هنرمندان معاصر هلندی و نقاشی های آنها مدرسه نقاشی هلندی مراحل اصلی توسعه

اولین سال های قرن هفدهم را تولد مکتب هلندی می دانند. این مکتب متعلق به مکاتب بزرگ نقاشی است و مکتبی مستقل و مستقل با ویژگی ها و هویت منحصر به فرد و تکرار نشدنی است.

این یک توضیح عمدتاً تاریخی دارد - همزمان یک جنبش جدید در هنر و یک وضعیت جدید در نقشه اروپا به وجود آمد.

تا قرن هفدهم، هلند به خاطر فراوانی هنرمندان ملی خود متمایز نبود. شاید به همین دلیل است که در آینده در این کشور می توان تعداد زیادی از هنرمندان و به طور خاص هنرمندان هلندی را به حساب آورد. در حالی که این کشور یک ایالت با فلاندر بود، عمدتاً در فلاندر بود که جنبش های هنری اصیل به شدت ایجاد و توسعه یافتند. نقاشان برجسته Van Eyck، Memling، Rogier van der Weyden، که امثال آنها در هلند یافت نشد، در فلاندر کار کردند. در آغاز قرن شانزدهم فقط می توان به نبوغ مجزا در نقاشی اشاره کرد. اما لوقای لیدن هیچ مدرسه ای ایجاد نکرد. همین را می توان در مورد نقاش دیرک بوتس از هارلم، که خلاقیت هایش در برابر پس زمینه سبک و منشأ مکتب فلاندری به سختی برجسته می شود، در مورد هنرمندان موستارت، اسکورل و هیمسکرکه، که با وجود همه اهمیتشان، استعدادهای فردی نیستند که آنها را با اصالت کشورشان مشخص کند.

سپس نفوذ ایتالیا به همه کسانی که با قلم مو خلق کردند - از آنتورپ تا هارلم - گسترش یافت. این یکی از دلایلی بود که مرزها محو شد، مدارس مختلط شد و هنرمندان هویت ملی خود را از دست دادند. حتی یک دانش آموز جان اسکورل زنده نماند. آخرین، مشهورترین، بزرگترین نقاش پرتره، که همراه با رامبراند، افتخار هلند است، هنرمندی با استعداد قدرتمند، تحصیلکرده عالی، سبک متفاوت، ذاتا شجاع و انعطاف پذیر، جهان وطنی که همه چیز را از دست داده است. آثار منشأ او و حتی نام او - آنتونیس مورئو (او نقاش رسمی پادشاه اسپانیا بود) پس از 1588 درگذشت.

نقاشان بازمانده از نظر روحیه کارشان تقریباً هلندی نبودند و فاقد سازماندهی و توانایی تجدید مکتب ملی بودند. اینها نمایندگانی از رفتار هلندی بودند: حکاکی هندریک گولتزیوس، کورنلیس از هارلم، که از میکل آنژ تقلید می کرد، آبراهام بلومارت، پیرو کورجو، میشیل میروولت، هنرمند پرتره خوب، ماهر، دقیق، لاکونیک، کمی سرد و مدرن برای زمان خود. ، اما ملی نیست. جالب است که او به تنهایی تسلیم نفوذ ایتالیایی نشد که بیشتر مظاهر نقاشی هلند را در آن زمان تسلیم کرد.

در پایان قرن شانزدهم، زمانی که نقاشان پرتره قبلاً مدرسه ای ایجاد کرده بودند، هنرمندان دیگری ظاهر و شکل گرفتند. در نیمه دوم قرن شانزدهم، تعداد زیادی از نقاشان متولد شدند که به یک پدیده در نقاشی تبدیل شدند، این تقریباً بیداری مکتب ملی هلند بود. تنوع گسترده استعدادها منجر به جهات و مسیرهای مختلف برای توسعه نقاشی می شود. هنرمندان خود را در همه ژانرها، در طرح های رنگی مختلف آزمایش می کنند: برخی به شیوه ای روشن کار می کنند، برخی دیگر به شیوه ای تاریک (تأثیر هنرمند ایتالیایی کاراواجو در اینجا احساس می شد). نقاشان به رنگ های روشن متعهد هستند و رنگ شناسان به رنگ های تیره. جستجو برای شیوه ای تصویری آغاز می شود و قوانینی برای به تصویر کشیدن کیاروسکورو ایجاد می شود. پالت آرام‌تر و آزادتر می‌شود، همانطور که خطوط و شکل‌پذیری تصویر هم همینطور. اسلاف مستقیم رامبراند ظاهر می شوند - معلمان او یان پیس و پیتر لاستمن. روش‌های ژانر نیز آزادتر می‌شوند - تاریخی بودن به اندازه قبل اجباری نیست. یک ژانر خاص، عمیقاً ملی و تقریباً تاریخی در حال ایجاد است - پرتره های گروهی در نظر گرفته شده برای مکان های عمومی - سالن های شهر، شرکت ها، کارگاه ها و جوامع. با این رویداد، کامل ترین شکل، قرن شانزدهم به پایان می رسد و قرن هفدهم آغاز می شود.

این فقط آغاز است، خود مدرسه هنوز وجود ندارد. هنرمندان با استعداد زیادی وجود دارند. در میان آنها صنعتگران ماهر، چندین نقاش بزرگ وجود دارند. مورلس، یان راوستاین، لاستمن، فرانس هالز، پولنبورگ، ون شوتن، ون دو ون، توماس دی کیسر، هانتورست، کیپ الدر، و سرانجام اسایاس ون دو ولده و ون گوین - همه آنها در پایان شانزدهم متولد شدند. قرن این فهرست همچنین شامل هنرمندانی است که نام آنها توسط تاریخ حفظ شده است، کسانی که تنها تلاش های فردی برای دستیابی به تسلط را نشان می دهند و کسانی که معلمان و پیشینیان استادان آینده شده اند.

این لحظه حیاتی در توسعه نقاشی هلندی بود. با تعادل سیاسی ناپایدار، همه چیز فقط به شانس بستگی داشت. در فلاندر، جایی که بیداری مشابهی مشاهده شد، برعکس، از قبل احساس اطمینان و ثباتی وجود داشت که هنوز در هلند وجود نداشت. در فلاندر قبلاً هنرمندانی وجود داشتند که این را تشکیل داده بودند یا به آن نزدیک بودند. شرایط سیاسی و اجتماعی-تاریخی در این کشور مساعدتر بود. حکومت، سنت ها و جامعه انعطاف پذیرتر و بردبارتر وجود داشت. نیاز به تجمل باعث ایجاد نیاز مداوم به هنر شد. به طور کلی، دلایل جدی برای تبدیل شدن فلاندر به مرکز بزرگ هنری برای بار دوم وجود داشت. برای این فقط دو چیز کم بود: چندین سال آرامش و استادی که خالق مدرسه باشد.

در سال 1609، زمانی که سرنوشت هلند در حال تعیین شدن بود - فیلیپ سوم با آتش بس بین اسپانیا و هلند موافقت کرد - روبنس ظاهر شد.

همه چیز به شانس سیاسی یا نظامی بستگی داشت. هلند شکست خورده و تحت انقیاد، بالاخره باید استقلال خود را از دست می داد. سپس، البته، نمی توانست دو مدرسه مستقل وجود داشته باشد - در هلند و در فلاندر. در کشوری که به نفوذ ایتالیایی-فلاندری وابسته است، چنین مکتبی و هنرمندان اصیل با استعداد نمی توانستند توسعه پیدا کنند.

برای اینکه مردم هلند متولد شوند و هنر هلندی با آنها نور را ببیند، انقلابی عمیق و پیروزمندانه لازم بود. مهم این بود که انقلاب بر اساس عدالت، عقل، ضرورت باشد، مردم لایق آن چیزی باشند که می‌خواهند به دست بیاورند، قاطع باشند، قانع شوند که حق، زحمتکش، صبور، خویشتن دار، قهرمان و خردمند هستند. همه این ویژگی های تاریخی متعاقباً در طول شکل گیری مکتب نقاشی هلندی منعکس شد.

وضعیت به گونه‌ای بود که جنگ هلندی‌ها را ویران نکرد، بلکه آنها را غنی‌تر کرد، مبارزه برای استقلال قدرت آنها را تهی نکرد، بلکه آنها را تقویت کرد و الهام بخشید. مردم در پیروزی بر مهاجمان همان شهامتی را از خود نشان دادند که در مبارزه با عناصر، بر دریا، بر طغیان زمین ها، بر اقلیم. آنچه قرار بود مردم را از بین ببرد به خوبی به آنها خدمت کرد. معاهدات امضا شده با اسپانیا به هلند آزادی داد و موقعیت آن را تقویت کرد. همه اینها منجر به خلق هنر خود شد که جوهر درونی مردم هلند را تجلیل، معنوی و بیان کرد.

پس از معاهده 1609 و به رسمیت شناختن رسمی استان های متحد، یک آرامش فوری ایجاد شد. گویی نسیمی سودمند و گرم جان انسان ها را لمس کرد، خاک را زنده کرد، جوانه هایی را یافت و بیدار کرد که آماده شکوفه دادن بودند. شگفت آور است که چگونه به طور غیرمنتظره و در چه مدت کوتاهی -بیش از سی سال- در فضایی کوچک، در خاک ناسپاس کویری، در شرایط سخت زندگی، کهکشانی شگفت انگیز از نقاشان و در عین حال نقاشان بزرگ پدیدار شد.

آنها بلافاصله و در همه جا ظاهر شدند: در آمستردام، دوردرخت، لیدن، دلفت، اوترخت، روتردام، هارلم، حتی در خارج از کشور - گویی از دانه هایی که خارج از مزرعه افتاده اند. اولین آنها یان ون گوین و وینانتز هستند که در اواخر قرن به دنیا آمدند. و در ادامه، در فاصله زمانی آغاز قرن تا پایان یک سوم آن - کویپ، تربورخ، بروور، رامبراند، آدریان ون اوستاد، فردیناند بول، جرارد داو، متسو، ونیکس، واورمن، برچم، پاتر، یان استین. ، یعقوب رویسدیل.

