فلگونتوا آناستازیا
کلاس 7تخصص "تئوری موسیقی"،MAOUUDOD DSHI شماره 46، کمروو
زایگراوا والنتینا آفاناسیونا
سرپرست علمی،مدرس رشته های نظری MAOU DOD "DSHI شماره 46"
مقدمه
هر شهر بزرگ یک ارکستر سمفونیک دارد. هم در سالن های اپرا و هم در انجمن های فیلارمونیک مورد تقاضا است. اما خود ژانر سمفونی - یکی از ارجمندترین ژانرهای موسیقی آکادمیک - امروزه جای خود را به موسیقی مجلسی و الکترونیکی داده است. و ممکن است ساعتی برسد که ژانر بزرگی مانند سمفونی دیگر در کنسرت ها اجرا نشود. حداقل آنها تقریباً ساختن سمفونی را متوقف کرده اند. ارتباطموضوعات پژوهشی: علاقه بی‌نظیر به پرسش مربوط به وجود آینده ژانر «سمفونی» چه چیزی در انتظار سمفونی در قرن بیست و یکم است: تولد دوباره یا فراموشی؟ موضوع مطالعهیک سمفونی به عنوان یک ژانر و به عنوان راهی جدی برای درک جهان و بیان انسان است. موضوع تحقیق: سیر تحول ژانر سمفونیک از پیدایش تا امروز. هدف کار:ویژگی های توسعه ژانر سمفونیک را مطالعه کنید. اهداف تحقیق: تجزیه و تحلیل مطالب علمی و نظری در مورد مسئله. قوانین، هنجارها، مدل ها و روندهای سمفونیک در توسعه ژانر را شرح دهد.
فصلمن. تاریخچه کلمه "سمفونی".
سمفونی (از یونانی symphonía - همخوانی، از sýn - با هم و تلفن - صدا)، یک اثر موسیقی به شکل چرخه ای سونات، که برای اجرای ارکستر سمفونیک در نظر گرفته شده است. یکی از مهمترین ژانرهای موسیقی سمفونیک. در برخی از سمفونی ها، گروه کر و تک خوانان نیز حضور دارند. سمفونی یکی از پیچیده ترین ژانرهای موسیقی است. گوستاو مالر آهنگساز اتریشی گفت: برای من، ساختن یک سمفونی به معنای ساختن جهانی با استفاده از تمام ابزارهای تکنولوژی مدرن موسیقی است.
در ابتدا، در یونان باستان، "سمفونی" نامی بود که به صدای موزون آهنگ ها داده می شد که با هم آواز می خواندند. در روم باستان، این نام قبلاً برای یک گروه یا ارکستر بود. در قرون وسطی، موسیقی سکولار به طور کلی یک "سمفونی" در نظر گرفته می شد (در فرانسه، این معنی تا قرن 18 باقی ماند)، و برخی از آلات موسیقی (به ویژه، گردی-گوردی) را می توان به این روش نامید. در آلمان، تا اواسط قرن هجدهم، سمفونی یک اصطلاح عمومی برای انواع هارپسیکوردها بود - اسپینت ها و باکره ها در فرانسه، این نام به اندام های بشکه ای، هارپسیکوردها، طبل های دو سر و غیره بود.
در پایان دوره باروک، برخی از آهنگسازان، مانند جوزپه تورلی (1658-1709)، آثاری را برای ارکستر زهی و باسو پیوسته در سه بخش، با سکانس تمپوی سریع-آهسته-سریع ساختند. اگرچه معمولاً به این گونه آثار «کنسرتو» می گفتند، اما هیچ تفاوتی با آثاری به نام «سمفونی» نداشتند. به عنوان مثال، تم های رقص در فینال کنسرت ها و سمفونی ها استفاده شد. این تفاوت عمدتاً به ساختار قسمت اول چرخه مربوط می شود: در سمفونی ها ساده تر بود - معمولاً یک فرم دو بخشی دوتایی از اورتور باروک، سونات و سوئیت (AA BB). فقط در قرن شانزدهم. شروع به استفاده از آن برای آثار فردی، در ابتدا آوازی-سازمانی، توسط آهنگسازانی مانند جیووانی گابریلی (Sacrae symphoniae، 1597، و Symphoniae sacrae 1615)، آدریانو Banchieri (Eclesiastiche Sinfonie، 1607)، Lodovico Grossi da Via160. ) و هاینریش شوتز (Symphoniae sacrae, 1629). آهنگسازان ایتالیایی قرن هفدهم. کلمه "سمفونی" (sinfonia) اغلب به معرفی ابزاری برای یک اپرا، اوراتوریو یا کانتاتا اشاره می کند و این اصطلاح از نظر معنایی به مفاهیم "پرلود" یا "اورتور" نزدیک می شود.
نمونه اولیه این سمفونی را می توان اورتور ایتالیایی دانست که تحت رهبری دومنیکو اسکارلاتی در پایان قرن هفدهم شکل گرفت. این فرم قبلاً یک سمفونی نامیده می شد و از سه بخش متضاد تشکیل می شد: آلگرو، اندانته و آلگرو که در قسمت اول ویژگی های یک فرم سونات را با هم ادغام کردند. این فرم است که اغلب به عنوان پیشرو مستقیم سمفونی ارکسترال دیده می شود. از سوی دیگر، پیشین سمفونی یک سونات ارکسترال بود که شامل چندین موومان به ساده ترین اشکال و عمدتاً در یک کلید بود. اصطلاحات "اورتور" و "سمفونی" در بیشتر قرن هجدهم به جای یکدیگر استفاده می شدند.
در قرن 18 سمفونی از اپرا جدا شد و به یک ژانر کنسرت مستقل تبدیل شد، معمولاً در سه موومان ("سریع - آهسته - سریع"). با استفاده از ویژگی های سوئیت رقص باروک، اپرا و کنسرتو، تعدادی از آهنگسازان و بالاتر از همه J.B. سامارتینی، مدل یک سمفونی کلاسیک را خلق کرد - یک اثر سه موومان برای ارکستر زهی، که در آن حرکات سریع معمولاً به شکل یک روندو ساده یا یک فرم سونات اولیه به خود می گرفتند. به تدریج سازهای دیگری به تار اضافه شد: ابوا (یا فلوت)، بوق، ترومپت و تیمپانی. برای شنوندگان قرن 18. سمفونی با هنجارهای کلاسیک تعیین شد: بافت همفونیک، هارمونی دیاتونیک، تضادهای ملودیک، یک توالی مشخص از تغییرات پویا و موضوعی. مراکزی که سمفونی کلاسیک در آن پرورش داده شد، شهر مانهایم آلمان بود (در اینجا یان استامیتز و سایر نویسندگان چرخه سمفونیک را به چهار بخش گسترش دادند و دو رقص از مجموعه باروک - مینوئت و سه گانه را وارد آن کردند) و وین، جایی که هایدن، موتزارت. ، بتهوون (و همچنین پیشینیان آنها، که در میان آنها گئورگ مون و گئورگ واگنسیل برجسته هستند، ژانر سمفونی را به سطح جدیدی ارتقا دادند. یوهان سباستین باخ (1685-1750، آلمان).
فصلII. سمفونی آهنگسازان خارجی
1. کلاسیک وینی
1.1. فرانتس جوزف هایدن
در آثار فرانتس ژوزف هایدن (1732-1809) سرانجام چرخه سمفونیک شکل گرفت. سمفونی های اولیه او هنوز به هیچ وجه اساساً با موسیقی مجلسی تفاوت ندارند و به سختی فراتر از ژانرهای سرگرمی معمول و روزمره آن دوران می روند. فقط در دهه 70 آثاری ظاهر شدند که دنیای عمیق تری از تصاویر را بیان می کردند ("سمفونی تشییع جنازه" ، "سمفونی خداحافظی" و غیره). به تدریج سمفونی های او با محتوای دراماتیک عمیق تری اشباع می شود. بالاترین دستاورد سمفونیزم هایدن، دوازده سمفونی «لندن» است.
ساختار سوناتاآلگرو. هر یک از سمفونی ها (به استثنای سی مینور) با معرفی کوتاهی از یک شخصیت بسیار باشکوه، متفکرانه، غنایی متفکر یا آرام متفکر (معمولاً در تمپوی لارگو یا آداجیو) شروع می شود. مقدمه آهسته به شدت با آلگروی بعدی (که قسمت اول سمفونی است) در تضاد است و در عین حال آن را آماده می کند. هیچ تضاد فیگوراتیو روشنی بین مضامین بخش اصلی و فرعی وجود ندارد. هر دوی آنها معمولاً از نوع آهنگ و رقص محلی هستند. فقط یک تضاد تونال وجود دارد: تونالیته اصلی قسمت‌های اصلی با تونالیته غالب قسمت‌های جانبی در تضاد است. تحولاتی که از طریق انزوای انگیزشی ساخته می شوند، در سمفونی های هایدن پیشرفت قابل توجهی پیدا کردند. یک بخش کوتاه، اما فعال ترین بخش از موضوع قسمت اصلی یا فرعی جدا می شود و تحت یک توسعه مستقل نسبتا طولانی قرار می گیرد (مدولاسیون های مداوم در کلیدهای مختلف، با ابزارهای مختلف و در رجیسترهای مختلف انجام می شود). این به تحولات شخصیتی پویا و آرزومند می دهد.
بخش دوم (کند).شخصیت متفاوتی دارند: گاهی متفکرانه غنایی، گاهی ترانه مانند، در برخی موارد شبیه به راهپیمایی. شکل آنها نیز متفاوت است. رایج ترین آنها اشکال پیچیده سه بخشی و واریاسیونی هستند.
دقیقه ها.موومان سوم سمفونی های «لندن» همیشه منوتو نامیده می شود. بسیاری از مینوت های هایدن با راه رفتن تا حدی سنگین، ملودی فراگیر، لهجه های غیرمنتظره و جابجایی های ریتمیک، شخصیت رقص های روستایی دارند که اغلب جلوه ای طنز ایجاد می کنند. اندازه سه ضربی مینویت سنتی حفظ شده است، اما پیچیدگی اشرافی خود را از دست می دهد و به رقصی دموکراتیک و دهقانی تبدیل می شود.
