ویژگی های اصلی هنر انتزاعی ژانر انتزاعی یک راه حل مدرن برای فضای داخلی است. سعی نکنید بفهمید هنرمند چه می‌خواست بگوید

متن:کسیوشا پتروا

این هفته در موزه یهودیان و مرکز مدارانمایشگاه "انتزاع و تصویر" توسط گرهارد ریشتر به پایان می رسد - اولین نمایشگاه شخصی در روسیه از یکی از تأثیرگذارترین و گران قیمت ترین هنرمندان معاصر. در نمایشگاه اخیر رافائل و کاراواجو و آوانگارد گرجستان در موزه پوشکین. صف هایی برای A.S. پوشکین وجود دارد. این تناقض نه تنها به این دلیل است که موزه یهودی از نظر محبوبیت بسیار کمتر از پوشکین یا هرمیتاژ است، بلکه به این دلیل است که بسیاری هنوز در مورد هنر انتزاعی شک دارند.

حتی کسانی که با Sovriska آشنا هستند و اهمیت "مربع سیاه" را برای فرهنگ جهانی به خوبی درک می کنند، به دلیل "نخبه گرایی" و "دست نیافتنی" انتزاع به سر می برند. ما آثار هنرمندان شیک پوش را مسخره می کنیم، از سوابق حراج شگفت زده می شویم و می ترسیم که در پشت نمای عبارات نقد هنری خلاء وجود داشته باشد - هر چه باشد، شایستگی های هنری آثاری که شبیه خط خطی های کودکانه هستند گاهی شک و تردیدهایی را در بین حرفه ای ها ایجاد می کند. در واقع، هاله "دست نیافتنی" هنر انتزاعی به راحتی از بین می رود - در این دستورالعمل سعی کردیم توضیح دهیم که چرا انتزاع را "تلوزیون بودایی" می نامند و از کدام سمت به آن نزدیک شویم.

گرهارد ریشتر نوامبر 1/54. 2012

سعی نکن بفهمی
آنچه هنرمند می خواست بگوید

در سالن هایی که نقاشی های رنسانس آویزان است، حتی یک بیننده نه چندان آماده می تواند راه خود را پیدا کند: حداقل او می تواند به راحتی آنچه در نقاشی به تصویر کشیده شده است را نام ببرد - مردم، میوه ها یا دریا، چه احساساتی را شخصیت ها تجربه می کنند، آیا طرحی وجود دارد. در این کار، آیا آنها با او شرکت کنندگان در رویدادها آشنا هستند. در مقابل نقاشی های روتکو، پولاک یا مالویچ، ما آنقدر اعتماد به نفس نداریم - هیچ شیئی روی آنها وجود ندارد که بتوانیم چشم خود را به آن جلب کنیم و در مورد آن حدس بزنیم تا، مانند مدرسه، بفهمیم که "نویسنده چیست؟ می خواست بگوید.» این تفاوت اصلی بین نقاشی انتزاعی یا غیر عینی و نقاشی فیگوراتیو آشناتر است: یک هنرمند انتزاعی اصلاً تلاش نمی کند دنیای اطراف خود را به تصویر بکشد، او چنین وظیفه ای را برای خود تعیین نمی کند.

اگر به دو قرن اخیر تاریخ هنر غرب دقت کنید، مشخص می شود که طرد موضوع در نقاشی، هوی و هوس یک مشت ناسازگار نیست، بلکه مرحله ای طبیعی از رشد است. در قرن نوزدهم، عکاسی ظاهر شد و هنرمندان از تعهد به تصویر کشیدن جهان آنطور که هست رها شدند: پرتره های بستگان و سگ های محبوب در یک استودیوی عکس شروع به ساختن کردند - سریعتر و ارزان تر از سفارش یک نقاشی رنگ روغن به دست آمد. یک استاد با اختراع عکاسی، نیاز به کپی دقیق آنچه می بینیم برای ذخیره آن در حافظه از بین رفت.

← جکسون پولاک.
شکل کوتاه. 1942

در اواسط قرن نوزدهم، برخی شروع به شک کردند که هنر رئالیستی یک تله است. هنرمندان کاملاً بر قوانین پرسپکتیو و ترکیب تسلط داشتند، یاد گرفتند که مردم و حیوانات را با دقت فوق العاده به تصویر بکشند، مواد مناسبی به دست آوردند، اما نتیجه کمتر و کمتر قانع کننده به نظر می رسید. جهان به سرعت شروع به تغییر کرد، شهرها بزرگتر شدند، صنعتی شدن آغاز شد - در برابر این پس زمینه، تصاویر واقع گرایانه از میدان ها، صحنه های جنگ و مدل های برهنه منسوخ به نظر می رسید، جدا از تجربیات پیچیده انسان مدرن.

امپرسیونیست ها، پست امپرسیونیست ها، فوویست ها و کوبیست ها هنرمندانی هستند که ترسی از زیر سوال بردن آنچه در هنر مهم است نداشتند: هر یک از این جنبش ها از تجربیات نسل قبلی استفاده کردند و رنگ و فرم را آزمایش کردند. در نتیجه، برخی از هنرمندان به این نتیجه رسیدند که تماس بین نویسنده و بیننده نه از طریق فرافکنی واقعیت، بلکه از طریق خطوط، لکه ها و خطوط رنگ رخ می دهد - بنابراین هنر از نیاز به تصویر کردن هر چیزی خلاص شد و بیننده را دعوت کرد لذت بدون ابر تعامل با رنگ، شکل، خطوط و بافت را احساس کنید. همه اینها کاملاً با آموزه های فلسفی و دینی جدید ترکیب شد - به ویژه، تئوسوفی، و لوکوموتیوهای آوانگارد روسی، واسیلی کاندینسکی و کازیمیر مالویچ، سیستم های فلسفی خود را توسعه دادند که در آن نظریه هنر با اصول مرتبط است. یک جامعه ایده آل

در هر موقعیت نامشخص، از تحلیل رسمی استفاده کنید

در اینجا یک کابوس وجود دارد که هر هنردوست معاصر می تواند خود را در آن بیابد: تصور کنید که در مقابل آنچه که کتاب راهنما می گوید یک نقاشی لذت بخش از اگنس مارتین است ایستاده اید و هیچ احساسی ندارید. چیزی جز عصبانیت و اندوه خفیف - نه به این دلیل که عکس چنین احساساتی را به شما می دهد، بلکه به این دلیل که اصلاً نمی دانید اینجا چه چیزی ترسیم شده است و کجا باید نگاه کنید (حتی مطمئن نیستید که متصدیان کار را به درستی آویزان کرده اند. راه). در چنین شرایطی، تحلیل رسمی به کمک می آید، که ارزش شروع آشنایی با هر اثر هنری را دارد. نفس خود را بیرون دهید و سعی کنید به چند سوال کودکان پاسخ دهید: چه چیزی در مقابل خود می بینم - نقاشی یا مجسمه، گرافیک یا نقاشی؟ با چه موادی و چه زمانی ایجاد شد؟ چگونه می توانید این اشکال و خطوط را توصیف کنید؟ چگونه تعامل دارند؟ آیا آنها متحرک هستند یا ساکن؟ آیا در اینجا عمق وجود دارد - کدام عناصر تصویر در پیش زمینه و کدام در پس زمینه هستند؟

← بارنت نیومن. بدون عنوان 1945

مرحله بعدی نیز بسیار ساده است: به خودتان گوش دهید و سعی کنید تعیین کنید آنچه می بینید چه احساساتی را در شما برمی انگیزد. آیا این مثلث های قرمز خنده دار هستند یا هشدار دهنده؟ آیا احساس آرامش می کنم یا عکس روی من سنگینی می کند؟ سوال تست: آیا سعی می‌کنم بفهمم چه شکلی است یا اجازه می‌دهم ذهنم آزادانه با رنگ و شکل تعامل داشته باشد؟

به یاد داشته باشید که تنها تصویر مهم نیست، بلکه قاب - یا فقدان آن نیز مهم است. در مورد همان نیومن، موندریان یا "آمازون آوانگارد" اولگا روزانووا، رد قاب انتخاب آگاهانه هنرمند است که شما را به کنار گذاشتن ایده های قدیمی در مورد هنر و گسترش ذهنی مرزهای آن دعوت می کند. به معنای واقعی کلمه فراتر از مرزها بروید.

برای احساس اطمینان بیشتر، می توانید یک طبقه بندی ساده از آثار انتزاعی را به خاطر بسپارید: آنها معمولاً به هندسی (پیت موندریان، السورث کلی، تئو ون دوزبورگ) و غنایی (هلن فرانکتالر، گرهارد ریشتر، واسیلی کاندینسکی) تقسیم می شوند.

هلن فرانکتالر. حلقه نارنجی. 1965

هلن فرانکتالر. سولاریوم. 1964

"توانایی نقاشی" را قضاوت نکنید

«فرزند/گربه/میمون من نمی تواند بدتر از این کار کند» این عبارتی است که هر روز در هر موزه هنر مدرن گفته می شود (شاید جایی به فکر نصب یک پیشخوان خاص بوده اند). یک راه آسان برای پاسخ به چنین ادعایی این است که خرخر کنید و چشمان خود را بچرخانید. متفاوت ارزیابی می شود. رولان بارت، نشانه‌شناس بزرگ، مقاله‌ای صمیمانه درباره «کودکی» بودن خط‌نوشته‌های سی تومبلی نوشت و سوزی هاج معاصر ما یک کتاب کامل را به این موضوع اختصاص داد.

