بهترین نقاشی های امپرسیونیست با نام و عکس. منظره شهری آگوست رنوار: «حمام‌کنندگان بزرگ»

"دنیای جدید زمانی متولد شد که امپرسیونیست ها آن را نقاشی کردند"

هانری کانویلر

قرن نوزدهم. فرانسه اتفاقی بی سابقه در نقاشی افتاد. گروهی از هنرمندان جوان تصمیم گرفتند سنت های 500 ساله را متزلزل کنند. به جای یک نقاشی واضح، آنها از یک سکته مغزی گسترده و "درهم" استفاده کردند.

و آنها به طور کامل تصاویر معمولی را رها کردند و همه را در یک ردیف به تصویر کشیدند. و خانمهای با فضیلت آسان و آقایان شهرت مشکوک.

عموم مردم برای نقاشی امپرسیونیستی آماده نبودند. مورد تمسخر و سرزنش قرار گرفتند. و مهمتر از همه، آنها چیزی از آنها نخریدند.

اما مقاومت شکسته شد. و برخی امپرسیونیست ها زندگی کردند تا پیروزی خود را ببینند. درست است، آنها قبلاً بیش از 40 سال داشتند. مانند کلود مونه یا آگوست رنوار. برخی دیگر مانند کامیل پیسارو فقط در پایان زندگی خود منتظر شناخت بودند. برخی مانند آلفرد سیسلی برای دیدن او زنده نبودند.

هر کدام از آنها چه انقلابی به دست آوردند؟ چرا مردم اینقدر طول کشید تا آنها را بپذیرند؟ در اینجا 7 مشهورترین امپرسیونیست فرانسوی شناخته شده در سراسر جهان آورده شده است.

1. ادوارد مانه (1832-1883)

ادوارد مانه. سلف پرتره با پالت. 1878 مجموعه خصوصی

مانه از بسیاری از امپرسیونیست ها پیرتر بود. او مشوق اصلی آنها بود.

خود مانه ادعای رهبری انقلابیون را نداشت. او مردی سکولار بود. من آرزوی جوایز رسمی را داشتم.

اما او مدت زیادی منتظر بود تا به رسمیت شناخته شود. عموم مردم می خواستند الهه های یونانی یا طبیعت بی جان را در بدترین حالت ببینند تا در اتاق غذاخوری زیبا به نظر برسند. مانه می خواست زندگی مدرن را نقاشی کند. به عنوان مثال، اجباری ها.

نتیجه "صبحانه روی چمن" بود. دو شیک پوش در جمع خانم های با فضیلت آسان در حال استراحت هستند. یکی از آنها، انگار هیچ اتفاقی نیفتاده، کنار مردان لباس پوش می نشیند.

ادوارد مانه. صبحانه روی چمن. 1863، پاریس

ناهار روی چمن او را با رومی های توماس کوتور در زوال مقایسه کنید. نقاشی کوتور حسی ایجاد کرد. این هنرمند فوراً مشهور شد.

"صبحانه روی چمن" به ابتذال متهم شد. به زنان باردار مطلقاً توصیه نمی شد که به او نگاه کنند.

توماس کوتور. رومیان در زوال خود 1847 موزه اورسی، پاریس. artchive.ru

در نقاشی کوتور ما تمام ویژگی های آکادمیک (نقاشی سنتی قرن 16-19) را می بینیم. ستون ها و مجسمه ها. افرادی با ظاهر آپولونی. رنگ های خاموش سنتی آداب ژست ها و ژست ها. طرحی از زندگی دور مردمی کاملاً متفاوت.

«صبحانه روی چمن» نوشته مانه قالبی متفاوت دارد. پیش از او، هیچ کس به این راحتی زنان جلیقه را به تصویر نکشیده بود. نزدیک به شهروندان محترم اگرچه بسیاری از مردان آن زمان اوقات فراغت خود را به این روش سپری می کردند. این زندگی واقعی افراد واقعی بود.

یک بار یک خانم محترم را به تصویر کشیدم. زشت نمی توانست با برس او را چاپلوسی کند. خانم ناامید شد. با گریه او را ترک کرد.

ادوارد مانه. آنجلینا 1860 موزه اورسی، پاریس. Wikimedia.commons.org

بنابراین او به آزمایش ادامه داد. مثلا با رنگ. او سعی نکرد رنگ به اصطلاح طبیعی را به تصویر بکشد. اگر آب خاکستری مایل به قهوه ای را به رنگ آبی روشن می دید، آن را به رنگ آبی روشن به تصویر می کشید.

این البته باعث عصبانیت افکار عمومی شد. آنها با کنایه گفتند: «حتی دریای مدیترانه هم نمی تواند به آبی بودن آب مانه ببالد.

ادوارد مانه. آرژنتویل 1874 موزه هنرهای زیبا، تورنای، بلژیک. Wikipedia.org

اما واقعیت همچنان یک واقعیت است. مانه به طور اساسی هدف نقاشی را تغییر داد. این نقاشی تجسم فردیت هنرمندی شد که هر طور که می خواهد نقاشی می کند. فراموش کردن الگوها و سنت ها

نوآوری ها برای مدت طولانی بخشیده نشدند. او فقط در پایان زندگی خود به رسمیت شناخته شد. اما او دیگر به آن نیاز نداشت. او در اثر یک بیماری صعب العلاج به شدت در حال مرگ بود.