فینال.در فینال سمفونی های هایدن، معمولاً تصاویر ژانری که به موسیقی رقص محلی نیز برمی گردد، جلب توجه می کند. فرم اغلب سونات یا سونات روندو است. در برخی از فینال‌های سمفونی‌های لندن، تکنیک‌های تنوع و توسعه چندصدایی (تقلید) به طور گسترده مورد استفاده قرار می‌گیرد و بر حرکت سریع موسیقی و پویایی کل بافت موسیقی تأکید بیشتری می‌کند. [ 4، ص. 76-78]
ارکستر.ترکیب ارکستر نیز در آثار هایدن تثبیت شد. این بر اساس چهار گروه از سازها است. بخش زهی، بخش اصلی ارکستر، شامل ویولن، ویولا، ویولن سل و کنترباس است. گروه چوبی متشکل از فلوت، ابوا، کلارینت (در همه سمفونی ها استفاده نمی شود) و باسون است. گروه برنج هایدن از بوق و شیپور تشکیل شده است. از میان سازهای کوبه ای، هایدن تنها از تیمپان در ارکستر استفاده می کرد. استثنا دوازدهمین "سمفونی لندن"، G ماژور ("نظامی") است. هایدن علاوه بر تیمپانی، یک مثلث، سنج و یک طبل باس را معرفی کرد. در مجموع، آثار فرانتس جوزف هایدن شامل بیش از 100 سمفونی است.
1.2. ولفگانگ آمادئوس موتزارت
ولفگانگ آمادئوس موتزارت (1756-1791)، همراه با هایدن، در خاستگاه سمفونیزم اروپایی ایستادند، در حالی که بهترین سمفونی‌های موتزارت حتی قبل از سمفونی‌های لندن هایدن ظاهر شدند. موتزارت بدون تکرار هایدن، مشکل چرخه سمفونیک را به روش خود حل کرد. تعداد کل سمفونی های او از 50 فراتر می رود ، اگرچه طبق شماره گذاری مداوم پذیرفته شده در موسیقی شناسی روسی ، آخرین سمفونی - "مشتری" - 41 در نظر گرفته می شود. ظهور اکثر سمفونی های موتزارت به سال های اولیه کار او برمی گردد. در دوره وین، تنها 6 سمفونی آخر ساخته شد، از جمله: "Linzskaya" (1783)، "پراگ" (1786) و سه سمفونی 1788.
اولین سمفونی های موتزارت به شدت تحت تأثیر کارهای جی.اس. باخ هم در تفسیر چرخه (3 قسمت کوچک، عدم وجود مینوئت، ترکیب ارکسترال کوچک) و هم در جزئیات بیانی مختلف (ملودی مضامین، تضادهای بیانی ماژور و مینور، نقش اصلی ویولن) آشکار شد.
بازدید از مراکز اصلی سمفونی اروپایی (وین، میلان، پاریس، مانهایم) به تکامل تفکر سمفونیک موتزارت کمک کرد: محتوای سمفونی ها غنی می شود، تضادهای احساسی روشن تر می شود، توسعه موضوعی فعال تر می شود، مقیاس قطعات. بزرگ می شود و بافت ارکستر توسعه می یابد. بر خلاف سمفونی‌های لندن هایدن، که عموماً یک نوع سمفونی را توسعه می‌دهند، بهترین سمفونی‌های موتزارت (شماره‌های 39-41) خود را به تیپ‌سازی نمی‌دهند، آنها کاملاً منحصربه‌فرد هستند. هر یک از آنها یک ایده هنری اساساً جدید را تجسم می بخشد. دو سمفونی از چهار سمفونی آخر موتزارت مقدمه کندی دارند، دو سمفونی دیگر نه. سمفونی شماره 38 («پراگ»، د ماژور) دارای سه موومان («سمفونی بدون مینوئت») و بقیه دارای چهار موومان هستند.
بارزترین ویژگی های تفسیر موتزارت از ژانر سمفونی عبارتند از:
· دراماتورژی درگیری. در سطوح مختلف بخش‌های چرخه، مضامین منفرد، عناصر موضوعی مختلف درون یک موضوع، تضاد و تضاد در سمفونی‌های موتزارت ظاهر می‌شوند. بسیاری از تم های سمفونیک موتزارت در ابتدا به عنوان یک "شخصیت پیچیده" ظاهر می شوند: آنها بر روی چندین عنصر متضاد ساخته شده اند (به عنوان مثال، مضامین اصلی در پایان چهلم، اولین موومان سمفونی مشتری). این تضادهای درونی مهمترین محرک برای توسعه چشمگیر بعدی، به ویژه در تحولات زیر است:
1. ترجیح فرم سونات. موتزارت قاعدتاً در تمام قسمت‌های سمفونی‌هایش به جز مینوئت به آن اشاره می‌کند. این فرم سونات است که با پتانسیل عظیم خود برای دگرگونی مضامین اولیه، قادر است عمیق ترین مکاشفه دنیای معنوی انسان را نشان دهد. در توسعه سونات موتزارت، هر موضوعی از نمایشگاه می تواند اهمیت مستقلی پیدا کند، از جمله. اتصال و نهایی (به عنوان مثال، در سمفونی "مشتری"، در توسعه قسمت اول، مضامین z.p. و st.p. و در قسمت دوم - st.t. توسعه می یابد).
2. نقش عظیم فناوری پلی فونیک. تکنیک‌های مختلف پلی‌فونیک به‌ویژه در آثار بعدی کمک زیادی به درام می‌کنند (بارزترین نمونه پایان سمفونی مشتری است).
3. خروج از ژانرهای باز در مینوئت سمفونیک و پایانی. بر خلاف تعریف هایدن، نمی توان تعریف «ژانر-روزانه» را برای آنها به کار برد. برعکس، موتزارت در مینوئت‌های خود اغلب اصل رقص را «خنثی» می‌کند و موسیقی آنها را با درام (در سمفونی شماره 40) یا غزل (در سمفونی «ژوپیتر») پر می‌کند.
4. غلبه نهایی بر منطق مجموعه چرخه سمفونیک، به عنوان تناوب بخش های مختلف. چهار موومان سمفونی موتسارت نشان دهنده یک وحدت ارگانیک است (این امر به ویژه در سمفونی شماره 40 مشهود بود).
5. ارتباط نزدیک با ژانرهای آوازی. موسیقی کلاسیک دستگاهی تحت تأثیر شدید اپرا شکل گرفت. در موتزارت این تأثیر بیان اپرایی به شدت احساس می شود. این نه تنها در استفاده از لحن‌های اپرا مشخص می‌شود (مثلاً در موضوع اصلی سمفونی چهلم، که اغلب با مضمون کروبینو مقایسه می‌شود: «نمی‌توانم بگویم، نمی‌توانم توضیح دهم...» ). موسیقی سمفونیک موتزارت با ترکیب‌های متضاد تراژیک و غم انگیز، عالی و معمولی آغشته است که به وضوح یادآور آثار اپرایی اوست.
1.3. لودویگ ون بتهوون
لودویگ ون بتهوون (1770-1827) ژانر سمفونی را بیشتر غنا بخشید. در سمفونی های او، قهرمانی، درام و فلسفه اهمیت زیادی پیدا کرد. بخش‌های سمفونی از نظر موضوعی به هم نزدیک‌تر هستند و چرخه به وحدت بیشتری دست می‌یابد. اصل استفاده از مطالب موضوعی مرتبط در هر چهار موومان، که در سمفونی پنجم بتهوون انجام شد، منجر به ظهور به اصطلاح شد. سمفونی ادواری بتهوون اسکروی پر جنب و جوش تر و اغلب پر شورتر را جایگزین مینوئت آرام می کند. او توسعه موضوعی را به سطح جدیدی ارتقا می دهد و مضامین خود را در معرض انواع تغییرات قرار می دهد، از جمله توسعه متضاد، جداسازی تکه های مضامین، تغییر حالت ها (ماژور - جزئی)، تغییرات ریتمیک.
در مورد سمفونی های بتهوون، باید بر نوآوری ارکستری او تأکید کرد. از جمله نوآوری ها:
1. تشکیل واقعی گروه مس. اگرچه ترومپت ها هنوز همراه با تیمپانی نواخته و ضبط می شوند، از نظر عملکردی آنها و بوق ها به عنوان یک گروه واحد در نظر گرفته می شوند. همچنین ترومبون هایی که در ارکستر سمفونیک هایدن و موتزارت نبودند به آنها ملحق می شوند. ترومبون ها در فینال سمفونی پنجم (3 ترومبون)، در صحنه طوفان در 6 (اینجا فقط 2 عدد وجود دارد) و همچنین در برخی از قسمت های نهم (در اسکرو و در قسمت دعای پایانی) بازی می کنند. ، و همچنین در کدا)؛
2. فشردگی "سطح میانی" عمودی را مجبور می کند تا بالا و پایین افزایش یابد. فلوت پیکولو در بالا ظاهر می شود (در همه موارد فوق، به جز قسمت دعا در پایان سمفونی نهم)، و در پایین - کنتراباسون (در پایان سمفونی های 5 و 9). اما در هر صورت، همیشه دو فلوت و باسون در ارکستر بتهوون وجود دارد.
3. بتهوون در ادامه سنت سمفونی‌های لندن هایدن و سمفونی‌های بعدی موتزارت، استقلال و زیبایی بخش‌های تقریباً همه سازها، از جمله ترومپت (تک‌نواز معروف خارج از صحنه در اوورتورهای لئونورا شماره 2 و شماره 3) و تیمپان را افزایش می‌دهد. . او اغلب دارای 5 قطعه زهی (کنترباس از ویولن سل جدا می شود)، و گاهی اوقات بیشتر (نوازندگی دیویسی). همه سازهای بادی چوبی، از جمله فاگوت، و همچنین بوق (در کر، مانند سه گانه Scherzo از سمفونی سوم، یا به طور جداگانه) می توانند به صورت تک نفره، مواد بسیار روشن را اجرا کنند.
