans l'image, mais Tivadar y a mis un sous-texte, qui n'a jamais été révélé au cours de la vie de l'artiste.
Peu de gens ont pensé à mettre un miroir au milieu de l'image. Dans chaque personne, il peut y avoir à la fois Dieu (l'épaule droite du vieil homme est dupliquée) et le diable (l'épaule gauche du vieil homme est dupliquée).
Jumeaux à la Dernière Cène
Léonard de Vinci, La Cène, 1495-1498.
Lorsque Léonard de Vinci écrivit La Cène, il attachait une importance particulière à deux personnages : le Christ et Judas. Il cherchait des gardiens pour eux depuis très longtemps. Enfin, il réussit à trouver un modèle à l'image du Christ parmi les jeunes chanteurs. Leonardo n'a pas réussi à trouver une gardienne pour Judas pendant trois ans. Mais un jour, il rencontra un ivrogne allongé dans le caniveau de la rue. C'était un jeune homme qui avait été vieilli par une forte consommation d'alcool. Leonardo l'a invité dans une taverne, où il a immédiatement commencé à écrire Judas de lui. Lorsque l'ivrogne a repris ses esprits, il a dit à l'artiste qu'il avait déjà posé pour lui une fois. C'était il y a quelques années, alors qu'il chantait dans la chorale de l'église, Léonard a écrit Christ de lui.
Histoire innocente "gothique"
Grant Wood, Gothique américain, 1930.
L'œuvre de Grant Wood est considérée comme l'une des plus étranges et des plus déprimantes de l'histoire de la peinture américaine. L'image avec un père et une fille sombres regorge de détails qui indiquent la sévérité, le puritanisme et la rétrogradation des personnes représentées. En fait, l'artiste n'avait pas l'intention de représenter des horreurs: lors d'un voyage dans l'Iowa, il remarqua une petite maison de style gothique et décida de représenter les personnes qui, à son avis, conviendraient parfaitement en tant qu'habitants. La sœur de Grant et son dentiste sont immortalisés sous la forme de personnages qui ont tant offensé les habitants de l'Iowa.
"Night Watch" ou "Day Watch" ?
Rembrandt, La ronde de nuit, 1642.
L'un des tableaux les plus célèbres de Rembrandt, "La performance de la compagnie de fusiliers du capitaine Frans Banning Cock et du lieutenant Willem van Ruytenbürg", a été accroché dans différentes salles pendant environ deux cents ans et n'a été découvert par les historiens de l'art qu'au XIXe siècle. Comme les personnages semblaient se détacher sur un fond sombre, il s'appelait Night Watch, et sous ce nom, il entra dans le trésor de l'art mondial. Et ce n'est que lors de la restauration, effectuée en 1947, qu'il s'est avéré que dans le hall, le tableau avait réussi à se recouvrir d'une couche de suie, ce qui déformait sa couleur. Après avoir effacé le tableau original, il a finalement été révélé que la scène présentée par Rembrandt se déroule en réalité pendant la journée. La position de l'ombre de la main gauche du capitaine Kok montre que la durée de l'action ne dépasse pas 14 heures.
bateau chaviré
Henri Matisse, La barque, 1937.
Au New York Museum of Modern Art en 1961, le tableau d'Henri Matisse "The Boat" a été exposé. Ce n'est qu'après 47 jours que quelqu'un a remarqué que le tableau était suspendu à l'envers. La toile représente 10 lignes violettes et deux voiles bleues sur fond blanc. L'artiste a peint deux voiles pour une raison, la deuxième voile est le reflet de la première à la surface de l'eau. Afin de ne pas vous tromper sur la façon dont l'image doit être accrochée, vous devez faire attention aux détails. La plus grande voile doit être en haut du tableau et le sommet de la voile du tableau doit être dirigé vers le coin supérieur droit.
Déception dans un autoportrait
Vincent van Gogh, Autoportrait à la pipe, 1889.
Il y a des légendes selon lesquelles Van Gogh aurait coupé sa propre oreille. Maintenant, la version la plus fiable est que l'oreille de van Gogh a été endommagée lors d'une petite bagarre avec la participation d'un autre artiste, Paul Gauguin. L'autoportrait est intéressant car il reflète la réalité sous une forme déformée : l'artiste est représenté avec l'oreille droite bandée, car il utilisait un miroir pour travailler. En fait, l'oreille gauche a été endommagée.
