کلاسیک در هنر اروپای غربی قرن هفدهم. تجمل و شدت کلاسیک. داخلی: نشانه های کلاسیک و ژانرهای معماری

کلاسیک سبکی هنری در هنر اروپایی قرن 17-19 است که یکی از پایه های آن توسل به هنر باستان به عنوان عالی ترین نمونه و تکیه بر سنت های رنسانس عالی بود. اشکال هنری کلاسیک با سازماندهی دقیق، منطق، تعادل، وضوح و هماهنگی تصاویر مشخص می شود. در توسعه کلاسیک گرایی دو مرحله وجود دارد: "کلاسیسیسم فرانسوی قرن 17" و "نئوکلاسیک قرن 18". این پیام به مرحله اول توسعه کلاسیک گرایی اختصاص دارد.

در هنر اروپای غربی در قرن هفدهم. سبک باروک غالب شد (ترجمه شده از ایتالیایی به معنای "عجیب"، "عجیب" است - این نام بعداً به عنوان تعریفی از تخیل وحشی استادان این سبک ظاهر شد). باروک بر اساس ایده های مذهبی ضد اصلاحات بود. طبق طرح کلیسای کاتولیک، که علیه تقویت اصلاحات مبارزه می کرد، آثار هنری باید در روح بینندگان و شنوندگان ایمان عابدانه به خدا را بیدار کنند - چنین هنری ARTE SACRA، هنر مقدس نامیده می شد. ویژگی های اصلی آثار باروک - بیان احساسی، غنای حرکت، پیچیدگی راه حل های ترکیبی - در بیننده حال و هوای معنوی خاصی ایجاد کرد که اتحاد با خدا را ترویج می کرد.

در قرن هفدهم، یک سبک جدید و متفاوت در فرانسه ظهور کرد - کلاسیک. درست مانند باروک معاصر، نتیجه طبیعی توسعه معماری رنسانس و دگرگونی آن در شرایط مختلف فرهنگی، تاریخی و جغرافیایی شد. باروک ارتباط نزدیکی با کلیسای کاتولیک داشت. کلاسیک گرایی، و نیز اشکال محدودتر باروک، در کشورهای پروتستانی مانند انگلستان، هلند، آلمان شمالی و همچنین، به اندازه کافی عجیب، در فرانسه مطلقه کاتولیک قابل قبول تر بود.

نیمه دوم قرن هفدهم، دوران بالاترین شکوفایی سلطنت فرانسه است. البته برای لویی چهاردهم، "پادشاه خورشید"، کلاسیک گرایی تنها سبکی بود که می توانست ایده های خرد و قدرت حاکمیت، عقلانیت دولت، صلح و ثبات در جامعه را بیان کند. ایده کلیدی کلاسیک خدمت به فرانسه و پادشاه است ("دولت من است"، لویی چهاردهم) و پیروزی عقل بر احساسات ("من فکر می کنم، پس هستم"، دکارت). فلسفه عصر جدید نیاز به هنری داشت که میهن پرستی و تفکر منطقی را در انسان القا کند که البته اصول باروک برای آن مناسب نبود. مبارزه درونی، آشفتگی و درگیری‌هایی که در هنر باروک بسیار آشکار بود، به هیچ وجه با آرمان‌های وضوح و منطق مطلق‌گرایی فرانسوی مطابقت نداشت.

از دیدگاه کلاسیک، یک اثر هنری مطابق با قوانین خاص (قوانین تعیین شده) ساخته می شود و از این طریق هماهنگی و منطق خود جهان را آشکار می کند. بسیاری از قوانین توسط ایدئولوگ ها و هنرمندان کلاسیک از دوران باستان اتخاذ شد - دورانی که به عنوان زمان طلایی توسعه تمدن (نظم در معماری، ایده های ارسطو، هوراس) تلقی می شد.

برای اجرای ایده‌های کلاسیک، لویی چهاردهم آکادمی هنر (فعال از 1661)، آکادمی کوچک (آکادمی کتیبه‌ها، 1663)، آکادمی معماری (1666)، آکادمی فرانسه در رم (1666) و آکادمی موسیقی، شعر و رقص (1672).

دکترین آکادمیک بر مبنای عقلانی ساخته شد. هنر باید از قوانین عقل تبعیت می کرد. هر چیزی تصادفی، کم، معمولی که با ایده های زیبایی مطابقت نداشت، از حوزه خلاقیت هنری و آموزش بیرون رانده شد. سلسله مراتب دقیقی از ژانرها در هر شکل هنری ایجاد شد و اختلاط ژانرها مجاز نبود. فقط نقاشی تاریخی به عنوان هنر عالی شناخته شد. مفهوم آن شامل موضوعات مذهبی، اساطیری، تمثیلی و تاریخی بود. تفسیر این موضوعات باید با ایده های "سبک بزرگ" عصر مطابقت داشته باشد و بر اساس مطالعه نمونه های کلاسیک هنر باستان، رافائل، استادان آکادمیک بولونی و پوسین باشد. اصول سختگیرانه و قوانین پیچیده در آکادمی توسعه یافت و به دکترین رسمی تبدیل شد، وحدت سبکی هنر فرانسه را تعیین کرد. با این حال، آنها ابتکار خلاق هنرمندان را به بند کشیدند و هنر آنها را از اصالت فردی سلب کردند

در زمینه هنرهای تزیینی و کاربردی و طراحی داخلی، سبک آن دوران توسط کارخانه ملیله سلطنتی ایجاد شد که ملیله (نقاشی های بافته شده)، مبلمان، فلز، شیشه و سفال را ایجاد می کرد.

معماری در نیمه دوم قرن هفدهم در هنر فرانسه اهمیت زیادی پیدا کرد. تمام اشکال دیگر هنر با آن ارتباط نزدیک دارند. ساختارهای بزرگی در سرتاسر کشور ایجاد می شود تا از پادشاه به عنوان رئیس یک کشور مرفه تجلیل شود. مشارکت تیم هایی از استادان برجسته در آنها، کار مشترک معماران با مجسمه سازان، نقاشان، استادان هنرهای کاربردی و حل جسورانه و مبتکرانه مسائل مهندسی و سازنده منجر به خلق نمونه های قابل توجهی از معماری فرانسوی شد.