2. کلود مونه (1840-1926)

کلود مونه. سلف پرتره در کلاه. 1886 مجموعه خصوصی

کلود مونه را می توان امپرسیونیست کتاب درسی نامید. از آنجایی که در طول عمر طولانی خود به این مسیر وفادار بود.

او نه اشیاء و افراد، بلکه یک ساختار تک رنگ از نقاط برجسته و نقاط را نقاشی کرد. سکته مغزی جداگانه. لرزش هوا.

کلود مونه. استخر پارویی. 1869 موزه هنر متروپولیتن، نیویورک. metmuseum.org

مونه نه تنها طبیعت را نقاشی کرد. او در مناظر شهری نیز موفق بود. یکی از معروف ترین آنها است.

عکس های زیادی در این تصویر وجود دارد. به عنوان مثال، حرکت از طریق یک تصویر تار منتقل می شود.

لطفا توجه داشته باشید: به نظر می رسد درختان و شکل های دور در مه هستند.

کلود مونه. بلوار کاپوسین در پاریس. 1873 (گالری هنر اروپایی و آمریکایی قرن 19-20)، مسکو

پیش روی ما لحظه ای یخ زده در زندگی شلوغ پاریس است. بدون صحنه سازی هیچ کس ژست نمی گیرد. افراد به صورت مجموعه ای از ضربه های قلم مو به تصویر کشیده می شوند. چنین فقدان طرح و اثر "فریز فریم" از ویژگی های اصلی امپرسیونیسم است.

در اواسط دهه 80، هنرمندان از امپرسیونیسم سرخورده شدند. زیبایی شناسی، البته، خوب است. اما فقدان طرح خیلی ها را افسرده کرد.

فقط مونه ادامه داد و امپرسیونیسم را اغراق آمیز کرد. این به یک سری نقاشی تبدیل شد.

او همان منظره را ده ها بار به تصویر کشید. در ساعات مختلف روز. در زمان های مختلف سال. برای نشان دادن اینکه چگونه دما و نور می توانند گونه های مشابه را غیرقابل تشخیص تغییر دهند.

اینگونه بود که انبارهای کاه بی شماری پدیدار شد.

نقاشی های کلود مونه در موزه هنرهای زیبا در بوستون. سمت چپ: انبار کاه در غروب آفتاب در گیورنی، 1891. راست: انبار کاه (اثر برف)، 1891.

لطفا توجه داشته باشید که سایه ها در این نقاشی ها رنگی هستند. و نه خاکستری یا سیاه، همانطور که قبل از امپرسیونیست ها مرسوم بود. این یکی دیگر از اختراعات آنهاست.

مونه موفق شد از موفقیت و رفاه مادی لذت ببرد. بعد از 40 سالگی فقر را فراموش کرده بود. یک خانه و یک باغ زیبا. و سالها برای لذت خودش کار کرد.

در مورد نمادین ترین نقاشی استاد در مقاله بخوانید

3. آگوست رنوار (1841-1919)

پیر آگوست رنوار. سلف پرتره. 1875 موسسه هنر استرلینگ و فرانسین کلارک، ماساچوست، ایالات متحده آمریکا. Pinterest.ru

امپرسیونیسم مثبت ترین نقاشی است. و مثبت ترین در میان امپرسیونیست ها رنوار بود.

در نقاشی های او درام پیدا نمی کنید. حتی از رنگ مشکی هم استفاده نکرد. فقط لذت بودن حتی پیش پا افتاده ترین چیزها در رنوار زیبا به نظر می رسند.

برخلاف مونه، رنوار بیشتر مردم را نقاشی می کرد. مناظر برای او اهمیت کمتری داشتند. در نقاشی ها دوستان و آشنایان او در حال استراحت و لذت بردن از زندگی هستند.

پیر آگوست رنوار. صبحانه قایقرانان. 1880-1881 مجموعه فیلیپس، واشنگتن، ایالات متحده آمریکا. Wikimedia.commons.org

در رنوار هیچ ژرفایی پیدا نخواهید کرد. او بسیار خوشحال بود که به امپرسیونیست ها ملحق شد که موضوعات را کاملاً رها کردند.

همانطور که خودش گفت بالاخره این فرصت را پیدا کرد که گلها را نقاشی کند و آنها را به سادگی "گل" بنامد. و هیچ داستانی در مورد آنها اختراع نکنید.

پیر آگوست رنوار. زنی با چتر در باغ. 1875 موزه تیسن بورمنیس، مادرید. arteuam.com

رنوار در جمع زنان بهترین احساس را داشت. از کنیزانش خواست آواز بخوانند و شوخی کنند. هر چه آهنگ احمقانه تر و ساده لوح تر باشد برای او بهتر است. و پچ پچ مردها او را خسته می کرد. جای تعجب نیست که رنوار به خاطر نقاشی های برهنه اش مشهور است.

به نظر می رسد مدل نقاشی "برهنه در نور خورشید" در پس زمینه ای انتزاعی رنگارنگ ظاهر می شود. زیرا برای رنوار هیچ چیز ثانویه نیست. چشم مدل یا قسمتی از پس زمینه معادل هستند.

پیر آگوست رنوار. برهنه زیر نور خورشید 1876 ​​موزه اورسی، پاریس. wikimedia.commons.org

رنوار عمر طولانی داشت. و من هرگز قلم مو و پالت خود را زمین نمی گذارم. حتی زمانی که دستانش به دلیل روماتیسم کاملاً غل و زنجیر شده بود، برس را با طناب به دست خود می بست. و او نقاشی کرد.

