نقاشی های رنسانس و نویسندگان آنها. نقاشی ایتالیایی رنسانس. رنسانس شمالی آلمان و هلند

رنسانس یا رنسانس بسیاری از آثار هنری بزرگ به ما داد. این یک دوره مساعد برای توسعه خلاقیت بود. نام بسیاری از هنرمندان بزرگ با رنسانس مرتبط است. بوتیچلی، میکل آنژ، رافائل، لئوناردو داوینچی، جوتو، تیتیان، کورژیو - اینها تنها بخش کوچکی از نام سازندگان آن زمان است.

ظهور سبک ها و نقاشی های جدید با این دوره همراه است. رویکرد به تصویر کشیدن بدن انسان تقریباً علمی شده است. هنرمندان برای واقعیت تلاش می کنند - آنها تمام جزئیات را بررسی می کنند. افراد و وقایع در نقاشی های آن زمان به شدت واقع گرایانه به نظر می رسند.

مورخان چندین دوره را در توسعه نقاشی در دوره رنسانس متمایز می کنند.

گوتیک - 1200s. سبک محبوب در دادگاه او با شکوه، پرمدعا و رنگارنگی بیش از حد متمایز بود. به عنوان رنگ استفاده می شود. نقاشی ها موضوع صحنه های محراب بودند. مشهورترین نمایندگان این روند هنرمندان ایتالیایی ویتوره کارپاچیو و ساندرو بوتیچلی هستند.

ساندرو بوتیچلی

پروتو رنسانس - 1300. در این زمان، تجدید ساختار اخلاقی در نقاشی رخ داد. مضامین مذهبی در پس‌زمینه فرو می‌روند و موضوعات سکولار روز به روز محبوبیت بیشتری پیدا می‌کنند. نقاشی جای نماد را می گیرد. مردم به صورت واقعی تر به تصویر کشیده می شوند. ژانر جدیدی از هنرهای زیبا در حال ظهور است -. نمایندگان این زمان جوتو، پیترو لورنتستی، پیترو کاوالینی هستند.

رنسانس اولیه - 1400s. ظهور نقاشی غیر مذهبی. حتی چهره های روی نمادها زنده تر می شوند - آنها ویژگی های صورت انسان را به دست می آورند. هنرمندان دوره های قبلی سعی کردند مناظر را نقاشی کنند، اما آنها فقط به عنوان یک افزودنی، پس زمینه ای برای تصویر اصلی عمل کردند. در اوایل رنسانس این سبک به یک ژانر مستقل تبدیل شد. پرتره نیز به توسعه خود ادامه می دهد. دانشمندان قانون پرسپکتیو خطی را کشف می کنند و هنرمندان نقاشی های خود را بر این اساس می سازند. بر روی بوم های آنها می توانید فضای سه بعدی صحیح را ببینید. از نمایندگان برجسته این دوره می توان به ماساچیو، پیرو دلا فرانچسکو، جیووانی بلینی، آندره آ مانتنیا اشاره کرد.

رنسانس بالا - عصر طلایی. افق هنرمندان حتی گسترده تر می شود - علایق آنها به فضای فضا گسترش می یابد، آنها انسان را مرکز جهان می دانند.

در این زمان، "تیتان ها" رنسانس ظاهر شدند - لئوناردو داوینچی، میکل آنژ، تیتیان، رافائل سانتی و دیگران. اینها افرادی هستند که علایقشان به نقاشی محدود نمی شد. دانش آنها بسیار بیشتر گسترش یافت. برجسته ترین نماینده لئوناردو داوینچی بود که نه تنها نقاش بزرگی بود، بلکه دانشمند، مجسمه ساز و نمایشنامه نویس نیز بود. او تکنیک های خارق العاده ای را در نقاشی ایجاد کرد، به عنوان مثال "smuffato" - توهم مه، که برای ایجاد معروف "La Gioconda" استفاده شد.

لئوناردو داوینچی

اواخر رنسانس- محو شدن رنسانس (اواسط دهه 1500 تا اواخر دهه 1600). این زمان با تغییر همراه است، یک بحران مذهبی. دوران اوج به پایان می رسد، خطوط روی بوم ها عصبی تر می شوند، فردگرایی در حال از بین رفتن است. جمعیت به طور فزاینده ای به تصویر نقاشی ها تبدیل می شود. آثار با استعداد آن زمان توسط پائولو ورونزه و یاکوپو تینورتو نوشته شد.