اما آب های خلاقانه به همین جا ختم نشد. بعدها پیتر دی هوچ، هابما متولد شدند. آخرین بزرگان، ون در هایدن و آدریان ون دو ولده، در سال های 1636 و 1637 به دنیا آمدند. در این زمان رامبراند سی ساله بود. تقریباً این سال ها را می توان زمان اولین گل دهی مکتب هلندی دانست.

با توجه به وقایع تاریخی آن دوران، می توان تصور کرد که مکتب جدید نقاشی چه آرزوها، شخصیت و سرنوشتی باید داشته باشد. این هنرمندان در کشوری مانند هلند چه می توانند بنویسند؟

انقلابی که به مردم هلند آزادی و ثروت داد، در عین حال آنها را از آنچه اساس حیاتی مدارس بزرگ در همه جا تشکیل می دهد، محروم کرد. او باورها را تغییر داد، عادات خود را تغییر داد، تصاویر صحنه های باستانی و انجیلی را لغو کرد و ساخت آثار بزرگ - کلیسا و نقاشی های تزئینی را متوقف کرد. در واقع، هر هنرمندی یک جایگزین داشت - اصیل بودن یا نبودن.

لازم بود برای ملتی از بورگرها هنری خلق شود که برای آنها جذاب باشد، آنها را به تصویر بکشد و به آنها مربوط باشد. آنها اهل عمل بودند، نه مستعد رویاپردازی، اهل تجارت، با سنت های شکسته و احساسات ضد ایتالیایی. می توان گفت که مردم هلند یک کار ساده و جسورانه داشتند - ایجاد پرتره خود.

نقاشی هلندی تنها بیانی از ظاهر بیرونی بود و می توانست باشد، پرتره واقعی، دقیق و مشابه هلند. این پرتره ای از مردم و زمین، آداب و رسوم برگر، میدان ها، خیابان ها، مزارع، دریا و آسمان بود. عناصر اصلی مکتب هلندی پرتره ها، مناظر و صحنه های روزمره بود. این نقاشی از ابتدای پیدایش تا افولش چنین بود.

شاید به نظر برسد که هیچ چیز نمی تواند ساده تر از کشف این هنر معمولی باشد. در واقع نمی توان چیزی را در وسعت و تازگی تصور کرد.

بلافاصله همه چیز در نحوه درک، دیدن و انتقال تغییر کرد: دیدگاه، آرمان هنری، انتخاب طبیعت، سبک و روش. نقاشی ایتالیایی و فلاندری در بهترین حالت هنوز برای ما قابل درک است، زیرا هنوز از آنها لذت می بریم، اما اینها قبلاً زبان های مرده هستند و دیگر کسی از آنها استفاده نخواهد کرد.

زمانی عادت به بلند اندیشی وجود داشت و به طور کلی هنری وجود داشت که عبارت بود از انتخاب ماهرانه اشیاء. در تزئین آنها، اصلاح. دوست داشت طبیعت را آنطور که در واقعیت وجود ندارد نشان دهد. هر چیزی که به تصویر کشیده می شد کم و بیش با شخصیت فرد سازگار بود، به آن وابسته بود و شبیه آن بود. در نتیجه، هنری پدید آمد که در آن انسان در مرکز قرار دارد و سایر تصاویر جهان یا در قالب های انسانی تجسم یافتند یا به صورت مبهم به عنوان محیط ثانویه انسان به نمایش درآمدند. خلاقیت بر اساس الگوهای خاصی رشد کرد. هر شی باید شکل پلاستیکی خود را از همان ایده آل وام می گرفت. مرد را باید بیشتر برهنه نشان می داد تا با لباس، خوش اندام و خوش تیپ، تا بتواند نقشی را که به او محول شده بود با عظمت مناسب ایفا کند.

حالا کار نقاشی ساده تر شده است. لازم بود به هر چیز یا پدیده ای معنای واقعی آن داده شود، شخص در جای مناسب خود قرار گیرد، و در صورت لزوم، به طور کلی بدون او انجام شود.

وقت آن است که کمتر فکر کنید، از نزدیک به آنچه نزدیک است نگاه کنید، بهتر مشاهده کنید و متفاوت بنویسید. حالا این نقاشی جمعیت، شهروند، مرد کارگر است. باید برای هر چیزی متواضع، کوچک برای کوچک، نامحسوس برای نامحسوس، پذیرفتن همه چیز بدون طرد یا تحقیر چیزی، نفوذ در زندگی پنهان اشیاء، با عشق با وجود آنها آمیخته شد، لازم بود که توجه کنیم. ، کنجکاو و صبور. نبوغ در حال حاضر شامل نداشتن هیچ گونه پیش داوری است. نیازی به آراستن، زیباسازی و افشای چیزی نیست: همه اینها یک دروغ و کار بیهوده است.

نقاشان هلندی که در گوشه ای از کشور شمالی با آب، جنگل ها، افق های دریا خلق می کردند، توانستند کل جهان را به صورت مینیاتوری منعکس کنند. کشور کوچکی که بر اساس ذائقه و غرایز ناظر به دقت کاوش می شود، به گنجینه ای تمام نشدنی تبدیل می شود که به وفور خود زندگی، سرشار از احساسات است که قلب انسان از آنها غنی است. مکتب هلندی یک قرن تمام به این شکل رشد کرده و کار می کند.

نقاشان هلندی موضوعات و رنگ هایی را برای ارضای هر گونه تمایلات و علاقه های انسانی، برای طبیعت های خشن و لطیف، پرشور و مالیخولیایی، رویایی و شاداب یافتند. روزهای ابری جای خود را به روزهای آفتابی شاد می دهد، دریا گاهی آرام و نقره ای درخشان است، گاهی طوفانی و تاریک. مراتع زیادی با مزارع و کشتی های زیادی در امتداد ساحل شلوغ است. و تقریباً همیشه می توانید حرکت هوا را بر فراز گستره ها و بادهای شدید از دریای شمال احساس کنید که ابرها را انباشته می کند، درختان را خم می کند، بال های آسیاب ها را می چرخاند و نور و سایه ها را به حرکت در می آورد. شهرها، زندگی در خانه و خیابان، جشن در نمایشگاه ها، به تصویر کشیدن اخلاقیات مختلف، نیاز فقرا، وحشت زمستان، بیکاری در میخانه ها با دود تنباکو و لیوان های آبجو را باید اضافه کرد. از سوی دیگر - یک سبک زندگی ثروتمند، کار وظیفه شناس، سوارکاری، استراحت بعد از ظهر، شکار. علاوه بر این - زندگی عمومی، مراسم مدنی، ضیافت. نتیجه هنر جدید بود، اما با موضوعاتی به قدمت زمان.

بدین ترتیب وحدتی هماهنگ از روح مدرسه و شگفت‌انگیزترین تنوعی که تا به حال در یک حرکت هنری پدید آمده است پدید آمد.

به طور کلی مکتب هلندی را مکتب ژانر می نامند. اگر آن را به عناصر تشکیل دهنده اش تجزیه کنیم، می توانیم در آن نقاشان منظره، استادان پرتره های گروهی، نقاشان دریایی، نقاشان حیوانات، هنرمندانی که پرتره های گروهی یا طبیعت بی جان را نقاشی کرده اند، تشخیص دهیم. اگر با جزئیات بیشتری نگاه کنید، می توانید انواع مختلفی از ژانرها را متمایز کنید - از دوستداران زیبایی تا ایدئولوژیست ها، از نسخه نویسان طبیعت گرفته تا مفسران آن، از خانه های محافظه کار گرفته تا مسافران، از کسانی که عاشق شوخ طبعی هستند تا هنرمندانی که از کمدی اجتناب می کنند. بیایید نقاشی های شوخ طبعی استاده و جدیت رویسدیل، متانت پاتر و تمسخر یان استین، شوخ طبعی ون دو ولده و رویاپردازی غم انگیز رامبراند بزرگ را به یاد بیاوریم.

به استثنای رامبراند که باید آن را یک پدیده استثنایی، هم برای کشورش و هم برای همه دوران ها دانست، دیگر هنرمندان هلندی با سبک و روش خاصی مشخص می شوند. قوانین این سبک صداقت، در دسترس بودن، طبیعی بودن و بیان است. اگر هنر هلندی را از هنر هلندی دور کنید که می توان آن را صداقت نامید، آنگاه از درک اساس حیاتی آن دست می کشید و نمی توانید شخصیت اخلاقی و سبک آن را تعیین کنید. در این هنرمندان که اکثراً شهرت کپی‌نویس‌های کوته‌بین را به دست آورده‌اند، روحی متعالی و مهربان، وفاداری به حقیقت و عشق به رئالیسم را احساس می‌کنید. همه اینها به آثار آنها ارزشی می بخشد که به نظر می رسد خود چیزهایی که روی آنها به تصویر کشیده نمی شود.

آغاز این سبک صمیمانه و اولین نتیجه این رویکرد صادقانه، یک ترسیم کامل است. در میان نقاشان هلندی، پاتر مظهر نبوغ در اندازه گیری های دقیق و تایید شده و توانایی ردیابی حرکت هر خط است.