بسیاری از هنرمندان انتزاعی دارای تحصیلات کلاسیک و مهارت های طراحی آکادمیک عالی هستند - یعنی می توانند یک گلدان زیبا با گل، غروب خورشید روی دریا یا پرتره بکشند، اما به دلایلی نمی خواهند. آن‌ها تجربه‌ای بصری را انتخاب می‌کنند که زیر بار عینیت نباشد: به نظر می‌رسد هنرمندان کار را برای بیننده آسان‌تر می‌کنند، مانع از پرت شدن حواس او توسط اشیاء به تصویر کشیده شده در تصویر می‌شوند و به او کمک می‌کنند تا فوراً خود را در یک تجربه احساسی غوطه‌ور کند.

← Cy Twombly. بدون عنوان 1954

در سال 2011، محققان تصمیم گرفتند بررسی کنند که آیا نقاشی های ژانر اکسپرسیونیسم انتزاعی (این جهت از هنر انتزاعی بیشترین سؤالات را ایجاد می کند) از نقاشی های کودکان کوچک و همچنین هنر شامپانزه ها و فیل ها قابل تشخیص نیست. از آزمودنی ها خواسته شد که به جفت عکس نگاه کنند و تعیین کنند که کدام یک توسط هنرمندان حرفه ای ساخته شده است - در 60 تا 70 درصد موارد، پاسخ دهندگان آثار هنری "واقعی" را انتخاب کردند. مزیت کوچک است، اما از نظر آماری قابل توجه است - ظاهراً چیزی در آثار انتزاع گرایان وجود دارد که آنها را از نقاشی های یک شامپانزه باهوش متمایز می کند. مطالعه جدید دیگری نشان داده است که کودکان خودشان می توانند آثار هنرمندان انتزاعی را از نقاشی های کودکان تشخیص دهند. برای آزمایش استعداد هنری خود، می‌توانید آزمون مشابهی را در BuzzFeed انجام دهید.

به یاد داشته باشید که همه هنرها انتزاعی هستند

اگر مغز شما برای کمی اضافه بار آماده است، این واقعیت را در نظر بگیرید که همه هنرها ذاتاً انتزاعی هستند. نقاشی فیگوراتیو، چه طبیعت بی جان «پسر با لوله» اثر پیکاسو یا «آخرین روز پمپئی» اثر بریولوف، نمایش یک دنیای سه بعدی بر روی بوم مسطح است، تقلیدی از «واقعیت» که ما درک می کنیم. از طریق بینایی همچنین نیازی به صحبت در مورد عینیت ادراک ما نیست - به هر حال، توانایی های بینایی، شنوایی و سایر حواس انسان بسیار محدود است و ما نمی توانیم آنها را به تنهایی ارزیابی کنیم.

ماربل دیوید یک مرد زنده نیست، بلکه یک تکه سنگ است که میکل آنژ به آن شکلی داده است که ما را به یاد یک مرد می اندازد (و ما از تجربیات زندگی خود این ایده را دریافت کردیم که مردان چگونه به نظر می رسند). اگر خیلی به جوکوندا نزدیک شوید، باز هم فکر می‌کنید که پوست لطیف و تقریباً زنده‌اش، یک حجاب شفاف و مه را در دوردست می‌بینید - اما این اساساً یک انتزاع است، فقط لئوناردو داوینچی بسیار پر زحمت و برای مدت طولانی است. با گذشت زمان، لایه‌های رنگ را روی هم اعمال کنید تا یک توهم بسیار ظریف ایجاد کنید. ترفند نوردهی با فوویست‌ها و پوینتیلیست‌ها واضح‌تر عمل می‌کند: اگر به نقاشی پیسارو نزدیک شوید، نه بلوار مون‌مارتر و غروب خورشید در ارگنی، بلکه بسیاری از ضربه‌های قلم موی رنگارنگ را خواهید دید. نقاشی معروف رنه ماگریت "خیانت تصاویر" به جوهره واهی هنر اختصاص داده شده است: البته "این یک لوله نیست" - اینها فقط ضربه های رنگی هستند که به خوبی روی بوم قرار گرفته اند.

← هلن فرانکتالر.
نپنته. 1972

امپرسیونیست ها که امروز در شایستگی آنها شک نداریم، انتزاع گرایان زمان خود بودند: مونه، دگا، رنوار و دوستانشان متهم به کنار گذاشتن تصویرسازی واقع گرایانه به نفع انتقال احساسات بودند. ضربات "بی دقت"، قابل مشاهده با چشم غیرمسلح، ترکیب "عجیب" و سایر تکنیک های پیشرونده برای عموم مردم آن زمان کفرآمیز به نظر می رسید. در پایان قرن نوزدهم، امپرسیونیست ها به شدت به "ناتوانی در ترسیم"، ابتذال و بدبینی متهم شدند.

برگزارکنندگان سالن پاریس مجبور شدند المپیای مانه را تقریباً از سقف آویزان کنند - افراد زیادی بودند که می خواستند روی آن تف کنند یا بوم را با چتر سوراخ کنند. آیا این وضعیت با حادثه سال 1987 در موزه Stedelijk آمستردام، زمانی که مردی با چاقو به هنرمند انتزاعی بارنت نیومن که از قرمز، زرد و آبی می ترسد III با چاقو حمله کرد، تفاوت زیادی دارد؟

مارک روتکو بدون عنوان 1944-1946

از زمینه غافل نشوید

بهترین راه برای تجربه یک اثر هنری انتزاعی این است که در مقابل آن بایستید و نگاه کنید و نگاه کنید. برخی از آثار می توانند بیننده را در احساسات عمیق وجودی یا خلسه خلسه فرو ببرند - اغلب این اتفاق در مورد نقاشی های مارک روتکو و اشیاء آنیش کاپور رخ می دهد ، اما آثار هنرمندان ناشناخته نیز می توانند تأثیر مشابهی داشته باشند. اگرچه ارتباط عاطفی از همه مهمتر است، اما نباید از خواندن برچسب ها و آشنایی با بافت تاریخی امتناع کنید: عنوان به شما در درک "معنای" اثر کمک نمی کند، اما می تواند ایده های جالبی به شما بدهد. حتی عناوین خشکی مانند "ترکیب شماره 2" و "شیء شماره 7" به ما چیزی می گویند: نویسنده با گذاشتن چنین نامی برای اثر خود، ما را تشویق می کند که جستجوی "زیر متن" یا "سمبولیسم" را کنار بگذاریم و بر تجربه معنوی تمرکز کنیم. .

← یوری زلوتنیکوف. ترکیب شماره 22. 1979

تاریخچه خلق اثر نیز مهم است: به احتمال زیاد، اگر بدانید این اثر در چه زمانی و در چه شرایطی ساخته شده است، چیز جدیدی در آن خواهید دید. پس از خواندن بیوگرافی این هنرمند که توسط متصدیان موزه به دقت برای شما تهیه شده است، از خود بپرسید که این اثر در کشور و در زمان کار نویسنده آن چه اهمیتی می توانست داشته باشد: همان "میدان سیاه" تصور کاملاً متفاوتی ایجاد می کند اگر شما چیزی در مورد جنبش های فلسفی و هنر اوایل قرن بیستم می دانید. نمونه دیگری که کمتر شناخته شده است، سریال "سیستم های سیگنال" توسط یوری زلوتنیکوف، پیشگام انتزاع پس از جنگ روسیه است. امروزه، دایره های رنگی روی بوم سفید انقلابی به نظر نمی رسند - اما در دهه 1950، زمانی که هنر رسمی چیزی شبیه به این بود، انتزاعات زلوتنیکوف یک پیشرفت واقعی بود.

آهسته تر

همیشه بهتر است به چند اثری که توجه شما را جلب می کند توجه کنید تا اینکه در موزه بچرخید و سعی کنید فضای بیکران را به خود جذب کنید. پروفسور جنیفر رابرتز از هاروارد دانشجویان خود را مجبور می کند که به مدت سه ساعت به یک نقاشی نگاه کنند - البته، هیچ کس چنین استقامتی را از شما نمی خواهد، اما مشخصاً سی ثانیه برای یک نقاشی کاندینسکی کافی نیست. جری سالتز، منتقد هنری مشهور، در مانیفست خود - اعلام عشق به انتزاع، نقاشی های هیپنوتیزم روتکو را "تلویزیون بودایی" می نامد - به طور ضمنی گفته می شود که می توانید بی پایان به آنها نگاه کنید.

این کار را در خانه تکرار کنید

بهترین راه برای آزمایش این فکر فتنه‌انگیز «من می‌توانم به همان خوبی نقاشی بکشم» که گاهی در میان منتقدان هنری حرفه‌ای مطرح می‌شود، انجام آزمایشی در خانه است. در موقعیت مخالف نیز جالب خواهد بود - اگر به دلیل "ناتوانی در کشیدن" یا "عدم توانایی" از گرفتن رنگ می ترسید. بیهوده نیست که تکنیک های انتزاعی اغلب در هنر درمانی استفاده می شود: آنها به بیان احساسات پیچیده ای کمک می کنند که پیدا کردن کلمات برای آنها دشوار است. برای بسیاری از هنرمندان که از تضادهای درونی و ناسازگاری خود با دنیای بیرون رنج می برند، انتزاع تقریباً تنها راه کنار آمدن با واقعیت شده است (البته به جز مواد مخدر و الکل).