لویی چهاردهم بین دو سبک - باروک و کلاسیک - در طول مسابقه ای برای این پروژه انتخاب کرد نمای شرقی موزه لوور. او پروژه برجسته ترین معمار باروک لورنزو برنینی را با وجود همه شایستگی ها و شهرت جهانی (که به شدت استاد بزرگ را آزرده خاطر کرد) رد کرد و پروژه ساده و محدود کلود پرو را که با روحیه کلاسیک سخت طراحی شده بود ترجیح داد.

نمای شرقی موزه لوور (1667-1678)، که اغلب به آن کلوناد لوور می گویند، بخشی از مجموعه دو کاخ را تشکیل می دهد که در قرن هفدهم متحد شدند - تویلری و لوور (طول کل نما 173 است. م). ساختار ترکیبی آن کاملاً مشخص است - دارای یک ریسالیت مرکزی و دو جانبی (قسمت های بیرون زده نما) است که بین آن ها بر روی یک پایه صاف بالا، ستون های کورینتی دوتایی قدرتمند وجود دارد که از یک بند بلند حمایت می کنند.

برجستگی های جانبی ستون ندارند، بلکه توسط ستون ها تقسیم می شوند و یک انتقال منطقی به نماهای جانبی ایجاد می کنند. بنابراین، می توان به بیانی عالی نظم دست یافت و به طور ریتمیک وحدت یک نمای بسیار گسترده و یکنواخت را حفظ کرد.

بنابراین، نمای شرقی موزه لوور ویژگی‌های مشخصی را با الهام از دوران باستان و رنسانس به نمایش می‌گذارد - استفاده از سیستم نظم، صحت واضح و هندسی حجم‌ها و چیدمان، رواق‌ها، ستون‌ها، مجسمه‌ها و نقش برجسته‌هایی که بر روی سطح دیوارها خودنمایی می‌کنند. .

باشکوه ترین ساختمان دوران لویی چهاردهم و بنای اصلی کلاسیک گرایی فرانسوی قرن هفدهم. به ورسای (1668-1689) تبدیل شد - یک اقامتگاه سلطنتی باشکوه که مطابق با اصول کلاسیک گرایی برای تجلیل از پادشاه، پیروزی عقل و طبیعت طراحی شده است. این مجموعه که به استانداردی برای مجموعه های کاخ و پارک در اروپا تبدیل شده است، ویژگی های سبک کلاسیک و باروک را با هم ترکیب می کند.

مجموعه ورسای، واقع در 22 کیلومتری جنوب غربی پاریس، قلمرو وسیعی از جمله پارک های وسیع با ساختارهای مختلف، استخرهای شنا، کانال ها، فواره ها و ساختمان اصلی - ساختمان خود کاخ را پوشش می دهد. ساخت گروه ورسای (کار اصلی از سال 1661 تا 1700 انجام شد) هزینه های هنگفتی را به همراه داشت و به کار سخت تعداد زیادی از صنعتگران و هنرمندان با تخصص های مختلف نیاز داشت. کل محوطه پارک تسطیح شد و روستاهای واقع در آنجا تخریب شدند. با کمک دستگاه های هیدرولیک مخصوص، سیستم پیچیده ای از فواره ها در این منطقه ایجاد شد که برای تغذیه آن استخرها و کانال های بسیار بزرگی برای آن زمان ساخته شد. این کاخ با استفاده از مواد با ارزش، تزیینات بسیار تجملاتی، تزئین شده با آثار مجسمه‌سازی، نقاشی‌ها، و غیره انجام شد.

کارهای اصلی در ورسای توسط معمار لویی لوو، برنامه ریز باغبانی آندره لو نوتر و نقاش چارلز لبرون انجام شد.
کار برای گسترش ورسای مرحله نهایی فعالیت لوو را تشکیل می داد. در دهه 1620، یک قلعه شکار کوچک در ورسای ساخته شد. لویی چهاردهم قصد داشت تا یک قصر بزرگ بر اساس این ساختمان ایجاد کند که توسط یک پارک زیبای وسیع احاطه شده بود. اقامتگاه سلطنتی جدید باید از نظر اندازه و معماری با عظمت "پادشاه خورشید" مطابقت داشته باشد.
لوو قلعه قدیمی لویی سیزدهم را در سه ضلع خارجی با ساختمان های جدید بازسازی کرد که هسته اصلی کاخ را تشکیل می داد. در نتیجه بازسازی، کاخ چندین برابر افزایش یافت.

نمای کاخ از سمت پارک لوو با ستون‌ها و ستون‌های یونی در طبقه دوم - اصلی تزئین شده است. دیوار طبقه اول که با روستیکا (تقلید از سنگ کاری خشن) پوشیده شده بود، به شکل پایه ای تعبیر شد که اساس نظم را به کار می برد. لوو طبقه سوم را به عنوان یک اتاق زیر شیروانی در نظر گرفت که به همین ترتیب تاج گذاری می کند. نما با یک جان پناه با یراق آلات به پایان رسید. سقف‌ها که معمولاً در معماری فرانسوی بسیار مرتفع هستند، در اینجا پایین ساخته شده و کاملاً در پشت جان پناه پنهان شده‌اند.

دوره بعدی در تاریخ ورسای با نام بزرگترین معمار نیمه دوم قرن هفدهم مرتبط است - ژول هاردوین منصارت (1646-1708) که از سال 1678 گسترش بیشتر کاخ را رهبری کرد. J. Hardouin Mansart the Younger با ساختن "گالری آینه" معروف، نمای پارک کاخ را به طور قابل توجهی تغییر می دهد.

اتاق اصلی کاخ - گالری آینه - تقریباً تمام عرض بخش مرکزی سازه را اشغال می کند (طول 73 متر ، عرض - 10.3 متر ، ارتفاع - 12.8 متر). 7 پنجره قوسی بزرگ در دیوار بیرونی با 7 آینه به شکل مشابه در دیوار مقابل مطابقت دارد.

دیوارها، ستون‌ها، ستون‌ها با سنگ مرمر چند رنگ تزئین شده، سرستون‌ها و پایه‌های ستون‌ها و نقش برجسته‌های متعدد بر روی دیوارها از برنز طلاکاری شده است. سقف طاق دار به طور کامل با نقاشی هایی در یک قاب گچی طلاکاری شده باشکوه از چارلز لبرون پوشیده شده است. موضوعات این ترکیبات تصویری به تجلیل تمثیلی سلطنت فرانسه و رئیس آن، پادشاه اختصاص دارد.

