کلمه اپراترجمه از ایتالیایی به معنای "کار"، "ترکیب". در ابتدا ، اجرای موسیقی "درام برای موسیقی" - "درام روی موسیقی" یا "درام موسیقی" نامیده می شد که به آن اضافه شد - اپرا، یعنی کار کردنفلان آهنگساز

اولین اپراها در ایتالیا، در فلورانسدر اواخر قرن شانزدهم - هفدهم. نویسندگان آنها اعضای حلقه کوچکی از هنردوستان بودند که با حامیان ثروتمند هنر ملاقات کردند. جیووانی بردی و جاکوپو کورسی. این حلقه با نام در تاریخ موسیقی ثبت شد دوربین فلورانسی(Camerata ایتالیایی - دایره).

اعضای Camerata طرفداران بزرگی بودند هنر باستانیو رویای احیای تراژدی یونان باستان را در سر می پروراند. طبق توصیفات به جا مانده، آنها می دانستند که در طول اجرای تراژدی های آیسخلوس، سوفوکل، اوریپید، بازیگران تلفظ نمی کردند، اما آواز خواندمتن، و اینکه شامل یک گروه کر آواز و رقص بود. با این حال، آنها کوچکترین تصوری نداشتند که موسیقی چگونه است، زیرا آنها هیچ ماده مستندی در اختیار نداشتند (معدود ضبط های باقی مانده هنوز رمزگشایی نشده بودند). اما از سخنان فیلسوفان و شاعران قدیم به این نتیجه رسیدند که نحوه اجرای هنرپیشه‌های قدیم چیزی بین آواز و گفتار معمولی است و سعی می‌کردند آهنگی از همین نوع خلق کنند. نتیجه آزمایشات آنها خلقت بود تلاوت کننده- ملودی گفتار این ملودی آوازی با ماهیت نیمه آواز و نیمه دکلماتور بود که برای اجرای انفرادی با همراهی ساز در نظر گرفته شده بود. خود اعضای حلقه نوع ملودی خود را اینگونه توصیف می کنند:

"این نوع آواز که به نظر می رسد صحبت می کنید"(G. Caccini)

"خواندن در نیمه راه بین گفتار معمولی و ملودی ناب"(یا پری).

اولین اپرایی که در فلورانس ساخته شد باقی نمانده است. دو مورد دیگر تقریباً همزمان ظاهر شدند و در همان طرح نوشته شدند اسطوره معروفدر مورد اورفئوس هر دو اپرا یک عنوان داشتند - "اوریدیک". موسیقی یکی از آنها توسط Jacopo Peri و دیگری توسط Giulio Caccini نوشته شده است. نویسنده متن اوتاویو رینوچینی شاعر است.

اولین اپراهای فلورانس به شرح زیر بود:

• غلبه تلاوت،
• عدم وجود آریا و گروه
• عمل استاتیک

ژانر جدید بسیار سریع و سریع توسعه یافت. تجربه فلورانسی ها در شهرهای دیگر ایتالیا نیز پذیرفته شد و خیلی زود اولین آثار کلاسیک در تاریخ اپرا ظاهر شد. نویسنده آنها بود کلودیو مونتهوردی.

Monteverdi (1567-1643) - آهنگساز ایتالیایی که نامش در کنار نام ها آمده است. بزرگترین هنرمندانو شاعران رنسانس اگر نمی توان او را "مخترع" اپرا و سبک همفونیک- هارمونیک نامید، پس او بود که نمونه های درخشانی از یک سبک جدید و یک سبک جدید خلق کرد.

به لطف Monteverdi، اپرا در درجه اول به یک اثر موسیقی تبدیل شد: اکنون موسیقی شروع به اشغال نه یک فرعی، همانطور که قبلا بود، بلکه یک مکان اصلی کرد. برخلاف رسیتیتیوی یکنواخت پری و کاچینی، مونته‌وردی یک رسیتیتیوی شدیداً پرتنش و دراماتیک خلق کرد - با تغییرات ناگهانی در سرعت و ریتم، مکث‌های گویا. در همان زمان، مونتهوردی خود را به خوانندگی محدود نکرد: در اوج اپراهای خود، آریاهایی را گنجانده بود، جایی که ملودی دیگر دکلماتور نبود، بلکه ماهیت آهنگین داشت. گروه کر و ارکستر اهمیت زیادی پیدا کردند و بر اهمیت این یا آن لحظه درام تأکید کردند. همه اینها به مونوتوردی اجازه داد تا به وضوح دنیای درونی قهرمانان خود را آشکار کند.

اولین اپرای مونتهوردی "اورفیوس" و "آریادنه" (که تنها یک قطعه از آن باقی مانده است - " نوحه آریادنه"شهرت جهانی به دست آورد) - در مانتوا ظاهر شد. بعداً مونتهوردی به ونیز رفت و در آنجا بود آخرین دورهخلاقیت او (30 سال). در اینجا او به عنوان رئیس مدرسه اپرا جدید عمل کرد و آثاری مانند "بازگشت اولیس" و "تاج گذاری پوپیا". آنها مانند اورفئوس به ژانر "درام برای موسیقی" تعلق دارند که از نظر تاریخی به اولین نوع اپرا تبدیل شد.

"تاج گذاری پوپیا" اثری که یک سال قبل از مرگ مونتهوردی خلق شد، اوج تمام کارهای اوست. طرح اپرا از «سالنامه» (یعنی تواریخ) تاسیتوس، بزرگترین مورخ وام گرفته شده است. روم باستان. برای اولین بار در نیم قرن از وجود ژانر اپرا، وقایع نگاری های تاریخی جایگزین اسطوره ها شدند و شخصیت های تاریخی جایگزین خدایان و قهرمانان اسطوره ای شدند. در فرهنگ اپرادر قرن هفدهم هنوز اثری وجود نداشت که مانند وقایع نگاری شکسپیر، واقعی را بازتولید کند. رویدادهای تاریخی; به همین دلیل Poppea را "اولین اپرا در طرح تاریخی».

امپراتور ظالم و زیاده‌روی نرون تصمیم گرفت همسرش اوتاویا را خلع کند تا معشوقه‌اش، پوپیا زیبا را به تاج و تخت برساند. معلم نرون، فیلسوف سنکا، سعی می کند امپراتور را از لغو ازدواج منصرف کند، زیرا مردم روم با امپراتور همدردی می کنند. نرون که از این مقاومت خشمگین شده است، فیلسوف را به اعدام محکوم می کند.

اوتاویا قرار نیست بدون جنگ از موقعیت خود دست بکشد. او به اتو، شوهر پوپیا، دستور می دهد که رقیبش را بکشد. اتو که عاشق پوپیا است، سعی می کند از این مرحله اجتناب کند، اما اوتاویا او را به تسلیم باج می زند. اتو با لباس دروسیلا، دختر جوانی که عاشق اوست، وارد اتاق پاپیا می شود تا با خنجر به او ضربه بزند. با این حال، در آخرین لحظهتوطئه فاش می شود و همه شرکت کنندگان آن به تبعید می روند. نرون در مقابل کنسول ها و تریبون های رومی تاج گذاری می کند.

مخاطبان اپراهای اول به یک دایره بسیار باریک محدود بودند: اشراف دربار، عاشقان روشنفکر و خبره های هنر. اما به تدریج ژانر اپرا تبدیل شد دموکراتیک کردن، یعنی بیشتر تماس بگیرید به یک دایره وسیعشنوندگان

روند دموکراتیک شدن اپرا در دهه 20 قرن هفدهم آغاز شد. رم، کجا کاردینال باربرینیاولین خانه اپرا را ساخت. کلیسای کاتولیک عموماً از ژانر جدید حمایت می کرد و اهداف مذهبی و تبلیغاتی را دنبال می کرد. موضوعات مورد علاقه اپراهای رومی، زندگی قدیسان و داستان های اخلاقی درباره گناهکاران توبه کننده است. با این حال، در برخی از نقاط این طرح به طور غیر منتظره درج شد صحنه های طنز روزمرهبرای جذب شنونده معمولی این همان چیزی است که در اپرای رومی بسیار ارزشمند شد، زیرا به این ترتیب تصاویر واقع گرایانه از زندگی مردمی، موقعیت های روزمره، شخصیت های ساده و موسیقی محلی به اپرا نفوذ کردند. در میان آهنگسازان رومی، برجسته ترین آنها هستند استفانو لندیو لورتو ویتوری، که صاحب یکی از بهترین اپراهای این مدرسه است "گالاتیا" .

اپرا در شرایط کاملاً متفاوتی توسعه یافت. ونیز. مدیریت آن در اینجا به دست تجار مبتکر افتاد. در مدت کوتاهی، چندین تئاتر شهری عمومی در شهر ظاهر شد (اولین - سن کاسیانو) با یکدیگر رقابت می کنند.

تئاترهای ونیزی نه تنها مراکز فرهنگی، بلکه شرکت‌های تجاری نیز بودند. هدف اصلیکه - برای انجام کارمزد. در این راستا، اپرا به ذائقه عموم مردم وابسته شد که با آگاهان روشنفکر فلورانس یا بازدیدکنندگان اشرافی تئاترهای کاخ به عنوان «بهشت و زمین» تفاوت داشت. هیچ کس در اینجا به فکر احیای تراژدی باستانی نبود. اپرا باید مجذوب کننده می شد، حوصله جدیت بیش از حد را نداشت، برای ونیزی های معمولی حیاتی و قابل درک بود. بدین منظور برای اولین بار شروع به چاپ خلاصه های مختصری از اپراها در کتابهای کوچک خاص کردند (این گونه کتابها نامیده می شد. لیبرتو- ترجمه شده به عنوان "کتاب کوچک"). توطئه های اپرا پر از ماجراهای هیجان انگیز است (حملات ناگهانی، زلزله، دوئل، تعقیب و گریز). هنوز هم تکیه می کردند اسطوره های باستانیبا این حال، یا در مورد رویدادهای تاریخی، هر دو بسیار آزادانه تفسیر می شدند و اغلب مدرن می شدند. مثلاً در اپرای مونتوردی "بازگشت اولیس" اودیسه افسانه‌ای که به سفر می‌رفت، مانند همه بازرگانان ونیزی مورد بازرسی گمرک قرار گرفت. اپرای ونیزی، بسیار گسترده‌تر از اپرا رومی، قسمت‌های کمدی را از زندگی مردم عادی (خدمت‌کاران، صنعتگران، بازرگانان) معرفی کرد و همراه با آنها آهنگ‌های ایتالیایی را معرفی کرد. آهنگ های محلی. بنابراین، اپرای ونیزی ارتباط خود را با هنر عامیانه تقویت کرد.