در هلند، آسمان اغلب نصف و گاهی کل تصویر را می گیرد. بنابراین لازم است آسمان در تصویر حرکت کند، جذب کند و ما را با خود همراه کند. به طوری که تفاوت روز و عصر و شب احساس شود تا گرما و سرما احساس شود تا بیننده هم سرد شود و هم از آن لذت ببرد و هم نیاز به تمرکز احساس کند. اگرچه احتمالاً دشوار است که چنین نقاشی را شریف‌تر از همه بنامیم، اما سعی کنید هنرمندانی را در جهان بیابید که آسمان را نقاشی کنند، مانند رویسدیل و ون در نیر، و با کار خود بسیار و درخشان بگویند. هلندی‌ها همه جا طراحی یکسانی دارند - مهار شده، لاکونیک، دقیق، طبیعی و ساده لوحانه، ماهرانه و غیر مصنوعی.

پالت هلندی کاملاً شایسته طراحی آنها است، از این رو وحدت کامل روش نقاشی آنها است. هر نقاشی هلندی به راحتی از روی ظاهر آن قابل تشخیص است. اندازه آن کوچک است و با رنگ های قوی و سخت خود متمایز می شود. این امر مستلزم دقت زیاد، یک دست ثابت و تمرکز عمیق از سوی هنرمند است تا بتواند تأثیری متمرکز بر بیننده داشته باشد. هنرمند برای پرورش ایده اش باید در درون خود فرو برود، بیننده باید در درون خود فرو برود تا نقشه هنرمند را درک کند. این نقاشی های هلندی هستند که واضح ترین ایده را از این روند پنهان و ابدی می دهند: احساس کردن، فکر کردن و بیان کردن. هیچ تصویر غنی تری در جهان وجود ندارد، زیرا این هلندی ها هستند که در چنین فضای کوچکی مطالب زیادی را گنجانده اند. به همین دلیل است که همه چیز در اینجا شکل دقیق، فشرده و فشرده به خود می گیرد.

هر نقاشی هلندی مقعر است، از منحنی هایی تشکیل شده است که در اطراف یک نقطه توصیف شده است، که تجسم مفهوم تصویر و سایه هایی است که در اطراف نقطه اصلی نور قرار دارند. یک پایه جامد، یک بالای در حال اجرا و گوشه های گرد به سمت مرکز - همه اینها به صورت دایره ای مشخص، رنگی و روشن شده است. در نتیجه، نقاشی عمق می یابد و اشیاء به تصویر کشیده شده روی آن از چشم بیننده دور می شوند. بیننده، همانطور که بود، از پیش زمینه به آخر، از کادر به افق هدایت می شود. به نظر می رسد که ما ساکن تصویر هستیم، حرکت می کنیم، عمیق نگاه می کنیم، سرمان را بالا می گیریم تا عمق آسمان را اندازه گیری کنیم. سختی پرسپکتیو هوایی، مطابقت کامل رنگ و سایه ها با مکانی در فضایی که جسم اشغال می کند.

برای درک کامل‌تر نقاشی هلندی، باید عناصر این حرکت، ویژگی‌های روش‌ها، ماهیت پالت را به تفصیل در نظر گرفت و درک کرد که چرا آنقدر ضعیف، تقریباً تک رنگ و از نظر نتایج غنی است. اما تمامی این پرسش‌ها، مانند بسیاری از پرسش‌های دیگر، همواره موضوع گمانه‌زنی بسیاری از مورخان هنر بوده است، اما هرگز به اندازه کافی مورد مطالعه و روشنگری قرار نگرفته‌اند. شرح ویژگی های اصلی هنر هلندی به ما این امکان را می دهد که این مکتب را از سایرین متمایز کنیم و ریشه های آن را جستجو کنیم. تصویری رسا که این مدرسه را به تصویر می کشد، نقاشی آدریان ون اوستاد از موزه آمستردام "آتلیه هنرمند" است. این موضوع یکی از موضوعات مورد علاقه نقاشان هلندی بود. مردی حواس‌مان را می‌بینیم، کمی خمیده، با پالت آماده، برس‌های نازک و تمیز و روغن شفاف. او در گرگ و میش می نویسد. صورتش متمرکز است، دستش مراقب است. فقط شاید این نقاشان جسارت بیشتری داشتند و می دانستند که چگونه بی خیال تر بخندند و از زندگی لذت ببرند تا از تصاویر باقی مانده نتیجه گیری شود. در غیر این صورت، نبوغ آنها چگونه خود را در فضایی از سنت های حرفه ای نشان می دهد؟

پایه و اساس مکتب هلندی توسط ون گوین و وینانتز در آغاز قرن هفدهم پایه گذاری شد و برخی از قوانین نقاشی را وضع کردند. این قوانین از معلمان به دانش آموزان منتقل شد و برای یک قرن تمام نقاشان هلندی بدون انحراف با آنها زندگی کردند.

نقاشی رفتارگرایی هلندی

"برگر" باروک در نقاشی هلندیXVII V. - به تصویر کشیدن زندگی روزمره (P. de Hooch, Vermeer). طبیعت بی جان «لوکس» اثر کالف. پرتره گروهی و ویژگی های آن توسط هالز و رامبراند. تفسیر صحنه های اساطیری و کتاب مقدس توسط رامبراند.

هنر هلندی قرن هفدهم

در قرن هفدهم هلند به یک کشور سرمایه داری نمونه تبدیل شده است. او تجارت گسترده استعماری انجام داد، ناوگان قدرتمندی داشت و کشتی سازی یکی از صنایع پیشرو بود. پروتستانتیسم (کالوینیسم به عنوان شدیدترین شکل آن)، که کاملاً جایگزین تأثیر کلیسای کاتولیک شد، به این واقعیت منجر شد که روحانیون در هلند مانند فلاندر و به ویژه در اسپانیا یا ایتالیا تأثیری بر هنر نداشتند. در هلند، کلیسا نقش مشتری آثار هنری را بازی نمی کرد: کلیساها با تصاویر محراب تزئین نمی شدند، زیرا کالوینیسم هرگونه اشاره ای به تجمل را رد می کرد. کلیساهای پروتستان از نظر معماری ساده بودند و به هیچ وجه داخل آن تزئین نشده بودند.

دستاورد اصلی هنر هلندی قرن 18. - در نقاشی سه پایه. انسان و طبیعت مورد رصد و تصویر هنرمندان هلندی بودند. نقاشی خانگی در حال تبدیل شدن به یکی از ژانرهای پیشرو است که سازندگان آن در تاریخ نام "هلندی های کوچک" را دریافت کردند. نقاشی‌های مبتنی بر موضوعات انجیلی و کتاب مقدس نیز نمایش داده می‌شوند، اما نه به اندازه سایر کشورها. در هلند هرگز ارتباطی با ایتالیا وجود نداشت و هنر کلاسیک مانند فلاندر نقشی نداشت.

تسلط بر روندهای واقع گرایانه، توسعه طیف خاصی از موضوعات، تمایز ژانرها به عنوان یک فرآیند واحد تا دهه 20 قرن 17 تکمیل شد. تاریخ نقاشی هلندی قرن هفدهم. تکامل کار یکی از بزرگترین نقاشان پرتره در هلند، فرانس هالس (حدود 1580-1666) را به خوبی نشان می دهد. در دهه 30-10، هالز در ژانر پرتره گروهی بسیار کار کرد. از روی بوم‌های این سال‌ها، افراد شاد، پرانرژی، مبتکر، با اطمینان به توانایی‌های خود و آینده نگاه می‌کنند ("اصناف تیراندازی سنت آدریان"، 1627 و 1633.

"تفنگ صنفی St. جورج، 1627).

محققان گاهی اوقات به دلیل ویژگی خاص تصویر، پرتره های فردی هالس را پرتره ژانر می نامند. سبک ترسیمی هالس، نوشتار جسورانه او، زمانی که ضربه قلم مو شکل و حجم را ایجاد می کند و رنگ را منتقل می کند.

در پرتره های هالز در اواخر دوره (دهه 50-60)، شجاعت، انرژی و شدت بی خیالی در شخصیت های افراد به تصویر کشیده شده از بین می رود. اما در اواخر دوره خلاقیت بود که هالس به اوج استادی رسید و عمیق ترین آثار را خلق کرد. رنگ آمیزی نقاشی های او تقریباً تک رنگ می شود. دو سال قبل از مرگش، در سال 1664، هالس دوباره به پرتره گروهی بازگشت. او دو پرتره از نایب السلطنه ها و نایب های یک آسایشگاه می کشد که خودش در اواخر عمر در یکی از آنها پناه گرفت. در پرتره نایب السلطنه روحیه رفاقت ترکیب های قبلی وجود ندارد، مدل ها از هم گسیخته، ناتوان، ظاهری کسل کننده دارند، ویرانی بر چهره هایشان نوشته شده است.

هنر هالز برای زمان خود از اهمیت زیادی برخوردار بود.

ژانر منظره هلند قرن هفدهم بسیار جالب است. هلند توسط یان ون گوین (1596-1656) و سالومون ون رویسدیل (1600/1603-1670) به تصویر کشیده شده است.

اوج شکوفایی نقاشی منظره در مکتب هلندی به اواسط قرن هفدهم باز می گردد. بزرگترین استاد منظره رئالیستی یاکوب ون رویسدیل (1628/29-1682) بود.

مناظر با آبشار ("آبشار") یا یک منظره عاشقانه با یک قبرستان ("قبرستان یهودیان").

ماهیت رویسدیل در پویایی، در تجدید ابدی ظاهر می شود.

ژانر حیوانی ارتباط نزدیکی با منظره هلندی دارد. موتیف مورد علاقه آلبرت کویپ، گاوها در یک چاله آبی هستند ("غروب آفتاب روی رودخانه"، "گاوها در ساحل یک جریان").