مدت کلاسیک گرایی معمولاً دلالت بر ارتباط مستقیم با هنر باستانی دارد. در عین حال در خود کلمهکلاسیک گرایی تلفیقی از اصطلاح تاریخی و قضاوت ارزشی وجود دارد. زیرکلاسیک بهترین، مثال زدنی ترین ویژگی های هر ژانر، هر مرحله از تاریخ هنر را درک کنید.

کلاسیک به عنوان یک سبک هنری معطوف به دوران باستان، در او یک الگوی ایده آل می دید. منشأ آن در فرانسه بودXVIIقرن، یعنی در زمانی که باروک در کشورهای دیگر حکومت می کرد. کلاسیک گرایی اولیه فرانسه خود را به وضوح در معماری و نمایش، و همچنین در نقاشی (Poussin) و موسیقی (Lully) نشان داد.

مانند هنر رنسانس، کلاسیک گرایی با ایمان به عقل انسانی آغشته است. مبنای فلسفی آن بودعقل گرایی دکارت - فلسفه ای که عقل انسان را ابزار اصلی شناخت حقیقت می داند.

هنرمندان این جنبش برای انتقال واقعیت در اطراف خود تلاش نکردند، بلکه جهانی شاعرانه نجیب ایجاد کردند که در آن آرمان های نیکی، عدالت و اخلاق والا حکمفرماست.

کلاسیک به کارکرد اجتماعی و آموزشی هنر اهمیت زیادی می داد. او قهرمان جدیدی را مطرح کرد: قوی و شجاع در برابر آزمایشات زندگی، استوارانه در برابر ضربات سرنوشت متحمل می شود، قادر است منافع شخصی را تابع منافع جامعه کند. نکته اصلی در کلاسیک گرایش به اصل عقلانی است، زیرا عقل است که انسان را به انجام وظیفه فرمان می دهد., و مقوله وظیفه در زیبایی شناسی کلاسیک از شادی شخصی مهمتر است.

معماری کلاسیک نزدیک به باستان که مشهود است:

در استفاده از سیستم سفارش؛

در منطق، وضوح برنامه ریزی؛

در معقول بودن نسبت ها، هندسی فرم ها؛

در غیاب افراط های تزئینی، سادگی طراحی؛

در ایجاد مجموعه های کاخ و پارک.

به طور کلی، ساختمان های کلاسیک با عظمت و آرامش سخت متمایز می شوند. معروف ترین بنای معماری کلاسیک -نمای شرقی موزه لوور (دهه 60 XVIIقرن). معمار کلود پررو، که ساختمان را تکمیل کرد، دوباره در آن ساخته شدشانزدهمقرن ستون کورنتی با سه برجستگی به شکل رواق (در مرکز و گوشه‌های نما) قرار گرفته است.

در خاستگاه کلاسیک گرایی، نقاشی قرار داشتنیکلاس پوسین (1594-1665)، که خود را وقف مطالعه دوران باستان کرد. او نقاشی هایی بر اساس موضوعات اساطیری می کشید که از اووید و تورکواتو تاسو گرفته شده بود، مضامین مرتبط با موضوعات کتاب مقدس و تاریخی را توسعه داد و اغلب به مناظر روی آورد. در منظره، پوسین به بیانی از سادگی و آرامش با شکوه دست یافت.

محبوب ترین نویسنده «منظره ایده آل» بودکلود لورن (1604-1682). تصاویر نقاشی های او اغلب از کتاب مقدس، اشعار ویرژیل، اووید یا حماسه قرون وسطی الهام گرفته شده است، اما در واقع آنها به یک موضوع اصلی اختصاص داده شده اند - بازتابی از هماهنگی درونی طبیعت ("آسکانیو و گوزن").

به زبان فرانسه دراماتورژی کلاسیک به تیتان هایی مانندکورنیل، راسین، مولیر. کورنیل و راسین بهترین نمونه های تراژدی کلاسیک جدید را خلق کردند و مولیر - کمدی.

در وسط هجدهمقرن، اصول کلاسیک گرایی در روح زیبایی شناسی روشنگری دگرگون شد. اپرای قهرمانانه گلوک در موسیقی کلاسیک است و در نقاشی نقاشی های دیوید تجسم کلاسیک گرایی شد.