2. رمانتیسم
وجه تمایز اصلی رمانتیسیسم رشد فرم، ترکیب ارکستر و تراکم موتیف های صدا بود. آهنگسازان رمانتیک طرح سنتی این چرخه را حفظ کردند، اما آن را با محتوای جدید پر کردند. سمفونی غزل در میان آنها جایگاه برجسته ای دارد که یکی از درخشان ترین نمونه های آن سمفونی بی مینور اثر اف. شوبرت بود. این خط در سمفونی های F. Mendelssohn-Bartholdy ادامه یافت که اغلب دارای شخصیت نقاشی-منظره بود. بنابراین، سمفونی‌ها ویژگی‌های برنامه‌ای را به دست آوردند که مشخصه آهنگسازان رمانتیک بود. هکتور برلیوز، آهنگساز برجسته فرانسوی، اولین کسی بود که یک سمفونی برنامه ایجاد کرد و برنامه ای شاعرانه برای آن در قالب داستانی کوتاه درباره زندگی این هنرمند نوشت. با این حال، ایده های برنامه ای در موسیقی عاشقانه بیشتر در قالب اشعار سمفونیک یک قسمتی، فانتزی ها و غیره تجسم می یافتند. برجسته ترین نویسنده سمفونی در اواخر قرن نوزدهم و اوایل قرن بیستم. G. Mahler بود که گاهی اوقات عنصر آواز را جذب می کرد. سمفونی های قابل توجهی در غرب توسط نمایندگان مدارس ملی جدید ایجاد شد: در نیمه دوم قرن 19. - A. Dvorak در جمهوری چک، در قرن 20th. - K. Szymanowski در لهستان، E. Elgar و R. Vaughan Williams در انگلستان، J. Sibelius در فنلاند. سمفونی های آهنگسازان فرانسوی A. Honegger، D. Milhaud و دیگران با ویژگی های بدیع خود در پایان قرن 19 و آغاز قرن 20 متمایز می شوند. در حالی که سمفونی بزرگ (اغلب برای یک ارکستر گسترده) غالب بود، بعدها "سمفونی مجلسی" که در مقیاس متوسط و برای گروهی از تکنوازان در نظر گرفته شده بود، شروع به ایفای نقش مهمی کرد.
2.1. فرانتس شوبرت (1797-1828)
سمفونی رمانتیک خلق شده توسط شوبرت عمدتاً در دو سمفونی آخر تعریف شد - سمفونی هشتم، بی مینور، به نام "ناتمام"، و نهم، س ماژور. آنها کاملاً متفاوت هستند، در مقابل یکدیگر. حماسه 9 آغشته به احساس شادی همه جانبه وجود است. "ناتمام" مضمون محرومیت و ناامیدی غم انگیز را در بر می گرفت. چنین احساساتی که سرنوشت یک نسل کامل از مردم را منعکس می‌کردند، قبل از شوبرت هنوز شکلی سمفونیک برای بیان پیدا نکرده بودند. "ناتمام" که دو سال زودتر از سمفونی نهم بتهوون (در سال 1822) خلق شد، نشانگر ظهور یک ژانر سمفونیک جدید - ژانر غنایی-روانی بود.
یکی از ویژگی های اصلی سمفونی بی مینور مربوط به چرخه آن است که فقط از دو موومان تشکیل شده است. بسیاری از محققان تلاش کرده اند تا به "راز" این اثر نفوذ کنند: آیا سمفونی درخشان واقعاً ناتمام مانده است؟ از یک طرف، شکی نیست که این سمفونی به عنوان یک چرخه 4 قسمتی در نظر گرفته شده است: طرح اصلی پیانو آن شامل قطعه بزرگی از موومان سوم - اسکرزو است. فقدان تعادل تونال بین موومان‌ها (اچ مینور در 1 و ای ماژور در دوم) نیز دلیل محکمی برای این واقعیت است که سمفونی از قبل به عنوان یک سمفونی 2 قسمتی تصور نشده است. از سوی دیگر، شوبرت برای تکمیل سمفونی وقت کافی داشت: به دنبال "ناتمام" تعداد زیادی کار از جمله سمفونی 4 قسمتی نهم را خلق کرد. استدلال های موافق و مخالف دیگری نیز وجود دارد. در همین حال، «ناتمام» به یکی از سمفونی‌های پربازدید تبدیل شده است، کاملاً بدون اینکه تصوری از دست کم گرفته شود. نقشه او در دو بخش کاملاً محقق شد.
قهرمان "ناتمام" قادر به طغیان های روشن اعتراض است ، اما این اعتراض به پیروزی یک اصل تأیید کننده زندگی منجر نمی شود. از نظر شدت درگیری، این سمفونی دست کمی از آثار نمایشی بتهوون ندارد، اما این تضاد سطحی متفاوت دارد، به حوزه غنایی - روانی منتقل می شود. این درام تجربه است، نه عمل. اساس آن مبارزه دو اصل متضاد نیست، بلکه مبارزه درون خود شخصیت است. این مهم ترین ویژگی سمفونیزم رمانتیک است که اولین نمونه آن سمفونی شوبرت بود.
فصلIII. سمفونی در روسیه
میراث سمفونیک آهنگسازان روسی - P.I. چایکوفسکی، A.P. بورودینا، A.G. گلازونوف، اسکریابین، اس.و. راخمانینوف با شروع نیمه دوم قرن نوزدهم، فرم های سختگیرانه سمفونی شروع به فروپاشی کردند. چهار موومان اختیاری شده اند: هم سمفونی های یک موومان (میاسکوفسکی، کانچلی، بوریس چایکوفسکی)، و هم یازده موومان (شوستاکوویچ) و حتی بیست و چهار موومان (هوانس). پایان های آهسته، غیرممکن در سمفونی کلاسیک، ظاهر شد (سمفونی ششم چایکوفسکی، سمفونی سوم و نهم مالر). پس از نهمین سمفونی بتهوون، آهنگسازان به طور فزاینده ای شروع به معرفی قطعات آوازی به سمفونی کردند.
سمفونی دوم الکساندر پورفیریویچ بورودین (1833-1887) یکی از اوج های کار اوست. این به دلیل درخشندگی، اصالت، سبک یکپارچه و اجرای مبتکرانه تصاویر حماسه عامیانه روسیه، به شاهکارهای سمفونیک جهان تعلق دارد. او در مجموع سه سمفونی نوشت (سوم کامل نشد).
الکساندر کنستانتینوویچ گلازونوف (1865-1936) یکی از بزرگترین سمفونیست های روسی است. سبک او به طور منحصر به فردی سنت های خلاقانه گلینکا و بورودین، بالاکیرف و ریمسکی-کورساکوف، چایکوفسکی و تانیف را شکست. او رابط بین کلاسیک های روسی قبل از اکتبر و هنر موسیقی جوان شوروی بود.
3.1. پیوتر ایلیچ چایکوفسکی (1840-1893)
سمفونی در روسیه، اول از همه، چایکوفسکی است. اولین سمفونی "رویاهای زمستانی" اولین اثر اصلی او پس از فارغ التحصیلی از کنسرواتوار سن پترزبورگ بود. این رویداد که امروزه بسیار طبیعی به نظر می رسد، در سال 1866 کاملاً خارق العاده بود. سمفونی روسی - یک چرخه ارکسترال چند حرکتی - در ابتدای راه خود بود. در این زمان، تنها اولین سمفونی های آنتون گریگوریویچ روبینشتاین و اولین نسخه از سمفونی اول نیکولای آندریویچ ریمسکی-کورساکوف وجود داشت که شهرت پیدا نکرد. چایکوفسکی جهان را به طور چشمگیری درک کرد و سمفونی او - بر خلاف سمفونی حماسی بورودین - غنایی-دراماتیک و ماهیت شدیداً متضاد دارد.
شش سمفونی چایکوفسکی و سمفونی برنامه «مانفرد» دنیایی هنری هستند که بر خلاف یکدیگر ساخته شده اند. اگرچه "قوانین" این ژانر، که در خاک اروپای غربی پدید آمد و توسعه یافت، با مهارت برجسته ای رعایت و تفسیر می شود، محتوا و زبان سمفونی ها واقعاً ملی است. به همین دلیل است که آهنگ های فولک در سمفونی های چایکوفسکی بسیار ارگانیک به نظر می رسند.
3.2. الکساندر نیکولایویچ اسکریابین (1872).-1915)
سمفونی اسکریابین بر اساس انکسار خلاقانه سنت های مختلف کلاسیک سمفونیک قرن نوزدهم شکل گرفت. این قبل از هر چیز سنت سمفونیزم دراماتیک چایکوفسکی و تا حدی بتهوون است. در کنار این، آهنگساز برخی از ویژگی های سمفونی عاشقانه برنامه ای لیست را نیز اجرا کرد. برخی از ویژگی های سبک ارکسترال سمفونی های اسکریابین او را تا حدی با واگنر مرتبط می کند. اما همه این منابع مختلف عمیقاً توسط او به طور مستقل پردازش شد. هر سه سمفونی با یک مفهوم ایدئولوژیک مشترک با یکدیگر پیوند تنگاتنگی دارند. ماهیت آن را می توان مبارزه شخصیت انسانی با نیروهای متخاصم که در راه استقرار آزادی قرار دارند تعریف کرد. این مبارزه همیشه با پیروزی قهرمان و پیروزی نور به پایان می رسد.
3.3. دیمیتری دیمیتریویچ شوستاکوویچ (1906-1975)
شوستاکوویچ - آهنگساز و سمفونیست. اگر برای پروکوفیف، با همه تنوع علایق خلاقانه اش، مهمترین چیز تئاتر موزیکال است، برای شوستاکوویچ، برعکس، ژانر اصلی سمفونی است. اینجاست که ایده های اصلی کار او تجسم عمیق و جامعی پیدا می کند. دنیای سمفونی های شوستاکویچ بسیار بزرگ است. در آنها ما کل زندگی بشریت در قرن بیستم را با همه پیچیدگی ها، تضادها، جنگ ها و درگیری های اجتماعی می بینیم.