طبیعت بی جان به توسعه درخشان می رسد. طبیعت بی جان هلندی، بر خلاف طبیعت بی جان فلاندری، نقاشی با طبیعتی صمیمی، در اندازه و نقوش متوسط است. Pieter Claes (حدود 1597-1661)، بیلم هدا (1594-1680/82) اغلب به اصطلاح صبحانه ها را به تصویر می کشیدند: غذاهایی با ژامبون یا پای روی میز نسبتاً متوسطی که سرو می شد. «صبحانه‌های» خدا با «دسرهای» مجلل کالف جایگزین می‌شود. ظروف ساده جای خود را به میزهای مرمری، سفره های فرش، جام های نقره ای، ظروف ساخته شده از صدف های مرواریدی و لیوان های کریستالی می دهند. کالف در انتقال بافت هلو، انگور و سطوح کریستالی به مهارت شگفت انگیزی دست می یابد.

در دهه 20-30 قرن هفدهم. هلندی ها نوع خاصی از نقاشی های کوچک را ایجاد کردند. دهه‌های 40 تا 60 اوج نقاشی بود که زندگی آرام و آرام هلند را تجلیل می‌کرد و وجود روزمره را اندازه‌گیری می‌کرد.

آدریان ون اوستاد (1610-1685) در ابتدا جنبه های سایه زندگی دهقانان را به تصویر می کشد («مبارزه»).

از دهه 40، یادداشت های طنز در آثار او به طور فزاینده ای با موارد طنز جایگزین شده است ("در میخانه روستا"، 1660).

گاهی اوقات این نقاشی های کوچک با احساس غنایی عالی رنگ آمیزی می شوند. «نقاش در استودیو» (1663) اوستاده، که در آن هنرمند از کارهای خلاقانه تجلیل می‌کند، به حق به عنوان شاهکار نقاشی اوستاد در نظر گرفته می‌شود.

اما موضوع اصلی "هلندی‌های کوچک" هنوز زندگی دهقانی نیست، بلکه زندگی همشهری است. معمولاً اینها تصاویری هستند که هیچ طرح جذابی ندارند. سرگرم‌کننده‌ترین راوی فیلم‌هایی از این دست، یان استن (1626-1679) بود ("شاهخواران"، "بازی تخته نرد"). جرارد تربورخ (1617-1681) در این امر به تسلط بیشتری دست یافت.

فضای داخلی "هلندی کوچک" به ویژه شاعرانه می شود. خواننده واقعی این مضمون پیتر دو هوچ (1629-1689) بود. اتاق‌های او با پنجره‌ای نیمه‌باز، با کفش‌هایی که به‌طور تصادفی پرتاب شده‌اند یا جارو به جا مانده، اغلب بدون پیکره انسانی به تصویر کشیده شده‌اند.

مرحله جدیدی از نقاشی ژانر در دهه 50 آغاز می شود و با به اصطلاح مکتب دلفت همراه است، با نام هنرمندانی مانند کارل فابریسیوس، امانوئل دو ویت و یان ورمیر، که در تاریخ هنر به نام ورمیر دلفت (1632-1675) شناخته می شود. ). به نظر می رسد نقاشی های ورمیر به هیچ وجه اصلی نیستند. اینها همان تصاویر زندگی یخ زده بورگر هستند: در حال خواندن نامه، یک آقا و یک خانم در حال صحبت، خدمتکاران در حال انجام کارهای ساده خانه، مناظر آمستردام یا دلفت. این نقاشی ها در عمل ساده هستند: "دختری در حال خواندن نامه"

"آقا و خانم پشت ستون فقرات"

"افسر و دختر خندان" و غیره - سرشار از وضوح معنوی، سکوت و آرامش است.

مزایای اصلی ورمیر به عنوان یک هنرمند در انتقال نور و هوا است. انحلال اشیاء در یک محیط نور-هوا، توانایی ایجاد این توهم، در درجه اول شناخت و شکوه ورمیر را دقیقاً در قرن نوزدهم تعیین کرد.

ورمیر کاری کرد که هیچ کس در قرن هفدهم انجام نداد: او مناظری را از زندگی نقاشی کرد ("خیابان"، "نمای دلفت").

آنها را می توان اولین نمونه های نقاشی با هوای معمولی نامید.

اوج رئالیسم هلندی، حاصل دستاوردهای تصویری فرهنگ هلندی در قرن هفدهم، اثر رامبراند است. هارمنس ون راین رامبراند (1606-1669) در لیدن به دنیا آمد. در سال 1632، رامبراند به آمستردام، مرکز فرهنگ هنری هلند رفت که طبیعتاً هنرمند جوان را به خود جذب کرد. دهه 30 زمان بزرگترین شکوه او بود، مسیری که با یک نقاشی سفارشی بزرگ در سال 1632 برای نقاش باز شد - یک پرتره گروهی، همچنین به عنوان "آناتومی دکتر تولپ" یا "درس آناتومی" شناخته می شود.

رامبراند در سال 1634 با دختری از خانواده ای ثروتمند به نام ساسکیا ون اویلنبورخ ازدواج کرد. شادترین دوران زندگی او آغاز می شود. او یک هنرمند مشهور و شیک پوش می شود.

تمام این دوره با عشق پوشیده شده است. جهان‌بینی رامبراند در این سال‌ها به وضوح توسط «خود پرتره با ساسکیا روی زانوهایش» (حدود 1636) منتقل می‌شود. تمام بوم با شادی صریح زندگی و شادی آغشته است.

زبان باروک به بیان روحیه عالی نزدیک است. و رامبراند در این دوره تا حد زیادی تحت تأثیر باروک ایتالیا بود.

شخصیت های نقاشی 1635 "فداکاری ابراهیم" از زوایای پیچیده در برابر ما ظاهر می شوند. ترکیب بندی بسیار پویا است و طبق تمام قوانین باروک ساخته شده است.

در همان دهه 30، رامبراند برای اولین بار شروع به پرداختن جدی به گرافیک و در درجه اول اچ کرد. حکاکی های رامبراند عمدتاً از موضوعات کتاب مقدس و انجیلی است، اما در طراحی های خود، به عنوان یک هنرمند هلندی واقعی، اغلب به این ژانر روی می آورد. در اوایل دوره اولیه کار هنرمند و بلوغ خلاقانه او، یکی از مشهورترین نقاشی های او به نام "نگهبان شب" (1642) در برابر ما ظاهر می شود - یک پرتره گروهی از گروه تفنگ کاپیتان بانینگ کوک.

او دامنه این ژانر را گسترش داد و بیشتر یک تصویر تاریخی ارائه کرد: با یک سیگنال هشدار، گروه Banning Cock به یک کمپین می‌روند. برخی آرام و با اعتماد به نفس هستند، برخی دیگر در انتظار اتفاقات آینده هیجان زده هستند، اما همگی بیانگر انرژی عمومی، اشتیاق میهن پرستانه و پیروزی روحیه مدنی هستند.

پرتره گروهی نقاشی شده توسط رامبراند به تصویری قهرمانانه از دوران و جامعه تبدیل شد.

این نقاشی قبلاً آنقدر تاریک شده بود که در نظر گرفته می شد که تصویری از یک صحنه شبانه است و به همین دلیل نام آن نادرست است. سایه ای که از چهره کاپیتان بر روی لباس روشن ستوان انداخته می شود ثابت می کند که شب نیست، روز است.

با مرگ ساسکیا در همان سال 1642، گسست طبیعی رامبراند با محافل پاتریسیون بیگانه برای او رخ داد.

دهه 40 و 50 دوران بلوغ خلاقانه است. او در این دوره اغلب به سراغ کارهای قبلی می رود تا آنها را به شیوه ای جدید بازسازی کند. مثلاً در مورد «دانائه» که در سال 1636 کشیده بود، چنین بود. هنرمند با روی آوردن به نقاشی در دهه 40، وضعیت عاطفی خود را تشدید کرد.

او قسمت مرکزی را با قهرمان و خدمتکار بازنویسی کرد. او با اشاره ای جدید به دانایی که دستش را بلند کرده بود، هیجان شدید، ابراز شادی، امید و جذابیت را به او منتقل کرد.

در دهه 40-50، تسلط رامبراند به طور پیوسته افزایش یافت. او غنایی‌ترین و شاعرانه‌ترین جنبه‌های وجود انسان را برای تفسیر انتخاب می‌کند، آن بشریت که جاودانه و همه‌انسانی است: عشق مادرانه، شفقت. کتاب مقدس بیشترین مطالب را در اختیار او قرار می دهد و از آن - صحنه هایی از زندگی خانواده مقدس رامبراند مانند نقاشی "خانواده مقدس" زندگی ساده را به تصویر می کشد.

16 سال گذشته غم انگیزترین سال های زندگی رامبراند است. او خراب است و دستوری ندارد. اما این سالها مملو از فعالیت های خلاقانه شگفت انگیز بود که در نتیجه آن تصاویری زیبا خلق شد که از نظر شخصیت و معنویت به یاد ماندنی و آثار عمیق فلسفی استثنایی بودند. حتی آثار کوچک رامبراند در این سال‌ها حس عظمت خارق‌العاده و یادبود واقعی را ایجاد می‌کنند. رنگ صدا و شدت پیدا می کند. به نظر می رسد رنگ های او نور ساطع می کنند. پرتره های رامبراند متاخر با پرتره های دهه 30 و حتی 40 بسیار متفاوت است. اینها تصاویر بسیار ساده (نیمه طولی یا نسلی) از افراد نزدیک به هنرمند در ساختار درونی خود هستند. رامبراند در سلف پرتره های خود به بزرگترین ظرافت شخصیت پردازی دست یافت که حدود صد مورد از آنها به دست ما رسیده است. آخرین قطعه در تاریخ پرتره های گروهی، تصویر رامبراند از بزرگان کارگاه پارچه سازان - به اصطلاح "سندیک ها" (1662) بود، جایی که رامبراند با وسایل ناچیز گونه های زنده و در عین حال مختلف انسانی را خلق کرد. اما مهمتر از همه، او توانست احساس اتحاد معنوی، درک متقابل و ارتباطات متقابل بین مردم را منتقل کند.