Deux "Petits déjeuners sur l'herbe"
Édouard Manet, Déjeuner sur l'herbe, 1863.
Claude Monet, Petit déjeuner sur l'herbe, 1865.
Les artistes Edouard Manet et Claude Monet sont parfois confondus - après tout, ils étaient tous les deux français, ont vécu en même temps et ont travaillé dans le style de l'impressionnisme. Même le nom de l'un des tableaux les plus célèbres de Manet, "Le petit déjeuner sur l'herbe", Monet a emprunté et écrit son "Petit déjeuner sur l'herbe".
ours extraterrestres
Ivan Shishkin, "Matin dans la pinède", 1889.
La célèbre peinture n'appartient pas seulement au pinceau de Shishkin. De nombreux artistes amis les uns avec les autres ont souvent eu recours à "l'aide d'un ami", et Ivan Ivanovitch, qui a peint des paysages toute sa vie, avait peur que toucher des ours ne se déroule pas comme il le souhaitait. Par conséquent, Shishkin s'est tourné vers un peintre animalier familier, Konstantin Savitsky.
Savitsky a peint peut-être les meilleurs ours de l'histoire de la peinture russe, et Tretiakov a ordonné que son nom soit lavé de la toile, car tout dans le tableau "de l'idée à l'exécution, tout parle de la manière de peindre, de la méthode créative propre à Chichkine.
Même ces chefs-d'œuvre de la peinture qui nous semblent familiers ont leurs secrets.
Récemment, une découverte étrange et inhabituelle a été faite dans l'histoire de l'art - un étudiant américain a déchiffré une notation musicale représentée sur les fesses d'un pécheur à partir d'un tableau de Bosch. La mélodie qui en résulte est devenue l'une des sensations Internet de ces derniers temps.
Nous sommes dans Le bon côté Nous pensons que dans presque toutes les œuvres d'art importantes, il y a un mystère, un «double fond» ou une histoire secrète que vous souhaitez découvrir. Aujourd'hui, nous allons en partager quelques-uns.
Musique sur les fesses
Hieronymus Bosch, Le Jardin des délices, 1500-1510.
Fragment du côté droit du triptyque.
Les disputes sur les significations et les significations cachées de l'œuvre la plus célèbre de l'artiste néerlandais ne se sont pas apaisées depuis son apparition. Sur l'aile droite du triptyque appelé "Musical Hell", des pécheurs sont représentés qui sont torturés dans le monde souterrain à l'aide d'instruments de musique. L'un d'eux a des notes imprimées sur ses fesses. Amelia Hamrick, étudiante à l'Oklahoma Christian University, qui a étudié la peinture, a adapté la notation du XVIe siècle à une touche moderne et a enregistré "une chanson de cul de l'enfer vieille de 500 ans".
La Joconde nue
La célèbre "Gioconda" existe en deux versions : la version nue s'appelle "Monna Vanna", elle a été peinte par l'artiste peu connu Salai, qui fut élève et modèle du grand Léonard de Vinci. De nombreux critiques d'art sont convaincus que c'est lui qui a servi de modèle aux peintures de Léonard "Jean-Baptiste" et "Bacchus". Il existe également des versions vêtues d'une robe de femme, Salai a servi d'image de la Joconde elle-même.
Vieux pêcheur
En 1902, l'artiste hongrois Tivadar Kostka Chontvari a peint le tableau "Old Fisherman". Il semblerait qu'il n'y ait rien d'inhabituel dans l'image, mais Tivadar y a mis un sous-texte, qui n'a jamais été révélé au cours de la vie de l'artiste.
Peu de gens ont pensé à mettre un miroir au milieu de l'image. Dans chaque personne, il peut y avoir à la fois Dieu (l'épaule droite du vieil homme est dupliquée) et le diable (l'épaule gauche du vieil homme est dupliquée).
Jumeaux à la Dernière Cène
Léonard de Vinci, La Cène, 1495-1498.
