رئالیسم اواسط قرن نوزدهم. رئالیسم اواسط قرن نوزدهم رئالیسم در هنر فرانسه قرن نوزدهم

واقع گرایی(از لاتین realis متأخر - مادی، واقعی) در هنر، انعکاس واقعی و عینی واقعیت به وسیله ابزارهای خاصی که در نوع خاصی از خلاقیت هنری ذاتی است. در معنای خاص تاریخی خود، اصطلاح "رئالیسم" به روندی در ادبیات و هنر اشاره می کند که در قرن 18 پدید آمد و در رئالیسم انتقادی قرن 19 به تکامل و شکوفایی کامل رسید. و در قرن بیستم در مبارزه و تعامل با مناطق دیگر توسعه یافت. (تا به امروز) صحبت از رئالیسم در اواسط قرن 19، منظور آنها یک سیستم هنری خاص است که به عنوان یک روش آگاهانه زیبایی شناختی توجیه نظری یافته است.

در فرانسه، رئالیسم در درجه اول با نام کوربه همراه است. توسل به مدرنیته در تمامی مظاهر آن با تکیه بر علم دقیق، همانطور که امیل زولا اعلام کرد، نیاز اصلی این جنبش هنری شد. گوستاو کوربه در سال 1819 در اورنانس، شهری با حدود سه هزار نفر در فرانش-کنت، 25 کیلومتری بزانسون، نزدیک مرز سوئیس به دنیا آمد. پدرش، رژیس کوربه، صاحب تاکستان‌هایی در نزدیکی اورنانس بود. در سال 1831، هنرمند آینده شروع به حضور در حوزه علمیه در اورنان کرد. گفته می شود که رفتار او چنان با آنچه از یک حوزوی انتظار می رفت مغایرت داشت که هیچ کس متعهد نشد که او را ببخشد (همچنین رجوع کنید). به هر حال، در سال 1837، به اصرار پدرش، کوربه وارد کالج رویال در بزانسون شد، که همانطور که پدرش امیدوار بود، او را برای تحصیلات حقوقی بیشتر آماده می کرد. همزمان با تحصیل در کالج، کوربه در کلاس‌های آکادمی شرکت کرد، جایی که استادش چارلز آنتوان فلاژولو، شاگرد بزرگ‌ترین هنرمند کلاسیک فرانسوی ژاک لوئی دیوید بود. در سال 1839 به پاریس رفت و به پدرش قول داد که در آنجا حقوق بخواند. کوربه در پاریس با مجموعه هنری موزه لوور آشنا شد. آثار او، به‌ویژه کارهای اولیه، متعاقباً تحت تأثیر هنرمندان کوچک هلندی و اسپانیایی، به‌ویژه ولاسکوئز قرار گرفت، که او رنگ‌های تیره کلی نقاشی‌ها را از او به عاریت گرفت. کوربه درگیر قضاوت نشد، اما در عوض در کارگاه های هنری، عمدتاً با شارل دو استوبن، کلاس ها را آغاز کرد. سپس تحصیلات رسمی هنری را رها کرد و در کارگاه های سوئیس و لاپین مشغول به کار شد. در کارگاه سوئیس کلاس خاصی وجود نداشت، هنرجویان باید برهنه را به تصویر می کشیدند و جستجوی هنری آنها محدود نبود. این سبک تدریس به خوبی با کوربه سازگار بود.

در سال 1844، اولین نقاشی کوربه، پرتره از خود با یک سگ، در سالن پاریس به نمایش گذاشته شد (همه نقاشی های دیگر توسط هیئت داوران رد شدند). این هنرمند از همان ابتدا خود را یک رئالیست افراطی نشان داد و هر چه جلوتر، قوی تر و پیگیرتر از این مسیر پیروی کرد و هدف نهایی هنر را انتقال واقعیت برهنه و نثر زندگی دانست و در عین حال حتی از ظرافت فناوری غافل شد. . در دهه 1840 تعداد زیادی سلف پرتره کشید.

بین سالهای 1844 و 1847 کوربه چندین بار از اورنانس بازدید کرد و همچنین به بلژیک و هلند سفر کرد و در آنجا موفق شد با فروشندگان نقاشی ارتباط برقرار کند. یکی از خریداران آثار او هنرمند و مجموعه دار هلندی، یکی از بنیانگذاران مکتب نقاشی لاهه، هندریک ویلم مسداگ بود. متعاقباً، این پایه‌های محبوبیت گسترده نقاشی گوستاو کوربه را در خارج از فرانسه ایجاد کرد. تقریباً در همان زمان، این هنرمند در محافل هنری پاریس ارتباط برقرار می کند. بنابراین، او از کافه Brasserie Andler (که مستقیماً در کنار کارگاه او قرار دارد) بازدید کرد، جایی که نمایندگان گرایش واقع گرایانه در هنر و ادبیات، به ویژه چارلز بودلر و آنوره داومیر جمع شدند.

با ذهن و استعداد قابل توجه هنرمند، طبیعت گرایی او، چاشنی، در نقاشی های ژانر، با گرایش سوسیالیستی، سر و صدای زیادی در محافل هنری و ادبی ایجاد کرد و دشمنان زیادی برای او به وجود آورد (پسر الکساندر دوما از آنها بود)، هرچند که طرفداران زیادی که در میان آنها متعلق به پرودون نویسنده و نظریه پرداز معروف آنارشیسم بود.

سرانجام کوربه رئیس مکتب رئالیستی شد که از فرانسه سرچشمه گرفت و از آنجا به کشورهای دیگر به ویژه بلژیک گسترش یافت. میزان بیزاری او از هنرمندان دیگر به حدی رسید که چندین سال در سالن های پاریس شرکت نکرد، اما در نمایشگاه های جهانی نمایشگاه های ویژه ای از آثار خود را در اتاق های جداگانه ترتیب داد. در سال 1871، کوربه به کمون پاریس پیوست، موزه‌های عمومی زیر نظر آن را مدیریت کرد و سرنگونی ستون واندوم را رهبری کرد.

پس از سقوط کمون، طبق حکم دادگاه، وی شش ماه زندان گذراند. بعداً او محکوم شد که هزینه های بازسازی ستونی را که تخریب کرده بود جبران کند. این امر او را مجبور به بازنشستگی به سوئیس کرد، جایی که در سال 1877 در فقر درگذشت. خلاقیت کوربه بارها در طول زندگی خود از خود به عنوان یک واقع‌گرا یاد می‌کرد: «نقاشی شامل ارائه چیزهایی است که هنرمند می‌تواند ببیند و لمس کند... من کاملاً به آن پایبند هستم. این دیدگاه که نقاشی - هنری بسیار ملموس است و فقط می تواند شامل به تصویر کشیدن چیزهای واقعی باشد که به ما داده شده است ... این یک زبان کاملاً فیزیکی است. ” جالب ترین کار کوربه: ” تشییع جنازه در اورنانس ” ، پرتره خودش ، ” گوزن گوزن توسط جریان، «جنگ گوزن‌ها»، «موج» (هر پنج در لوور، پاریس)، «قهوه بعد از ظهر در اورنانس» (در موزه لیل)، «شکن‌های سنگ بزرگراه» (نگهداری در گالری درسدن و درگذشت در سال 1945)، "آتش" (نقاشی، در ارتباط با موضوع ضد دولتی آن، تخریب شده توسط پلیس)، "کشیشان روستا در حال بازگشت از یک جشن رفاقتی" (طنز تند از روحانیون)، "حمام کنندگان"، "زن" با یک طوطی، "ورودی به دره پوی نوآر"، "صخره اوراگنون"، "گوزن کنار آب" ( در موزه مارسی) و بسیاری از مناظر که در آنها استعداد هنرمند به وضوح و کامل ترین شکل ظاهر شده است. کوربه نویسنده چندین نقاشی اروتیک رسوایی است که به نمایش گذاشته نشده است، اما برای معاصران شناخته شده است ("منشاء جهان"، "خواب زده ها" و غیره). "تدفین در اورنانس" کوربه در سال 1849 در اتاق زیر شیروانی تنگ در اورنانس شروع به کشیدن نقاشی کرد. کار این هنرمند باعث غوغایی در بین جامعه محلی شد که به قهرمانان او افتاد - بسیاری از ساکنان این مکان ها در آن حضور داشتند: از شهردار و قاضی صلح گرفته تا بستگان و دوستان کوربه. اما این هیاهو را نمی توان با بحث و جدلی که پس از نمایش بوم در سالن شعله ور شد مقایسه کرد.