پائولو ورونزه

ایتالیا بااستعدادترین هنرمندان دوره رنسانس را به جهان داد. این در حالی است که در سایر کشورها در این دوره، نقاشی نیز توسعه یافت و بر توسعه این هنر تأثیر گذاشت. نقاشی در کشورهای دیگر در این دوره رنسانس شمالی نامیده می شود.

7 آگوست 2014

دانشجویان دانشگاه های هنر و علاقه مندان به تاریخ هنر می دانند که در اواخر قرن 14-15 تغییر شدیدی در نقاشی رخ داد - رنسانس. در حدود دهه 1420، همه ناگهان در طراحی بسیار بهتر شدند. چرا تصاویر به طور ناگهانی اینقدر واقعی و دقیق شدند و چرا نور و حجم در نقاشی ها ظاهر شد؟ هیچ کس برای مدت طولانی به این موضوع فکر نمی کرد. تا اینکه دیوید هاکنی ذره بین را برداشت.

بیایید بفهمیم او چه چیزی را کشف کرده است ...

یک روز او به نقاشی های ژان آگوست دومینیک اینگر، رهبر مدرسه آکادمیک فرانسه در قرن نوزدهم نگاه می کرد. هاکنی علاقه مند شد تا نقاشی های کوچک خود را در مقیاس بزرگتر ببیند و آنها را در دستگاه فتوکپی بزرگ کرد. این گونه بود که او به طور تصادفی به جنبه پنهان تاریخ نقاشی از دوره رنسانس رسید.

هاکنی پس از تهیه فتوکپی از نقاشی های کوچک (حدود 30 سانتی متر) انگر، از واقعی بودن آنها شگفت زده شد. و همچنین به نظرش رسید که خطوط انگرس برای او چیزی است
یادآوری کنید. معلوم شد که او را به یاد آثار وارهول می انداختند. و وارهول این کار را کرد - او عکسی را روی بوم نمایش داد و آن را ترسیم کرد.

سمت چپ: جزئیات طراحی انگرس. سمت راست: نقاشی وارهول از مائو تسه تونگ

هاکنی می گوید چیزهای جالبی است. ظاهراً انگرس از Camera Lucida استفاده کرده است - دستگاهی که ساختاری با منشور است که به عنوان مثال به پایه تبلت متصل است. بنابراین، هنرمند، با نگاه کردن به نقاشی خود با یک چشم، تصویر واقعی را می بیند، و با دیگری - نقاشی واقعی و دست خود را. نتیجه یک توهم نوری است که به شما امکان می دهد تا نسبت های واقعی را با دقت روی کاغذ منتقل کنید. و این دقیقاً "ضمانت" واقع گرایی تصویر است.

طراحی پرتره با استفاده از دوربین لوسیدا، 1807

سپس هاکنی به طور جدی به این نوع "نوری" از طراحی ها و نقاشی ها علاقه مند شد. او و تیمش در استودیوی خود صدها نمونه از نقاشی‌های خلق شده در طول قرن‌ها را به دیوارها آویزان کردند. آثاری که «واقعی» به نظر می رسیدند و آنهایی که اینطور نبودند. هاکنی و تیمش با تنظیم بر اساس زمان خلقت و منطقه - شمال در بالا، جنوب در پایین، در اواخر قرن 14 تا 15 شاهد تغییر شدید در نقاشی بودند. به طور کلی، هر کسی که حتی کمی در مورد تاریخ هنر می داند، این را می داند - رنسانس.

شاید از همان دوربین لوسیدا استفاده کردند؟ در سال 1807 توسط ویلیام هاید ولاستون به ثبت رسید. اگرچه در واقع چنین وسیله ای توسط یوهانس کپلر در سال 1611 در کار خود Dioptrice توصیف شد. سپس شاید آنها از یک دستگاه نوری دیگر استفاده کردند - دوربین تاریک؟ از زمان ارسطو شناخته شده است و اتاق تاریکی است که نور از سوراخ کوچکی به داخل آن وارد می شود و بدین ترتیب در اتاق تاریک از آنچه در جلوی سوراخ است بیرون می زند، اما معکوس می شود. همه چیز خوب خواهد بود، اما تصویری که در هنگام نمایش توسط یک دوربین سوراخ سوزنی بدون لنز به دست می آید، به زبان ساده، کیفیت بالایی ندارد، واضح نیست، نیاز به نور بسیار زیاد دارد، بدون ذکر اندازه. از طرح ریزی. اما ساخت لنزهای باکیفیت تا قرن شانزدهم تقریباً غیرممکن بود، زیرا در آن زمان هیچ راهی برای به دست آوردن چنین شیشه ای با کیفیت بالا وجود نداشت. هاکنی که در آن زمان با مشکل فیزیکدان چارلز فالکو دست و پنجه نرم می کرد، فکر کرد.