آثار انتزاعی را می توان با استفاده از هر رسانه هنری ایجاد کرد - از آبرنگ گرفته تا پوست درخت بلوط، بنابراین مطمئناً تکنیکی را پیدا می کنید که مطابق با سلیقه و بودجه شما باشد. شاید شما نباید فوراً با آن شروع کنید چکیدن" - تحلیل نقاشی موندریان "ترکیب با قرمز، آبی و زرد" برای کوچولوها برای بزرگترها شرم آور نیست.موزه یهودی، ART4

از زمان های قدیم، زیبایی دنیای اطراف، تجربیات و رویدادهای مهم زندگی مردم را به انتقال تصاویر بصری با کمک رنگ ترغیب کرده است. نقاشی از نقاشی‌های سنگی و نقاشی‌های دیواری باستانی تا آثار هنری منحصربه‌فردی که با واقع‌گرایی شگفت‌زده می‌شوند، راه طولانی را طی کرده است.

در اواخر قرن نوزدهم، برخی از هنرمندان شروع به جستجوی روش‌های جدید بیان کردند و سعی کردند دیدگاهی غیرمتعارف و فلسفه جدیدی را در آثار خود بیاورند. از آن زمان به بعد، تسلط کامل بر این تکنیک دیگر کافی نبود.

بنابراین، در آغاز قرن، جنبشی به نام «مدرنیسم» با بازنگری ذاتی خود در هنر کلاسیک ظاهر شد، چالشی برای قوانین زیباشناختی تثبیت شده. در چارچوب آن، یک جنبش کاملاً ویژه توسعه یافت - انتزاع گرایی.

تعریف مفهوم

کلمه لاتین abstractio به روسی به عنوان "حواس پرتی" ترجمه شده است. برای تعریف سبک جدیدی از نقاشی که در آغاز قرن بیستم ظهور کرد، استفاده شد. به طور تصادفی مورد استفاده قرار نگرفت، زیرا هنرمندان انتزاعی، بدون اینکه اهمیت زیادی برای سطح اجرا قائل شوند، دیدگاه خاص نویسنده و ابزارهای جدید بیان را به منصه ظهور رساندند.

به عبارت دیگر، انتزاع گرایی نوع خاصی از هنرهای زیبا است که از انتقال اشکال و اشیاء واقعی امتناع می ورزد. بنابراین، اغلب به عنوان هنر غیر تصویری یا غیر عینی شناخته می شود.

انتزاع گرایان به جای انتقال تصاویر بصری، بر نمایش الگوهای درونی و شهودی درک جهان تمرکز می کنند که در پشت اشیاء مرئی پنهان شده اند.

به همین دلیل نمی توان تداعی هایی با چیزهای آشنا در آثار آنها یافت. نقش اصلی در اینجا با رابطه رنگ ها، لکه ها، اشکال هندسی و خطوط ایفا می شود. علاوه بر هنرمندان، مجسمه‌سازان، معماران، طراحان، موسیقی‌دانان، عکاسان و حتی شاعران نیز به هنر انتزاع علاقه‌مند شدند.

نقاط عطف تاریخی

واسیلی کاندینسکی را بنیانگذار هنر انتزاعی می دانند. او در سال 1910 اولین نقاشی خود را در آلمان با تکنیک جدیدی در آن زمان کشید. علاوه بر این، در سال 1911، کتاب کاندینسکی "درباره هنر معنوی" در مونیخ منتشر شد.

او در آن به تشریح فلسفه زیبایی‌شناختی خود پرداخت که تحت تأثیر آثار R. Steiner و E. Blavatsky شکل گرفت. این کتاب موفقیت بزرگی بود و جنبش جدیدی در نقاشی «انتزاع‌گرایی» نام داشت. این نقطه شروع شد: اکنون رویکرد غیر عینی به خلاقیت در انواع مختلف هنرهای زیبا محبوبیت پیدا کرده است.

علیرغم این واقعیت که خاستگاه هنر انتزاعی هنرمندان روسی مانند V. Kandinsky و K. Malevich بودند، در اتحاد جماهیر شوروی دهه 30، جهت جدید طرد شد. در طول جنگ جهانی دوم، آمریکا به مرکز هنر انتزاعی تبدیل شد، جایی که بسیاری از نمایندگان آن از اروپا مهاجرت کردند. در اینجا، در سال 1937، موزه نقاشی غیر عینی افتتاح شد.

هنر انتزاعی پس از جنگ چندین مرحله از پیشرفت را طی کرد، از جمله احیای هنر غیر فیگوراتیو در روسیه با شروع پرسترویکا. در نهایت هنرمندان این فرصت را پیدا کردند که نقاشی هایی را در جهات مختلف خلق کنند. آنها تجربیات ذهنی شخصی خود را با کمک رنگ، به ویژه رنگ سفید، که به یکی از اجزای اصلی هنر غیر فیگوراتیو مدرن تبدیل شد، روی بوم ها منتقل کردند.

جهت گیری های انتزاعی گرایی

از اولین سالهای ظهور نوع جدیدی از خلاقیت بصری، دو جهت اصلی در چارچوب آن شروع به توسعه کرد: هندسی و غنایی. اولین بار در آثار کازیمیر مالویچ، پیتر موندریان، رابرت دلونای و دیگران منعکس شد.

انتزاع گرایی هندسی از شکل ها، صفحات و خطوط منظم استفاده می کند، در حالی که انتزاع گرایی غنایی، برعکس، با لکه های رنگی پراکنده به طور آشفته عمل می کند. به نوبه خود، بر اساس این دو جهت، جنبش های دیگری شکل گرفت که با یک مفهوم زیباشناختی با انتزاع گرایی همراه شد: نظام گرایی، ساخت گرایی، برتری گرایی، اورفیسم، تاچیسم، نئوپلاستیسیسم، ریونیسم.

ریونیسم و ​​اشعار

اکتشافات در زمینه فیزیک در آغاز قرن بیستم به عنوان انگیزه ای برای ظهور چنین حرکتی در جهت هندسی مانند رایونیسم عمل کرد. در خاستگاه آن هنرمندان روسی M. Larionov و N. Goncharova بودند. بر اساس تصور آنها، هر جسم مجموع پرتوهایی است که توسط خطوط رنگی مورب بر روی بوم منتقل می شود. وظیفه هنرمند این است که از آنها فرمی مطابق با بینش زیباشناختی خود بسازد.

و در دهه 50 قرن گذشته، انتزاع هندسی، از جمله ریونیسم، به طور موقت جای خود را به جهت غنایی داد. با اجرای بداهه و همچنین جذابیت به وضعیت عاطفی هنرمند مشخص می شود. به عبارت دیگر، انتزاع گرایی غنایی نوعی عکس فوری از تجربیات ذهنی یک فرد است که بدون نمایش اشیا و اشکال ساخته شده است.

غزلیات هندسی کاندینسکی

همانطور که قبلاً اشاره شد، سبک هنر انتزاعی ظاهر خود را مدیون V. Kandinsky است. با آماده شدن برای حرفه ای به عنوان وکیل، او متعاقباً به نقاشی علاقه مند شد و با گذراندن مراحلی از شیفتگی به گرایش های مختلف مدرنیسم، نوع منحصر به فرد خود را از نقاشی انتزاعی خلق کرد.

کاندینسکی پس از اعلام خروج از طبیعت به ذات پدیده ها، به مشکلات ترکیب رنگ و موسیقی پرداخت. علاوه بر این، تأثیر نمادگرایی در رابطه با تفسیر رنگ در آثار او به وضوح قابل مشاهده است.

این هنرمند در دوره های مختلف زندگی خود به جهت هندسی یا غنایی علاقه داشت. در نتیجه، انتزاع گرایی در نقاشی کاندینسکی، به ویژه در اواخر دوره، اصول هر دو جنبش را با هم ترکیب می کند.

نئوپلاستیکیسم اثر پیتر موندریان

پی موندریان هلندی به همراه وی کاندینسکی از بنیانگذاران هنر انتزاعی به شمار می روند. این هنرمند به همراه پیروان خود انجمن "سبک" را در سال 1917 تأسیس کرد که مجله ای به همین نام منتشر کرد.

دیدگاه‌های زیبایی‌شناختی موندریان اساس یک جهت جدید - نئوپلاستیکیسم را تشکیل داد. ویژگی بارز آن استفاده از صفحات مستطیلی بزرگ است که در رنگ های اصلی طیف رنگ آمیزی شده اند. مطمئناً می توان آن را به عنوان هنر انتزاعی هندسی طبقه بندی کرد.

نقاشی‌های موندریان پی، که به تعادل افقی و عمودی وسواس دارند، بوم‌هایی متشکل از مستطیل‌هایی با اندازه‌های مختلف و رنگ‌های مختلف هستند که با خطوط سیاه ضخیم از هم جدا شده‌اند.

نئوپلاستیکیسم تأثیر قابل توجهی بر معماری، طراحی مبلمان، طراحی داخلی و همچنین هنر تایپوگرافی داشت.