سردرگمی و سوء تفاهم باعث بزرگی آن شد. آنها موافقت کردند که یک مراسم خاکسپاری معمولی روستایی نباید موضوع چنین کار بزرگی باشد. یکی از منتقدان نوشت: "تدفین یک دهقان می تواند ما را تحت تاثیر قرار دهد ... اما این رویداد نباید اینقدر محلی باشد." با این حال، برای واقع گرایان، دقیقاً همین «بومی سازی» بود که بسیار مهم بود. کوربه تصویری مدرن و به راحتی قابل تشخیص خلق کرد و مردم و واقعیت های زمان خود را بر روی بوم به تصویر کشید. علاوه بر این، او بر فرآیند تشییع جنازه یک شخص تمرکز کرد، نه بر اعمال او یا سرنوشت پس از مرگ روح او (همانطور که قبلا انجام شد). در عین حال، هویت متوفی در اینجا ناشناس می ماند و به تصویری جمعی از مرگ تبدیل می شود. این باعث می شود که تصویر نسخه مدرنیزه شده از طرحی بسیار محبوب در قرون وسطی باشد که به عنوان رقص مرگ شناخته می شود.

ژان باپتیست کامیل کوروت(Fr. Jean-Baptiste Camille Corot، 17 ژوئیه 1796، پاریس - 22 فوریه 1875، همانجا) - هنرمند فرانسوی، نقاش منظره. ابتدا تحت هدایت میکالون مطالعاتی را از طبیعت مطالعه کرد (فر. آشیل-اتنا میشالون، 1796-1822)، و سپس، با مطالعه با برتین (فر. زمان در پیروی از هدایت آکادمیک این هنرمند، تا اینکه در سال 1826 به ایتالیا رفت و دوباره اینجا را برای مطالعه مستقیم طبیعت آغاز کرد. با انجام مطالعاتی در اطراف رم، او به سرعت به درک، عمدتاً از ماهیت کلی منظره دست یافت، اگرچه با دقت در جزئیات آن کاوش کرد و صخره‌ها، سنگ‌ها، درختان، بوته‌ها، خزه‌ها و غیره را به دقت نوشت. اولین آثار ایتالیایی هنوز در تلاش برای ریتم چینش قطعات و برای سبک فرم ها قابل توجه است.

پس از آن، او در پروونس، نرماندی، لیموزین، دوفین، اطراف پاریس و در فونتنبلو کار کرد و دیدگاه او نسبت به طبیعت و اجرا آزادتر و مستقل تر شد. در نقاشی‌هایی که پس از بازگشت از ایتالیا کشیده است، او به دنبال بازتولید دقیق آن منطقه نیست، بلکه سعی می‌کند تنها برداشت از آن را منتقل کند و فقط از فرم‌ها و لحن‌های آن استفاده می‌کند تا با کمک آنها حال و هوای شاعرانه‌اش را بیان کند.

چهره هایی که او در مناظر خود قرار می دهد نیز به همین هدف کمک می کند و صحنه های بت، کتاب مقدس و خارق العاده از آنها می سازد. اگرچه او به دلیل احساساتی بودن بیش از حد مورد سرزنش قرار گرفت، اما بسیاری از آثار او نیز احساساتی واقعاً روشن و شاد را به همراه دارند. او اکثراً نقاش آب‌های خفته، افق‌های وسیع و فقیرانه، آسمان‌های پوشیده از مه، جنگل‌ها و بیشه‌های خفته بود - یک تئوکریتوس واقعی نقاشی منظره. او علاوه بر او به حکاکی با سوزن و "ودکای قوی" مشغول بود. بهترین نقاشی‌های او «منظره ریوا» (1835؛ در موزه مارسی)، صبح ایتالیایی (1842؛ در موزه آوینیون)،

• "خاطرات دریاچه نمی" (1865)،
• "ایدیل"
• طلوع خورشید در ویل دواور (1868؛ در موزه روئن)،
• «پوره‌ها و ساتیرها طلوع خورشید را با رقصی استقبال می‌کنند» (1851؛ لوور)،
• · «صبح» و «منظره در اطراف آلبانو» (همان).
• · در مجموعه گالری کوشلو سابق دو نمونه از نقاشی کارو وجود داشت: "صبح" و "عصر". ژان فرانسوا میلم(Fr. Jean-François Millet، 4 اکتبر 1814 - 20 ژانویه 1875) - هنرمند فرانسوی، یکی از بنیانگذاران مکتب باربیزون.
• · میلت در یک خانواده دهقانی ثروتمند از روستای کوچک گروشی در ساحل کانال مانش در نزدیکی شربورگ متولد شد. توانایی های هنری او توسط خانواده به عنوان یک هدیه از بالا درک شد. پدر و مادرش به او پول دادند و اجازه دادند نقاشی بخواند. در سال 1837 به پاریس رسید و به مدت دو سال در کارگاه نقاش پل دلاروش (1797-1856) کار کرد. از سال 1840، این هنرمند جوان شروع به نمایش آثار خود در سالن کرد. در سال 1849 این هنرمند در باربیزون ساکن شد و تا پایان عمر در آنجا زندگی کرد. موضوع زندگی و طبیعت دهقانی برای میلت به موضوع اصلی تبدیل شد. او در مورد خود گفت: "من یک دهقان هستم و چیزی بیش از یک دهقان نیستم." "جمع آوری گوش" کار سخت دهقانان، فقر و فروتنی آنها در نقاشی "جمع آوری گوش" (1857) منعکس شد. چهره های زنان در پس زمینه مزرعه در یک کمان کم خم شده اند - این تنها راهی است که آنها می توانند گوش های باقی مانده پس از برداشت را جمع کنند. کل تصویر پر از خورشید و هوا است. این اثر باعث ارزیابی های مختلف مردم و انتقاد شد که استاد را مجبور کرد موقتاً به جنبه های شاعرانه تر زندگی دهقانی روی آورد.
• · نقاشی «آنجلوس» (1859) نشان داد که میلت قادر است تجربیات عاطفی ظریفی را در آثارش منتقل کند. دو چهره تنها در مزرعه یخ زدند - زن و شوهر با شنیدن صدای زنگ عصر، بی سر و صدا برای مرده دعا می کنند. رنگ‌های قهوه‌ای ملایم منظره، که توسط پرتوهای غروب خورشید روشن می‌شوند، احساس آرامش را ایجاد می‌کنند. "Angelus" در سال 1859، Millet به سفارش دولت فرانسه، نقاشی "زن دهقان در حال چران یک گاو" را کشید. یک صبح یخبندان، یخبندان روی زمین نقره ای است، زنی به آرامی دنبال یک گاو سرگردان است، شکل او تقریباً در غبار صبحگاهی ناپدید شده است. منتقدان این تصویر را مانیفست فقر خواندند.
• · این هنرمند در اواخر عمر خود تحت تأثیر باربیزون ها به منظره علاقه مند شد. در «منظره زمستانی با کلاغ‌ها» (1866) دهقانی وجود ندارد، آنها مدت‌هاست که آنجا را ترک کرده‌اند و زمین‌های قابل کشت را ترک کرده‌اند که در آن کلاغ‌ها پرسه می‌زنند. زمین زیبا، غمگین و تنهاست. «بهار» (1868-1873) آخرین اثر میلت است. پر از زندگی و عشق به طبیعت که پس از باران با رنگ های روشن می درخشید، اندکی قبل از مرگ هنرمند تکمیل شد.در 20 ژانویه 1875، این هنرمند در سن 60 سالگی در باربیزون درگذشت و در نزدیکی روستای به خاک سپرده شد. چالی در کنار دوستش تئودور روسو. Millais هرگز از طبیعت نقاشی نمی کرد. او دوست داشت در میان جنگل قدم بزند و طرح های کوچکی بسازد و سپس انگیزه ای را که دوست داشت از حافظه بازتولید کند. این هنرمند رنگ ها را برای نقاشی های خود انتخاب کرد و سعی کرد نه تنها منظره را با دقت بازتولید کند، بلکه برای رسیدن به هماهنگی در رنگ ها نیز تلاش کرد.