با این حال، نقاشی از یان ون ایک، استادی از بروژ، نقاش فلاندری اوایل رنسانس، وجود دارد که حاوی سرنخی است. این نقاشی «پرتره زوج آرنولفینی» نام دارد.

یان ون ایک "پرتره زوج آرنولفینی" 1434

این نقاشی به سادگی با جزئیات زیادی می درخشد، که بسیار جالب است، زیرا تنها در سال 1434 نقاشی شده است. و سرنخی از این که چگونه نویسنده توانسته است چنین گام بزرگی در رئالیسم تصویر بردارد، آینه است. و همچنین یک شمعدان - فوق العاده پیچیده و واقع بینانه.

هاکنی از کنجکاوی منفجر شده بود. او یک کپی از چنین لوستری گرفت و سعی کرد آن را بکشد. این هنرمند با این واقعیت روبرو شد که ترسیم چنین چیز پیچیده ای در چشم انداز دشوار است. نکته مهم دیگر مادی بودن تصویر این شی فلزی بود. هنگام به تصویر کشیدن یک شی فولادی، بسیار مهم است که نقاط برجسته را تا حد ممکن واقع بینانه قرار دهید، زیرا این امر واقع گرایی فوق العاده ای می دهد. اما مشکل این هایلایت ها این است که با حرکت چشم بیننده یا هنرمند حرکت می کنند، به این معنی که به هیچ وجه به راحتی نمی توان آنها را ثبت کرد. و تصویری واقع گرایانه از فلز و تابش خیره کننده نیز یکی از ویژگی های متمایز نقاشی های رنسانس است.

تیم هاکنی با بازسازی یک مدل سه بعدی دقیق از لوستر، اطمینان حاصل کرد که لوستر موجود در پرتره آرنولفینی به دقت در پرسپکتیو با یک نقطه ناپدید ترسیم شده است. اما مشکل این بود که ابزارهای نوری دقیقی مانند دوربین تاریک با لنز تا حدود یک قرن پس از خلق نقاشی وجود نداشتند.

قطعه ای از نقاشی یان ون ایک "پرتره زوج آرنولفینی" 1434

قطعه بزرگ شده نشان می دهد که آینه در نقاشی "پرتره زوج آرنولفینی" محدب است. این بدان معنی است که برعکس آینه هایی نیز وجود داشت - مقعر. علاوه بر این ، در آن روزها چنین آینه هایی به این ترتیب ساخته می شد - یک کره شیشه ای گرفته شد و کف آن با نقره پوشانده شد ، سپس همه چیز به جز قسمت پایین قطع شد. پشت آینه تاریک نشده بود. این بدان معناست که آینه مقعر یان ون ایک می تواند همان آینه ای باشد که در نقاشی نشان داده شده است، فقط از سمت عقب. و هر فیزیکدانی می‌داند که چنین آینه‌ای، هنگامی که منعکس می‌شود، تصویری از آنچه بازتاب می‌شود را به نمایش می‌گذارد. اینجا جایی بود که دوستش فیزیکدان چارلز فالکو به دیوید هاکنی با محاسبات و تحقیقات کمک کرد.

یک آینه مقعر تصویری از برج را در خارج از پنجره بر روی بوم نمایش می دهد.

بخش واضح و متمرکز این طرح تقریباً 30 سانتی متر مربع است - که دقیقاً اندازه سرها در بسیاری از پرتره های رنسانس است.

هاکنی طرح یک مرد را بر روی بوم ترسیم می کند

به عنوان مثال، این اندازه پرتره "دوج لئوناردو لوردان" اثر جووانی بلینی (1501)، پرتره مردی از رابرت کامپین (1430)، پرتره واقعی یان ون آیک "مردی با عمامه قرمز" است. و بسیاری دیگر از پرتره های اولیه هلندی.

پرتره های رنسانس

نقاشی شغلی پردرآمد بود و طبیعتاً تمام اسرار تجاری در نهایت محرمانه حفظ می شد. این برای هنرمند مفید بود که همه افراد ناآگاه معتقد بودند که اسرار در دست استاد است و نمی توان آن را دزدید. تجارت به روی افراد خارجی بسته بود - هنرمندان اعضای صنف بودند و صنعتگران مختلفی را نیز در بر می گرفت - از کسانی که زین می ساختند تا کسانی که آینه می ساختند. و در انجمن سنت لوک که در آنتورپ تأسیس شد و برای اولین بار در سال 1382 ذکر شد (سپس اصناف مشابهی در بسیاری از شهرهای شمالی افتتاح شد و یکی از بزرگ‌ترین آن‌ها انجمن صنفی در بروژ بود، شهری که ون ایک در آن زندگی می‌کرد) همچنین استادان آینه‌سازی وجود داشتند. .