Lorsque Léonard de Vinci écrivit La Cène, il attachait une importance particulière à deux personnages : le Christ et Judas. Il cherchait des gardiens pour eux depuis très longtemps. Enfin, il réussit à trouver un modèle à l'image du Christ parmi les jeunes chanteurs. Leonardo n'a pas réussi à trouver une gardienne pour Judas pendant trois ans. Mais un jour, il rencontra un ivrogne allongé dans le caniveau de la rue. C'était un jeune homme qui avait été vieilli par une forte consommation d'alcool. Leonardo l'a invité dans une taverne, où il a immédiatement commencé à écrire Judas de lui. Lorsque l'ivrogne a repris ses esprits, il a dit à l'artiste qu'il avait déjà posé pour lui une fois. C'était il y a quelques années, alors qu'il chantait dans la chorale de l'église, Léonard a écrit Christ de lui.
Histoire innocente "gothique"
Grant Wood, Gothique américain, 1930.
L'œuvre de Grant Wood est considérée comme l'une des plus étranges et des plus déprimantes de l'histoire de la peinture américaine. L'image avec un père et une fille sombres regorge de détails qui indiquent la sévérité, le puritanisme et la rétrogradation des personnes représentées. En fait, l'artiste n'avait pas l'intention de représenter des horreurs: lors d'un voyage dans l'Iowa, il remarqua une petite maison de style gothique et décida de représenter les personnes qui, à son avis, conviendraient parfaitement en tant qu'habitants. La sœur de Grant et son dentiste sont immortalisés sous la forme de personnages qui ont tant offensé les habitants de l'Iowa.
Y avait-il une baleine ?
Hendrik van Antonissen "Scène sur le rivage"
Cela ressemblait à un paysage ordinaire. Des bateaux, des gens sur le rivage et la mer déserte. Et seule une étude aux rayons X a montré que les gens se sont rassemblés sur le rivage pour une raison - dans l'original, ils ont examiné la carcasse d'une baleine échouée sur le rivage.
Cependant, l'artiste a décidé que personne ne voudrait regarder une baleine morte et a repeint le tableau.
"Night Watch" ou "Day Watch" ?
Rembrandt, La ronde de nuit, 1642.
L'un des tableaux les plus célèbres de Rembrandt, "La performance de la compagnie de fusiliers du capitaine Frans Banning Cock et du lieutenant Willem van Ruytenbürg", a été accroché dans différentes salles pendant environ deux cents ans et n'a été découvert par les historiens de l'art qu'au XIXe siècle. Comme les personnages semblaient se détacher sur un fond sombre, il s'appelait Night Watch, et sous ce nom, il entra dans le trésor de l'art mondial. Et ce n'est que lors de la restauration, effectuée en 1947, qu'il s'est avéré que dans le hall, le tableau avait réussi à se recouvrir d'une couche de suie, ce qui déformait sa couleur. Après avoir effacé le tableau original, il a finalement été révélé que la scène présentée par Rembrandt se déroule en réalité pendant la journée. La position de l'ombre de la main gauche du capitaine Kok montre que la durée de l'action ne dépasse pas 14 heures.
bateau chaviré
Henri Matisse, La barque, 1937.
Au New York Museum of Modern Art en 1961, le tableau d'Henri Matisse "The Boat" a été exposé. Ce n'est qu'après 47 jours que quelqu'un a remarqué que le tableau était suspendu à l'envers. La toile représente 10 lignes violettes et deux voiles bleues sur fond blanc. L'artiste a peint deux voiles pour une raison, la deuxième voile est le reflet de la première à la surface de l'eau. Afin de ne pas vous tromper sur la façon dont l'image doit être accrochée, vous devez faire attention aux détails. La plus grande voile doit être en haut du tableau et le sommet de la voile du tableau doit être dirigé vers le coin supérieur droit.
Déception dans un autoportrait
Vincent van Gogh, Autoportrait à la pipe, 1889.
Il y a des légendes selon lesquelles Van Gogh aurait coupé sa propre oreille. Maintenant, la version la plus fiable est que l'oreille de van Gogh a été endommagée lors d'une petite bagarre avec la participation d'un autre artiste, Paul Gauguin. L'autoportrait est intéressant car il reflète la réalité sous une forme déformée : l'artiste est représenté avec l'oreille droite bandée, car il utilisait un miroir pour travailler. En fait, l'oreille gauche a été endommagée.
Deux "Petits déjeuners sur l'herbe"
Édouard Manet, Déjeuner sur l'herbe, 1863.
Claude Monet, Petit déjeuner sur l'herbe, 1865.