کلاسیک گرایی- جهتی در هنر اروپا که بر اساس تقدیس کلاسیک های باستانی به عنوان بهترین الگو است. ویژگی های متمایز معماری کلاسیک عبارتند از:
استفاده از قابلیت های ساختاری، هنری و تزیینی نظام نظم باستانی، نقوش آن، تناسب و تناسب حجم ها و جزئیات ساختمان. بر اساس سیستم مدولار باستانی، معماری کلاسیک متناسب و متناسب با انسان بود و به طور هماهنگ با او در ارتباط بود.
اساس معماری کلاسیک، ترکیب بندی های محوری متقارن و تعادل در ساخت پلان ها، حجم ها و فضای داخلی ساختمان ها است. کل ترکیب معماری به سمت محور اصلی جذب می شود و با آن در ارتباط است.
مهار تزیینات تزئینی، که در آن هر عنصر معماری یک کل کامل است و موقعیت خاص خود را در یک سیستم سلسله مراتبی بر اساس تبعیت مداوم بخش‌های فرعی نسبت به بخش‌های اصلی، بخش‌های کم‌اهمیت به مهم‌تر، اشغال می‌کند.
بر اساس محاسبات ریاضی، ساختمان های کلاسیک از یک سو بر اصل سکولار در معماری فرانسه تأکید می کردند، هنر را از کلیسای گرایی رها می کردند و از سوی دیگر به عنوان مدرکی بر مترقی بودن رژیم روشن فکر فئودالی-مطلق عمل می کردند.
در توسعه نوع قلعه فرانسوی از آن زمان به بعد، دو جهت قابل تشخیص است: رسمی که برای محافظت از ایده مطلق گرایی (ایجاد مجموعه های بزرگ قصر و پارک) و جهت صمیمی تر بر اساس منافع فردی انسان (که در ایجاد اقامتگاه ها و قلعه های کوچک روستایی تجلی یافته است که در آنها می توان از سر و صدای دربار و زندگی سرسبز دربار جدا شد).
در 2/نیم قرن هفدهم ساخت اقامتگاه سلطنتی ورسای جایگاه ویژه ای را به خود اختصاص داده است. ورساییک مجموعه بزرگ معماری یکپارچه از یک قصر، یک پارک و یک شهر است که نشان دهنده ترکیبی از هنرها - معماری، نقاشی، مجسمه سازی و هنر منظره کلاسیک فرانسوی قرن هفدهم است. ساخت و ساز به دستور لویی 14 (پادشاه خورشید) با بازسازی کاخ کوچک لویی 13 توسط معمار Levo در سال 1661 آغاز شد. دکوراسیون تزئینی کاخ به روز شد، نارنجستان و باغ خانه ساخته شد. اما با گذشت زمان، این کاخ به اندازه کافی با شکوه و کوچک در نظر گرفته نشد، بنابراین در سال 1678، طاق. منصار کاخ را بزرگ کرد و کلیسا را ​​اضافه کرد.
کاخ ورسای از پارک خود جدایی ناپذیر است. این پارک توسط معمار-باغبان Le Nôtre (1613-1700) ایجاد شده است. لو نوتر در باغ ها و پارک های خود از اصل کلاسیک پیروی می کند - نظم، تقارن دقیق، وضوح ترکیب، وضوح تابعیت اصلی و فرعی. به گفته Le Nôtre، کاخ باید به وضوح قابل مشاهده باشد و کوچه اصلی باید از مرکز کاخ - از محور تقارن پارک - احاطه شود. کل پارک باید به وضوح قابل مشاهده باشد. یک باغ خوب با بی نظمی و خودسری اش نمی تواند مانند جنگل باشد.
کاخ ورسای جهت‌گیری شرقی-غربی داشت و به‌ویژه در زیر اشعه‌های غروب خورشید درخشان به نظر می‌رسید. ویژگی خاص ورسای معنای تمثیلی مجسمه های آن است که اسطوره شناسی آن کاملاً متعارف است. چهره مرکزی پارک ورسای، فواره آپولو، خدای خورشید است.
برای اینکه زندگی در چنین قصر و پارک بزرگی، در اعماق قسمت آزاد پارک، طاق، راحت و دلپذیر باشد. Levaux در سال 1670 ساخته شد. به اصطلاح Porcelain Trianon ساختاری زیبا است که با چینی های چند رنگ تزئین شده است. اما بعداً دیگر الزامات سبک را برآورده نکرد و در سال 1687 تخریب شد و معمار Mansart به جای آن یک ساختمان جدید به نام Grand Trianon - یک ساختمان یک طبقه با سقف مسطح ساخته شده از انواع گرانبها بنا کرد. سنگ مرمر کمی بعد، کاخ پتی تریانون ساخته شد.
بنابراین، در ورسای، دو کارکرد اصلی به وضوح متمایز شد: یکی - رسمی نماینده، دولتی، و دیگری - صمیمی، مرتبط با زندگی شخصی پادشاه و اطرافیانش. این شهر که برای 30000 نفر طراحی شده بود، در ارتباط با کاخ و پارک قرار داشت.

در حالی که باروک در دیگر کشورهای اروپای غربی حاکم بود، کلاسیک گرایی نقش مهمی در فرانسه ایفا کرد - جنبشی که نمایندگان آن به هنر دوران باستان و رنسانس روی آوردند.

در آغاز قرن هفدهم. فرانسه که از جنگ های داخلی خسته شده بود، وارد عصری از تقویت مطلق گرایی شد. سلطنت مطلقه که در زمان لویی چهاردهم به اوج خود رسید، به نیرویی تعیین کننده در مبارزه با فئودالیسم و ​​موتور اصلی تجارت و صنعت تبدیل شد. در اواسط قرن هفدهم. فرانسه شاید بزرگترین قدرت تجاری بود.

ثبات نسبی در عرصه سیاسی و توسعه اقتصادی با جهش در حیات فرهنگی کشور همراه شد. علم فرانسه به ویژه فیزیک، ریاضیات و فلسفه گام مهمی در مسیر پیشرفت برداشت. آموزه دکارت که استدلال می کرد عقل ابزار اصلی شناخت حقیقت است، موفقیت بزرگی بود. از اینجاست که خردگرایی مشخصه ادبیات و هنرهای زیبای فرانسه، به ویژه مشخصه کلاسیک گرایی، سرچشمه می گیرد.

در ربع اول قرن هفدهم. بزرگ ترین استادان فرانسه خارجی ها (عمدتاً فلاندری ها) بودند.
تنها در آغاز ربع دوم قرن هفدهم، فرانسه نمایندگان برجسته خود را از هنرهای زیبا معرفی کرد.

رئیس هنر دربار و نماینده برجسته باروک فرانسه در نیمه اول قرن هفدهم. سیمون ووت بود. ویو در ایتالیا نقاشی خوانده است، بنابراین نقاشی او را می توان در تأثیر کاراواجو و استادان بولونی ردیابی کرد. ویو با بازگشت از ایتالیا به وطن خود هنرمند دربار شد. او برای بوم های زیبا و دیدنی خود از موضوعات اساطیری و کتاب مقدس ("هرکول در میان خدایان المپوس"، "عذاب سنت یوستاتیوس") استفاده کرد. این نقاشی ها با پیچیدگی بیش از حد ترکیب، روشنایی بیش از حد رنگ و تصاویر ایده آل مشخص می شوند. بوم‌ها و نقاشی‌های تزئینی Vouet در آن زمان بسیار محبوب بودند. بسیاری از هنرمندان فرانسوی از این نقاش تقلید کردند، شاگردان او استادان مشهور بعدی مانند P. Mignard، C. Lebrun و E. Lesueur بودند.

در کنار هنر باروک که در پایتخت شکوفا شد، استان های فرانسه هنرمندانی را تولید کردند که روش اصلی آنها رئالیسم بود. یکی از بزرگترین رئالیست های نیمه اول قرن هفدهم. ژاک کالو شد که به عنوان یک نقشه‌کش و حکاکی با استعداد مشهور شد. گرچه آثار زیادی با مضامین مذهبی دارد، اما جایگاه اصلی در آثار استاد نقاشی با موضوعات روزمره است. اینها مجموعه های گرافیکی او "Caprici"، "Humpbacks"، "Beggars" هستند.