او مانند مونه پس از 40 سال منتظر شناخت بود. و نقاشی هایم را در موزه لوور در کنار آثار استادان معروف دیدم.

در مورد یکی از جذاب ترین پرتره های رنوار در مقاله بخوانید

4. ادگار دگا (1834-1917)

ادگار دگا. سلف پرتره. 1863 موزه Calouste Gulbenkian، لیسبون، پرتغال. Cultured.com

دگا یک امپرسیونیست کلاسیک نبود. او کار کردن با هوای آزاد (در فضای باز) را دوست نداشت. شما یک پالت عمدا روشن شده با او پیدا نخواهید کرد.

برعکس، او عاشق یک خط روشن بود. او مشکی زیادی دارد. و به طور انحصاری در استودیو کار می کرد.

اما با این حال او همیشه با امپرسیونیست های بزرگ دیگر در یک ردیف قرار می گیرد. زیرا او یک امپرسیونیست ژست بود.

زوایای غیر منتظره عدم تقارن در چیدمان اجسام. شخصیت هایی که غافلگیر شده اند. اینها ویژگی های اصلی نقاشی های او هستند.

او لحظات زندگی را متوقف کرد و اجازه نداد شخصیت ها به خود بیایند. فقط به "ارکستر اپرا" او نگاه کنید.

ادگار دگا. ارکستر اپرا. 1870 موزه اورسی، پاریس. commons.wikimedia.org

در پیش زمینه پشتی یک صندلی است. پشت نوازنده به ماست. و در پس زمینه بالرین های روی صحنه در "قاب" قرار نمی گرفتند. سر آنها بی رحمانه از لبه تصویر "بریده شده" است.

بنابراین رقصندگان مورد علاقه او همیشه در حالت های زیبا به تصویر کشیده نمی شوند. گاهی اوقات فقط حرکات کششی انجام می دهند.

اما چنین بداهه سازی خیالی است. البته، دگا با دقت در مورد ترکیب فکر کرد. این فقط یک فریم فریز است، نه یک فریم فریز واقعی.

ادگار دگا. دو رقصنده باله 1879 موزه شلبرن، ورموث، ایالات متحده

ادگار دگا عاشق نقاشی زنان بود. اما بیماری یا خصوصیات بدن به او اجازه نمی داد که با آنها تماس فیزیکی داشته باشد. او هرگز ازدواج نکرده است. هیچ کس او را با یک خانم ندیده است.

فقدان سوژه های واقعی در زندگی شخصی او اروتیسمی ظریف و شدید به تصاویر او اضافه کرد.

ادگار دگا. ستاره باله 1876-1878 موزه اورسی، پاریس. wikimedia.comons.org

لطفا توجه داشته باشید که در نقاشی "ستاره باله" فقط خود بالرین به تصویر کشیده شده است. همکاران او در پشت صحنه به سختی قابل مشاهده هستند. فقط چند پا

این بدان معنا نیست که دگا نقاشی را کامل نکرده است. این پذیرایی است. فقط مهم ترین چیزها را در کانون توجه قرار دهید. بقیه را ناپدید کنید، ناخوانا.

سایر نقاشی های استاد را در مقاله بخوانید

5. برت موریسو (1841-1895)

ادوارد مانه. پرتره برت موریسو. 1873 موزه Marmottan-Monet، پاریس.

برت موریسو به ندرت در رتبه اول امپرسیونیست های بزرگ قرار می گیرد. مطمئنم که سزاوار نیست در کار او است که شما تمام ویژگی ها و تکنیک های اصلی امپرسیونیسم را خواهید یافت. و اگر این سبک را دوست دارید، کار او را با تمام وجود دوست خواهید داشت.

موریسو به سرعت و با شتاب کار کرد و برداشت های خود را به بوم منتقل کرد. به نظر می رسد این ارقام در حال حل شدن در فضا هستند.

برت موریسو. تابستان. 1880 موزه فابری، مونپلیه، فرانسه.

مانند دگا، او اغلب برخی از جزئیات را ناتمام می گذاشت. و حتی قسمت هایی از بدن مدل. ما نمی توانیم دست های دختر را در نقاشی "تابستان" تشخیص دهیم.

مسیر موریسو برای ابراز وجود دشوار بود. او نه تنها درگیر نقاشی "بی دقت" بود. او هنوز یک زن بود. آن روزها قرار بود خانمی آرزوی ازدواج داشته باشد. پس از آن هر سرگرمی فراموش شد.

بنابراین، برتا برای مدت طولانی از ازدواج امتناع کرد. تا اینکه مردی را پیدا کرد که به شغل او احترام می گذاشت. یوجین مانه برادر هنرمند ادوارد مانه بود. او با وظیفه‌ای پشت سر همسرش یک سه‌تول و نقاشی می‌کشید.

برت موریسو. یوجین مانه با دخترش در بوگیوال. 1881 موزه Marmottan-Monet، پاریس.

اما با این حال، این در قرن 19 بود. نه، من شلوار موریزو نپوشیدم. اما او نمی توانست آزادی کامل حرکت را تامین کند.

او نمی توانست به تنهایی برای کار به پارک برود، بدون اینکه یکی از نزدیکانش همراهش باشد. نمی توانستم در یک کافه تنها بنشینم. بنابراین، نقاشی های او مربوط به افراد خانواده است. شوهر، دختر، اقوام، دایه ها.

