نویسندگانی که خود قصه های پریانشان را به تصویر کشیده اند. بهترین تصویرگران افسانه "فندق شکن"

کتاب هایی که در دوران کودکی می خواندیم به لطف تصاویر به یاد ماندنی با شخصیت های مورد علاقه مان بسیار بر ما تأثیر گذاشت. ما می توانیم به راحتی تصاویر Dunno یا Thumbelina را چندین دهه بعد در حافظه خود بازتولید کنیم. اما اکنون انتخاب یک کتاب مصور خوب دشوارتر شده است. وقتی وارد مغازه می‌شویم، به سادگی گم می‌شویم و در نهایت کتابی با سمی‌ترین جلد می‌گیریم، که باعث می‌شود کودک احساس بیماری کند. الکساندرا بالاشووا، تصویرگر و معلم مدرسه طراحی ورونیکا کالاچوا، به آنجلینا گرین و ایلیا مارکین گفت راز یک تصویرسازی موفق چیست و چگونه می توان یک کتاب تصویری خوب برای کودک انتخاب کرد.

برای کسانی که برای امتحان اصلی مدرسه آماده می شوند

3 قانون برای ایجاد نقاشی های خوب کودکان

هیچ دستور العمل جهانی برای تصویرسازی کامل وجود ندارد. اما سه قانون وجود دارد که به هنرمندان اجازه می دهد تا طرح های جذابی برای کتاب های کودکان خلق کنند.

1. تصویرسازی کودکان باید متضاد باشد. در غیر این صورت، تمرکز چشمان کودک روی چیزی دشوار است. توانایی تمرکز کودکان خیلی توسعه نیافته است. آنها رنگ ها و اشکال را درک می کنند، بنابراین این امر به ویژه برای تصویرسازی کودکان مهم است.

2. ترکیب باید واضح و اندیشیده شده باشد.. نگاه نباید فراتر از تصویرسازی باشد. تمام توجه باید در تصویر متمرکز شود.

3. خوانندگان باید خود را در شخصیت ها بشناسند.. برای مثال، اگر شخصیت ها با سن و تناسب بدن کودکان مطابقت داشته باشند، خوب است.

در مورد انتخاب کتاب توسط والدین توصیه می کنم از دوران کودکی به کودکان ذوق زده شود. ما باید شجاع باشیم و از شر تمام کتاب هایی که چشمان لرزان پلاستیکی و رنگ های هسته ای دارند خلاص شویم. تصاویری را که دوست دارید انتخاب کنید. بدین ترتیب کودک خود را قدم به قدم با دنیای زیبایی آشنا خواهید کرد. همه ما مصرف شیرینی ها را در کودکانمان محدود می کنیم و عشق به سبزیجات را القا می کنیم، درست است؟ با تصویرسازی کتاب هم باید همین کار را کرد.

مهم است که به یاد داشته باشید که جلب توجه یک کودک دشوارتر از یک بزرگسال است. برای بررسی اینکه آیا یک تصویر کنتراست کافی دارد یا خیر، یک آزمایش ساده انجام دهید: از تصویر سیاه و سفید عکس بگیرید. باید از نظر تن متنوع باشد و مانند یک توده خاکستری چسبنده به نظر نرسد.

بسیاری از بزرگسالان، به ویژه مادربزرگ ها، معتقدند که حیوانات در کتاب های کودکان باید واقع بینانه ترسیم شوند. در غیر این صورت، کودک تصور اشتباهی از ظاهر یک گربه خواهد داشت. همانطور که تمرین نشان می دهد، کودکان بسیار کوچک به تصویر نمادین تری از یک حیوان بهتر پاسخ می دهند. بلافاصله او را می شناسند. علاوه بر این، این نمادگرایی فانتزی را توسعه می دهد. از فرم های ساده نترسید. تصاویر واقع گرایانه (مانند تصویر اینگپن) را برای کودکان بزرگتر بگذارید.

اگر نمی‌دانید چگونه از بین کتاب‌های متنوع، چیزی ارزشمند انتخاب کنید و در میان مجموعه کتاب‌فروشی‌ها گم شده‌اید، به انتشارات کوچک (پلیاندریا، ساموکات، زرافه صورتی) توجه کنید. ناشران کوچک اغلب در انتخاب کتاب و کیفیت تصویر دقت بیشتری می کنند.

تصویرسازی کودکان چیست؟

هیچ طبقه بندی واحدی از تصاویر وجود ندارد، همه چیز فردی است و به نویسنده بستگی دارد. برای والدینی که هنوز می‌خواهند طیف کتاب‌های مصور کودکان را درک کنند، راهنمای کوچکی در مورد تکنیک‌ها، رویکردها و سبک‌های تصویرسازی طراحی کرده‌ایم.

ارزش شروع با این واقعیت است که مواد مختلفی وجود دارد. برخی با رنگ، برخی با مداد، برخی تکنیک‌ها را ترکیب می‌کنند یا از کلاژ استفاده می‌کنند، برخی از کاغذ بریده می‌شوند. برخی از تصویرگران مستقیماً از روی سر خود ترسیم می کنند، در حالی که برخی دیگر طرح های زیادی را می کشند و منابع را انتخاب می کنند.

نکته اصلی در تصویرسازی، اصل وحدت بخشی برای یک سری عکس است. اغلب این یک طرح است که به صحنه های کلیدی تقسیم می شود که هنرمند برای هر یک تصاویر می سازد. نقاشی ها قهرمانان داستان را به تصویر می کشند.

به عنوان نمونه ای از تصاویر متحد شده توسط یک طرح، می توان به نقاشی های فردریک پیلو در کتاب های "لولو و لک لک غایب" یا "لولو و جشن عشاق" اشاره کرد. در تصاویر دقیقاً موقعیت هایی را می بینیم که در متن توضیح داده شده است.

تصویر توسط فردریک پیلو

تصویر توسط فردریک پیلو

برخی از هنرمندان مجموعه ای از تصاویر را بر اساس مکان عمل ترکیب می کنند: برای مثال، تصاویر صحنه هایی از زندگی روستایی. بسیاری از Wimmelbook ها بر اساس این اصل طراحی شده اند - کتاب های آموزشی برای بررسی، آموزش توجه و حافظه. اینها نشریاتی با فرمت بزرگ هستند که در آنها هر انتشار تصویری دقیق است که کودکان می توانند بی نهایت به آن نگاه کنند.

ویمل‌بوک‌ها برای خوانندگان جوان‌تر ایده‌آل هستند: کودکان با بازی و خواندن یاد می‌گیرند. نمونه بارز آن کتاب «در سیرک» نوشته دورو گبل و پیتر کر است. چندین نقشه که هر کدام در قلمرو سیرک اتفاق می افتد.

تصویر توسط دورو گوبل و پیتر کر

گاهی اوقات تصاویر بر اساس اصول سبکی ترکیب می شوند. تصویرگر تصاویر از قبل آشنا را ترسیم می کند و آنها را با سبک منحصر به فرد خود تطبیق می دهد. به عنوان مثال، او شخصیت های یک کتاب، یک سری کتاب، یک سری فیلم یا کارتون را دوباره ترسیم می کند تا در عین حال که شخصیت های قابل تشخیص باقی می مانند، دیدگاه هنرمند را منعکس کنند. در نقاشی های طراح گرافیک فنلاندی Jirka Vaatainen، می توانید شاهزاده خانم های دیزنی را بشناسید، اگرچه آنها غیرعادی به نظر می رسند. کودکانی که عاشق Frozen و Snow White and the Seven Dwarfs هستند، واقعاً کتابی با تصاویر مشابه را دوست خواهند داشت.

تصاویر توسط Jirka Väätäinen

خاص بودن فناوری نیز می تواند یک اصل متحد کننده باشد. به عنوان مثال، اگر نویسنده فقط از اشکال هندسی استفاده کند، مانند اولگ برسنف در نقاشی های خود از حیوانات. چنین تصاویری به خوبی تفکر تخیلی کودکان را آموزش می دهد و به آنها می آموزد که اشکال ساده شده را درک کنند.

بسیاری از این اصول متحد کننده وجود دارد که می توان ابداع کرد. هیچ محدودیتی وجود ندارد، همه چیز فقط به خود هنرمند و امکانات تخیل او بستگی دارد.

تصویر توسط اولگ برسنف

امروزه تکنیک ها و مواد زندگی بسیار محبوب هستند - آبرنگ، گواش، مداد رنگی، کلاژ. تصاویر برداری نیز محبوب هستند، اما اغلب تشخیص دست خط هنرمند در آنها بسیار دشوارتر است.

در اینجا یک نمونه قابل توجه از یک تصویر آبرنگ از هنرمند توکیویی Mateusz Urbanowicz است.

تصاویر توسط Mateusz Urbanowicz

و در اینجا نقاشی های گواش از دینارا میرتالیپووا است.

تصاویر توسط دینارا میرتالیپووا

برخی از هنرمندان، مانند هنرمند چک، Mihaela Mihailova، تصاویر را از کاغذ یا پارچه جدا می کنند. چنین آزمایش هایی با اشکال همیشه بچه ها را مشغول می کند.

تصاویر توسط Michaela Mihalyiova

تصویر توسط تاتیانا دوایوا، النا ارلیخ و الکسی لیاپانوف

آثار اورجینال توسط کسانی تولید می شود که با لینوکات کار می کنند. به عنوان مثال، در اینجا یک نقاشی از اولگا ژووا-دنیسووا از یکاترینبورگ است.

تصویر توسط اولگا ژووا-دنیسووا

برخی از هنرمندان مانند مورگانا والاس هنرمند از کلاژ استفاده می کنند. بچه ها اغلب سعی می کنند از چنین تصاویری تقلید کنند و آنها را تشویق کنند تا کاردستی ها و کلاژهای خود را بسازند.

تصویر توسط مورگانا مردیت والاس

تصویر برداری کلاسیک، مانند کار پیتر دانلی، تصویرگر ایرلندی، عمدتاً به خاطر حس کارتونی خود قابل توجه است.

تصویر توسط پیتر دانلی

بهترین تصویرگران

اگر کاملاً به سلیقه خود اعتماد ندارید، به کارهای هنرمندان مشهور روی بیاورید. گوروهای تصویرسازی زیادی وجود دارد و هر فردی فهرست مورد علاقه خود را دارد. من مجموعه ای از نویسندگان مورد علاقه خود را گردآوری کرده ام. همه آنها بر تصویرسازی کودکان تأثیر گذاشتند و حتی بسیاری از آنها در اصل آن ایستادند.

میروسلاو شاشکنویسنده و تصویرگر کودک اهل جمهوری چک است که به خاطر کتاب های راهنمای رنگارنگش شهرت دارد. مجموعه ای از انتشارات پر جنب و جوش شامل راهنماهای "این نیویورک است"، "این پاریس است"، "اینجا لندن است" و بسیاری دیگر است.

زدنک میلر- یکی دیگر از هنرمندان چک که اغلب با انیمیشن کار می کرد. او به عنوان نویسنده کارتون هایی در مورد کروتیک شناخته می شود که بسیاری از تماشای آن در کودکی لذت می بردند.