سمفونی هفتم ("لنینگراد") یکی از برجسته ترین آثار این آهنگساز است. چهار قسمتی است. مقیاس آن بسیار زیاد است: سمفونی بیش از 70 دقیقه طول می کشد که تقریبا نیمی از آن را موومان اول اشغال می کند. یکی از روزنامه های آمریکایی در سال 1942 نوشت: "چه شیطانی می تواند مردمی را شکست دهد که قادر به ساختن موسیقی این چنین هستند." سمفونی هفتم شوستاکوویچ را به حق می توان "سمفونی قهرمانانه" قرن بیستم نامید.
3.4. آلفرد گاریویچ شنیتکه (1934-1998)
شنیتکه آهنگساز، نظریه پرداز موسیقی و معلم شوروی و روسی (نویسنده مقالاتی درباره آهنگسازان روسی و شوروی)، یکی از برجسته ترین چهره های موسیقی نیمه دوم قرن بیستم، هنرمند ارجمند RSFSR است. شنیتکه یکی از رهبران آوانگارد موسیقی است. با وجود محبوبیت زیاد موسیقی این آهنگساز برجسته، موسیقی بسیاری از سمفونی های او هنوز منتشر نشده و به راحتی در روسیه در دسترس نیست. اشنیتکه در آثارش مسائل فلسفی را مطرح کرد که اصلی ترین آنها انسان و محیط زیست بود. اولین سمفونی شامل کلیدوسکوپی از سبک ها، ژانرها و جهت های مختلف موسیقی بود. نقطه شروع ایجاد اولین سمفونی، ارتباط بین سبک های موسیقی جدی و سبک بود. سمفونی دوم و چهارم تا حد زیادی منعکس کننده شکل گیری خودآگاهی مذهبی آهنگساز است. سمفونی دوم مانند یک توده باستانی به نظر می رسد. سمفونی سوم نتیجه نیاز درونی او به بیان نگرش خود نسبت به فرهنگ آلمانی، ریشه های آلمانی خاستگاه خود بود. در سمفونی سوم، کل تاریخ موسیقی آلمان در قالب قطعات کوتاه از پیش شنونده می گذرد. آلفرد شنیتکه رویای خلق دقیقاً نه سمفونی را در سر داشت - و بدین وسیله نوعی تعظیم را به بتهوون و شوبرت که همان تعداد را نوشتند، منتقل کرد. آلفرد شنیتکه سمفونی نهم (1995-1997) را در حالی که به شدت بیمار بود نوشت. سه بار سکته کرد و اصلا تکان نخورد. آهنگساز وقت نداشت تا در نهایت موسیقی را کامل کند. برای اولین بار، تکمیل و نسخه ارکسترال آن توسط گنادی روژدستونسکی اجرا شد که اولین اجرا تحت رهبری او در 19 ژوئن 1998 در مسکو برگزار شد. نسخه تحریریه جدیدی از این سمفونی توسط الکساندر راسکاتوف اجرا شد و در 16 ژوئن 2007 در درسدن اجرا شد.
در نیمه دوم قرن بیستم، ترکیب اصول ژانرهای مختلف در یک اثر - سمفونیک، کر، مجلسی، ساز و آواز - محبوبیت بیشتری یافت. برای مثال، سمفونی چهاردهم شوستاکوویچ سمفونی، آواز مجلسی و موسیقی دستگاهی را با هم ترکیب می کند. اجراهای کرال گاوریلین ترکیبی از ویژگی های اوراتوریو، سمفونی، چرخه آوازی، باله و اجرای نمایشی است.
3.5. میخائیل ژوراولف
در قرن بیست و یکم آهنگسازان با استعداد زیادی وجود دارند که به سمفونی ادای احترام می کنند. یکی از آنها میخائیل ژوراولف است. آهنگساز با مانیفست موسیقایی و همچنین سیاسی خود، جسورانه با چهره هایی از تاریخ موسیقی مانند ال. بتهوون، پی. چایکوفسکی و دی. شوستاکوویچ قدم گذاشت. امروز به راحتی می توان سمفونی دهم ام. علاوه بر جنبه های اخلاقی کلی این سمفونی، باید به جنبه های کاملاً حرفه ای نیز اشاره کرد. نویسنده به خاطر نوآوری برای نوآوری تلاش نمی کند. او حتی گاهی به شدت آکادمیک است و قاطعانه با همه منحط ها و هنرمندان آوانگارد مخالفت می کند. اما او موفق شد چیزی واقعاً جدید بگوید، حرف خودش در ژانر سمفونیک. آهنگساز M. Zhuravlev به طرز شگفت انگیزی از اصول فرم سونات استفاده می کند و هر بار امکانات بی پایان آن را نشان می دهد. موومان سوم و چهارم ترکیبی، در واقع نوعی «سوپرسونات» را نشان می‌دهد که در آن کل موومان چهارم را می‌توان به عنوان بخشی جداگانه از کدا در نظر گرفت. محققان در آینده همچنان باید با این تصمیم ترکیبی خارق العاده دست و پنجه نرم کنند.
نتیجه گیری
سمفونی ها در ابتدا به آن دسته از آثاری گفته می شد که در چارچوب ترکیب های سنتی - از نظر تعداد قطعات، نسبت تمپو، ترکیب سبک های مختلف - چند صدایی (که در قرن هفدهم غالب تلقی می شد) و هوموفونیک در حال ظهور (با همراهی صوتی). در قرن هفدهم، یک سمفونی (که به معنای "همخوانی، توافق، جستجوی صداهای جدید" بود) نام انواع آهنگ های غیرعادی موسیقی بود و در قرن هجدهم، سمفونی های به اصطلاح انحرافی که برای صدا ایجاد می شدند. فضا در رقص و رویدادهای اجتماعی مختلف، گسترده شد. این سمفونی تنها در قرن 18 به عنوان یک ژانر تبدیل شد. از نظر اجرا، سمفونی به درستی یک ژانر بسیار پیچیده در نظر گرفته می شود. این کار به آهنگسازی عظیم، وجود بسیاری از آلات موسیقی کمیاب، مهارت نوازندگان ارکستر و خوانندگان (اگر سمفونی با متن باشد) و آکوستیک عالی نیاز دارد. مانند هر ژانر موسیقی، یک سمفونی قوانین خاص خود را دارد. بنابراین، هنجار برای یک سمفونی کلاسیک یک چرخه چهار موومان است، با یک سونات (پیچیده ترین) در لبه ها، با یک حرکت آهسته و رقص در وسط آهنگسازی. این ساختار تصادفی نیست. این سمفونی فرآیندهای ارتباط فرد با جهان را منعکس می کند: فعال - در قسمت اول، اجتماعی - در قسمت چهارم، تفکر و بازی - در بخش های مرکزی چرخه. موسیقی سمفونیک در نقاط عطف توسعه خود، قوانین پایدار خود را تغییر داد. و آن پدیده هایی در عرصه هنر که ابتدا شوک ایجاد کردند، سپس آشنا شدند. به عنوان مثال، یک سمفونی با آواز و شعر نه تنها یک تصادف، بلکه به یکی از روندهای توسعه این ژانر تبدیل شد.
آهنگسازان مدرن امروزی ژانرهای مجلسی را که به گروه بازیگران کوچک تری نیاز دارند، به فرم های سمفونیک ترجیح می دهند. در این نوع کنسرت ها حتی از فونوگرام با ضبط نویز یا نوعی جلوه های الکترونیکی- آکوستیک استفاده می کنند. زبان موسیقایی که امروزه در موسیقی مدرن پرورش داده می شود بسیار تجربی و اکتشافی است. اعتقاد بر این است که امروزه نوشتن موسیقی برای یک ارکستر به معنای قرار دادن آن روی میز است. بسیاری بر این باورند که دوران سمفونی به عنوان ژانری که آهنگسازان جوان در آن کار می کنند قطعا به پایان رسیده است. اما آیا واقعا اینطور است؟
مراجع:
- Averyanova O.I. ادبیات موسیقی داخلی قرن بیستم: کتاب درسی. کمک هزینه مدرسه موسیقی کودکان: پنجشنبه. سال تدریس موضوع - م.: موسیقی، 2009. - 256 ص.
- بورودین. سمفونی دوم ("Bogatyrskaya") / مقاله - [منبع الکترونیکی] - حالت دسترسی - URL: http://belcanto.ru/s_borodin_2.html
- سمفونی قهرمانانه قرن بیست و یکم / مقاله وی. فیلاتوف // نثر. ru - [منبع الکترونیکی] - حالت دسترسی - URL: http://www.proza.ru/2010/08/07/459
- Levik B.V. ادبیات موسیقی کشورهای خارجی: راهنمای آموزشی و روش شناختی. جلد 2. - م.: موسیقی، 1975. - 301 ص.
- Prokhorova I. ادبیات موسیقی کشورهای خارجی: برای کلاس پنجم. مدرسه موسیقی کودکان: کتاب درسی M.: موسیقی، 2000. - 112 ص.
- ادبیات موسیقی روسیه. جلد 4. اد. م.ک. میخائیلووا، ای.ال. سرخ شده. - لنینگراد: "موسیقی"، 1986. - 264 ص.