برت موریسو. زنی با یک بچه در باغی در بوگیوال. 1881 موزه ملی ولز، کاردیف.

موریسو منتظر شناخت نشد. او در سن 54 سالگی بر اثر ذات الریه درگذشت، بدون اینکه تقریباً هیچ یک از آثار خود را در طول زندگی خود فروخته باشد. در گواهی فوت او، یک خط تیره در ستون "شغل" وجود داشت. غیرقابل تصور بود که یک زن هنرمند نامیده شود. حتی اگر واقعاً بود.

در مورد نقاشی های استاد در مقاله بخوانید

6. کامیل پیسارو (1830 - 1903)

کامیل پیسارو. سلف پرتره. 1873 موزه اورسی، پاریس. Wikipedia.org

کامیل پیسارو. بدون تعارض، معقول. بسیاری او را معلم می دانستند. حتی خوش اخلاق ترین همکاران هم در مورد پیسارو بد صحبت نکردند.

او از پیروان وفادار امپرسیونیسم بود. در نیاز شدید، با داشتن همسر و پنج فرزند، همچنان به سبک مورد علاقه اش سخت کار می کرد. و او هرگز برای محبوبیت بیشتر به نقاشی سالن روی آورد. معلوم نیست که او از کجا این قدرت را پیدا کرده که خودش را کاملاً باور کند.

برای اینکه اصلاً از گرسنگی نمرده، پیسارو فن هایی را نقاشی کرد که مشتاقانه خریدند. اما شناخت واقعی بعد از 60 سال به سراغش آمد! سپس بالاخره توانست نیاز خود را فراموش کند.

کامیل پیسارو. کالسکه در لووسین. 1869 موزه اورسی، پاریس

هوا در نقاشی های پیسارو غلیظ و متراکم است. تلفیقی خارق العاده از رنگ و حجم.

این هنرمند از ترسیم تغییرپذیرترین پدیده های طبیعی که برای لحظه ای ظاهر می شوند و ناپدید می شوند ترسی نداشت. اولین برف، خورشید یخ زده، سایه های بلند.

کامیل پیسارو. فراست 1873 موزه اورسی، پاریس

مشهورترین آثار او نماهایی از پاریس است. با بلوارهای عریض و ازدحام پرجنب و جوش. در شب، در روز، در آب و هوای مختلف. از برخی جهات آنها بازتاب مجموعه ای از نقاشی های کلود مونه هستند.

string(5796) "تفکیک CITY LANDSCAPE به یک ژانر جداگانه توسط منظر معماری تسهیل شد. استادان این حرکت که تحت تأثیر نظریه پرسپکتیو خطی شکل گرفت، وظیفه اصلی خود را در ساخت یک مجموعه با دقت دیدند. ترکیب بندی طراحی شده، با در نظر گرفتن یک دیدگاه اصلی، سهم بزرگی در توسعه این ژانر توسط هنرمندان ایتالیایی رنسانس - رافائل، پیرو دلا فرانچسکا، آندریا مانتنیا، تقریباً همزمان با چشم انداز معماری، معرفی شد به تصویر کشیدن مناظر شهری، نقاشان آلمانی، هلندی و فرانسوی در قرون 16-17، آلبوم های متعددی را با طرح های طبیعی از سفرهای خود به ارمغان آوردند. هنرمندان هلندی وقتی گوشه هایی از آمستردام، دلفت، هارلم را به تصویر می کشند، به دنبال تلفیق شفافیت هندسی ساختمان های شهری با مناظر و مناظر شهری واقعی هستند Goyen، J. Ruisdael، Vermeer از دلفت. یکی از برجسته‌ترین و موفق‌ترین نمونه‌های سیتی LANDSCAPE در این دوره، «منظره شهر دلفت» اثر ورمیر اهل دلفت است که به شکلی شاعرانه تصویر شهر زادگاهش را تجلیل کرد. در قرن هجدهم نوع خاصی از ژانر منظره شکل گرفت که از نزدیک با منظره شهری - veduta مرتبط بود. ودوتا بسته به ماهیت بازتولید منطقه شهری به واقعی، ایده آل یا خارق العاده تقسیم می شد. در ویدای واقعی، هنرمند با جدیت و جدیت ساختمان‌های واقعی را در منظره‌ای واقعی به تصویر می‌کشد، ساختمان‌های واقعی در محاصره یک منظره خیالی به تصویر کشیده می‌شوند. اوج شکوفایی این نوع نقاشی، ودوتا ونیزی بود و رئیس مکتب ودوتا ونیزی، هنرمند آنتونیو کانالتو بود. در دوران رمانتیسیسم، هنرمندان همچنان به به تصویر کشیدن آثار باستانی، آثار باستانی و معابد باستانی علاقه مند بودند. در اواسط قرن نوزدهم، نقاشان منظره به صحنه های سبک روی آوردند. منظره شهر که مناظری از لندن را به تصویر می کشد را می توان در حکاکی های هنرمند فرانسوی گوستاو دوره یافت. یکی دیگر از هنرمندان فرانسوی، استاد CITY LANDSCAPES، Honore Daumier، نیز به مناظر شهر، البته پاریس، علاقه داشت. هنرمندان امپرسیونیست صفحه جدیدی در تاریخ منظره شهری باز کردند. توجه آنها به الگوهای خیابان ها در زمان های مختلف روز، ایستگاه های قطار، شبح ها و خطوط کلی ساختمان ها جلب شد. میل به انتقال ریتم زندگی شهری، به تصویر کشیدن وضعیت دائماً در حال تغییر جو و نور، امپرسیونیست ها را به کشف ابزارهای جدید بیان هنری سوق داد.
بخش نقاشی های اختصاص داده شده به شهر LANDSCAPE اشیایی را نشان می دهد که شهرهای مختلف، بناهای تاریخی معماری، خیابان ها و مکان های دیدنی را به تصویر می کشد. در این بخش مناظری از مسکو، سنت پترزبورگ و همچنین رم و بسیاری از شهرهای دیگر را خواهید دید. ما به شما پیشنهاد می کنیم اقلامی را از قسمت CITY LANDSCAPE در فروشگاه عتیقه کمیسیون ما خریداری کنید. بخش CITY LANDSCAPE به طور مداوم به روز می شود، منتظر ورودی های جدید باشید. "