رامبراند در طول سال های بلوغ خود (بیشتر در دهه 50)، بهترین قلم های خود را خلق کرد. او به عنوان یک حکاکی در هنر جهان همتای ندارد. در همه آنها، تصاویر دارای معنای عمیق فلسفی است. آنها در مورد اسرار هستی، از تراژدی زندگی انسان می گویند.

او نقاشی های زیادی انجام می دهد. رامبراند 2000 طراحی از خود به جای گذاشت. اینها شامل طرح هایی از زندگی، طرح هایی برای نقاشی و آماده سازی برای حکاکی می شود.

در ربع آخر قرن هفدهم. افول مکتب نقاشی هلندی آغاز می شود، از دست دادن هویت ملی آن، و از آغاز قرن هجدهم پایان دوران بزرگ رئالیسم هلندی آغاز می شود.

=نقاشی هلندی مجموعه بزرگ=

نقاشی هلندی اولین شاخه از به اصطلاح است. "مکتب هلندی"، مانند دوم - فلاندری، به عنوان یک دوره جداگانه در هنرهای زیبا پس از یک انقلاب بی رحمانه پدید آمد و با پیروزی مردم هلند بر اسپانیایی هایی که آنها را سرکوب می کردند به پایان رسید. از این لحظه به بعد، نقاشی هلندی بلافاصله یک شخصیت اصلی و کاملاً ملی به خود گرفت و به سرعت به شکوفایی درخشان و فراوان رسید. نقاشی، در آثار تعداد زیادی از هنرمندان کم و بیش با استعداد که تقریباً همزمان ظاهر شدند، بلافاصله در اینجا جهتی به خود گرفت که بسیار متنوع و در عین حال کاملاً متفاوت از جهت هنری در کشورهای دیگر بود! ویژگی اصلی این هنرمندان عشق آنها به طبیعت است، میل به بازتولید آن با تمام سادگی و حقیقت، بدون کوچکترین آراستگی، بدون اینکه آن را تحت هیچ شرایطی از پیش طراحی شده قرار دهند. دومین ویژگی متمایز آن، حس ظریف رنگ و درک این است که علاوه بر محتوای تصویر، تنها با انتقال صادقانه و قدرتمند روابط رنگارنگی که در طبیعت با کنش تعیین شده در طبیعت تعیین می شود، چه تأثیری قوی و مسحورکننده می تواند ایجاد کند، علاوه بر محتوای تصویر. پرتوهای نور، مجاورت یا محدوده فواصل. نقاشي هلندي نقاشي است كه در آن حس رنگ و نور و سايه به حدي رشد مي‌كند كه نور با ظرافت‌هاي بي‌شمار و متنوع خود، شايد بتوان گفت نقش شخصيت اصلي را در تصوير بازي مي‌كند و علاقه زيادي به آن مي‌دهد. بی‌اهمیت‌ترین طرح، بی‌ظرافت‌ترین شکل‌ها و تصاویر... مجموعه شخصی خود از نقاشی‌های هنرمندان هلندی را به شما تقدیم می‌کنم! کمی تاریخ: بیشتر هنرمندان هلندی برای خلاقیت خود به جستجوی طولانی برای مواد نمی پردازند، بلکه از آنچه در اطراف خود پیدا می کنند، در طبیعت بومی خود و در زندگی مردم خود راضی هستند - تفریح پر سر و صدا از تعطیلات معمولی، جشن های دهقانی. صحنه هایی از زندگی روستایی یا زندگی صمیمی شهرنشینان، تپه های شنی بومی، پلدرها و دشت های وسیعی که کانال ها از آن عبور می کنند، گله هایی که در چمنزارهای سرسبز چرا می کنند، روستاهایی در حاشیه رودخانه ها، دریاچه ها و زمین ها، شهرها با خانه های تمیز، پل های متحرک و مرتفع. مناره‌های کلیساها و تالارهای شهر، بندرگاه‌های مملو از کشتی‌ها، مملو از نقره‌ای یا بخارات طلایی آسمان - همه این‌ها، زیر برس گال. استادان آغشته به عشق به میهن و غرور ملی، به نقاشی هایی پر از هوا، نور و جذابیت تبدیل می شود. حتی در مواردی که برخی از این استادان برای مضامین به کتاب مقدس، تاریخ باستان و اساطیر روی می آورند، حتی در آن زمان، بدون نگرانی در مورد حفظ وفاداری باستان شناسی، عمل را به محیط هلندی ها منتقل می کنند و آن را با محیطی هلندی احاطه می کنند. درست است، در کنار جمعیت پرجمعیت چنین هنرمندان میهن پرست، فالانژی از نقاشان دیگر وجود دارد که در خارج از مرزهای سرزمین مادری خود، در کشور کلاسیک هنر، ایتالیا، به دنبال الهام هستند. با این حال، در آثار آنها ویژگی هایی نیز وجود دارد که ملیت آنها را آشکار می کند. در نهایت، به عنوان ویژگی نقاشان هلندی، می توان به دست کشیدن آنها از سنت های هنری اشاره کرد. بیهوده است که در میان آنها به دنبال تداوم دقیق اصول شناخته شده زیبایی شناسی و قواعد فنی باشیم، نه تنها به معنای سبک تحصیلی، بلکه به معنای همسان سازی دانش آموزان با شخصیت معلمان خود: به استثنای شاگردان رامبراند که کم و بیش راه مربی نابغه خود را دنبال می کردند، تقریباً همه نقاشان هلند، به محض گذراندن دوران دانشجویی و حتی گاهی در این سال ها، شروع به کار کردند. به روش خود، مطابق با این که گرایش فردی آنها را به کجا رسانده است و مشاهده مستقیم طبیعت به آنها چه آموخته است. بنابراین، هنرمندان هلندی را نمی توان به مدارس تقسیم کرد، همانطور که با هنرمندان ایتالیا یا اسپانیا انجام می دهیم. در همین حال، در تمام شهرهای اصلی هلند، انجمن های هنرمندان سازمان یافته وجود داشت! با این حال، چنین جوامعی که نام اصناف St. لوک، آکادمی ها، حافظان سنت های معروف هنری نبودند، بلکه شرکت های آزاد، مشابه سایر اصناف پیشه و صنعت، از نظر ساختار و با هدف حمایت متقابل اعضای خود، حمایت از حقوق آنها، تفاوت چندانی با آنها نداشتند. مراقبت از پیری خود، مراقبت از سرنوشت بیوه ها و یتیمان خود. هر نقاش محلی که واجد شرایط شرایط اخلاقی بود، با تأیید اولیه توانایی ها و دانش خود یا بر اساس شهرتی که قبلاً به دست آورده بود، در انجمن پذیرفته می شد. هنرمندان میهمان به عنوان اعضای موقت برای مدت اقامت در یک شهر معین در انجمن پذیرفته شدند. آثار اولیه نقاشان هلندی فقط در مقادیر بسیار محدود به دست ما رسیده است، زیرا اکثر آنها در آن دوران پر دردسر که اصلاحات کلیساهای کاتولیک را ویران کرد، صومعه‌ها و صومعه‌ها را لغو کرد، "شکن‌ها" (طوفان‌زنان) را تحریک کرد تا مقدسات نقاشی شده و مجسمه‌سازی شده را از بین ببرند. تصاویر، و قیام مردمی همه جا پرتره های مستبدان منفور را از بین برد. ما بسیاری از هنرمندانی را که قبل از انقلاب بودند فقط با نام می شناسیم. ما می توانیم دیگران را فقط با یکی دو نمونه از کارشان قضاوت کنیم. مهی که ما را از دوران ابتدایی مکتب هلندی پوشانده است، با ظهور دیرک بوتس، ملقب به استیربوت († 1475)، و همچنین یان موسترت (حدود 1470-1556)، که تمایل او به طبیعت گرایی در صحنه است، شروع به از بین رفتن می کند. همراه با لمس افسانه گوتیک، گرمای احساس مذهبی با مراقبت از ظرافت بیرونی. علاوه بر این استادان برجسته، از دوران اولیه هنر هلندی شایان ذکر است: پیتر آئرتسن († 1516)، ملقب به "لونگ پیتر" (اسکله لانگ) به دلیل قد بلندش، دیوید جوریس (1501-1501)، یک مرد ماهر. نقاش شیشه ای که به مزخرفات آناباپتیسم علاقه مند شد و خود را به عنوان داوود پیامبر و پسر خدا و دیرک جیکوبز تصور می کرد (دو نقاشی از دومی که جوامع تفنگ را به تصویر می کشد در ارمیتاژ هستند). در حدود اواسط قرن شانزدهم. در میان نقاشان هلندی میل به خلاص شدن از کاستی های هنر داخلی - زاویه گوتیک و خشکی آن - با مطالعه هنرمندان ایتالیایی دوره رنسانس و ترکیب شیوه آنها با بهترین سنت های مکتب خود وجود دارد. انتشار دهنده اصلی جنبش جدید را باید یان ون اسکورل (1495-1562) دانست که مدت طولانی در ایتالیا زندگی کرد و بعدها مدرسه ای را در اوترخت تأسیس کرد که از آنجا تعدادی از هنرمندان آلوده به رافائل هلندی آمدند. و میکل آنژ به دنبال او مارتن ون وان ملقب به هیمسکرک (1498-1574)، هنریک گلتزیوس (1558-1616)، کورنلیس ون هارلم (1562-1638) و دیگران متعلق به دوره بعدی مدرسه بودند، مانند، برای مثال، آبراهام بلومارت (1564 - 1651) و جرارد هانتهورست (1592-1662) که فراتر از کوه های آلپ رفتند تا با کمالات مشاهیر نقاشی ایتالیایی آغشته شوند، اما عمدتاً تحت تأثیر نمایندگان زوال جهان قرار گرفتند. همین نقاشی که در آن زمان شروع شده بود. با این حال، اشتیاق به ایتالیایی‌ها، که اغلب در دوران انتقالی به افراط کشیده می‌شد، نوعی سود به همراه داشت، زیرا طراحی بهتر، آموخته‌تر و توانایی مدیریت آزادانه‌تر و جسورانه‌تر ترکیب‌بندی را در این نقاشی به ارمغان آورد. همراه با سنت هلندی قدیم و عشق بی حد و حصر به طبیعت، ایتالیایی گرایی به یکی از عناصری تبدیل شد که هنر اصیل و بسیار توسعه یافته دوران شکوفایی از آن شکل گرفت. همانطور که قبلاً گفتیم، شروع این دوره باید به اوایل قرن هفدهم مربوط شود، زمانی که هلند با کسب استقلال، زندگی جدیدی را آغاز کرد. تبدیل چشمگیر یک کشور تحت ستم و فقیر همین دیروز به یک اتحادیه مهم سیاسی، راحت و ثروتمند از دولت ها با انقلابی به همان اندازه دراماتیک در هنر آن همراه بود. از همه طرف، تقریباً به طور همزمان، هنرمندان شگفت انگیز به تعداد بی شماری ظهور می کنند! به مراکز هنری اصلی، هارلم و لیدن، مراکز جدیدی اضافه شده است - دلفت، اوترخت، دوردرخت، لاهه، آمستردام و غیره. در دوره قبل به سختی قابل توجه بودند، در حال شکوفایی هستند. اصلاحات، نقاشی های مذهبی را از کلیساها بیرون راند. نیازی به تزیین کاخ ها و اتاق های نجیب با تصاویر خدایان و قهرمانان باستانی وجود نداشت و بنابراین نقاشی تاریخی که ذائقه بورژوازی ثروتمند را برآورده می کرد ایده آلیسم را رها کرد و به بازتولید دقیق واقعیت روی آورد. اگر می‌خواهید در مورد همه پرتره‌نگاران با استعداد این عصر شکوفا صحبت کنید، تنها فهرست کردن نام آنها با نشان دادن بهترین آثارشان خطوط زیادی را می‌طلبد. لذا تنها به ذکر چند مورد اکتفا می کنیم. به عنوان مثال، مایکل مرولت (1567-1641)، سلف سه نقاش بزرگ پرتره هلند - جادوگر کیاروسکورو رامبراند ون راین (1606-1669)، نقشه‌کشی بی‌نظیر که هنر شگفت‌انگیزی در مدل‌سازی چهره‌ها داشت. سبک، اما بارتولومی ون در تا حدودی از نظر شخصیت و رنگ هلست (1611 یا 1612-70) و فوگ خیره کننده قلم مو او توسط فرانس هالس بزرگ (1581-1666) بود. از این میان، نام رامبراند به‌ویژه در تاریخ می‌درخشد، در ابتدا توسط معاصرانش مورد احترام قرار گرفت، سپس توسط آنها فراموش شد، توسط آیندگان کمتر مورد توجه قرار گرفت، و تنها در قرن حاضر، انصافاً به سطح جهانی ارتقا یافت. نابغه در شخصیت هنری مشخص او، تمام بهترین کیفیت های نقاشی هلندی متمرکز شده است، گویی در تمرکز است، و تأثیر او در همه انواع آن - در پرتره ها، نقاشی های تاریخی، صحنه های روزمره و مناظر منعکس شده است. مشهورترین شاگردان و پیروان رامبراند عبارتند از: فردیناند بول (80-1616)، گوورت فلینک (60-1615)، گربراند ون دن اکهوت (74-1621)، نیکلاس ماس (93-1632)، آرت د گلدر (1645-1645-1645). 