- سمفونی // یاندکس. دیکشنری ها › TSB، 1969-1978 - [منبع الکترونیکی] - حالت دسترسی - URL: http://slovari.yandex.ru/~books/TSE/Symphony/
- سمفونی. // ویکی پدیا دانشنامه رایگان - [منبع الکترونیکی] - حالت دسترسی - URL: http://ru.wikipedia.org/wiki/Symphony http://www.tchaikov.ru/symphony.html
- شوبرت، سمفونی "ناتمام" // سخنرانی در مورد ادبیات موسیقی musike.ru - [منبع الکترونیکی] - حالت دسترسی - URL: http://musike.ru/index.php?id=54
♫♪ ♫♪ ♫♪
سمفونی دوم (قهرمانانه) اثر الکساندر بورودین (B-FLAT MINOR، 1869–1876)
در روسیه، در نیمه دوم قرن نوزدهم، یک ایده ثابت در میان آهنگسازان به بلوغ رسیده بود: زمان آن رسیده بود که سمفونی روسی خود را ایجاد کنند. در آن زمان، در اروپا، سمفونی با گذراندن تمام مراحل زنجیره تکاملی خود، صدمین سالگرد خود را جشن گرفت: از اورتور اپرا، که صحنه تئاتر را ترک کرد و جدا از اپرا اجرا شد، تا آثار عظیمی مانند سمفونی شماره 9 بتهوون. (1824) یا سمفونی فانتزی برلیوز (1830). در روسیه، مد این ژانر مورد توجه قرار نگرفت: آنها یک بار، دو بار آن را امتحان کردند (دیمیتری بورتنیانسکی - سمفونی کنسرت، 1790؛ الکساندر آلیابیف - سمفونی در مینور، ماژور الکترونیکی) - و آنها این ایده را رها کردند تا بتوانند دهه‌ها بعد در آثار آنتون روبینشتاین، میلیا بالاکیرف، نیکولای ریمسکی-کورساکوف، الکساندر بورودین و دیگران به آن بازگشت.
آهنگسازان مذکور کاملاً درست قضاوت کردند و متوجه شدند که تنها چیزی که یک سمفونی روسی در پس زمینه فراوانی اروپایی می تواند به آن ببالد، طعم ملی آن است. و بورودین در این مورد برابری ندارد. موسیقی او از وسعت دشت های بی پایان، شجاعت شوالیه های روسی، صداقت ترانه های محلی با نت های دردناک و تأثیرگذار آنها تنفس می کند. نماد سمفونی موضوع اصلی موومان اول بود که با شنیدن آن دوست آهنگساز و مربی موسیقی شناس ولادیمیر استاسوف دو نام را پیشنهاد کرد: اول "شیر زن" و سپس یک ایده مناسب تر: "Bogatyrskaya".
بر خلاف آثار سمفونیک همان بتهوون یا برلیوز، بر اساس احساسات و تجربیات انسانی، سمفونی بوگاتیر از زمان، تاریخ و مردم می گوید. هیچ درام در موسیقی وجود ندارد، هیچ تضاد آشکاری وجود ندارد: شبیه مجموعه‌ای از نقاشی‌های آرام در حال تغییر است. و این اساساً در ساختار سمفونی منعکس شده است، جایی که حرکت آهسته، معمولاً در رتبه دوم، و اسکرزوی پر جنب و جوش (به طور سنتی پس از آن) جای خود را تغییر می دهند، و پایان، به شکل کلی، ایده های اول را تکرار می کند. حرکت بورودین به این ترتیب توانست به حداکثر کنتراست در تصویرسازی موسیقایی حماسه ملی دست یابد و مدل ساختاری بوگاتیرسکایا متعاقباً به عنوان الگویی برای سمفونی های حماسی گلازونوف، میاسکوفسکی و پروکوفیف عمل کرد.
آی. آلگرو (00:00)
II. Scherzo: Prestissimo - Trio: Allegretto (07:50)
III. آندانته (13:07)
IV. فینال: آلگرو (23:42)
♫♪ ♫♪ ♫♪
سمفونی ششم (غم انگیز) پیتر چایکوفسکی (بی مینور، 1893)
شواهد، تفسیر و تلاش برای توضیح محتوای آن بسیار زیاد است که کل شرح این اثر می‌تواند شامل نقل قول باشد. در اینجا یکی از آنها، از نامه چایکوفسکی به برادرزاده اش ولادیمیر داویدوف، که سمفونی به او تقدیم شده است، آمده است: "در طول سفر، ایده سمفونی دیگری را داشتم، این بار برنامه ای، اما با برنامه ای که باقی می ماند. یک راز برای همه این برنامه بیشتر از همه با ذهنیت آغشته است و اغلب در سفرهایم با ساختن ذهنی آن، گریه زیادی می‌کردم.» این چه نوع برنامه ای است؟ چایکوفسکی این را به پسر عمویش آنا مرکلینگ اعتراف می کند که پیشنهاد کرد زندگی خود را در این سمفونی شرح دهد. آهنگساز تایید کرد: "بله، درست حدس زدی."
در اوایل دهه 1890، فکر نوشتن خاطرات بارها به سراغ چایکوفسکی رفت. طرح هایی برای سمفونی ناتمام او به نام «زندگی» به این زمان برمی گردد. با قضاوت بر اساس پیش نویس های باقی مانده، آهنگساز برنامه ریزی کرد تا مراحل انتزاعی خاصی از زندگی را به تصویر بکشد: جوانی، عطش فعالیت، عشق، ناامیدی، مرگ. با این حال، طرح عینی برای چایکوفسکی کافی نبود و کار قطع شد، اما در سمفونی ششم او منحصراً توسط تجربیات شخصی هدایت شد. چقدر روح آهنگساز باید بیمار بوده باشد که موسیقی با چنین قدرت تأثیر باورنکردنی و شگفت انگیزی متولد شود!
بخش اول غنایی-تراژیک و پایان آن با تصویر مرگ پیوند ناگسستنی دارد (در توسعه قسمت اول به مضمون سرود معنوی "آرامش با مقدسین" اشاره شده است) همانطور که خود چایکوفسکی با اشاره به این سمفونی شهادت داد. در پاسخ به پیشنهاد دوک بزرگ کنستانتین رومانوف برای نوشتن "رکوئیم" به همین دلیل است که اینترمزوی غنایی روشن (والس پنج ضربی در قسمت دوم) و اسکرزوی موقر و پیروزمندانه به شدت درک می شوند. بحث های زیادی در مورد نقش دومی در ترکیب وجود دارد. به نظر می رسد که چایکوفسکی تلاش می کرد بیهودگی شکوه و شادی زمینی را در برابر فقدان اجتناب ناپذیر نشان دهد و از این طریق سخن بزرگ سلیمان را تأیید کند: «همه چیز می گذرد. این هم خواهد گذشت.»
1. Adagio - Allegro non troppo 00:00
2. Allegro con grazia 18:20
3. Allegro molto vivace 25:20
4. فینال. Adagio lamentoso 33:44
♫♪ ♫♪ ♫♪
سمفونی سوم ("شعر الهی") اثر الکساندر اسکریابین (C مینور، 1904)
اگر در یک غروب تاریک پاییزی از خانه-موزه الکساندر اسکریابین در مسکو دیدن کنید، مطمئناً فضای وهم آلود و مرموزی را که در طول زندگی آهنگساز احاطه کرده بود، احساس خواهید کرد. ساختار عجیبی از لامپ های رنگی روی میز اتاق نشیمن، حجم های پر از فلسفه و غیبت پشت شیشه ابری در قفسه کتاب، و در نهایت، اتاق خوابی با ظاهر زاهدانه، جایی که اسکریابین، که تمام عمر از مرگ می ترسید. در اثر مسمومیت خون، بر اثر سپسیس درگذشت. مکانی تاریک و اسرارآمیز که جهان بینی آهنگساز را به خوبی نشان می دهد.
کمتر نشان دهنده تفکر اسکریابین، سمفونی سوم اوست که به اصطلاح دوره میانی خلاقیت را باز می کند. در این زمان، اسکریابین به تدریج دیدگاه های فلسفی خود را تدوین کرد که ماهیت آن این است که کل جهان نتیجه خلاقیت و افکار خود شخص است (سولیسیسم در مرحله افراطی خود) و آفرینش جهان و آفرینش هنر. اساساً فرآیندهای مشابهی هستند. این فرآیندها به این صورت پیش می روند: از هرج و مرج اولیه کسالت خلاق، دو اصل به وجود می آید - فعال و منفعل (مرد و زن). اولی حامل انرژی الهی است، دومی جهان مادی را با زیبایی های طبیعی خود به وجود می آورد. تعامل این اصول اروس کیهانی را ایجاد می کند که منجر به خلسه می شود - پیروزی آزاد روح.
مهم نیست که همه موارد فوق چقدر عجیب به نظر می رسد، اسکریابین صادقانه به این مدل از پیدایش اعتقاد داشت که بر اساس آن سمفونی سوم نوشته شد. بخش اول آن "مبارزه" (مبارزه مرد-برده، تسلیم فرمانروای عالی جهان و انسان-خدا) نام دارد، بخش دوم - "لذت ها" (شخصی تسلیم شادی های دنیای حسی است. ، در طبیعت حل می شود) و در نهایت سوم - "بازی الهی" (روح آزاد شده ، "که جهان را تنها با قدرت اراده خلاق خود می آفریند" ، "لذت عالی فعالیت آزاد" را درک می کند). اما فلسفه فلسفه است و خود موسیقی شگفت‌انگیز است و تمام قابلیت‌های صدای یک ارکستر سمفونیک را آشکار می‌کند.
I. لنتو
II. لوتس
III. Voluptes
IV. جو دیوین
♫♪ ♫♪ ♫♪
سمفونی اول (کلاسیک) اثر سرگئی پروکوفیف (دی ماژور، 1916–1917)
سال 1917، سال های سخت جنگ، انقلاب است. به نظر می رسد هنر باید غمگینانه اخم کند و از چیزهای دردناک بگوید. اما افکار غم انگیز برای موسیقی پروکوفیف نیست - آفتابی، درخشان، جذاب جوان. این اولین سمفونی اوست.
این آهنگساز حتی در دوران دانشجویی به آثار کلاسیک وینی علاقه مند بود. حالا یک اثر لا هایدن از قلم او آمده است. پروکوفیف در مورد ذهنیت خود اظهار داشت: "به نظرم می رسید که اگر هایدن تا امروز زندگی می کرد، سبک نویسندگی خود را حفظ می کرد و در عین حال چیز جدیدی را اتخاذ می کرد."