بسیاری از هنرمندان فرانسوی نیمه اول قرن هفدهم. به کارواگیسم روی آورد. از جمله ژان والنتین، ژرژ دو لاتور.

نقش مهمی در توسعه رئالیسم در نیمه اول قرن هفدهم. برادران لنین - آنتوان، لوئیس و ماتیو - بازی کردند. مضامین ژانر جایگاه اصلی را در آثار آنها به خود اختصاص داد. آنتوان بزرگ عمدتاً پرتره های گروهی و صحنه هایی از زندگی خرده بورژواها و دهقانان را نقاشی می کرد. ماتیو جوانتر فعالیت خلاقانه خود را با نقاشی هایی که زندگی دهقانان را به تصویر می کشد آغاز کرد. ماتیو لو ناین که مدت زیادی از برادرانش بیشتر بود، بعدها به یکی از محبوب ترین نقاشان پرتره تبدیل شد.

برادر میانی، لویی لو ناین، به حق یکی از مشهورترین نقاشان فرانسوی قرن هفدهم است. او بود که بنیانگذار ژانر دهقانی در هنر فرانسه شد.

لویی لنین

لویی لنین در سال 1593 در شهر لانای (پیکاردی) در خانواده ای خرده بورژوا به دنیا آمد. لویی به همراه برادرانش به پاریس نقل مکان کردند. در اینجا لوئیس، آنتوان و متیو کارگاه خود را افتتاح کردند. احتمالاً همراه با متیو، لوئی لنین از ایتالیا دیدن کرد. در آثار اولیه او ویژگی های کارواگیسم به چشم می خورد. تا سال 1640، این هنرمند سبک منحصر به فرد خود را توسعه داد.

بسیاری از هنرمندان فرانسوی قرن هفدهم. به مضامین دهقانی روی آورد، اما فقط در لویی لونین تفسیر کاملاً جدیدی دریافت می کند. هنرمند به سادگی و با حقیقت زندگی مردم را به تصویر می کشد. قهرمانان او، افراد متواضع و ساده، اما سرشار از وقار درونی، احساس احترام عمیق را برمی انگیزند.

بهترین آثار لویی لو ناین در دهه 1640 تکمیل شد. در نگاه اول، شخصیت‌های نقاشی‌های او از نظر عمل با یکدیگر ارتباطی ندارند. اما در واقع، این دور از واقعیت است: آنها با یک نگرش ذهنی همخوان و یک درک مشترک از زندگی متحد می شوند. رشته‌های نامرئی اعضای یک خانواده دهقانی فقیر را به هم متصل می‌کند که به صدای پسری در حال نواختن ویولن در نقاشی «غذا دهقانی» گوش می‌دهند. "دعای قبل از شام" محدود و ساده، عاری از احساسات، اما در عین حال تاثیرگذار "عیادت مادربزرگ"، با احساسی شاعرانه مشخص شده است.

تا سال 1640. اشاره به نقاشی شگفت انگیز لویی لو ناین "خانواده برفک" دارد. این هنرمند با احساس همدردی فراوان، برفک دهان را که از نگرانی زود پیر شده بود، شوهر دهقان متفکرش، پسری قوی و گونه های کلفت و دختری شکننده و بیمار را به تصویر کشید. منظره با مهارت قابل توجهی اجرا شده است که در برابر آن چهره ها و اشیاء زندگی دهقانی ارائه می شود. قوطی مسی پشت شیر ​​دوش، بشکه و وان چوبی که جلوی پای الاغ ایستاده است به طرز شگفت آوری واقعی به نظر می رسد.

شاهکار لویی لو ناین "The Forge" بود که در همان زمان نوشته شد. اگر قبلاً هنرمند دهقانان را در هنگام استراحت یا غذا به تصویر می کشید ، اکنون به صحنه هایی از کار انسانی روی آورده است. این نقاشی آهنگری را نشان می دهد که توسط اعضای خانواده در حال کار است. حس حرکت و بیان واضح تصاویر با ضربه های سریع و پرانرژی قلم مو و تضاد نور و سایه ایجاد می شود.

لویی لو ناین در سال 1648 درگذشت. نقاشی رئالیستی او، عاری از نمایش و نمایش باروک، تقریباً صد سال جلوتر از دوران خود بود. تا حد زیادی به لطف لویی لو ناین بود که برادرانش به شهرت جهانی دست یافتند.

ویژگی های هنر رئالیستی در نیمه اول قرن هفدهم. همچنین در پرتره منعکس شده است، که نماینده برجسته آن فیلیپ دو شامپین، فلاندری الاصل بود. خالق ترکیب‌بندی‌های مذهبی و نقاشی‌های تزئینی، شامپاین به‌عنوان یک نقاش پرتره با استعداد مشهور شد و پرتره‌های واقع‌گرایانه و دقیقی از کاردینال ریشلیو و آرنو داندیلی خلق کرد.

در آغاز قرن هفدهم به وجود آمد. کلاسیک در ربع دوم این قرن به جهت پیشرو تبدیل شد. هنرمندان کلاسیک، درست مانند رئالیست ها، به ایده های پیشرفته این دوران نزدیک هستند. نقاشی آنها منعکس کننده جهان بینی روشن و تصوری از انسان به عنوان فردی است که شایسته احترام و تحسین است. در عین حال، کلاسیک گرایان تلاشی برای انتقال واقعیت پیرامون خود در نقاشی های خود نداشتند. زندگی در نقاشی‌هایشان نجیب‌آمیز جلوه می‌کرد و مردم آرمانی و قهرمانانه. موضوعات اصلی آثار هنرمندان کلاسیک قسمت هایی از تاریخ باستان، اساطیر و همچنین موضوعات کتاب مقدس بود. بیشتر تکنیک های نقاشی از هنر باستان به عاریت گرفته شده است. از هر چیز فردی و معمولی استقبال نمی شد: نقاشان تلاش کردند تا تصاویر تعمیم یافته و معمولی خلق کنند. کلاسیک گرایی نیمه اول قرن هفدهم. آرزوهای روشن‌فکرترین لایه‌های جامعه فرانسه را بیان می‌کند که عقل را بالاترین معیار هر چیزی زیبا در زندگی واقعی و هنر می‌دانند.