صنایع دستی زیبا، میل به نشان دادن زندگی روستایی بدون تزیین، ژان فرانسوا میله را با باربیزونی ها و هنرمندان واقع گرایانه ای که در نیمه دوم قرن نوزدهم کار می کردند، همتراز کرد.

فرانسوا میله در ادبیات: مارک تواین داستان "آیا او زنده است یا مرده؟" که در آن او با طنز داستانی را شرح می دهد که چگونه گروهی از هنرمندان خسته از فقر تصمیم گرفتند برای افزایش قیمت نقاشی هایش، مرگ یکی از آنها را تبلیغ کنند و سپس صحنه سازی کنند. هنرمندان با این بیانیه هدایت می شدند که پول خرج شده برای تشییع جنازه و سنگ نگاره های استادانی که از گرسنگی مرده اند برای آنها برای زندگی راحت کافی است. انتخاب بر عهده فرانسوا میله افتاد. او با کشیدن چندین نقاشی و چندین کیسه طرح، "پس از یک بیماری شدید و طولانی درگذشت." قابل ذکر است که در داستان خود فرانسوا میله تابوت «خود» را حمل می کرد. قیمت نقاشی ها بلافاصله افزایش یافت و هنرمندان توانستند به هدف خود برسند - به دست آوردن قیمت واقعی برای نقاشی های خود در طول زندگی خود.

رئالیسم به عنوان یک جنبش هنری قدرتمند در اواسط قرن نوزدهم شکل می گیرد. البته هومر و شکسپیر، سروانتس و گوته، میکل آنژ، رامبراند یا روبنس بزرگترین رئالیست ها بودند. صحبت از رئالیسم در اواسط قرن 19، منظور آنها یک سیستم هنری خاص است. در فرانسه، رئالیسم در درجه اول با نام کوربه همراه است، که با این حال حاضر نشد رئالیست خوانده شود. رئالیسم در هنر بدون شک با پیروزی پراگماتیسم در اذهان عمومی، غلبه دیدگاه های مادی گرایانه و نقش غالب علم همراه است. توسل به مدرنیته در تمامی مظاهر آن با تکیه بر علم دقیق، همانطور که امیل زولا اعلام کرد، نیاز اصلی این جنبش هنری شد. رئالیست ها با زبانی روشن و واضح صحبت می کردند که جایگزین زبان "موسیقی" اما ناپایدار و مبهم رمانتیک ها شد.

انقلاب 1848 تمام توهمات رمانتیک روشنفکران فرانسوی را از بین برد و از این نظر مرحله بسیار مهمی در توسعه نه تنها فرانسه، بلکه در کل اروپا بود. وقایع سال 1848 تأثیر مستقیمی بر هنر گذاشت. اول از همه، هنر به عنوان وسیله ای برای تحریک و تبلیغ به طور گسترده تر مورد استفاده قرار گرفت. از این رو، متحرک‌ترین شکل هنر - گرافیک مجلات ساده و گویا، گرافیک به عنوان عنصر اصلی چاپ طنز، توسعه یافت. هنرمندان فعالانه در جریان پرتلاطم زندگی عمومی شرکت دارند.

زندگی قهرمان جدیدی را مطرح می کند که به زودی قهرمان اصلی هنر خواهد شد - مرد کارگر. در هنر، جست‌وجو برای تصویری تعمیم‌یافته و تاریخی از آن آغاز می‌شود و نه تصویری ژانر حکایتی، همانطور که تاکنون انجام شده است. زندگی، زندگی، کار این قهرمان جدید به موضوع جدیدی در هنر تبدیل خواهد شد. یک قهرمان جدید و مضامین جدید نیز باعث ایجاد نگرش انتقادی نسبت به نظم موجود می شود، در هنر پایه و اساس آنچه قبلاً در ادبیات به عنوان رئالیسم انتقادی شکل گرفته است، گذاشته می شود. در فرانسه رئالیسم انتقادی در دهه های 1940 و 1950 و در روسیه در دهه 1960 شکل گرفت. در نهایت، با رئالیسم، هنر منعکس کننده ایده های رهایی بخش ملی است که تمام جهان را به هیجان می آورد، علاقه ای که قبلاً توسط رمانتیک ها به رهبری دلاکروا نشان داده شده بود.

در نقاشی فرانسوی، رئالیسم قبل از هر چیز خود را در منظره، در نگاه اول، دور از طوفان های اجتماعی و جهت گیری گرایشی ژانر اعلام کرد. رئالیسم در منظر با به اصطلاح مکتب باربیزون آغاز می شود، با هنرمندانی که پس از دهکده باربیزون در نزدیکی پاریس چنین نامی را در تاریخ هنر دریافت کردند. در واقع باربیزونی ها آنقدرها یک مفهوم جغرافیایی نیستند که یک مفهوم تاریخی و هنری هستند. برخی از نقاشان مانند داوبینی اصلاً به باربیزون نیامدند، بلکه به دلیل علاقه به منظره ملی فرانسه به گروه آنها تعلق داشتند. این گروهی از نقاشان جوان - تئودور روسو، دیاز دلا پنیا، ژول دوپره، کنستان ترویون و دیگران - بودند که برای کشیدن طرح هایی از طبیعت به باربیزون آمدند. آنها نقاشی ها را در کارگاه بر اساس طرح ها تکمیل کردند، از این رو کامل بودن و تعمیم در ترکیب بندی و رنگ آمیزی. اما یک حس سرزنده از طبیعت همیشه در آنها باقی می ماند. همه آنها با تمایل به مطالعه دقیق طبیعت و به تصویر کشیدن واقعی آن متحد شدند، اما این مانع از حفظ فردیت خلاقانه هر یک از آنها نشد. تئودور روسو (1812-1867) تمایل دارد تا بر طبیعت ابدی تأکید کند. در به تصویر کشیدن او از درختان، مراتع، دشت ها، مادیت جهان، مادیت، حجم را می بینیم که آثار روسو را با مناظر استاد بزرگ هلندی رویسدیل مرتبط می کند. اما در نقاشی های روسو ("اوکس"، 1852) جزئیات بیش از حد، رنگ آمیزی تا حدی یکنواخت، برخلاف ژول دوپره (1811-1889)، که به طور گسترده و جسورانه نقاشی می کرد، عاشق تضاد نور و سایه بود، وجود دارد. با کمک آنها تنش ایجاد کردند، یک احساس هشدار دهنده و جلوه های روشنایی را منتقل کردند، یا دیازا دلا پنیا (1807-1876)، اسپانیایی اصالتا، که در مناظر او نور خورشید به طرز ماهرانه ای منتقل می شود، پرتوهای خورشید از میان شاخ و برگ ها نفوذ می کند و خرد می شود. روی چمن. کنستانت ترویون (1810-1865) دوست داشت موتیف حیوانات را در تصاویر خود از طبیعت معرفی کند، بنابراین ژانرهای منظره و حیوانی را با هم ترکیب می کرد ("رفتن به بازار"، 1859). از هنرمندان جوان تر مکتب باربیزون، چارلز فرانسوا داوبینی (1817-1878) شایسته توجه ویژه است. نقاشی‌های او همیشه در یک پالت درخشان است که او را به امپرسیونیست‌ها نزدیک‌تر می‌کند: دره‌های آرام، رودخانه‌های آرام، علف‌های بلند. مناظر او پر از احساس غنایی بزرگ است ("دهکده در ساحل اویز"، 1868).

روند واقع گرایانه در هنر و ادبیات قرن نوزدهم.