بئاتریکس پاتر- هنرمند انگلیسی و نویسنده کتاب های کودکان. او عمدتاً حیوانات و گیاهان را نقاشی می کرد.

لو توکماکوف- تصویرگر شوروی که با مجله "Murzilka" همکاری می کرد. آثار او در گالری ترتیاکوف و موزه هنرهای زیبای پوشکین نگهداری می شود.

ویکتور چیژیکوف- هنرمندی که تصویر توله خرس میشکا، طلسم بازی های المپیک تابستانی 1980 در مسکو را به جهان داد.

یوری واسنتسف- هنرمند شوروی، نقاش، گرافیست، هنرمند تئاتر، تصویرگر کتاب و برنده جوایز دولتی. نقاشی های او را می توان در بیشتر کتاب هایی که از دوران کودکی برای ما آشنا بود، یافت.

اولگا و آندری دوگین- هنرمندان روسی که به اشتوتگارت نقل مکان کردند. آثار آنها شبیه مینیاتورهای قرون وسطایی است. در سال 2007، این زوج مدال طلای انجمن تصویرگران ایالات متحده را برای نقاشی هایشان برای افسانه "خیاط کوچک شجاع" دریافت کردند.

رابرت اینگپن- تصویرگر متولد استرالیا. آثار او شامل طراحی‌هایی برای «آلیس در سرزمین عجایب»، «جزیره گنج»، «تام سایر»، «پیتر پن و وندی»، داستان‌های پریان کیپلینگ و بسیاری آثار کلاسیک دیگر است. برای برخی، تصاویر رابرت اینگپن بیش از حد بزرگسال، جدی و حتی غم انگیز به نظر می رسد، اما برای برخی دیگر آنها را خوشحال می کند.

اریک کارلتصویرگری است که برای مدت طولانی در بخش تبلیغات روزنامه معتبر نیویورک تایمز کار می کرد. یک بار، یک نویسنده کودک از لوگویی که توسط یک هنرمند کشیده شده بود آنقدر خوشش آمد که از اریک کارل خواسته شد برای یک کتاب تصویری بسازد. به زودی خود هنرمند شروع به نوشتن برای خوانندگان جوان کرد.

ربکا دوترمر- تصویرگر فرانسوی و نویسنده کتاب های کودک خودش. در رسانه های چاپی کودکان کار می کند و پوسترهایی با تصاویر ایجاد می کند.

ارنست شپرد- هنرمند و تصویرگر انگلیسی که به عنوان کاریکاتوریست برای مجله طنز پانچ کار می کرد. او به خاطر تصویرسازی هایش برای افسانه های وینی پو شناخته می شود.

کوئنتین بلیک- تصویرگر انگلیسی نقاشی های او بیش از 300 کتاب از آثار کلاسیک شناخته شده را تزئین می کند: لوئیس کارول، رودیارد کیپلینگ، ژول ورن، سیلویا پلات، رولد دال و بسیاری دیگر.

سفید برفی و هفت کوتوله

انتشارات Dobraya Kniga که برای چندین سال متوالی "کتاب های کارت پستال" را با عکس حیوانات و زیرنویس های خنده دار برای آنها منتشر می کرد، ناگهان تصمیم گرفت به نسخه های هدیه ای از کتاب های کودکان روی بیاورد و چندین داستان پریان که توسط هنرمندان مدرن اروپایی به تصویر کشیده شده بود را به خوانندگان ارائه داد.

گربه در چکمه

نکته قابل توجه اصل "گربه چکمه پوش" اثر چارلز پررو با تصاویری از یک هنرمند آمریکایی دیگر (1939-2001) است که در نسخه "کتاب خوب" نیز ظاهر شد. شاید ما هرگز چنین جلد اصلی ندیده باشیم: چهره یک گربه حیله گر را در لباس نجیب رنسانس به تصویر می کشد و هیچ چیز دیگری، نه نام نویسنده، نه عنوان افسانه، و نه سایر ویژگی ها و نقاشی های آشنا وجود دارد. به ما با این حال، این نباید تعجب آور باشد، زیرا این مارسلینو بود که به عنوان یک مبتکر در زمینه طراحی جلد شناخته می شود (او از سال 1974 شروع به ساخت 40 جلد در سال به مدت 15 سال کرد و انقلابی در این زمینه ایجاد کرد).

مارسلینو از اواسط دهه 1980 شروع به تصویرگری کتاب های کودکان کرد. و اولین اثر بزرگ او، "گربه چکمه پوش"، در سال 1991 یکی از معتبرترین جوایز را در زمینه تصویرسازی کودکان به ارمغان آورد. . خوانندگان خاطرنشان می کنند که تصاویر پر از نور خورشید و همچنین مضامین طنز هستند و پیش بینی تفسیر جدیدی از تصویر گربه چکمه پوش را دارند که بعداً توسط استودیو پیکسار به مخاطبان کارتون ارائه شد.

خوانندگان روسی با کار تصویرگر از کتاب تصویری نویسنده "منو برای تمساح" که سال گذشته توسط انتشارات پلیاندریا منتشر شد، آشنا هستند (اگرچه تصویرگر به عنوان "مارسلینو" معرفی شده است). افسانه "منو برای یک کروکودیل" (در اصل "من، تمساح") به عنوان بهترین کتاب مصور برای کودکان توسط نیویورک تایمز در سال 1999 شناخته شد.

ملکه برفی

خوانندگان همچنان با کار تصویرگر بریتانیایی در نسخه جدید "ملکه برفی" اثر G.-H. اندرسن که در «کتاب خوب» نیز ظاهر شد (اخیراً همین انتشارات H. H. Andersen را با تصاویری از K. Birmingham منتشر کرد و سال گذشته انتشارات Eksmo داستان پریان C. S. Lewis «شیر، جادوگر و کمد لباس» را ارائه کرد. ). اولین کتاب با این تصاویر در سال 2008 توسط این انتشارات در انگلستان منتشر شد شمعدان.

بیرمنگام با استفاده از گچ و مداد، تصاویر دو صفحه ای در مقیاس بزرگ از معروف ترین افسانه ها خلق می کند. آنها تبدیل به رویداد اصلی کتاب می شوند، حتی اگر در مورد یک متن بسیار معروف صحبت کنیم، چه "سرود کریسمس" اثر D. Moore (کتاب با تصاویر بیرمنگام بیش از یک میلیون نسخه فروخته شد) یا "شیر، جادوگر و کمد لباس» نوشته سی اس لوئیس. یکی از ویژگی‌های بارز تصاویر بیرمنگام، تصاویر بسیار دقیق و دقیق از نظر عکاسی از مردم، و همچنین دنیای افسانه‌ای در مقیاس بزرگ و بسیار روشن است.

گوش کن، من اینجا هستم!

انتشارات «اناس بوک» کتاب مصور بریژیت اندرس «گوش کن، من اینجام!» با تصویرگری هنرمندی از آلمان را منتشر کرد. این داستان این است که چگونه یک آفتاب پرست کوچک به تنهایی در یک فروشگاه حیوانات خانگی رنج می برد و سپس از آنجا فرار کرد و با دختر بچه ای در خیابان آشنا شد که دوست و صاحب او شد.

اگر تصویرگران ذکر شده در بالا سال‌ها روی یک کتاب کار می‌کنند، تورلوناس کمتر از یک ماه طول می‌کشد تا یکی را بسازد: در سال 2013، 15 کتاب تصویری در آلمان منتشر شد، که او برای آنها تصویر کشید، و در سال 2014 - 13. در نقاشی ها که ظاهراً با کمک رایانه ساخته شده اند، تعداد زیادی از کودکان با سر بزرگ، نسبتاً زیبا، اگرچه بسیار شبیه به یکدیگر هستند، که با خطوط عمداً کج به تصویر کشیده شده اند. هیچ تمایلی به رئالیسم در آنها وجود ندارد (والدین خوانندگان جوان این سبک را "کارتونیک" می نامند) ، اما موقعیت ها و مناظر - یک خیابان ، یک فروشگاه ، یک اتاق - بسیار قابل تشخیص هستند و تصاویر اصلاً روشنایی بی مزه نیستند. .

جالب است که تورلونیاس در بیشتر موارد به عنوان تصویرگر متن شخص دیگری عمل می کند و تقریباً هرگز کتابی را به طور کامل به تنهایی نمی سازد. خوانندگان روسی با آثار او از کتاب مایکل انگلر "فیل خارق العاده" که توسط انتشارات پلیاندریا در سال 2014 منتشر شد، آشنا هستند.

اتو در شهر

یک "مقوا" بزرگ برای کوچکترین خوانندگان در نسخه کودکان انتشارات "مان، ایوانف و فربر" تهیه شد - این یک کتاب تصویری توسط تصویرگر معروف بلژیکی "اتو در شهر" است. در نگاه اول، این کتاب مانند کتاب دیگری به نظر می رسد که قبلاً برای خوانندگان ما آشنا است ویملبوچ، صفحات آن با جزئیات بسیار پراکنده است که می توانید مدت ها به آنها نگاه کنید و به دنبال اشیا و پدیده های دنیای آشنا بگردید. اما در واقع، «اتو در شهر» رویکردی کاملاً نوآورانه برای «بال زدن» به ما ارائه می‌کند: کتاب را می‌توان در حین حرکت در اطراف آن خواند و همچنین به عنوان یک موزه نگاه کرد: از ابتدا تا انتها از پایین و از انتها بخوانید. تا شروع از بالا به طور کلی، کتاب در قالب پانورامای دایره ای شهر ترسیم شده است، جایی که هیچ ترکیب معمولی "از پایین - زمین و شهر، از بالا - آسمان و هواپیما" وجود ندارد، خواننده به گونه ای به شهر نگاه می کند که گویی از بالا. پایین، از آسمان، و جاده‌ها، خانه‌ها، تقاطع‌ها و ساکنان یک شهر اروپایی معمولی را می‌بیند که توسط هنرمند تصور شده است.

تام چمپ یک سری کتاب در مورد بچه گربه اتو ارائه کرد. هر یک از آنها چشم اندازهای غیرمعمولی از مکان های آشنا برای ساکنان اروپای غربی ارائه می دهد. در نگاه اول، نقاشی های او شبیه کلاژهایی هستند که از مواد مختلف ساخته شده اند، اما این تصور فریبنده است: هنرمند تمام تصاویر خود را با رنگ اکریلیک روی مقوا می کشد.

هابیت

بسیاری از تصویرگران روی تصاویر کتاب‌های پروفسور درباره سرزمین میانه کار کردند، اما اولین تصویرگر «هابیت» خود نویسنده بود. تالکین یک هنرمند حرفه‌ای نبود و مرتباً از ناشران خود به خاطر طراحی‌های با کیفیت ناکافی عذرخواهی می‌کرد (با این حال، تنها ده تصویر سیاه و سفید و همچنین یک نقشه در نسخه اول داستان گنجانده شد). با این حال، چه کسی بهتر از او می‌دانست که ریوندل، خانه بیرن، اژدها اسماگ و دیگر شخصیت‌ها و مکان‌ها واقعاً چه شکلی هستند؟ انتشارات «AST» در بهمن ماه سال جاری چاپ بعدی داستان پریان «هابیت» را با ترجمه ای جدید و با تصاویر نویسنده که روی درج شده است منتشر کرد.