بزرگترین استاد کلاسیک در نقاشی نیکلاس پوسین بود.

نیکلاس پوسین

نیکلاس پوسین در سال 1594 در نرماندی در یک خانواده نظامی که از یک خانواده اصیل فقیر بودند به دنیا آمد. پوسین اولین درس های نقاشی خود را از استاد استانی کوئنتین وارن دریافت کرد. محیط یک شهر کوچک نورمن برای توسعه توانایی های هنرمند مشتاق مساعد نبود و در اوایل دهه 1610. پوسین مخفیانه از پدر و مادرش به پاریس رفت.

در پایتخت، این هنرمند این فرصت را داشت که از نزدیک با هنر استادان مشهور ایتالیایی آشنا شود. آثار رافائل تأثیر زیادی بر او گذاشت. پوسین در پاریس با شاعر محبوب ایتالیایی جی. مارینو ملاقات کرد و برای شعر او «آدونیس» تصویرسازی کرد.

در سال 1624 نقاش فرانسه را ترک کرد و به ایتالیا رفت و در رم اقامت گزید. پوسین در اینجا خستگی ناپذیر کار کرد: او مجسمه های باستانی را ترسیم کرد، ادبیات و علم را مطالعه کرد و آثار لئوناردو داوینچی و آلبرشت دورر را مطالعه کرد.

اگرچه آثار پوسین، که در دهه 1620 تکمیل شد، قبلاً ویژگی های کلاسیک را نشان می داد، بسیاری از آثار او در این دوره فراتر از این جهت هستند. کاهش تصاویر و درام بیش از حد در نقاشی هایی مانند «شهادت سنت. اراسموس» و «قتل عام بیگناهان»، نقاشی پوسین را به کارواگیسم و ​​هنر باروک نزدیک می کند. حتی در نقاشی بعدی "نزول از صلیب" (حدود 1630)، بیان حاد در به تصویر کشیدن غم و اندوه انسان هنوز قابل توجه است.

اصل عقلانی در نقاشی پوسین کلاسیک نقش بسزایی دارد، بنابراین منطق روشن و ایده روشن در بوم های نقاشی او قابل مشاهده است. این ویژگی ها مشخصه نقاشی او "مرگ ژرمنیکوس" (1626-1627) است. ویژگی های کلاسیک گرایی قبلاً در انتخاب شخصیت اصلی بیان شده بود - یک فرمانده شجاع و شجاع که توسط امپراتور بد و حسادت روم تیبریوس مسموم شد.

در نیمه دوم دهه 1620. پوسین به کار تیتیان علاقه مند شد که هنر او تأثیر زیادی بر استاد فرانسوی گذاشت و به استعداد او کمک کرد تا کاملاً خود را نشان دهد.

در این دوره، پوسین نقاشی «رینالدو و آرمیدا» (1627-1625) را با الهام از شعر «اورشلیم آزاد شده» تی تاسو خلق کرد. نقاش افسانه قرون وسطایی در مورد شوالیه صلیبی رینالدو را که توسط جادوگر آرمیدا به باغ های شگفت انگیز خود برده بود، به عنوان طرحی از یک اسطوره باستانی ارائه کرد: اسب های آرمیدا که ارابه ای را می کشند شبیه اسب های خدای خورشید یونانی هلیوس است. بعداً این موتیف بیش از یک بار در آثار پوسین ظاهر خواهد شد.

پوسین با پیروی از آرمان های کلاسیک، قهرمانانی را نشان می دهد که در هماهنگی کامل با طبیعت زندگی می کنند. از جمله ساتیرها، کوپیدها و پوره های او هستند که زندگی شاد و شاد آنها در هماهنگی کامل با طبیعت باشکوه و زیبا پیش می رود ("آپولو و دافنه"، "باکانالیا"، "پادشاهی فلورا" - همه دهه های 1620-1630).

یکی از بهترین آثار این نقاش نقاشی "زهره خفته" بود. همانطور که در آثار استادان بزرگ رنسانس ایتالیا، زهره پوسین، که توسط طبیعتی لذت بخش احاطه شده است، سرشار از نیروی جوانی است. به نظر می رسد که این الهه لاغر اندام، غوطه ور در خوابی آرام، به سادگی یک دختر زیباست که ظاهراً توسط استاد از زندگی روزمره ربوده شده است.

طرح نقاشی «تانکرد و ارمینیا» برگرفته از شعر تاسو است.

پوسین تانکرد مجروح را به تصویر کشیده است که بر روی زمین صخره ای بایر سجده کرده است. قهرمان توسط دوستش وافرین حمایت می شود.

ارمینیا که از اسبش پیاده شده است، به سوی معشوقش می شتابد تا زخم های او را با تار موی بلندش که با شمشیری تیز بریده شده بود پانسمان کند. شادی عاطفی تصویر با رنگ‌آمیزی صدادار تصویر، به‌ویژه تضاد رنگی رنگ‌های استیل خاکستری و سایه‌های آبی غنی لباس‌های ارمینیا ایجاد می‌شود. درام موقعیت توسط منظره ای که با انعکاس روشن غروب خورشید روشن شده است، تأکید می کند.

با گذشت زمان، آثار پوسین کمتر احساسی و دراماتیک می شوند، احساس و دلیل در آنها کمتر می شود
متعادل هستند. یک نمونه دو نسخه از نقاشی "چوپانان آرکادی" است. در اولین مورد، که بین سال های 1632 و 1635 اجرا شد، هنرمند چوپانانی را به تصویر کشید، ساکنان کشور شاد آرکادیا، که ناگهان مقبره ای را در میان انبوه انبوه کشف کردند، که روی آن می توان کتیبه را تشخیص داد: "و من در آرکادیا بودم." این کتیبه روی سنگ قبر، چوپانان را در سردرگمی عمیق فرو برد و آنها را در مورد اجتناب ناپذیر بودن مرگ به فکر فرو برد.

نسخه دوم "چوپانان آرکادی" که در اوایل دهه 1650 نوشته شد، کمتر احساسی و دراماتیک است. چهره چوپان ها هم غمگین است اما آرام تر. یک زن زیبا که حکمت رواقی را به تصویر می کشد، آنها را تشویق می کند که مرگ را از نظر فلسفی، به عنوان یک الگوی اجتناب ناپذیر درک کنند.

