فهرست ادبیات استفاده شده
نتیجه گیری
به طور کلی، قرن 19 زمان رشد زیادی در فرهنگ روسیه بود. ارتباط تنگاتنگی با تغییرات در زندگی اقتصادی و سیاسی کشور دارد.
سقوط رعیت به معنای آغاز یک دوره جدید سرمایه داری در تاریخ روسیه بود. سرمایه داری تغییرات قابل توجهی در زندگی جامعه به ارمغان آورده است: سیستم اقتصادی را متحول کرد، ظاهر اجتماعی و معنوی جمعیت، شیوه زندگی، شرایط زندگی آن را تغییر داد و به رشد نیازهای فرهنگی کمک کرد. فرهنگ به عنوان مهمترین نظام زندگی اجتماعی، اندیشه های آن دوران را انباشته کرد.
در دوران پس از اصلاحات، آثار ادبی و هنری شگفت انگیزی در روسیه ایجاد شد که جایگاه شایسته خود را در خزانه فرهنگ جهانی به دست آورد. قدرت فرهنگ ملی روسیه در شایستگی های هنری، شهروندی، اخلاق عالی و جهت گیری دموکراتیک آن نهفته است.
دامنه وسیع اجتماعی، روحیه توهین آمیز، اتهام زنی و توسل به مشکلات موضوعی - این همان چیزی است که ادبیات دوره پس از اصلاحات را تعریف کرد. ادبیات روسی نه تنها با نگرش انتقادی خود به واقعیت متمایز شد، بلکه شر را افشا کرد، به دنبال راه هایی برای مبارزه با این شر بود و یک مأموریت دگرگون کننده اجتماعی را انجام داد. کامل بودن ایدئولوژیک، نفوذ عمیق در پدیده های زندگی، رد بی عدالتی، و غنای تجسم هنری آثار ادبی، نقش پیشرو ادبیات را در توسعه انواع دیگر هنر تعیین کرد.
اندیشه اجتماعی مترقی چالش های جدیدی را برای نقاشی ایجاد کرد. دهه 60 با غلبه ژانر اجتماعی و روزمره، مرحله داخلی خاصی را در تاریخ هنرهای زیبای روسیه تشکیل می دهد. جنبش ایدئولوژیک و هنری این سال ها راه را برای ظهور "انجمن نمایشگاه های هنری سیار" (1871) هموار کرد، ایده سازماندهی آن در سال 1865، زمانی که به ابتکار کرامسکوی، نمایشگاهی برپا شد. نقاشی های "Artels of Artists" در نیژنی نووگورود ارائه شد که موفقیت آمیز بود. Peredvizhnichestvo یک جنبش پیشرو در هنر ملی نیمه دوم قرن 19 است که از نظر ایدئولوژیک با آکادمیک گرایی مخالف است. اصول زیبایی شناسی انقلابی- دموکراتیک برنامه ریزی خلاقیت گردشگران را تعیین کرد: شهروندی، آگاهی از مشکلات اجتماعی و روانی زمان خود، علاقه به ظاهر معاصر خود. جنبش گردشگران منحصراً به روسیه گسترش یافت. در پایان قرن نوزدهم، یک مشارکت ظاهر شد که در نمایشگاه های سیار نقاشی مشغول بود. این توسط نمایندگان برجسته جنبش واقع گرا در کشور ایجاد شد. با ایجاد شراکت، کسانی که اعضای آرتل بودند نیز از پیوستن به صفوف هنرمندان دوره گرد کوتاهی نکردند. هدف اصلی که در مقابل آنها قرار داشت زیبایی شناسی مردم و آشنایی گسترده آنها با هنر بود. اینها شامل مشهورترین هنرمندان روسیه - شیشکین، واسنتسف، رپین، سوریکوف، لویتان، ساوراسوف و بسیاری دیگر بودند. موضوعات پرتره متنوع می شوند.
هنرمندان روسی به سطحی از مهارت رسیده اند که آثارشان را با بهترین نمونه های هنر اروپایی همتراز می کند.
در نتیجه انقلاب فرهنگی در اواخر قرن 19 - 20، روندهایی در زندگی معنوی اروپا و روسیه ظاهر شد که مربوط به جهان بینی مردم در قرن بیستم بود. آنها خواستار درک جدیدی از مشکلات اجتماعی و اخلاقی بودند. همه اینها به جستجوی روش ها و ابزارهای هنری جدید منجر شد. یک دوره تاریخی و هنری منحصر به فرد در روسیه شکل گرفت که معاصران او آن را "عصر نقره" فرهنگ روسیه نامیدند.
بنابراین، در نیمه دوم قرن نوزدهم، آثار ادبی و هنری شگفت انگیزی در روسیه ایجاد شد که جایگاه شایسته خود را در خزانه فرهنگ جهانی به دست آورد.
1. Alenova O. A. Karl Bryulov. - م.، 2000. - 376 ص.
1. Aleshina L.S., Rakova M.M., Gorina T.P. هنر روسی از قرن 19 - اوایل قرن 20. - M.: Nauka، 1992. - 503s.
2. Anoshkina V.N., Petrov S.M. تاریخ ادبیات روسیه در قرن نوزدهم. - م.: آموزش و پرورش، 1378. - 445s.
3. Berezovaya L.G., Berlyakova N.P. تاریخ فرهنگ روسیه. قسمت 2. - M.: Vlados, 2009. - 398 p.
4. Hollerbach E. پرتره در روسیه در قرن 19. - م.، 1993. - 238 ص.
5. Gomberg-Verzhbinskaya E.N. سرگردانان. - ل.: هنر، 1990. - 231 ص.
6. Evangulova O.S. Kareev A.A. پرتره در روسیه در قرن نوزدهم. - م.، 1994. - 180 ص.
7. Ilyina T.V. تاریخ هنر. هنر داخلی - م.: دبیرستان، 2009. - 368s.
8. تاریخ هنر روسیه. - م.: هنر، 1980. - 551 ص.
9. تاریخ نقاشی روسی در 3 جلد، جلد سوم. - M.: Nauka، 1994. - 900 p.
10. خلاصه ای از تاریخ فرهنگ روسیه. - L.: Nauka، 1997. - 651 ص.
11. Milyukov P.N. مقالاتی در مورد تاریخ فرهنگ روسیه در 3 جلد، جلد دوم. - م.: ترقی - فرهنگ، 1373. - 528 ص.
12. مولوا ن.م. هنرمندان و معلمان برجسته روسی. - م.، 2007. - 380 ص.
13. مقالاتی در مورد تاریخ فرهنگ روسیه در نیمه دوم قرن 19، ویرایش. N.M. ولینکینا. م.: آموزش و پرورش، 1375. - 490 ص.
14. پیکولف I.I. هنر زیبا روسی - م.، 1997. – 264 ص.
1. فرهنگ لغت دایره المعارف شوروی. گردآوری شده توسط: A. M. Prokhorov، M. S. Gilyarov، E. M. Zhukov. - م.، 1980. - 420 ص.
برزووایا، ال.جی. تاریخ فرهنگ روسیه. - M.: Vlados، 2009. - P. 55.
تاریخ هنر روسیه و شوروی. - م.: دبیرستان، 1387. - ص.42.
استاسوف V.V. هنر / V.V. استاسوف // آثار برگزیده. T.3. - م.: هنر، 1992. - ص 56.
تاریخ هنر روسیه و شوروی. - م.: دبیرستان، 1378. - ص.38.
استاسوف V.V. هنر قرن 19 / V.V. استاسوف // آثار برگزیده. T.3. - م.: هنر، 1992. - ص 34.
مردم بزرگ روسیه: مجموعه. - م.: گارد جوان، 1994. - ص 44.
استاسوف V.V. نقاشی ما / V.V. استاسوف // آثار برگزیده. T.2. - M.-L. : هنر، 1376. - ص.34.
استاسوف V.V. نقاشی ما / V.V. استاسوف // آثار برگزیده. T.2. - M.-L. : هنر، 1376. - ص.63.
Gomberg-Verzhbinskaya E.N. سرگردانان. - ل.: هنر، 1990. - ص.93.
خلاصه ای از تاریخ فرهنگ روسیه. - ل.: علم، 1997. - ص 57-58.
Aleshina L.S.، Rakova M.M.، Gorina T.P. هنر روسی از قرن 19 - اوایل قرن 20. - M.: Nauka، 1992. - ص 70.
میلیوکوف P.N. مقالاتی در مورد تاریخ فرهنگ روسیه در 3 جلد T.2، قسمت 2. - م.: گروه انتشارات «پیشرفت-فرهنگ»، 1373. - ص126.
فرهنگ لغت دایره المعارف شوروی. گردآوری شده توسط: A.M. Porokhov, M.S. Gilyarov, E.M. م.، 1990.
Alenova O.A. کارل بریولوف - م، 2000. – ص.79
"دنیای هنر" -(1898-1910، 1910-1924): A. Benois, E. Lanceret, K. Somov, Dobuzhinsky, A. Ostroumova-Lebedeva, L. Bakst, A. Golovin, I. Bilibin, N. Roerich.
آنها در تقاطع نمادگرایی و مدرنیته قرار دارند. 1904 - افول. موج دوم با نام های دیگری همراه است.
Z. Serebryakova، K. Bogoevsky، A. Yakovlev، V. Shukhaev; گرافیک: S. Chekhonin, D. Mitrokhin, G. Narbut.
M.I. - انجمن خلاق هنرمندان؛ مجله ای که به مدت 6 سال (1899-1904) وجود داشت. نمایشگاه هایی به همین نام در سن پترزبورگ.
جهان گرایی:
- هنرمندان خود را در ژانرها و انواع مختلف هنر امتحان کردند.
- 2 نوع سنتز بزرگ - کتاب مصنوعی (طراحی کتاب و گرافیک) و سنتز تئاتر (در صحنه نگاری شرکت کنید).
Kustodiev B. پرتره گروهی هنرمندان "دنیای هنر" 1916-1920.
1899 - اولین مجله با کمک حامیان S. Mamontov و کنتس Tinishcheva. علاوه بر بخش هنر، بخش وقایع نگاری و شعر نیز وجود داشت. مسائل نظری کلی مورد بحث قرار گرفت.
- اعلامیه اصلاحات هنری. علیه آکادمیک گرایی و مرحوم پردویژنیکی. انتقاد از پروف و رپین. برای آزمایش با فرم.
- شعار هنر آزاد. در مقابل ادب گرایی و گرایش گرایی. ایده هنر برای هنر. پان زیبایی شناسی جهانی هارمونی، زیبایی، کمال. ما به شاعرانگی نمادگرایی نزدیک شدیم
- شاعرانه نمادگرایی. با استفاده از استعاره، تمام زبان ها استعاری هستند. موتیف یک ماسک، یک مومر، موضوع یک بالماسکه. توسل به یک طرح اسطوره ای.