هانس کریستین اندرسن

برخی از تصویرگران روسی در سراسر جهان مورد تقاضا هستند. به عنوان مثال، تقریباً نیمی از کتاب های با تصویرسازی در خارج از کشور منتشر شده است. خوانندگان روسی برخی از تصاویر او را بسیار دیرتر از خوانندگان آمریکایی دیدند، این در مورد محصول جدید انتشارات ریپول نیز صدق می کند، کتابی از مجموعه زندگینامه "نام های بزرگ" که به داستان نویس اختصاص دارد: در ایالات متحده کتاب در سال 2003 منتشر شد. نویسندگان کتاب چندین داستان از زندگی یک داستان‌نویس محبوب را روایت کردند (متاسفانه، متن به زبان روسی از نظر سبکی بسیار ناقص است)، و چلوشکین آنها را به شیوه اصلی خود، با ترکیب واقعی و خارق‌العاده به تصویر کشیده است.

شاعران عصر نقره برای کودکان

مجموعه کاملاً جدید "شاعران عصر نقره برای کودکان" توسط انتشارات Onyx-Lit در همان زمان اولین تصویرگر جوانی از سن پترزبورگ است که برای اشعار معروف مارینا تسوتاوا، نیکولای گومیلیوف، نقاشی کشیده است. ساشا چرنی و دیگر شاعران آغاز قرن گذشته. تصاویر افراد، کودکان و بزرگسالان، کمی کاریکاتور به نظر می رسند، اما تصاویر پر از پس زمینه های تزئینی عجیب و غریب در رنگ های پاستلی است که به نظر می رسد فضایی چند لایه و توری ایجاد می کند. انتشارات Onyx-Lit کتاب دیگری را با تصاویر این هنرمند جوان - "خانه ای که شناور شد" اثر آنا نیکولسکایا اعلام کرد. و در حال حاضر روی پلت فرم است بوم استارترپروژه تامین مالی جمعی "Sills" آغاز شده است: از خوانندگان دعوت می شود تا در انتشار کتابی در مورد دختر لیدوچکا که نمی تواند راه برود ، اما می داند که چگونه آستانه ها را در صندلی مخصوص خود روی چرخ ها بپیماید ، شرکت کنند. داستان توسط آنا نیکولسکایا ساخته شده است و تصاویر آن توسط همان آنا توردوخلبووا ترسیم شده است.

تیاپکین و لیوشا

بسیاری از کارشناسان و دوستداران ادبیات کودک خاطرنشان می کنند که در حال حاضر شاهد رونق تجدید چاپ هستیم: کتاب های کودکان شوروی دهه 50-80. قرن گذشته تقریباً بیشتر از موارد مدرن منتشر می شود، در حالی که ناشران تلاش می کنند کتاب را به طور کامل بازتولید کنند: از متن گرفته تا تصاویر، از طرح بندی تا فونت (که البته به دلیل الزامات بهداشتی و بهداشتی جدید همیشه جواب نمی دهد. محصولات نشر کتاب برای کودکان) . سردبیران مؤسسات انتشاراتی نه تنها مشهورترین، «انبوه» و پرتیراژترین هنرمندان را انتخاب می‌کنند، بلکه به نام‌های نیمه فراموش شده و متون کم‌شناخته نیز توجه می‌کنند.

به عنوان مثال، انتشارات Rech که ماهانه تعداد زیادی کتاب قدیمی و جدید را به خوانندگان خود ارائه می‌کند، نسخه‌ای از داستان نه چندان معروف افسانه‌ای مایا گانینا «تیاپکین و لیوشا» را همراه با تصاویر ارائه کرد. این یک افسانه در مورد یک ماجراجویی تابستانی تابستانی است، دوستی یک دختر کوچک لیوبا، با نام مستعار Tyapkin، و مرد جنگلی Volodya، که دختر او را "لشا" (از کلمه "گوبلین") می نامد. نیکا گلتز که معمولاً به ندرت به تصویرگری نویسندگان معاصر روی می آورد، برای این کتاب تصاویر بسیار ظریفی کشید که تنها در دو رنگ - خاکستری و سبز زمردی ساخته شده بود. این افسانه دو بار در سال های 1977 و 1988 منتشر شد و برای هر نسخه نیکا جورجیونا نسخه خود را از تصاویر ترسیم کرد. در انتشار مجدد، که در مجموعه «خواندن با راهنمای کتاب» منتشر شد، ناشران تمام تصاویر هنرمند ایجاد شده برای هر دو نسخه را در یک جلد جمع آوری کردند.

تئاتر باز می شود

تصویرگر کتاب های کودک که بیش از 30 سال پیش درگذشت، نیمه فراموش شده توسط عموم مردم، به لطف انتشارات نیگما به میان خوانندگان بازمی گردد. خلاقیت A. Brey بسیار متنوع است: او یکی از درخشان ترین نمایندگان گرافیک کتاب مسکو در دهه 20-30 محسوب می شود. قرن گذشته به عنوان یک نقاش حیوانات و به عنوان تصویرگر افسانه ها کار کرد، برای مجلات و وسایل کمک آموزشی کودکان و در مجموع حدود 200 کتاب کودک را به تصویر کشید. علاوه بر این، او تقریباً 50 نوار فیلم کشید و تکنیک تصویر کاملاً جدیدی را برای آنها پیشنهاد کرد: در برخی از نوارهای فیلم او، متن طبق معمول زیر نقاشی قرار نمی گرفت، بلکه در همان فضای تصویر حک می شد. هنرمند "فونت های نویسنده" جالبی ساخته است.

انتشار فیلم‌های قدیمی در قالب کتاب در قالب بزرگ‌نمایی، یکی از تجربه‌های مکرر سال‌های اخیر است. بار دیگر توسط «نیگما» تکرار می‌شود، که در حال انتشار یک نوار فیلم سابق در سال 1968 با شعر «تئاتر باز می‌شود» اثر اما موزکووسکا به‌عنوان کتاب، با تصویرگری A. Brey. این هنرمند نه تنها تصاویر، بلکه متون را نیز ترسیم کرد و تمام کلمات مؤدبانه ای را که خانم شاعر از خوانندگان کوچک دعوت می کند در قاب های رنگی به خاطر بسپارند.

در آینده ای نزدیک، انتشارات کتاب دیگری با تصاویر A. Brey - "Alenkin's Brood" اثر A. Balashov منتشر خواهد کرد، البته این بار بدون هیچ آزمایشی با نوارهای فیلم.

دوستان! شما می توانید از پروژه ما حمایت کنید تا بتوانیم آن را توسعه دهیم و مطالب اصلی جالب تری در مورد کتاب مصور منتشر کنیم.

امروز می خواهم در مورد تصویرگران مدرن کتاب کودک صحبت کنم. زمانی که در حال تهیه مطالب برای این مقاله بودم، متوجه شدم که هنرمندان مدرن تصاویر بسیار زیبا و باکیفیتی خلق می‌کنند، اما عمدتاً برای کودکان در سنین راهنمایی و دبیرستان. شما اغلب می توانید تصاویر زیبایی برای افسانه های اندرسن، آلیس در سرزمین عجایب اثر لوئیس کارول و افسانه های هافمن ببینید.

متأسفانه، من نتوانستم هنرمندان معاصر روسیه را پیدا کنم که برای کودکان خلق کنند. کسانی که می توانند با نام ها همتراز باشند - سوتیف، چاروشین، توکماکوف، میتوریچ، کوناشویچ... اما، بیایید امیدوار باشیم که این شکاف موقت به زودی با نام های درخشان جدید پر شود.

و اکنون 7 بهترین تصویرگر کودک مدرن مدرسه ملی را به شما معرفی می کنیم.

ایگور اولینیکوف

این هنرمند فوق العاده با استعداد نه تنها به عنوان تصویرگر کتاب های کودکان، بلکه به عنوان یک کاریکاتوریست عالی نیز شناخته می شود. او در ساخت کارتون های فوق العاده ای مانند "راز سیاره سوم"، "خلیفه لک ​​لک"، "داستان تزار سلطان" و بسیاری دیگر شرکت کرد که مورد علاقه بینندگان در هر سنی قرار گرفت.

با کمال تعجب، یکی از باهوش ترین هنرمندان کودک روسی، تحصیلات هنری حرفه ای ندارد (که به اعتراف خودش بسیار پشیمان است). او در لیوبرتسی، منطقه مسکو به دنیا آمد و از موسسه مهندسی شیمی فارغ التحصیل شد. او در استودیو سایوزمولت فیلم به عنوان دستیار طراح تولید شروع به کار کرد.

ایگور اولینیکوف برنده جشنواره های مختلف انیمیشن و کتاب است. تصویرسازی های او مسحور کننده است، چنان مسحور کننده است که به سختی می توان باور کرد که او در هیچ دانشگاه هنری تحصیل نکرده است.

داستان پریان "امپراطور و بلبل" ​​اثر H.H. Andersen. انتشارات Azbuka-classics

اوگنی آنتوننکوف

فارغ التحصیل موسسه پلی گرافی مسکو. او برای مدت طولانی با انتشارات روزمن همکاری داشت. او کتاب های زیادی از جمله کتاب های یونا موریتز، کورنی چوکوفسکی، بوریس زاخودر، آلن میلن، سرگئی کوزلوف و سایر نویسندگان را تصویرگری کرد.

"Bibigon"، K. Chukovsky

"Bibigon"، K. Chukovsky

"کمپرس لیمو مالینوویچ"، یونا موریتز

"موک کوچک"، V. Gauf

ولادیسلاو ارکو

احتمالا بسیاری از مادران با تصویرسازی های فوق العاده این هنرمند آشنا هستند. رویای من همیشه "ملکه برفی" با نقاشی های ولادیسلاو ارکو بوده است. این هنرمند متولد و در کیف زندگی می کند ، مدت ها و با موفقیت با انتشارات معروف اوکراین "A-ba-ba-ga-la-ma-ga" همکاری کرده است.

کتاب "ملکه برفی" با تصویرگری یرکو در سال 2006 به عنوان بهترین کتاب کودک در آمریکا شناخته شد و مدال بنیاد اندرسن را دریافت کرد.

اوگنیا گاپچینسایا

تصویرگر سرشناس کودکان که با خلاقیت خود مورد توجه بسیاری از والدین قرار گرفته است. اوگنیا در سال 1964 در خارکف به دنیا آمد و در آنجا تحصیل کرد. او اکنون در کیف زندگی می کند و با انتشارات کیف "A-ba-ba-ga-la-ma-ga" همکاری می کند.

گالینا زینکو

هنرمند اوکراینی که بسیاری از کتاب‌های کودکان، از جمله افسانه‌های پوشکین، آکساکوف، سی پررو، اچ. اچ. اندرسن را تصویرگری کرده است. گالینا زینکو برای مدت طولانی با انتشارات Clever همکاری موفقیت آمیزی داشته است، بنابراین بسیاری از والدین مدرن با سبک رمانتیک و لمسی او آشنا هستند.