سوپرماتیسم مالویچ

انتزاع گرایی در هنر کازیمیر مالویچ با تکنیک خاصی از قرار دادن دو لایه رنگ برای به دست آوردن نوع خاصی از لکه رنگ مشخص می شود. نام این هنرمند با ظهور سوپرماتیسم مرتبط است - جنبشی که ساده ترین اشکال هندسی رنگ های مختلف را ترکیب می کند.

مالویچ سیستم منحصر به فرد خود را از هنرهای زیبای انتزاعی ایجاد کرد. "مربع سیاه" معروف او که روی زمینه سفید نقاشی شده است، هنوز یکی از نقاشی های مورد بحث هنرمندان انتزاعی است.

مالویچ در پایان زندگی خود از نقاشی غیر فیگوراتیو به نقاشی فیگوراتیو بازگشت. درست است، در برخی از نقاشی ها، هنرمند همچنان سعی کرد تکنیک های رئالیسم و ​​سوپرماتیسم را ترکیب کند، همانطور که در نقاشی "دختری با قطب" دیده می شود.

سهم غیر قابل انکار

نگرش به نقاشی غیر عینی بسیار متفاوت است: از طرد قاطع تا تحسین صادقانه. با این وجود، نمی توان تأثیری را که ژانر هنر انتزاعی بر هنر مدرن داشته است انکار کرد. هنرمندان مسیرهای جدیدی را ایجاد کردند که معماران، مجسمه‌سازان و طراحان از آن ایده‌های تازه می‌کشیدند.

و این روند ادامه دارد. به عنوان مثال، در نقاشی مدرن غیر عینی، جهت طرح در حال توسعه است، که با ساخت تصویری مشخص می شود که تداعی های خاصی را برمی انگیزد.

گاهی اوقات ما حتی متوجه نمی شویم که چه تعداد از اشیاء ساخته شده با استفاده از این تکنیک ما را احاطه کرده اند: مبلمان و اثاثه یا لوازم داخلی آن، جواهرات، کاغذ دیواری دسکتاپ و غیره. تکنیک های انتزاعی نیز به طور گسترده در فتوشاپ و گرافیک کامپیوتری استفاده می شود.

بنابراین انتزاع گرایی پدیده ای هنری در هنر است که صرف نظر از نگرش ما به آن، جایگاه مهمی در جامعه مدرن به خود اختصاص داده است.

برای من سبک انتزاع گرایی در درجه اول مخالفت با منطق تمدن است. کل تاریخ تمدن قرن گذشته بر اساس فرمول ها، الگوریتم ها، اصول، معادلات و قوانین بنا شده است. با این حال، این طبیعت انسان است که برای تعادل و هماهنگی تلاش کند. در این رابطه، در طلوع قرن انقلاب علمی و فناوری، چنین جنبش هنری ظاهر می شود که از قوانین کلاسیک طراحی پیروی نمی کند، بلکه برعکس، هدف خود را برای آزادی به ناخودآگاه و هرج و مرج، در نگاه اول عاری از معنا، اما در نتیجه به فرد این فرصت را می دهد که خود را از نفوذ هنجارها و جزمات رها کند و هماهنگی درونی را حفظ کند.

انتزاع گرایی(از لاتین abstractus - از راه دور، انتزاعی) یک جنبش بسیار گسترده در هنر قرن بیستم، که در اوایل دهه 1910 در چندین کشور اروپایی به وجود آمد. انتزاع گرایی با استفاده از عناصر منحصراً رسمی برای نمایش واقعیت مشخص می شود، جایی که تقلید یا نمایش دقیق واقعیت به خودی خود یک هدف نبود.

بنیانگذاران هنر انتزاعی هنرمندان روسی و پیت موندریان هلندی، روبرت دلونای فرانسوی و فرانتیسک کوپکای چک هستند. روش طراحی آنها بر اساس تمایل به "هماهنگی"، ایجاد ترکیبات رنگی خاص و اشکال هندسی به منظور برانگیختن تداعی های مختلف در بیننده بود.

در انتزاع گرایی، دو جهت واضح قابل تشخیص است: انتزاع هندسی، اساساً بر پیکربندی های واضح تعریف شده (مالویچ، موندریان)، و انتزاع غنایی، که در آن ترکیب از فرم های آزادانه در جریان است (کاندینسکی). همچنین چندین جنبش مستقل بزرگ دیگر در هنر انتزاعی وجود دارد.

کوبیسم- یک جنبش آوانگارد در هنرهای زیبا که در آغاز قرن بیستم ایجاد شد و با استفاده از اشکال هندسی کاملاً متعارف مشخص می شود، میل به "تقسیم" اشیاء واقعی به موارد اولیه کلیشه ای.

منطقه گرایی (راییسم)- جهتی در هنر انتزاعی دهه 1910، بر اساس تغییر طیف نور و انتقال نور. ایده ظهور اشکال از "تقاطع پرتوهای منعکس شده از اشیاء مختلف" مشخصه است، زیرا آنچه که شخص در واقع درک می کند خود شی نیست، بلکه "مجموع پرتوهایی است که از منبع نور می آیند و منعکس می شوند. شی.”

نئوپلاستیسیزم- تعیین جهت هنر انتزاعی که در 1917-1928 وجود داشت. در هلند و هنرمندان متحد در اطراف مجله "De Stijl" ("سبک"). مشخصه، اشکال مستطیلی واضح در معماری و نقاشی انتزاعی در آرایش صفحات مستطیلی بزرگ است که در رنگ های اصلی طیف رنگ آمیزی شده اند.

اورفیسم- جهتی در نقاشی فرانسوی دهه 1910. هنرمندان ارفیست به دنبال بیان پویایی حرکت و موزیکال بودن ریتم ها با کمک "قاعدگی" نفوذ رنگ های اصلی طیف و تقاطع متقابل سطوح منحنی بودند.

برتری طلبی- جنبشی در هنر آوانگارد که در دهه 1910 پایه گذاری شد. مالویچ. این در ترکیبی از صفحات چند رنگ از ساده ترین اشکال هندسی بیان شد. ترکیب اشکال هندسی چند رنگ ترکیبات برتری نامتقارن متعادلی را تشکیل می دهد که با حرکت درونی نفوذ می کند.

تاچیسم- جنبشی در هنر انتزاعی اروپای غربی دهه‌های 1950-1960، که بیشترین شیوع را در ایالات متحده داشت. نقاشی با نقاطی است که تصاویر واقعیت را بازآفرینی نمی کند، بلکه فعالیت ناخودآگاه هنرمند را بیان می کند. ضربه ها، خطوط و خال ها در تاشیسم با حرکات سریع دست و بدون برنامه ریزی از پیش اندیشیده شده روی بوم اعمال می شود.

اکسپرسیونیسم انتزاعی- حرکت هنرمندانی که به سرعت و روی بوم های بزرگ نقاشی می کنند، با استفاده از ضربات غیر هندسی، قلم موهای بزرگ، گاهی اوقات رنگ چکه روی بوم، برای آشکار کردن کامل احساسات. روش نقاشی رسا در اینجا اغلب به اندازه خود نقاشی مهم است.

(از لاتین abstractio - حواس‌پرتی)، هنر غیر عینی، یکی از تأثیرگذارترین جنبش‌های هنری قرن بیستم، که در آغاز به وجود آمد. دهه 1910 روش خلاقانه انتزاع گرایی مبتنی بر طرد کامل «شبیه زندگی»، به تصویر کشیدن اشکال واقعیت است.

یک نقاشی انتزاعی بر اساس روابط بین لکه های رنگی، خطوط و سکته ها استوار است. مجسمه سازی - بر روی ترکیبی از فرم های هندسی حجمی و مسطح. هنرمندان با کمک ساخت‌های انتزاعی می‌خواستند الگوهای درونی و ماهیت‌های درک شهودی جهان، کیهان را که در پس فرم‌های مرئی پنهان شده بود، بیان کنند.

مالویچ کازیمیر. برتری طلبی

عناصر هندسی نقاشی شده در رنگ های اصلی به نظر می رسد شناور، معلق بر بوم. Malevich ترکیب پیچیده ای از اشکال همپوشانی ایجاد کرد تا حس عمق و چشم انداز را منتقل کند. کار سوپرماتیستی با تکیه انحصاری بر تعامل فرم و رنگ، هر اثری از شی را از بین می برد. مالویچ بنیانگذار سوپرماتیسم بود - نظامی که در پی دستیابی به خلوص مطلق این دو اصل بود. برای مالویچ، سوپرماتیسم به معنای تجسم احساس ناب هنری بود، چیزی که او آن را «احساس غیر عینی» نامید. در سال 1918، او توسعه هنر غیر فیگوراتیو را در مجموعه ای از ترکیبات به نام "سفید روی سفید" که از اشکال هندسی سفید در زمینه سفید تشکیل شده بود به نتیجه منطقی خود رساند - نوعی انتزاع از انتزاعات. مالویچ با درک اینکه جایی برای توسعه بیشتر مفهوم وجود ندارد، به نقاشی فیگوراتیو بازگشت.

K. S. Malevich. "برتری گرایی". 1915 گالری دولتی ترتیاکوف. مسکو

مالویچ "سوپرماتیسم پویا" "

ک.س. مالویچ. سوپرماتیسم (Supremus No. 56). 1916. رنگ روغن روی بوم، 80.5x71. موزه دولتی روسیه سن پترزبورگ

تاریخ تولد انتزاع گرایی سال 1910 در نظر گرفته می شود، زمانی که V.V. کاندینسکیاولین اثر انتزاعی در تاریخ هنر (آبرنگ) را در مونیخ به نمایش گذاشت و رساله ای با عنوان "درباره معنویت در هنر" نوشت و در آن روش خلاقانه خود را با اکتشافات علم اثبات کرد.