CITY LANDSCAPE ژانری از هنرهای زیبا است که موضوع اصلی آن تصویر شهر، خیابان ها و ساختمان های آن است. در ابتدا، CITY LANDSCAPE یک ژانر مستقل نبود. منظره شهر توسط استادان هلندی قدیمی که با دقت و عشق خاصی دنیای اطراف خود را تسخیر کردند به شیوه ای جدید بازاندیشی شد.

چشم انداز معماری به جداسازی URBAN LANDSCAPE به یک ژانر جداگانه کمک کرد. استادان این جنبش که تحت تأثیر نظریه پرسپکتیو خطی توسعه یافتند، وظیفه اصلی خود را در ساختن یک ترکیب پیچیده و با دقت طراحی شده با در نظر گرفتن یک دیدگاه اصلی دیدند. هنرمندان ایتالیایی رنسانس - رافائل، پیرو دلا فرانچسکا، آندره آ مانتگنا - سهم زیادی در توسعه این ژانر داشتند. تقریباً همزمان با منظره معماری، جهت دیگری توسعه یافت - به تصویر کشیدن مناظر شهری. نقاشان آلمانی، هلندی و فرانسوی قرن های 16-17 از سفرهای خود آلبوم های متعددی با طرح هایی از طبیعت آوردند. در اواسط قرن هفدهم، CITY LANDSCAPE به طور محکم جایگاه خود را به عنوان یک ژانر مستقل اشغال کرد و به موضوع مورد علاقه هنرمندان هلندی تبدیل شد. هنگام به تصویر کشیدن گوشه هایی از آمستردام، دلفت، هارلم، هنرمندان به دنبال ترکیب وضوح هندسی ساختمان های شهری با قسمت ها و مناظر روزمره بودند. مناظر واقعی شهر را می توان در هنرمندان برجسته هلندی قرن هفدهم مانند جی. گوین، جی. روئیسدیل، ورمیر از دلفت یافت. یکی از برجسته‌ترین و موفق‌ترین نمونه‌های سیتی LANDSCAPE در این دوره، «منظره شهر دلفت» اثر ورمیر اهل دلفت است که به شکلی شاعرانه تصویر شهر زادگاهش را تجلیل کرد. در قرن هجدهم نوع خاصی از ژانر منظره شکل گرفت که از نزدیک با منظره شهری - veduta مرتبط بود. ودوتا بسته به ماهیت بازتولید منطقه شهری به واقعی، ایده آل یا خارق العاده تقسیم می شد. در ویدای واقعی، هنرمند با جدیت و جدیت ساختمان‌های واقعی را در منظره‌ای واقعی به تصویر می‌کشد، ساختمان‌های واقعی در محاصره یک منظره خیالی به تصویر کشیده می‌شوند. اوج شکوفایی این نوع نقاشی، ودوتا ونیزی بود و رئیس مکتب ودوتا ونیزی، هنرمند آنتونیو کانالتو بود. در دوران رمانتیسم، هنرمندان همچنان به به تصویر کشیدن آثار باستانی، آثار باستانی و معابد باستانی علاقه مند بودند. در اواسط قرن نوزدهم، نقاشان منظره به صحنه های سبک روی آوردند. منظره شهر که مناظری از لندن را به تصویر می کشد را می توان در حکاکی های هنرمند فرانسوی گوستاو دوره یافت. یکی دیگر از هنرمندان فرانسوی، استاد CITY LANDSCAPES، Honore Daumier، نیز به مناظر شهر، البته پاریس، علاقه داشت. هنرمندان امپرسیونیست صفحه جدیدی در تاریخ منظره شهری باز کردند. توجه آنها به الگوهای خیابان ها در زمان های مختلف روز، ایستگاه های قطار، شبح ها و خطوط کلی ساختمان ها جلب شد. میل به انتقال ریتم زندگی شهری، به تصویر کشیدن وضعیت دائماً در حال تغییر جو و نور، امپرسیونیست ها را به کشف ابزارهای جدید بیان هنری سوق داد.
بخش نقاشی های اختصاص داده شده به شهر LANDSCAPE اشیایی را نشان می دهد که شهرهای مختلف، بناهای تاریخی معماری، خیابان ها و مکان های دیدنی را به تصویر می کشد. در این بخش مناظری از مسکو، سنت پترزبورگ و همچنین رم و بسیاری از شهرهای دیگر را خواهید دید. ما به شما پیشنهاد می کنیم اقلامی را از قسمت CITY LANDSCAPE در فروشگاه عتیقه کمیسیون ما خریداری کنید. بخش CITY LANDSCAPE به طور مداوم به روز می شود، منتظر ورودی های جدید باشید.