D. Syrobyanov: "تغییر مضاعف جهان" - تجسم هنری طرح در ماده خاص خود هنر، دنیای تخیل، خیال، و نه دنیای واقعی. نمایشی کردن طرح (جشن ها، اجتماعات عمومی، موکب ها، سفرها، شکار و غیره).
اس. ماکوفسکی: "رویاپردازان گذشته نگر" - بازگشت به 2 دوره، "پژواک گذشته"، تقدیس گذشته. قرن 18 - نیمه اول قرن 19 (تمرکز بر سنت های فرهنگ هنری ملی)؛ سرمای اروپای غربی قرن 19-20
سبک التقاطی.
A.Benoit.
(سریال ورسای)
پیاده روی پادشاه، 1906 (ترکیب)
رژه زیر پل 1، 1907
تصاویری برای شعر آ.پوشکین "سوار برنزی"
کمدی ایتالیایی (موضوع تئاتر دل آرته)
نقاشی بخش نسبتاً گسترده ای از هنرهای زیبا است که سبک های مختلفی را در بر می گیرد. یکی از این سبک ها نمادگرایی است.
مفهوم نمادگرایی و ویژگی های آن در نقاشی
نمادگرایی یکی از سبک های تصویری هنرهای زیبا است که در اواخر قرن نوزدهم در فرانسه به وجود آمد. نمادگرایی مبتنی بر ایده‌های هنرمندان درباره جهانی است که ما نمی‌بینیم، اما می‌توانیم آن را تصور کنیم، زیرا دنیای ما بازتابی مبهم از دنیای واقعی است که به روی ما بسته است. نقاشی های نمادگرا حاوی نمادها و نشانه هایی هستند که بینندگان سعی در رمزگشایی از آنها دارند. سمبولیست ها مخالف معنای ساده و روزمره در نقاشی ها بودند. هنرمندان نمادگرا از ادبیات، اسطوره ها و داستان های کتاب مقدس الهام گرفتند. آنها به قهرمانان و اشیاء نقاشی های خود معنایی عرفانی می بخشیدند. از نمادها در نقاشی ها برای انتقال احساسات، عواطف و افکار استفاده می شد. محبوب ترین مضامین در نقاشی نمادین رنج و مرگ، پیش بینی برخی رویدادها بود. به طور کلی، نقاشی نمادگرایان را می توان به راحتی با احساسات بیان شده در تصویر حدس زد. اما احساسات و عواطف مثبت نبود. این ایده برای انتقال به مردم بود که جهان ناقص است.
اگر در مورد اجرا صحبت کنیم، تصویر در نقاشی ها کاملاً کلی و ساده است، تن ها یکسان است. و مهمترین چیز یک طرح مرموز است که در آن هر چیز کوچک معنای خاصی دارد. نمادگرایی مانند امپرسیونیسم یا پوانتیلیسم زبان هنری خاص خود را نداشت و بنابراین این جهت در نقاشی سبک جداگانه نامیده نمی شد.
نمایندگان برجسته نمادگرایی در نقاشی
آلفرد کوبین
این هنرمند نمادیستی است که به خاطر نمادگرایی غیرمعمول افسرده و تاریک خود شناخته شده بود. آثار او سرشار از اضطراب و وحشت است. دلیل چنین کاری توهمات مداومی بود که او را آزار می داد. اما این زندگی نسبتاً عجیب او بود که او را به شهرت رساند. مشهورترین نقاشی دست او "روح آب" است. این تصویر دقیقاً نماد تاریک آن را منعکس می کند. ناتوانی مردم در برابر عنصر طبیعی مانند آب.
میخائیل وروبل
سمبولیست مشهور روسی. نمادگرایی او، مانند تمام نمادهای روسی به طور کلی، با مسیحیت و مذهب مرتبط بود. میخائیل وروبل درخشان ترین نماینده نمادگرایی است. در نقاشی های او می توان تضادهای دنیای درونی او و دنیای واقعی را حس کرد. "مروارید" وروبل نمونه بارز نمادگرایی او و همچنین یکی از آخرین نقاشی های او است. این دو الهه باستانی را به تصویر می کشد که جهان را از دنیای جاودانه های خود مشاهده می کنند.
ادوارد مونک
بسیاری از مردم ادوارد مونک را با نقاشی معروف "جیغ" مرتبط می دانند. مونک یک هنرمند نروژی است. احساسات هذلولی، واقعیت غم انگیز، تضاد رنگ ها - این نماد ادوارد مونک است. کار او تحت تأثیر زندگی غیرمعمول دشوار او بود. نقاشی ها با قلم موهایی کشیده شده اند که ترس از مرگ و تنهایی را آغشته کرده اند. حتی کسانی که آشنایی خاصی با کار او ندارند نیز متوجه این موضوع می شوند. نمونه بارز نمادگرایی نقاشی او "فرق" است که به ما در مورد مردی می گوید که جدا شدن از گذشته خود را بسیار دشوار می یابد.
با استفاده از نمونه هنرمندان، بیشتر مشخص می شود که این حرکت چگونه بوده است. اگرچه این سبک زبان هنری خاص خود را نداشت که اصولاً نیازی به آن نبود. معنای این حرکت نشان دادن ناشناخته ها از طریق نقاشی بود.
بعدی → سینوپی
با گذشت زمان، این نماد از یک نشانه معمولی به یکی از مهمترین مفاهیم فلسفه و هنر تبدیل شده است. خود جنبش نمادگرایی در پایان قرن نوزدهم به عنوان جایگزینی برای رئالیسم و امپرسیونیسم به وجود آمد. در نمادگرایی بود که هنرمندان ترس خود را از دنیای اطراف خود، از پیشرفت فنی و علمی و از آینده ابراز کردند. سمبولیست ها از تصاویر و مضامین مرگ، بیماری، رنج، بدی، گناه و عشق الهام گرفتند. توصیف بی پایان نمادگرایی فایده ای ندارد، باید آن را دید. بنابراین، از شما دعوت می کنیم تا با درخشان ترین نمادهای این دوران آشنا شوید.
5 هنرمند مشهور نمادگرا
جیووانی سگانتینی
جووانی سگانتینی هنرمند ایتالیایی است که کوه های آلپ را تجلیل کرده است. استاد بزرگ در طول زندگی خود به شهرت رسید: آثار او با موفقیت در وین، میلان و پاریس به نمایش گذاشته شد. علیرغم اینکه نمادگرایی متعلق به آثار متاخر این هنرمند است، او نه تنها میراث ارزشمندی از خود به جای گذاشت، بلکه توانست به یکی از رهبران نمادگرایی تبدیل شود.
در نقاشی او "مادران شرور" که بر اساس شعر "نیروانا" توسط یک راهب بودایی قرن هفدهم نوشته شده است، نمادگرایی به شدت احساس می شود. این شعر زنانی را توصیف می کند که مسئولیت های مادری را کنار گذاشته اند. این موضوع الهام بخش Segantini برای خلق نقاشی "Evil Mothers" شد.
این فیلم روح زنانی را به تصویر می کشد که به دلیل تصمیم به سقط جنین مجازات می شوند. با این حال، کار چندان بدبینانه نیست. درختان این تصویر نمادی از درخت زندگی هستند که می توانند در بهار دوباره متولد شوند. بنابراین سگانتینی با به تصویر کشیدن یک نماد مذهبی، امکان «تولد دوباره» مادر بد را مطرح می کند که در نهایت به غرایز طبیعی او خواهد رسید.
آرنولد بکلین
نماینده برجسته نمادگرایی سوئیسی اغلب از تصاویر پوره ها، هیولاهای دریایی و سایر چهره های اساطیری در نقاشی های خود استفاده می کرد. به همین دلیل است که آثار او با رمز و راز، وضوح و روشنایی در رنگ و نمادگرایی خارق العاده مشخص می شود. جالب است که تقریباً تمام نقاشی‌های بوکلین با تمپر نقاشی شده‌اند.
بعداً، بکلین در کار خود به طور فزاینده ای به موضوع مرگ می پردازد. این هنرمند در پاسخ به چالش‌های زمانه، نقاشی‌های خود را مملو از مالیخولیا، بدبینی و تیرگی کرد.
کار او "جزیره مردگان" شهرت بی سابقه ای را برای این هنرمند به ارمغان آورد و به نماد واقعی نمادگرایی تبدیل شد. طرح تصویر منعکس کننده اسطوره های باستانی است، جایی که روح های مورد علاقه خدایان در جزیره ای منزوی آرامش پیدا کردند. بوم دقیقاً منعکس کننده حال و هوای دوران بود: خستگی از زندگی ، علاقه به همه چیز ماورایی ، مالیخولیا غیر قابل درک. برای معاصران، این نقاشی نمادی از خداحافظی با یک دوره کامل بود، یک مرثیه برای فرهنگ.
آرنولد بوکلین، "جزیره مردگان"، 1880
آلفرد کوبین
یکی دیگر از نمایندگان شناخته شده نمادگرایی، که به دلیل نمادگرایی "تاریک" خود شناخته شده است. در آثار او وحشت با کنایه، اضطراب و ترس همراه با طعنه بود. توهمات مداومی که هنرمند را تحت تأثیر قرار می داد فقط باعث افزایش درجه تیرگی در نقاشی های او می شد. ترس از آینده، انگیزه های ناامیدی، ناامیدی این هنرمند را به شهرت جهانی رساند.
بوم کوبین "روح آب" یکی از درخشان ترین بازتاب های فانتزی نمادین تاریک هنرمند است. کوبین با ادغام دنیای غیرمنطقی با واقعیت، موفق شد انگیزه اصلی خود را در تصویر مجسم کند: ناتوانی بشریت در مقابل عناصر طبیعی.
آلفرد کوبین، «روح آب»
ادوارد مونک
واقعیت غم انگیز، تمثیل ها، تضادهای رنگی، احساسات متورم - همه اینها نمادگرایی است. و تمام این ویژگی ها را می توان در آثار هنرمند درخشان نروژی ادوارد مونک یافت.
سرنوشت دشوار این هنرمند نیز در سبک نقاشی او اثر گذاشت. نقوش تنهایی، ترس، مرگ - نقاشی های او حتی در کسانی که کاملاً با زندگی نامه مونک ناآشنا هستند احساسات را برمی انگیزد. خود این هنرمند بیش از یک بار گفت: "بیماری، جنون و مرگ - این فرشتگان تاریکی در گهواره من ایستادند و تمام زندگی ام را ترک نکردند."
یکی از درخشان ترین دوره های زندگی ادوارد مونک دهه 1890 بود که در آن مهمترین آثار خود را خلق کرد. او از همین تصاویر استفاده کرد: پیرزنی سیاه پوش، مردی رنج کشیده، دختری جوان با موهای بور، ساحل دریا.
به عنوان مثال، در تابلوی "فرق" او شخصیت اصلی مردی است که نمی تواند از گذشته خود جدا شود. چگونه بفهمیم که شخصیت اصلی به سختی از گذشته خود عبور می کند؟ همه چیز در مورد موهای دختر است: موهای بلند ایجاد می شود، سر مرد را لمس می کند، سعی می کند او را عقب نگه دارد. دختر نماد گذشته روشن است و مرد غمگین نماد حال غم انگیز است.