"داستان کبوتر"، A. Borovetskaya

"بلوشکینز و فرو از خلیج باراختی"، A. Nikolskaya

"بلوشکینز و فرو از خلیج باراختی"، A. Nikolskaya

آنتون لومایف

در سال 1971 در شهر ویتبسک (که به جهان شاگال و مالویچ داد) متولد شد. او در آکادمی هنر (موسسه رپین) در سن پترزبورگ تحصیل کرد، در آنجا زندگی و کار کرد و با تعدادی از مؤسسات انتشاراتی روسی همکاری موفقیت آمیزی داشت. او عضو اتحادیه هنرمندان است.

آنتون لومایف به خاطر تصویرسازی های روشن و تخیلی اش برای افسانه های کودکانه شهرت دارد. از جمله موارد مورد علاقه من، تصاویر جادویی "پری دریایی کوچک" و دیگر افسانه های آندرسن هستند.

تصویرگر آنتون لومایف. داستان پری "پری دریایی کوچک"

میراث هنری استاد به گرافیک کتاب محدود نمی شود. A. F. Pahomov نویسنده نقاشی های یادبود، نقاشی، گرافیک سه پایه: طراحی، آبرنگ، چاپ های متعدد، از جمله ورق های هیجان انگیز مجموعه "لنینگراد در روزهای محاصره". با این حال، این اتفاق افتاد که در ادبیات مربوط به این هنرمند تصور نادرستی از مقیاس و زمان واقعی فعالیت او وجود داشت. گاهی پوشش آثار او فقط با آثاری از اواسط دهه 30 شروع می شد و گاهی حتی بعد از آن - با مجموعه ای از سنگ نگاره های سال های جنگ. چنین رویکرد محدودی نه تنها ایده میراث اصلی و پر جنب و جوش A.F. Pahomov را که بیش از نیم قرن خلق شده بود محدود و محدود کرد، بلکه هنر شوروی را به عنوان یک کل فقیر کرد.

نیاز به مطالعه آثار A. F. Pahomov مدتهاست که به پایان رسیده است. اولین تک نگاری در مورد او در اواسط دهه 30 ظاهر شد. طبیعتاً تنها بخشی از آثار در آن لحاظ شده بود. با وجود این و برخی درک محدود از سنت های مشخصه آن زمان، کار اولین زندگینامه نویس V.P. در مقالاتی که در مورد این هنرمند در دهه 50 منتشر شد، پوشش مطالب دهه 20 و 30 محدودتر بود و پوشش آثار دوره های بعدی انتخابی تر بود. امروزه به نظر می رسد جنبه توصیفی و ارزشی آثار مربوط به A.F. Pahomov که دو دهه با ما فاصله دارد تا حد زیادی اعتبار خود را از دست داده است.

در دهه 60، A.F. Pahomov کتاب اصلی "درباره کار خود" را نوشت. این کتاب به وضوح مغالطه تعدادی از ایده های رایج در مورد کار او را نشان داد. افکار این هنرمند در مورد زمان و هنر بیان شده در این اثر، و همچنین مطالب گسترده از ضبط مکالمات با الکسی فدوروویچ پاخوموف، ساخته شده توسط نویسنده این خطوط، به ایجاد تک نگاری ارائه شده به خوانندگان کمک کرد.

A.F. Pahomov دارای تعداد بسیار زیادی از آثار نقاشی و گرافیک است. نویسنده مونوگراف بدون تظاهر به پوشش کامل آنها، وظیفه خود می دانست که جنبه های اصلی فعالیت خلاق استاد، غنا و اصالت آن، و معلمان و همکارانی که در توسعه A. F. Pahomov نقش داشته اند ارائه دهد. هنر روحیه مدنی، نشاط عمیق و رئالیسم ویژگی آثار این هنرمند باعث شد تا پیشرفت کار او در ارتباط مداوم و نزدیک با زندگی مردم شوروی نشان داده شود.

آ.ف. پاخوموف که یکی از بزرگترین استادان هنر شوروی بود، در طول زندگی طولانی و حرفه خلاقانه خود عشقی پرشور به میهن و مردم آن داشت. انسان گرایی بالا، راستگویی، غنای تخیلی آثار او را بسیار صمیمانه، صمیمانه، سرشار از گرمی و خوش بینی می کند.

در منطقه Vologda، در نزدیکی شهر Kadnikov، در سواحل رودخانه Kubena، روستای Varlamovo قرار دارد. در آنجا، در 19 سپتامبر (2 اکتبر)، 1900، پسری از زن دهقانی افیمیا پترونا پاخوموا به دنیا آمد که الکسی نام داشت. پدرش، فئودور دمیتریویچ، از کشاورزان "آپاناژ" بود که در گذشته از وحشت رعیت نمی دانستند. این شرایط نقش مهمی در شیوه زندگی و ویژگی های شخصیتی غالب ایفا کرد و توانایی رفتار ساده، آرام و متین را ایجاد کرد. ویژگی های خوش بینی خاص، وسعت اندیشی، صراحت معنوی و پاسخگویی نیز در اینجا ریشه داشت. الکسی در یک محیط کاری بزرگ شد. خوب زندگی نکردیم همانطور که در تمام روستا، تا بهار نان کافی نداشتند. درآمد اضافی مورد نیاز بود که توسط اعضای بزرگسال خانواده تامین می شد. یکی از برادران سنگ تراش بود. بسیاری از هموطنان به کار نجار مشغول بودند. و با این حال الکسی جوان دوران اولیه زندگی خود را به عنوان شادترین دوره به یاد می آورد. پس از دو سال تحصیل در یک مدرسه محلی، و سپس دو سال دیگر در مدرسه زمستوو در یک روستای همسایه، او "با هزینه های دولتی و هزینه های دولتی" به یک مدرسه ابتدایی عالی در شهر کادنیکوف فرستاده شد. مدت زمان تحصیل در آنجا در حافظه A.F. Pahomov بسیار دشوار و گرسنه باقی ماند. او می‌گوید: «از آن زمان، دوران کودکی‌ام در خانه پدری‌ام همیشه شادترین و شاعرانه‌ترین دوران به نظرم می‌رسد و این شاعرانه شدن دوران کودکی بعدها به انگیزه اصلی کارم تبدیل شد». توانایی های هنری الکسی زود خود را نشان داد ، اگرچه جایی که او زندگی می کرد شرایطی برای رشد آنها وجود نداشت. اما حتی در غیاب معلمان، پسر به نتایج خاصی دست یافت. V. Zubov، مالک زمین همسایه، توجه خود را به استعداد او جلب کرد و به آلیوشا مداد، کاغذ و بازتولید نقاشی های هنرمندان روسی داد. نقاشی‌های اولیه پاخوموف که تا به امروز باقی مانده است، چیزی را آشکار می‌کند که بعداً با غنای مهارت حرفه‌ای، به ویژگی کار او تبدیل خواهد شد. این هنرمند کوچک مجذوب تصویر یک شخص و بالاتر از همه یک کودک بود. او برادران، خواهران و بچه های همسایه اش را نقاشی می کند. جالب است که ریتم خطوط این پرتره های مدادی ساده، نقاشی های دوران بلوغ او را بازتاب می دهد.

در سال 1915، زمانی که او از مدرسه شهر کادنیکوف فارغ التحصیل شد، به پیشنهاد رهبر ناحیه اشراف زوبوف، دوستداران هنر محلی اشتراکی را اعلام کردند و با پول جمع آوری شده، پاخوموف را به پتروگراد فرستادند. مدرسه A. L. Stieglitz. با انقلاب تغییراتی در زندگی الکسی پاخوموف ایجاد شد. او تحت تأثیر معلمان جدیدی که در مدرسه ظاهر شدند - N. A. Tyrsa، M. V. Dobuzhinsky، S. V. Chekhonin، V. I. Shukhaev - تلاش می کند تا وظایف هنر را بهتر درک کند. یک مطالعه کوتاه زیر نظر استاد بزرگ طراحی شوخائف چیزهای ارزشمند زیادی به او داد. این کلاس ها پایه و اساس درک ساختار بدن انسان را گذاشتند. او برای مطالعه عمیق آناتومی تلاش کرد. پاخوموف به لزوم کپی نکردن محیط، بلکه به تصویر کشیدن معنادار آن متقاعد شده بود. هنگام طراحی، او عادت کرد که به شرایط نور و سایه وابسته نباشد، بلکه طبیعت را با چشم خود "روشن" کند و قسمت های نزدیک حجم را روشن کند و قسمت های دورتر را تاریک کند. این هنرمند خاطرنشان کرد: "درست است" من به یک معتقد واقعی شوخائف تبدیل نشدم ، یعنی با سانگویین نقاشی نکردم و آن را با پاک کن آغشته کردم تا بدن انسان چشمگیر به نظر برسد. همانطور که پاخوموف اعتراف کرد، درس های برجسته ترین هنرمندان کتاب، دوبوژینسکی و چخونین، مفید بود. او به ویژه توصیه دومی را به یاد آورد: برای دستیابی به توانایی نوشتن فونت روی جلد کتاب بلافاصله با قلم مو، بدون طرح اولیه با مداد، "مانند آدرس روی یک پاکت". به گفته این هنرمند، چنین توسعه چشم لازم بعداً به طرح هایی از زندگی کمک کرد، جایی که او می توانست، با شروع با جزئیات، همه چیز را که به تصویر کشیده شده روی ورق قرار دهد.

در سال 1918، هنگامی که زندگی در پتروگراد سرد و گرسنه بدون درآمد منظم غیرممکن شد، پاخوموف به وطن خود رفت و معلم هنر در مدرسه ای در کادنیکوف شد. این ماهها برای ادامه تحصیل او سود زیادی داشت. بعد از درس در کلاس های اول و دوم، تا زمانی که نور اجازه می داد و چشمانش خسته نمی شد، با حرص می خواند. من در تمام مدت در حالت هیجانی بودم. پاخوموف در مورد این بار به یاد می آورد که تمام جهان در برابر من باز می شد، که معلوم است من به سختی می دانستم. من انقلاب های فوریه و اکتبر را مانند اکثر مردم اطرافم با خوشحالی پذیرفتم، اما فقط اکنون با خواندن کتاب هایی در زمینه جامعه شناسی، اقتصاد سیاسی، ماتریالیسم تاریخی، تاریخ شروع به درک واقعی ماهیت وقایعی کردم. "

گنجینه های علم و ادب بر مرد جوان آشکار شد; کاملاً طبیعی بود که او قصد داشت تحصیلات خود را در پتروگراد ادامه دهد. در ساختمانی آشنا در Solyanoy Lane، او شروع به تحصیل با N.A. Tyrsa کرد که در آن زمان کمیسر مدرسه سابق استیگلیتز نیز بود. پاخوموف گفت: "ما، شاگردان نیکولای آندریویچ، از لباس او بسیار شگفت زده شدیم." «کمیسرهای آن سال‌ها کلاه و ژاکت‌های چرمی با کمربند شمشیر و هفت تیر در غلاف می‌پوشیدند و تیرسا با عصا و کلاه کاسه‌زن راه می‌رفت. اما آنها با نفس بند آمده به صحبت های او درباره هنر گوش می دادند.» رئیس کارگاه با زیرکی دیدگاه های منسوخ شده در مورد نقاشی را رد کرد، دانش آموزان را با دستاوردهای امپرسیونیست ها، تجربه پست امپرسیونیسم آشنا کرد و با ملایمت توجه را به جستجوهایی که در آثار ون گوگ و به ویژه سزان قابل مشاهده است جلب کرد. تایرسا برنامه روشنی برای آینده هنر ارائه نکرد، او از کسانی که در کارگاه او درس می خواندند خواستار خودانگیختگی شد: همانطور که احساس می کنید بنویسید. در سال 1919، پاخوموف به ارتش سرخ فراخوانده شد. او از نزدیک با محیط نظامی که قبلاً ناآشنا بود آشنا شد و شخصیت واقعاً محبوب ارتش سرزمین شوروی را درک کرد که بعداً بر تفسیر این موضوع در کار او تأثیر گذاشت. در بهار سال بعد، پاخوموف که پس از بیماری از ارتش خارج شد، پس از ورود به پتروگراد، از کارگاه N.A. Tyrsa به V. V. Lebedev نقل مکان کرد و تصمیم گرفت ایده ای در مورد اصول کوبیسم به دست آورد، که در یک منعکس شده است. تعدادی از آثار لبدف و شاگردانش. اندکی از کارهای پاخوموف تکمیل شده در این زمان باقی مانده است. به عنوان مثال، "Still Life" (1921) است که با حس ظریف بافت متمایز می شود. این تمایل آموخته شده از لبدف را برای دستیابی به "تمام" در آثار نشان می دهد ، نه به دنبال کامل بودن سطحی ، بلکه به دنبال سازماندهی تصویری سازنده بوم ، بدون فراموش کردن ویژگی های پلاستیکی آنچه به تصویر کشیده شده است.