کامل بخوانید

یکی از بزرگترین جنبش های هنر در دهه های پایانی قرن نوزدهم و آغاز قرن بیستم امپرسیونیسم است که از فرانسه در سراسر جهان گسترش یافت. نمایندگان آن درگیر توسعه روش ها و تکنیک های نقاشی بودند که این امکان را فراهم می آورد که به وضوح و طبیعی ترین دنیای واقعی را در پویایی منعکس کند و برداشت های زودگذر از آن را منتقل کند.

بسیاری از هنرمندان بوم های خود را به سبک امپرسیونیسم خلق کردند، اما بنیانگذاران جنبش کلود مونه، ادوارد مانه، آگوست رنوار، آلفرد سیسلی، ادگار دگا، فردریک باسیل، کامیل پیسارو بودند. نام بردن از بهترین آثار آنها غیرممکن است، زیرا همه آنها زیبا هستند، اما معروف ترین آنها وجود دارد و در ادامه بیشتر مورد بحث قرار خواهد گرفت.

کلود مونه: «تأثیر. طلوع خورشید"

بوم نقاشی که باید با آن صحبتی را درباره بهترین نقاشی های امپرسیونیست ها شروع کنید. کلود مونه آن را در سال 1872 از زندگی در بندر قدیمی لو هاور فرانسه نقاشی کرد. دو سال بعد، این نقاشی برای اولین بار در استودیوی سابق هنرمند و کاریکاتوریست فرانسوی نادار به نمایش عموم گذاشته شد. این نمایشگاه برای دنیای هنر سرنوشت ساز شد. لوئی لروی روزنامه نگار که تحت تأثیر آثار مونه (نه به بهترین معنا) قرار گرفته بود، عنوانی که در زبان اصلی به نظر می رسد "Impression, soleil levant" است، برای اولین بار اصطلاح "امپرسیونیسم" را ابداع کرد که نشان دهنده جهت جدیدی در نقاشی است.

این نقاشی در سال 1985 به همراه آثاری از O. Renoir و B. Morisot به سرقت رفت. پنج سال بعد کشف شد. در حال حاضر “Impression. طلوع خورشید» متعلق به موزه مارموتان مونه در پاریس است.

ادوارد مونه: "المپیا"

تابلوی "المپیا" که توسط امپرسیونیست فرانسوی ادوارد مانه در سال 1863 خلق شد، یکی از شاهکارهای نقاشی مدرن است. اولین بار در سال 1865 در سالن پاریس ارائه شد. هنرمندان امپرسیونیست و نقاشی های آنها اغلب خود را در کانون رسوایی های برجسته می دیدند. با این حال، المپیا باعث بزرگترین آنها در تاریخ هنر شد.

روی بوم زنی برهنه را می بینیم که صورت و بدنش رو به تماشاگر است. شخصیت دوم خدمتکاری با پوست تیره است که دسته گلی مجلل پیچیده شده در کاغذ در دست دارد. در پای تخت یک بچه گربه سیاه رنگ در حالت مشخص با پشتی کمانی وجود دارد. در مورد تاریخچه خلقت این نقاشی اطلاعات زیادی در دست نیست. این مدل به احتمال زیاد مدل مورد علاقه مانه، Quiz Meunard بود. عقیده ای وجود دارد که این هنرمند از تصویر مارگریت بلانگر، معشوقه ناپلئون استفاده کرده است.

در طول دوره خلاقیت، زمانی که المپیا ایجاد شد، مانه مجذوب هنر ژاپنی بود و به همین دلیل عمدا از بررسی تفاوت های ظریف تاریکی و روشنایی خودداری کرد. به همین دلیل، معاصران او حجم شکل تصویر شده را نمی دیدند و آن را صاف و خشن می دانستند. این هنرمند به بی اخلاقی و ابتذال متهم شد. پیش از این هرگز نقاشی های امپرسیونیستی چنین هیجان و تمسخر جمعیت را برانگیختند. دولت مجبور شد محافظانی را در اطراف او قرار دهد. دگا شهرت مانه را از طریق المپیا و شجاعت پذیرش انتقاد با داستان زندگی گاریبالدی مقایسه کرد.

تقریباً یک ربع قرن پس از نمایشگاه، بوم توسط استودیوی هنرمند دور از دسترس چشمان کنجکاو قرار گرفت. سپس در سال 1889 دوباره در پاریس به نمایش گذاشته شد. تقریباً خریداری شد، اما دوستان هنرمند مبلغ مورد نیاز را جمع آوری کردند و "المپیا" را از بیوه مانه خریدند و سپس آن را به دولت اهدا کردند. اکنون این نقاشی متعلق به موزه اورسی در پاریس است.

آگوست رنوار: "حمام کنندگان بزرگ"

این نقاشی توسط یک هنرمند فرانسوی در سال های 1884-1887 کشیده شده است. با در نظر گرفتن تمام نقاشی‌های امپرسیونیستی شناخته شده بین سال‌های 1863 تا آغاز قرن بیستم، «حمام‌کنندگان بزرگ» بزرگترین بوم با چهره‌های برهنه زن نامیده می‌شود. رنوار بیش از سه سال روی آن کار کرد و در این دوره طرح ها و طرح های زیادی خلق شد. هیچ نقاشی دیگری در کار او وجود نداشت که این همه وقت را به آن اختصاص دهد.