مونک زندگی را جدایی ابدی با هر چیزی که برای یک فرد عزیز است تصور می کرد. و دختر روی بوم تنها بخشی از چیزی است که شخصیت اصلی باید در زندگی خود از آن جدا شود.
ادوارد مونک، «فرق»، 1896
میخائیل وروبل
نمادگرایی روسی منحصر به فرد است. نمادگرایی در روسیه با دین، عرفان و مسیحیت همراه بود. در نقاشی، نماینده برجسته نمادگرایی روسی M. Vrubel است. حماسه، یادبود، تضاد بین دنیای واقعی و دنیای درونی هنرمند - همه اینها در نقاشی او احساس می شود. آثار وروبل افسانه‌ای و فانتزی مانند هستند، فقط به این دلیل که هنرمند اغلب قهرمانان حماسه، دوران باستان و غیره را به تصویر می‌کشید.
نمونه بارز نمادگرایی یکی از آخرین ساخته های M. Vrubel - "مروارید" است. اینجا یک کهکشان بی پایان است، یک جهان کامل که در مرواریدهای کوچک منعکس شده است. دو دختر، الهه های باستانی، از دنیای جاودانه ها تماشا می کنند. احساس چیزی ناشناخته، ناشناخته ایجاد می‌شود و سایه‌های رنگ‌های سیاه، سفید و مرواریدی فقط این اثر را تقویت می‌کنند. اما، با وجود چنین احساسات مختلطی، نمی توان از تصویر دور نگاه کرد.
میخائیل وروبل، "مروارید"، 1904.
نقاشی هایی که در سار گالری به نمایش گذاشته شده است
در آغاز قرن 19 و 20، هنرمندان، شاعران و آهنگسازان تلاش کردند تا یک آرمانشهر زیبایی‌شناختی، پنجره‌ای به دنیایی ناشناخته، اسرارآمیز و شاعرانه ایجاد کنند، که در مرز غوطه‌ور شدن در رویا یا قلمرو زیبایی‌های ناب طبیعت است. خود انسان - بالاترین، کامل و زیباست. این یک نوع نوستالژی یا حتی نوعی مذهب بود. هنرمندان با احساس بی روحی و بدبینی جامعه مدرن، ترجیح دادند از آن در دنیای بازتاب های خود پنهان شوند. این هنرمند که ناگهان خود را در برابر ورطه‌ای می‌دید که گاه معاصرانش آن را به‌عنوان ورودی قرن جدید تصور می‌کردند، غرق در انواع پیش‌بینی‌ها و احساسات متضاد، سعی کرد نقاط تکیه‌گاه جدیدی را در جهان متزلزل بیابد.
این تفکر خلاق جدید اروپا بود - هنر نمادگرایی که در دهه 1870-1880 در فرانسه به وجود آمد. و در اواخر قرن 19 و 20 به بزرگترین پیشرفت خود رسید. نمادگرایان نه تنها انواع مختلف هنر، بلکه نگرش خود را نیز به طور اساسی تغییر دادند. ماهیت تجربی، میل به نوآوری، جهان وطنی و طیف گسترده ای از تأثیرات آنها به الگویی برای اکثر جنبش های هنری مدرن تبدیل شده است.
اصطلاح «سمبولیسم» در هنر اولین بار توسط شاعر فرانسوی ژان موراس در مانیفست خود به همین نام «Le Symbolisme» که در 18 سپتامبر 1886 در روزنامه «لو فیگارو» منتشر شد، ابداع شد.
نمادگرایان در آثار خود سعی کردند زندگی هر روح را به تصویر بکشند - پر از تجربیات، حالات نامشخص، مبهم، احساسات ظریف، برداشت های زودگذر. می توان گفت که نمادگرایی دو جهان را متمایز می کند: جهان اشیا و جهان ایده ها. نماد به نوعی علامت متعارف تبدیل می شود که این دنیاها را به هم متصل می کند. هر نمادی دو طرف دارد - مدلول و دال. این ضلع دوم به سمت دنیای غیرواقعی چرخیده است. و هنر کلید رمز و راز است.
هنر نمادگرایی در ذات خود فردگرایانه تا حدی منعکس کننده رد واقعیت بورژوایی بود، پیشگویی از تحولات اجتماعی-تاریخی جهان.
در مناطق مختلف، نمادگرایی به شکل های مختلف خود را نشان داد. در اینجا حالات منحط، خیالات تاریک، آزاردهنده، پرستش پژمردگی و زوال، آرمان های مبهم و دست نیافتنی، کیش زیبایی به عنوان بالاترین ارزش وجود دارد. نمادگرایی اصیل کشورهای اسکاندیناوی با اشاره به فولکلور در ادبیات و موسیقی و ویژگی های بدوی گرایی در نقاشی. کشورهای اروپای شرقی نسخه غیرمعمول خود را از نمادگرایی ارائه کردند. نمادگرایی روسی اصول زیبایی شناختی بسیاری را از غرب اتخاذ کرد، اما در روند توسعه خلاقانه به یک جنبش مستقل، هویت ملی قابل توجهی به دست آورد.
نماد گرایان از کشورهای مختلف آشکارا آثار خود را با دنیای واقعی در تضاد قرار دادند - نقاشان گوستاو مورو و پویس دو شاوان در فرانسه، ژاک مالچوسکی در لهستان، لایوس گولاکسی در مجارستان، آرنولد بوکلین در سوئیس، فرانتس فون استاک و ام. کلینگر در آلمان، میکالیوس سیورلیونیس. در لیتوانی، میخائیل وروبل در روسیه، گرافیست ها اوبری بردسلی در انگلستان، فیلین راپس در بلژیک، که ترکیبات نیمه خارق العاده ای را آغشته به حالات عرفانی خلق کردند. کار آنها منعکس کننده جستجوی یک زبان هنری خاص بود که قادر به بیان معنای نمادین پیچیده از طریق ریتم خطوط و ترکیب رنگ ها بود.
پیش‌بینی اکسپرسیونیسم به‌عنوان یک جنبش خاص در هنر، نمادهای نوک تیز و گروتسک در نقاشی‌های دی. انسور بلژیکی و ای. مونک نروژی بود که ترس از زشتی و غیرانسانی بودن واقعیت بورژوایی را منعکس می‌کرد.
نمادگرایی که از رمانتیسم متأخر رشد کرد، دنیای غنی نمادگرایی رمانتیک را وارد سبک آرت نوو کرد.
یکی از بنیانگذاران نمادگرایی در ادبیات شارل بودلر است که نمادگرایی را تنها راه ممکن برای انعکاس واقعیت می‌دانست، و استفان مالارمه که به گفته ژان موراس «احساس مرموز و غیرقابل بیان را کشف کرد». در شعر روسی، از دهه 1900، نمادگرایی در آثار A. Blok، A. Bely، V. Bryusov، K. Balmont، V. Ivanov و دیگران توسعه یافت ، بسیار جستجو برای یک جهان بینی کاملا جدید.
این فهرست کاملی از سازندگان نمادگرا نیست.
در این سخنرانی با برجسته ترین نمایندگان نمادگرایی و کار آنها و همچنین نقد این جنبش آشنا می شویم. بیایید به عصر دیگری برویم - آغاز قرن ... بیایید در فضایی از رمز و راز غوطه ور شویم، از نمادها و تصاویر در شعر و نقاشی دانش پنهانی به دست آوریم.
مدرس - یانینا باراباشووا
ارسال کار خوب خود به پایگاه دانش آسان است. از فرم زیر استفاده کنید
دانشجویان، دانشجویان تحصیلات تکمیلی، دانشمندان جوانی که از دانش پایه در تحصیل و کار خود استفاده می کنند از شما بسیار سپاسگزار خواهند بود.
ارسال شده در http://www.allbest.ru/
مقدمه
فصل 1. زیبایی شناسی نمادگرایی روسی در نقاشی
فصل 2. گاهشماری توسعه سبک
فصل 3. انجمن هنری رز آبی
فصل 4. نمایندگان نمادگرایی روسی
4.1 P. Kuznetsov
4.2 V.E. بوریسوف-موساتوف
4.3 N. Roerich
4.4 K.S. پتروف-ودکین
4.5 M. Vrubel
نتیجه گیری
فهرست ادبیات استفاده شده
برنامه
مقدمه
چرخش قرن 19-20. - یک دوره خاص و نقطه عطف برای روسیه. رونق اقتصادی و بحران، جنگ جهانی شکست خورده 05-1904. و انقلاب های 1905-07، جنگ جهانی اول 1914-1918. و در نتیجه، انقلاب های فوریه و اکتبر 1917، که سلطنت و سپس قدرت بورژوازی را سرنگون کرد. یک احساس رو به رشد در جامعه از اجتناب ناپذیر بودن یک بحران اجتماعی و نیاز به تغییر در ارزش ها وجود داشت. ایدئولوژی پوپولیستی سقوط کرده است. جستجو برای مفاهیم ایدئولوژیک جدید توسعه اجتماعی آغاز شد.
زندگی معنوی روسیه منعکس کننده تضادهای اجتماعی دوران و تضادهای تفکر اجتماعی روسیه بود. احساس فاجعه گرایی زمان و کامل بودن فرهنگ در جامعه به وجود می آید. بر این اساس، نقوش آخرالزمانی در ادبیات و هنر پدید می آید. با این حال، روسیه در آن زمان دوره ای از توسعه فرهنگی پربار و پویا را تجربه می کرد. این دوره از نوزایی معنوی و تجدید بود. فیلسوف N.A. بردایف این دوره را در تاریخ فرهنگ روسیه "عصر نقره" نامید.
ویژگی‌های نقاشان آغاز قرن، شیوه‌های بیان متفاوتی نسبت به سرگردانان است، دیگر اشکال خلاقیت هنری - در تصاویری که متناقض، پیچیده و فقط به‌طور غیرمستقیم بازتاب مدرنیته هستند، بدون تصویرگری و روایت. هنرمندان به طور دردناکی به دنبال هارمونی و زیبایی در جهانی هستند که اساساً با هارمونی و زیبایی بیگانه است. به همین دلیل است که بسیاری رسالت خود را در پرورش حس زیبایی می دیدند. این توقع تغییر در زندگی عمومی باعث به وجود آمدن بسیاری از جنبش ها، انجمن ها، گروه بندی ها و برخورد بین جهان بینی ها و سلایق مختلف شد.
نقاشی نمادین راهی برای انتقال تجربه فرهنگی و منبع رشد تفکر خلاق و تخیل فضایی است. یک اثر نمادگرا زمینه تفسیر آزاد دارد، زیرا نشان دهنده پیامی مبهم است که بر خلاف کد اصلی ساخته شده است. در زمینه های مختلف، اثر تفسیرهای متفاوتی دریافت می کند. Wiederker V.V. نمادگرایی به عنوان یک پدیده فرهنگی: در مورد مواد نقاشی روسی در آستانه قرن 19-20. // چکیده پایان نامه داوطلب رشته مطالعات فرهنگی. - نووسیبیرسک، 2006.