اینگونه بود که هاکنی چگونگی نقاشی یک لوستر پیچیده از نقاشی ون ایک را بازسازی کرد. اصلا تعجب آور نیست که اندازه لوستری که هاکنی به نمایش درآورده است دقیقاً با اندازه لوستر در نقاشی "پرتره زوج آرنولفینی" مطابقت دارد. و البته، نکات برجسته روی فلز - روی پروجکشن آنها ثابت می مانند و با تغییر موقعیت هنرمند تغییر نمی کنند.

اما این مشکل هنوز به طور کامل حل نشده است، زیرا ظهور اپتیک با کیفیت بالا، که برای استفاده از دوربین تاریک مورد نیاز است، 100 سال پیش بود، و اندازه طرح ریزی به دست آمده با استفاده از آینه بسیار کوچک است. چگونه تابلوهای بزرگتر از 30 سانتی متر مربع را نقاشی کنیم؟ آنها مانند یک کلاژ ایجاد شده اند - از بسیاری از دیدگاه ها، مانند یک دید کروی با نقاط ناپدید بسیاری بود. هاکنی این را درک کرد زیرا خودش چنین تصاویری را ساخت - او کلاژهای عکس زیادی ساخت که دقیقاً به همان جلوه می رسد.

تقریباً یک قرن بعد، در دهه 1500 سرانجام بدست آوردن و پردازش شیشه به خوبی امکان پذیر شد - لنزهای بزرگ ظاهر شدند. و در نهایت می‌توان آن‌ها را در یک دوربین تاریک قرار داد، که اصل عملکرد آن از زمان‌های قدیم شناخته شده بود. لنز دوربین ابسکورا انقلابی باورنکردنی در هنرهای بصری بود، زیرا اکنون طرح ریزی می تواند هر اندازه ای داشته باشد. و یک چیز دیگر، اکنون تصویر "واید" نبود، بلکه تقریباً جنبه عادی داشت - یعنی تقریباً همان چیزی است که امروز هنگام عکاسی با لنز با فاصله کانونی 35-50 میلی متر است.

با این حال، مشکل استفاده از دوربین پین‌هول با لنز این است که برآمدگی رو به جلو از لنز منعکس شده است. این باعث شد که تعداد زیادی از نقاشان چپ دست در مراحل اولیه استفاده از اپتیک باشند. مانند این نقاشی متعلق به دهه 1600 از موزه فرانس هالس، جایی که یک زوج چپ دست در حال رقصیدن هستند، یک پیرمرد چپ دست انگشت خود را برای آنها تکان می دهد و یک میمون چپ دست زیر لباس زن نگاه می کند.

همه افراد در این تصویر چپ دست هستند

مشکل با نصب آینه ای که لنز به داخل آن هدایت می شود، حل می شود و در نتیجه پروجکشن صحیح به دست می آید. اما ظاهراً یک آینه خوب، صاف و بزرگ هزینه زیادی دارد، بنابراین همه آن را نداشتند.

مشکل دیگر تمرکز بود. واقعیت این است که برخی از قسمت‌های تصویر، در یک موقعیت از بوم زیر پرتوهای برون‌تابی، خارج از فوکوس و واضح نبودند. در آثار یان ورمیر، جایی که استفاده از اپتیک کاملاً مشهود است، آثار او به طور کلی شبیه عکس هستند، همچنین می توانید مکان های خارج از "فوکوس" را مشاهده کنید. شما حتی می توانید الگویی را که لنز تولید می کند - "بوکه" بدنام مشاهده کنید. مانند اینجا، برای مثال، در تابلوی «شیرشکار» (1658)، سبد، نان درون آن و گلدان آبی از فوکوس خارج شده است. اما چشم انسان نمی تواند "خارج از تمرکز" را ببیند.

برخی از قسمت های تصویر خارج از فوکوس هستند

و با توجه به همه اینها، اصلاً تعجب آور نیست که دوست خوب یان ورمیر، آنتونی فیلیپس ون لیوونهوک، دانشمند و میکروبیولوژیست، و همچنین استاد بی نظیری بود که میکروسکوپ و لنزهای خود را ایجاد کرد. این دانشمند مباشر پس از مرگ این هنرمند شد. این نشان می دهد که ورمیر دوست خود را روی دو بوم - "جغرافیدان" و "اخترشناس" به تصویر کشیده است.