Les artistes Edouard Manet et Claude Monet sont parfois confondus - après tout, ils étaient tous les deux français, ont vécu en même temps et ont travaillé dans le style de l'impressionnisme. Même le nom de l'un des tableaux les plus célèbres de Manet, "Le petit déjeuner sur l'herbe", Monet a emprunté et écrit son "Petit déjeuner sur l'herbe".
ours extraterrestres
Ivan Shishkin, "Matin dans la pinède", 1889.
La célèbre peinture n'appartient pas seulement au pinceau de Shishkin. De nombreux artistes amis les uns avec les autres ont souvent eu recours à "l'aide d'un ami", et Ivan Ivanovitch, qui a peint des paysages toute sa vie, avait peur que toucher des ours ne se déroule pas comme il le souhaitait. Par conséquent, Shishkin s'est tourné vers un peintre animalier familier, Konstantin Savitsky.
Savitsky a peint peut-être les meilleurs ours de l'histoire de la peinture russe, et Tretiakov a ordonné que son nom soit lavé de la toile, car tout dans le tableau "de l'idée à l'exécution, tout parle de la manière de peindre, de la méthode créative propre à Chichkine.
Même ces chefs-d'œuvre de la peinture qui nous semblent familiers ont leurs secrets. Nous pensons que dans presque toutes les œuvres d'art importantes, il y a un mystère, un "double fond" ou une histoire secrète.
Musique sur les fesses
Les disputes sur les significations et les significations cachées de l'œuvre la plus célèbre de l'artiste néerlandais ne se sont pas apaisées depuis son apparition. Sur l'aile droite du triptyque appelé "Musical Hell", des pécheurs sont représentés qui sont torturés dans le monde souterrain à l'aide d'instruments de musique. L'un d'eux a des notes imprimées sur ses fesses.
Amelia Hamrick, étudiante à l'Oklahoma Christian University, qui a étudié la peinture, a adapté la notation du XVIe siècle à une touche moderne et a enregistré "une chanson de cul de l'enfer vieille de 500 ans". La mélodie qui en résulte est devenue l'une des sensations Internet de ces derniers temps.
Hieronymus Bosch, Le Jardin des délices, 1500-1510.
La Joconde nue
La célèbre "Gioconda" existe en deux versions : la version nue s'appelle "Monna Vanna", elle a été peinte par l'artiste peu connu Salai, qui fut élève et modèle du grand Léonard de Vinci.
De nombreux critiques d'art sont convaincus que c'est lui qui a servi de modèle aux peintures de Léonard "Jean-Baptiste" et "Bacchus". Il existe également des versions vêtues d'une robe de femme, Salai a servi d'image de la Joconde elle-même.
Vieux pêcheur
En 1902, l'artiste hongrois Tivadar Kostka Chontvari a peint le tableau "Old Fisherman". Il semblerait qu'il n'y ait rien d'inhabituel dans l'image, mais Tivadar y a mis un sous-texte, qui n'a jamais été révélé au cours de la vie de l'artiste.
Peu de gens ont pensé à mettre un miroir au milieu de l'image. Dans chaque personne, il peut y avoir à la fois Dieu (l'épaule droite du vieil homme est dupliquée) et le diable (l'épaule gauche du vieil homme est dupliquée).
Jumeaux à la Dernière Cène
Lorsque Léonard de Vinci écrivit La Cène, il attachait une importance particulière à deux personnages : le Christ et Judas. Il cherchait des gardiens pour eux depuis très longtemps. Enfin, il réussit à trouver un modèle à l'image du Christ parmi les jeunes chanteurs. Leonardo n'a pas réussi à trouver une gardienne pour Judas pendant trois ans.
Mais un jour, il rencontra un ivrogne allongé dans le caniveau de la rue. C'était un jeune homme qui avait été vieilli par une forte consommation d'alcool. Leonardo l'a invité dans une taverne, où il a immédiatement commencé à écrire Judas de lui. Lorsque l'ivrogne a repris ses esprits, il a dit à l'artiste qu'il avait déjà posé pour lui une fois. C'était il y a quelques années, alors qu'il chantait dans la chorale de l'église, Léonard a écrit Christ de lui.
Léonard de Vinci, La Cène, 1495-1498.