این اثر به بررسی نمادگرایی در نقاشی روسی می‌پردازد - یکی از مهمترین حوزه‌های فرهنگ هنری در پایان قرن‌های 19-20.
وظایف زیر از هدف حاصل می شود:
· تعیین آغاز زیبایی شناختی نمادگرایی روسی در نقاشی در اواخر قرن 19-20.
ردیابی گاهشماری توسعه سبک.
شناسایی ویژگی های انجمن رز آبی و تفاوت آن با سایر گروه های هنرمندان در اواخر قرن 19-20.
· هنرمندان فردی را در نظر بگیرید که نمایندگان نمادگرایی روسی هستند.
· سیر تحول نمادگرایی را در نظر بگیرید و ارتباط آن را با انقلاب اکتبر شناسایی کنید.
· سیستم های تصویری اصلی نمادگرایی روسی در هنرهای زیبا را کاوش کنید.
فصل 1. زیبایی شناسی سمبولیسم روسی در نقاشی
به عنوان یک جنبش، نمادگرایی در هنرهای تجسمی همزمان با نمادگرایی در ادبیات در دهه 60-70 توسعه یافت. قرن 19، در عصر انحطاط. با این حال، ویژگی های مشخصه نمادگرایی خیلی زودتر ظاهر می شود: تمام شمایل نگاری ها و نقاشی های قرون وسطی شخصیتی عمیقاً نمادین داشتند.
نمادگرایی روسی ویژگی خاص و اصلی خود را دارد و نقطه عطف منحصر به فردی در تاریخ فرهنگ جهانی است. ظهور نمادگرایی در روسیه در پایان قرن نوزدهم عمدتاً با فعالیت‌های به‌اصطلاح شاعران و روزنامه‌نگاران نمادگرای ارشد، D. Merezhkovsky و Z. Gippius مرتبط است. تا حدی - والری بریوسوف.
هنرمند با "شکل دادن" به واقعیت قرن آینده، اسطوره ای جدید خلق می کند. او با دور شدن از رویداد، نه تصویری از آنچه به تصویر کشیده شده است، بلکه انتقال نمادین آن، معادلی شاعرانه می آفریند. داستان به نوعی افسانه در مورد زندگی تبدیل می شود، راهی برای درک مبانی و قوانین پنهان آن.
نمادگرایی روسی، بر خلاف نمادگرایی اروپای غربی، که در درجه اول به عنوان یک مکتب ادبی و هنری توسعه یافت، از همان لحظه پیدایش خود در پی فراتر رفتن از مرزهای خود هنر و تبدیل شدن به یک جنبش فرهنگی گسترده، یک جهان بینی خاص، با هدف بود. نجات و دگرگونی بشریت نمادگرایان روسی بر این باور بودند که یک هنرمند واقعی، به عنوان یک علم شناس، فراخوانده می شود تا نه تنها اشکال هنری، بلکه مهمتر از همه، اشکال جدیدی از زندگی خلق کند. نمادگرایی روسی یکی از مظاهر معمول خلاقیت زندگی است. Wiederker V.V. نمادگرایی به عنوان یک پدیده فرهنگی: در مورد مواد نقاشی روسی در آستانه قرن 19-20. // چکیده پایان نامه داوطلب رشته مطالعات فرهنگی. - نووسیبیرسک، 2006.
جهان بینی اسطوره ای و تفکر مرتبط دیالکتیکی با نمادها، علاقه به هنر سنتی عامیانه را برانگیخت، فارغ از بازتولید مستقیم تجربی واقعیت اطراف. فرهنگ های قدیمی توسط مفهوم اسطوره ای جهان، درک کل نگر و هماهنگ آن جذب شدند. با این حال، نومیتولوژیک اساساً با اسطوره شناسی به عنوان شکلی از تفکر شاعرانه ساده لوحانه دوران باستان تفاوت داشت.
فصل 2.گاه شماری از توسعه سبک
دوره اول اواسط دهه 1880 تا 1900 را در بر می گیرد. - زمان ظهور و توسعه گرایش های نمادین در کار شرکت کنندگان حلقه آبرامتسوفو و هنرمندان مسکو، انجمن "دنیای هنر"؛
دوره دوم محدود به 1900-14 است. - اوج جنبش نمادگرایی در ادبیات، تئاتر و هنرهای پلاستیکی، زمانی که وروبل، بوریسوف-موساتوف، استادان "دنیای هنر" و جوانان "رز آبی" در حال خلق کردن بودند، و زمانی که اصول نمادگرایی به طور منحصر به فرد در آثار آوانگارد اولیه روسیه اجرا شد.
سوم با دوران جنگ جهانی اول و انقلابی که در روسیه آغاز شد (1914-1920) مرتبط است - در مشکلات و دستاوردهای آن یکپارچه است.
با بحران جنبش پوپولیستی در دهه 90. بسیاری از هنرمندان Peredvizhniki کاهش خلاقیت را تجربه کردند. فرآیندهای پیچیده زندگی، تنوع اشکال زندگی هنری این سال ها را تعیین کرد.
سبک نقاشی آزاد و گسترده نتیجه تکامل در توسعه وسایل بصری در همه ژانرها در آغاز قرن است. در جستجوی "زیبایی و هماهنگی"، هنرمندان خود را در انواع تکنیک ها و انواع هنر امتحان می کنند - از نقاشی یادبود و دکوراسیون تئاتر گرفته تا طراحی کتاب و هنرهای تزئینی.
در آغاز قرن، سبکی پدیدار شد که تمام هنرهای پلاستیکی را تحت تأثیر قرار داد، به نام Art Nouveau. این پدیده مبهم است، در مدرنیته نیز پرمدعای انحطاطی وجود دارد، ادعایی که عمدتاً برای سلیقه های بورژوایی طراحی شده است، اما تمایل به وحدت سبک نیز وجود دارد که به خودی خود معروف است. در نقاشی، هنر نو خود را از طریق نمادگرایی تصاویر و تمایل به تمثیل نشان داد.
فصل 3.انجمن هنرمندانرز آبی
1900 - اوایل 1910 اوج نمایشگاه‌های هنری بود: نمایشگاه‌های جوامع جهانی هنر، مشارکت مسکو، اتحادیه جوانان، و نمایشگاه‌های بهاری آکادمی هنر. یکبار مصرف - "رز اسکارلت"، "رز آبی"، "استفانوس"، "اکلیل"، Salonov S.K. Makorovsky، V.A. Izdebsky، و سالن های پشم طلایی، تکامل نقاشی روسی را از امپرسیونیسم و نمادگرایی به نئو بدوی گرایی، مکعب آینده گرایی، اکسپرسیونیسم انتزاعی و «هنر تحلیلی» به تصویر کشیدند.
در پایان قرن نوزدهم - آغاز قرن بیستم، جامعه ای متشکل از شانزده نقاش جوان در مدرسه نقاشی، مجسمه سازی و معماری مسکو تشکیل شد که بعدها نام "رز آبی" را دریافت کرد. رهبران آنها، پاول کوزنتسوف و پیوتر اوتکین، از شهر باستانی ولگا ساراتوف آمده بودند. این گروه علاوه بر آنها شامل: الف.الف. آراپوف، N.N. فئوفیلاکتوف، N.P. کریموف، ن.د. میلیوتی، ن.ن. ساپونوف، م.اس. ساریان، اس.یو. سودیکین، مجسمه ساز A.T. ماتویف، K.S. پتروف-ودکین در آغاز کار خلاقانه خود و دیگران. M.A. وروبل در نمایشگاه های آنها شرکت کرد. مانند «نابیدها» فرانسوی (هنرمند-پیامبران: Bonnard، Vuillard، Denis)، آنها خود را منادی نوع جدیدی از هنر می دانستند که هدف اصلی آن ایجاد تابلویی نقاشی در مقیاس بزرگ است که ترکیب می شود. انواع هنر: نقاشی، معماری، موسیقی، شعر و همچنین هنرهای نمایشی و تزئینی. اهمیت ویژه ای به موسیقی با بی نهایت بودن، بداهه نوازی و معنویت آن داده شد.
ریتم موسیقایی نقاشی ها آنها را به زندگی خود واداشت، موجودی متعالی را خلق کرد که خارج از زمان و مکان واقعی وجود داشت. در این نمادهای آغشته به موسیقی، می توان ارتباط با نقاشی های دیگر نمایندگان نمادگرایی اروپایی را احساس کرد: تابلوهای معروف A. Matisse "Dance"، "Music"، "Adagio"، "Symphony" اثر P. Signac، " رقصندگان آبی» اثر دگا، پوسترهای تئاتر تولوز لوترک... Belova O.Yu. انجمن هنری "رز آبی" // http://www.portal-slovo.ru/
در سال 1904، هنرمندان نمایشگاه "رز قرمز" را در ساراتوف برگزار کردند. گل رز که در این عنوان به چشم می خورد نمادی متافیزیکی است که از قرون وسطی شناخته شده است و مورد علاقه فیلسوفان شرق و غرب است. نام رز راز ابدی رمز مخفی کیهان است. بوریسوف-موساتوف نیز در این نمایشگاه شرکت داشت.
به زودی رنگ قرمز افزایش یافت زیرا رنگ واقعیت، طراوت، گوشت و خون هنرمندان را راضی نمی کند و به سایه آبی-آبی تبدیل می شود. از این پس انجمن نقاشان «رز آبی» نام دارد. ترجیح به رنگ آبی فقط یک بیانیه مد نیست. رنگ های آبی نمادی از دوران هنر نو هستند. این رنگ نقاشی‌های دیواری قرون وسطایی در اسپانیا، انگلیس، روسیه، نسخه‌های خطی منور و میناکاری‌های مجلل است. نقاشی ال گرکوی بزرگ نیز سایه ای سرد و غیرمعمول از آبی دارد. اگر در نمادگرایی و تاریخچه رنگ آبی عمیق‌تر شویم، می‌توانیم متوجه شویم که عهد باستان سایه‌های آبی را دوست نداشتند، در حالی که بنفش گرانبها را واقعاً سلطنتی می‌دانستند. پیروزی آبی را می توان مستقیماً با پیروزی مسیحیت اروپایی در طول قرون وسطی بالغ مرتبط دانست. میشل پاستورو در کتاب تاریخ نمادین قرون وسطی، تسلط آبی را "انقلاب آبی" می نامد که در دهه 1140 در فرانسه آغاز شد و سپس بقیه کشورهای اروپایی را در بر گرفت. "به طور غیرمنتظره ای به تمام اشکال خلاقیت هنری حمله می کند، به رنگ مسیح و مریم باکره می شود، سپس به رنگ پادشاهان و شاهزادگان می شود و از اواخر قرن دوازدهم حتی شروع به رقابت با قرمز در بسیاری از زمینه های زندگی عمومی می کند. قرن آینده به قرن بزرگ آبی تبدیل می شود." از قرن چهاردهم، این رنگ به رنگ مورد علاقه تمدن اروپایی، نماد آن تبدیل شده است.