1727)، یاکوب باکر (1608 یا 1609-51)، یان ویکتورز (1621-74)، کارل فابریسیوس (حدود 1620-54)، پیتر دو گربر، ویلم دو پورتر († بعدها 1645)، جرارد دو (1613-75) ) و ساموئل ون هوگستراتن (1626-78). علاوه بر این هنرمندان، برای کامل‌تر شدن فهرست، باید از یان لیونز (1607-1607)، دوست رامبراند در مطالعه پی. لستمن، آبراهام ون تمپل (72-1622) و پیتر نسون (91-1612) نام برد. ) که بر روی ظاهراً تحت تأثیر V. هلست، مقلد هالز یوهانس ورسپرونک (1597-1662) و یان دی برای († 1664، † 1697). انبوهی از هنرمندان تقاضا برای چنین نقاشی هایی را برآورده می کنند، با وجدان هر چیزی را که در واقعیت با آن مواجه می شود بازتولید می کنند، در عین حال عشق به خانواده خود را نشان می دهند، سپس شوخی خوش اخلاق، مشخص کردن دقیق موقعیت ها و چهره های به تصویر کشیده شده و پیچیده بودن در استادی. از تکنولوژی در حالی که برخی مشغول زندگی مردم عادی، صحنه های شادی و غم دهقانی، مشروب خواری در میخانه ها و میخانه ها، تجمع در مقابل مسافرخانه های کنار جاده، تعطیلات روستایی، بازی و اسکیت روی یخ رودخانه ها و کانال های یخ زده و غیره هستند، برخی دیگر می گیرند. محتوای آثارشان از دایره‌ای ظریف‌تر است - آن‌ها خانم‌های برازنده‌ای را در محیط صمیمی‌شان نقاشی می‌کنند، آقایان شیک پوش مورد محبت قرار می‌گیرند، خانم‌های خانه‌دار که به خدمتکارانشان دستور می‌دهند، تمرین‌های سالنی در موسیقی و آواز، چرخ‌شدن جوانان طلایی در خانه‌های تفریحی... در یک سری طولانی از هنرمندان دسته اول تحت سلطه آدریان و آیزاک ون اوستاد (1 6 10-85، 1621-49)، آدریان بروور (1605 یا 1606-38)، یان استین (حدود 1626-79)، کورنلیس. بیلی (1620-1664)، ریچارت براکنبورگ (1650-1702)، پیتر ون لر، به نام بامبوکیو در ایتالیا (1590-1658)، کورنلیس دوزارت (1660-1704)، جوس دروسلوت (1586-1666)، کلاس مولنر (30فرم لیر) -76)، یان ماینز مولنار (حدود 1610-68)، کورنلیس سافتلون (1606-81). از تعداد به همان اندازه قابل توجه نقاشان، جرارد تربورخ (1617-1617)، جرارد دو (1613-75)، گابریل متسو (1630-67)، پیتر دو هوچ (1630-66)، کاسپار نتسچر (1639-84) هستند. فرانس ون میریس بزرگ (1635-1681)، اگون ون در نیر (1643-1703)، یان ورکولگه (1650-93)، کویرینگ برکلنکمپ (†1668). یاکوب اوچترولت († 1670)، دیرک هالس (1589-1656) و آنتونی پالامدس (1601-1673). دسته نقاشان ژانر شامل هنرمندانی می شود که صحنه هایی از زندگی نظامی و همچنین صحنه های شکار شاهین و تازی را نقاشی کرده اند. نماینده اصلی این شاخه از نقاشی، فیلیپس ووورمن (1619-1619) مشهور و فوق العاده پرکار است. علاوه بر او، برادر او این استاد، پیتر (1623-1623)، پالامدس فوق الذکر، یعقوب دوک (1600 - بعداً 1660) و دیرک ماس (1656-1717) بسیار پیشرفت کردند. برای بسیاری از این هنرمندان، منظره به همان اندازه نقش انسان مهم است. اما به موازات آنها، انبوهی از نقاشان مشغول کار هستند و آن را وظیفه اصلی یا انحصاری خود قرار می دهند. به طور کلی، هلندی ها حق مسلمی دارند که به این موضوع افتخار کنند که سرزمین پدری آنها نه تنها زادگاه جدیدترین ژانر است، بلکه همچنین منظره به معنایی که امروزه درک می شود. در واقع، در کشورهای دیگر، به عنوان مثال در ایتالیا و فرانسه، هنر علاقه چندانی به طبیعت بی جان نداشت و در آن نه زندگی منحصر به فرد و نه زیبایی خاصی یافت. هلندی ها اولین کسانی بودند که فهمیدند حتی در طبیعت بی جان همه چیز جان می دهد، همه چیز جذاب است، همه چیز قادر به برانگیختن فکر و هیجان انگیز است. و این کاملاً طبیعی بود، زیرا هلندی‌ها، به اصطلاح، طبیعت اطراف خود را با دستان خود خلق کردند، آن را ارزشمند می‌دانستند و آن را تحسین می‌کردند، مانند پدری که فرزند فکر خود را گرامی می‌دارد و تحسین می‌کند. در میان نقاشان منظره دوره شکوفایی مکتب هلندی، موارد زیر مورد احترام ویژه هستند: یان ون گوین (1595-1656)، که همراه با ازایاس ون دی ولده (حدود 1590-1630) و پیتر مولین الدر. (1595-1661)، که بنیانگذار چشم انداز هلندی محسوب می شود. سپس شاگرد این استاد، سالومون ون روئیسدیل († 1623)، سیمون دو ولیگر (1601-59)، یان ویجنتز (حدود 1600 - بعداً 1679)، عاشق جلوه های نوری بهتر، آرت وان در نیر (1603-77)، ژاکوب ون رویسدیل شاعر (1628 یا 1629-82)، مایندرت هابما (1638-1709) و کورنلیس دکر († 1678). در میان هلندی ها نیز بسیاری از نقاشان منظره بودند که به سفر می پرداختند و نقوش طبیعت خارجی را بازتولید می کردند، اما این امر مانع از حفظ شخصیت ملی در نقاشی آنها نشد. Allaert van Everdingen (1621-1621) نماهایی از نروژ را به تصویر کشید. یان هر دو (1610-52) - ایتالیا؛ هرمان سافتلون (1610-85) - رینا; کورنلیس پولنبورگ (1586-1667) و گروهی از پیروانش مناظری را با الهام از طبیعت ایتالیا، با ویرانه‌های ساختمان‌های باستانی، پوره‌های حمام کردن و صحنه‌هایی از آرکادیای خیالی نقاشی کردند. در یک دسته خاص می توان استادانی را جدا کرد که در نقاشی های خود مناظر را با تصاویر حیوانات ترکیب کردند و به اولی یا دومی ترجیح دادند یا هر دو بخش را با توجه مساوی رفتار کردند. مشهورترین نقاش در میان این گونه نقاشان بت های روستایی پائولوس پاتر (1625-1654) است. علاوه بر او، باید آدریان ون دی ولده (1635 یا 72-1636)، آلبرت کویپ (1620 - 91) و هنرمندان متعددی را که ترجیحاً یا منحصراً به ایتالیا روی آوردند، مانند آدام پینکر (1622-1622) به حساب آورد. Jan -Baptiste Venix (1621-60)، Claes Berchem (1620-1683)، Karel Dujardin (1622-78) و غیره. نقاشی از نماهای معماری که هنرمندان هلندی به عنوان یک شخص مستقل شروع به درگیر شدن در آن کردند، نزدیک به نقاشی منظره است. شاخه هنر فقط در نیمه قرن هفدهم. برخی از کسانی که از آن زمان در این منطقه کار کرده‌اند، در به تصویر کشیدن خیابان‌ها و میادین شهر با ساختمان‌های خود مهارت داشتند. اینها یوهانس بیرستراتن (1622-66) و یاکوب ون در اولف (1627-88) هستند. دیگران، به ویژه پیتر سانردام († 1666) و دیرک ون دلن (1605-1605)، نماهای داخلی کلیساها و کاخ ها را نقاشی کردند. دریا در زندگی هلند از چنان اهمیتی برخوردار بود که هنر او جز با بیشترین توجه نمی توانست با آن رفتار کند. بسیاری از هنرمندان آن که به منظره، ژانر و حتی پرتره مشغول بودند و برای مدتی از موضوعات معمول خود فاصله گرفتند، به نقاشان دریایی تبدیل شدند و اگر بخواهیم تمام نقاشان مکتب هلندی را فهرست کنیم که دریای آرام یا خروشان را به تصویر می کشند. ، کشتی‌هایی که روی آن تکان می‌خورند، بندرگاه‌های مملو از کشتی‌ها، نبردهای دریایی، و غیره، نتیجه یک فهرست بسیار طولانی خواهد بود که شامل نام Ya. Goyen، S. de Vlieger، S. and J. Ruisdael، A. Cuyp و دیگران که قبلاً در سطور قبلی ذکر شد. با محدود کردن به اشاره به کسانی که نقاشی مناظر دریا برای آنها یک تخصص بود، باید از ویلم ون دو ولده بزرگ (1611 یا 1612-93)، پسر مشهورش ویلم ون دو ولده جوان (1633-1707) نیز نام ببریم. به عنوان Jan van de Cappelle († 1679). در نهایت، جهت گیری واقع گرایانه مکتب هلندی دلیلی شد که نوعی نقاشی در آن شکل گرفت و توسعه یافت که تا آن زمان در سایر مکاتب به عنوان شاخه ای خاص و مستقل، یعنی نقاشی گل، میوه، سبزی، پرورش داده نمی شد. موجودات زنده، ظروف آشپزخانه، ظروف غذاخوری و غیره - در یک کلام، چیزی که امروزه معمولاً "طبیعت مرده" نامیده می شود (nature morte, Stilleben). در این منطقه، در میان هنرمندان هلندی دوران شکوفایی، مشهورترین آنها یان دیوید د هیم (1606-1606)، پسرش کورنلیس (95-1631)، آبراهام میگنون (79-1640)، ملکیور دو هوندکوتر (1636) بودند. -95)، ماریا اوستروییک (1630-93)، ویلم ون آلست (1626-83)، ویلم هدا (1594 - بعداً 1678)، ویلم کالف (1621 یا 1622-93) و یان وینیکس (1640-1719). به طور کلی، همانطور که می بینیم، احتمالاً وجه تمایز اصلی پیشرفت هنر هلندی در تمام این سال ها، برتری قابل توجه آن در بین انواع نقاشی آن بود. نقاشی ها خانه های نه تنها نمایندگان نخبگان حاکم جامعه، بلکه اهالی فقیر، صنعتگران و دهقانان را نیز تزئین می کردند. آنها در حراجی ها و نمایشگاه ها فروخته شدند. گاهی اوقات هنرمندان از آنها به عنوان وسیله ای برای پرداخت صورت حساب استفاده می کردند. حرفه یک هنرمند کمیاب نبود، نقاشان زیادی بودند و به شدت با یکدیگر رقابت می کردند. تعداد کمی از آنها می توانستند با نقاشی کردن زندگی خود را تامین کنند. در نقاشی هلندی سلیقه ها و دیدگاه های فرانسوی دوران پرشکوه لویی چهاردهم تثبیت شده است - تقلید از پوسین، لبرون، کل. لورن و دیگر مشاهیر مکتب فرانسه. منتشر کننده اصلی این گرایش، جرارد دو لرس فلاندری (1641-1711) بود که در آمستردام اقامت گزید، هنرمندی بسیار توانا و تحصیلکرده در زمان خود، که تأثیر زیادی بر معاصران و آیندگان بلافصل خود، هم با رفتارهای شبه خود، داشت. نقاشی های تاریخی و آثار قلم خودش، که در میان آنها یکی - "کتاب بزرگ نقاش" ("t groot schilderboec") - به مدت پنجاه سال به عنوان رمزی برای هنرمندان جوان و همچنین آدریان ون د ورف معروف (آدریان ون دو ورف) بود. 1659-1722)، که نقاشی با چهره های سرد، که گویی از عاج حکاکی شده بود، در آن زمان اوج کمال به نظر می رسید. از پیروان این هنرمند، هنریک ون لیمبورگ (1680-1758) و فیلیپ ون دایک (1669-1729) ملقب به "ون دایک کوچک" به عنوان نقاشان تاریخی مشهور بودند. از دیگر نقاشان عصر مورد بحث، با استعدادی بی‌تردید، اما آلوده به روح زمان، باید به ویلم و فرانس ون میرز جوان (1662-1747، 1689-1763)، نیکلاس ورکلگه (1673-1746) اشاره کرد. کنستانتین نتسچر (1668-1722) و کارل دی مورا (1656-1738). کورنلیس تروست (1750-1697)، عمدتاً یک کاریکاتوریست، با نام مستعار گوگارت هلندی، نقاش پرتره یان کوینچید (1688-1772)، نقاش تاریخ تزئینی، ژاکوب دو ویت (1754-1695) و نقاش مردگان، به این مدرسه درخشید. طبیعت Jan van Huysum (1682 -1749). تأثیر خارجی بر نقاشی هلندی تا دهه بیست قرن نوزدهم سنگینی کرد و توانست تغییراتی را که هنر در فرانسه به وجود آورد، که با کلاه گیس‌سازی در زمان پادشاه خورشید شروع شد و به شبه کلاسیک گرایی ختم شد، در آن بازتاب داد. دیوید هنگامی که سبک دومی منسوخ شد و در همه جای اروپای غربی به جای شیفتگی یونانیان و رومیان باستان، میل عاشقانه برانگیخته شد و هم در شعر و هم در هنرهای تجسمی تسلط یافتند، هلندی ها مانند سایر مردمان نگاه خود را معطوف کردند. قدمت آنها و در نتیجه به نقاشی با شکوه گذشته آنها. میل دوباره به آن درخشش در قرن هفدهم الهام بخش جدیدترین هنرمندان شد و آنها را به اصول استادان ملی باستانی بازگرداند - به مشاهده دقیق طبیعت و نگرش هوشمندانه و صادقانه نسبت به وظایف در دست در عین حال سعی نکردند خود را کاملاً از نفوذ خارجی حذف کنند، اما وقتی برای تحصیل به پاریس یا دوسلدورف و دیگر مراکز هنری آلمان رفتند، تنها آشنایی با موفقیت های تکنولوژی مدرن را به خانه بردند. به لطف همه اینها، مدرسه هلندی احیا شده دوباره اصالت یافت و در روزهای ما در مسیری که منجر به پیشرفت بیشتر می شود حرکت کرد. او به راحتی می تواند بسیاری از جدیدترین چهره های خود را با بهترین نقاشان قرن نوزدهم در کشورهای دیگر مقایسه کند. هلند به خوبی می تواند به چندین استاد مهم اخیر افتخار کند: ژاکوب اکگوت (1793-1861)، دیوید بلس (متولد 1821)، هرمان تن کیت (1822-1891) و لارنس آلما تادما (متولد 1836) با استعداد بسیار. "ترک شده" به انگلستان جوزف اسرائیل (متولد 1824) و کریستوفل بیسشوپ (متولد 1828)، آنتون مائوه (1838-88) و یاکوب ماریس (متولد 1837)، بارتولومئوس ون هوو (1790-1888) و یوهانس بوسبوم (1888-1790). 1817-N)، هنریک مسداگ (متولد. 1831)، Wouters Vershuur (1812-74) و بسیاری دیگر.....