آهنگساز یک ترکیب متوسط از ارکستر را انتخاب کرد، دوباره با روح کلاسیک وین - بدون برنج سنگین. بافت و ارکستراسیون سبک و شفاف است، مقیاس کار زیاد نیست، ترکیب بندی هماهنگ و منطقی است. در یک کلام، بسیار یادآور آثار کلاسیک گرایی است که به اشتباه در قرن بیستم متولد شده است. با این حال ، نمادهای کاملاً پروکوفیف نیز وجود دارد ، به عنوان مثال ، ژانر مورد علاقه او گاووت در موومان سوم به جای اسکرزو (آهنگساز بعداً از این ماده موسیقی در باله "رومئو و ژولیت" استفاده کرد) و همچنین یک "فلفل" تند. ” هارمونی و ورطه ای از طنز موسیقی.
0:33 آی. آلگرو
5:20 II. لارگتو
9:35 III. گاوتا (غیر troppo allegro)
11:17 چهارم. فینال (Molto vivace)
♫♪ ♫♪ ♫♪
سمفونی هفتم (لنینگراد) اثر دیمیتری شوستاکوویچ (سی ماژور، 1941)
در 2 ژوئیه 1942، یک خلبان بیست ساله، ستوان لیتوینوف، به طور معجزه آسایی از محاصره دشمن شکست و موفق شد دارو و چهار کتاب موسیقی چاق و چاق با آهنگ سمفونی هفتم D.D. را به محاصره لنینگراد بیاورد. شوستاکوویچ، و روز بعد یادداشت کوتاهی در لنینگرادسکایا پراودا ظاهر شد: "پارتیتور سمفونی هفتم دیمیتری شوستاکوویچ با هواپیما به لنینگراد تحویل داده شد. اجرای عمومی آن در تالار بزرگ فیلارمونیک خواهد بود.»
رویدادی که تاریخ موسیقی هرگز مشابه آن را نمی شناسد: در یک شهر محاصره شده، نوازندگان بسیار خسته (همه کسانی که جان سالم به در برده بودند) تحت رهبری رهبر ارکستر کارل الیاسبرگ، سمفونی جدید شوستاکوویچ را اجرا کردند. همان آهنگی که آهنگساز در هفته های اول محاصره ساخت، تا اینکه او و خانواده اش به کویبیشف (سامارا) تخلیه شدند. در روز نمایش لنینگراد، 9 اوت 1942، سالن بزرگ فیلارمونیک لنینگراد پر شد از ساکنان شهر خسته با چهره‌های شفاف، اما در عین حال با لباس‌های زیبا، و پرسنل نظامی که مستقیماً از دانشگاه آمده بودند. خط مقدم این سمفونی از طریق بلندگوهای رادیو به خیابان ها پخش شد. آن شب، تمام دنیا ایستادند و به شاهکار بی‌سابقه نوازندگان گوش دادند.
قابل توجه است، اما موضوع معروف در روح "بولرو" راول، که اکنون معمولاً با ارتش فاشیستی که بدون فکر در حال حرکت و نابود کردن همه چیز در مسیر خود است، توسط شوستاکوویچ حتی قبل از شروع جنگ نوشته شده است. با این حال، به طور طبیعی در قسمت اول سمفونی لنینگراد گنجانده شد و جای به اصطلاح "قسمت تهاجم" را گرفت. پایان تأیید کننده زندگی نیز نبوی بود و پیروزی آرزویی را پیش بینی می کرد که هنوز سه سال و نیم طولانی از آن جدا بود ...
I. آلگرتو 00:00
II. Moderato (poco allegretto) 26:25
III. Adagio 37:00
IV. Allegro non troppo 53:40
♫♪ ♫♪ ♫♪
(از یونانی "همصدا") - قطعه ای برای ارکستر، متشکل از چندین بخش. سمفونی موزیکال ترین شکل موسیقی ارکسترال کنسرت است.
ساختار کلاسیک
به دلیل شباهت نسبی ساختار به سونات، سمفونی را می توان سونات بزرگ برای ارکستر نامید. سونات و سمفونی و همچنین سه گانه، کوارتت و غیره متعلق به "چرخه سونات-سمفونیک" هستند - یک فرم موسیقی دوره ای یک اثر که در آن مرسوم است حداقل یکی از قسمت ها (معمولاً اولین) در سونات ارائه شود. فرم. چرخه سونات-سمفونیک بزرگترین فرم چرخه ای در بین فرم های صرفاً دستگاهی است.
یک سمفونی کلاسیک مانند سونات دارای چهار موومان است:
- قسمت اول، با سرعتی سریع، به شکل سونات نوشته شده است.
- قسمت دوم، در حرکت آهسته، به شکل یک روندو، کمتر به صورت سونات یا فرم تغییر نوشته شده است.
- موومان سوم، شرزو یا مینوئت به شکل سه جانبه.
- موومان چهارم، با تمپوی سریع، به صورت سونات یا به صورت روندو، سونات روندو.
اگر موومان اول با سرعت متوسط نوشته شود، برعکس، ممکن است موومان سوم سریع و آهسته (مثلاً سمفونی نهم بتهوون) به دنبال آن باشد.
با توجه به اینکه سمفونی برای یک ارکستر بزرگ طراحی شده است، هر بخش در آن با جزئیات بیشتر و گسترده تر از مثلاً در یک سونات پیانو معمولی نوشته شده است، زیرا ثروت ابزار بیانی یک ارکستر سمفونیک ارائه دقیق موسیقی را فراهم می کند. فکر کرد.
تاریخچه سمفونی
اصطلاح سمفونی در یونان باستان، قرون وسطی، و عمدتاً برای توصیف سازهای مختلف، به ویژه سازهایی که قادر به تولید بیش از یک صدا در یک زمان بودند، استفاده می شد. بنابراین، در آلمان، تا اواسط قرن 18، سمفونی یک اصطلاح عمومی برای انواع هارپسیکوردها - اسپینت ها و باکره ها در فرانسه بود، این نامی بود که به اندام های بشکه ای، هارپسیکوردها، طبل های دو سر و غیره داده می شد.
کلمه سمفونی، برای اشاره به آثار موسیقی که با هم صدا می کنند، در عناوین برخی از آثار قرن 16 و 17 توسط آهنگسازانی مانند جیووانی گابریلی (Sacrae symphoniae، 1597، و Symphoniae sacrae 1615)، آدریانو بانچیری (Eclesia) ظاهر شد. Sinfonie، 1607)، Lodovico Grossi da Viadana (Sinfonie musicali، 1610) و هاینریش شوتز (Symphoniae sacrae، 1629).
نمونه اولیه این سمفونی را می توان آن چیزی دانست که در دوران دومنیکو اسکارلاتی در پایان قرن هفدهم شکل گرفت. این فرم قبلاً یک سمفونی نامیده می شد و از سه بخش متضاد تشکیل می شد: آلگرو، اندانته و آلگرو که در یک کل ادغام شدند. این فرم است که اغلب به عنوان پیشرو مستقیم سمفونی ارکسترال دیده می شود. اصطلاحات "اورتور" و "سمفونی" در بیشتر قرن هجدهم به جای یکدیگر استفاده می شدند.
دیگر اجداد مهم سمفونی، سوئیت ارکسترال، متشکل از چندین موومان در ساده‌ترین فرم‌ها و بیشتر در یک کلید، و کنسرتو ریپینو، فرمی یادآور کنسرتو برای زه‌ها و زه‌ها، اما بدون سازهای سولو بود. آثار جوزپه تورلی به این شکل خلق شدند و شاید معروف ترین کنسرتو ریپینو کنسرتو شماره 3 براندنبورگ یوهان سباستین باخ باشد.
او را بنیانگذار مدل سمفونی کلاسیک می دانند. در سمفونی کلاسیک فقط موومان اول و آخر دارای تناژ یکسانی هستند و قسمت های میانی با کلیدهای مربوط به اصلی نوشته می شود که تونالیته کل سمفونی را مشخص می کند. نمایندگان برجسته سمفونی کلاسیک ولفگانگ آمادئوس موتزارت و لودویگ ون بتهوون هستند. بتهوون به طور چشمگیری سمفونی را گسترش داد. سمفونی شماره 3 او ("Eroica") دارای مقیاس و دامنه احساسی است که از همه آثار قبلی فراتر می رود و سمفونی شماره 5 او شاید مشهورترین سمفونی است که تاکنون نوشته شده است. سمفونی شماره 9 او با گنجاندن قطعاتی برای تکنوازان و گروه کر در موومان آخر به یکی از اولین "سمفونی های کر" تبدیل می شود.
سمفونی رمانتیک ترکیبی از فرم کلاسیک با بیان رمانتیک شد. روند نرم افزار نیز در حال توسعه است. ظاهر شود. وجه تمایز اصلی رمانتیسم رشد فرم، ترکیب ارکستر و تراکم صدا بود. از برجسته ترین نویسندگان سمفونی های این دوره می توان به فرانتس شوبرت، رابرت شومان، فلیکس مندلسون، هکتور برلیوز، یوهانس برامس، پی. آی چایکوفسکی، آ. بروکنر و گوستاو مالر اشاره کرد.
با شروع نیمه دوم قرن نوزدهم و به ویژه در قرن بیستم، دگرگونی بیشتری در سمفونی رخ داد. ساختار چهار موومانی اختیاری شده است: سمفونی ها می توانند از یک (سمفونی هفتم) تا یازده (سمفونی چهاردهم اثر دی. شوستاکوویچ) یا بیشتر داشته باشند. بسیاری از آهنگسازان اندازه سمفونی ها را آزمایش کردند، بنابراین گوستاو مالر هشتمین سمفونی خود را به نام "سمفونی هزار شرکت کننده" (به دلیل قدرت ارکستر و گروه های کر مورد نیاز برای اجرای آن) ایجاد کرد. استفاده از فرم سونات اختیاری می شود.
پس از سمفونی نهم ال. بتهوون، آهنگسازان اغلب شروع به معرفی قطعات آوازی به سمفونی کردند. با این حال، مقیاس و محتوای مواد موسیقی ثابت باقی می ماند.