Histoire innocente "gothique"
L'œuvre de Grant Wood est considérée comme l'une des plus étranges et des plus déprimantes de l'histoire de la peinture américaine. L'image avec un père et une fille sombres regorge de détails qui indiquent la sévérité, le puritanisme et la rétrogradation des personnes représentées.
En fait, l'artiste n'avait pas l'intention de représenter une horreur: lors d'un voyage dans l'Iowa, il remarqua une petite maison de style gothique et décida de représenter les personnes qui, à son avis, seraient idéales en tant que résidents. La sœur de Grant et son dentiste sont immortalisés sous la forme de personnages qui ont tant offensé les habitants de l'Iowa.
Grant Wood, Gothique américain, 1930.
"Night Watch" ou "Day Watch" ?
L'un des tableaux les plus célèbres de Rembrandt, "La performance de la compagnie de fusiliers du capitaine Frans Banning Cock et du lieutenant Willem van Ruytenbürg", a été accroché dans différentes salles pendant environ deux cents ans et n'a été découvert par les historiens de l'art qu'au XIXe siècle. Comme les personnages semblaient se détacher sur un fond sombre, il s'appelait Night Watch, et sous ce nom, il entra dans le trésor de l'art mondial.
Et ce n'est que lors de la restauration, effectuée en 1947, qu'il s'est avéré que dans le hall, le tableau avait réussi à se recouvrir d'une couche de suie, ce qui déformait sa couleur. Après avoir effacé le tableau original, il a finalement été révélé que la scène présentée par Rembrandt se déroule en réalité pendant la journée. La position de l'ombre de la main gauche du capitaine Kok montre que la durée de l'action ne dépasse pas 14 heures.
Rembrandt, La ronde de nuit, 1642.
bateau chaviré
Au New York Museum of Modern Art en 1961, le tableau d'Henri Matisse "The Boat" a été exposé. Ce n'est qu'après 47 jours que quelqu'un a remarqué que le tableau était suspendu à l'envers. La toile représente 10 lignes violettes et deux voiles bleues sur fond blanc.
L'artiste a peint deux voiles pour une raison, la deuxième voile est le reflet de la première à la surface de l'eau. Afin de ne pas vous tromper sur la façon dont l'image doit être accrochée, vous devez faire attention aux détails. La plus grande voile doit être en haut du tableau et le sommet de la voile du tableau doit être dirigé vers le coin supérieur droit.
Henri Matisse, La barque, 1937 .
Déception dans un autoportrait
Il y a des légendes selon lesquelles Van Gogh aurait coupé sa propre oreille. Maintenant, la version la plus fiable est que l'oreille de Van Gogh a été endommagée lors d'une petite bagarre avec la participation d'un autre artiste, Paul Gauguin.
L'autoportrait est intéressant car il reflète la réalité sous une forme déformée : l'artiste est représenté avec l'oreille droite bandée, car il utilisait un miroir pour travailler. En fait, l'oreille gauche a été endommagée.
Vincent van Gogh, Autoportrait à la pipe, 1889.
8 septembre 2016 19h05
Original tiré de kolybanov dans Henri Matisse "Le Bateau", 1937
Auteur - Ela2012. Ceci est une citation de ce post.
Henri Matisse "La barque", 1937
Bateau, 1937. Musée d'Art Moderne
New YorkMatisse a représenté un bateau à voile et le reflet que l'on peut voir dans l'eau. Au début, personne ne pouvait comprendre ce qui est représenté ici. Il s'agissait d'un cas curieux. L'œuvre du peintre a été exposée au Musée de New York. Ils l'ont placé à l'envers. Plus d'un mois s'est écoulé, et alors seulement l'erreur a été éliminée. Si l'un des visiteurs n'avait pas prêté attention à cet oubli, il est fort probable que l'image serait restée dans la mauvaise position.
Le fait est que l'image n'est absolument symétrique qu'à première vue. Si vous regardez attentivement, vous pouvez voir l'extrémité gauche surélevée. C'est lui qui est une représentation assez schématique de la proue du bateau, ou plutôt, pas même du bateau lui-même, mais seulement de sa voile. Le reflet dans l'eau n'a pas d'extrémité surélevée.
En plus de la voile, Matisse a représenté des nuages et la ligne d'horizon. Ce sont les lignes mêmes de couleur rose.