در قرن نوزدهم، جامعه به سرعت شروع به توسعه کرد. فناوری های جدید در حال ظهور هستند، پزشکی، صنایع شیمیایی، مهندسی انرژی و حمل و نقل در حال توسعه هستند. جمعیت به تدریج از روستاهای قدیمی به شهرها نقل مکان می کنند و برای آسایش و زندگی مدرن تلاش می کنند.
حوزه فرهنگی نمی توانست به همه این تغییرات واکنش نشان ندهد. پس از همه، تغییرات در جامعه - اعم از اقتصادی و اجتماعی - شروع به ایجاد سبک ها و جهت گیری های هنری جدید کرد. بنابراین، رمانتیسم با یک گرایش سبک اصلی - رئالیسم جایگزین می شود. برخلاف سلف خود، این سبک بازتابی از زندگی را آنگونه که هست، بدون هیچ گونه تزیین یا تحریف در نظر گرفت. این میل در هنر جدید نبود - در دوران باستان و در فولکلور قرون وسطی و در عصر روشنگری یافت می شود.
رئالیسم از اواخر قرن هفدهم تجلی روشن تری پیدا کرده است. افزایش آگاهی مردمی که از زندگی با آرمان های موجود خسته شده اند، باعث ایجاد یک بازتاب عینی می شود - واقع گرایی که در فرانسوی به معنای "ماده" است. برخی از گرایش های رئالیسم در نقاشی میکل آنژ کاراواجو و رامبراند ظاهر می شود. اما رئالیسم تنها در قرن نوزدهم به یکپارچه‌ترین ساختار دیدگاه‌ها درباره زندگی تبدیل می‌شود. در این دوره به بلوغ خود می رسد و مرزهای خود را به کل خاک اروپا و البته روسیه گسترش می دهد.
قهرمان جهت واقع گرایانه به فردی تبدیل می شود که ذهن را مجسم می کند و به دنبال قضاوت در مورد جلوه های منفی زندگی اطراف است. در آثار ادبی، تضادهای اجتماعی بررسی می شود، زندگی افراد محروم به طور فزاینده ای به تصویر کشیده می شود. دانیل دفو را بنیانگذار رمان رئالیستی اروپایی می دانند. در دل آثار او آغاز خوب انسان است. اما شرایط می تواند آن را تغییر دهد، در معرض عوامل خارجی است.
در فرانسه، بنیانگذار جهت جدید فردریک استاندال بود. او به معنای واقعی کلمه برخلاف جریان شنا کرد. در واقع، در نیمه اول قرن نوزدهم، رمانتیسیسم بر هنر مسلط بود. شخصیت اصلی یک "قهرمان فوق العاده" بود. و ناگهان استاندال تصویری کاملاً متفاوت پیدا کرد. قهرمانان او نه تنها در پاریس بلکه در استان ها زندگی می کنند. نویسنده به خواننده ثابت کرد که توصیف زندگی روزمره، تجربیات واقعی انسانی، بدون اغراق و آراستگی را می توان به سطح هنر رساند. جی. فلوبر از این هم فراتر رفت. شخصیت روانی قهرمان را آشکار می کند. این امر مستلزم توصیفی کاملاً دقیق از کوچکترین جزئیات، نمایش جنبه خارجی زندگی برای انتقال جزئی تر جوهر آن بود. گی دو موپاسان در این مسیر پیرو او شد.
در خاستگاه توسعه رئالیسم در هنر قرن 19 در روسیه نویسندگانی مانند ایوان کریلوف، الکساندر گریبایدوف، الکساندر پوشکین بودند. اولین عناصر برجسته رئالیسم قبلاً در سال 1809 در اولین مجموعه افسانه های I.A. کریلوف. نکته اصلی در قلب تمام افسانه های او یک واقعیت ملموس است. شخصیتی از آن شکل می گیرد، این یا آن موقعیت رفتاری متولد می شود که به دلیل استفاده از ایده های جا افتاده در مورد ماهیت شخصیت های حیوانی تشدید می شود. به لطف ژانر انتخاب شده، کریلوف تضادهای واضح در زندگی مدرن را نشان داد - درگیری قوی و ضعیف، ثروتمند و فقیر، مسخره کردن مقامات و اشراف.
در گریبایدوف، واقع گرایی در استفاده از شخصیت های معمولی که خود را در شرایط معمولی می یابند - اصل اصلی این جهت، تجلی می یابد. به لطف این استقبال، کمدی "وای از هوش" او هنوز هم امروزی است. شخصیت هایی را که او در آثارش به کار برده است همیشه می توان یافت.
پوشکین رئالیست مفهوم هنری تا حدودی متفاوتی ارائه می دهد. قهرمانان او به دنبال الگوهایی در زندگی هستند که مبتنی بر نظریه های آموزشی و ارزش های جهانی است. تاریخ و مذهب نقش مهمی در آثار او دارد. این امر آثار او را به مردم و شخصیت آنها نزدیک می کند. ملیت شدیدتر و عمیق تر در آثار لرمانتوف و گوگول و بعداً در آثار نمایندگان "مکتب طبیعی" ظاهر شد.
اگر در مورد نقاشی صحبت کنیم، شعار اصلی هنرمندان رئالیست قرن نوزدهم تصویری عینی از واقعیت بود. بنابراین، هنرمندان فرانسوی، در اواسط دهه 30 قرن نوزدهم، به رهبری تئودور روسو، شروع به نقاشی مناظر روستایی کردند. معلوم شد که معمولی ترین طبیعت، بدون تزئین، می تواند به یک ماده منحصر به فرد برای خلقت تبدیل شود. خواه یک روز تاریک باشد، یک آسمان تاریک قبل از طوفان، یک شخم زن خسته - همه اینها نوعی پرتره از زندگی واقعی است.
گوستاو کوربه، نقاش فرانسوی نیمه دوم قرن نوزدهم، با نقاشی های خود خشم محافل بورژوازی را برانگیخت. از این گذشته ، او یک زندگی واقعی را به تصویر کشید ، آنچه در اطراف خود دید. اینها می توانند صحنه های سبک، پرتره و طبیعت بی جان باشند. از معروف ترین آثار او می توان به «تدفین در اورنان»، «آتش»، «گوزن کنار آب» و نقاشی های رسواکننده «منشأ جهان» و «خواب زده ها» اشاره کرد.
در روسیه، بنیانگذار رئالیسم در هنر قرن 19 P.A. فدوتوف ("همسان سازی سرگرد"). او با توسل به طنز در آثارش، اخلاق رذیله را محکوم می کند و با فقرا همدردی می کند. میراث او شامل کاریکاتورها و پرتره های بسیاری است.
در نیمه دوم قرن نوزدهم، موضوع "زندگی مردم" توسط I.E. رپین. در نقاشی‌های معروف او «امتناع اعتراف» و «بارج‌برها در ولگا»، استثمار وحشیانه مردم و ایجاد اعتراض در میان توده‌ها محکوم شده است.
روندهای واقع گرایانه در قرن بیستم در آثار نویسندگان و هنرمندان ادامه یافت. اما، تحت تأثیر زمان جدید، آنها شروع به کسب ویژگی های دیگر، مدرن تر کردند.

مکتب هنر فرانسه در اواخر قرن هفدهم و هجدهم را می توان مکتب پیشرو اروپایی نامید، در آن زمان در فرانسه بود که سبک های هنری مانند روکوکو، رمانتیسم، کلاسیک، رئالیسم، امپرسیونیسم و ​​پست امپرسیونیسم متولد شدند.

روکوکو (روکوکو فرانسوی، از rocaille - یک نقوش تزئینی به شکل صدف) - سبکی در هنر اروپایی نیمه اول قرن 18. ویژگی روکوکو لذت گرایی، عقب نشینی به دنیای بازی های تئاتری بت، اشتیاق به موضوعات شبانی و حسی-شهوانی است. طبیعت دکور روکوکو فرم‌های بسیار ظریف، پیچیده و پیچیده را به دست آورد.

فرانسوا بوچر، آنتوان واتو، ژان آنوره فراگونارد به سبک روکوکو کار کردند.

کلاسیک گرایی - سبکی در هنر اروپایی قرن هفدهم - اوایل قرن نوزدهم که یکی از ویژگی های بارز آن جذابیت به اشکال هنر باستانی به عنوان یک استاندارد زیبایی شناختی و اخلاقی ایده آل بود.