در پیش زمینه، بیننده سه زن برهنه را می بیند که دو تن از آنها در ساحل هستند و سومی در آب ایستاده است. چهره ها بسیار واقعی و واضح نقاشی شده اند که از ویژگی های سبک هنرمند است. مدل های رنوار آلینا چاریگو (همسر آینده او) و سوزان والدون بودند که در آینده خود به یک هنرمند مشهور تبدیل شد.

ادگار دگا: «رقصندگان آبی»

همه نقاشی های معروف امپرسیونیستی که در مقاله ذکر شده اند با رنگ روغن روی بوم نقاشی نشده اند. عکس بالا به شما امکان می دهد بفهمید نقاشی "رقصندگان آبی" چه چیزی را نشان می دهد. این اثر به رنگ پاستل روی کاغذی به ابعاد 65×65 سانتی متر ساخته شده و متعلق به اواخر دوره کار هنرمند (1897) است. او آن را با دیدی که قبلاً دچار مشکل شده بود نقاشی کرد، بنابراین اهمیت بسیار زیادی به سازماندهی تزئینی داده می شود: تصویر به عنوان لکه های رنگی بزرگ درک می شود، به ویژه هنگامی که از نزدیک مشاهده می شود. موضوع رقصندگان به دگا نزدیک بود. بارها در کارش تکرار شد. بسیاری از منتقدان بر این باورند که به دلیل هماهنگی رنگ و ترکیب، «رقصندگان آبی» را می توان بهترین اثر این هنرمند در این زمینه دانست. در حال حاضر این تابلو در موزه هنر نگهداری می شود. A. S. پوشکین در مسکو.

فردریک بازیل: "لباس صورتی"

یکی از بنیانگذاران امپرسیونیسم فرانسوی، فردریک بازیل، در خانواده ای بورژوازی از یک شراب ساز ثروتمند به دنیا آمد. در حالی که هنوز در لیسه تحصیل می کرد، به نقاشی علاقه مند شد. پس از نقل مکان به پاریس، با سی مونه و او. رنوار آشنا شد. متأسفانه سرنوشت این هنرمند را رقم زد که مسیر زندگی کوتاهی داشته باشد. او در سن 28 سالگی در جبهه در جریان جنگ فرانسه و پروس درگذشت. با این حال، نقاشی های او، هرچند تعداد کمی، به درستی در فهرست "بهترین نقاشی های امپرسیونیستی" قرار دارند. یکی از آنها "لباس صورتی" است که در سال 1864 نقاشی شده است. با همه نشانه ها، بوم را می توان به امپرسیونیسم اولیه نسبت داد: تضاد رنگ، توجه به رنگ، نور خورشید و یک لحظه یخ زده، همان چیزی که "امپرسیون" نامیده می شد. یکی از پسرعموهای این هنرمند، ترزا د هورس، به عنوان یک مدل عمل کرد. این نقاشی در حال حاضر متعلق به موزه اورسی پاریس است.

کامیل پیسارو: «بلوار مونمارتر. بعدازظهر آفتابی"

کامیل پیسارو با مناظر خود به شهرت رسید که از ویژگی های بارز آن به تصویر کشیدن نور و اشیاء نورانی است. آثار او تأثیر قابل توجهی بر ژانر امپرسیونیسم گذاشت. این هنرمند به طور مستقل بسیاری از اصول ذاتی خود را توسعه داد که اساس خلاقیت آینده او را تشکیل داد.

پیسارو دوست داشت در ساعات مختلف روز یک مکان را نقاشی کند. او یک سری بوم نقاشی با بلوارها و خیابان های پاریسی دارد. معروف ترین آنها "بولوار مونمارتر" (1897) است. منعکس کننده تمام جذابیتی است که هنرمند در زندگی جوشان و بی قرار این گوشه از پاریس می بیند. با مشاهده بلوار از همان مکان، در یک روز آفتابی و ابری، صبح، بعد از ظهر و اواخر عصر آن را به بیننده نشان می دهد. عکس زیر نقاشی "بلوار مون مارتر در شب" را نشان می دهد.

این سبک متعاقباً توسط بسیاری از هنرمندان پذیرفته شد. فقط اشاره می کنیم که کدام نقاشی های امپرسیونیستی تحت تأثیر پیسارو نوشته شده اند. این روند به وضوح در آثار مونه (مجموعه نقاشی های "Haystacks") قابل مشاهده است.

آلفرد سیسلی: "چمنزارها در بهار"

"چمن ها در بهار" یکی از آخرین نقاشی های آلفرد سیسلی نقاش منظره است که در سال های 1880-1881 کشیده شده است. در آن، بیننده یک مسیر جنگلی را در امتداد سواحل سن با روستایی در ساحل روبرو می بیند. در پیش زمینه یک دختر است - دختر هنرمند جین سیسلی.

مناظر این هنرمند فضای اصیل منطقه تاریخی ایل دوفرانس را منتقل می کند و لطافت و شفافیت خاص پدیده های طبیعی را که مشخصه فصل های خاص است حفظ می کند. این هنرمند هرگز حامی جلوه های غیر معمول نبود و به ترکیب ساده و پالت محدود رنگ ها پایبند بود. این نقاشی اکنون در گالری ملی لندن نگهداری می شود.