برای دیدن هر قسمت در فوکوس، باید موقعیت بوم را در زیر پرتوهای برآمده تغییر دهید. اما در این مورد، خطاهایی در نسبت ظاهر شد. همانطور که در اینجا می بینید: شانه بزرگ "آنته آ" اثر پارمیجیانینو (حدود 1537)، سر کوچک "بانو ژنووز" اثر آنتونی ون دایک (1626)، پاهای بزرگ دهقان در نقاشی ژرژ دو لا تور. .

خطا در نسبت

البته همه هنرمندان از لنزها متفاوت استفاده می کردند. برخی برای طرح ها بودند، برخی از قسمت های مختلف تشکیل شده بودند - بالاخره اکنون می شد یک پرتره ساخت و همه چیز را با مدل دیگری یا حتی با یک مانکن تمام کرد.

تقریباً هیچ نقاشی از ولاسکوز باقی نمانده است. با این حال، شاهکار او باقی ماند - پرتره ای از پاپ اینوسنت 10 (1650). یک بازی شگفت انگیز از نور در مانتو پاپ وجود دارد - بدیهی است ابریشم. بلیکوف و نوشتن همه اینها از یک منظر، زحمت زیادی می کشید. اما اگر یک طرح ریزی انجام دهید، آنگاه این همه زیبایی به جایی نخواهد رفت - برجسته ها دیگر حرکت نمی کنند، می توانید با آن ضربات پهن و سریع مانند ولاسکوئز نقاشی کنید.

هاکنی نقاشی ولاسکوئز را بازتولید می کند

متعاقباً، بسیاری از هنرمندان توانستند هزینه‌های یک دوربین مبهم را بپردازند و این یک راز بزرگ باقی ماند. Canaletto فعالانه از دوربین برای ایجاد دیدگاه های خود از ونیز استفاده کرد و آن را پنهان نکرد. این نقاشی ها به دلیل دقتی که دارند به ما اجازه می دهند تا در مورد Canaletto به عنوان یک مستندساز صحبت کنیم. به لطف Canaletto، می توانید نه تنها یک تصویر زیبا، بلکه خود داستان را نیز ببینید. می توانید ببینید که اولین پل وست مینستر در لندن در سال 1746 چگونه به نظر می رسید.

Canaletto "Westminster Bridge" 1746

هنرمند بریتانیایی سر جاشوا رینولدز صاحب یک دوربین تاریک بود و ظاهراً به کسی در مورد آن چیزی نگفته بود، زیرا دوربین او تا می‌شود و شبیه یک کتاب است. امروز در موزه علوم لندن است.

Camera obscura که به شکل یک کتاب مبدل شده است

سرانجام، در آغاز قرن نوزدهم، ویلیام هنری فاکس تالبوت، با استفاده از دوربین لوسیدا - دوربینی که در آن باید با یک چشم نگاه کنید و با دستان خود نقاشی کنید، نفرین کرد و تصمیم گرفت که یک بار برای همیشه به چنین ناراحتی پایان داده شود. همه، و تبدیل به یکی از مخترعان عکاسی شیمیایی، و بعداً محبوب‌کننده‌ای شد که آن را انبوه کرد.

با اختراع عکاسی، انحصار نقاشی بر روی رئالیسم از بین رفت. و در اینجا سرانجام نقاشی خود را از لنز رها کرد و مسیری را که در دهه 1400 از آن برگشت ادامه داد و ون گوگ پیشرو تمام هنرهای قرن بیستم شد.

سمت چپ: موزاییک بیزانسی متعلق به قرن دوازدهم. سمت راست: ونسان ون گوگ، پرتره موسیو ترابوک، 1889.