واسیلی کاندینسکی قزاق ها

در این ترکیب نیمه انتزاعی و به طرز غیرقابل توضیحی جذاب، خطوط کلی تپه ها و پیکره های قزاق ها با شمشیر در حرکت اشکال انتزاعی، خطوط و لکه های رنگی گنجانده شده است. زیبایی خاصی در سادگی ساخت آن و شلی شگفت انگیزی در نحوه زدن ضربه وجود دارد. کاندینسکی معتقد بود که یک هنرمند واقعی می کوشد منحصراً یک بینش درونی و اساسی را بیان کند. کاندینسکی پس از دریافت آموزش حقوقی، به زودی متوجه شد که حرفه واقعی او هنر است و به یکی از پیشگامان برجسته نقاشی انتزاعی "ناب" تبدیل شد. پس از اقامت طولانی در مونیخ، به روسیه بازگشت و در سالهای 1914-1922 به فعالیت های آموزشی پرداخت و آکادمی علوم هنری روسیه را تأسیس کرد. تأثیر فرهنگ روسیه در توسل او به نقاشی نمادها و نقوش هنر عامیانه منعکس شد. او مدتی در باهاوس، مدرسه مشهور طراحی مدرن، تدریس کرد. کاندینسکی به اهمیت هنر انتزاعی پی برد که در آن «زیبایی خارق‌العاده که نوری درونی را ساطع می‌کند» در آن کشف کرد، بدون اینکه هنوز متوجه شود که این نور خلاقیت خودش است که از درون و در منظر معکوس دیده می‌شود. وی. کاندینسکی نوع نقاشی انتزاعی خود را خلق کرد و لکه‌های امپرسیونیستی و «وحشی» را از هرگونه نشانه‌ای از عینیت رها کرد.

کاندینسکی "ترکیب شماره 8"

به زودی انتزاع گرایی به جنبشی قدرتمند تبدیل می شود که در آن جهات مختلفی پدیدار می شود: انتزاع غنایی (نقاشی های کاندینسکی و استادان وحدت). "آبی سوار"با فرم‌های سیال، «موسیقی» و بیان احساسی رنگ) و انتزاع هندسی (K.S. مالویچ، پ. موندریان، تا حدی توسط R. Delaunay، که ترکیبات او بر اساس ترکیبی از اشکال هندسی ابتدایی است: مربع، مستطیل، صلیب، دایره). انجمن Blue Rider در دسامبر 1911 توسط واسیلی کاندینسکی و فرانتس مارک در مونیخ تأسیس شد. هدف اصلی رهایی از سنت های فسیل شده نقاشی دانشگاهی بود. علاوه بر آنها، این گروه شامل آگوست مکه، ماریانا وروکینا، الکسی جاولنسکی و پل کلی نیز بودند. رقصندگان و آهنگسازان نیز در کار این گروه هنری شرکت داشتند. آنها با علاقه به هنر قرون وسطی و ابتدایی و جنبش های آن زمان - فوویسم و ​​کوبیسم - متحد شدند.

آگوست ماک و فرانتس مارک بر این عقیده بودند که هر فردی از واقعیت درک درونی و بیرونی دارد که باید از طریق هنر متحد شود. این ایده به صورت نظری توسط کاندینسکی اثبات شد. این گروه برای دستیابی به برابری در همه اشکال هنری تلاش کرد.

ایده اصلی اتحاد رد هر گونه عینیت در هنر بود. کاندینسکی نوشته است: «هنر چیزی «نباید» است، زیرا ابدی است، هنر مانند روز از شب از «باید» فرار می‌کند. اکنون افکار هنرمند از طریق تصویر ظاهر خارجی اشیاء، بلکه از محتوای درونی آنها بیان می شد. شرکت کنندگان "آبی سوار" هدف اصلی هنر خود را انتقال تنش عصبی که خودشان تجربه کردند به مخاطبان می دانستند.

پیت موندریان از طریق تلطیف هندسی طبیعت که توسط سزان و کوبیست ها آغاز شد، به عدم عینیت خود رسید. جنبش‌های مدرنیستی قرن بیستم، با تمرکز بر انتزاع‌گرایی، کاملاً از اصول سنتی دور می‌شوند و رئالیسم را انکار می‌کنند، اما در عین حال در چارچوب هنر باقی می‌مانند. تاریخ هنر با ظهور هنر انتزاعی انقلابی را تجربه کرد. اما این انقلاب نه تصادفی، بلکه کاملاً طبیعی و توسط افلاطون پیش بینی شده بود! او در اثر متأخر خود «Philebus» در مورد زیبایی خطوط، سطوح و فرم‌های فضایی به خودی خود، فارغ از هر گونه تقلید از اشیاء مرئی، از هر گونه تقلید، بر خلاف زیبایی طبیعی «نامنظم» نوشت. به گفته افلاطون، فرم‌ها نه یک خصلت نسبی، بلکه غیرشرطی و مطلق دارند.

موندریان پیت. ترکیب

در این ترکیب هندسی، یک شبکه سیاه به شدت پس‌زمینه را تشریح می‌کند. سلول های فردی آن با رنگ های اصلی روشن پر شده است. موندریان یک سیستم سبک ایجاد کرد که فضای سه بعدی و خطوط منحنی را حذف می کرد. این هنرمند نقاشی های خود را از ساده ترین عناصر ساخته است - خطوط مستقیم و رنگ های اصلی، که او در سراسر سطح بوم حرکت می کرد تا زمانی که به تعادل ترکیبی کامل دست یافت. هدف او ایجاد هنری دقیق و عینی بود که قوانین آن ساختار جهان را منعکس می کند. خطوط و رنگ های تمیز نشان می دهد که این نقاشی متعلق به جنبش "سبک" است که نماینده اصلی آن موندریان بود. او در سال 1938 که زادگاهش هلند را ترک کرد، به لندن رفت، جایی که کارگاه او به زودی در اثر حملات بمب گذاری ویران شد. دو سال بعد، موندریان به نیویورک نقل مکان کرد. در اینجا آهنگ‌های او رنگارنگ‌تر شدند و ریتم‌های هیجان‌انگیز زندگی در سرزمین برادوی و بوگی ووگی را منعکس می‌کردند.

دلونی رابرت. ادای احترام به Blériot

در این ترکیب که در نگاه اول انتزاعی به نظر می‌رسد، مارپیچ‌های تابیده و دیسک‌های رنگی در حال چرخش، نقشی غنایی را روی سطح یک ورق کاغذ تشکیل می‌دهند. با بررسی دقیق تر، متوجه برج ایفل در سمت راست و همچنین بال ها و پروانه یک هواپیما در سمت چپ می شویم. این عناصر، همراه با اشکال شناور، برای جشن گرفتن اولین پرواز متقاطع کانالی است که توسط لوئیس بلریو در سال 1909 انجام شد. هنرمندان اغلب به کاغذ متوسل می شدند تا ایده های خود را ترسیم کنند و ترکیب بندی ها را توسعه دهند. این آبرنگ یک طرح اولیه برای کلاژ بزرگی به همین نام است که در موزه Kunst در بازل قرار دارد. دلون از رنگ برای خلق نقاشی های کاملاً انتزاعی استفاده می کرد: فرم ها و تصاویر موجود در آنها توسط تخیل ایجاد می شد و هیچ ربطی به دنیای مرئی نداشت. این سبک نقاشی که ارتباط تنگاتنگی با موسیقی دارد، اورفیسم نام داشت، اصطلاحی که توسط شاعر گیوم آپولینر ابداع شد.

کار برنامه ای مالویچ معروف "مربع سیاه" (1915) او بود. این هنرمند روش خود را سوپرماتیسم (از لاتین supremus - بالاترین) نامید. میل به دور شدن از واقعیت زمینی او را به شیفتگی فضا سوق داد (مالویچ یکی از نویسندگان نمایشنامه معروف "پیروزی بر خورشید" بود). این هنرمند ترکیبات انتزاعی خود را "صفحه" و "معماری" نامید که نماد "ایده پویایی جهانی" است.

اف. مارک. "فرم های مبارزه" 1914 پیناکوتک جدید. مونیخ

در آغاز قرن بیستم هنر انتزاعی در بسیاری از کشورهای غربی گسترش یافت. در سال 1912، نئوپلاستیک در هلند متولد شد. خالق نئوپلاستیسیسم، پی موندریان، همراه با تی. ون دوزبورگ، گروه De Stijl (1917) و مجله ای به همین نام (تا سال 1922 منتشر می شد) را تأسیس کردند.