ما معروف ترین نقاشی های امپرسیونیستی (با نام و توضیحات) را فهرست کرده ایم. اینها شاهکارهای نقاشی جهان هستند. سبک منحصر به فرد نقاشی، که در فرانسه سرچشمه گرفته بود، در ابتدا با تمسخر و کنایه درک شد. اکنون به ندرت کسی جرات دارد نبوغ خود را به چالش بکشد. نقاشی‌های امپرسیونیستی در معتبرترین موزه‌های جهان به نمایش گذاشته می‌شوند و نمایشگاهی برای هر مجموعه خصوصی هستند.

این سبک در فراموشی فرو نرفته و طرفداران زیادی دارد. هموطن ما آندری کخ، نقاش فرانسوی لوران پارسلیه، آمریکایی ها دایانا لئونارد و کارن تارلتون امپرسیونیست های معروف مدرن هستند. نقاشی های آنها در بهترین سنت های این ژانر ساخته شده است، پر از رنگ های روشن، ضربه های جسورانه و زندگی. در عکس بالا اثر لوران پارسلیه "در پرتوهای خورشید" است.

کوروین کنستانتین آلکسیویچ یک هنرمند برجسته روسی، دکوراتور، یکی از بزرگترین هنرمندان روسی قرن نوزدهم (19-20) است. کورووین استاد هوای معمولی، نویسنده مناظر، نقاشی های سبک، طبیعت بی جان و پرتره است. این هنرمند در مسکو متولد شد. او در سن پترزبورگ و مسکو نزد ساوراسوف و پولنوف تحصیل کرد. کنستانتین کرووین عضو انجمن ها بود: "انجمن نمایشگاه های هنری مسافرتی"، "اتحادیه هنرمندان روسیه" و "دنیای هنر". او را یکی از برجسته ترین نمایندگان "امپرسیونیسم روسی" می دانند.

در آثار کرووین می توان تمایل به دستیابی به راه حل های تصویری مصنوعی را از طریق مدولاسیون های نور و سایه و هماهنگی روابط آهنگی مشاهده کرد. اینها "بت شمالی" (1886)، "در بالکن". زنان اسپانیایی لئونورا و آمپارا» (1888)، «همرفست. شفق شمالی» (1895) و دیگران. و در کنار چیزهایی با جهت گیری متفاوت "کورووین" - پرتره ای از تکنواز اپرای خصوصی روسی T. S. Lyubatovich (نیمه دوم دهه 1880) که با یک مفهوم رنگارنگی نفیس، یک تصویر شادی بخش جشن یا طرحی از اوایل جذب می شود. "کافه پاریس" دهه 1890، جایی که برای اولین بار کوروین با روحیه "عطر" ظریف و زیبای هوای پایتخت فرانسه را منتقل کرد.

هسته اصلی روش Korovin توانایی تبدیل معمولی ترین و حتی به وضوح غیرجذاب ترین موتیف از طریق محتوای رنگی که دقیقاً دیده می شود و گویی فوراً گرفته شده است به یک منظره زیبایی شناختی بالا است.

پاریس در نقاشی های کرووین

اقامت در پاریس در طول مقدمات نمایشگاه جهانی - این اقامت ثانویه و بسیار معنادارتر بود - چشمان هنرمند را به نقاشی مدرن فرانسوی باز کرد. او امپرسیونیست‌هایی را مطالعه می‌کند که با آرزوهای او هماهنگ هستند، اما با تمام جنبش‌های پست امپرسیونیستی بیگانه هستند. در دهه 1900، کورووین سریال معروف خود "پاریس" را ساخت. برخلاف امپرسیونیست‌ها، دیدگاه‌های او از پاریس بسیار مستقیم‌تر و احساسی‌تر ترسیم می‌شود. میل استاد به "شکستن جذابیتی که در حال حاضر در منظره وجود دارد" بر آنها غالب است (به گفته شاگرد کورووین، بی. یوگانسون).

این هنرمند به دنبال ظریف ترین حالت های انتقالی و غیرمنتظره در زندگی شهر است - صبح پاریس، پاریس در غروب، عصر و شهر شب ("پاریس، صبح"، 1906؛ "پاریس در عصر"، 1907؛ "گرگ و میش در پاریس، 1911). مه صبحگاهی و نور لرزان طلوع خورشید، گرگ و میش یاسی با سبزی درختان هنوز تاریک نشده و فانوس ها از قبل روشن شده اند، تراکم مخملی آسمان آبی تیره و پراکندگی درخشان و تب بر نورهای شب پاریس. .. کورووین در این چیزهای کوچک به حقیقتی تقریباً مستند از برداشت بصری دست می یابد و در این میان این امر معنویت شگفت انگیز و تصویری بکر از شهر را به دنبال دارد. به لطف روش حل پیچیده رنگ-تونی، او در یک طرح کوچک هم به بیانی شدید در سطح یک نقاشی تمام شده بزرگ دست یافت و هم به تأثیر درگیری هیجانی هیجانی بیننده در آنچه می دید.

کورووین زمانی گفت: «من می‌خواهم چشم بیننده از نظر زیبایی‌شناختی نیز لذت ببرد، همانطور که گوش روح از موسیقی لذت می‌برد.

عکس های نقاشی

پاریس در نقاشی های کرووین