ژان باپتیست گروز، نیکلاس پوسین، ژان باپتیست شاردن، ژان دومینیک اینگر، ژاک لوئیس دیوید به سبک کلاسیک کار می کردند.

رمانتیسم - سبک هنر اروپایی در قرون 18-19، که ویژگی های بارز آن اظهار ارزش ذاتی زندگی معنوی و خلاقانه فرد، تصویر احساسات و شخصیت های قوی و اغلب سرکش بود.

فرانسیسکو دی گویا، یوژن دلاکروا، تئودور جریکولت، ویلیام بلیک به سبک رمانتیسم کار می کردند.

ادوارد مانه. صبحانه در کارگاه. 1868

واقع گرایی - سبکی از هنر که وظیفه آن دقیق ترین و عینی ترین تثبیت واقعیت است. رئالیسم از نظر سبکی چند وجهی و چند وجهی است. جنبه های مختلف رئالیسم در نقاشی عبارتند از: توهم گرایی باروک کاراواجو و ولاسکز، امپرسیونیسم مانه و دگا و آثار نیونن ون گوگ.

تولد رئالیسم در نقاشی اغلب با کار هنرمند فرانسوی گوستاو کوربه مرتبط است که نمایشگاه شخصی خود را با عنوان "غرفه رئالیسم" در پاریس در سال 1855 افتتاح کرد، اگرچه حتی قبل از او هنرمندان مکتب باربیزون تئودور روسو، ژان- فرانسوا میله، ژول برتون به شیوه ای واقع گرایانه کار کردند. در دهه 1870 رئالیسم به دو حوزه اصلی تقسیم شد - ناتورالیسم و ​​امپرسیونیسم.

نقاشی رئالیستی در سراسر جهان رواج یافته است. سرگردان ها به سبک رئالیسم یک جهت گیری اجتماعی حاد در روسیه قرن نوزدهم کار کردند.

امپرسیونیسم (از فرانسوی Impression - Impression) - سبکی در هنر ثلث آخر قرن 19 - اوایل قرن 20 که یکی از ویژگی های آن تمایل به گرفتن طبیعی ترین دنیای واقعی در تحرک و تنوع آن بود تا برداشت های زودگذر آنها را منتقل کند. . امپرسیونیسم مسائل فلسفی را مطرح نکرد، بلکه بر سیالیت لحظه، حال و هوا و نور تمرکز داشت. زندگی خود به سوژه امپرسیونیست ها تبدیل می شود، به عنوان مجموعه ای از تعطیلات کوچک، مهمانی ها، پیک نیک های دلپذیر در طبیعت در یک محیط دوستانه. امپرسیونیست ها جزو اولین کسانی بودند که بدون اینکه کار خود را در استودیو نهایی کنند، به طور کامل نقاشی کردند.

ادگار دگا، ادوارد مانه، کلود مونه، کامیل پیسارو، آگوست رنوار، ژرژ سورات، آلفرد سیسلی و دیگران به سبک امپرسیونیسم کار کردند.

پست امپرسیونیسم - سبکی از هنر که در پایان قرن نوزدهم بوجود آمد. پست امپرسیونیست ها به دنبال این بودند که آزادانه و به طور کلی مادی بودن جهان را منتقل کنند و به سبک سازی تزئینی متوسل شدند.

پست امپرسیونیسم زمینه های هنری مانند اکسپرسیونیسم، نمادگرایی و مدرنیته را به وجود آورد.

ونسان ون گوگ، پل گوگن، پل سزان، تولوز لوترک به سبک پست امپرسیونیسم کار می کردند.

اجازه دهید امپرسیونیسم و ​​پست امپرسیونیسم را با جزئیات بیشتری از نمونه کارهای استادان فردی فرانسه در قرن نوزدهم در نظر بگیریم.

ادگار دگا. سلف پرتره. 1854-1855

ادگار دگا (سالهای زندگی 1834-1917) - نقاش، گرافیست و مجسمه ساز فرانسوی.

با شروع با نقاشی ها و پرتره های تاریخی سختگیرانه، در دهه 1870 دگا به نمایندگان امپرسیونیسم نزدیک شد و به تصویر زندگی مدرن شهری - خیابان ها، کافه ها، نمایش های تئاتر روی آورد.

در نقاشی‌های دگا، ترکیب‌بندی پویا، اغلب نامتقارن، طراحی دقیق انعطاف‌پذیر، زوایای غیرمنتظره، تعامل فعال بین شکل و فضا به دقت فکر شده و تأیید شده است.

ای. دگا. حمام. 1885

در بسیاری از آثار، ادگار دگا ویژگی رفتار و ظاهر افراد را نشان می دهد که توسط ویژگی های زندگی آنها ایجاد شده است، مکانیسم یک ژست حرفه ای، وضعیت بدن، حرکت یک فرد، زیبایی پلاستیکی او را نشان می دهد. هنر دگا در ترکیب زیبایی و نثری ذاتی است. هنرمند، به عنوان یک ناظر هوشیار و ظریف، در عین حال کارهای خسته کننده روزمره را که در پشت سرگرمی های ظریف پنهان شده است، به تصویر می کشد.

تکنیک پاستل مورد علاقه به ادگار دگا این امکان را داد تا استعداد خود را به عنوان یک نقشه کش به طور کامل نشان دهد. رنگ های اشباع شده و لمس های "درخشنده" پاستل به هنرمند کمک کرد تا آن فضای رنگارنگ خاص را ایجاد کند، آن هوای رنگین کمانی که همه آثار او را متمایز می کند.

دگا در سال های بلوغ خود اغلب به موضوع باله روی می آورد. چهره های شکننده و بی وزن بالرین ها یا در گرگ و میش کلاس های رقص، یا در پرتو نورافکن های روی صحنه و یا در لحظات کوتاه استراحت در برابر بیننده ظاهر می شوند. تصادفی بودن ظاهری ترکیب بندی و موقعیت بی طرفانه نویسنده این تصور را به وجود می آورد که زندگی شخص دیگری را زیر ذره بین می بیند، هنرمند بدون اینکه در احساسات بیش از حد قرار بگیرد، دنیای زیبایی و زیبایی را به ما نشان می دهد.

ادگار دگا را می توان یک رنگ شناس ظریف نامید، پاستل های او به طرز شگفت انگیزی هماهنگ، گاهی ظریف و سبک هستند، گاهی اوقات بر اساس تضادهای رنگی تیز ساخته شده اند. روش دگا به خاطر آزادی شگفت‌انگیزش قابل توجه بود، او پاستیل‌هایی را با خط‌های برجسته و شکسته به کار می‌برد، گاهی اوقات رنگ کاغذ را از طریق پاستل ظاهر می‌کرد یا خطوطی به رنگ روغن یا آبرنگ اضافه می‌کرد. رنگ در نقاشی های دگا از یک درخشش کمانی رنگین، از جریانی روان از خطوط رنگین کمانی که باعث شکل گیری می شود، نشات می گیرد.

آثار متاخر دگا با شدت و غنای رنگ متمایز می شوند که با جلوه های نور مصنوعی، فرم های بزرگ شده و تقریباً مسطح و محدودیت فضا که به آنها شخصیتی پرتنش و دراماتیک می بخشد، متمایز می شوند. در آن

دوره دگا یکی از بهترین آثار خود را نوشت - "رقصندگان آبی". هنرمند در اینجا در تکه های رنگی بزرگ کار می کند و به سازماندهی تزئینی سطح نقاشی اهمیت زیادی می دهد. از نظر زیبایی هارمونی رنگی و راه حل ترکیب بندی، تابلوی رقصندگان آبی را می توان بهترین تجسم تم باله توسط دگا دانست که در این تابلو به غنای نهایی بافت و ترکیب رنگ دست یافت.

P. O. Renoir. سلف پرتره. 1875

پیر آگوست رنوار (سالهای زندگی 1841-1919) - نقاش، گرافیست و مجسمه ساز فرانسوی، یکی از نمایندگان اصلی امپرسیونیسم. رنوار در درجه اول به عنوان استاد یک پرتره سکولار شناخته می شود، نه خالی از احساسات. در اواسط دهه 1880. در واقع از امپرسیونیسم جدا شد و به خطی بودن کلاسیک در دوره خلاقیت انگرس بازگشت. رنوار که یک رنگ‌شناس برجسته است، اغلب با کمک بهترین ترکیب‌های والِرس، که از نظر رنگ‌های مشابه، به تأثیر نقاشی تک رنگ دست می‌یابد.