نقاشی هلندیدر اوایل قرن هفدهم بوجود آمد. مکتب نقاشی هلندی مکتبی مستقل، بزرگ و مستقل با ویژگی ها و هویت منحصر به فرد و تکرار نشدنی بود.
تا قرن هفدهم، هلند به خاطر فراوانی هنرمندان ملی خود متمایز نبود. در حالی که این کشور یک ایالت با فلاندر بود، عمدتاً در فلاندر بود که جنبش های هنری اصیل به شدت ایجاد و توسعه یافتند.
نقاشان برجسته Van Eyck، Memling، Rogier van der Weyden، که امثال آنها در هلند یافت نشد، در فلاندر کار کردند. در آغاز قرن شانزدهم فقط می توان به نبوغ مجزا در نقاشی اشاره کرد. اما لوقای لیدن هیچ مدرسه ای ایجاد نکرد. همین را می توان در مورد نقاش دیرک بوتس از هارلم، که خلاقیت هایش در برابر پس زمینه سبک و منشأ مکتب فلاندری به سختی برجسته می شود، در مورد هنرمندان موستارت، اسکورل و هیمسکرکه، که با وجود همه اهمیتشان، استعدادهای فردی نیستند که آنها را با اصالت کشورشان مشخص کند.
در پایان قرن شانزدهم، زمانی که نقاشان پرتره قبلاً مدرسه ای ایجاد کرده بودند، هنرمندان دیگری ظاهر و شکل گرفتند. تنوع گسترده استعدادها منجر به جهات و مسیرهای مختلف برای توسعه نقاشی می شود. اسلاف مستقیم رامبراند ظاهر می شوند - معلمان او یان پیس و پیتر لاستمن. روش‌های ژانر نیز آزادتر می‌شوند—تاریخ‌نگری مثل قبل الزامی نیست. یک ژانر خاص، عمیقاً ملی و تقریباً تاریخی در حال ایجاد است - پرتره های گروهی در نظر گرفته شده برای مکان های عمومی - سالن های شهر، شرکت ها، کارگاه ها و جوامع.
این تازه شروع است، خود مدرسه هنوز وجود ندارد. هنرمندان با استعداد زیادی وجود دارند، در میان آنها صنعتگران ماهر، چندین نقاش بزرگ وجود دارند: مورلزه، یان راوستاین، لاستمن، فرانس هالس، پولنبورگ، ون شوتن، ون دو ون، توماس د کیسر، هانتهورست، کیپ الدر، سرانجام، ون اسایاس. de Velde و van Goyen - همه آنها در پایان قرن 16 متولد شدند.
در حال توسعه نقاشی هلندیلحظه حساسی بود با تعادل سیاسی ناپایدار، همه چیز فقط به شانس بستگی داشت. در فلاندر، جایی که بیداری مشابهی مشاهده شد، برعکس، از قبل احساس اطمینان و ثباتی وجود داشت که هنوز در هلند وجود نداشت. در فلاندر قبلاً هنرمندانی وجود داشتند که این را تشکیل داده بودند یا به آن نزدیک بودند.
شرایط سیاسی و اجتماعی-تاریخی در این کشور مساعدتر بود. دلایل جدی وجود داشت که فلاندر برای بار دوم به مرکز بزرگ هنری تبدیل شود. برای این، دو چیز کم بود: چندین سال آرامش و استادی که خالق مدرسه باشد.
در سال 1609، سرنوشت هلند مشخص شد، پس از معاهده آتش بس (بین اسپانیا و هلند) و به رسمیت شناختن رسمی استان های متحد، بلافاصله آرامش ایجاد شد. شگفت آور است که چگونه به طور غیرمنتظره و در چه مدت کوتاهی -بیش از سی سال- در فضایی کوچک، در خاک ناسپاس کویری، در شرایط سخت زندگی، کهکشانی شگفت انگیز از نقاشان و در عین حال نقاشان بزرگ پدیدار شد.
آنها بلافاصله و در همه جا ظاهر شدند: در آمستردام، دوردرخت، لیدن، دلفت، اوترخت، روتردام، هارلم، حتی در خارج از کشور - گویی از دانه هایی که خارج از مزرعه افتاده اند. اولین آنها یان ون گوین و وینانتز هستند که در اواخر قرن حاضر به دنیا آمدند. و علاوه بر این، در فاصله زمانی از آغاز قرن تا پایان یک سوم اول آن - کویپ، تربورخ، بروور، رامبراند، آدریان ون اوستاد، فردیناند بول، جرارد داو، متسو، ونیکس، واورمن، برچم، پاتر، یان استین. ، یعقوب رویسدیل. بعدی پیتر دی هوچ، هابما است. آخرین بزرگان وان در هایدن و آدریان ون دو ولده در سال های 1636 و 1637 بودند. تقریباً این سال ها را می توان زمان اولین گل دهی مکتب هلندی دانست. ایجاد هنر برای ملت لازم بود.
نقاشی هلندی، تنها بیانی از ظاهر بیرونی بود و می توانست باشد، یک پرتره واقعی، دقیق و مشابه از هلند. عناصر اصلی مکتب نقاشی هلندی پرتره ها، مناظر و صحنه های روزمره بود. مکتب هلندی یک قرن است که در حال رشد و فعالیت بوده است.
نقاشان هلندی موضوعات و رنگ هایی را برای ارضای هر گونه تمایل و علاقه انسانی یافتند. پالت هلندی کاملاً شایسته طراحی آنها است، از این رو وحدت کامل روش نقاشی آنها است. هر نقاشی هلندی به راحتی از روی ظاهر آن قابل تشخیص است. اندازه آن کوچک است و با رنگ های قوی و سخت خود متمایز می شود. این امر مستلزم دقت زیاد، دستی ثابت و تمرکز عمیق هنرمند است.
دقیقا نقاشی هلندیواضح ترین ایده را از این فرآیند پنهان و ابدی می دهد: احساس کردن، فکر کردن و بیان کردن. هیچ تصویر غنی تری در جهان وجود ندارد، زیرا این هلندی ها هستند که در چنین فضای کوچکی مطالب زیادی را گنجانده اند. به همین دلیل است که همه چیز در اینجا شکل دقیق، فشرده و فشرده به خود می گیرد.
برای تصویر کامل‌تر از نقاشی هلندی، لازم است عناصر این حرکت، ویژگی‌های روش‌ها و ماهیت پالت را با جزئیات در نظر بگیریم. شرح ویژگی های اصلی هنر هلندی به ما این امکان را می دهد که این مکتب را از سایرین متمایز کنیم و ریشه های آن را جستجو کنیم.
به شیوه ای رسا نشان دادن نقاشی هلندی، نقاشی آدریان ون اوستاد از موزه آمستردام "آتلیه هنرمند" است. این موضوع یکی از موضوعات مورد علاقه نقاشان هلندی بود. مردی حواس‌مان را می‌بینیم، کمی خمیده، با پالت آماده، برس‌های نازک و تمیز و روغن شفاف. او در گرگ و میش می نویسد. صورتش متمرکز است، دستش مراقب است.
فقط شاید این نقاشان شجاع‌تر بودند و می‌دانستند که چگونه بی‌خیالانه بخندند و از زندگی لذت ببرند، بیش از آنچه از تصاویر باقی‌مانده می‌توان نتیجه گرفت.
شالوده مکتب نقاشی هلندی توسط یان ون گوین و یان ون ویژنتس در آغاز قرن هفدهم پایه گذاری شد و برخی از قوانین نقاشی را وضع کردند.