ایده کار اصلی جدید پاخوموف، نقاشی "هی‌سازی" در روستای زادگاهش وارلاموف شکل گرفت. در آنجا مطالب مربوط به آن جمع آوری شد. این هنرمند نه یک صحنه معمولی روزمره از چمن زنی، بلکه کمک دهقانان جوان به همسایگان خود را به تصویر کشید. اگرچه گذار به کار جمعی و مزرعه جمعی در آن زمان موضوعی مربوط به آینده بود، اما خود این رویداد که شور و شوق جوانی و اشتیاق به کار را نشان می داد، از جهاتی با روندهای جدید مشابهت داشت. طرح ها و طرح هایی از چهره های ماشین چمن زنی، قطعاتی از منظره: چمن ها، بوته ها، کلش ها گواهی بر قوام و جدیت شگفت انگیز مفهوم هنری است، جایی که جستجوهای بافتی جسورانه با حل مشکلات پلاستیک ترکیب می شود. توانایی پاخوموف در گرفتن ریتم حرکات به پویایی ترکیب کمک کرد. این هنرمند چندین سال روی این تابلو کار کرد و کارهای مقدماتی زیادی را به پایان رساند. در تعدادی از آنها او طرح هایی نزدیک به موضوع اصلی یا همراه با موضوع اصلی ایجاد کرد.

نقاشی "کتک زدن داس ها" (1924) دو دهقان جوان را در حال کار نشان می دهد. آنها توسط پاخوموف از زندگی ترسیم شدند. سپس با قلم مو روی این برگه رفت و آنچه را که به تصویر کشیده شده بود بدون مشاهده مدل های خود تعمیم داد. کیفیت های پلاستیکی خوب، همراه با انتقال حرکت قوی و استفاده کلی از جوهر به صورت نقاشی، در کار قبلی 1923، Two Mowers، قابل مشاهده است. علیرغم حقیقت عمیق، و شاید بتوان گفت، شدت نقاشی، در اینجا هنرمند به تناوب صفحه و حجم علاقه مند بود. ورق از شستشوی جوهر هوشمندانه استفاده می کند. به چشم انداز اطراف اشاره شده است. بافت چمن های چمن زنی و ایستاده قابل توجه است که تنوع ریتمیکی به طرح می بخشد.

در میان تعداد قابل توجهی از پیشرفت ها در رنگ طرح "یونه سازی"، باید به آبرنگ "موبر در پیراهن صورتی" اشاره کرد. در آن علاوه بر شستشوهای نقاشی با قلم مو، خراش روی لایه رنگ خیس نیز به کار رفته بود که وضوح خاصی به تصویر می بخشید و در تکنیک دیگری (در رنگ روغن) وارد تصویر می شد. ورق بزرگ "Haymaking" که با آبرنگ نقاشی شده است، رنگارنگ است. در آن به نظر می رسد صحنه از منظر بالایی دیده می شود. این امر باعث می‌شود که تمام فیگورهای ماشین‌های چمن‌زن که پشت سر هم راه می‌روند نشان داده شود و به پویایی خاصی در انتقال حرکات آنها دست یابد که با چیدمان اریب ارقام تسهیل می‌شود. هنرمند با قدردانی از این تکنیک، تصویر را به این ترتیب ساخت و سپس در آینده آن را فراموش نکرد. پاخوموف به یک پالت کلی زیبا دست یافت و تصور مه صبحگاهی را که با نور خورشید نفوذ کرده بود را منتقل کرد. همین موضوع در نقاشی رنگ روغن «در چمن زنی» به گونه‌ای متفاوت پرداخته شده است، که ماشین‌های چمن‌زنی را در حال کار و اسبی را در کنار یک گاری در حال چریدن به تصویر می‌کشد. منظره اینجا با دیگر طرح ها، انواع مختلف و در خود نقاشی متفاوت است. به جای میدان، ساحل رودخانه تندرو است که جریان ها بر آن تاکید می کنند و یک قایق با پاروزن. رنگ منظره گویا است، بر روی رنگ های مختلف سبز سرد ساخته شده است، فقط سایه های گرمتر در پیش زمینه معرفی شده است. کیفیت تزئینی خاصی در ترکیب فیگورها با محیط اطراف یافت شد که باعث افزایش تن رنگ کلی می شد.

یکی از نقاشی‌های پاخوموف با موضوعات ورزشی در دهه 20، «پسران روی اسکیت» است. این هنرمند ترکیب را بر روی تصویر طولانی ترین لحظه حرکت و در نتیجه پربارترین لحظه ساخته است و ایده ای از آنچه گذشته است و آنچه اتفاق خواهد افتاد را ارائه می دهد. شکل دیگری در فاصله در مقابل نشان داده شده است که تنوع ریتمیک را معرفی می کند و ایده ترکیب بندی را تکمیل می کند. در این تصویر، در کنار علاقه او به ورزش، می توان جذابیت پاخوموف را به مهمترین موضوع کار او - زندگی کودکان - مشاهده کرد. پیش از این، این روند در گرافیک این هنرمند منعکس شده بود. با شروع در اواسط دهه 20، درک عمیق پاخوموف و خلق تصاویر کودکان سرزمین شوروی سهم برجسته پاخوموف در هنر بود. این هنرمند با مطالعه مسائل بزرگ تصویری و پلاستیکی آنها را در کارهایی در مورد این موضوع مهم جدید حل کرد. در نمایشگاه سال 1927، نقاشی "دختر دهقان" نمایش داده شد، که اگرچه هدف آن با پرتره های مورد بحث در بالا مشترک بود، اما مورد توجه مستقل نیز بود. توجه این هنرمند بر روی تصویر سر و دستان دختر متمرکز شد که با احساس پلاستیکی عالی نقاشی شده بود. نوع چهره جوان به شکلی بدیع به تصویر کشیده شد. نزدیک به این نقاشی از نظر بی واسطه بودن حس، «دختری با موهایش» است که برای اولین بار در سال 1929 به نمایش گذاشته شد. این تصویر با تصویر قد نیم تنه سال 1927 در ترکیب بندی جدید و گسترده تر، شامل تقریباً کل شکل تمام قد، ​​که در حرکتی پیچیده تر منتقل می شود، متفاوت بود. این هنرمند ژست آرام دختری را نشان داد که موهایش را صاف می کرد و به آینه کوچکی که روی زانویش افتاده بود نگاه می کرد. ترکیب های پر صدا از صورت و دست های طلایی، یک لباس آبی و یک نیمکت قرمز، یک ژاکت قرمز مایل به قرمز و دیوارهای چوبی مایل به سبز اخرایی کلبه به احساسی بودن تصویر کمک می کند. پاخوموف به طرز ماهرانه ای از حالت مبتکرانه صورت کودک و حالت لمس کردنش عکس گرفت. تصاویر واضح و غیرمعمول تماشاگران را متوقف کردند. هر دو اثر بخشی از نمایشگاه های خارجی هنر شوروی بود.

در طول نیم قرن فعالیت خلاقانه خود، A. F. Pahomov در تماس نزدیک با زندگی کشور شوروی بود و این امر آثار او را با اعتقاد الهام گرفته و قدرت حقیقت زندگی آغشته کرد. فردیت هنری او زود رشد کرد. آشنایی با کار او نشان می دهد که قبلاً در دهه 20 از نظر عمق و دقت متمایز بود و با تجربه مطالعه فرهنگ جهانی غنی شده بود. در شکل گیری آن، نقش هنر جوتو و پروتو-رنسانس آشکار است، اما تأثیر نقاشی باستانی روسیه کمتر عمیق نبود. A.F. Pahomov یکی از اساتیدی بود که رویکردی نوآورانه به میراث غنی کلاسیک داشت. آثار او در حل مسائل تصویری و گرافیکی حسی مدرن دارند.

تسلط پاخوموف بر مضامین جدید در بوم‌های «1905 در دهکده»، «سواران»، «اسپارتاکوفکا» و در چرخه نقاشی‌های مربوط به کودکان برای توسعه هنر شوروی مهم است. این هنرمند نقش برجسته‌ای در خلق چهره معاصر خود داشته است. او برای اولین بار چنین تصاویر زنده و زنده ای از شهروندان جوان سرزمین شوروی را وارد هنر کرد. این جنبه از استعداد او فوق العاده ارزشمند است. آثار او ایده های مربوط به تاریخ نقاشی روسیه را غنی و گسترش می دهد. قبلاً در دهه 1920، بزرگترین موزه های کشور نقاشی های پاخوموف را به دست آوردند. آثار او در نمایشگاه های بزرگ اروپا، آمریکا و آسیا شهرت بین المللی به دست آورده است.

A.F. Pahomov از واقعیت سوسیالیستی الهام گرفت. توجه او به آزمایش توربین ها، کار کارخانه های بافندگی و پیشرفت های جدید در زندگی کشاورزی جلب شد. آثار او مضامین مربوط به جمع‌سازی، ورود فناوری به مزارع، استفاده از کمباین، عملکرد تراکتور در شب و زندگی ارتش و نیروی دریایی را نشان می‌دهد. ما بر ارزش ویژه این دستاوردهای پاخوموف تأکید می کنیم، زیرا همه اینها توسط این هنرمند در دهه 20 و اوایل دهه 30 به نمایش گذاشته شد. نقاشی او «پیشگامان با یک کشاورز انفرادی»، مجموعه‌ای درباره کمون «بذرپاش» و پرتره‌هایی از «شمشیر زیبا» از عمیق‌ترین آثار هنرمندان ما درباره تغییرات روستایی، درباره جمع‌آوری هستند.