فهرست نویسندگان برجسته سمفونی
جوزف هایدن - 108 سمفونی
ولفگانگ آمادئوس موتزارت - 41 (56) سمفونی
لودویگ ون بتهوون - 9 سمفونی
فرانتس شوبرت - 9 سمفونی
رابرت شومان - 4 سمفونی
فلیکس مندلسون - 5 سمفونی
هکتور برلیوز - چندین سمفونی برنامه
آنتونین دووراک - 9 سمفونی
یوهانس برامس - 4 سمفونی
پیوتر چایکوفسکی - 6 سمفونی (و همچنین سمفونی مانفرد)
آنتون بروکنر - 10 سمفونی
گوستاو مالر - 10 سمفونی
- 7 سمفونی
سرگئی راخمانینوف - 3 سمفونی
ایگور استراوینسکی - 5 سمفونی
سرگئی پروکوفیف - 7 سمفونی
دیمیتری شوستاکوویچ - 15 سمفونی (همچنین چندین سمفونی مجلسی)
آلفرد اشنیتکه - 9 سمفونی
سمفونی (از یونانی "همصدا") یک اثر موسیقایی است، معمولا به شکل چرخه ای سونات، که برای اجرا توسط یک ارکستر سمفونیک در نظر گرفته شده است. یکی از مهمترین ژانرهای موسیقی سمفونیک.
به دلیل شباهت ساختاری با سونات، سونات و سمفونی با نام عمومی «چرخه سونات-سمفونیک» ترکیب می‌شوند. یک سمفونی کلاسیک (همانطور که در آثار کلاسیک های وینی - هایدن، موتسارت و بتهوون نشان داده شده است) معمولاً دارای چهار موومان است.
- موومان اول، تمپوی سریع، نوشته شده به صورت سونات
- موومان دوم، در حرکت آهسته، به صورت واریاسیون، روندو، روندو - سونات، سه حرکت پیچیده، کمتر به صورت سونات نوشته می شود.
- موومان سوم - اسکرو یا مینوئت به شکل سه قسمتی داکاپو با سه نفر (یعنی طبق طرح A-trio-A)
- موومان چهارم، با سرعت تند - به صورت سونات، به صورت روندو یا روندو - سونات
سمفونی برنامه سمفونی است که با محتوای شناخته شده تنظیم شده در برنامه مرتبط است (برای مثال در عنوان یا اپیگراف بیان شده است). به عنوان مثال، "سمفونی شبانی" بتهوون، "سمفونی فانتزیک" اثر برلیوز، و غیره. دیترزدورف، روزت و هایدن اولین کسانی بودند که در برنامه سمفونی قرار گرفتند.
نمونه اولیه این سمفونی را می توان اورتور ایتالیایی در نظر گرفت که تحت رهبری اسکارلاتی در پایان قرن هفدهم شکل گرفت. این فرم قبلاً یک سمفونی نامیده می شد و شامل آلگرو، andante I allegro بود که در یک کل ادغام شده بود. از سوی دیگر، پیشین سمفونی یک سونات ارکسترال بود که شامل چندین موومان به ساده ترین اشکال و عمدتاً در یک کلید بود. در سمفونی کلاسیک فقط اولین و آخرین موومان کلیدهای یکسانی دارند و قسمت میانی با کلیدهای مربوط به اصلی نوشته می شود که کلید کل سمفونی را مشخص می کند. هایدن را خالق فرم سمفونی کلاسیک و رنگ ارکستری می دانند. موتزارت و بتهوون سهم قابل توجهی در توسعه آن داشتند. از نظر توسعه فرم سمفونیک و ارکستراسیون، بتهوون را می توان بزرگترین آهنگساز-سمفونیست دوره کلاسیک نامید. شومان در قالب یک سمفونی، کلمه جدیدی (به ویژه سمفونی در مینور) گفت و تجربه ادغام تمام اجزای آن در یک کل و معرفی یک موضوع موضوعی مقطعی را به وجود آورد. با این حال، یک موضوع موضوعی مقطعی در بتهوون در سمفونی نهم او یافت می شود.
از نیمه دوم قرن نوزدهم، اشکال سختگیرانه سمفونی شروع به فروپاشی کردند. چهار قسمت اختیاری شده است: هم سمفونی های یک موومان (میاسکوفسکی، کانلی، بی. چایکوفسکی)، و هم یازده قسمت (شوستاکوویچ) و حتی بیست و چهار قسمت (هوانس). پایان های آهسته، غیرممکن در سمفونی کلاسیک، ظاهر شد (سمفونی ششم چایکوفسکی، سمفونی سوم و نهم مالر). پس از سمفونی نهم بتهوون، آهنگسازان شروع به معرفی بیشتر قطعات آوازی به سمفونی کردند.
پدیده های قابل توجه در تاریخ سمفونی به عنوان یک ژانر، آثار آهنگسازانی مانند فرانتس شوبرت، فلیکس مندلسون، یوهانس برامس، آنتونین دووراک، آنتون بروکنر، گوستاو مالر، سزار فرانک، ژان سیبلیوس، پویل هیندمیت، آنتون وبر بود. در موسیقی روسی، پایه و اساس ژانر سمفونی توسط آثار آنتون روبینشتاین، پیوتر چایکوفسکی، الکساندر بورودین، نیکولای ریمسکی-کورساکوف، الکساندر گلازونوف، نیکولای میاسکوفسکی، الکساندر اسکریابین، سرگئی پروکوفیف، دیمیتری شوستاکوویچ، موزس وین گذاشته شد.
در دنیای موسیقی، آثار بی نظیر و نمادینی وجود دارد که صداهای آن ها وقایع زندگی موسیقایی را می نویسند. برخی از این آثار نمایانگر یک پیشرفت انقلابی در هنر هستند، برخی دیگر با مفهومی پیچیده و عمیق متمایز می شوند، برخی دیگر با تاریخ خارق العاده خلقت خود شگفت زده می شوند، چهارمی ها ارائه بی نظیری از سبک آهنگساز هستند و پنجمی ها بسیار زیبا هستند. موسیقی هایی که نمی توان به آنها اشاره نکرد. به اعتبار هنر موسیقی، چنین آثار زیادی وجود دارد، و به عنوان مثال، اجازه دهید در مورد پنج سمفونی منتخب روسی صحبت کنیم که منحصر به فرد بودن آنها دشوار است.♫♪ ♫♪ ♫♪
سمفونی دوم (قهرمانانه) اثر الکساندر بورودین (B-FLAT MINOR، 1869–1876)
در روسیه، در نیمه دوم قرن نوزدهم، یک ایده ثابت در میان آهنگسازان به بلوغ رسیده بود: زمان آن رسیده بود که سمفونی روسی خود را ایجاد کنند. در آن زمان، در اروپا، سمفونی با گذراندن تمام مراحل زنجیره تکاملی خود، صدمین سالگرد خود را جشن گرفت: از اورتور اپرا، که صحنه تئاتر را ترک کرد و جدا از اپرا اجرا شد، تا آثار عظیمی مانند سمفونی شماره 9 بتهوون. (1824) یا سمفونی فانتزی برلیوز (1830). در روسیه، مد این ژانر مورد توجه قرار نگرفت: آنها یک بار، دو بار آن را امتحان کردند (دیمیتری بورتنیانسکی - سمفونی کنسرت، 1790؛ الکساندر آلیابیف - سمفونی در مینور، ماژور الکترونیکی) - و آنها این ایده را رها کردند تا بتوانند دهه‌ها بعد در آثار آنتون روبینشتاین، میلیا بالاکیرف، نیکولای ریمسکی-کورساکوف، الکساندر بورودین و دیگران به آن بازگشت.
آهنگسازان مذکور کاملاً درست قضاوت کردند و متوجه شدند که تنها چیزی که یک سمفونی روسی در پس زمینه فراوانی اروپایی می تواند به آن ببالد، طعم ملی آن است. و بورودین در این مورد برابری ندارد. موسیقی او از وسعت دشت های بی پایان، شجاعت شوالیه های روسی، صداقت ترانه های محلی با نت های دردناک و تأثیرگذار آنها تنفس می کند. نماد سمفونی موضوع اصلی موومان اول بود که با شنیدن آن دوست آهنگساز و مربی موسیقی شناس ولادیمیر استاسوف دو نام را پیشنهاد کرد: اول "شیر زن" و سپس یک ایده مناسب تر: "Bogatyrskaya".
بر خلاف آثار سمفونیک همان بتهوون یا برلیوز، بر اساس احساسات و تجربیات انسانی، سمفونی بوگاتیر از زمان، تاریخ و مردم می گوید. هیچ درام در موسیقی وجود ندارد، هیچ تضاد آشکاری وجود ندارد: شبیه مجموعه‌ای از نقاشی‌های آرام در حال تغییر است. و این اساساً در ساختار سمفونی منعکس شده است، جایی که حرکت آهسته، معمولاً در رتبه دوم، و اسکرزوی پر جنب و جوش (به طور سنتی پس از آن) جای خود را تغییر می دهند، و پایان، به شکل کلی، ایده های اول را تکرار می کند. حرکت بورودین به این ترتیب توانست به حداکثر کنتراست در تصویرسازی موسیقایی حماسه ملی دست یابد و مدل ساختاری بوگاتیرسکایا متعاقباً به عنوان الگویی برای سمفونی های حماسی گلازونوف، میاسکوفسکی و پروکوفیف عمل کرد.