در طی چندین قرن، رنگ آبی درخشان ردای سلطنتی جهان قرون وسطی دستخوش یک سری دگردیسی شد. به ویژه، از زمان رمانتیسم اوایل قرن نوزدهم، آبی به نماد تنهایی جهانی، ایده آلی دور و غیرقابل درک تبدیل شده است. در پایان قرن نوزدهم - آغاز قرن بیستم، تحت تأثیر اثر فلسفی اُ. اشپنگلر "زوال اروپا"، این رنگ مهر طرد، غم و اندوه و مرگ فرهنگ فاوستی را دارد.
بنابراین، آثار گولوبروزویت ها، به این ترتیب، با دنیای سرد آبی-آبی سزان، آثار «دوره آبی» پابلو پیکاسو، همتراز می شوند. هافمن I. رز آبی. M. 2004
با این حال، غم و اندوه غنایی برخی از آثار هنرمندان گل رز آبی (تأثیر نقاشی های بوریسوف-موساتوف) عامل اصلی جهان بینی آنها نیست. برای جوانانی که بار غم فاوستی بر دوششان نیست، آبی رنگ فانتزی، اسطوره و شکل‌گیری دنیایی جدید است. در این راستا، نقاشی های پاول کوزنتسوف "چشمه آبی" (1905، مسکو. گالری دولتی ترتیاکوف.) و "دید در استپ" (1910، مسکو. گالری ایالتی ترتیاکوف.)، که در آن واقعیت روزمره تحت تأثیر تغییر می کند. از جادو، مانند کار M. Maeterlinck "The Blue Bird" نشان دهنده هستند.
در 18 مارس 1907، یک نمایشگاه سالگرد در خانه بازرگانی M. S. Kuznetsov در Myasnitskaya برگزار شد، به مناسبت دهمین سالگرد این گروه از هنرمندان جوان نمادگرا. این به یک رویداد دورانی در تاریخ هنر روسیه تبدیل شد. در این نمایشگاه N. Sapunov، A. A. Arapov، P. V. Kuznetsov، N. P. Krymov، برادران N. D. و V. D. Milioti، N. P. Feofilaktov شرکت کردند. جهت جدید در هنر پس از عنوان نمایشگاه "Goluborozovsky" نامیده شد. Belova O.Yu. انجمن هنری "رز آبی" // http://www.portal-slovo.ru/
پی کوزنتسوف دوباره موضوع فواره ("چشمه سفید")، ساریان - افسانه ها و رویاها را توسعه داد، اوتکین موتیف "شب ها" را ادامه داد. اما اکنون "رز آبی" برای اولین بار نماد خود را به دست آورد و احساسات آن دوران را بیان می کند و به همراه N. Ryabushinsky که با آنها به عنوان یک هنرمند عمل می کرد به یک گروه نزدیک از 16 نفر تبدیل شد.
مالویچ نماد "رز آبی" را اینگونه درک کرد: "او (گل رز) به عنوان بهترین و ظریف موجود از همه گل هایی که در میان گل های فاسد مغازه ها و بلوارها دیده نمی شود انتخاب شد."
برعکس، برای ای. گرابار، نمایشگاه مانند یک هوی و هوس جوانی به نظر می رسید، یک شیطنت نمادین: «نمایشگاه «خوشایند»های غیرقابل بخشش و «طعم» حیرت آور متفاوتی داشت.
کلی بحث و جدل در اطراف نمایشگاه به راه افتاد و در مرکز آن، خانه تجارت M.S. کوزنتسوف که اکنون به عنوان مهد نمادگرایی تلقی می شود. و این همه است. سپس مسیرها از هم جدا می شوند. Matvey Sidorovich Kuznetsov با ذائقه سنتی خود نتوانست خلاقیت "Goluborozovies" را کاملاً قدردانی کند. اگرچه در برخی موارد منافع آنها مطابقت داشت. به عنوان مثال، آثار تزئینی Sapunov و Golovin به نظر می رسید که برای چینی ساخته شده است. با این حال، اثر «هورتانسی آبی» اثر ساپونوف که کوزنتسوف آن را دوست داشت، توسط تاجر ترتیاکوف از قبل خریداری شد و در خانه او به نمایش گذاشته نشد و همکاری با کارخانه‌های چینی کوزنتسوف و تکرار نقاشی‌های آنها با جاه‌طلبی‌های ناپلئونی مطابقت نداشت. جوانان هافمن I. رز آبی. M. 2004
شماره پنجم مجله پشم طلایی حاوی مقاله ای تحلیلی از اس. ماکوفسکی در مورد این نمایشگاه بود که پس از آن این جهت جدید شناخته شد: در آوریل همان سال، انجمن زیبایی شناسی آزاد - انجمنی از نخبگان فرهنگی، طراحی شده بود. ارتقای موفقیت و توسعه هنر و ادبیات و ارتقای ارتباط بین چهره ها. اعضای آن عبارتند از: Bryusov، Bely، Voloshin، Stanislavsky، Chaliapin، Morozov و Shchukin، Serov، I. Grabar. از آبی ها: آراپوف، دریتنپریس، کریموف، کوزنتسوف، میلیوتی، ساپونوف، ساریان، سودیکین.
همه اعضای انجمن رز آبی بلافاصله پس از نمایشگاه در همه جهات پراکنده شدند و سفارشات گسترده ای از مشتریان خود دریافت کردند. کوزنتسوف ویلای ریابوشینسکی "قوی سیاه"، ساپونوف و خانه سودیکین نوسوف ها را تزئین می کند، دریتنپریس طراحی تزئینی اتاق جلسه انجمن "زیبایی شناسی آزاد" را طراحی می کند، سپس فضای داخلی "باشگاه شکار روسیه" را تزئین می کند و خانه ای روستایی را طراحی می کند. در ایوانوو-وزنسنسسک. کوزنتسوف، اوتکین، ماتویف کار بر روی طراحی تزئینی مجموعه معماری و پارک املاک ژوکوفسکی در کریمه (کوچوک-کوی) را آغاز کردند.
رویداد مهم بعدی در زندگی گلوبروزووی ها اولین نمایشگاه روسی-فرانسوی در سال 1908 با عنوان "سالن پشم طلایی" بود. در بخشی از این رویداد، گفتگوی بین هنرمندان نمادگرای روسی و فرانسوی برگزار شد. در میان دومی ها بونارد، براک، دگا، دنیس، دیرین، سزان، گوگن، ون گوگ، مارکه، ماتیس، رنوار، روو، بوردل، مایلول، رودن و دیگران بودند.
هنرمندان رز آبی روسی تحت تأثیر هنر نوآورانه اروپایی، پانل های زیبای خود را تزئینی تر می کنند. هنرمندان روز به روز از ثمرات تمدن دورتر می شوند. آنها توسط واقعیت اولیه جذب می شوند - دنیای استپ باستانی (P. Kuznetsov)، زندگی شرق (M. Saryan)، دنیای فولکلور روسیه (N. Milioti)، عنصر عامیانه نمایشگاه ها و غرفه ها ( N. Sapunov، S. Sudeikin). دومی زندگی خود را با هنرهای نمایشی و تزئینی پیوند داد و پس از مهاجرت به نیویورک، منحصراً بر طراحی اجراها در کاونت گاردن و اپرای متروپولیتن تمرکز کرد. Belova O.Yu. انجمن هنری "رز آبی" // http://www.portal-slovo.ru/
در آن زمان، تئاتر به مؤثرترین حوزه نه تنها بصری، بلکه جهانی تبدیل واقعیت تبدیل شد. این او بود که معلوم شد زمینی است که نقاشی "رز آبی" و نمادگرایی مستقیماً با هم روبرو می شوند. جالب ترین نسخه از این گفت و گوی بین نقاشی و نمادگرایی در تئاتر توسط کار N. N. Sapunov (1880-1912) نشان داده شده است.
به همراه یکی دیگر از استادان "رز آبی" - S.Yu. سودیکین (1882-1946) او اولین طراح درام های نمادین در روسیه توسط M. Maeterlinck (در استودیوی تئاتر هنری مسکو در پووارسکایا، 1905) شد. اینجاست که همکاری ساپانوف با Vs آغاز شد. Meyerhold - در تولیدات Ibsen's Hedda Gabler و Blok's Showcase. آلنوف M.M. تاریخ هنر روسیه و شوروی M.: بالاتر. مدرسه، 1989.
فصل 4.نمایندگان سمبولیسم روسیه
4.1 P. Kuznetsov
نقاشی نمادگرایی روسی
طبیعت به P.V. Kuznetsov یک هدیه هنری درخشان و انرژی پایان ناپذیر روح اعطا کرد. احساس تحسین از زندگی هنرمند را تا پیری رها نکرد. هنر برای او شکلی از وجود بود.
کوزنتسوف در کودکی در کارگاه پدرش که یک نقاش شمایل بود، با هنرهای زیبا آشنا شد. هنگامی که تمایلات هنری پسر به وضوح مشخص شد، او وارد استودیوی نقاشی و طراحی در انجمن عاشقان هنرهای زیبای ساراتوف شد و چندین سال در آنجا تحصیل کرد (96-1891).
یک رویداد بسیار مهم در زندگی او ملاقات او با V. E. Borisov-Musatov بود که تأثیر قوی و مفیدی بر جوانان هنری ساراتوف داشت. نقاشی روسی. P.V. Kuznetsov. // http://www.artsait.ru/
در سال 1897، کوزنتسوف به طرز درخشانی امتحانات مدرسه نقاشی و نقاشی مسکو را گذراند. او به خوبی درس می خواند و نه تنها به دلیل درخشندگی استعدادش، بلکه به خاطر اشتیاق واقعی اش به کار نیز متمایز بود. در این سالها، کوزنتسوف تحت طلسم هنر تصویری K. A. Korovin بود. تأثیر انضباطی V. A. Serov کمتر عمیق نبود.
در همان زمان، گروهی از دانش آموزان در اطراف کوزنتسوف تجمع کردند که بعداً به عضویت جامعه خلاق مشهور "رز آبی" درآمد. از امپرسیونیسم تا نمادگرایی - این روند اصلی است که جستجوهای کوزنتسوف را در دوره اولیه خلاقیت او تعیین کرد. این هنرمند جوان پس از ادای احترام به نقاشی هوای معمولی، به دنبال یافتن زبانی بود که بتواند نه چندان تأثیرات دنیای مرئی، بلکه وضعیت روح را منعکس کند.