آثار A.F. Pahomov با راه حل های تاریخی خود متمایز می شوند. در نقاشی دیواری اولیه شوروی، آثار این هنرمند از برجسته‌ترین و جالب‌ترین آثار هستند. در مقواهای «سوگند سرخ»، نقاشی‌ها و طرح‌های «رقص گرد کودکان همه ملت‌ها»، نقاشی‌هایی درباره دروها و همچنین به‌طور کلی در بهترین خلاقیت‌های نقاشی پاخوموف، ارتباط ملموسی با سنت‌های بزرگ وجود دارد. میراث ملی باستانی که بخشی از گنجینه هنر جهان است. جنبه رنگی و فیگوراتیو نقاشی‌ها، نقاشی‌ها، پرتره‌ها و همچنین گرافیک‌های سه‌قلوی و کتابی او عمیقاً بدیع است. موفقیت های درخشان نقاشی هوای معمولی با سریال "در خورشید" نشان داده می شود - نوعی سرود برای جوانان سرزمین شوروی. در اینجا، هنرمند در به تصویر کشیدن بدن برهنه، به عنوان یکی از استادان بزرگی عمل کرد که به توسعه این ژانر در نقاشی شوروی کمک کرد. جستجوهای رنگی پاخوموف با حل مشکلات جدی پلاستیک ترکیب شد.

باید گفت که هنر در شخص A.F. Pahomov یکی از بزرگترین طراحان زمان ما را داشت. استاد استادانه به مواد مختلف تسلط داشت. آثار با جوهر و آبرنگ، قلم و قلم مو در مجاورت نقاشی های درخشان با مداد گرافیتی بود. دستاوردهای او فراتر از محدوده هنر داخلی است و به یکی از خلاقیت های برجسته گرافیک جهان تبدیل می شود. یافتن نمونه‌هایی از این موضوع در مجموعه‌ای از نقاشی‌هایی که در خانه در دهه 1920 ساخته شده‌اند، و در میان برگه‌هایی که در طول سفرهای سراسر کشور در دهه آینده ساخته شده‌اند، و مجموعه‌هایی درباره اردوگاه‌های پیشگام، دشوار نیست.

سهم A.F. Pahomov در گرافیک بسیار زیاد است. کتاب‌های او و کتاب‌های او به کودکان از جمله موفقیت‌های برجسته در این زمینه است. یکی از بنیانگذاران ادبیات مصور شوروی، او تصویری عمیق و فردی از کودک را در آن معرفی کرد. نقاشی های او با سرزندگی و رسا بودن خوانندگان را مجذوب خود می کرد. این هنرمند بدون آموزش، افکار خود را واضح و روشن به کودکان منتقل می کرد و احساسات آنها را بیدار می کرد. و موضوعات مهم تحصیلی و زندگی مدرسه ای! هیچ یک از هنرمندان به اندازه پاخوموف آنها را عمیقا و صادقانه حل نکردند. او برای اولین بار اشعار وی. نقاشی های او برای کارهای L.N. Tolstoy برای کودکان به یک کشف هنری تبدیل شد. مطالب گرافیکی بررسی شده به وضوح نشان داد که کار پاخوموف، تصویرگر ادبیات مدرن و کلاسیک، به طور نامناسبی فقط به حوزه کتاب کودک محدود شده است. نقاشی های عالی این هنرمند برای آثار پوشکین، نکراسوف، زوشچنکو گواه موفقیت های بزرگ گرافیک روسیه در دهه 30 است. آثار او به استقرار روش رئالیسم سوسیالیستی کمک کرد.

هنر A. F. Pahomov با شهروندی، مدرنیته و مرتبط بودن متمایز است. در دوره سخت ترین آزمایشات محاصره لنینگراد، این هنرمند فعالیت های خود را قطع نکرد. او به همراه استادان هنر شهر در نوا، مانند یک بار در دوران جوانی خود در طول جنگ داخلی، از جبهه بر روی وظایف خود کار می کرد. مجموعه چاپ سنگی پاخوموف «لنینگراد در روزهای محاصره»، یکی از مهم‌ترین آثار هنری در طول سال‌های جنگ، شجاعت و شجاعت بی‌نظیر مردم شوروی را نشان می‌دهد.

نویسنده صدها چاپ سنگی، A.F. Pahomov را باید از هنرمندان مشتاقی نام برد که در توسعه و اشاعه این نوع گرافیک چاپی سهیم بودند. امکان جذابیت برای طیف وسیعی از بینندگان و جذابیت انبوه چاپ تیراژ توجه او را به خود جلب کرد.

مشخصه آثار او وضوح کلاسیک و لاکونیسم وسایل بصری است. تصویر یک شخص هدف اصلی اوست. یکی از جنبه های بسیار مهم کار هنرمند، که او را با سنت های کلاسیک مرتبط می کند، میل به بیان پلاستیکی است که به وضوح در نقاشی ها، طراحی ها، تصویرسازی ها، چاپ های او تا آخرین کارهایش قابل مشاهده است. او این کار را مدام و پیوسته انجام می داد.

A. F. Pahomov "یک هنرمند عمیقاً اصیل و بزرگ روسی است که کاملاً غرق در به تصویر کشیدن زندگی مردم خود است ، اما در عین حال دستاوردهای هنر جهانی را جذب می کند. کار A. F. Pahomov، نقاش و گرافیست، سهم قابل توجهی در توسعه فرهنگ هنری شوروی است. /V.S. ماتافونوف/

____________________________________________________________________________________________________________

ولادیمیر واسیلیویچ لبدف

14(26).05.1891، سن پترزبورگ - 21.11.1967، لنینگراد

هنرمند خلق RSFSR. عضو مسئول آکادمی هنر اتحاد جماهیر شوروی

او در سن پترزبورگ در استودیو F. A. Roubo کار کرد و در مدرسه طراحی، نقاشی و مجسمه سازی M. D. Bernstein و L. V. Sherwood (1910-1914) تحصیل کرد، در سن پترزبورگ در آکادمی هنر تحصیل کرد (1912-1914). عضو انجمن چهار هنر. در مجلات "Satyricon" و "New Satyricon" همکاری کرد. یکی از برگزارکنندگان Windows ROSTA» در پتروگراد.

در سال 1928، موزه روسیه در لنینگراد میزبان نمایشگاه شخصی ولادیمیر واسیلیویچ لبدف، یکی از هنرمندان برجسته گرافیک دهه 1920 بود. پس از آن در پس زمینه آثارش عکس گرفته شد. یقه سفید و کراوات بی آلایش، کلاهی که روی ابروهایش انداخته بود، حالتی جدی و کمی مغرور در چهره اش، ظاهری درست که اجازه نزدیک شدن به او را نمی دهد و در عین حال کاپشنش را از تن بیرون می کند و آستین‌های پیراهن او، بالای آرنج‌ها، بازوهای بزرگ عضلانی را با برس‌های «هوشمند» و «عصبی» نشان می‌دهد. همه چیز با هم جلوه ای از خونسردی، آمادگی برای کار را به جای می گذارد و مهمتر از همه - با ماهیت گرافیک نشان داده شده در نمایشگاه مطابقت دارد، تنش درونی، تقریباً قمار، گاهی کنایه آمیز و گویی در زره یک تکنیک گرافیکی کمی خنک پوشیده شده است. . این هنرمند با پوسترهای «پنجره های رشد» وارد دوران پس از انقلاب شد. همانطور که در "آت کن ها" (1920) که در همان زمان ساخته شد، آنها از سبک کولاژ رنگی تقلید کردند. با این حال، در پوسترها، این تکنیک، که از کوبیسم آمده بود، معنای کاملاً جدیدی به دست آورد و با ماهیت بیهوده یک نشانه، ترحم دفاع از انقلاب را بیان کرد (" در نگهبانی از اکتبر "، 1920) و اراده برای کار پویا ("تظاهرات"، 1920). یکی از پوسترها ("من باید کار کنم - تفنگ نزدیک است"، 1921) یک کارگر را با یک اره به تصویر می کشد و در عین حال به عنوان یک شیء محکم در کنار هم تلقی می شود. نوارهای نارنجی، زرد و آبی که شکل را تشکیل می دهند به طور غیرمعمولی محکم به حروف بلوک متصل هستند که بر خلاف کوبیسم کتیبه ها معنای معنایی خاصی دارند که با چه رسایی، مورب از کلمه «کار»، تیغه اره و کلمه «باید» و قوس تند کلمات «تفنگ نزدیک» و خطوط شانه های کارگر تشکیل شده است. همان فضای ورود مستقیم نقاشی به واقعیت، در لنینگراد در دهه 1920 مشخص شد. تایرسا با لبدف کار می کرد. ، N. Lapshin، و بخش ادبی توسط S. Marshak، که در آن زمان به گروه شاعران لنینگراد نزدیک بود - E. Schwartz، N. Zabolotsky، D. Kharms، A. Vvedensky. در آن سال ها، تصویری کاملاً خاص از کتاب ایجاد شد، متفاوت از تصویری که در آن سال ها توسط مسکو پرورش می یافتتصویر به رهبری V. Favorsky. در حالی که در گروه چوب‌تراشی‌های مسکو یا کتاب‌دوستان، تصوری تقریبا عاشقانه از کتاب حاکم بود، و کار روی آن خود حاوی چیزی «به‌شدت زاهدانه» بود، تصویرگران لنینگراد نوعی «کتاب اسباب‌بازی» خلق کردند و آن را مستقیماً در دستان شخصی قرار دادند. کودکی که برای آن در نظر گرفته شده بود. حرکت تخیل "به اعماق فرهنگ" در اینجا با کارایی شاد جایگزین شد، زمانی که می توانید یک کتاب رنگی را در دستان خود بچرخانید یا حتی در اطراف آن دراز کشیده روی زمین، احاطه شده توسط فیل ها و مکعب های اسباب بازی بخزید. در نهایت، "مقدس مقدس" از حکاکی روی چوب فاوورسکی - گرانش عناصر سیاه و سفید تصویر به عمق یا از اعماق صفحه - در اینجا جای خود را به یک انگشت کاملا صاف داد، زمانی که نقاشی به نظر می رسد "زیر" دست‌های کودک» از تکه‌های کاغذ بریده شده با قیچی. جلد معروف "فیل کوچولو" اثر آر کیپلینگ (1926) به گونه ای شکل گرفته است که گویی از انبوهی از ضایعات به طور تصادفی روی یک سطح کاغذ پراکنده شده است. به نظر می رسد که هنرمند (و شاید خود کودک!) این قطعات را روی کاغذ جابه جا کرد تا زمانی که به یک ترکیب کامل دست پیدا کرد که در آن همه چیز "مانند چرخ می رود" و در این میان هیچ چیز حتی یک میلی متر هم قابل جابجایی نیست: در در مرکز یک بچه فیل با بینی بلند خمیده وجود دارد، در اطراف آن اهرام و درختان نخل وجود دارد، در بالای آن یک کتیبه بزرگ "بچه فیل" وجود دارد و در زیر یک تمساح وجود دارد که شکست کامل را متحمل شده است.