Les fauvistes, dont Matisse était un représentant éminent, valorisaient la couleur. Ils ont complètement nié le contenu. Le talent de l'artiste s'est exprimé en moins de coups. L'ouvrage est ingénieux dans sa simplicité.
Cette création est capable d'éveiller la fantaisie et l'imagination. Le spectateur doit réfléchir à ce que l'auteur voulait dire avec cette image. Cela ressemble à un dessin d'enfant. Mais ce n'est qu'à première vue. En fait, elle est brillante. Très probablement, Matisse a cherché à surprendre non seulement ses contemporains, mais aussi ceux qui regarderont sa peinture à l'avenir. Il frappe aujourd'hui. Il y a un débat constant sur ce qui se cache dans ce chef-d'œuvre ? Est-ce un chef-d'œuvre ou juste un dessin ? Quelle est la profondeur de la perception du peintre du monde?
À notre avis, Matisse a atteint son objectif. Sa peinture est au centre de débats passionnés jusqu'à présent. Si la création n'était pas ingénieuse dans son essence, on n'en aurait guère parlé depuis longtemps. Ce n'est pas un hasard si l'œuvre de l'artiste est assimilée au célèbre "Carré noir" de Malevitch.
Le tableau d'Henri Matisse "Le Bateau" est d'importance égale au célèbre
"Carré noir" de Malevitch. Il a également été une controverse constante pendant de nombreuses décennies.
Un fait intéressant est que plus d'un mois après la première exposition du tableau au New York Museum, personne ne pouvait comprendre ce qu'il représentait. Il s'est avéré que l'image était placée « à l'envers »… À première vue, elle est symétrique et ressemble à un dessin d'enfant. A y regarder de plus près, la représentation schématique de la voilure du bateau diffère de son affichage dans l'eau par l'extrémité gauche relevée.
Les lignes roses représentent les nuages et la ligne d'horizon. Pour les fauvistes, dont Matisse était un représentant éminent, le talent de l'artiste était principalement déterminé par un plus petit nombre de traits, ils accordaient plus d'attention à la couleur.
Ce travail est ingénieux dans sa simplicité. Cela peut éveiller votre imagination et vous faire penser à cacher un secret en vous...
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Henri Matisse peintre et sculpteur français, chef de file du mouvement fauviste. Connu pour ses recherches sur la transmission des émotions par la couleur et la forme.
Né dans la famille d'un marchand de céréales prospère. Sa mère aidait son mari dans la boutique et peignait des céramiques. Il était le fils aîné de la famille.
En 1872, son frère cadet, Émile Auguste, est né. Le père supposait que son fils aîné hériterait de son entreprise, mais Henri Matisse, après avoir obtenu son diplôme du lycée et du lycée Henri Martin de la ville de Saint-Quentin, entre à l'École des sciences juridiques de Paris. En 1888, après avoir obtenu une licence en droit, il obtient un emploi de clerc chez un avocat à Saint-Quentin.
Il a commencé à peindre après une opération de l'appendicite en 1889 alors qu'il était hospitalisé. Sa mère lui a acheté du matériel de dessin pour qu'il ne s'ennuie pas. Pendant 2 mois, il copie des cartes postales en couleurs. Après avoir quitté l'hôpital, il décide de devenir artiste. Là encore, contre la volonté de son père, il entreprend des études à l'École de dessin de Cantin de la Tour, où l'on forme des dessinateurs pour l'industrie textile.
En 1891, il abandonne la pratique du droit et entre à l'Académie Julian à Paris. Son professeur était le maître de l'art de salon, William Adolf Bouguereau. De plus, Matisse prévoyait d'entrer à l'École des beaux-arts, mais il n'y parvint pas. En 1893, il s'inscrit à l'École des arts décoratifs. En 1895, il réussit néanmoins les concours d'entrée à l'École des beaux-arts et est accepté dans l'atelier de Gustave Moreau. Au cours de ses études, il copie les œuvres de vieux maîtres français et hollandais au Louvre. Durant son apprentissage, l'œuvre de Jean-Baptiste Siméon Chardin a eu une influence particulière sur lui, il a réalisé des copies de quatre de ses tableaux.
En 1894, un événement important se produit dans la vie personnelle de l'artiste. Son mannequin Carolina Joblo a donné naissance à une fille, Margarita.