در میان آهنگسازان مکتب اپرای ونیزی، پیروان مونتهوردی باید برجسته شوند فرانچسکو کوالیو تمبر آنتونیو آنر(در میان اپرای این آهنگساز، پرطرفدارترین موفقیت سیب طلایی بود که در آن از قسمت پاریس و هلن از تاریخ جنگ تروا استفاده شد).

دیرتر از دیگران - به پایان XVIIقرن - یک مدرسه اپرا در ناپل تشکیل شد که تاریخچه توسعه یک قرن اپرای ایتالیا را خلاصه می کند. جالب است که اپرای ناپل به خصوص از ایده آلی که دوربین فلورانسی آرزوی رسیدن به آن را داشت بسیار دور است. او بلافاصله خود را به عنوان اثری اعلام کرد که در آن نیروی پیشرو شعر نیست، بلکه موسیقی و آواز است. در ناپل بود که این گونه ایجاد شد آواز اپراکه به آن بل کانتو (آواز زیبا) می گفتند. به توانایی اجرای روان و زیبا یک ملودی آهنگین تنفس گسترده (cantilena) و حفظ مداوم این نرمی اشاره دارد. سبک بل کانتو بالاترین مهارت را از خواننده می خواهد: کنترل ماهرانه تنفس، حتی صدای صدا در همه رجیسترها، تکنیک درخشان. این آواز باعث خوشحالی شایسته در بین شنوندگان شد.

سبک بل کانتو به شکوفایی کمک کرد آریاها ، که برتری آشکاری نسبت به تلاوت دریافت کرد. ناپلی ها معرفی کردند معمولیآریاییانی که برای مدتی طولانی تسلط داشتند صحنه اپرا. چندین نوع متضاد آریا پدید آمده است که با رایج ترین موقعیت های صحنه مرتبط است: لمنتو (به ایتالیایی - گریه، شکایت) - آریاهای غمگین، آریاهای رقت انگیز (پرشور)، روزمره، تغزلی، براوورا (پر سر و صدا، شاد)، بوفون، آریاهای انتقام جویانه. .

هر نوع متکی بر تکنیک های بیانی خاص خود بود. بنابراین، برای مثال، لمنتو با تکیه بر آهنگ یک ثانیه نزولی، انتقال ناله یا هق هق مشخص می شود. اولین نمونه کلاسیک این نوع آریا، نوحه آریادنه مونتهوردی است. دقیقاً تصاویر غم و اندوه، که در آریاهای لمنتو تجسم یافته بود، عمیق ترین و قدرتمندترین در میان ناپلی ها بود.

دلیل محبوبیت گسترده آریاهای استاندارد این بود که قهرمانان اپرا قرن هفدهم هنوز ظاهر و شخصیت فردی نداشتند. آنها احساسات خود را به زبانی تعمیم یافته، نه به شخصیت، بلکه به موقعیت خاصی که در آن قرار داشتند، بیان کردند. هیچ کس از این خجالت نمی کشید که یک مستبد بی رحم، یک شرور، که عاشق شده بود، احساسات خود را با آهنگی عالی و معنوی از زیبایی الهی جاری کرد، و برعکس، یک دختر خجالتی و ترسو که احساس حسادت می کرد، شروع به اجرای رول های دیوانه وار کرد. . به عبارت دیگر، بیان یکساناحساسات (عشق، غم، نفرت و ...) بودند مشابهشخصیت های کاملا متفاوت آریاهای قرن هفدهم از نظر شکل از نوع داکاپو بودند که از سه قسمت تشکیل شده بودند. قسمت سوم، تکرار، معمولاً توسط خواننده ها با انواع رولاد تزئین می شد.

ناپلی ها پیشرفت کردند و تلاوت کننده ، آن را به دو نوع - همراه (accompagnato) و خشک (secco) تقسیم می کند. کل تلاوت secco شامل مواد اطلاعاتیکه لازم بود به شنونده منتقل شود. اگر آریا همیشه باعث توقف کنش می شد، برعکس، خوانندگی خشک اصلاً آن را به تأخیر نمی انداخت، به سرعت متن را دنبال می کرد. از نظر ملودیک، به جای آواز خواندن، به زبان گفتاری شباهت داشت: به شیوه ای بسیار آزادانه (با تأکید بر کلمات فردی، تغییرات سرعت، مکث های بیانی) اجرا می شد - خواننده مانند یک بازیگر نمایشی رفتار می کرد. به همین دلیل است که خواننده نمی تواند با ارکستر همراه شود.

تلاوت همراه آهنگین تر بود و مانند یک آریا با همراهی ارکستر صدا می کرد. اغلب به عنوان مقدمه ای برای یک آریا استفاده می شد. اغلب چنین تلاوت هایی حالت های ذهنی پیچیده و مبارزه با احساسات مختلف را منتقل می کرد.

بنابراین، آهنگسازان مدرسه اپرای ناپل هدف فرم های اصلی اپرایی - آریا و خوانندگی را به وضوح تعریف و مشخص کرد:آریا روی بیان برخی تمرکز کرد یک احساس خاص، بیانگر نگرش شخصیت ها به آنچه در حال رخ دادن است، در حالی که تلاوت کنش را در یک گفتگو یا روایت در مورد یک رویداد توسعه می دهد.

در مکتب ناپل، در درجه اول در خلاقیت آلساندرو اسکارلاتی، یک ژانر جدید اپرا ظهور کرده است - اپرا-سریال(سریال ایتالیایی - جدی). ویژگی های بارز این ژانر اپرا عبارت بودند از:

• طرحی اسطوره‌ای یا تاریخی-افسانه‌ای با فتنه‌ای گیج‌کننده، اغلب غیرقابل باور و پایان خوش اجباری.
• منشأ نجیب قهرمانان (اینها پادشاهان، ژنرال ها هستند، خدایان باستانی);
• آریا به عنوان فرم مرکزی اپرایی که "بیشتر" از هر چیز دیگری است. تلاوت به تدریج معنای خود را از دست داد.
• تسلط آواز و عقب نشینی درام (آنچه در صحنه اتفاق می افتد) به پس زمینه، یعنی نگرش بی تفاوت به محتوا.

با گذشت زمان، یک فرقه واقعی از خواننده فاخر در سریال اپرا ایجاد شد، که می‌توانست شرایط خود را به آهنگساز دیکته کند (یکی از خواننده‌ها خواستار این بود که هر آریا باید قطعه‌های ویرتوز داشته باشد، که مخصوصاً برای او مفید بود، دیگری مطمئناً می‌خواست یک آهنگ را اجرا کند. آریا لمنتو سوگوار و غیره) در نتیجه، سریال اپرا نام مستعار توهین آمیز دریافت کرد - کنسرت در لباس،از آنجا که زنجیره ای از آریا تجسم احساسات قوی، اغلب از ارتباط منطقی با یکدیگر محروم بودند (هر چیزی که به خود درام مربوط می شد به سرعت بدون برانگیختن علاقه در بین مردم "گفته شد".

نقش سریال اپرا در توسعه ژانر اپرا بسیار بزرگ است: با ظهور آن بود که شکوفایی واقعی ژانر اپرا به عنوان یک اثر در درجه اول موسیقی آغاز شد. در عین حال، این یک پدیده متناقض بود که در آن ویژگی های بحران به طور فزاینده ای تشدید می شد.

برخلاف سریال اپرا در دهه 30 قرن هجدهم بعدی، در ناپلپدید آمد اپرا-بوفا- کمیک، و او به دنیا آمد داخلاپرا جدی از به اصطلاح نمایش جانبی -آن طرح‌های کمدی خنده‌دار که برای سرگرمی عمومی در سریال اپرا درج شده بود. این ژانر شروع شد «خدمت- معشوقه» اثر پرگولسی. تنها سه نقش در آن وجود دارد و یکی نقش میمیک (Vespone، خدمتکار اوبرتو، آواز نمی خواند). طرح داستان بسیار ساده است: خدمتکار جوان باهوش سرپینا از حیله گری برای ازدواج با ارباب خود، اوبرتو مجرد پیر استفاده می کند. موفقیت این میان‌آهنگ شاد به قدری هیجان‌انگیز بود که اپرای جدی را که در آن اجرا می‌شد کاملاً تحت الشعاع قرار داد و در نتیجه به‌عنوان یک اثر مستقل شروع به اجرای جداگانه کرد.

		اپرا-سری	اپرا-بوفا
	طرح	تاریخی، افسانه‌ای یا اساطیری، با فتنه‌ای گیج‌کننده، اغلب غیرقابل باور و پایان خوش اجباری.	روزمره، ساده، کمدی، بیشتر از زندگی شهری. فتنه ساده اما سرگرم کننده است.
	قهرمانان	پادشاهان، ژنرال ها، خدایان باستانی و دیگر شخصیت های اسطوره های باستانی.	معاصران، مردم "معمولی" - سربازان، دهقانان، خدمتکاران، راهبان، بازرگانان، همسران و دخترانشان.
	اقدام دراماتیک	در پس زمینه	نقش مهمی ایفا می کند
	آریا	پشتوانه اجرا، فرم اپرایی مرکزی است که به وضوح «بیشتر» از هر چیز دیگری است. در خدمت نشان دادن مهارت آوازی است. فرم مورد علاقه - 3 قسمتی دا کاپو.	با دیگر فرم‌های اپرایی، فاقد تزئینات فضیلت‌آمیز است و در سادگی به آواز فولکلور نزدیک است.
	تلاوت کننده	ناچیز	اغلب گویاتر از آریا است. کاربرد گسترده ای دارد.
	گروه ها	به تدریج تقریبا ناپدید می شوند.	موقعیت پیشرو را اشغال کندمحل
	طراحی صحنه	بسیار سرسبز، دیدنی	متواضع

استادان بوفا بودند گالوپی,پیچینی,Paisiello,سیماروسا.

از ایتالیا، اپرا به سرعت به سایر کشورهای اروپایی گسترش یافت و در اواسط قرن هفدهم به یکی از محبوب ترین ژانرها تبدیل شد. گروه های مختلف اپرای ایتالیایی با موفقیت در اتریش، آلمان، انگلستان، فرانسه تور برگزار کردند و علاقه به هنر اپرا را برانگیختند و ابتکار آهنگسازان داخلی را که در حال تلاش در ژانر جدیدی هستند، بیدار کردند. با این حال، اشتیاق به اپرای ایتالیایی گاهی به جنبه منفی تبدیل می شد: جایی که پادشاهان و محافل دربار فقط به آن تعظیم می کردند. هنر ایتالیایی، مانع توسعه مدارس ملی اپرا شد.