در این مسیر، نقاشی به شعر و موسیقی نزدیک شد، گویی محدودیت امکانات بصری را محک زد. از جمله شرایط همراه مهم، مشارکت کوزنتسوف و دوستانش در طراحی اجراهای نمادین و همکاری در مجلات نمادین است. نقاشی روسی. P.V. Kuznetsov. // http://www.artsait.ru/
در سال 1902، کوزنتسوف با دو رفیق - K. S. Petrov-Vodkin و P. S. Utkin - آزمایش نقاشی را در کلیسای ساراتوف مادر خدا کازان انجام داد. هنرمندان جوان با رعایت قوانین خود را محدود نکردند و تخیل خود را کاملاً کنترل کردند. این آزمایش مخاطره آمیز باعث طوفانی از خشم عمومی و اتهامات توهین به مقدسات شد - نقاشی ها از بین رفتند ، اما برای خود هنرمندان این تجربه به گام مهمی در جستجوی بیان تصویری جدید تبدیل شد.
گوشت دنیای مرئی در نقاشی‌های او ذوب می‌شود، دیدهای تصویری او تقریباً سورئال هستند و از تصاویر سایه‌ای بافته شده که حرکات ظریف روح را نشان می‌دهند. موتیف مورد علاقه کوزنتسوف فواره است (Ill. 1); این هنرمند در کودکی مجذوب منظره چرخه آب بود و اکنون خاطرات آن بر روی بوم‌هایی زنده شده است که موضوع چرخه ابدی زندگی را تغییر می‌دهد.
کوزنتسوف مانند موساتوف، مزاج را ترجیح می دهد، اما از قابلیت های تزئینی آن به شیوه ای بسیار بدیع استفاده می کند، گویی با چشمی به تکنیک های امپرسیونیسم. به نظر می رسد که سایه های سفید رنگ در تلاش هستند تا در یک کل ادغام شوند: نور کم رنگ - و به نظر می رسد تصویر در مه رنگی پوشانده شده است ("صبح" ، "چشمه آبی" ، هر دو 1905؛ "تولد" ، 1906 و غیره).
یکی از مهمترین رویدادهای زندگی هنری روسیه در آغاز قرن، نمایشگاه "رز آبی" بود که در بهار سال 1907 در مسکو افتتاح شد. کوزنتسوف به عنوان یکی از آغاز کنندگان این اقدام، به عنوان رهبر هنری نیز عمل کرد. کل جنبش، که از آن زمان "Goluborozovsky" نامیده می شود. در اواخر دهه 1900. این هنرمند یک بحران خلاقانه را تجربه کرد. عجیب بودن کار او گاهی دردناک می شد; به نظر می رسید که او خود را خسته کرده بود و نمی توانست انتظاراتی را که از او داشت برآورده کند. از همه مهمتر احیای کوزنتسوف بود که به شرق روی آورد. نقاشی روسی. P.V. Kuznetsov. // http://www.artsait.ru/
4.2 V.E. بوریسوف-موساتوف
ویکتور بوریسف-موساتوف در مدرسه نقاشی، مجسمه سازی و معماری مسکو (1890-1891، 1893-95)، در آکادمی هنر سنت پترزبورگ زیر نظر P. P. Chistyakov (1891-1893) و همچنین در استودیو F. کورمون (1895-1898) در پاریس. از سال 1898 او عمدتاً در ساراتوف و از 1903 - در پودولسک و تاروسا زندگی می کرد.
او که تحت تأثیر P. Puvis de Chavannes و بخشی از استادان امپرسیونیسم قرار گرفته بود، لطیف ترین حس محیط نور-هوای طبیعی را با فانتزی شاعرانه ترکیب کرد و این محیط را به میدان سراب و رویاهای نوستالژیک تبدیل کرد. نقاشی روسی. V.E. بوریسوف-موساتوف // http://www.artsait.ru/
قبلاً در نقاشی های اولیه هوای اولیه بوریسوف-موساتوف احساس رمز و راز هیجان انگیز و غیرقابل توضیحی وجود دارد ("پنجره" ، 1886 ، گالری ترتیاکوف). موتیف اصلی که از طریق آن "دنیای متفاوت" پنهان شده در زیر مه رنگ ها برای هنرمند باز می شود "لانه های نجیب"، املاک باستانی در حال پوسیدگی هستند (او معمولاً در املاک اسلپتسووکا و زوبریلوکا در استان ساراتوف کار می کرد). ریتم‌های صاف و «موسیقی» نقاشی‌ها بارها و بارها مضامین مورد علاقه بوریسوف-موساتوف را بازتولید می‌کنند: اینها گوشه‌هایی از پارک و چهره‌های زن (خواهر و همسر هنرمند) هستند که به نظر می‌رسد تصاویری از روح‌های انسانی سرگردان در قلمرو ماورایی هستند. از خواب
استاد در بیشتر آثار خود آبرنگ، تمپر یا پاستل را به روغن ترجیح می دهد و به سبکی خاص و «ذوب» ضربه قلم مو دست می یابد.
تصاویر نقاشی ارواح (Ill. 2) از برداشت های پرتره های قرن 18 الهام گرفته شده است. تصادفی نیست که نقاش پرتره مورد علاقه بوریسوف-موساتوف در گذشته فئودور روکوتوف بود. این استادان از چنین دوره های مختلف با توانایی دیدن جوهر معنوی جهان در زیر پوسته واقعیت متحد شده اند. هنرمند به احساس بی ثباتی در تصویر دست می یابد. پایه بافته شده بوم درشت دانه از میان نازک ترین لایه های رنگ ظاهر می شود. تصویر جهان تبدیل به پرده ای نیمه شفاف اما تمام نشدنی می شود که در پشت آن نوری غیرزمینی نمایان می شود. به نظر می رسد نگاه ما تار عنکبوت را یکی پس از دیگری تار عنکبوت را از بین می برد. بنابراین، فرار چهره‌های شبح‌آلود بی‌پایان به نظر می‌رسد، که بارها و بارها در تاب خوردن سراب فضا منعکس می‌شود، مانند پژواک موسیقی که در دوردست محو می‌شود. حرکت چهره ها خودبخودی است، تابع اراده نیست. Serednyakova E. G. "نقاشی روسی اواخر قرن 19 - اوایل قرن 20" (مقدمه ای بر گالری ترتیاکوف. M.: گالری ایالتی ترتیاکوف، 2008
تصاویر زنانه بوریسوف-موساتوف آیین عرفانی زنانگی ابدی را در نمادگرایی روسی منعکس می کند.
خلق و خوی رویایی این هنرمند («من در دنیایی از رویاها و خیالات در میان نخلستان های توس زندگی می کنم، در خواب عمیق مه های پاییزی چرت می زنم»، او در سال 1905 از تاروسا به A. N. Benois می نویسد) اثر او را از حس تاریخی بودن محروم نمی کند. .
شعرهای زندگی ملکی با او پر شده است (درست مانند ادبیات آن زمان - در آثار A.P. Chekhov، I.A. Bunin، A. Bely و غیره) با پیشگویی نزدیک شدن به نقاط عطف مرگبار و فاجعه بار. مرگ زودهنگام استاد درک تصاویر او را به عنوان یک مرثیه غنایی تقدیم به روسیه قدیم تقویت کرد. بوریسوف-موساتوف سلف بلافصل هنرمندان رز آبی بود که به ویژه با احترام عمیق به میراث او متحد شدند. نقاشی روسی. V.E. بوریسوف-موساتوف // http://www.artsait.ru/
4.3 N. Roerich
نیکلای کنستانتینویچ روریچ، نقاش و باستان شناس، نویسنده و فیلسوف، جهانگرد و چهره عمومی روسی، یکی از برجسته ترین چهره های نمادگرایی و مدرنیسم روسی، مردی افسانه ای بود.
معلم نیکلای کنستانتینویچ در آکادمی هنر A.I Kuindzhi بود که نقش بزرگی در زندگی Roerich ایفا کرد.
روریچ به یاد می آورد: "کوئینجی قدرتمند نه تنها یک هنرمند بزرگ، بلکه یک معلم بزرگ زندگی نیز بود." او معتقد بود که هم ترکیب نقاشی و هم تکنیک اجرا باید تابع محتوای هنری تصویر باشد. نقاشی روسی. N. Roerich // http://www.artsait.ru/
در 1900 - 1901 روریش مهارت های نقاشی خود را در استودیوی نقاش تاریخی آکادمیک فرناند کورمون در پاریس بهبود بخشید. کورمون طرح‌های روسی روریش را بسیار دوست داشت و از هنرمند جوان در آرزوهای هنری‌اش حمایت کرد.
روریش معلم معنوی خود را پوویس دو شاوان، دیوارنگار مشهور فرانسوی می دانست که تأثیر زیادی بر سبک سبک این هنرمند داشت. یکی از اولین کارهایی که روریچ در پاریس آغاز کرد، نقاشی "بت ها" در سال 1901 بود که در اثری که ویژگی های جدیدی از کار او ظاهر شد: میل به روابط رنگی تزئینی و تعمیم فرم ها. نقاشی‌های او «مهمان‌های خارجی» و «مهمان‌های خارج از کشور» که در اوایل دهه 1900 نوشته شده‌اند، سبک‌سازی از دوران باستان اسلاو هستند. Roerich نماینده برجسته سبک Art Nouveau است که با تزئینات، جلوه های تصویری بدیع و غلبه زیور آلات گل مشخص می شود. نقاشی روسی. N. Roerich // http://www.artsait.ru/
روریش دیگر به اهداف آموزشی سمبولیست ها نزدیک نبود. او به هدف والای هنرمند و هنر متقاعد شده بود. در سال 1904 ، این هنرمند با مجله Bryusov "Vesy" همکاری کرد که برای آن دو مقاله در مورد وظایف هنر نوشت. روریچ به طور کامل شماره اوت 1905 "Libra" را طراحی کرد و جلد "Tsar"، پیشانی بند "After the Storm" و عکس‌هایی را ساخت. در همین شماره، تصاویر او برای «شاهزاده خانم مالن» نوشته ام. مترلینک، یک افسانه و نقاشی با موضوع هندی، «دواساری آبونتو با پرندگان» و «دواساری آبونتو تبدیل به سنگ می‌شود» است.
در بهار سال 1905، اولین نمایشگاه روریچ در خارج از کشور در پراگ برگزار شد. متعاقباً، این نمایشگاه در وین، ونیز، مونیخ، برلین، دوسلدورف و در سالن پاییز پاریس به نمایش گذاشته شد و با موفقیت بسیار همراه بود.
از 1906 تا 1914 این هنرمند فعالانه در زمینه نقاشی یادگاری و تزئینی فعالیت می کند (Ill. 3). از سال 1910، N.K Roerich به عنوان رئیس انجمن نمایشگاه احیا شده "World of Art" انتخاب شد (اولین مورد که به ابتکار دیاگیلف و بنویس ایجاد شد، از سال 1898 تا 1903 وجود داشت) که شامل هنرمندان برجسته ای مانند Serov، Kustodiev، Benois، Petrov بود. -ودکین، سوموف، گرابار، براز، لانسر، کورووین و دیگران.