عصر طلایی نقاشی هلندی یکی از برجسته ترین دوران در تاریخ نقاشی تمام جهان است. عصر طلایی نقاشی هلندی در نظر گرفته شده است قرن هفدهم. در این زمان بود که با استعدادترین هنرمندان و نقاشان آثار جاودانه خود را خلق کردند. نقاشی‌های آن‌ها هنوز هم شاهکارهای بی‌نظیری محسوب می‌شوند که در موزه‌های معروف جهان نگهداری می‌شوند و میراث ارزشمند بشریت محسوب می‌شوند.

در آغاز قرن هفدهمدر هلند، هنر نسبتاً ابتدایی هنوز شکوفا می شد که با سلیقه و ترجیحات روزمره افراد ثروتمند و قدرتمند توجیه می شد. در نتیجه تغییرات سیاسی، ژئوپلیتیکی و مذهبی، هنر هلند به طرز چشمگیری تغییر کرد. اگر پیش از آن هنرمندان سعی می‌کردند به بوران هلندی دل ببندند و زندگی و شیوه زندگی آنها را بدون هر گونه زبان بلند و شاعرانه به تصویر بکشند و همچنین برای کلیسا کار می‌کردند که هنرمندان را به کار در ژانری نسبتاً ابتدایی با موضوعاتی که مدت‌ها فرسوده می‌شد سفارش می‌کرد. ، سپس آغاز قرن هفدهم یک پیشرفت واقعی بود. در هلند، تسلط پروتستان ها حاکم شد، که عملاً سفارش نقاشی با موضوعات مذهبی به هنرمندان را متوقف کردند. هلند از اسپانیا مستقل شد و خود را در سکوی تاریخی نشان داد. هنرمندان از تم های آشنای قبلی به تصویر کشیدن صحنه های روزمره، پرتره ها، مناظر، طبیعت بی جان و غیره حرکت کردند. در اینجا، در عرصه ای جدید، به نظر می رسید که هنرمندان عصر طلایی نفس تازه ای داشته باشند و نوابغ واقعی هنر در جهان ظاهر شوند.

هنرمندان هلندی قرن هفدهم رئالیسم در نقاشی را وارد مد کردند. خیره کننده در ترکیب، در واقع گرایی، در عمق و غیر معمول، نقاشی ها شروع به لذت بردن از موفقیت عظیمی کردند. تقاضا برای نقاشی به شدت افزایش یافت. در نتیجه، هنرمندان جدید بیشتری ظاهر شدند، که با سرعت شگفت انگیزی اصول نقاشی را توسعه دادند، تکنیک ها، سبک ها و ژانرهای جدیدی را توسعه دادند. برخی از مشهورترین هنرمندان عصر طلایی عبارتند از: یان ورمیر، کورنلیس تروست، ماتیاس استوم، پیتر بروگل بزرگ، عیاس ون دو ولده، فرانس هالس، آدریان بروور، کورنلیس د من، آنتونی ون دیک و بسیاری دیگر.