با سختی باورنکردنی راهش را طی کرد اپرای آلمانی. این امر باعث بی‌تفاوتی کامل محافل حاکم شد که فقط هنر خارجی‌ها و در درجه اول ایتالیایی‌ها را به رسمیت می‌شناختند. آلمان به معنای واقعی کلمه مملو از هنرمندان مهمان - خوانندگان، رهبران ارکستر، آهنگسازان بود.

اولین اپرای آلمانی "دافنه"در سال 1627 ظاهر شد. نویسنده آن بود هاینریش شوتز، یکی از برجسته ترین آهنگسازان آلمانی. علاوه بر دافنه، تلاش‌های دیگری برای خلق اپرای ملی آلمان انجام شد، اما این روند با جنگ سی ساله متوقف شد. فقط در دهه 60 قرن هفدهم شروع شد مرحله جدیدتوسعه هنر اپرا در آلمان در شهرهای بزرگ آلمان - درسدن، هامبورگ، لایپزیگ - خانه‌های اپرا افتتاح می‌شوند که در آنها، گروه‌های اپرای ایتالیایی که اپراهای ایتالیایی را به صحنه می‌برند، به طور محکم تأسیس شده‌اند. تنها استثنا است هامبورگ، جایی که خانه اپرا موفق می شود برای مدتی در برابر سلطه ایتالیا مقاومت کند. فقط در آنجا اجراهای اپرا به زبان مادری آلمانی خود روی صحنه می روند.

شکوفایی اپرای هامبورگ با نام آهنگساز بسیار با استعداد آلمانی همراه است. راینهارد قیصر، که آثارش موفقیت بی سابقه ای داشت. قیصر در اپراهای خود به موضوعات مختلفی روی آورد: اسطوره ای، تاریخی، کمیک. از بهترین اپراهای او می توان به "اکتاویا" ,"نرو"، "نمایشگاه لایپزیگ" . بسیاری از آهنگسازان آلمانی، از جمله باخ و هندل، تحت تأثیر قیصر قرار گرفتند.

با این حال، به تدریج بحرانی در اپرای هامبورگ در حال شکل گیری و تشدید است. او به شدت توسط کلیسا مورد آزار و اذیت قرار می گیرد، مردم نسبت به او سرد می شوند، تئاتر پولی به دست نمی آورد، صحنه پر از ایتالیایی ها می شود و در پایان (در آغاز دهه 40) سالن اپرای هامبورگ از کار افتاد. . دلیل اصلی این نتیجه غم انگیز این بود که در آلمان عقب مانده به سادگی هیچ شرایط اجتماعی و فرهنگی برای خانه اپرای ملی وجود نداشت. آهنگسازان آلمانیچیزی برای انجام دادن باقی نمانده بود، جز اینکه، مانند هندل، به دنبال شناسایی در سرزمینی بیگانه، آهنگسازی اپرا در آنجا به سبک ایتالیایی، یا استفاده از استعداد خود در خارج از موسیقی اپرا.

سرنوشت خاصی برای اپرا رقم خورد انگلستان. بریتانیایی ها معمولاً عجله ای برای پذیرش نوآوری های اروپایی نداشتند. اجرای موسیقی، که کاملاً بر پایه آواز ساخته شده بود ، برای مدت طولانی همدردی آنها را برانگیخت. آنها فرم های ترکیبی را ترجیح می دادند - اجراهای دراماتیک، جایی که موسیقی زیادی وجود داشت، اما تأکید اصلی بر کلمات و بازیگری بود. نیمه اپرا که بر اساس ترکیبی از موسیقی و دیالوگ های گفتاری ساخته شده بود نیز محبوبیت داشت.

اول انگلیسی اپرای ملی - "دیدو و انیاس" - متعلق است هنری پورسل. فعالیت این آهنگساز بزرگ عمدتاً در زمینه موسیقی تئاتر بود: او اجراهایی را بر اساس طرح های شکسپیر و معاصرش طراحی کرد. نمایشنامه نویسان انگلیسی. Dido and Aeneas تنها اپرای پرسل به معنای پذیرفته شده کلمه است. این نه برای مرحله حرفه ای، بلکه برای تعطیلات مدرسه در یک مدرسه شبانه روزی برای دختران نجیب نوشته شده است. با کمک دانش آموزان در فضای مجلسی و تقریباً خانگی اجرا شد. از این رو مقیاس بسیار کم اپرا - بیش از یک ساعت طول می کشد.

طرح «دیدو» وام گرفته شده است Aeneids ویرژیل:

آئنیاس که از نابودی تروا می گریزد، به کارتاژ می رسد، جایی که ملکه مواجب دیدو حکومت می کند. شعله ور شدن متقابل عشق پرشور، اما نیروهای شیطانی (به شکل جادوگران، معمولی فولکلور انگلیسی) در شادی قهرمانان دخالت می کنند. آئنیاس مجبور به ترک کارتاژ می شود و دیدو از اندوه می میرد.

نقطه اوج کل اپرا است مونولوگ قهرمان در حال مرگ، مطابق با ژانر لمنتو موسیقی او با زیبایی ملودیک کمیاب و در عین حال سادگی درخشان متمایز است. باس اوستیناتو در سراسر آریا تکرار می شود و حس اجتناب ناپذیری کشنده را تقویت می کند. با افزایش غم، ملودی کیفیت آواز خود را از دست می دهد و به تلاوت تبدیل می شود.

مانند سایر اپراهای قرن هفدهم ، "دیدو" بر اساس تناوب اعداد فردی - انفرادی ، گروهی ، کرال ساخته شده است (این ساختار نامیده می شود شماره گذاری شده).در عین حال، تمایل آشکاری برای ترکیب اعداد در صحنه وجود دارد. مثلاً در فینال آخرین و سومین پرده تلاوت کنندهدیدو، بدون پایان، به داخل می رود آریا، که به داخل جریان می یابد پس لود ارکسترال، و پست لود - در کر پایانیچنین توسعه پایان به پایان مشخصه اپراهای زمان بعدی خواهد بود.

ظهور دیدو نشان دهنده تولد اپرای ملی انگلیسی بود. با این حال، در طول زندگی پرسل هرگز در یک صحنه حرفه ای اجرا نشد و پس از مرگ آهنگساز، وارد دوره فراموشی ماندگار و ظاهراً ابدی شد. تنها در پایان قرن نوزدهم، اپرا دوباره اجرا شد و انقلابی کامل در فرهنگ موسیقی انگلیسی ایجاد کرد. در قرن هفدهم، پورسل حتی یک پیرو پیدا نکرد و به قول رومن رولان، او به پایان رسید. "بنیانگذار مدرسه اپرای انگلیسی شکست خورده."با مرگ پرسل، عمر اپرای انگلیسی به مدت 2.5 قرن کوتاه شد.

تنها کشوری که در قرن هفدهم توانست خود را از نفوذ خانه اپرای ایتالیا محافظت کند، بود فرانسه. سنت اپرای ملی خود را توسعه داد، و هر آهنگساز خارجی که می خواست پاریس را فتح کند، نه تنها موظف بود که منحصراً در متن فرانسوی، بلکه تعدادی از آداب و رسوم ایجاد شده در فرانسه را نیز دنبال کنید.

اولین تلاش برای خلق یک اپرای فرانسوی توسط شاعر انجام شد پیر پرینو آهنگساز رابرت کمبر. به پیشنهاد آنها، خانه اپرای عمومی به نام اپرا بزرگ در پاریس افتتاح شد. با این حال، خالق واقعی اپرای فرانسوی در نظر گرفته می شود ژان باپتیست لولی، که استاندارد سبک موسیقی فرانسوی را ایجاد کرد.

ژان باپتیست لولی

ایتالیایی با تولد (در کودکی نام او جیووانی باتیستا لولی بود)، لولی در کودکی، به لطف مناسبت مبارک، به فرانسه ختم شد و در آنجا در خدمت خواهر پادشاه فرانسه بود. با تشکر از نادر توانایی های موسیقیاو به سرعت حرفه ای درخشان انجام داد و آهنگساز درباری شد که از اعتماد نامحدود لویی چهاردهم برخوردار بود.

استعداد لولی با تطبیق پذیری نادر متمایز بود: او یک ویولونیست عالی بود که ارکستر خود را سازماندهی کرد ("16 ویولن پادشاه")، رهبر ارکستر، آهنگساز، رقصنده، طراح رقص، کارگردان، کارگردان تئاتر موسیقی دربار، که برای آن 20 کتاب نوشت. آثار موزیکال و نمایشی. معاصر بزرگان بودن نمایشنامه نویسان فرانسوی- کورنیل، راسین، مولیر - لولی به طور فعال با آنها همکاری کرد، به ویژه با مولیر، موسیقی برای نمایشنامه های خود مانند "ازدواج بی میل"، "سیسیلی"، "بورژوا در اشراف" و غیره نوشت.

آهنگساز آثار اپرایی خود را نام برد "تراژدی های غنایی"(به معنای واقعی کلمه: تراژدی به غنچه، یعنی آواز، موزیکال). اولین شنونده و تحسین کننده آنها خود لویی چهاردهم بود که برای او تماشای مورد علاقه او شدند.

در میان اپراهای لولی معروفترین آنها هستند "آریادنه" , "هاتیس" ,"آرمیدا" ,"آسیس و گالاتیا" ,"تزئوس" . همه آنها به متن یک شاعر فوق العاده نوشته شده است فیلیپا کینو، که آهنگساز دائمی آهنگساز بود.