Il passe l'été 1896 sur l'île de Belle Île au large de la Bretagne. Ici, Henri a rencontré un artiste australien, John Peter Russell, qui l'a initié à l'impressionnisme et à l'œuvre de Vincent van Gogh. Il a ensuite cité John Peter Russell comme son professeur, qui lui a expliqué la théorie des couleurs.
En 1896, cinq tableaux d'Henri sont exposés au Salon de la Société nationale des beaux-arts, dont deux sont achetés par l'État. Après l'exposition, Henri Matisse devient membre correspondant du Salon de la Société nationale des beaux-arts.
En 1898, Henri Matisse épouse Amélie Pareille. Elle lui donna deux fils. Ils ont également emmené leur fille illégitime avec leur femme. Sa femme et sa fille étaient les modèles préférés de l'artiste.
Sur les conseils de Camille Pissarro, lors de sa lune de miel, il se rend avec sa femme à Londres pour découvrir les peintures de William Turner. Puis le couple visita la Corse, mais aussi Toulouse et Gênes. En février 1899, ils rentrent à Paris, en raison du décès de Gustave Moreau et de mésententes avec son successeur Fernand Cormon, Henri quitte l'École des beaux-arts.
Après une autre brève étude à l'Académie Julian, l'artiste entre dans les cours d'Eugène Carrière. Sa première incursion dans la sculpture fut une copie de l'œuvre d'Antoine-Louis Bari, réalisée par lui en 1899. En 1900, parallèlement à la peinture, Henri suit les cours du soir d'Antoine Bourdelle à l'Académie de la Grande Chaumière. Le matin, il peint dans le jardin du Luxembourg et le soir, il suit des cours de sculpture.
Connaissant de sérieuses difficultés financières, il prend un emploi d'artiste décorateur. Il se consacre à la décoration d'objets pour l'Exposition Universelle au Grand Palais, à Paris en 1900. Le travail était épuisant et Henri tomba malade d'une bronchite. En 1901, après une courte cure en Suisse, où il continue à travailler dur, Henri passe quelque temps avec sa famille chez ses parents à Boen-en-Vermandois. À cette époque, l'artiste était si bouleversé qu'il a même pensé à abandonner la peinture.
En avril et juin 1902, ses œuvres sont achetées pour la première fois. En juin 1904, la première exposition personnelle d'Henri Matisse a lieu dans la galerie d'Ambroise Vollard.
Matisse passe l'été 1905 dans un village de pêcheurs au bord de la Méditerranée. Cette époque marque un tournant significatif dans l'activité créatrice de l'artiste. Avec André Derain, Matisse a créé un nouveau style qui est entré dans l'histoire de l'art sous le nom de fauvisme. Matisse est reconnu comme le chef des fauvistes.Le déclin du rôle du fauvisme après 1906 et l'effondrement du groupe en 1907 n'affectent en rien la croissance créatrice de Matisse lui-même. Beaucoup de ses meilleures œuvres ont été créées par lui entre 1906 et 1917.
L'homme d'affaires et collectionneur russe Sergueï Ivanovitch Chtchoukine fut l'un des premiers à apprécier le talent de Matisse. En 1908, il commande à l'artiste trois panneaux décoratifs pour sa maison de Moscou. Avant d'être envoyés en Russie, les panneaux ont été exposés à Paris.
Avec l'argent gagné de la vente de ses peintures aux entrepreneurs et collectionneurs russes Sergei Ivanovich Shchukin et Ivan Abramovich Morozov, l'artiste a finalement pu surmonter enfin les difficultés financières.
Sur les conseils et le soutien de mécènes, il fonde une école privée de peinture, qui s'appelle l'Académie de Matisse. Il y enseigne de janvier 1908 à 1911. Pendant ce temps, 100 étudiants parmi les compatriotes et étrangers de l'artiste ont été formés à l'académie.
En 1909, Matisse quitte sa résidence du quai Saint-Michel à Paris et s'installe à Issy-les-Moulineaux, où il achète une maison et construit un atelier. Pendant longtemps, les membres de sa famille lui ont servi de modèles et ont répondu à toutes les demandes de l'artiste, par exemple, les enfants devaient se taire pendant les repas pour ne pas perturber la concentration du père.
En 1911, il se retire de l'enseignement et se consacre entièrement à la créativité.