روریچ در سال 1909 انتشار نمایشنامه های ام. مترلینک را طراحی کرد. در همان سال، روریچ نقاشی "نبرد آسمانی" را تکمیل کرد و در سال 1912 تکرار کرد که با معنویت و پویایی تصویر خلق شده مجذوب می شود. این نقاشی مظهر مواضع ایدئولوژیک و زیبایی شناختی روریش است.
به گفته ام. گورکی، روریچ به دنبال یافتن کلیدهای مخفی اسرار مدرنیته در اسطوره های باستانی بود. نقاشی روسی. N. Roerich // http://www.artsait.ru/
4.4 K.S. پتروف-ودکین
ویژگی های سطح تصویری به عنوان یک میدان معماری شامل امکانات بیانی است که داده نمی شود، بلکه به تصویر داده می شود، همانطور که قوانین گرانش به حرکت اجسام داده می شود یا به ریتم، اندازه و ترتیب قافیه ها داده می شود. آیه بررسی این احتمالات آزمایشی بود که توسط هنر انتزاعی انجام شد. در این مسیر به سمت اصول اولیه تأثیر هنری، نهفته در ساختار حافظه بشری، هنر قرن بیستم ناگزیر باید با جهان‌های هنری روبرو می‌شد که در آن قوانین جستجو شده بیان قبلاً در کمال اصل تحقق یافته بودند. . جدید به قدیمی های فراموش شده دست داد - و تقریباً همه استادان به اصطلاح آوانگارد در هنر قرن بیستم از چنین تماسی گذشتند. آلنوف M.M. تاریخ هنر روسیه و شوروی M.: بالاتر. مدرسه، 1989.
در میان آنها، یک مکان برجسته متعلق به K. S. Petrov-Vodkin (1878--1939) است. مسیر طولانی توسعه خلاقانه این استاد، سرشار از جستجوهای پیچیده، با خلق نقاشی "حمام اسب سرخ" در سال 1912 به اوج خود رسید. این اثر نه تنها به دلیل محتوای داخلی آن، بلکه به دلیل تمرکز بر بسیاری از موضوعات مبرم هنر اوایل قرن بیستم نیز قابل توجه است. این خود مانند یک تماس و یک سؤال به نظر می رسد، و در درجه اول به این دلیل است که آن وضوح و بیان فرم، بازآفرینی و دگرگونی تصاویر واقعیت، که هنر قرن بیستم بسیار دردناک برای آن تلاش کرد، در اینجا از طریق تسلط بر درس ها به دست آمد. نقاشی باستانی روسیه این اثر که مستقیماً تداوم نقاشی شمایل را اعلام می کند، ما را در همان زمان به یاد "تجاوز به اروپا" اثر سرووف می اندازد که پتروف-ودکین با او در مدرسه مسکو تحصیل کرده است. تصویر سوار بر اسبی که فکر را به ایده‌های فولکلور تبدیل می‌کند، در حل‌ناپذیری ضعیف جنبش منجمد، سؤالی را به وجود می‌آورد. شادی جشن رنگ و ریتم خواب‌آلود و سحرآمیز خطوط، اسبی قدرتمند و پسر نوجوانی که در اندیشه‌ای مبهم یخ زده، به راحتی افسار را رها می‌کند و تسلیم قدرت نیرویی می‌شود که او را به مقصدی نامعلوم می‌کشاند. خاطرات گذشته و پیشگویی مبهم از آینده - این ترکیب عناصر متضاد در ساختار درونی آن نمادین است. به همین دلیل، معاصران آن را به عنوان نمادی از لحظه تجربه تلقی کردند.
در سیستم تصویری پتروف-ودکین (Ill. 4)، همه کیفیت‌های جهان مورد مشاهده به حالت‌های نهایی و مطلق خود تمایل دارند: رنگ به سمت خالص طیفی جذب می‌شود، از نوسانات جوی رها می‌شود، نور دارای ویژگی یک «ابدی» اختری است. آفتاب، خط افق انحنای سیاره سطح زمین را مطابق اصل به اصطلاح پرسپکتیو کروی بازتولید می کند، که هر آنچه در فضای تصویر درونی اتفاق می افتد را به رتبه پدیده ها در مقیاس کیهانی تبدیل می کند. در انواع اشکال مدرن تعمیم هنری، پتروف-ودکین آنهایی را که دارای آدرس تاریخی و هنری خاص هستند - نماد و نقاشی دیواری باستانی روسیه، و همچنین کواتروسنتو ایتالیایی، یعنی دقیقاً آن پدیده هایی در مقیاس ملی و ملی، جدا می کند. سنت هنری اروپا آلنوف M.M. تاریخ هنر روسیه و شوروی M.: بالاتر. مدرسه، 1989.
در هنر او گرایش‌های هنری که دور از هم به نظر می‌رسیدند در گره‌ای محکم کشیده شدند. آثار او جنجال‌های شدیدی را برانگیخت، درگیری‌های پرشور نظرات و ارزیابی‌های غالباً مستقیماً متضاد - از ستایش مشتاقانه تا تمسخر تحقیرآمیز (از جمله از سوی غول‌پیکری مانند رپین).
4.5 M. Vrubel
سبک خلاق وروبل، که سرانجام در اوایل دهه 1890 شکل گرفت، با تزئینات و بیان برجسته هنر بیزانسی و قدیمی روسیه و غنای رنگی نقاشی ونیزی مشخص می شود. وروبل طبیعت را معنوی می کند، آن را به معلم و مربی خود تبدیل می کند. او گفت که اساس همه زیبایی ها «شکلی است که برای همیشه توسط طبیعت ایجاد شده است. او حامل روح است...»
وروبل، به قول خود، «مکالمه ای با طبیعت می کند»، «به منحنی های بی پایان فرم نگاه می کند»، «در اندیشیدن به ظرافت ها غرق می شود» و جهان را «دنیایی از جزئیات شگفت انگیز بی پایان هماهنگ می بیند...» . نقاشی روسی. M. Vrubel // http://www.artsait.ru/
K. Korovin در مورد کار این هنرمند نوشت: "Vrubel به طرز شگفت انگیزی زیور آلات را نقاشی می کرد ، هرگز از جایی قرض نمی گرفت ، همیشه مال خودش است. وقتی کاغذ را می گرفت، اندازه را اندازه می گرفت، مداد یا خودکار یا قلم مو را در دستش به نحوی از پهلو گرفته بود، در جاهای مختلف کاغذ محکم خطوط می کشید و دائماً در جاهای مختلف به هم وصل می شد، سپس کل تصویر ظاهر شد. " در دنیای طبیعی، نزدیکترین تشبیه به روند توصیف شده ظهور یک تصویر از خطوط و سکته های اولیه پراکنده، تشکیل یک خط زینتی عجیب و غریب، که در آن ظاهر اشیاء آشنا به طور ناگهانی ظاهر می شود، تبلور یخ بر روی شیشه های یخ زده است.
در دوره مسکو ، این هنرمند پرتره هایی از S. I. Mamontov و K. D. Artsybushev نقاشی کرد. موضوع اصلی کار وروبل در این زمان موضوع دیو بود، که در آن او به صورت نمادین سوالات "ابدی" خیر و شر را مطرح می کند، ایده آل خود را برای یک شورشی تنها به تصویر می کشد که زندگی روزمره و بی عدالتی را نمی پذیرد. ایده ایجاد "چیزی شیطانی" در کیف بوجود آمد. در پاییز 1886، وروبل، اولین طرح های خود را به پدرش نشان داد، گفت که دیو روحی است «نه آنقدر بد که رنج و اندوه است، اما در عین حال یک روح قدرتمند است... با شکوه». نقاشی روسی. M. Vrubel // http://www.artsait.ru/
میخائیل الکساندرویچ دارای ویژگی های گرافیکی و فرم بود. او می‌توانست استادانه با هر کاری کنار بیاید، زیرا آن را چالشی برای مهارت خود می‌دانست: نقاشی بکشد، ظرفی بکشد، مجسمه‌ای کنده کاری کند، زیورآلات و نقاشی‌های منحصربه‌فرد بیاورد، پرده تئاتر بسازد. وروبل رویای ترکیب هنر با زندگی را در کار خود داشت. همه اینها او را به سبک Art Nouveau نزدیک کرد، چالشی که هنرمند پذیرفت. مدرنیسم به ویژه مشخصه برخی از تابلوهای وروبل است (سه‌گانه "فاوست" برای خانه A.V. Morozov در مسکو، 1856؛ "صبح، 1897)". اما کار این هنرمند فراتر از مدرنیسم و نمادگرایی است. او به دنبال خلق تصویری پیچیده و متحرک از جهان بود و در آثار خود دنیای احساسات انسانی و جهان طبیعت را با هم ترکیب می کرد ("پان" ، 1899 ، "به سوی شب" ، 1900 ، "لیلاک" ، 1900).
تا سال 1896، وروبل یکی از چهره های برجسته در حلقه آبرامتسوو، "هنرمند دربار" S. Mamontov بود. نقاشی روسی. M. Vrubel // http://www.artsait.ru/ او به طراحی داخلی در عمارت های حامیان و بورژواهای مسکو مشغول بود و ترجیح می داد از فانتزی هایی با موضوع دنیای باستان و افسانه های شوالیه قرون وسطی در طراحی آنها استفاده کند.
در آوریل 1910، الکساندر بلوک گزارشی "درباره وضعیت فعلی نمادگرایی روسیه" خواند، جایی که چندین بار به کار وروبل اشاره کرد. این گزارش حاوی تعدادی تلاقی متنی مستقیم با سخنرانی او "به یاد وروبل" بود. از نظر خلاقانه، تعدادی از نقاط تماس بین شعر بلوک و نقاشی‌های وروبل وجود دارد (رنگ‌های تراژیک آبی و یاسی و غیره) که بارها در ادبیات پژوهشی به آن اشاره شده است. خود بلوک وروبل را تحسین کرد، او را نابغه خواند و معتقد بود که این هنرمند بر او تأثیر گذاشته است.
این هنرمند با ادای احترام به گرایش های مختلف سبک، اول از همه یک نمادگرا بود. کار وروبل یکی از معرف ترین گزینه ها برای اجرای الگوی گونه شناختی نمادگرایی در حوزه هنرهای زیبا است (شکل 5). محققان خاطرنشان می کنند: «اگر بخواهیم به اختصار بیان کنیم که نمادگرایی وروبل در تجسم تصویری آن، به اصطلاح، چیست، قبل از هر چیز به میل استاد به شکلی معنوی، به کلیت نمادین - تمثیلی، برای نقاشی یادگاری، خالی اشاره می کنیم. ژانر و ویژگی های روزمره بیشتر از همه، وروبل به تبدیل دید طبیعی به بینایی مصنوعی و تعمیم یافته اهمیت می داد. مهارت های نقاشی Alpatov M.V. Anisimov G.A. - م.، 2000.