اپرای لولی یک اجرای موزون و موزون از 5 پرده با یک پیش درآمد اجباری است (اپرای جدی ایتالیایی سه پرده داشت). با وجود توطئه های رایج (بیشتر اسطوره ای) با سریال اپرای ایتالیایی، اپرای فرانسوی از بسیاری جهات با آن متفاوت است:

• اساس آن است تلاوت دکلمه ای، شبیه به گفتار عالی و رقت انگیز و بسیار کمتر انعطاف پذیر و آهنگین تر از اپرای ایتالیایی. لولی رسیتیتیوهای خود را با تقلید از اظهارات سنجیده و رقت انگیز بهترین بازیگران نمایشی فرانسوی می ساخت.
• آریا که نقش غالبی در اپرای ایتالیایی ایفا می کرد، در لولی جایگاه معتدل تری داشت و به عنوان یک نتیجه کوچک برای مونولوگ خوانشی عمل می کرد. در موسیقی آریاهای خود، آهنگساز اغلب از آهنگ های آهنگ های روزمره فرانسوی استفاده می کرد.
• صحنه های کمدی که در ایتالیا بسیار محبوب بودند، اجازه ورود به تراژدی غنایی فرانسوی را نداشتند. قسمت سرگرمی شامل تعداد زیادی شماره باله بود (عشق به باله یک ویژگی ملی فرانسه است). عمل پنجم به طور کلی شامل زنجیره ای از رقص ها بود که طبق سنت، خود پادشاه و اشراف سلطنتی در آن شرکت داشتند.
• اپیزودهای کرال با ماهیت متنوع از اهمیت زیادی در اپرای فرانسه برخوردار بودند.
• تولیدات تراژدی های غنایی در نظر گرفته شده برای تئاتر دربار سلطنتی اغلب با تجمل و شکوه بیش از حد متمایز می شد.
• خوانندگان کاستراتی که در ایتالیا بسیار محبوب بودند، عملاً در صحنه فرانسه ظاهر نشدند. علاوه بر این، هرگز دستوری از سوی خوانندگان وجود نداشته است.

در اپراهای Lully نوع تثبیت شد اورتور فرانسوی.معمولاً از 2 قسمت تشکیل می شد: یک راهپیمایی آرام و باشکوه و یک فوگاتو سریع و پرانرژی ( ایتالیاییاورتور قرن 18 اغلب بر اساس تضاد 3 قسمت بر اساس اصل سریع-آهسته-سریع ساخته می شد.

از نظر سبک اپرا، لولی ارتباط نزدیکی با سنت های ملیفرهنگ فرانسوی، اول از همه - با فرانسوی تئاتر درام. در عین حال، بسیاری از آنها با قوانین تراژدی کلاسیک در تضاد هستند. بنابراین، برای مثال، در لیبرتوی سینما، خدایان و موجودات خارق‌العاده تقریباً همیشه در میان شخصیت‌ها حضور دارند که در درام‌های کورنیل و راسین کاملاً غیرممکن است. اصل کلاسیک وحدت زمان، مکان و عمل تقریباً هرگز رعایت نمی شود. همه اینها اپرای فرانسوی قرن هفدهم را شبیه تئاتر باروک می کند.

آهنگسازان کلاسیک در سراسر جهان شناخته شده هستند. هر نام یک نابغه موسیقی فردی منحصر به فرد در تاریخ فرهنگ است.

موسیقی کلاسیک چیست؟

موسیقی کلاسیک ملودی های مسحور کننده ای است که توسط نویسندگان با استعدادی که به درستی آهنگسازان کلاسیک نامیده می شوند ساخته شده اند. آثار آنها منحصر به فرد است و همیشه مورد تقاضای اجراکنندگان و شنوندگان خواهد بود. از یک سو، کلاسیک معمولاً به موسیقی سختگیرانه و عمیقاً معنی دار گفته می شود که به ژانرهای زیر مرتبط نیست: راک، جاز، فولک، پاپ، چنسون و غیره. از سوی دیگر، در توسعه تاریخیموسیقی دوره ای از اواخر سیزدهم - اوایل قرن بیستم وجود دارد که کلاسیک نامیده می شود.

تم های کلاسیک با لحن عالی، پیچیدگی، تنوع سایه ها و هماهنگی متمایز می شوند. آنها تأثیر مثبتی بر جهان بینی عاطفی بزرگسالان و کودکان دارند.

مراحل توسعه موسیقی کلاسیک. شرح مختصر و نمایندگان اصلی آنها

در تاریخ توسعه موسیقی کلاسیک مراحل زیر قابل تشخیص است:

• رنسانس یا رنسانس - اوایل چهاردهم - ربع آخر قرن شانزدهم. در اسپانیا و انگلستان، دوره رنسانس تا آغاز قرن هفدهم ادامه یافت.
• باروک - جایگزین رنسانس شد و تا آغاز قرن 18 ادامه داشت. مرکز این سبک اسپانیا بود.
• کلاسیک - دوره توسعه فرهنگ اروپاییاز آغاز قرن 18 تا اوایل قرن 19.
• رمانتیسیسم جهتی مخالف کلاسیک گرایی است. تا اواسط قرن 19 ادامه یافت.
• کلاسیک قرن 20 - دوران مدرن.

شرح مختصر و نمایندگان اصلی دوره های فرهنگی

1. رنسانس - دوره طولانی توسعه همه زمینه های فرهنگ. - توماس تالیس، جیووانی دا پالستینا، تی.ال. د ویکتوریا آثاری جاودانه را برای آیندگان ساخته و به یادگار گذاشتند.

2. باروک - در این دوره اشکال جدید موسیقی ظاهر شد: چند صدایی، اپرا. در این دوره بود که باخ، هندل و ویوالدی آثار معروف خود را خلق کردند. فوگ های باخ مطابق با الزامات کلاسیک ساخته شده اند: پیروی اجباری از قوانین.

3. کلاسیک گرایی. که خلاقیت های جاودانه خود را در عصر کلاسیک خلق کردند: هایدن، موتسارت، بتهوون. فرم سونات ظاهر می شود و ترکیب ارکستر افزایش می یابد. و هایدن در ساخت ساده و ظرافت ملودی ها با آثار پر دردسر باخ تفاوت دارند. هنوز یک کلاسیک بود، تلاش برای کمال. آثار بتهوون مرز بین سبک رمانتیک و کلاسیک است. در موسیقی ال. ون بتهوون، شهوانی و حرارت بیشتر از کانون عقلانی است. ژانرهای مهمی مانند سمفونی، سونات، سوئیت و اپرا ظهور کردند. بتهوون باعث پیدایش دوره رمانتیک شد.

4. رمانتیسم. مشخصه آثار موسیقی رنگ و درام است. مختلف ژانرهای آهنگمثلا تصنیف. آثار پیانوی لیست و شوپن مورد توجه قرار گرفتند. سنت های رمانتیسم را چایکوفسکی، واگنر و شوبرت به ارث بردند.

5. کلاسیک قرن 20 - با تمایل نویسندگان برای نوآوری در ملودی ها مشخص می شود. آثار استراوینسکی، راخمانینوف، گلس در قالب کلاسیک طبقه بندی می شوند.

آهنگسازان کلاسیک روسی

چایکوفسکی پی.آی. - آهنگساز روسی، منتقد موسیقی، چهره عمومی، معلم، رهبر ارکستر. ساخته های او بیشترین اجرا را دارد. آنها صمیمانه هستند، به راحتی درک می شوند، منعکس کننده اصالت شاعرانه روح روسی هستند، تصاویری زیبا از طبیعت روسیه. این آهنگساز 6 باله، 10 اپرا، بیش از صد رمان عاشقانه، 6 سمفونی خلق کرد. باله معروف جهان " دریاچه سوان"، اپرای "یوجین اونگین"، "آلبوم کودکان".

راخمانینوف S.V. - آثار این آهنگساز برجسته احساسی و شاد و برخی از نظر محتوایی نمایشی هستند. ژانرهای آنها متنوع است: از نمایشنامه های کوچک گرفته تا کنسرت و اپرا. آثار به طور کلی شناخته شده نویسنده: اپرا " شوالیه خسیس"، "الکو" بر اساس شعر پوشکین "کولی ها"، "فرانچسکا دا ریمینی" بر اساس طرحی وام گرفته شده از " کمدی الهی» دانته، شعر «زنگ ها»؛ سوئیت "رقص های سمفونیک"؛ کنسرت پیانو؛ آواز برای صدا با همراهی پیانو.

بورودین ع.پ. آهنگساز، معلم، شیمیدان و پزشک بود. مهمترین خلقت اپرای "شاهزاده ایگور" بر اساس اثر تاریخی "داستان مبارزات ایگور" است که نویسنده تقریباً 18 سال آن را نوشته است. بورودین در طول زندگی خود فرصتی برای پایان دادن به آن نداشت، اپرا توسط آ. گلازونف و ن. آهنگساز بزرگبنیانگذار کوارتت ها و سمفونی های کلاسیک در روسیه است. سمفونی "بوگاتیر" تاج سمفونی قهرمانانه ملی جهانی و روسیه محسوب می شود. کوارتت های مجلسی ساز، کوارتت اول و دوم، به عنوان برجسته شناخته شدند. یکی از اولین کسانی است که شخصیت های قهرمانی را از ادبیات باستانی روسیه وارد رمان های عاشقانه کرد.

نوازندگان بزرگ

Mussorgsky M.P.، که در مورد او می توان گفت، یک آهنگساز واقع گرای بزرگ، یک مبتکر شجاع است که مشکلات اجتماعی حاد را لمس می کند، یک پیانیست باشکوه و یک خواننده عالی است. مهمترین آثار موسیقایی اپرای "بوریس گودونوف" توسط کار نمایشی A.S. پوشکین و "خوانشچینا" - درام موسیقی عامیانه، شخصیت اصلی این اپرا افراد شورشی از اقشار مختلف اجتماعی هستند. چرخه خلاق"تصاویر در یک نمایشگاه"، با الهام از آثار هارتمن.

گلینکا M.I. - آهنگساز مشهور روسی، بنیانگذار جهت کلاسیکدر فرهنگ موسیقی روسیه او روند ایجاد مدرسه آهنگسازان روسی را بر اساس ارزش مردمی و موسیقی حرفه ای. آثار استاد سرشار از عشق به میهن است و جهت گیری ایدئولوژیک مردم آن دوران تاریخی را منعکس می کند. شهرت جهانی درام عامیانه"ایوان سوزانین" و افسانه اپرا "روسلان و لیودمیلا" به روند جدیدی در اپرای روسیه تبدیل شدند. آثار سمفونیک«کامارینسکایا» و «اورتور اسپانیایی» گلینکا پایه‌های سمفونیسم روسی هستند.

Rimsky-Korsakov N.A. آهنگساز با استعداد روسی، افسر نیروی دریایی، معلم، تبلیغ نویس است. دو گرایش را می توان در آثار او ردیابی کرد: تاریخی ("عروس تزار"، "زن پسکوف") و افسانه ای ("سادکو"، "دوشیزه برفی"، سوئیت "شهرزاده"). ویژگی بارز آثار آهنگساز: اصالت بر اساس ارزش های کلاسیک، همخوانی در ساختار هارمونیک آثار اولیه. آهنگ‌های او به سبک نویسنده است: راه‌حل‌های اصلی ارکستر با نمرات آوازی غیرعادی ساخته شده، که اصلی‌ترین آنها هستند.