اختراع عکاسی بهترین اتفاقی است که برای نقاشی در تمام تاریخ آن رخ داده است. دیگر نیازی به خلق تصاویر منحصرا واقعی نبود. البته، یک قرن طول کشید تا مردم به درک هنرمندان از موسیقی بصری برسند و فکر نکنند افرادی مانند ون گوگ "دیوانه" هستند. در همان زمان، هنرمندان شروع به استفاده فعالانه از عکس ها به عنوان "ماده مرجع" کردند. سپس افرادی مانند واسیلی کاندینسکی، آوانگارد روسی، مارک روتکو، جکسون پولاک ظاهر شدند. به دنبال نقاشی، معماری، مجسمه سازی و موسیقی نیز خود را آزاد کردند. درست است، مدرسه آکادمیک نقاشی روسیه در زمان گیر کرده است، و امروزه در آکادمی ها و مدارس هنوز استفاده از عکاسی به عنوان یک وسیله کمکی مایه شرمساری تلقی می شود و بالاترین شاهکار، توانایی صرفاً فنی برای نقاشی کردن به واقعی ترین شکل ممکن است. با دست خالی

به لطف مقاله ای از روزنامه نگار لارنس وشلر، که در جریان تحقیقات دیوید هاکنی و فالکو حضور داشت، واقعیت جالب دیگری فاش شد: پرتره زوج آرنولفینی توسط ون ایک، پرتره ای از یک تاجر ایتالیایی در بروژ است. آقای آرنولفینی فلورانسی است و علاوه بر این، او نماینده بانک مدیچی است (عملاً استادان فلورانس در دوره رنسانس، حامیان هنر آن زمان در ایتالیا به حساب می‌آیند). این به چه معناست؟ این واقعیت که او به راحتی می توانست راز انجمن سنت لوک - آینه - را با خود به فلورانس ببرد، جایی که، همانطور که در تاریخ سنتی معتقد است، رنسانس آغاز شد، و هنرمندانی از بروژ (و بر این اساس، دیگر اساتید ) «ابتدایی گرایان» در نظر گرفته می شوند.

در مورد نظریه هاکنی-فالکو اختلاف نظرهای زیادی وجود دارد. اما مطمئنا ذره ای از حقیقت در آن نهفته است. در مورد منتقدان هنری، منتقدان و مورخان، حتی تصور اینکه چه تعداد از آثار علمی در مورد تاریخ و هنر واقعاً مزخرف بودند، دشوار است، اما این کل تاریخ هنر، تمام نظریه‌ها و متون آنها را تغییر می‌دهد.

حقایق استفاده از اپتیک به هیچ وجه از استعداد هنرمندان کم نمی کند - بالاخره فناوری وسیله ای برای انتقال آنچه هنرمند می خواهد است. و برعکس، این واقعیت که این نقاشی‌ها حاوی واقعی‌ترین واقعیت هستند، فقط به آنها وزن می‌افزاید - بالاخره این دقیقاً همان چیزی است که مردم آن زمان، چیزها، مکان‌ها، شهرها به نظر می‌رسیدند. اینها اسناد واقعی هستند.

رنسانس یک پدیده خارق العاده در تاریخ بشریت است. دیگر هرگز چنین شیوع درخشانی در عرصه هنر رخ نداده است. مجسمه سازان، معماران و هنرمندان دوره رنسانس (فهرست آنها طولانی است، اما ما به معروف ترین آنها خواهیم پرداخت)، که نام آنها برای همه شناخته شده است، مردم بی نظیر و استثنایی را به جهان هدیه کردند که خود را نه در یک زمینه، بلکه در چندین زمینه نشان دادند. یکباره

نقاشی اوایل رنسانس

دوران رنسانس یک چارچوب زمانی نسبی دارد. اولین بار در ایتالیا آغاز شد - 1420-1500. در این زمان نقاشی و به طور کلی همه هنرها تفاوت چندانی با گذشته نزدیک ندارند. با این حال، عناصر وام گرفته شده از دوران باستان کلاسیک برای اولین بار ظاهر می شوند. و تنها در سالهای بعد، مجسمه سازان، معماران و هنرمندان رنسانس (فهرست آنها بسیار طولانی است)، تحت تأثیر شرایط زندگی مدرن و روندهای مترقی، سرانجام پایه های قرون وسطی را رها کردند. آنها جسورانه بهترین نمونه های هنر باستانی را برای آثار خود، چه به طور کلی و چه در جزئیات فردی، اتخاذ می کنند. نام آنها برای بسیاری شناخته شده است.