ون دوزبورگ تئو. ترکیب حسابی

حس حرکت و پرسپکتیو توسط مجموعه ای از مربع های سیاه سوراخ بر روی پس زمینه سفید ایجاد می شود. در واقعیت، هنرمند از یک محاسبه ریاضی ساده استفاده کرد - اضلاع هر مربع و فواصل بین آنها برابر با نیمی از ابعاد مربع قبلی است. این هنرمند استعاره ای از فضا خلق کرد که از نظر پیچیدگی کامل است. استفاده از قوانین وام گرفته شده از علوم دقیق با جذابیت خاص او برای معماری مطابقت داشت. ون دوزبورگ به شدت تحت تأثیر آثار هنرمند پیت موندریان قرار گرفت که با او در سال 1917 مجله "Style" ("De Stijl") را ایجاد کرد که ایده ها و آثار استادان انجمن خلاق به همین نام را معرفی کرد. از جمله تکنیک‌های نقاشی رسمی گروه «سبک»، پرکردن موضعی اشکال هندسی قرار گرفته بر روی صفحه خنثی با رنگ‌های خالص است که اساس طیف را تشکیل می‌دهند. مفهوم "سبک" توسط ون دوزبورگ در مقالات و سخنرانی های متعددی توسعه و تشریح شد و تکنیک های سبکی این هنر به طور گسترده در معماری قرن بیستم مورد استفاده قرار گرفت.

"عنصر انسانی" به کلی از هنر آنها حذف شد. اعضای گروه De Stijl بوم‌هایی را خلق کردند که در آن سطوحی که با شبکه‌ای از خطوط پوشیده شده بودند، سلول‌های مستطیلی پر از رنگ‌های خالص و یکنواخت را تشکیل می‌دادند که به گفته موندریان، ایده زیبایی پلاستیکی خالص را بیان می‌کرد. او می خواست نقاشی بیافریند که "عاری از فردیت" و بنابراین دارای "اهمیت جهانی" باشد.

در 1918-20 در روسیه بر اساس ایده های سوپرماتیسم بوجود آمد سازه گرایی، که معماران را متحد کرد (K.S. ملنیکوف، A. A. Vesnin و غیره)، مجسمه سازان (V. E. تاتلین, N. Gabo, A. Pevzner), گرافیک ( اللیسیتزکی، A.M. رودچنکو).

ولادیمیر تاتلین. بنای یادبود انترناسیونال سوم

این مارپیچ شیبدار که در طی دوره‌ای از شور و شوق سیاسی ایجاد شد، به گونه‌ای طراحی شد که دو برابر ارتفاع ساختمان امپایر استیت نیویورک باشد و دارای بخش‌های مرکزی متناوب چرخان باشد. فضا به محفظه های جداگانه ای که به طور رسمی با یکدیگر مرتبط هستند، مانند قطعات یک معادله ریاضی مشخص می شود. تاتلین بنیان‌گذار سازه‌گرایی بود، جنبشی در آوانگارد روسیه که از آزمایش‌های هنری با انتزاع رشد کرد، اما بعداً به اهداف سودگرایانه روی آورد. او از طرفداران ایده «هنرمند-مهندس» بود و نقش اصلی هنر را در رفع نیازهای اجتماعی می دید. تاتلین همچنین مجموعه‌ای از سازه‌های برجسته معلق را با استفاده از اشکال هندسی و با استفاده از طیف گسترده‌ای از مواد مانند چوب، فلز، شیشه و سیم ایجاد کرد. شاهکار تاتلین، نمادی از ایده‌آل‌های ساخت‌گرایی، ترکیبی از مجسمه‌سازی و معماری. بنای یادبود انترناسیونال سوم هرگز ساخته نشد. تولید مثل از یک کپی مدرن از مدل اصلی ساخته شده است.

گابو نائوم. طراحی خطی در فضای شماره 2

ریسمان نایلونی به دور دو ورقه متقاطع پلکسی منحنی پیچیده شده است تا یک الگوی سه بعدی پیچیده از چین‌های مقعر و محدب ایجاد کند. این بخش‌ها که در یکدیگر جاری می‌شوند، توهم چرخش بی‌پایان آن حول محور خود را ایجاد می‌کنند که در فضای مطلق، جایی که زمان در آن ایستاده است، اوج می‌گیرد. این اثر به عنوان بخشی از سازه ای به طول سه متر طراحی شد که هرگز محقق نشد و توسط گابو در سال 1949 برای ساختمان Esso در نیویورک سفارش داده شد. گابو متعلق به جنبش سازه انگاری بود و فرم را استعاره ای از فضا می دانست. در سال 1922، زادگاهش روسیه را ترک کرد، در برلین و پاریس زندگی کرد و بعداً شهروند ایالات متحده شد. در سال 1952، او یک ترکیب مجسمه عظیم را برای یک مرکز خرید در روتردام خلق کرد، جایی که استعداد معماری او نیز خود را نشان داد.

لیسیتسکی ال. ترکیب

اجسام هندسی دوار که با رنگ های ظریف نقاشی شده اند به نظر می رسد در هوا شناور هستند و در نتیجه حس عمق و توهم فضا را ایجاد می کنند. برخی از فرم ها به صورت سه بعدی ارائه شده اند و این کنایه از حجم های معماری در آثار بعدی لیسیتسکی توسعه یافته است. در این اثر، تمرکز فرم و رنگ خالص، تأثیر جهت هنر انتزاعی را که کازیمیر مالویچ ابداع کرد - سوپرماتیسم، بر اساس اشکال هندسی خالص، آشکار می کند. لیسیتسکی تحصیلات مهندسی و معماری دریافت کرد. مارک شاگال او را برای تدریس معماری و گرافیک در یک مدرسه هنری در ویتبسک دعوت کرد. در اینجا او تحت تأثیر مالویچ قرار گرفت. سری Proun لیسیتسکی به خوبی شناخته شده است - چرخه هایی از آثار انتزاعی که با خطوط مستقیم ایجاد شده اند. این آثار با کیفیت های تماشایی و صافی همه جانبه، بدون حتی یک اشاره به عمق مشخص می شوند. خلاقیت لیسیتسکی چند وجهی بود: او همچنین روی پوستر، طراحی لباس و طراحی نمایشگاه ها و کتاب ها کار کرد.

رودچنکو الکساندر. ترکیب (قرمز پیروزی)

اشکال مثلثی که در برابر دایره ها متعادل شده اند، یک توهم سه بعدی ایجاد می کنند. که با سایه انداختن مورب سمت چپ مثلث ها تقویت می شود. اشکال مسطح با رنگ از یکدیگر جدا می شوند. این نقاشی متشکل از طرح‌های کاملاً هندسی که با قطب‌نما و خط‌کش کشیده شده‌اند، تمایل هنرمند را برای ایجاد فرم‌های ابتدایی با رنگ‌های اصلی خالص نشان می‌دهد. در همان سال با این اثر، رودچنکو اثر معروف خود سیاه روی سیاه را به نمایش گذاشت - پاسخی به سریال سفید روی سفید مالویچ. تمایل رودچنکو به تقلیل نقاشی به جوهرهای انتزاعی و هندسی آن، او را به جنبش ساخت‌گرایی کشاند. بعداً به همراه سایر اعضای گروه، نقاشی سه پایه را برای طراحی و هنرهای کاربردی ترک کرد. او به‌ویژه در زمینه‌های طراحی صنعتی، طراحی کتاب و عکاسی فعالانه کار می‌کرد و اغلب از پرسپکتیوها و زوایای دید غیرمعمول در مورد دوم استفاده می‌کرد.

ماهیت این جهت توسط وسنین مشخص شد: "چیزهایی که توسط هنرمندان معاصر خلق می شوند باید ساختارهای خالص و بدون بالاست بازنمایی باشند." نقش مهمی در توسعه کانستراکتیویسم توسط باهاوس ایفا شد، انجمن هنری که در سال 1919 در آلمان توسط معمار V. Gropius (P. Klee؛ V.V. Kandinsky، El Lissitzky و غیره) در آلمان تأسیس شد.

کلی پل. سنسیو

یک تصویر ساده از صورت انسان به چهارگوش های رنگی تقسیم می شود. اشکال مربع مسطح در دایره ای حک شده اند که نشان دهنده یک ماسک صورت است، که یادآور لباس چند رنگی هارلکین است. به عنوان پرتره ای از سنسیو کمدین، این نقاشی همچنین می تواند به عنوان نمادی از تغییر رابطه بین هنر، توهم و تئاتر تعبیر شود. این نقاشی اصول نقاشی کلی را نشان می دهد که در آن خطوط طرح، سطوح رنگ و فضا با انرژی عقل هنرمند به حرکت در می آیند. با این خط تیره ها و قلاب ها که از تخیلاتش الهام گرفته شده است، کلی به زبان خودش «خط را برای قدم زدن دعوت می کند». از سال 1921 تا 1931، کلی یکی از برجسته ترین معلمان مدرسه طراحی باهاوس بود و آثار زیادی در زمینه تئوری هنر منتشر کرد. دو سال بعد، نازی ها او را از آلمان اخراج کردند و بیش از صد اثر کلی از موزه های آلمان به عنوان "منحط" حذف شدند.

در سال 1930، منتقد فرانسوی M. Seyfor گروه Circle and Square را در پاریس ایجاد کرد. در سال 1931، انجمن "انتزاع - خلاقیت" در پاریس به وجود آمد که توسط مهاجران از روسیه N. Gabo و A. Pevzner تاسیس شد. جنبش به ویژه رادیکال tachisme (از تاچ فرانسوی - لکه) بود. تاشیست ها (P. Soulages، H. Hartung، J. Mathieu، و غیره) بدون برس انجام دادند. آنها رنگ را روی بوم پاشیدند و پاشیدند، سپس آن را آغشته کردند یا زیر پا گذاشتند. آنها دوده، قیر، زغال سنگ، ماسه و شیشه های شکسته را با رنگ مخلوط می کردند و معتقد بودند که رنگ خاک کمتر از رنگ آسمان زیبا نیست.