آهنگسازان کلاسیک روسی سعی کردند در آثار خود تفکر شناختی و فولکلور ویژگی ملت را منعکس کنند.

فرهنگ اروپایی

آهنگسازان مشهور کلاسیک موتزارت، هایدن، بتهوون در پایتخت زندگی می کردند فرهنگ موسیقیآن زمان - وین. نوابغ با اجرای استادانه، راه حل های عالی آهنگسازی، و استفاده از سبک های مختلف موسیقی متحد می شوند: از آهنگ های عامیانه تا پیشرفت های چند صدایی تم های موسیقی. کلاسیک های بزرگ با فعالیت ذهنی خلاقانه جامع، شایستگی و وضوح در ساخت فرم های موسیقی مشخص می شوند. در آثار آنها عقل و عواطف، مولفه های تراژیک و کمیک، سهولت و احتیاط به صورت ارگانیک با هم پیوند خورده اند.

بتهوون و هایدن به سمت آهنگسازی های دستگاهی گرایش پیدا کردند، موتزارت به طرز ماهرانه ای در آهنگ های اپرا و ارکستر موفق شد. بتهوون خالق بی‌نظیری از آثار قهرمانانه بود، هایدن قدردانی کرد و با موفقیت از انواع طنز و ژانر عامیانه در آثار خود استفاده کرد، موتزارت آهنگساز جهانی بود.

موتزارت - خالق سونات فرم ابزاری. بتهوون آن را بهبود بخشید و آن را به ارتفاعات بی نظیر رساند. دوره کلاسیک های وین به دوره اوج کوارتت تبدیل شد. هایدن و به دنبال آن بتهوون و موتزارت سهم بسزایی در توسعه این ژانر داشتند.

استادان ایتالیایی

جوزپه وردی - موسیقیدان برجسته قرن نوزدهم، اپرای سنتی ایتالیایی را توسعه داد. او مهارت بی عیب و نقصی داشت. اوج فعالیت های آهنگسازی او آثار اپرایی "Il Trovatore"، "La Traviata"، "Othello"، "Aida" بود.

نیکولو پاگانینی - متولد نیس، یکی از با استعدادترین شخصیت های موسیقی قرن 18 و 19. استاد ویولن بود. او کاپریس، سونات، کوارتت برای ویولن، گیتار، ویولا و ویولن سل ساخت. او کنسرتوهایی برای ویولن و ارکستر نوشت.

جواکینو روسینی - در قرن 19 کار می کرد. نویسنده موسیقی مجلسی و مقدس، آهنگسازی 39 اپرا. آثار برجسته - " آرایشگر سویا"، "اتللو"، "سیندرلا"، "زاغی دزد"، "سمیرامیس".

آنتونیو ویوالدی یکی از بزرگترین نمایندگان هنر ویولن قرن هجدهم است. به لطف او به شهرت رسید کار معروف- 4 کنسرت ویولن "فصول". او با سرودن 90 اپرا، زندگی خلاقانه پرباری داشت.

آهنگسازان مشهور کلاسیک ایتالیایی میراثی ابدی از خود بر جای گذاشتند. کانتات ها، سونات ها، سرنادها، سمفونی ها، اپراهای آنها برای بیش از یک نسل لذت خواهد برد.

ویژگی های درک کودک از موسیقی

به گفته روانشناسان کودک، گوش دادن به موسیقی خوب تأثیر مثبتی بر رشد روانی-عاطفی کودک دارد. معلمان می گویند موسیقی خوب مردم را با هنر آشنا می کند و ذائقه زیبایی شناختی را شکل می دهد.

بسیاری از آثار معروف توسط آهنگسازان کلاسیک برای کودکان با در نظر گرفتن روانشناسی، ادراک و ویژگی های سنی آنها، یعنی برای شنیدن، ساخته شده است، در حالی که دیگران نمایشنامه های مختلفی را برای نوازندگان کوچک می سازند که به راحتی توسط گوش درک می شود و از نظر فنی برای آنها قابل دسترسی است.

"آلبوم کودکان" توسط P.I. برای پیانیست های کوچک این آلبوم تقدیم به برادرزاده ای است که عاشق موسیقی و بسیار بود کودک با استعداد. این مجموعه شامل بیش از 20 نمایشنامه است که برخی از آنها بر اساس مواد فولکلور است: نقوش ناپل، رقص روسی، ملودی های تیرولی و فرانسوی. مجموعه "آوازهای کودکانه" توسط P.I. برای درک شنوایی کودکان طراحی شده است. آهنگ های خلق و خوی خوش بینانه در مورد بهار، پرندگان، باغ شکوفه ("باغ من")، در مورد شفقت برای مسیح و خدا ("مسیح در کودکی باغ داشت").

کلاسیک کودکان

آهنگسازان کلاسیک زیادی برای کودکان کار کردند که فهرست آثارشان بسیار متنوع است.

پروکوفیف S.S. "پیتر و گرگ" یک افسانه سمفونیک برای کودکان است. به لطف این افسانه، کودکان با آلات موسیقی یک ارکستر سمفونیک آشنا می شوند. متن این افسانه توسط خود پروکوفیف نوشته شده است.

شومان آر. "صحنه های کودکانه" داستان های کوتاه موزیکال با طرح ساده ای است که برای مجریان بزرگسال نوشته شده است، خاطرات دوران کودکی.

چرخه پیانو دبوسی "گوشه کودکان".

Ravel M. "Mother Goose" بر اساس افسانه های C. Perrault.

بارتوک بی. "اولین قدم ها در پیانو."

چرخه برای کودکان Gavrilova S. "برای کوچولوها"; "قهرمانان افسانه ها"؛ "بچه ها در مورد حیوانات."

شوستاکوویچ دی "آلبوم قطعات پیانو برای کودکان."

باخ I.S. "کتاب موسیقی آنا ماگدالنا باخ." او در حین آموزش موسیقی به فرزندانش قطعات و تمرینات ویژه ای را برای رشد مهارت های فنی برای آنها ایجاد می کرد.

هایدن جی. زاده سمفونی کلاسیک است. او یک سمفونی خاص به نام «کودکان» خلق کرد. سازهای مورد استفاده: بلبل سفالی، جغجغه، فاخته - صدایی غیرعادی، کودکانه و بازیگوش به آن می بخشد.

Saint-Saens K. یک فانتزی برای ارکستر و 2 پیانو به نام "کارناوال حیوانات" ارائه کرد که در آن وسایل موسیقیاستادانه صدای غلغلک جوجه ها، غرش شیر، رضایت یک فیل و نحوه حرکت آن را منتقل می کرد، یک قو بسیار زیبا.

آهنگسازان بزرگ کلاسیک هنگام آهنگسازی آهنگ‌هایی برای کودکان و نوجوانان از داستان‌های جالب کار، دسترسی به مطالب پیشنهادی با در نظر گرفتن سن اجراکننده یا شنونده مراقبت می‌کردند.

موسیقی قرن 17 و 18

در اواخر قرن 16-17، چندصدایی، که بر موسیقی رنسانس تسلط داشت، جای خود را به هم آوایی داد (از یونانی "homos" - "یک"، "یکسان" و "تلفن" - "صدا"، "صدا"). بر خلاف چندصدایی، که در آن همه صداها برابر هستند، در چند صدایی هم آوایییکی برای اجرا مشخص شده است موضوع اصلی، و بقیه نقش همراه (همراهی) را دارند. همراهی معمولاً سیستمی از آکوردها (هارمونی) است. از این رو نام روش جدید آهنگسازی - هوموفونیک - هارمونیک است.

ایده هایی در مورد موسیقی کلیسا. اکنون آهنگسازان نه چندان به دنبال این بودند که اطمینان حاصل کنند که شخص از احساسات زمینی چشم پوشی می کند، بلکه بیشتر به دنبال آشکار کردن پیچیدگی تجربیات معنوی خود بودند. آثاری ظاهر شدند که بر روی متون یا موضوعات مذهبی نوشته شده بودند، اما برای اجرای اجباری در کلیسا در نظر گرفته نشده بودند. (این گونه آثار معنوی نامیده می شوند، زیرا کلمه "روحانی" معنای گسترده تری نسبت به "کلیسا" دارد.) ژانرهای معنوی اصلی قرن 17-18. - کانتاتا و اوراتوریو. اهمیت موسیقی سکولار افزایش یافت: این موسیقی در دربار، سالن های اشراف و در تئاترهای عمومی شنیده می شد (اولین تئاترهای این چنینی در قرن هفدهم افتتاح شدند). تشکیل شده است ظاهر جدید هنر موسیقی- اپرا

موسیقی دستگاهی نیز با ظهور ژانرهای جدید، به ویژه کنسرتو دستگاهی مشخص شده است. ویولن، هارپسیکورد و ارگ به تدریج به سازهای تکنواز تبدیل شدند. موسیقی نوشته شده برای آنها فرصتی برای نشان دادن استعداد نه تنها آهنگساز، بلکه مجری نیز فراهم کرد. آنچه بیش از همه ارزش داشت، مهارت (توانایی کنار آمدن با مشکلات فنی) بود که به تدریج برای بسیاری از نوازندگان به یک هدف و ارزش هنری تبدیل شد.

آهنگسازان قرون هفدهم تا هجدهم معمولاً نه تنها موسیقی می ساختند، بلکه سازها را استادانه می نواختند و به فعالیت های آموزشی مشغول بودند. رفاه هنرمند تا حد زیادی به مشتری خاص بستگی دارد. به عنوان یک قاعده، هر نوازنده جدی به دنبال یافتن جایگاهی در دربار یک پادشاه یا یک اشراف ثروتمند بود (بسیاری از اعضای اشراف ارکسترها یا خانه های اپرا خود را داشتند) یا در یک معبد. علاوه بر این، بیشتر آهنگسازان به راحتی موسیقی کلیسا را ​​با خدمات یک حامی سکولار ترکیب کردند.

اوراتوریو و کانتاتا

به عنوان یک استقلالی ژانر موسیقیاوراتوریو (به ایتالیایی oratorio، از اواخر لاتین oratorium - "نمایشگاه") در ایتالیا در قرن شانزدهم شکل گرفت. موسیقی شناسان منشأ اوراتوریو را در نمایش های مذهبی می بینند (به مقاله "تئاتر اروپای قرون وسطی" مراجعه کنید) - نمایش های تئاتری که در مورد رویدادهای کتاب مقدس صحبت می کنند.