ماساچیو - نابغه نقاشی اروپایی

این او بود که سهم بزرگی در توسعه نقاشی کرد و به یک مصلح بزرگ تبدیل شد. استاد فلورانسی در سال 1401 در خانواده ای هنرمند به دنیا آمد، بنابراین حس ذوق و میل به خلق در خون او بود. در سن 16-17 سالگی به فلورانس نقل مکان کرد و در آنجا در کارگاه ها کار کرد. دوناتلو و برونلسکی، مجسمه سازان و معماران بزرگ، به حق معلمان او محسوب می شوند. ارتباط با آنها و مهارت های به کار گرفته شده نمی تواند بر نقاش جوان تأثیر بگذارد. از ابتدا، ماساچیو درک جدیدی از شخصیت انسان، مشخصه مجسمه سازی، به عاریت گرفت. استاد دوم اصول اولیه را دارد محققان "سه گانه سن جیووناله" را که در کلیسای کوچکی در نزدیکی شهر محل تولد ماساچیو کشف شد، اولین اثر قابل اعتماد می دانند. اثر اصلی نقاشی های دیواری است که به داستان زندگی سنت پیتر اختصاص یافته است. این هنرمند در ایجاد شش مورد از آنها شرکت کرد: "معجزه استاتیر"، "اخراج از بهشت"، "تعمید نیوفیت ها"، "توزیع اموال و مرگ آنانیا"، "رستاخیز پسر تئوفیلوس". »، «سنت پیتر با سایه خود شفا می دهد» و «سنت پیتر در منبر».

هنرمندان ایتالیایی دوره رنسانس افرادی بودند که تماماً خود را وقف هنر کردند و به مشکلات معمولی روزمره که گاهی اوقات آنها را به زندگی فقیرانه سوق می داد توجه نداشتند. ماساچیو از این قاعده مستثنی نیست: استاد درخشان خیلی زود در سن 27-28 سالگی درگذشت و کارهای بزرگ و تعداد زیادی بدهی را پشت سر گذاشت.

آندره آ مانتگنا (1431-1506)

این نماینده مکتب نقاشان پادوانی است. او اصول اولیه کار خود را از پدر خوانده اش دریافت کرد. این سبک تحت تأثیر آثار Masaccio، Andrea del Castagno، Donatello و نقاشی ونیزی شکل گرفت. این امر رفتار تا حدودی خشن و خشن آندره آ مانتنیا را در مقایسه با فلورانسی ها مشخص کرد. او گردآورنده و صاحب نظر آثار فرهنگی دوره باستان بود. به لطف سبک خود، بر خلاف سایرین، او به عنوان یک مبتکر مشهور شد. معروف ترین آثار او: «مسیح مرده»، «پیروزی سزار»، «جودیت»، «نبرد خدایان دریا»، «پارناسوس» (تصویر) و غیره. از سال 1460 تا زمان مرگش به عنوان نقاش دربار برای دوک های گونزاگا کار کرد.

ساندرو بوتیچلی (1445-1510)

بوتیچلی یک نام مستعار است، نام اصلی او فیلیپی پی است. او راه یک هنرمند را بلافاصله انتخاب نکرد، بلکه در ابتدا به تحصیل در رشته جواهرات پرداخت. در اولین آثار مستقل او (چندین "مدونا") می توان تأثیر ماساچیو و لیپی را احساس کرد. بعدها او همچنین به عنوان یک نقاش پرتره نامی برای خود دست و پا کرد. ماهیت ظریف و پیچیده آثار او با عناصر سبک سازی (تعمیم تصاویر با استفاده از تکنیک های مرسوم - سادگی فرم، رنگ، حجم) او را از دیگر استادان آن زمان متمایز می کند. او که معاصر لئوناردو داوینچی و میکل آنژ جوان بود، اثر درخشانی در هنر جهان از خود به جای گذاشت ("تولد زهره" (عکس)، "بهار"، "ستایش مجوس"، "زهره و مریخ"، "کریسمس" و غیره). نقاشی او صمیمانه و حساس و مسیر زندگی او پیچیده و تراژیک است. ادراک عاشقانه از جهان در سنین جوانی جای خود را به عرفان و تعالی دینی در بزرگسالی داد. ساندرو بوتیچلی سالهای آخر عمرش را در فقر و فراموشی سپری کرد.

پیرو (پیترو) دلا فرانچسکا (1420-1492)

نقاش ایتالیایی و یکی دیگر از نمایندگان اوایل رنسانس، اصالتاً اهل توسکانی. سبک نویسنده تحت تأثیر مکتب نقاشی فلورانس شکل گرفت. پیرو دلا فرانچسکا علاوه بر استعداد خود به عنوان یک هنرمند، توانایی های برجسته ای در زمینه ریاضیات داشت و سال های آخر عمر خود را وقف آن کرد و سعی کرد آن را با هنر عالی پیوند دهد. نتیجه دو رساله علمی بود: «درباره دیدگاه در نقاشی» و «کتاب پنج بدن منظم». سبک او با وقار، هماهنگی و اصالت تصاویر، تعادل ترکیب بندی، خطوط و ساختار دقیق و طیف ملایم رنگ ها متمایز است. پیرو دلا فرانچسکا دانش شگفت انگیزی از جنبه فنی نقاشی و ویژگی های پرسپکتیو آن زمان داشت که باعث شد او در بین هم عصرانش اعتبار بالایی داشته باشد. معروف ترین آثار: "تاریخ ملکه سبا"، "تاژک زدن مسیح" (تصویر)، "محراب مونتفلترو" و غیره.