اما این کتاب با شور و شوق بیشتری اجرا شده است"سیرک"(1925) و "چگونه یک هواپیما هواپیما ساخت"، که در آن نقاشی های لبدف با اشعار S. Marshak همراه بود. روی پهن‌هایی که دلقک‌ها را در حال دست دادن یا دلقک چاق روی الاغ نشان می‌دهند، کار بریدن و چسباندن قطعات سبز، قرمز یا سیاه به معنای واقعی کلمه در حال انجام است. اینجا همه چیز "جدا" است - کفش سیاه یا بینی قرمز دلقک ها، شلوارهای سبز یا گیتار زرد یک مرد چاق با ماهی کپور صلیبی - اما با چه درخشندگی بی نظیری همه چیز به هم وصل شده و "چسبیده" است و با روحیه آغشته شده است. ابتکار پر جنب و جوش و شاد

همه این تصاویر لبدف، خطاب به خوانندگان عادی کودک، از جمله شاهکارهایی مانند چاپ سنگی برای کتاب "شکار" (1925)، از یک سو محصول یک فرهنگ گرافیکی تصفیه شده بودند که می توانستند بیشترین چشم را برآورده کنند، و از سوی دیگر، هنر در واقعیت زنده آشکار شد. گرافیک پیش از انقلاب نه تنها لبدف، بلکه بسیاری از هنرمندان دیگر، هنوز چنین تماس آشکاری با زندگی نمی دانستند (با وجود این واقعیت که لبدف برای مجله "Satyricon" در دهه 1910 نقاشی می کرد) - آن "ویتامین ها" وجود نداشت. یا بهتر است بگوییم، آن "مخمرهای سرزندگی" که خود واقعیت روسیه در دهه 1920 روی آنها "تخمیر" شد. نقاشی‌های روزمره لبدف این ارتباط را به‌طور غیرمعمول به وضوح آشکار می‌کردند، نه آنقدر که مانند تصاویر یا پوسترها وارد زندگی می‌شدند، بلکه آن را در حوزه تصویری خود جذب می‌کردند. اساس در اینجا علاقه شدید حریصانه به انواع اجتماعی جدید است که دائماً در اطراف ظهور می کردند. نقاشی های 1922-1927 را می توان تحت عنوان "پانل انقلاب" متحد کرد، که لبدف تنها یک سری از سال 1922 را عنوان کرد، که رشته ای از چهره های یک خیابان پس از انقلاب را به تصویر می کشید، و کلمه "پانل" نشان می داد که این به احتمال زیاد فومی بود که با چرخیدن در امتداد این خیابان‌ها همراه با جریانی از رویدادها ایجاد شده بود. این هنرمند دریانوردان با دختران در چهارراه پتروگراد، تاجران با غرفه ها یا شیک پوشان به مد آن سال ها، و به ویژه نپمن - این نمایندگان کمیک و در عین حال ترسناک "جانوران خیابانی" جدید را نقاشی می کند، که او با اشتیاق آنها را در آن نقاشی می کند. همان سالها و V. Konashevich و تعدادی از استادان دیگر. دو نپمن در نقاشی "زوج" از سری "زندگی جدید" (1924) می توانستند برای همان دلقک هایی که لبدف به زودی در صفحات "سیرک" به تصویر کشیده بودند، بگذرند، اگر به خاطر نگرش خشن تر خود هنرمند نسبت به آنها نبود. . نگرش لبدف نسبت به این نوع شخصیت ها را نمی توان "انگ زنی" و حتی کمتر "تاژک زدن" نامید. قبل از این نقاشی های لبدف، تصادفی نبود که پی. فدوتوف با طرح های نه چندان مشخص خود از انواع خیابان های قرن نوزدهم به یاد می آورد. مقصود، جدایی ناپذیری زنده اصول کنایه آمیز و شاعرانه بود که هر دو هنرمند را مشخص می کرد و تصاویر آنها را به ویژه برای هر دو جذاب می کرد. ما همچنین می توانیم معاصران لبدف، نویسندگان M. Zoshchenko و Y. Olesha را به یاد بیاوریم. آنها همان تفکیک ناپذیری طنز و لبخند، تمسخر و تحسین را دارند. ظاهراً لبدف به نحوی تحت تأثیر شیک ارزان یک راه رفتن ملوانی واقعی («دختر و ملوان») قرار گرفت و هم از حرکت سرکش دختر، با کفشی که روی جعبه چکمه‌ای چسبانده شده بود («دختر و چکمه سیاه») او حتی تا حدودی مرا مجذوب آن معصومیت جانورشناسی یا کاملاً گیاهی می کرد که با آن، مانند لیوان های زیر حصار، همه این شخصیت های جدید بالا می روند و معجزات سازگاری را نشان می دهند، مثلاً خانم های خزدار صحبت کردن در یک ویترین فروشگاه ("People of Society"، 1926) یا یک دسته از افراد NEP در خیابان عصر ("Napmans"، 1926). به ویژه آغاز شاعرانه در مشهورترین سریال لبدف، "عشق هوپسی ها" (1926-1927) قابل توجه است. چه نیروی حیاتی فریبنده‌ای است که چهره‌های پسری با کت خز کوتاهی که روی سینه‌اش باز است و دختری که روی نیمکتی با کلاهی با پاپیون و پاهای بطری‌مانند نشسته است و در چکمه‌های بلند کشیده شده است، در نقاشی نفس می‌کشد. پیست روی یخ». اگر در سریال «زندگی جدید» شاید بتوان در مورد طنز صحبت کرد، در اینجا تقریباً نامحسوس است. در نقاشی "راش، سمیونونا، کمی اضافه کن، سمیونونا!" - اوج عیاشی. در وسط برگه زن و شوهری هستند که گرم و جوان می رقصند، و بیننده به نظر می رسد که صدای پاشیدن کف دست ها را می شنود یا چکمه های پسر را به موقع می شنود، انعطاف پذیری مارپیچ کمر برهنه اش، سبکی حرکات همسرش را احساس می کند. از سری "پانل انقلاب" تا نقاشی های "عشق گرازها"، سبک لبدف خود تحول قابل توجهی داشته است. چهره‌های ملوان و دختر در نقاشی 1922 هنوز هم از نقاط مستقل تشکیل شده است - لکه‌های جوهر با بافت‌های مختلف، مشابه آنچه در "آهن‌سازان" وجود دارد، اما کلی‌تر و جذاب‌تر. در "زندگی جدید" برچسب هایی در اینجا اضافه شد و نقاشی را دیگر نه به تقلیدی از یک کلاژ، بلکه به یک کلاژ واقعی تبدیل کرد. هواپیما کاملاً بر تصویر تسلط داشت ، به خصوص از آنجا که به نظر خود لبدف ، یک نقاشی خوب باید اول از همه "به خوبی روی کاغذ جا بیفتد". با این حال، در ورق های 1926-1927، صفحه کاغذی به طور فزاینده ای با فضای به تصویر کشیده شده با پس زمینه کیاروسکورو و عینی آن جایگزین شد. پیش روی ما دیگر لکه ها نیست، بلکه درجه بندی تدریجی نور و سایه وجود دارد. در عین حال، حرکت نقاشی شامل «برش و چسباندن» نبود، همانطور که در «NEP» و «Circus» اتفاق افتاد، بلکه در لغزش یک قلم مو نرم یا در جریان آبرنگ سیاه بود. در اواسط دهه 1920، بسیاری از طراحان دیگر به سمت طراحی آزادتر یا همان طور که معمولاً به آن نقاشی می گویند، حرکت کردند. N. Kupreyanov با "گله" روستایش و L. Bruni و N. Tyrsa اینجا بودند. نقاشی دیگر محدود به اثر «گرفتن» نبود، چنگ تیز شده «در نوک قلم» از انواع مشخصه‌های همیشه جدید، بلکه انگار خودش با همه تغییرات و احساساتش به جریان زنده واقعیت کشیده شده است. . در اواسط دهه 20، این جریان با طراوت نه تنها در سراسر حوزه نه تنها مضامین "خیابان" بلکه "خانه" و حتی لایه های سنتی طراحی مانند طراحی در یک استودیو از یک انسان برهنه را در بر گرفت. و در کل فضایش چه نقاشی جدیدی بود، به خصوص اگر آن را با ترسیم سخت گیرانه دهه قبل از انقلاب مقایسه کنید. اگر مثلاً نقاشی های عالی از مدل برهنه N را مقایسه کنیم. Tyrsa 1915 و طراحی های Lebedev در 1926-1927، از خودانگیختگی ورق های لبدف و قدرت احساسات آنها شگفت زده خواهید شد.

این خودانگیختگی طرح‌های لبدف از مدل، دیگر منتقدان هنری را وادار کرد تا تکنیک‌های امپرسیونیسم را به یاد بیاورند. خود لبدف عمیقاً به امپرسیونیست ها علاقه مند بود. در یکی از بهترین نقاشی‌های او در سری «آکروبات» (1926)، قلم مو آغشته به آبرنگ سیاه، به نظر می‌رسد که حرکت شدید مدل را ایجاد می‌کند. هنرمند فقط به یک ضربه مطمئن نیاز دارد تا دست چپ خود را به پهلو پرتاب کند، یا یک لمس لغزنده برای هدایت آرنج به سمت جلو. در مجموعه "رقصنده" (1927)، که در آن تضادهای نور ضعیف شده است، عنصر نور متحرک نیز تداعی هایی با امپرسیونیسم را برمی انگیزد. پتروف می نویسد: "از فضایی پر از نور، مانند یک چشم انداز، خطوط یک چهره رقصنده ظاهر می شود"، "به سختی با نقاط تار نور آبرنگ سیاه مشخص می شود"، زمانی که "فرم به شکلی زیبا تبدیل می شود". جرم است و به طور نامحسوس با محیط نور-هوا ادغام می شود.