در پایان دهه 1630. شهرت پوسین از ایتالیا فراتر می رود و به پاریس می رسد. این هنرمند به فرانسه دعوت می شود، اما سعی می کند این سفر را به تعویق بیندازد. و تنها نامه ای شخصی از لویی سیزدهم او را مجبور می کند تا برای سفر آماده شود.

در پاییز 1640، پوسین به پاریس بازگشت، اما این سفر او را خوشحال نکرد. هنرمندان دربار، به رهبری S. Vouet، از پوسین استقبال ناخوشایندی کردند. "این حیوانات"، همانطور که هنرمند آنها را در نامه های خود نامیده است، او را با شبکه ای از دسیسه های خود احاطه کرده اند. پوسین که در فضای خفه‌کننده زندگی دادگاهی خفه می‌شود، نقشه‌ای برای فرار طراحی می‌کند. در سال 1642، به بهانه بیماری همسرش، این هنرمند به ایتالیا بازگشت.

نقاشی پاریسی پوسین ویژگی های باروک آشکاری دارد. آثار این دوره با رسمیت سرد و اثربخشی نمایشی متمایز می شوند ("زمان حقیقت را از حسادت و اختلاف نجات می دهد" ، 1642؛ "معجزه سنت فرانسیس خاویر" ، 1642). و پوسین در آثار بعدی خود دیگر به بیان و سرزندگی قبلی تصاویر خود نرسید. در این آثار، عقل گرایی و ایده انتزاعی بر احساس ارجحیت داشت («سخاوت اسکیپیون»، 1643).

در پایان دهه 1640. پوسین عمدتاً مناظر را نقاشی می کند. اکنون او نه توسط انسان، بلکه توسط طبیعت جذب می شود، که در آن تجسم هماهنگی واقعی زندگی را می بیند. این هنرمند به دقت مناظر اطراف رم را مطالعه می کند و طرح هایی از زندگی می سازد. بعدها بر اساس این نقاشی های زنده و تازه به اصطلاح می نویسد. مناظر قهرمانانه، که در نقاشی قرن هفدهم گسترده شد. توده‌های صخره‌ای، درختان بزرگ با تاج‌های سرسبز، دریاچه‌های شفاف و جویبارهای جاری در میان سنگ‌ها - همه چیز در این مناظر توسط پوسین بر عظمت و زیبایی بی‌نقص طبیعت تأکید می‌کند ("منظره با هرکول و کاکوس"، 1649؛ "منظره با پولیفموس"، 1649).

در سال‌های آخر زندگی او، نت‌های تراژیک در آثار پوسین با صدای بلندتری به صدا در می‌آیند. این به ویژه در نقاشی او "زمستان" از چرخه "چهار فصل" (1660-1664) قابل توجه است. نام دیگر بوم "سیل" است. این هنرمند تصویر وحشتناکی از مرگ همه موجودات زنده را به تصویر کشید: آب به زمین سرازیر می شود و هیچ شانسی برای نجات بشریت باقی نمی گذارد. رعد و برق در آسمان سیاه می درخشد. تمام جهان یخ زده و بی حرکت به نظر می رسد، گویی در ناامیدی عمیق فرو رفته است.

"زمستان" آخرین نقاشی پوسین بود. در نوامبر 1665 این هنرمند درگذشت. نقاشان قرن های 18، 19 و 20 اغلب به هنر این استاد برجسته فرانسوی روی آوردند.

بزرگترین هنرمند کلاسیک، همراه با پوسین، کلود لورن بود که در ژانر منظره کار می کرد.

کلود لورن

کلود ژله در سال 1600 در لورن در خانواده ای دهقانی به دنیا آمد. او نام مستعار خود - لورن - را از محل تولد خود دریافت کرد (لورن در فرانسوی لورن). پس از مدتی که بدون پدر و مادر مانده بود، به ایتالیا رفت و در آنجا به عنوان خدمتکار برای هنرمند A. Tassi کار کرد. به زودی لورن شاگرد او شد.

در اوایل دهه 1630. لورن یک نقاش نسبتاً مشهور است. او کارهای سفارشی انجام می دهد، نقاشی برای پاپ اوربان هشتم و کاردینال بنتیوگلیو. این هنرمند تقریباً تمام زندگی خود را در رم گذراند ، اما نه تنها در ایتالیا بلکه در سرزمین مادری خود - فرانسه نیز مشهور بود.

لورن بنیانگذار منظر کلاسیک شد. اگرچه در ایتالیا مناظر در آثار هنرمندانی مانند دومنیچینو و آنیبال کاراچی ظاهر شد، اما این لورن بود که منظره را به یک ژانر خاص تبدیل کرد.

مناظر جذاب ایتالیایی در آثار لورن به تصویری ایده آل و کلاسیک از طبیعت تبدیل شده است. برخلاف مناظر قهرمانانه پوسین، نقاشی های لورن عمیقاً تغزلی و آغشته به حسی از تجربه شخصی نویسنده هستند. نقوش مورد علاقه او در نقاشی بندرگاه های دریایی، افق های دور که در سپیده دم روشن شده یا در گرگ و میش فرو رفته اند، آبشارهای طوفانی، دره های اسرارآمیز و برج های غم انگیز در سواحل سنگی مرتفع بودند.

مناظر اولیه لورن در طرح رنگی مایل به قهوه ای ساخته شده اند و تا حدودی مملو از عناصر معماری هستند.

بهترین آثار لورن، که قبلاً یک هنرمند بالغ بود، در دهه 1650 خلق شد. در سال 1655، این نقاش نقاشی شگفت انگیز خود "تجاوز به اروپا" را تکمیل کرد که یک خلیج دریایی شگفت انگیز را به تصویر می کشد که در سواحل آن درختان رشد می کنند. احساس آرامش و آرامش در طبیعت نفوذ می کند و حتی تصاویر اسطوره ای دختر اروپا و زئوس که به یک گاو نر تبدیل شده اند، از حال و هوای کلی تصویر خارج نمی شوند. چهره های انسانی در مناظر لورن نقش مهمی ایفا نمی کنند. اما افرادی که در نقاشی های او هستند، جزئی کوچک از دنیای زیبا به نظر نمی رسند. این همچنین ویژگی نقاشی معروف "Acis and Galatea" (1657) است.