پیر سولاژ. نقاشی 16

سکته های سیاه، به شدت با یک قلم مو پهن، به اشکال برجسته متراکم بسته می شود. توده های سیاه خالی که با اجمالی کوتاه از رنگ سفید روشن شده اند، به نقاشی یک یادبود آرام می بخشند. اصالت منحصربه‌فرد نقاشی با ماهیت مجسمه‌سازی فرم‌های به وضوح جدا شده و ارائه استادانه جلوه‌های نور مشخص می‌شود. حرکت شدید ضربات آزاد که یک ترکیب انتزاعی قدرتمند ایجاد می کند، ویژگی معمول جنبش Art Informel است. در جنوب غربی فرانسه متولد شد. سولاژ در سال 1946 به پاریس نقل مکان کرد و در آنجا شروع به کار بر روی نقاشی های انتزاعی پر از یادآوری دولمن های ماقبل تاریخ و مجسمه رومی زادگاهش اوورن کرد. بسیاری از ترکیب‌های سولاژ بر روی تقاطع‌های شبکه‌ای از راه‌راه‌های پهن ساخته شده‌اند، که در آن رنگ سیاه در برابر پس‌زمینه‌ای درخشان، مانند چرم خوش‌ساخت، می‌درخشد و می‌درخشد. در آخرین نقاشی های او، شیارهای رنگ یک سطح برجسته را تشکیل می دهند.

هارتانگ هانس. T 1956/7

پس زمینه نرم و کم رنگ دارای خطوط مشکی تیز و چشمگیر است که متقاطع شده و به صورت دسته ای گره می شوند. این تصویر خوشنویسی رسا ایجاد شده توسط هارتانگ نمونه ای از هنر خودانگیخته است که به عنوان "غیررسمی" شناخته می شود. ماهیت آن در این واقعیت نهفته است که هارتانگ کار را با یک بوم خالی شروع می کند، بدون اینکه هنوز مفهومی از کار تمام شده داشته باشد. هارتانگ که در آلمان متولد شد، در سال 1955 در پاریس اقامت گزید و پس از آن تابعیت فرانسه را گرفت. او به یکی از مشهورترین انتزاع گرایان فرانسوی تبدیل شد. آثار برازنده و متمایز او، که معمولاً خوشنویسی را مانند هنر چینی در خود جای داده است، معمولاً بدون عنوان هستند و فقط با اعداد متمایز می شوند. در آغاز جنگ، هارتانگ وارد لژیون خارجی فرانسه شد.

با شروع جنگ جهانی دوم، مرکز هنرهای انتزاعی به ایالات متحده آمریکا منتقل شد (جی. پولاک، آ. گورکی، دبلیو کونینگ، فر. کلاین، ام. توبی، ام. روتکو). در دهه 1960 ظهور جدیدی از هنر انتزاعی آغاز شد. این جهت در هنر امروز مرتبط است، اما دیگر مانند ابتدا موقعیت غالبی را اشغال نمی کند. قرن بیستم

جکسون پولاک شماره 1A، 1948

سبک دیوانه وار پولاک در پاشیدن و مالیدن رنگ روی بوم با ضربات قوی و سریع در این نقاشی با شواهد قابل توجهی آشکار شد. هنرمند با استفاده از یک چاقو و کاردک، رنگ ها را فشار می داد و آنها را روی بوم پخش می کرد، در امتداد دیوار یا به سادگی روی زمین کشیده می شد. او دور بوم راه می‌رفت و خودش به عنوان بخشی از نقاشی تبدیل شد. تکنیک عمیقاً بدیع پولاک، نقاشی اکشن نام داشت. نوآوری های رادیکالی مانند امتناع از نصب بوم بر روی سه پایه و فقدان چشم انداز سنتی نقاط عطف مهمی در هنر بین المللی پس از جنگ بود. آنچه پولاک با نقاشی اکسپرسیونیستی انتزاعی مرتبط می کند انرژی و آزادی بیان است. سبک پولاک آنقدرها هم که در نگاه اول به نظر می رسد خودجوش نیست. این هنرمند گفت: "من می خواهم احساساتم را بیان کنم، نه اینکه در مورد آنها صحبت کنم... من می توانم جریان رنگ را کنترل کنم: هیچ تصادفی در آن وجود ندارد، همانطور که آغاز یا پایانی وجود ندارد." پولاک در سال 1956 در یک تصادف رانندگی درگذشت.

آرشیل گورکی. آبشار

در قلب این، در نگاه اول، نقاشی انتزاعی تصویر یک آبشار کوچک در جنگل است. تصویر واضحی از جریانی از آب را تداعی می کند که در میان صخره ها جریان دارد و شاخه های درختان و پوشش گیاهی آن را احاطه کرده است. رنگ‌های ارتعاشی حس نور خورشید و صدای ریزش آب را ایجاد می‌کنند. زیبایی بوم در توانایی هنرمند برای انتقال احساس آرامش از طریق تصاویر جنگل و آب نهفته است. این تابلو مملو از نقوش جادویی و رویایی است که مشخصه جنبش سوررئالیسم است که هنرمند در این زمان به آن نزدیک بود و تأثیر شیوه خودانگیخته اکسپرسیونیسم انتزاعی نیز در آن احساس می شود. گورکی متولد ارمنستان، در سال 1920 به ایالات متحده مهاجرت کرد. یکی از منتقدان او را هنرمندی در تبعید توصیف کرد که هنر برای او سرزمین مادری شد. گورکی اغلب در نقاشی های خود به تصاویری از سرزمین خود روی می آورد. پس از سال‌ها فقر، او مدت کوتاهی به رسمیت شناخته شد، اما پس از تحمل ضربه‌های روحی شدید خود را حلق آویز کرد.

دی کونینگ ویلم مرلین مونرو

ماهیت زیبایی خیره کننده و گیج کننده یک ستاره هالیوود - زیبایی نمایش داده شده - در این تصویر به تصویر کشیده شده است. رنگ به صورت سکته های گسترده و قوی اعمال می شود و لایه به لایه تصویر ایجاد می کند. این نقاشی از مجموعه "زنان" متعلق به یکی از دوره های غیرانتزاعی و فیگوراتیو کار دی کونینگ است. مرلین مونرو، مانند سایر نمادهای جنسی، بیشتر شبیه یک شی است تا یک شخص. این هنرمند قهرمان خود را به یک مانکن در یک پنجره تشبیه می کند و او را کاملاً از جذابیت وابسته به عشق شهوانی محروم می کند. دی کونینگ با گروه اکسپرسیونیست انتزاعی نیویورک مرتبط بود. این هنرمندان به نقاشی خودانگیخته اهمیت زیادی می دادند - همان ژستی که توسط آن رنگ بر روی سطح بوم پاشیده می شود. با این حال، بر خلاف بسیاری از اعضای دیگر گروه، دی کونینگ خود را به انتزاع محض محدود نکرد: موضوع مورد علاقه او فیگور انسانی، به ویژه زن بود. او مراحل مختلفی را در رشد خلاق خود طی کرد و در دهه 1970 به مجسمه سازی فیگوراتیو روی آورد.

مارک توبی سفر سفید

گروهی پر هرج و مرج از نمادها و خط تیره های انتزاعی کوچک، سطح کاغذ را پر کرده است. ریتم لرزان بافت های تار مانند از ویژگی های شیوه توبی است. تسلط پیچیده او در خط شکسته نویسی سریع باعث محبوبیت او در بین مجموعه داران شده است. این ترکیب به نقاشی اکسپرسیونیسم انتزاعی به ویژه جکسون پولاک نزدیک است، اما بدیهی است که توبی مسیری مستقل و موازی را طی کرده است. او بسیار تحت تأثیر فرهنگ خاور دور و خوشنویسی چینی قرار گرفت. او یکی از اولین کسانی بود که در میان روشنفکران آمریکایی به بودیسم ذن علاقه مند شد. در دهه 1950، توبی به عنوان یکی از مبتکرترین هنرمندان آمریکایی به شهرت بین المللی دست یافت. شهرت دائمی آن در اروپا توسط فروشنده موفق و با نفوذ سوئیسی ارنست بیسلر حمایت شد.

روتکو مارک بدون عنوان

به نظر می رسد توده های مستطیلی از رنگ های غنی در فضای تصویر شناور هستند. خطوط تار آنها ارتعاشی پر از قدرت جادویی مرموز ایجاد می کند. نوری غیرزمینی به بوم نفوذ می کند و تنش فرم ها را از بین می برد و رنگ با درخشش درونی آن تضاد دارد. آثار روتکو محدود و در عین حال پر از معنای پنهان، حاوی حقیقت خاصی است، ثمره تفکر طولانی و دشوار. روتکو که اهل روسیه است در سال 1913 به همراه والدینش به ایالات متحده مهاجرت کرد. او که یک هنرمند خودآموخته بود، عمدتاً نقاشی هایی در مقیاس بزرگ کشید. او به دنبال این بود که بیننده را در تجربه رنگ مطلق شریک کند. او گفت: "من تصاویر بزرگ ترسیم می کنم زیرا می خواهم به صمیمیت برسم. تصویر بزرگ ارتباط فوری است. شما را کاملا اسیر می کند." روتکو یکی از نمایندگان برجسته اکسپرسیونیسم انتزاعی بود. ساخته های بی شکل او روح این جنبش را زنده می کند که سعی در نفوذ به اسرار دست نیافتنی روح انسان داشت.