اقدامات مشابهی در معابد انجام می شد - از این رو نام این ژانر است. در ابتدا، اوراتوریوها بر اساس متون کتاب مقدس نوشته می شدند و برای اجرا در کلیسا در نظر گرفته شده بودند. در قرن هفدهم، آهنگسازان شروع به سرودن اواتوریوها بر اساس متون شعر مدرن با محتوای معنوی کردند. ساختار اوراتوریو به اپرا نزدیک است. این یک اثر اصلی برای خوانندگان انفرادی، گروه کر و ارکستر، با طرح دراماتیک است. با این حال، برخلاف اپرا، هیچ کنش صحنه ای در اوراتوریو وجود ندارد: در مورد رویدادها صحبت می کند، اما آنها را نشان نمی دهد.

در ایتالیا در قرن هفدهم. ژانر دیگری ظهور کرد - کانتاتا (کانتاتا ایتالیایی از کانتو لاتین - "من می خوانم"). مانند اوراتوریو، کانتاتا معمولا توسط تکنوازان، گروه کر و ارکستر اجرا می شود، اما در مقایسه با اوراتوریو کوتاهتر است. کانتات ها بر روی متون معنوی و دنیوی نوشته می شدند.

موسیقی ایتالیا

در پایان قرن شانزدهمدر ایتالیا توسعه یافته است سبک هنریباروک (از um. barocco - "عجیب"، "عجیب"). این سبک با بیان، نمایش، سرگرمی و تمایل به سنتز (ارتباط) مشخص می شود. انواع مختلفهنر این ویژگی ها به طور کامل در اپرا که در اواخر قرن 16-17 ظهور کرد، آشکار شد. یک اثر ترکیبی از موسیقی، شعر، درام و نقاشی تئاتری بود. کلمه "اپرا" (اپرا ایتالیایی - "ترکیب") فقط در اواسط قرن 17 ظاهر شد. ایده "درام برای موسیقی" در فلورانس متولد شد باشگاه هنریدوربین فلورانسی. جلسات دایره در یک اتاق (از دوربین ایتالیایی - "اتاق")، محیط خانه برگزار می شد. از سال 1579 تا 1592، عاشقان موسیقی، شاعران و دانشمندان روشنفکر در خانه کنت جیووانی بردی گرد هم آمدند. همچنین توسط نوازندگان حرفه ای - خوانندگان و آهنگسازان Jacopo Peri (1561 - 1633) و Giulio Caccini (حدود 1550-1618)، نظریه پرداز و آهنگساز Vincenzo Galilei (حدود 1520-1591)، پدر دانشمند مشهور گالیله گالیله، از آن بازدید کردند.

شرکت کنندگان دوربین فلورانسی نگران توسعه هنر موسیقی بودند. آنها آینده او را در ترکیب موسیقی و نمایشنامه می دیدند: اشعار کارهای مشابه(برخلاف متون آوازهای چند آوایی پیچیده کرال قرن شانزدهم) برای شنونده قابل درک خواهد بود.

اعضای حلقه ترکیب ایده آلی از کلمات و موسیقی را در آن یافتند تئاتر باستانی: اشعار در یک شعار تلفظ می شد، هر کلمه، هر هجا واضح به نظر می رسید. اینگونه بود که Camerata فلورانسی ایده آواز انفرادی همراه با ساز - مونودی (از یونانی "مونوس" - "یک" و "ود" - "آهنگ") را به وجود آورد. سبک جدیدآواز خواندن شروع به خواندن شد (از recitare ایتالیایی - "خواندن"): موسیقی متن را دنبال کرد و آواز خواندن یکنواخت بود. لحن های موسیقی چشمگیر نبود - تاکید بر تلفظ واضح کلمات بود و نه بر انتقال احساسات شخصیت ها.

اپراهای اولیه فلورانس با موضوعاتی از اساطیر باستان سروده می شدند. اولین آثار این ژانر جدید که به دست ما رسیده است، دو اپرا با همین نام "Eurydice" از آهنگسازان Peri (1600) و Caccini (1602) هستند. آنها بر اساس اسطوره اورفئوس خلق شدند. آواز با یک گروه ساز همراه بود که شامل جمبالو (سلف پیانو)، لیر، عود، گیتار و غیره بود.

قهرمانان اپراهای اول توسط سرنوشت اداره می شدند و وصیت آن توسط پیام رسانان اعلام می شد. این کنش با پیش درآمدی آغاز شد که در آن فضایل و قدرت هنر تجلیل شد. اجراهای بعدی شامل گروه‌های آوازی (شماره‌های اپرا که چندین شرکت‌کننده به طور همزمان می‌خوانند)، گروه کر، و قسمت‌های رقص بود. ترکیب موسیقی بر اساس تناوب آنها ساخته شد.

اپرا به سرعت و در درجه اول به عنوان موسیقی دادگاه شروع به توسعه کرد. اشراف از هنرها حمایت کردند و چنین مراقبتی نه تنها با عشق به زیبایی توضیح داده شد: شکوفایی هنرها در نظر گرفته شد. ویژگی اجباریقدرت و ثروت شهرهای بزرگ ایتالیا - رم، فلورانس، ونیز، ناپل - مدارس اپرا خود را دارند.

بهترین ویژگی های مدارس مختلف توجه به آن است کلمه شاعرانه(فلورانس)، رگه های معنوی جدی کنش (رم)، یادبودی (ونیز) - در کار او توسط کلودیو مونتوردی (1567-1643) ترکیب شده است. این آهنگساز در شهر کرمونا ایتالیا در خانواده یک پزشک به دنیا آمد. مونتوردی در جوانی به عنوان یک نوازنده پیشرفت کرد. او می نوشت و اجرا می کرد. ارگ، ویولن و سازهای دیگر می نواخت. مونتوردی آهنگسازی را از آهنگسازان مشهور آن زمان آموخت. در سال 1590، به عنوان یک خواننده و نوازنده، به مانتوآ، به دربار دوک وینچنزو گونزاگا دعوت شد. بعداً راه افتاد نمازخانه دادگاه. در سال 1612 مونتوردی خدمت خود را در مانتوا ترک کرد و از سال 1613 در ونیز ساکن شد. تا حد زیادی به لطف Monteverdi، اولین خانه اپرای عمومی جهان در سال 1637 در ونیز افتتاح شد. در آنجا آهنگساز رهبری کلیسای جامع سن مارکو را بر عهده داشت. کلودیو مونتوردی قبل از مرگش دستورات مقدس را انجام داد.

مونتوردی پس از مطالعه آثار پری و کاچینی، خلق کرد آثار خود رااین ژانر قبلاً در اولین اپرا - "اورفیوس" (1607) و "آریادنه" (1608) - آهنگساز موفق شد احساسات عمیق و پرشور را از طریق ابزارهای موسیقی منتقل کند و کنش دراماتیک شدید ایجاد کند. مونتوردی نویسنده بسیاری از اپراها است، اما تنها سه اپرا از آنها باقی مانده است - اورفئوس، بازگشت اولیس به میهن خود (1640؛ بر اساس شعر حماسی یونان باستان ادیسه) و تاج گذاری پوپیا (1642).

آثار مونتوردی به طور هماهنگ موسیقی و متن را با هم ترکیب می کنند. اپراها بر اساس یک مونولوگ هستند که در آن هر کلمه به وضوح به نظر می رسد و موسیقی به طور انعطاف پذیر و ظریف سایه هایی از حال و هوا را منتقل می کند. مونولوگ ها، دیالوگ ها و اپیزودهای گروه کر به آرامی در یکدیگر جاری می شوند، اکشن به آرامی توسعه می یابد (سه یا چهار عمل در اپراهای مونتهوردی وجود دارد)، اما به صورت پویا. نقش مهمآهنگساز آن را به ارکستر داد. به عنوان مثال، در اورفئوس تقریباً از هر ساز شناخته شده در آن زمان استفاده کرد. موسیقی ارکسترال نه تنها آواز را همراهی می‌کند، بلکه خود حکایت از وقایع روی صحنه و تجربیات شخصیت‌ها دارد. در "Orpheus" یک اورتور (فرانسوی ouverture یا لاتین apertura - "گشایش"، "شروع") - مقدمه ای ابزاری برای یک اثر اصلی موسیقی - برای اولین بار ظاهر شد. اپراهای کلودیو مونتهوردی تأثیر قابل توجهی بر آهنگسازان ونیزی گذاشت و پایه های مکتب اپرای ونیزی را پی ریزی کرد.

مونتوردی نه تنها اپرا، بلکه موسیقی مقدس، مادریگال های مذهبی و سکولار نیز نوشت. او اولین آهنگسازی شد که روش‌های چندصدایی و هوموفونیک را در مقابل هم قرار نداد - قسمت‌های کرال اپراهای او شامل تکنیک‌های چندصدایی است. در آثار مونته‌وردی، جدید با سنت‌های رنسانس ترکیب شد.

در آغاز قرن 18. یک مدرسه اپرا در ناپل تأسیس شد. از ویژگی های این مکتب توجه بیشتر به آواز و نقش غالب موسیقی است. در ناپل بود که سبک آوازی بل کانتو ایجاد شد (بل کانتو ایتالیایی - "آواز زیبا"). بل کانتو به خاطر زیبایی خارق العاده صدا، ملودی و کمال فنی مشهور است. در رجیستر بالا (محدوده صدا)، آواز با سبکی و شفافیت صدا متمایز می شد، در رجیستر پایین - نرمی و تراکم مخملی. نوازنده باید قادر به بازتولید بسیاری از سایه های صدا و همچنین به طرز ماهرانه ای توالی های سریع متعددی از صداهایی است که بر ملودی اصلی - کلوراتورا (Coloratura ایتالیایی - "تزیین") سوار شده است. یک نیاز خاص یکنواخت بودن صدای صدا بود - تنفس نباید در ملودی های آهسته شنیده شود.

در قرن هجدهماپرا به شکل اصلی هنر موسیقی در ایتالیا تبدیل شد که توسط سطح بالای حرفه ای خوانندگانی که در کنسرواتوارها تحصیل می کردند تسهیل شد (conservatorio ایتالیایی، اشتباه لاتین conserve - "من محافظت می کنم") - موسسات آموزشیکه نوازندگان تربیت کرد. در آن زمان، چهار هنرستان در مراکز هنر اپرای ایتالیا - ونیز و ناپل ایجاد شده بود. محبوبیت این ژانر نیز با افتتاحیه ها افزایش یافت شهرهای مختلفخانه های اپرا این کشور برای همه اقشار در دسترس است. اپراهای ایتالیایی در تئاترهای پایتخت های بزرگ اروپایی به روی صحنه رفتند و آهنگسازانی از اتریش، آلمان و دیگر کشورها اپراهایی را بر اساس متون ایتالیایی نوشتند.