ناگفته نماند که این امپرسیونیسم لبدف دیگر با امپرسیونیسم کلاسیک برابری نمی کند. در پشت سر او همیشه می توانید "آموزش سازنده" را که اخیراً توسط استاد تکمیل شده است احساس کنید. هم لبدف و هم جهت طراحی لنینگراد خودشان باقی ماندند و حتی یک دقیقه هم صفحه ساخته شده یا بافت نقاشی را فراموش نکردند. در واقع، هنرمند هنگام ایجاد ترکیبی از نقاشی‌ها، فضا را مانند دگا با یک فیگور بازتولید نمی‌کرد، بلکه این شکل را به تنهایی بازتولید می‌کرد، گویی که فرم خود را با قالب طرح ادغام می‌کرد. به سختی قسمت بالای سر و نوک پا را قطع می کند، به همین دلیل است که شکل روی زمین قرار نمی گیرد، بلکه در لبه های پایین و بالایی ورق "قلاب" می شود. هنرمند در تلاش است تا "طرح شکل" و صفحه تصویر را تا حد امکان به هم نزدیک کند. بنابراین، خط مروارید قلم مو مرطوب او به یک اندازه به شکل و صفحه تعلق دارد. این حرکت‌های سبک ناپدید شده، که هم خود شکل و هم گرمای هوای گرم شده در نزدیکی بدن را منتقل می‌کنند، به طور همزمان به عنوان یک بافت یکنواخت از نقاشی درک می‌شوند که با سکته‌های نقاشی‌های جوهر چینی همراه است و در چشم ظاهر می‌شود. به عنوان ظریف ترین "گلبرگ" که به طور ماهرانه ای به سطح ورق صاف می شود. علاوه بر این، در «آکروبات‌ها» یا «رقصنده‌های» لبدف همان نگرش مطمئن، هنرمندانه و کمی جدا از مدلی وجود دارد که شخصیت‌های مجموعه‌های «زندگی جدید» و «NEP» را مشخص می‌کند. همه این نقاشی‌ها دارای یک پایه کلاسیک تعمیم‌یافته قوی هستند که آن‌ها را به شدت از طرح‌های دگا با شعر خاص یا زندگی روزمره‌شان متمایز می‌کند. بنابراین، در یکی از ورقه های درخشان، جایی که بالرین با پشت به تماشاگر چرخانده شده است، در حالی که پای راست او روی انگشت پا در پشت چپ قرار گرفته است (1927)، شکل او شبیه یک مجسمه چینی با نیم سایه و نور است که روی سطح می لغزد. . به گفته N. Lunin، هنرمند در بالرین "بیان کامل و توسعه یافته بدن انسان" را یافت. اینجاست - این ارگانیسم ظریف و پلاستیک - شاید کمی مصنوعی توسعه یافته است، اما در حرکت تأیید شده و دقیق است، بیش از هر چیز دیگری قادر به «گفتن از زندگی» است، زیرا در آن کمتر چیزی وجود دارد که بدون شکل است. ، ساخته نشده، تصادفی ناپایدار." این هنرمند در واقع به خود باله علاقه نداشت، بلکه به رساترین شیوه «به زندگی گفتن» علاقه داشت. به هر حال، هر یک از این ورق ها مانند یک شعر غنایی است که به یک حرکت ارزشمند شاعرانه اختصاص یافته است. بالرین N. Nadezhdina، که برای هر دو سریال برای استاد ژست گرفته بود، بدیهی است که به او کمک زیادی کرد و در آن "موقعیت هایی" که به خوبی مطالعه کرده بود متوقف شد، که در آن انعطاف پذیری حیاتی بدن به طور چشمگیری آشکار شد.

به نظر می رسد که هیجان هنرمند از صحت هنری مهارت اعتماد به نفس عبور می کند و سپس به طور غیرارادی به بیننده منتقل می شود. در همان طرح باشکوه یک بالرین از پشت، بیننده با شیفتگی تماشا می‌کند که یک قلم موی فاضل نه تنها تصویری را به تصویر می‌کشد، بلکه یک فیگور را فوراً روی انگشتانش منجمد می‌کند. پاهای او که توسط دو «گلبرگ ضربه‌ای» کشیده شده‌اند، به راحتی از تکیه‌گاه بالا می‌آیند، بالاتر - مثل یک نیم سایه در حال ناپدید شدن - پراکندگی محتاطانه یک توتوی سفید برفی، حتی بالاتر - از میان چندین شکاف، که به نقاشی اختصاری عرفانی می‌دهد. یک رقصنده پشتی غیرعادی حساس یا "بسیار شنوا" و چرخش سر کوچک او روی شانه هایش که کمتر "شنوا" است.

هنگامی که لبدف در نمایشگاه 1928 عکس گرفت، به نظر می رسید جاده امیدوار کننده ای در پیش روی او قرار دارد. به نظر می رسید که چندین سال کار سخت او را به اوج هنر گرافیک رسانده است. در عین حال، چه در کتاب‌های کودک دهه 1920 و چه در «رقصنده‌ها» شاید چنان درجه‌ای از کمال کامل حاصل شد که شاید از این نقاط دیگر مسیری برای رشد وجود نداشته باشد. و در واقع، طراحی لبدف و علاوه بر این، هنر لبدف در اینجا به اوج مطلق خود رسید. در سال‌های بعد، این هنرمند بسیار فعال در نقاشی شرکت کرد و کتاب‌های کودکان را بسیار و برای سال‌ها تصویرسازی کرد. و در عین حال، هر کاری که در دهه 1930-1950 انجام داد، دیگر قابل مقایسه با شاهکارهای 1922-1927 نبود و استاد البته سعی نکرد یافته هایی را که پشت سر گذاشته بود تکرار کند. به ویژه، نقاشی های لبدف از چهره زن نه تنها برای خود هنرمند، بلکه برای تمام هنرهای سال های بعدی نیز دست نیافتنی باقی ماند. اگر دوران بعدی را نمی توان به کاهش ترسیم از مدل برهنه نسبت داد، فقط به این دلیل بود که اصلاً به این موضوعات علاقه نداشت. فقط برای سال های اخیرگویی نقطه عطفی در نگرش به این شاعرانه ترین و خلاقانه ترین حوزه طراحی وجود دارد، و اگر چنین باشد، وی.

نویسنده وبلاگ: یک افسانه در زندگی هر فرد بخش بسیار مهمی از زندگی است. کسی که در کودکی افسانه نمی خواند، احساس خوشبختی و هماهنگی کامل را در درون و اطراف خود نمی دانست. به نظر می رسد که ما از اوایل کودکی نویسندگان افسانه های شگفت انگیز را به یاد می آوریم که به ما کمک کردند رشد کنیم، بهترین ویژگی های اخلاقی و حس زیبایی شناسی بالای دنیایی را که تازه وارد آن شده بودیم در ما القا کردند. اما گاهی اوقات ما حتی تصویرگران را نمی‌دانستیم - چه کسانی بودند، چه نام‌هایی داشتند، چه زمانی زندگی کردند، چه دوره‌ای این هنرمندان شگفت‌انگیز را پرورش داد. خب، شاید ما بیلیبین را تصویرگر می‌شناختیم، زیرا پدر و مادر و پدربزرگ و مادربزرگ ما بیلیبین را می‌شناختند، که با خواندن کتاب‌های فوق‌العاده بزرگ شد، به عنوان مثال، "قصه‌های پوشکین" با تصاویر این هنرمند برجسته.
اما افراد کمی از تصویرگر بوریس الکساندرویچ دخترف نام برده یا می‌شناختند، به جز خانواده‌هایی که کسی با موضوع تاریخ هنر (هنرهای زیبا و معماری) آشنا بود، اما با این وجود، سعی کردند کتاب‌هایی را با تصاویر او به فرزندان خود بدهند، به ویژه « با یک مداد در دستانش به دنیا آمد» و با بی‌رحمی روی دیوارها، مجلات، کتاب‌ها، پیش‌نویس پایان‌نامه‌ها یا دیگر آثار والدین و برادران و خواهران بزرگ‌تر خط خطی می‌کند - چنین قبیله‌ی شیرخوار بدخواه وجود دارد. اگر این قبیله که در بیلیبین، دگتیارف، سوتیف بزرگ شده بود، در حین بزرگ شدن مداد را از هم جدا نمی کرد، خودش شروع به جستجو و خرید کتاب های مصور شده توسط نویسندگان مورد علاقه خود کرد، «تا همیشه با من باشند، پس به نظر می رسد که جهان در جای خود است و همه اینها در "دوران ماقبل تاریخ بدون اینترنت" اتفاق افتاده است.

ایوان یاکولویچ بیلیبین. تصویرسازی برای "داستان تزار سلتان"

و سپس اینترنت ظاهر شد. به نظر می رسد - چه نعمتی! اما نه، مهم نیست که چقدر آن را به مسابقه نوزادان می‌لغزید، که هنوز هم همه چیز را پشت سر هم ترسیم می‌کند، اما اکنون نه با مدادهای بی‌ضرر، بلکه با خودکارهای نمدی و برخی زباله‌های دیگر به شکل نشانگر - هنوز مورد علاقه آنهاست.
کتاب‌هایی با افسانه‌ها و تصاویر - قبیله نوزاد در بهترین حالت، چیزی به تقلید از والت دیزنی و اساساً چیزی به تقلید از کارتون‌های ژاپنی تولید می‌کند، آن‌قدر ترسناک که حتی یک بزرگسال با اعصاب قوی هم با یک نگاه سریع به آن مضطرب می‌شود. صفحه نمایش کامپیوتری که در آن این کارتون ها توسط نوزادان مشاهده می شود.

سوتیف ولادیمیر گریگوریویچ. افسانه ها و تصاویر.
در یکی از پست هایی که من یک داستان در مورد تصویرسازی برای افسانه ها به نام "تصویرهای پرنعمت برای افسانه ها" گذاشتم، چیزی شبیه به این. این پست فوق‌العاده به من انگیزه داد تا در مورد افسانه‌های مورد علاقه‌ام با عکس‌های مورد علاقه‌ام به شما بگویم، عشقی که بیش از یک نسل از مردمی که در اتحاد جماهیر شوروی و بعداً در فدراسیون روسیه زندگی می‌کردند، در طول زندگی به آن عشق می‌ورزید. امروز داستان درباره تصویرگر شوروی ادبیات کودکان، گرافیست برجسته، بوریس الکساندروویچ دگتیارف است.

تصویرگر بوریس الکساندرویچ دخترف

بوریس الکساندرویچ دخترف (1908-1993)، گرافیست شوروی، تصویرگر. هنرمند خلق RSFSR. برنده جایزه استالین درجه دوم (1947).
B. A. Dekhterev در 31 مه (13 ژوئن) 1908 در کالوگا متولد شد. در سالهای 1925-1926 در استودیو D.N. Kardovsky ، در 1926-1930 در بخش نقاشی VKHUTEIN تحصیل کرد. او در انتشارات «ادبیات کودکان» (از سال 1945 به مدت 32 سال) به عنوان هنرمند اصلی کار کرد. در سالهای 1935-1937 - دستیار پروفسور A. I. Kravchenko در موزه دولتی هنرهای زیبا پوشکین ، از سال 1948 رئیس بخش گرافیک در موسسه هنری دولتی مسکو به نام V. I. Surikov. می توان گفت که «مکتب دخترف» تعیین کننده توسعه گرافیک کتاب در کشور بود. عضو مسئول آکادمی هنر اتحاد جماهیر شوروی. او عمدتاً در طراحی با مداد و تکنیک های آبرنگ کار می کرد.

دخترف یکی از اولین گرافیست‌هایی بود که به تصویرگری کتاب‌هایی با موضوعات زندگی مدرن روی آورد. او کتاب‌هایی از ام. گورکی، آی. اس. تورگنیف، م. یو، آ. پی. 1951)، Ch Perrault ("گربه در چکمه") و دیگران، افسانه های "Tom Thumb"، "Thumbelina"، "Cinderella"، "Little Red Riding Hood" (1949)، "The Blue Bird" M Maeterlinck، " کلبه عمو تام» نوشته جی. بیچر استو، «سیمان» اثر F.V. او همچنین مجموعه ای از نقاشی ها در مورد تاریخ CPSU و نقاشی هایی برای کتاب های اختصاص داده شده به زندگی رهبران اتحاد جماهیر شوروی ایجاد کرد: "ملاقات با رفیق استالین" اثر G. F. Baidukov (1938)، "دوران کودکی و مدرسه ایلیچ" توسط A. I. Ulyanova، " شلاش» توسط A. T. Kononova و دیگران.
B. A. Dekhterev در سال 1993 درگذشت.