با گذشت زمان، مناظر Lorrain احساسی تر و گویاتر می شوند. هنرمند مجذوب حالات در حال تغییر طبیعت می شود و در ساعات مختلف روز مناظر را نقاشی می کند. ابزار اصلی بصری در نقاشی او رنگ و نور است. در دهه 1660. لورن نقاشی های شگفت انگیز شاعرانه "صبح"، "ظهر"، "عصر" و "شب" را خلق می کند.

لورین به عنوان یک نقشه کش و حکاکی با استعداد نیز شناخته می شود. نقاشی های او که از زندگی ساخته شده است قابل توجه است - در این طرح های تازه و پر جنب و جوش می توان مشاهدات ظریف هنرمند و توانایی او در انتقال زیبایی دنیای اطراف را با استفاده از وسایل ساده احساس کرد. حکاکی‌های لورن با مهارت زیادی اجرا شده‌اند که در آن‌ها مانند نقاشی‌ها، هنرمند تلاش می‌کند تا جلوه‌های نور را منتقل کند.

لورین عمر طولانی داشت - او در سال 1682 در سن 82 سالگی درگذشت. هنر او تا قرن نوزدهم. الگویی در میان نقاشان منظره ایتالیایی و فرانسوی باقی ماند.

قرن هجدهم آخرین مرحله از دوران گذار از فئودالیسم به سرمایه داری بود. اگرچه نظم قدیمی در اکثر کشورهای اروپای غربی حفظ شد، اما صنعت ماشینی به تدریج در انگلستان ظهور کرد و در فرانسه توسعه سریع تضادهای اقتصادی و طبقاتی زمینه را برای انقلاب بورژوایی فراهم کرد. با وجود توسعه نابرابر زندگی اقتصادی و فرهنگی در کشورهای مختلف اروپایی، این قرن به عصر عقل و روشنگری، قرن فیلسوفان، اقتصاددانان و جامعه شناسان تبدیل شد.

مدارس هنر در برخی از کشورهای اروپای غربی رونق بی سابقه ای را تجربه می کنند. جایگاه پیشرو در این قرن متعلق به هنر فرانسه و انگلیس است. در عین حال، هلند و فلاندر که در قرن هفدهم رشد خارق‌العاده‌ای را در فرهنگ هنری تجربه کردند، به پس‌زمینه تنزل یافتند. هنر اسپانیایی نیز در بحران فرو رفته است.

ترجمه از لاتین، "classicus" به معنای "نمونه" است. به عبارت ساده، کلاسیک در همان طلوع شکل گیری خود از نظر نقاشی ایده آل تلقی می شد. سبک هنری در قرن هفدهم توسعه یافت و در قرن نوزدهم به تدریج از بین رفت و جای خود را به گرایش هایی مانند رمانتیسیسم، آکادمیک گرایی (ترکیبی از کلاسیک گرایی و رمانتیسم) و رئالیسم داد.

سبک نقاشی و مجسمه سازی کلاسیک در زمانی ظاهر شد که هنرمندان و مجسمه سازان به هنر دوران باستان روی آوردند و شروع به کپی برداری از بسیاری از ویژگی های آن کردند. هنر باستانی یونان و روم در دوران رنسانس موج واقعی علاقه به آثار هنری و خلاقیت را ایجاد کرد. نویسندگان دوره رنسانس که امروزه یکی از بزرگترین خالقان تاریخ به شمار می روند، به نقوش، طرح های باستانی و مهمتر از همه به اشکال به تصویر کشیدن پیکره های انسان، حیوانات، محیط ها، ترکیب بندی و ... روی آوردند. کلاسیک گرایی تصویری دقیق را بیان می کند، اما چهره های نقاشی هنرمندان کاملاً مجسمه ای به نظر می رسند، حتی می توان گفت اغراق آمیز و غیر طبیعی است. افراد روی چنین بوم‌هایی ممکن است مانند مجسمه‌های یخ‌زده در حالت‌های «گفتگو» به نظر برسند. ژست افراد در کلاسیک برای خود صحبت می کند که در حال حاضر چه اتفاقی می افتد و چه احساساتی را این یا آن شخصیت تجربه می کند - قهرمانی، شکست، غم و اندوه و غیره. همه اینها به صورت اغراق آمیز و خودنمایی ارائه می شود.

کلاسیک گرایی که بر پایه های تصویر باستانی مردان و زنان با فیزیک زنانه ورزشی ایده آل یا اغراق آمیز بنا شده بود، هنرمندان رنسانس و پس از آن را ملزم می کرد که مردم و حیوانات را دقیقاً به این شکل در نقاشی های خود به تصویر بکشند. بنابراین، در کلاسیک نمی‌توان مرد یا حتی پیرمردی با پوست شل یا زنی با هیکل بی‌شکل پیدا کرد. کلاسیک تصویری ایده آل از هر چیزی است که در تصویر وجود دارد. از آنجایی که در دنیای باستان پذیرفته شده بود که یک شخص را به عنوان یک مخلوق ایده آل خدایان به تصویر بکشند که هیچ نقصی نداشت، هنرمندان و مجسمه سازانی که شروع به کپی برداری از این روش کردند شروع به رعایت کامل این ایده کردند.

همچنین، کلاسیک اغلب به اساطیر باستان متوسل می شد. با کمک اساطیر یونان و روم باستان، آنها می‌توانستند هم صحنه‌های واقعی از خود اسطوره‌ها و هم صحنه‌های معاصر را برای هنرمندان با عناصر اساطیر باستانی (معماری باستان، خدایان جنگ، عشق، موزها، کوپیدها و غیره) به تصویر بکشند. نقوش اساطیری در نقاشی های هنرمندان کلاسیک متعاقباً شکل نمادگرایی را به خود گرفت ، یعنی از طریق نمادهای باستانی ، هنرمندان یک یا آن پیام ، معنا ، عاطفه ، خلق و خو را بیان کردند.

نقاشی هایی به سبک کلاسیک

گروس آنتوان ژان - ناپلئون بناپارت بر روی پل آرکول

جیووانی تیپولو - جشن کلئوپاترا

ژاک لوئیس دیوید - سوگند هوراتی ها

رویاهای ژان باپتیست - کودک خراب