نتیجه گیری
بنابراین، نقاشی نمادین راهی برای انتقال تجربه فرهنگی و منبع رشد تفکر خلاق و تخیل فضایی است.
نمادگرایی روسی، بر خلاف نمادگرایی اروپای غربی، که در درجه اول به عنوان یک مکتب ادبی و هنری توسعه یافت، از همان لحظه پیدایش خود در پی فراتر رفتن از مرزهای خود هنر و تبدیل شدن به یک جنبش فرهنگی گسترده، یک جهان بینی خاص، با هدف بود. نجات و دگرگونی بشریت نمادگرایان روسی بر این باور بودند که یک هنرمند واقعی، به عنوان یک علم شناس، فراخوانده می شود تا نه تنها اشکال هنری زندگی را خلق کند. نمادگرایی روسی یکی از مظاهر معمول خلاقیت زندگی است.
سیستم های تصویری نمادگرایی روسی، که بر پایه های پلاستیکی و ادبی ساخته شده اند، یک مکتب ملی اصیل را تشکیل می دهند که جایگاه مهمی در نمادگرایی پاناروپایی در زمینه هنرهای پلاستیکی دارد.
تئوری و عمل نمادگرایی روسی اساساً مبتنی بر موسیقایی است، زیرا موسیقی کامل‌ترین شکل هنر است، همه اشکال دیگر هنر را شامل می‌شود و مستقیماً بیانگر جهان ماورایی است. جستجو و گسترش ابزارهای بیان موسیقی در نقاشی، حرکت به سمت خلق چنین نقاشی هایی، برای بازگرداندن یکپارچگی از دست رفته، وحدت جهان فراخوانده شد.
نمادگرایی تصویری روسی، که در آن اصول نظری اساسی نمادگرایی (مسئله آفرینش زندگی، تئورگی، سنتز و غیره) تحقق یافت، یکی از گرایش های پیشرو در هنر زیبای روسیه در اواخر قرن 19 و 20 است. سیستم‌های تصویری نمادگرایی روسی که بر پایه‌های پلاستیکی و ادبی بنا شده‌اند، یک مکتب ملی اصیل را تشکیل می‌دهند که جایگاه مهمی در تاریخ نمادگرایی پان اروپایی دارد. Wiederker V.V. نمادگرایی به عنوان یک پدیده فرهنگی: در مورد مواد نقاشی روسی در آستانه قرن 19-20. // چکیده پایان نامه داوطلب رشته مطالعات فرهنگی. - نووسیبیرسک، 2006.
بنابراین، در نقاشی روسی نمادگرایی، اصول نظری اساسی نمادگرایی، یعنی مسئله آفرینش زندگی، تئورگی، سنتز و غیره محقق شد.
به عنوان جهتی از نقاشی روسی در اوایل قرن بیستم، "رز آبی" به شاعرانگی نمادگرایی نزدیک است. پدیده هایی که در آنها ارتباطات و معانی غیرمعمول و بالا را بیدار می کند.
در هنرهای تجسمی، این منجر به اشتیاق به انواع دگرگونی ها در حوزه ادراک بصری می شود - به برش های پرسپکتیو تیز و زوایای غیرمنتظره که شکل اجسام را تغییر می دهد، به بازتاب در آب، روی شیشه، در آینه، به نور. ارتعاش هوا که خطوط و غیره را حل می کند. تاریخ هنر روسیه و شوروی M.: بالاتر. مدرسه، 1989.
انجمن هنری "رز آبی" در دوره اتحاد جماهیر شوروی به دلیل دور شدن از واقع گرایی، مرسوم بودن و تزئینات بیش از حد به طور غیرقابل قبولی "فراموش شد". و فقط اخیراً توانستیم واقعاً از اعتقاد فرزندان آنها به افسانه ها و جادو قدردانی کنیم.
فهرست منابع استفاده شده
1. آلنوف م.م. تاریخ هنر روسیه و شوروی M.: بالاتر. مدرسه، 1989. -- 448 ص.
2. Svetlov I.E.، Khrenov N.A. (ویرایش مسئول) نمادگرایی به عنوان یک جنبش هنری: نمایی از قرن بیست و یکم. مجموعه مقالات. - م.: موسسه دولتی مطالعات هنر، 1392. - 464 ص. (مجموعه "هنر در پویایی تاریخی فرهنگ")
3. Belova O.Yu. انجمن هنری "رز آبی" // http://www.portal-slovo.ru/
4. هافمن آی. رز آبی. - M. 2004.
5. Wiederker V.V. نمادگرایی به عنوان یک پدیده فرهنگی: در مورد مواد نقاشی روسی در آستانه قرن 19-20. // چکیده پایان نامه داوطلب رشته مطالعات فرهنگی. - نووسیبیرسک، 2006.
6. نقاشی روسی. P.V. Kuznetsov. // http://www.artsait.ru/
7. نقاشی روسی. V.E. بوریسوف-موساتوف // http://www.artsait.ru/
8. نقاشی روسی. N. Roerich // http://www.artsait.ru/
9. نقاشی روسی. M. Vrubel // http://www.artsait.ru/
10. Serednyakova E.G. "نقاشی روسی اواخر قرن نوزدهم - اوایل قرن بیستم" (مقدمه ای بر گالری ترتیاکوف. M.: گالری ایالتی ترتیاکوف، 2008.
11. Alpatov M.V., Anisimov G.A. مهارت های وروبل در نقاشی - م.، 2000.
لیست تصاویر در پیوست
1. P. Kuznetsov "fountain"، 1905. Tempera روی بوم 127x131cm. گالری دولتی ترتیاکوف، مسکو
2. V.E. Borisov-Musatov "ارواح"، 1903. رنگ روغن روی بوم 117x144.5 سانتی متر. گالری دولتی ترتیاکوف مسکو.
3. N. Roerich "Kiss the Earth"، 1912. طرح طراحی برای باله I. F. Stravinsky "The Rite of Spring".
4. ک.س. پتروف-ودکین "ساحل"، 1908. رنگ روغن روی بوم. 49x37 سانتی متر موزه دولتی روسیه، سنت پترزبورگ.
5. M. Vrubel “Pearl”, 1904. مقوا، پاستل، گواش، زغال چوب 35 x 43.7 سانتی متر.. گالری دولتی ترتیاکوف، مسکو.
برنامه کاربردی
Ill. 1 P. Kuznetsov "fountain"، 1905. Tempera روی بوم 127x131cm. گالری دولتی ترتیاکوف، مسکو
Ill.2 V.E. Borisov-Musatov "ارواح"، 1903. رنگ روغن روی بوم 117x144.5 سانتی متر. گالری دولتی ترتیاکوف مسکو.
بیمار.3. N. Roerich "Kiss the Earth"، 1912. طراحی صحنه برای باله I. F. Stravinsky "The Rite of Spring".
Ill.4 K.S. پتروف-ودکین "ساحل"، 1908. رنگ روغن روی بوم. 49x37 سانتی متر موزه دولتی روسیه، سنت پترزبورگ.
بیمار.5. M. Vrubel “Pearl”, 1904. مقوا، پاستل، گواش، زغال چوب 35 x 43.7 سانتی متر. گالری دولتی ترتیاکوف، مسکو.
ارسال شده در Allbest.ru
اسناد مشابه
خاستگاه و مفهوم نمادگرایی. شکل گیری هنرمند عصر نقره. دوره های تاریخ نمادگرایی روسی: گاهشماری توسعه. ویژگی های ژانر نقاشی در آستانه قرن 19-20. انجمن های هنری و مستعمرات هنری در نقاشی روسیه.
کار دوره، اضافه شده در 2011/06/17
مفهوم و ویژگی های متمایز جریان نمادگرایی در عرصه نقاشی. نمایندگان برجسته نمادگرایی روسی و خارجی، ارزیابی دستاوردهای خلاقانه آنها. تحلیل آثار معروف نمادگرایی، مضامین و اهمیت آنها در فرهنگ جهانی.
ارائه، اضافه شده در 2017/02/28
V.E. بوریسوف-موساتوف یک هنرمند روسی، نقاش، استاد تصاویر نمادین "لانه های نجیب" است. آسیب های دوران کودکی، آموزش های هنری نابسامان، موفقیت اولین نقاشی ها و محبوبیت نویسنده آنها، خلق مرثیه های منحصر به فرد در نقاشی.
ارائه، اضافه شده در 11/16/2009
بررسی ماهیت نمادگرایی و نمادگرایی در فرهنگ و هنر. تأییدی بر شخصیت نمادین هر هنر واقعی. نمادگرایی اروپای غربی و پیش نیازهای ظهور آن. اوج نمادگرایی روسی و نمایندگان آن.
کار دوره، اضافه شده در 12/15/2009
یک انجمن هنری کوتاه مدت که در سال 1907 در مسکو به وجود آمد. شکل گیری هنرمندان نمادگرا. انحصاری "رز آبی". شکوفایی زندگی فرهنگی ساراتوف. شاعرانگی نمادگرایی، جذب هنرمندان به مضامین عاشقانه و غیبی.
چکیده، اضافه شده در 1391/11/27
انجمن هنرمندان جوان "رز آبی". حساسیت شدید به تفاوت های ظریف حالات مبهم در نقاشی های کوزنتسوف، ساریان، ساپونوف. انجمن امپرسیونیست "جک از الماس". وظایف جدلی نقاشی در آثار ماشکوف و کنچالوفسکی.
چکیده، اضافه شده در 2009/07/29
شدت عصر نقره در محتوای خلاقانه، جستجو برای اشکال جدید بیان. جنبش های هنری اصلی "عصر نقره". ظهور نمادگرایی، آکمیسم، آینده نگری در ادبیات، کوبیسم و انتزاع گرایی در نقاشی، نمادگرایی در موسیقی.
چکیده، اضافه شده در 2010/03/18
نمادگرایی جنبشی در هنر است که در فرانسه، بلژیک و روسیه در اواخر قرن 19-20 به وجود آمد، اصول فلسفی و زیبایی‌شناختی آن. نماد به عنوان ابزار اصلی بیان محتوای عرفانی آثار ادبی، نقاشی، موسیقی، معماری.
ارائه، اضافه شده در 03/03/2015
توصیف نمادگرایی روسی به عنوان یک پدیده پیچیده و مبهم در فرهنگ هنری قرن 19-20، که در تاریخ هنر تعریف "عصر نقره" و اجرای آن در نقاشی، موسیقی، ادبیات و هنر تئاتر را به دست آورد.
کار دوره، اضافه شده 05/09/2011
عصر نقره به عنوان جلوه ای از رنسانس معنوی و هنری، نشان دهنده ظهور فرهنگ روسیه در اواخر قرن 19-20 است. مفهوم سریال کلامی. تحلیل و معنای نمادگرایی در ادبیات، موسیقی و نقاشی. ویژگی های تئاتر نمادین
در حال بارگیری...