دستاوردهای مهم موسیقی ایتالیا XVII-XVIIIقرن ها و در زمینه ژانرهای ساز. گیرولامو فرسکوبالدی (1583-1643) آهنگساز و نوازنده ارگ ​​برای توسعه خلاقیت اندام بسیار تلاش کرد. "در موسیقی کلیسا، او پایه و اساس یک سبک جدید را گذاشت. آثار او برای ارگ ترکیبات دقیق و فانتزی (آزاد) هستند. فرسکوبالدی به شهرت رسید. در حال نوازندگیو هنر بداهه نوازی روی اندام و ترقوه. به اوج خود رسیده است هنر ویولن. در آن زمان، سنت تولید ویولن در ایتالیا توسعه یافته بود. صنعتگران موروثی خانواده‌های آماتی، گوارنری، استرادیواری از شهر کرمونا، طراحی ویولن، روش‌های ساخت آن را توسعه دادند، که به طور عمیق مخفی نگه داشته شد و از نسلی به نسل دیگر منتقل شد. سازهای ساخته شده توسط این استادان صدایی شگفت انگیز زیبا و گرم شبیه صدای انسان دارند. ویولن به عنوان یک ساز گروهی و تکنوازی فراگیر شده است.

بنیانگذار مکتب ویولن رومی Arcangelo Corelli (1653-1713)، یکی از خالقان ژانر کنسرتو گروسو (اوم. کنسرتو گروسو - "کنسرت بزرگ") است. کنسرت معمولا شامل یک ساز تکنواز (یا گروهی از سازها) و یک ارکستر است. "کنسرت بزرگ" بر اساس تناوب اپیزودهای انفرادی و صدای کل ارکستر بود که در قرن هفدهم ارکستر مجلسی و عمدتاً زهی بود. کورلی یک سولو داشت بیشترویولن و ویولن سل. کنسرت های او شامل بخش هایی با ماهیت متفاوت بود. تعداد آنها دلخواه بود.

یکی از استادان برجسته موسیقی ویولن آنتونیو ویوالدی (1678-1741) است. او به عنوان یک هنرپیشه برجسته ویولن به شهرت رسید.

معاصران توسط سبک نمایشی اجرای او، پر از تضادهای غیرمنتظره جذب شدند. در ادامه سنت های کورلی، آهنگساز در ژانر " کنسرت بزرگ«تعداد آثاری که او نوشت بسیار زیاد است - چهارصد و شصت و پنج کنسرت، چهل اپرا، کانتاتا و اوراتوریو.

هنگام ایجاد کنسرت، ویوالدی برای صداهای روشن و غیر معمول تلاش کرد. او صداهای سازهای مختلف را می‌آمیخت و اغلب ناهماهنگی‌ها (همخوان‌های تیز) را در موسیقی گنجاند. او در آن زمان سازهای کمیاب را به عنوان تکنواز انتخاب کرد - باسون، ماندولین (که یک ساز خیابانی در نظر گرفته می شود). کنسرتوهای ویوالدی از سه موومان تشکیل شده است که اولین و آخرین موومان با تمپوی تند و موومان میانی با تمپوی آهسته اجرا می شود. بسیاری از کنسرتوهای ویوالدی برنامه دارند - عنوان یا حتی تقدیم ادبی. چرخه "فصول" (1725) یکی از اولین نمونه های نرم افزار است موسیقی ارکسترال. چهار کنسرت این چرخه - "بهار"، "تابستان"، "پاییز"، "زمستان" - تصاویر رنگارنگی از طبیعت ترسیم می کنند. ویوالدی توانست آواز پرندگان (بهار، موومان اول)، رعد و برق (تابستان، موومان سوم) و باران (زمستان، موومان دوم) را در موسیقی منتقل کند. مهارت و پیچیدگی فنی توجه شنونده را پرت نکرد، اما به ایجاد یک تصویر به یاد ماندنی کمک کرد. خلاقیت کنسرت ویوالدی به تجسمی واضح در آن تبدیل شد موسیقی دستگاهیسبک باروک.

Operaseria و operabuffa

در قرن 18 چنین ژانرهای اپرا، به عنوان اپرا سریال (سریال اپرای ایتالیایی - "اپرا جدی") و اپرا بوفا (اپرا بوفا ایتالیا - "اپرا کمیک"). Operaseria خود را در آثار الساندرو اسکارلاتی (1660-1725)، بنیانگذار و بزرگترین نماینده مکتب اپرای ناپل، تثبیت کرد. او در طول زندگی خود بیش از صد اثر از این قبیل سروده است. برای اپراسریا معمولاً طرحی اسطوره ای یا تاریخی را انتخاب می کردند. با یک اورتور باز شد و شامل اعداد تکمیل شده - آریا، رسیتیتیو و کر بود. نقش اصلیآنها آریای بزرگ بازی کردند. آنها معمولاً از سه قسمت تشکیل می شدند که قسمت سوم تکرار قسمت اول بود. در آریاها، قهرمانان نگرش خود را نسبت به وقایع در حال وقوع بیان می کردند.

چندین نوع آریا وجود داشت: قهرمانانه، رقت انگیز (پرشور)، شاکی و غیره. برای هر یک از یک دایره خاص استفاده می شد. وسیله بیانی: در آریاهای قهرمانانه - قاطعانه، آهنگ های دعوت کننده، ریتم شاد. در موارد غم انگیز - عبارات موسیقی کوتاه و متناوب که هیجان قهرمان را نشان می دهد، و غیره. رسیتیتیوها، قطعات کوچک، برای آشکار شدن روایت دراماتیک، گویی آن را به جلو می برد. قهرمانان در مورد برنامه های اقدامات بعدی بحث کردند و در مورد رویدادهایی که اتفاق افتاده بود به یکدیگر گفتند. رسیتیتیوها به دو نوع تقسیم می شدند: secco (از ایتالیایی secco - "خشک") - نوازندگی سریع زیر آکوردهای پراکنده هارپسیکورد، و accompaniato (ایتالیایی assotraniato - "با همراهی") - یک تلاوت گویا به صدای یک ارکستر Secco اغلب برای توسعه اکشن مورد استفاده قرار می گرفت، در حالی که از accompaniato برای انتقال افکار و احساسات قهرمان استفاده می شد. گروه‌های کر و گروه‌های آواز درباره آنچه اتفاق می‌افتد اظهار نظر کردند، اما در این رویدادها شرکت نکردند.

تعداد خطوط بازیگری به نوع طرح بستگی داشت و کاملاً مشخص بود. همین امر در مورد روابط بین شخصیت ها نیز صدق می کند. انواع شماره های آوازی تک نفره و جایگاه آنها در اکشن صحنه ای مشخص شده است. هر شخصیت صدای خود را داشت: قهرمانان غنایی - سوپرانو و تنور، پدر نجیب یا شرور - باریتون یا باس، قهرمان مرگبار - کنترالتو.

تا اواسط قرن 18. کاستی های سریال اپرا آشکار شد. زمان اجرا اغلب مصادف با جشن های دربار بود، بنابراین کار باید با خوشی به پایان می رسید، که گاهی غیرقابل قبول و غیر طبیعی به نظر می رسید. اغلب متون به زبان مصنوعی و پیچیده نوشته می شدند. آهنگسازان گاهی از محتوا غفلت می‌کردند و موسیقی می‌نوشتند که با شخصیت سینا یا موقعیت مطابقت نداشت. کلیشه های زیادی و جلوه های خارجی غیر ضروری ظاهر شد. خوانندگان بدون اینکه به نقش آریا در کار به طور کلی فکر کنند مهارت خود را نشان دادند. اپراسریا شروع به "کنسرت در لباس" نامید. مردم علاقه جدی به خود اپرا نشان ندادند، اما به اجراهایی برای آریا "تاج" خواننده مشهور رفتند. در جریان این اقدام تماشاگران وارد سالن شدند و از سالن خارج شدند.

Operabuffa نیز توسط استادان ناپلی شکل گرفت. اولین نمونه کلاسیک چنین اپرایی «خدمت خانم» (1733) اثر آهنگساز جووانی باتیستا پرگولسی (1710-1736) است. اگر در اپراسریا آریاهایی در پیش زمینه وجود دارد، در اپرا بوفا دیالوگ های گفتاری وجود دارد که متناوب با گروه های آوازی. در operebuffa اصلی کاملا متفاوت وجود دارد شخصیت ها. این معمولا مردم عادی- خدمتکاران، دهقانان. طرح بر اساس یک دسیسه سرگرم کننده با لباس مبدل، خادمان فریب یک صاحب ثروتمند احمق، و غیره بود. موسیقی نیاز به سبکی برازنده، و عمل نیاز به سرعت داشت.

کارلو گلدونی نمایشنامه نویس ایتالیایی و خالق کمدی ملی تأثیر زیادی بر اپرا بوفا گذاشت. شوخ ترین، سرزنده ترین و کارهای روشناین ژانر توسط آهنگسازان ناپل ایجاد شد: نیکولو پیچینی (1728-1800) - "Cecchina، یا دختر خوب" (1760). جیووانی پائیسیلو (1740-1816) - "آرایشگر سویا" (1782)، "همسر میلر" (1788)؛ خواننده، ویولون، نوازنده هارپسیکورد و آهنگساز دومنیکو سیماروسا (1749-1801) - "ازدواج مخفی" (1792).

سازهای زهی آرشه ای

پیشینیان سازهای زهی مدرن - ویولن، ویولا، ویولن سل و کنترباس - ویولن هستند. آنها در پایان قرن 15 ظاهر شدند - اوایل شانزدهم V. و به زودی، به لطف صدای نرم و ملایم خود، شروع به ایفای نقش اصلی در ارکسترها کردند.

به تدریج، سازهای زهی جدید و پیشرفته‌تر جایگزین ویول‌ها شدند. در قرون 16-17، کل مدارس استادان روی ایجاد آنها کار کردند. معروف ترین آنها سلسله های سازندگان ویولن هستند که در شمال ایتالیا - در شهرهای کرمونا و برشا - به وجود آمدند.