P. O. Renoir. استخر پارویی. 1869

مانند بسیاری از امپرسیونیست ها، رنوار اپیزودهای زودگذر زندگی را به عنوان موضوعات نقاشی خود انتخاب می کند و صحنه های شهر جشن را ترجیح می دهد - توپ، رقص، پیاده روی ("پل جدید"، "قورباغه"، "مولن دالا گالت" و دیگران). روی این بوم ها نه سیاه و نه قهوه ای تیره را نخواهیم دید. فقط طیفی از رنگ‌های شفاف و روشن که از فاصله‌ای مشخص با هم ترکیب می‌شوند. فیگورهای افراد در این نقاشی‌ها با همان تکنیک امپرسیونیستی مناظر اطراف نقاشی شده‌اند که اغلب با آن ادغام می‌شوند.

P. O. Renoir. پرتره ژان سامری بازیگر. 1877

جایگاه ویژه ای در کار رنوار توسط تصاویر زنانه شاعرانه و جذاب اشغال شده است: از نظر درونی متفاوت هستند، اما از نظر ظاهری کمی شبیه به یکدیگر هستند، به نظر می رسد که آنها با مهر مشترک دوران مشخص شده اند. رنوار سه پرتره مختلف از ژان سامری بازیگر زن نقاشی کرد. روی یکی از آنها، این بازیگر با لباسی نفیس سبز-آبی در زمینه صورتی به تصویر کشیده شده است. رنوار در این پرتره موفق شد بر بهترین ویژگی های مدل خود تأکید کند: زیبایی، ذهن پر جنب و جوش، نگاهی باز، لبخندی درخشان. سبک کار هنرمند بسیار آزاد است، گاهی تا حد سهل انگاری، اما این امر فضایی از طراوت، وضوح معنوی و آرامش فوق العاده ایجاد می کند. در تصویر برهنه، رنوار به پیچیدگی نادری از میخک (نقاشی به رنگ انسان) دست می یابد. پوست)، بر روی ترکیبی از رنگ‌های گوشت گرم با بازتاب‌های متمایل به سبز روشن و آبی خاکستری کشویی ساخته شده است که به سطح بوم صاف و کدر می‌شود. در نقاشی "برهنه در نور خورشید" رنوار عمدتاً از رنگ های اصلی و ثانویه استفاده می کند و رنگ سیاه را کاملاً حذف می کند. لکه های رنگی که با کمک خطوط رنگی کوچک به دست می آیند، هنگامی که بیننده از تصویر دور می شود، یک اثر ادغام مشخص می دهد.

لازم به ذکر است که استفاده از رنگ‌های سبز، زرد، اخرایی، صورتی و قرمز برای به تصویر کشیدن پوست، عموم مردم آن زمان را شوکه کرد و برای درک این واقعیت که سایه‌ها باید رنگی و پر از نور باشند، آماده نبودند.

در دهه 1880، در آثار رنوار به اصطلاح «دوره انگرس» آغاز شد. معروف ترین اثر این دوره غسلان بزرگ است. برای اولین بار، رنوار شروع به استفاده از طرح ها و طرح ها برای ساخت یک ترکیب کرد، خطوط نقاشی واضح و مشخص شدند، رنگ ها درخشندگی و اشباع قبلی خود را از دست دادند، نقاشی در کل شروع به مهار و سردتر کرد.

در اوایل دهه 1890 تغییرات جدیدی در هنر رنوار رخ داد. در حالتی نقاشی، رنگین کمانی ظاهر می شود، به همین دلیل است که این دوره گاهی اوقات "مروارید" نامیده می شود، سپس این دوره جای خود را به "قرمز" می دهد که به دلیل ترجیح سایه های گل های مایل به قرمز و صورتی به این نام نامیده می شود.

یوجین هانری پل گوگن (سالهای زندگی 1848-1903) - نقاش، مجسمه ساز و گرافیست فرانسوی. او در کنار سزان و ون گوگ بزرگترین نماینده پست امپرسیونیسم بود. او در بزرگسالی شروع به نقاشی کرد، دوره اولیه خلاقیت با امپرسیونیسم همراه است. بهترین آثار گوگن در جزایر تاهیتی و هیوا-اوآ در اقیانوسیه نوشته شد، جایی که گوگن "تمدن منحرف" را ترک کرد. از ویژگی های بارز سبک گوگن می توان به ایجاد ترکیبات ایستا و متضاد رنگ بر روی بوم های مسطح بزرگ، عمیقاً احساسی و در عین حال تزئینی اشاره کرد.

در مسیح زرد، گوگن صلیبی را در پس زمینه یک منظره معمولی روستایی فرانسوی به تصویر کشیده است، عیسی رنج کشیده توسط سه زن دهقان برتون احاطه شده است. صلح در هوا، ژست های مطیع آرام زنان، منظره ای اشباع شده از رنگ زرد آفتابی با درختان در شاخ و برگ های قرمز پاییزی، دهقانی که در دور دست مشغول امور خود است، نمی تواند با آنچه روی صلیب اتفاق می افتد در تضاد باشد. محیط به شدت با عیسی تضاد دارد، که در چهره‌اش آن مرحله از رنج به نمایش در می‌آید که در مرز بی‌تفاوتی، بی‌تفاوتی نسبت به همه چیز اطرافش است. تناقض عذاب های بی حد و حصر پذیرفته شده توسط مسیح و "ناپیدا بودن" این قربانی توسط مردم - این موضوع اصلی این اثر گوگن است.

پی گوگن. تو حسودی؟ 1892

نقاشی "حسادت می کنی؟" به دوره پلینزی کار این هنرمند اشاره دارد. این نقاشی بر اساس صحنه ای از زندگی است که توسط هنرمند نظاره گر شده است:

در ساحل، دو خواهر - آنها تازه شنا کرده اند، و اکنون بدن آنها در حالت های شهوانی معمولی روی شن ها گسترده شده است - در مورد عشق صحبت می کنند، یک خاطره باعث مشاجره می شود: "چطور؟ تو حسودی!".

گوگن در نقاشی زیبایی آبدار طبیعت گرمسیری، انسان های طبیعی دست نخورده از تمدن، رویایی اتوپیایی از بهشت ​​زمینی، زندگی انسان در هماهنگی با طبیعت را به تصویر کشید. بوم های پلینزی گوگن از نظر رنگ تزئینی، مسطح بودن و ماندگاری ترکیب، تعمیم الگوی تلطیف شده به پانل ها شباهت دارند.

پی گوگن. ما از کجا آمده ایم؟ ما که هستیم؟ کجا داریم می رویم؟ 1897-1898

تصویر "از کجا آمدیم؟ ما که هستیم؟ کجا داریم میریم؟" گوگن اوج عالی تأملات خود را در نظر گرفت. با توجه به نیت هنرمند، تصویر باید از راست به چپ خوانده شود: سه گروه اصلی از چهره ها سوالات مطرح شده در عنوان را نشان می دهند. گروهی از زنان با یک کودک در سمت راست تصویر نشان دهنده آغاز زندگی است. گروه میانی نمادی از وجود روزانه بلوغ است. در گروه چپ افراطی، گوگن پیری انسان را در حال نزدیک شدن به مرگ به تصویر کشید. بت آبی در پس زمینه نماد دنیای دیگر است. این نقاشی اوج سبک نوآورانه پسامپرسیونیست گوگن است. سبک او ترکیبی از استفاده واضح از رنگ ها، رنگ های تزئینی و راه حل های ترکیبی، صاف بودن و ماندگاری تصویر با بیان احساسی بود.

آثار گوگن بسیاری از ویژگی‌های سبک آرت نوو را پیش‌بینی می‌کرد که در این دوره توسعه یافت و بر شکل‌گیری استادان گروه نبیس و دیگر نقاشان اوایل قرن بیستم تأثیر گذاشت.