چه بسا افرادی که از هنر دور هستند، نقاشی انتزاعی را درک نمی کنند، آن را خط خطی های نامفهوم و تحریکی می دانند که در ذهن ها اختلاف ایجاد می کند. آنها آثار نویسندگانی را که برای به تصویر کشیدن دقیق دنیای اطراف خود تلاش نمی کنند، مسخره می کنند.

هنر انتزاعی چیست؟

با باز کردن فرصت های جدیدی برای بیان افکار و احساسات خود، آنها تکنیک های معمول را کنار گذاشتند و از کپی برداری از واقعیت دست کشیدند. آنها معتقد بودند که این هنر انسان را به سبک زندگی فلسفی عادت می دهد. نقاشان به دنبال زبان جدیدی برای بیان احساساتی بودند که بر آنها چیره شده بود و آن را در نقاط رنگارنگ و خطوط تمیزی یافتند که نه بر ذهن، بلکه بر روح تأثیر می گذارد.

با تبدیل شدن به نماد یک دوره جدید، این جهتی است که اشکالی را که تا حد امکان به واقعیت نزدیک است رها کرده است. برای همه قابل درک نبود، انگیزه ای به توسعه کوبیسم و ​​اکسپرسیونیسم داد. ویژگی اصلی هنر انتزاعی غیر عینی بودن است، یعنی هیچ چیز قابل تشخیصی روی بوم وجود ندارد و بینندگان چیزی غیرقابل درک و غیر تابع منطق را فراتر از مرزهای ادراک عادت می بینند.

مشهورترین هنرمندان انتزاعی و نقاشی هایشان گنجینه ای گرانبها برای بشریت است. بوم های نقاشی شده به این سبک، هماهنگی اشکال، خطوط و لکه های رنگی را بیان می کنند. ترکیب های روشن ایده و معنای خاص خود را دارند، با وجود این که به نظر بیننده چیزی جز لکه های فانتزی در آثار وجود ندارد. با این حال، در انتزاع همه چیز تابع قواعد بیان خاصی است.

"پدر" سبک جدید

واسیلی کاندینسکی، چهره افسانه ای در هنر قرن بیستم، به عنوان بنیانگذار سبک منحصر به فرد شناخته می شود. نقاش روسی با آثارش می خواست همان حسی را در بیننده ایجاد کند که او داشت. این تعجب آور به نظر می رسد، اما یک رویداد مهم در دنیای فیزیک، هنرمند آینده را به یک جهان بینی جدید سوق داد. کشف تجزیه اتم به طور جدی بر پیشرفت مشهورترین هنرمند انتزاعی تأثیر گذاشت.

کاندینسکی که خواننده برجسته دوران تغییر بود، گفت: "به نظر می رسد که همه چیز را می توان به اجزای جداگانه تقسیم کرد و این حس مانند نابودی کل جهان در من طنین انداز شد." همانطور که فیزیک جهان خرد را کشف کرد، نقاشی نیز در روح انسان نفوذ کرد.

هنرمند و فیلسوف

کم کم این هنرمند معروف آبستره در آثارش از جزئیات آثارش فاصله می گیرد و رنگ را آزمایش می کند. یک فیلسوف حساس نور را به اعماق قلب انسان می فرستد و بوم هایی با قوی ترین محتوای احساسی خلق می کند که در آن رنگ های او با نت های یک ملودی زیبا مقایسه می شود. اولین جایگاه در آثار نویسنده طرح بوم نیست، بلکه احساسات است. خود کاندینسکی روح انسان را یک پیانوی چند سیم می‌دانست و هنرمند را به دستی تشبیه می‌کرد که با فشار دادن کلید خاصی (ترکیب رنگی) آن را به لرزش در می‌آورد.

استادی که به مردم نکاتی برای درک خلاقیت آنها می دهد، به دنبال هماهنگی در هرج و مرج است. او بوم‌هایی را نقاشی می‌کند که در آن می‌توان رشته‌ای نازک اما شفاف را که انتزاع را با واقعیت پیوند می‌دهد، ردیابی کرد. به عنوان مثال، در کار "بداهه سازی 31" ("کشتی جنگی")، می توانید تصاویر قایق ها را در نقاط رنگی حدس بزنید: کشتی های بادبانی روی بوم در برابر عناصر و امواج غلتشی مقاومت می کنند. بنابراین نویسنده سعی کرده است از نبرد ابدی انسان با دنیای بیرون بگوید.

دانشجوی آمریکایی

هنرمندان مشهور انتزاعی قرن بیستم که در آمریکا کار می کردند، شاگردان کاندینسکی هستند. آثار او تأثیر زیادی بر هنر انتزاعی بیانگر داشت. آرشیل گورکی (ووزدانیک آدویان) مهاجر ارمنی به سبکی جدید خلق کرد. او تکنیک خاصی را توسعه داد: بوم های سفید را روی زمین گذاشت و رنگ را از سطل ها روی آنها ریخت. وقتی یخ زد، استاد خطوطی را در آن خراشید و چیزی شبیه نقش برجسته ساخت.

خلاقیت های گورکا پر از رنگ های زنده است. «عطر زردآلو در مزارع» یک نقاشی معمولی است که در آن طرح‌هایی از گل‌ها، میوه‌ها و حشرات به یک ترکیب واحد تبدیل می‌شوند. بیننده تپش ناشی از کار را احساس می کند که با رنگ های نارنجی روشن و قرمز پر رنگ انجام شده است.

روتکوویچ و تکنیک غیرمعمول او

وقتی صحبت از مشهورترین هنرمندان انتزاعی به میان می آید، نمی توان از مارکوس روتکوویچ، یک مهاجر یهودی نام برد. یکی از شاگردان با استعداد گورکا با شدت و عمق غشاهای رنگارنگ مخاطب را تحت تأثیر قرار داد: او دو یا سه فضای مستطیلی رنگی را یکی روی دیگری قرار داد. و به نظر می رسید که شخص را به داخل می کشانند تا کاتارسیس (تطهیر) را تجربه کند. خالق نقاشی های غیر معمول خود توصیه می کند که آنها را در فاصله حداقل 45 سانتی متر مشاهده کنید. او گفت که کارش سفری به دنیایی ناشناخته است، جایی که بیننده بعید است خودش انتخاب کند.

پولاک درخشان

در پایان دهه 40 قرن گذشته، یکی از مشهورترین هنرمندان انتزاعی، جکسون پولاک، تکنیک جدیدی برای پاشش رنگ - قطره چکان - اختراع کرد که به یک حس واقعی تبدیل شد. او دنیا را به دو دسته تقسیم کرد: آنهایی که نقاشی های نویسنده را نابغه می شناختند، و کسانی که آنها را نقاشی هایی می خواندند که ارزش هنر نامیدن ندارند. خالق خلاقیت های منحصر به فرد هرگز بوم ها را روی بوم نکشید، بلکه آنها را روی دیوار یا زمین قرار داد. او با یک شیشه رنگ آمیخته با شن راه می رفت و به تدریج در حالت خلسه فرو می رفت و می رقصید. به نظر می رسد که او به طور تصادفی مایع چند رنگی را ریخت، اما هر حرکت او فکر شده و معنی دار بود: هنرمند نیروی گرانش و جذب رنگ توسط بوم را در نظر گرفت. نتیجه یک سردرگمی انتزاعی متشکل از لکه هایی با اندازه ها و خطوط مختلف بود. پولاک به خاطر سبک ابداعش «جک آبپاش» لقب گرفت.

مشهورترین هنرمند انتزاعی به آثار خود نه عنوان، بلکه اعداد می داد تا بیننده آزادی تخیل داشته باشد. «بوم شماره 5» که در مجموعه ای خصوصی قرار داشت تا مدت ها از دید عموم پنهان ماند. غوغایی پیرامون این شاهکار آغاز می‌شود، پنهانی، و سرانجام در ساتبیز ظاهر می‌شود و بلافاصله تبدیل به گران‌ترین شاهکار آن زمان می‌شود (هزینه آن 140 میلیون دلار است).

فرمول خود را برای درک هنر انتزاعی پیدا کنید

آیا فرمولی جهانی وجود دارد که به بیننده اجازه دهد هنر انتزاعی را درک کند؟ شاید در این مورد، هر کس باید بر اساس تجربه شخصی، احساسات درونی و میل شدید به کشف ناشناخته، دستورالعمل های خود را پیدا کند. اگر شخصی بخواهد پیام های مخفی نویسندگان را کشف کند، قطعاً آنها را خواهد یافت، زیرا نگاه کردن به پشت پوسته بیرونی و دیدن ایده، که جزء مهمی از انتزاع گرایی است، بسیار وسوسه انگیز است.

به سختی می توان انقلاب هنر سنتی را که هنرمندان مشهور انتزاعی و نقاشی هایشان به وجود آوردند، دست بالا گرفت. آنها جامعه را مجبور کردند که به جهان به گونه ای جدید نگاه کند، رنگ های مختلف را در آن ببیند، از اشکال و محتوای غیر معمول قدردانی کند.