آی. آلگرو (00:00)
II. Scherzo: Prestissimo - Trio: Allegretto (07:50)
III. آندانته (13:07)
IV. فینال: آلگرو (23:42)
♫♪ ♫♪ ♫♪
سمفونی ششم (غم انگیز) پیتر چایکوفسکی (بی مینور، 1893)
شواهد، تفسیر و تلاش برای توضیح محتوای آن بسیار زیاد است که کل شرح این اثر می‌تواند شامل نقل قول باشد. در اینجا یکی از آنها، از نامه چایکوفسکی به برادرزاده اش ولادیمیر داویدوف، که سمفونی به او تقدیم شده است، آمده است: "در طول سفر، ایده سمفونی دیگری را داشتم، این بار برنامه ای، اما با برنامه ای که باقی می ماند. یک راز برای همه این برنامه بیشتر از همه با ذهنیت آغشته است و اغلب در سفرهایم با ساختن ذهنی آن، گریه زیادی می‌کردم.» این چه نوع برنامه ای است؟ چایکوفسکی این را به پسر عمویش آنا مرکلینگ اعتراف می کند که پیشنهاد کرد زندگی خود را در این سمفونی شرح دهد. آهنگساز تایید کرد: "بله، درست حدس زدی."
در اوایل دهه 1890، فکر نوشتن خاطرات بارها به سراغ چایکوفسکی رفت. طرح هایی برای سمفونی ناتمام او به نام «زندگی» به این زمان برمی گردد. با قضاوت بر اساس پیش نویس های باقی مانده، آهنگساز برنامه ریزی کرد تا مراحل انتزاعی خاصی از زندگی را به تصویر بکشد: جوانی، عطش فعالیت، عشق، ناامیدی، مرگ. با این حال، طرح عینی برای چایکوفسکی کافی نبود و کار قطع شد، اما در سمفونی ششم او منحصراً توسط تجربیات شخصی هدایت شد. چقدر روح آهنگساز باید بیمار بوده باشد که موسیقی با چنین قدرت تأثیر باورنکردنی و شگفت انگیزی متولد شود!
بخش اول غنایی-تراژیک و پایان آن با تصویر مرگ پیوند ناگسستنی دارد (در توسعه قسمت اول به مضمون سرود معنوی "آرامش با مقدسین" اشاره شده است) همانطور که خود چایکوفسکی با اشاره به این سمفونی شهادت داد. در پاسخ به پیشنهاد دوک بزرگ کنستانتین رومانوف برای نوشتن "رکوئیم" به همین دلیل است که اینترمزوی غنایی روشن (والس پنج ضربی در قسمت دوم) و اسکرزوی موقر و پیروزمندانه به شدت درک می شوند. بحث های زیادی در مورد نقش دومی در ترکیب وجود دارد. به نظر می رسد که چایکوفسکی تلاش می کرد بیهودگی شکوه و شادی زمینی را در برابر فقدان اجتناب ناپذیر نشان دهد و از این طریق سخن بزرگ سلیمان را تأیید کند: «همه چیز می گذرد. این هم خواهد گذشت.»
1. Adagio - Allegro non troppo 00:00
2. Allegro con grazia 18:20
3. Allegro molto vivace 25:20
4. فینال. Adagio lamentoso 33:44
♫♪ ♫♪ ♫♪
سمفونی سوم ("شعر الهی") اثر الکساندر اسکریابین (C مینور، 1904)
اگر در یک غروب تاریک پاییزی از خانه-موزه الکساندر اسکریابین در مسکو دیدن کنید، مطمئناً فضای وهم آلود و مرموزی را که در طول زندگی آهنگساز احاطه کرده بود، احساس خواهید کرد. ساختار عجیبی از لامپ های رنگی روی میز اتاق نشیمن، حجم های پر از فلسفه و غیبت پشت شیشه ابری در قفسه کتاب، و در نهایت، اتاق خوابی با ظاهر زاهدانه، جایی که اسکریابین، که تمام عمر از مرگ می ترسید. در اثر مسمومیت خون، بر اثر سپسیس درگذشت. مکانی تاریک و اسرارآمیز که جهان بینی آهنگساز را به خوبی نشان می دهد.
کمتر نشان دهنده تفکر اسکریابین، سمفونی سوم اوست که به اصطلاح دوره میانی خلاقیت را باز می کند. در این زمان، اسکریابین به تدریج دیدگاه های فلسفی خود را تدوین کرد که ماهیت آن این است که کل جهان نتیجه خلاقیت و افکار خود شخص است (سولیسیسم در مرحله افراطی خود) و آفرینش جهان و آفرینش هنر. اساساً فرآیندهای مشابهی هستند. این فرآیندها به این صورت پیش می روند: از هرج و مرج اولیه کسالت خلاق، دو اصل به وجود می آید - فعال و منفعل (مرد و زن). اولی حامل انرژی الهی است، دومی جهان مادی را با زیبایی های طبیعی خود به وجود می آورد. تعامل این اصول اروس کیهانی را ایجاد می کند که منجر به خلسه می شود - پیروزی آزاد روح.
مهم نیست که همه موارد فوق چقدر عجیب به نظر می رسد، اسکریابین صادقانه به این مدل از پیدایش اعتقاد داشت که بر اساس آن سمفونی سوم نوشته شد. بخش اول آن "مبارزه" (مبارزه مرد-برده، تسلیم فرمانروای عالی جهان و انسان-خدا) نام دارد، بخش دوم - "لذت ها" (شخصی تسلیم شادی های دنیای حسی است. ، در طبیعت حل می شود) و در نهایت سوم - "بازی الهی" (روح آزاد شده ، "که جهان را تنها با قدرت اراده خلاق خود می آفریند" ، "لذت عالی فعالیت آزاد" را درک می کند). اما فلسفه فلسفه است و خود موسیقی شگفت‌انگیز است و تمام قابلیت‌های صدای یک ارکستر سمفونیک را آشکار می‌کند.
I. لنتو
II. لوتس
III. Voluptes
IV. جو دیوین
♫♪ ♫♪ ♫♪
سمفونی اول (کلاسیک) اثر سرگئی پروکوفیف (دی ماژور، 1916–1917)
سال 1917، سال های سخت جنگ، انقلاب است. به نظر می رسد هنر باید غمگینانه اخم کند و از چیزهای دردناک بگوید. اما افکار غم انگیز برای موسیقی پروکوفیف نیست - آفتابی، درخشان، جذاب جوان. این اولین سمفونی اوست.
این آهنگساز حتی در دوران دانشجویی به آثار کلاسیک وینی علاقه مند بود. حالا یک اثر لا هایدن از قلم او آمده است. پروکوفیف در مورد ذهنیت خود اظهار داشت: "به نظرم می رسید که اگر هایدن تا امروز زندگی می کرد، سبک نویسندگی خود را حفظ می کرد و در عین حال چیز جدیدی را اتخاذ می کرد."
آهنگساز یک ترکیب متوسط از ارکستر را انتخاب کرد، دوباره با روح کلاسیک وین - بدون برنج سنگین. بافت و ارکستراسیون سبک و شفاف است، مقیاس کار زیاد نیست، ترکیب بندی هماهنگ و منطقی است. در یک کلام، بسیار یادآور آثار کلاسیک گرایی است که به اشتباه در قرن بیستم متولد شده است. با این حال ، نمادهای کاملاً پروکوفیف نیز وجود دارد ، به عنوان مثال ، ژانر مورد علاقه او گاووت در موومان سوم به جای اسکرزو (آهنگساز بعداً از این ماده موسیقی در باله "رومئو و ژولیت" استفاده کرد) و همچنین یک "فلفل" تند. ” هارمونی و ورطه ای از طنز موسیقی.
0:33 آی. آلگرو
5:20 II. لارگتو
9:35 III. گاوتا (غیر troppo allegro)
11:17 چهارم. فینال (Molto vivace)
♫♪ ♫♪ ♫♪
سمفونی هفتم (لنینگراد) اثر دیمیتری شوستاکوویچ (سی ماژور، 1941)
در 2 ژوئیه 1942، یک خلبان بیست ساله، ستوان لیتوینوف، به طور معجزه آسایی از محاصره دشمن شکست و موفق شد دارو و چهار کتاب موسیقی چاق و چاق با آهنگ سمفونی هفتم D.D. را به محاصره لنینگراد بیاورد. شوستاکوویچ، و روز بعد یادداشت کوتاهی در لنینگرادسکایا پراودا ظاهر شد: "پارتیتور سمفونی هفتم دیمیتری شوستاکوویچ با هواپیما به لنینگراد تحویل داده شد. اجرای عمومی آن در تالار بزرگ فیلارمونیک خواهد بود.»
رویدادی که تاریخ موسیقی هرگز مشابه آن را نمی شناسد: در یک شهر محاصره شده، نوازندگان بسیار خسته (همه کسانی که جان سالم به در برده بودند) تحت رهبری رهبر ارکستر کارل الیاسبرگ، سمفونی جدید شوستاکوویچ را اجرا کردند. همان آهنگی که آهنگساز در هفته های اول محاصره ساخت، تا اینکه او و خانواده اش به کویبیشف (سامارا) تخلیه شدند. در روز نمایش لنینگراد، 9 اوت 1942، سالن بزرگ فیلارمونیک لنینگراد پر شد از ساکنان شهر خسته با چهره‌های شفاف، اما در عین حال با لباس‌های زیبا، و پرسنل نظامی که مستقیماً از دانشگاه آمده بودند. خط مقدم این سمفونی از طریق بلندگوهای رادیو به خیابان ها پخش شد. آن شب، تمام دنیا ایستادند و به شاهکار بی‌سابقه نوازندگان گوش دادند.
قابل توجه است، اما موضوع معروف در روح "بولرو" راول، که اکنون معمولاً با ارتش فاشیستی که بدون فکر در حال حرکت و نابود کردن همه چیز در مسیر خود است، توسط شوستاکوویچ حتی قبل از شروع جنگ نوشته شده است. با این حال، به طور طبیعی در قسمت اول سمفونی لنینگراد گنجانده شد و جای به اصطلاح "قسمت تهاجم" را گرفت. پایان تأیید کننده زندگی نیز نبوی بود و پیروزی آرزویی را پیش بینی می کرد که هنوز سه سال و نیم طولانی از آن جدا بود ...
I. آلگرتو 00:00
II. Moderato (poco allegretto) 26:25
III. Adagio 37:00
IV. Allegro non troppo 53:40
♫♪ ♫♪ ♫♪
در حال بارگیری...