دبلیو ون گوگ. سلف پرتره. 1889

ونسان ون گوگ (سالهای زندگی 1853-1890) - نقاش پست امپرسیونیست فرانسوی و هلندی، مانند پل گوگن، در بزرگسالی، در دهه 1880 نقاشی را شروع کرد. تا آن زمان، ون گوگ با موفقیت به عنوان دلال کار کرد، سپس به عنوان معلم در یک مدرسه شبانه روزی کار کرد، سپس در مدرسه مبلغان پروتستان تحصیل کرد و به مدت شش ماه به عنوان مبلغ در یک محله معدن فقیر در بلژیک کار کرد. در اوایل دهه 1880، ون گوگ با حضور در آکادمی هنرهای زیبا در بروکسل (1880-1881) و آنتورپ (1885-1886) به هنر روی آورد. ون گوگ در دوره اولیه کار خود طرح ها و نقاشی هایی را در محدوده تصویری تاریک می کشید و صحنه هایی از زندگی معدنچیان، دهقانان و صنعتگران را به عنوان طرح انتخاب می کرد. آثار این دوره توسط ون گوگ ("سیب زمینی خواران"، "برج کلیسای قدیمی در نین"، "کفش") نشان دهنده درک دردناکی حاد از رنج و احساس افسردگی انسان، فضای سرکوبگر تنش روانی است. این هنرمند در نامه‌های خود به برادرش تئو درباره یکی از نقاشی‌های این دوره به نام سیب‌زمینی‌خواران چنین نوشته است: «در آن سعی کردم تأکید کنم که این افراد با خوردن سیب‌زمینی‌های خود در زیر نور چراغ، آن را حفر کرده‌اند. زمین با همان دستانی که به ظرف دراز کردند. بنابراین، بوم از کار سخت صحبت می کند و اینکه شخصیت ها صادقانه غذای خود را به دست آورده اند. "در 1886-1888. ون گوگ در پاریس زندگی می کرد، از استودیوی هنری خصوصی معتبر معلم مشهور در سراسر اروپا پی. کورمون بازدید کرد، نقاشی امپرسیونیستی، حکاکی ژاپنی و آثار مصنوعی پل گوگن را مطالعه کرد. در این دوره، پالت ون گوگ روشن شد، سایه خاکی رنگ ناپدید شد، رنگ های آبی خالص، زرد طلایی، قرمز ظاهر شد، پویایی مشخصه او، گویی قلم موی روان ("Agostina Segatori در کافه تامبورین"، "پلی بر روی سن" "، "پاپا تانگوی"، "منظره پاریس از آپارتمان تئو در خیابان لپیک").

در سال 1888، ون گوگ به آرل نقل مکان کرد، جایی که سرانجام اصالت شیوه خلاقانه او مشخص شد. خلق و خوی هنری آتشین، انگیزه ای عذاب آور به سمت هماهنگی، زیبایی و خوشبختی، و در عین حال، ترس از نیروهای دشمن انسان، یا در مناظر درخشان با رنگ های آفتابی جنوب تجسم می یابد ("خانه زرد"، "برداشت" دره La Crot”)، یا به صورت شوم، یادآور تصاویر کابوس ("Night Cafe Terrace"). پویایی رنگ و سکته مغزی

دبلیو ون گوگ. تراس کافه شبانه. 1888

نه تنها طبیعت و مردمی که در آن زندگی می کنند ("تاکستان های سرخ در آرل")، بلکه اشیای بی جان ("اتاق خواب ون گوگ در آرل") با زندگی و حرکت معنوی پر می شود.

کار شدید ون گوگ در سال‌های اخیر با دوره‌های بیماری روانی همراه بود که او را به بیمارستان بیماران روانی در آرل، سپس در سنت‌رمی (1889-1890) و در Auvers-sur-Oise (1890) کشاند. خودکشی کرد آثار دو سال آخر زندگی این هنرمند با وسواس هیجان‌انگیز، بیان فوق‌العاده‌ی ترکیب‌های رنگی، نوسانات ناگهانی خلق و خوی مشخص شده است - از ناامیدی دیوانه‌وار و رویاپردازی غم‌انگیز ("جاده‌ای با سرو و ستاره‌ها") تا احساسی لرزان از روشنگری و صلح ("منظره در اوورز پس از باران") .

دبلیو ون گوگ. زنبق. 1889

در طول دوره درمان در کلینیک سنت رمی، ون گوگ مجموعه ای از نقاشی های "Irises" را نقاشی کرد. در نقاشی او از گل ها تنش بالایی دیده نمی شود و تأثیر چاپ های ژاپنی ukiyo-e قابل ردیابی است. این شباهت در انتخاب خطوط اشیاء، زوایای غیرمعمول، وجود مناطق دقیق و مناطق پر از یک رنگ ثابت که با واقعیت مطابقت ندارد، آشکار می شود.

دبلیو ون گوگ. مزرعه گندم با کلاغ ها. 1890

«مزرعه گندم با کلاغ ها» نقاشی از ون گوگ است که توسط این هنرمند در ژوئیه 1890 کشیده شد و یکی از مشهورترین آثار اوست. این نقاشی ظاهراً در 10 ژوئیه 1890، 19 روز قبل از مرگ او در Auvers-sur-Oise به پایان رسید. نسخه ای وجود دارد که ون گوگ در روند نوشتن این تصویر خودکشی کرده است (او با بیرون رفتن در هوای آزاد با وسایل طراحی، از تپانچه ای که برای ترساندن گله های پرندگان در ناحیه قلب خریداری شده بود به خود شلیک کرد، سپس به طور مستقل به بیمارستان رسید. جایی که بر اثر از دست دادن خون درگذشت).

رئالیسم فرانسوی

رئالیسم 30-40

رئالیسم انعکاس واقعی و عینی واقعیت است. رئالیسم در فرانسه و انگلیس در شرایط پیروزی نظم بورژوازی به وجود آمد. تضادها و کاستی های اجتماعی نظام سرمایه داری نگرش شدید انتقادی نویسندگان رئالیست را نسبت به آن تعیین کرد. او اکتسابی، نابرابری آشکار اجتماعی، خودخواهی، ریاکاری را محکوم کرد. در کانون ایدئولوژیک خود تبدیل به رئالیسم انتقادی می شود. همراه با آن با ایده های انسان گرایی و عدالت اجتماعی نفوذ کرده است. در فرانسه، در دهه‌های 30 و 40، بهترین آثار واقع‌گرایانه خود را می‌آفرینند Opore de Balzac، که 95 جلد «کمدی انسانی» را نوشت. ویکتور هوگو - «کلیسای جامع نوتردام»، «سال نود و سوم»، «بیچارگان» و غیره.
میزبانی شده در ref.rf
Gustave Flaubert - ʼmadam bovaryʼʼ ، ʼ ʼ ʼ ʼ ʼsalamboʼʼ prosper merimo - استاد داستان های کوتاه ʼmatemateo falconeʼʼʼ ، ʼcolombaʼʼ ، ʼcarmenʼ ، نویسنده نمایشنامه ها ، تاریخچه ها ، مزمن های تاریخی CHRONICLELELELLELELLELLELELELLELELLELELELLENISLELELELELENELEL Charles10ʼʼ و غیره
میزبانی شده در ref.rf
در دهه 30 و 40 در انگلستان. چارلز دیکنز طنزپرداز و طنزپرداز برجسته ای است، آثار «دامبی و سون»، «زمان سخت»، «انتظارات بزرگ» که اوج رئالیسم هستند. ویلیام میکپیس تاکری در رمان «نمایش غرور»، در اثر تاریخی «تاریخ هنری اسموند»، مجموعه‌ای از مقالات طنز «کتاب اسنوب‌ها»، رذیلت‌های ذاتی در جامعه بورژوایی را به‌طور مجازی نشان داد. در یک سوم پایانی قرن نوزدهم صدای جهان توسط ادبیات کشورهای اسکاندیناوی به دست آمده است. این اول از همه آثار او از نویسندگان نروژی است: هاینریش ایبسن - درام‌های «خانه عروسک» (ʼNoraʼʼ)، «ارواح»، «دشمن مردم» خواهان رهایی شخصیت انسان از ریاکاری اخلاقی بودند. بیورنسون درام «ورشکستگی»، «فراتر از قدرت ما» و شعر است. کنوت هامسون - رمان‌های روان‌شناختی "گرسنگی"، "رازها"، "پان"، "ویکتوریا"، که عصیان فرد را در برابر محیط فاسد به تصویر می‌کشد.