En 1912, la première exposition de Matisse aux États-Unis a lieu.
En 1914, avec le déclenchement de la Première Guerre mondiale, un artiste d'âge moyen demande à être accepté comme volontaire dans l'armée, mais il est refusé pour des raisons de santé. La mère est restée dans les territoires occupés par l'ennemi, le frère a été capturé, les fils et amis se sont battus sur les fronts. Seules sa femme et sa fille sont restées auprès de l'artiste.
En 1916, sur les conseils de médecins, en raison de l'exacerbation des séquelles d'une bronchite, Matisse séjourne quelque temps à Menton, et l'hiver 1916-1917 à Cimiez, dans la banlieue de Nice, dans une chambre de l'hôtel Beau-Rivage , d'où il s'installe à l'hôtel Mediterran. En 1921, il s'installe dans un appartement à deux étages de la place Charles-Félix à Cimiez. De mai à septembre, l'artiste revient régulièrement à Issy-les-Moulineaux, où il travaille dans son atelier.
En 1918, la galerie Guillaume accueille une exposition commune de Matisse et Picasso.
En 1920, à la demande de Sergueï Pavlovitch Diaghilev, il crée des croquis de costumes et de décors pour le ballet.
Dans les années 1920, le nom de l'artiste acquiert une renommée mondiale. Ses expositions ont eu lieu dans de nombreuses villes d'Europe et d'Amérique. En juillet 1925, Matisse reçoit le titre de chevalier de la Légion d'honneur. En 1927, son fils, Pierre Matisse, devenu galeriste, organise l'exposition de son père à New York, et la même année l'artiste reçoit un prix de la Carnegie Institution de Pittsburgh pour son tableau "Compote and Flowers".
À la fin des années 1920, Matisse collabore activement avec d'autres artistes et travaille non seulement avec des Européens, des Français, des Néerlandais, des Allemands et des Espagnols, mais aussi avec des Américains et des émigrés américains. Il revient à la sculpture, qu'il avait abandonnée les années précédentes.
En 1930, Albert Barnes, un collectionneur américain, commande à Matisse une décoration murale pour son musée privé. La même année, l'artiste arrive à Tahiti, où il travaille sur deux versions de panneaux décoratifs pour la Fondation Barnes.Lors de la création du panneau Danse II (1932), Matisse utilise d'abord du papier de couleur, dans lequel il découpe les formes souhaitées.
En 1933, à New York, naît le petit-fils de l'artiste, Paul Matisse, fils de Pierre Matisse.
Au cours des vastes travaux de peinture de la Fondation Barnes, Matisse a embauché une jeune émigrée russe, Lydia Nikolaevna Delektorskaya, comme secrétaire, qui lui a également servi de modèle. Mais la femme de l'artiste a insisté pour son licenciement et elle a été licenciée. Cependant, la femme a quand même demandé le divorce. Matisse est resté seul et a demandé à Lydia Delectorskaya de reprendre ses fonctions de secrétaire.
Avec le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale, des proches tentent de convaincre Matisse d'émigrer aux États-Unis ou au Brésil. Mais il reste en France, à Nice, qu'il ne quittera qu'à sa mort.
En 1941, Matisse subit une importante opération intestinale. La détérioration de sa santé l'oblige à simplifier son style. Pour économiser l'énergie, il a développé une technique de composition d'une image à partir de bouts de papier, qui lui a permis de réaliser la synthèse tant attendue du motif et de la couleur. En 1943, il commence une série d'illustrations pour le livre "Jazz" à partir de chutes colorées à la gouache (terminées en 1947). En 1944, sa femme et sa fille sont arrêtées par la Gestapo pour avoir participé aux activités de la Résistance.
En 1947, Matisse rencontre le prêtre dominicain Pierre Couturier, lors de conversations avec lui, l'idée est née de construire une petite chapelle pour le couvent de Vence. Un travail épuisant de 4 ans sur la Chapelle du Rosaire, selon Matisse lui-même, a été le résultat de toute sa vie consciente.
La texture de la toile, les peintures de haute qualité et l'impression grand format permettent à nos reproductions d'Henri Matisse d'être à la hauteur de l'original. La toile sera tendue sur une civière spéciale, après quoi la photo pourra être encadrée dans une baguette de votre choix.
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