بنیانگذار مدرسه کرمونا آندریا آماتی (حدود 1520 - حدود 1580) است. به خصوص به خاطر هنرش مشهور است نیکولو آماتی(1596-1684)، نوه او. او ساختار ویولن را تقریباً کامل ساخت، صدای ساز را تقویت کرد. در عین حال، لطافت و گرمای صدا حفظ شد. خانواده Guarneri در قرن 17-18 در کرمونا کار می کردند. بنیانگذار این سلسله آندره آ گوارنری (1626-1698) شاگرد نیکولو آماتی است. استاد برجسته Aziuseppe Guarneri (1698-1744) طراحی کرد مدل جدیدویولن، متفاوت از ساز آماتی.

سنت های مکتب آماتی توسط آنتونیو استرادیواری (1644-1737) ادامه یافت. او نزد نیکولو آماتی تحصیل کرد و در سال 1667 تجارت خود را افتتاح کرد. استرادیواری بیش از سایر استادان توانست صدای ویولن را به تن صدای انسان نزدیک کند.

خانواده Magini در Bresha کار می کردند. بهترین ویولن ها توسط جیووانی ماگینی (1580-1630 یا 1632) ساخته شد.

بالاترین ساز زهی ویولن است. به ترتیب کاهش دامنه صدا توسط ویولا، ویولن سل و کنترباس دنبال می شود. شکل بدن (یا جعبه رزونانس) یک ویولن شبیه طرح کلی است بدن انسان. بدنه دارای یک عرشه بالا و پایین (به آلمانی Decke - "درب") است که اولی از صنوبر و دومی از افرا ساخته شده است. عرشه ها برای بازتاب و تقویت صدا کار می کنند. در بالای آن سوراخ های تشدید کننده وجود دارد (به شکل حرف لاتین f؛ تصادفی نیست که به آنها "ف-حفره" گفته می شود). گردن به بدن چسبیده است. معمولا از آبنوس درست می شود. این یک صفحه باریک بلند است که چهار رشته روی آن کشیده شده است. گیره ها برای کشش و کوک کردن سیم ها استفاده می شوند. آنها همچنین روی صفحه انگشت هستند.

ویولا، ویولن سل و کنترباس از نظر ساختار شبیه به ویولن هستند، اما بزرگتر هستند. ویولا خیلی بزرگ نیست، روی شانه نگه داشته می شود. ویولن سل بزرگتر از ویولا است و هنگام نواختن، نوازنده روی صندلی می نشیند و ساز را روی زمین، بین پاهایش قرار می دهد. کنترباس بزرگتر از ویولن سل است، بنابراین نوازنده باید بایستد یا روی یک چهارپایه بلند بنشیند و ساز را در مقابل خود قرار دهد. در حین نواختن، نوازنده آرشه ای را در امتداد سیم ها حرکت می دهد که عصایی چوبی با موی اسب کشیده است. سیم می لرزد و صدایی ملودیک تولید می کند. کیفیت صدا به سرعت حرکت کمان و نیروی فشار دادن آن به سیم بستگی دارد. نوازنده با استفاده از انگشتان دست چپ خود سیم را کوتاه می کند و آن را در مکان های مختلف روی صفحه انگشت فشار می دهد - به این ترتیب او به زیر و بم های مختلف صدا می رسد. در سازهایی از این نوع نیز می توان با کندن یا ضربه زدن به سیم با قسمت چوبی آرشه صدا تولید کرد. صدای سیم های آرشه ای بسیار گویا است.

شکل گیری موسیقی کلاسیک. آهنگسازان بزرگ قرن 17 و 18

مونتوردی. D. Frescobaldi`. A. Corelli. آ. ویوالدی. A. Scarlatti D. B. Pergolesi. سلسله سازندگان ویولن.

موسیقی ایتالیا

جی بی لولی. جی اف رامو. اف کوپرین.

موسیقی فرانسه

G.Purcell.

موسیقی انگلستان

جی. شوتز. D. Buxtehude. جی اف هندل. جی اس باخ.

موسیقی آلمان

M.S.Berezovsky. D.S. Bortnyansky. E.I.Fomin.

موسیقی روسیه

در اواخر قرن 16-17، چندصدایی، که بر موسیقی رنسانس تسلط داشت، جای خود را به هم آوایی داد (از یونانی "homos" - "یک"، "یکسان" و "تلفن" - "صدا"، "صدا"). بر خلاف چند صدایی که همه صداها با هم برابرند، در چند صدایی هوموفونیک یکی برجسته می شود که موضوع اصلی را اجرا می کند و بقیه نقش همراهی (همنوایی) را ایفا می کنند. همراهی معمولاً سیستمی از آکوردها (هارمونی) است. از این رو نام روش جدید آهنگسازی - هوموفونیک - هارمونیک است.

آثاری ظاهر شدند که بر روی متون یا موضوعات مذهبی نوشته شده بودند، اما برای اجرای اجباری در کلیسا در نظر گرفته نشده بودند. (این گونه آثار معنوی نامیده می شوند، زیرا کلمه "روحانی" معنای گسترده تری نسبت به "کلیسا" دارد.) ژانرهای معنوی اصلی قرن 17-18. - کانتاتا و اوراتوریو. اهمیت موسیقی سکولار افزایش یافت: این موسیقی در دربار، سالن های اشراف و در تئاترهای عمومی شنیده می شد (اولین تئاترهای این چنینی در قرن هفدهم افتتاح شدند). نوع جدیدی از هنر موسیقی پدید آمده است - اپرا.

موسیقی دستگاهی نیز با ظهور ژانرهای جدید، به ویژه کنسرتو دستگاهی مشخص شده است. ویولن، هارپسیکورد و ارگ به تدریج به سازهای تکنواز تبدیل شدند. موسیقی نوشته شده برای آنها فرصتی برای نشان دادن استعداد نه تنها آهنگساز، بلکه مجری نیز فراهم کرد. آنچه بیش از همه ارزش داشت، مهارت (توانایی کنار آمدن با مشکلات فنی) بود که به تدریج برای بسیاری از نوازندگان به یک هدف و ارزش هنری تبدیل شد.

آهنگسازان قرون هفدهم تا هجدهم معمولاً نه تنها موسیقی می ساختند، بلکه سازها را استادانه می نواختند و به فعالیت های آموزشی مشغول بودند. رفاه هنرمند تا حد زیادی به مشتری خاص بستگی دارد. به عنوان یک قاعده، هر نوازنده جدی به دنبال یافتن جایگاهی در دربار یک پادشاه یا یک اشراف ثروتمند بود (بسیاری از اعضای اشراف ارکسترها یا خانه های اپرا خود را داشتند) یا در یک معبد. علاوه بر این، بیشتر آهنگسازان به راحتی موسیقی کلیسا را ​​با خدمات یک حامی سکولار ترکیب کردند.

جنبش های هنری قرن 18 و ویژگی های بارز آنها

جهت هنری - اشتراک اساسی پدیده های هنریبرای مدت طولانی

باروک جنبشی در معماری و هنر اروپایی اواخر قرن 16-18 است که ویژگی های آن عبارتند از:

بزرگواری، شکوه و پویایی؛

شادی رقت انگیز؛

شدت احساسات؛

اعتیاد به عینک های دیدنی;

تلفیق امر وهمی و واقعی؛

تضادهای قوی مقیاس و ریتم، مواد و بافت، نور و سایه.

کلاسیک گرایی یک جنبش هنری در هنر اروپایی قرن 17-19 است. هنرمندان کلاسیک:

هنر باستان به عنوان عالی ترین نمونه شناخته شد.

آنها بر سنت های رنسانس عالی تکیه کردند.

آنها تلاش کردند تا ایده ساختار هماهنگ جامعه را بر اساس "قوانین عقل" ابدی بیان کنند.

مفهوم "آهنگساز" اولین بار در قرن شانزدهم در ایتالیا ظاهر شد و از آن زمان به بعد برای اشاره به شخصی که موسیقی می نویسد استفاده می شود.

آهنگسازان قرن نوزدهم

در قرن نوزدهم وین آموزشگاه موسیقیاین را تصور کرد آهنگساز برجستهمانند فرانتس پیتر شوبرت. او سنت های رمانتیسم را ادامه داد و بر یک نسل کامل از آهنگسازان تأثیر گذاشت. شوبرت بیش از 600 رمان عاشقانه آلمانی خلق کرد و این ژانر را به سطح جدیدی رساند.

فرانتس پیتر شوبرت

یک اتریشی دیگر به نام یوهان اشتراوس با اپرت ها و نورهایش به شهرت رسید فرم های موسیقیشخصیت رقص او بود که بیشتر از همه از والس ساخت رقص مردمیدر وین، جایی که هنوز توپ ها برگزار می شود. علاوه بر این، میراث او شامل پولکا، کوادریل، باله و اپرت است.

یوهان اشتراوس

یکی از نمایندگان برجسته مدرنیسم در موسیقی اواخر قرن نوزدهم، ریچارد واگنر آلمانی بود. اپراهای او تا به امروز اهمیت و محبوبیت خود را از دست نداده اند.

جوزپه وردی

واگنر را می توان در مقابل شخصیت باشکوه آهنگساز ایتالیایی جوزپه وردی قرار داد که به سنت های اپرا وفادار ماند و به اپرای ایتالیایی نفس تازه ای بخشید.

پیوتر ایلیچ چایکوفسکی

در میان آهنگسازان روسی قرن نوزدهم، نام پیوتر ایلیچ چایکوفسکی برجسته است. او با یک سبک منحصر به فرد، ترکیب سنت های سمفونیک اروپایی با میراث روسی گلینکا مشخص می شود.

آهنگسازان قرن بیستم

سرگئی واسیلیویچ راخمانینوف

سرگئی واسیلیویچ راخمانینوف به حق یکی از درخشان ترین آهنگسازان اواخر قرن نوزدهم و اوایل قرن بیستم در نظر گرفته می شود. او سبک موسیقیبر اساس سنت های رمانتیسم بود و به موازات جنبش های آوانگارد وجود داشت. به دلیل فردیت و نداشتن آنالوگ بود که آثار او بسیار مورد توجه منتقدان سراسر جهان قرار گرفت.

ایگور فدوروویچ استراوینسکی

دومین آهنگساز مشهور قرن بیستم ایگور فدوروویچ استراوینسکی است. اصالتاً روسی بود و به فرانسه و سپس ایالات متحده آمریکا مهاجرت کرد و در آنجا استعداد خود را نشان داد نیروی کامل. استراوینسکی مبتکری است که از آزمایش ریتم ها و سبک ها هراسی ندارد. آثار او تأثیر سنت‌های روسی، عناصر مختلف جنبش‌های آوانگارد و سبک منحصر به فرد را نشان می‌دهد که به همین دلیل او را "پیکاسو در موسیقی" می‌نامند.