انقلاب 1789، زمان مبارزه سیاسی حاد. پنج رژیم سیاسی در فرانسه در حال تغییر هستند: 1.) 1795 - 1799 دوره دایرکتوری، 2.) 1799 - 1804 دوره کنسولگری ناپلئون. 3) 1804 - 1814 - دوره امپراتوری ناپلئون و جنگها 4) 1815 - 1830 - دوره بازسازی 5) 1830 - 1848 دوره سلطنت جولای ، 6) انقلاب 1848 ، تقویت بورژوازی . رئالیسم در فرانسه به لحاظ نظری و کلمه شکل گرفت. ادبیات به دو مرحله تقسیم می شود: بالزاک و فلوبر. I) 30رئالیسم به بازتولید پدیده های مختلف طبیعی اشاره دارد. دهه 40، واقع گرایی - تنظیم تصویر زندگی مدرن، نه تنها بر اساس تخیل، بلکه بر اساس مشاهده مستقیم. ویژگی ها: 1) تجزیه و تحلیل زندگی، 2) اصل تیپ سازی تایید شده است، 3) اصل چرخه سازی، 4) جهت گیری به سمت علم، 5) تجلی روانشناسی. ژانر پیشرو رمان است. II) دهه 50نقطه عطفی در مفهوم رئالیسم، که با کار تصویری کوربه همراه بود، او و شانفلوری برنامه جدیدی را تدوین کردند. نثر، صداقت، عینیت در مشاهده شده.

BERENGER پیر ژان- ترانه سرای فرانسوی اولین آثار شاخص ب در این نوع جزوه های او در مورد ناپلئونمن: "شاه ایوتو"، "رساله سیاسی". اما اوج طنز بی به دوران مرمت می رسد. بازگشت به قدرت بوربون ها و همراه با آنها اشراف زادگان مهاجر که در طول سال های انقلاب چیزی یاد نگرفته اند و چیزی را فراموش نکرده اند، در ب. یک سلسله طولانی از آهنگ ها، جزوه ها را تداعی می کند که در آن کل نظام اجتماعی و سیاسی دوران بازتاب طنز درخشانی می یابد. ادامه آنها ترانه- جزوه هایی است که علیه آن ها کارگردانی شده است لویی فیلیپبه عنوان نماینده بورژوازی مالی بر تاج و تخت. در این ترانه‌ها که خود ب. آن‌ها را کلیسا، بوروکراسی و بورژوازی می‌نامد، تیرهایی که به تخت پرتاب می‌شوند، شاعر به‌عنوان یک تریبون سیاسی ظاهر می‌شود که از طریق خلاقیت شاعرانه از منافع بورژوازی کارگر دفاع می‌کند، که نقشی انقلابی در دوران بی. که بعدها سرانجام به پرولتاریا رسید. ب. در مخالفت با ناپلئون در دوران سلطنتش، کیش خاطره خود را در دوران بوربون ها و لویی فیلیپ تأیید می کند. در سرودهای این چرخه، ناپلئون به عنوان نماینده قدرت انقلابی و مرتبط با توده ها ایده آل شده است. انگیزه های اصلی این چرخه: ایمان به قدرت ایده ها، آزادی به عنوان نوعی خیر انتزاعی، و نه به عنوان یک نتیجه واقعی از مبارزه طبقاتی، که در ارتباط با خشونت بسیار مهم است ("ایده"، "اندیشه"). در یکی از آهنگ های این چرخه، ب معلمان خود را صدا می کند: اوون، لافونتن، فوریه. بنابراین پیش روی ما پیروان سوسیالیسم آرمانگرایانه ماقبل مارکسیستی است. اولین مجموعه شعر او را از رحمت مقامات در دانشگاه محروم می کند و سپس در آنجا خدمت می کرد. مجموعه دوم، B. را به دلیل توهین به اخلاق، کلیسا و خانواده سلطنتی تحت تعقیب قرار می دهد و به سه ماه حبس محکوم می شود. مجموعه چهارم منجر به صدور حکم دوم حبس برای نویسنده شد، این بار به مدت 9 ماه. با همه اینها، مشارکت ب. در زندگی سیاسی به معنای واقعی کلمه (اگر به کنش انقلابی ترانه ها دست نزنیم) برای مثال به اشکال نسبتاً معتدلی منجر شد.
میزبانی شده در ref.rf
در سالهای اخیر، ب. از زندگی عمومی کناره گیری کرد، در نزدیکی پاریس مستقر شد، در کار خود از انگیزه های سیاسی به اجتماعی رفت و آنها را با روحیه پوپولیسم توسعه داد ('Red Jeanne'', ʼʼترامپʼʼ، ʼʼژاکʼʼ و غیره).

بالزاک، آنور(Balzac, Honoré de) (1799-1850)، نویسنده فرانسوی که تصویر کاملی از زندگی اجتماعی زمان خود را بازسازی کرد. تلاش برای به دست آوردن ثروت در تجارت چاپ و نشر (1826-1828) بالزاک را در بدهی های کلان قرار داد. او دوباره به نوشتن روی آورد و در سال 1829 این رمان را منتشر کرد آخرین شوانگ. این اولین کتابی بود که به نام خودش منتشر شد، همراه با راهنمای طنز برای شوهران. فیزیولوژی ازدواج 1829) او توجه عمومی را به یک نویسنده جدید جلب کرد. در همان زمان، کار اصلی زندگی او آغاز شد: در سال 1830 اولین صحنه های زندگی خصوصی، یک شاهکار بدون شک گربه در حال بازی خانه توپ، در سال 1831 اولین رمان ها و داستان های فلسفی. برای چندین سال دیگر، بالزاک به عنوان یک روزنامه نگار آزاد کار کرد، با این حال، نیروهای اصلی از 1830 تا 1848 به چرخه گسترده ای از رمان ها و داستان های کوتاه داده شد، که در جهان به عنوان شناخته شده است. کمدی انسانی.در سال 1834، بالزاک این ایده را داشت که قهرمانان مشترک نوشته شده از سال 1829 و آثار آینده را به هم پیوند دهد و آنها را در یک حماسه ترکیب کند که بعدها "کمدی انسانی" نامیده شد. بالزاک با تجسم ایده وابستگی های متقابل جهانی در جهان، یک مطالعه هنری جامع از جامعه و انسان فرانسه را در نظر گرفت.چارچوب فلسفی این بنای هنری ماتریالیسم قرن هجدهم، نظریه های علمی طبیعی مدرن بالزاک، عناصر آموزه های عرفانی است. که به طور خاص ذوب شده اند. کمدی انسانی سه بخش دارد. I. اتودهای آداب: 1) صحنه های زندگی خصوصی. 2) صحنه های زندگی ولایی; 3) صحنه های زندگی پاریسی. 4) صحنه های زندگی سیاسی; 5) صحنه های زندگی نظامی; 6) صحنه های زندگی روستایی. II. مطالعات فلسفی. III. مطالعات تحلیلی. اینها، همانطور که بود، سه دایره مارپیچی هستند که از حقایق به علل و مبانی صعود می کنند (رجوع کنید به مقدمه "کمدی انسانی"، Sobr.
میزبانی شده در ref.rf
نقل، ج 1، م.، I960). «کمدی انسانی» شامل 90 اثر است. بالزاک باو اولین نویسنده بزرگی بود که به پیشینه مادی و «ظاهر» شخصیت هایش توجه زیادی کرد. قبل از او، هیچ کس به اندازه انگیزه های اصلی زندگی، اکتساب و شغل گرایی بی رحمانه را به تصویر نمی کشید. گوبسک 1830)، در شاهکار ناشناخته (1831), یوجنیا گرانده, نامه هایی به یک غریبهدر مورد عشق به یک کنتس لهستانی