نقاشی رنسانس بالا

اگر دوره رنسانس اولیه و اوایل به ترتیب تقریباً یک قرن و نیم و یک قرن به طول انجامید، پس این دوره فقط چند دهه را در بر می گیرد (در ایتالیا از 1500 تا 1527). این یک درخشش درخشان و خیره کننده بود که یک کهکشان کامل از مردم بزرگ، همه کاره و درخشان را به جهان هدیه داد. همه شاخه های هنر دست به دست هم دادند، بنابراین بسیاری از استادان نیز دانشمندان، مجسمه سازان، مخترعان و نه فقط هنرمندان رنسانس بودند. این فهرست طولانی است، اما اوج رنسانس با آثار L. داوینچی، M. Buanarotti و R. Santi مشخص شد.

نابغه خارق العاده داوینچی

شاید این فوق العاده ترین و برجسته ترین شخصیت در تاریخ فرهنگ هنری جهان باشد. او مردی جهانی به معنای کامل کلمه بود و دارای همه فن حریف ترین دانش ها و استعدادها بود. هنرمند، مجسمه ساز، نظریه پرداز هنر، ریاضیدان، معمار، آناتومیست، ستاره شناس، فیزیکدان و مهندس - همه اینها درباره اوست. علاوه بر این، در هر یک از زمینه ها، لئوناردو داوینچی (1452-1519) خود را مبتکر ثابت کرد. تنها 15 نقاشی از او و همچنین طرح های بسیاری تا به امروز باقی مانده است. او با داشتن انرژی حیاتی شگفت انگیز و عطش دانش، بی تاب و شیفته خود فرآیند یادگیری بود. در سن بسیار کم (20 ساله) به عنوان استاد انجمن سنت لوک صلاحیت شد. مهمترین آثار او نقاشی های دیواری "شام آخر"، نقاشی های "مونالیزا"، "بنوآ مدونا" (تصویر بالا)، "بانوی ارمینه" و غیره بودند.

پرتره هنرمندان دوره رنسانس نادر است. آنها ترجیح می دادند تصاویر خود را در نقاشی هایی با چهره های متعدد به جا بگذارند. بنابراین، بحث و جدل پیرامون سلف پرتره داوینچی (تصویر) تا امروز ادامه دارد. نسخه هایی وجود دارد که او آن را در 60 سالگی ساخته است. به گفته وازاری، زندگی‌نامه‌نویس، هنرمند و نویسنده، استاد بزرگ در آغوش دوست صمیمی‌اش، پادشاه فرانسیس اول، در قلعه خود در کلوس لوس درگذشت.

رافائل سانتی (1483-1520)

هنرمند و معمار اصالتا اهل اوربینو. نام او در هنر همیشه با ایده زیبایی عالی و هماهنگی طبیعی همراه است. او در یک زندگی نسبتاً کوتاه (37 سال) بسیاری از نقاشی ها، نقاشی های دیواری و پرتره های مشهور جهانی را خلق کرد. موضوعاتی که او به تصویر می کشید بسیار متنوع بود، اما همیشه تصویر مادر خدا او را جذب می کرد. کاملا موجه، رافائل "استاد مدونا" نامیده می شود، به ویژه آنهایی که توسط او در رم نقاشی شده است. او از سال 1508 تا پایان عمر خود به عنوان یک هنرمند رسمی در دربار پاپ در واتیکان کار کرد.

رافائل که مانند بسیاری دیگر از هنرمندان بزرگ رنسانس، بسیار با استعداد بود، یک معمار و همچنین یک حفاری باستان شناسی بود. طبق یک نسخه، آخرین سرگرمی مستقیماً با مرگ زودرس مرتبط است. احتمالاً در حفاری ها به تب رومی مبتلا شده است. استاد بزرگ در پانتئون به خاک سپرده شد. عکس سلف پرتره اوست.

میکل آنژ بوآناروتی (1475-1564)

این پیرمرد 70 ساله درخشان بود. مانند دیگر هنرمندان بزرگ رنسانس، میکل آنژ در دورانی پر از رویدادهای تاریخی و تحولات زندگی می کرد. هنر او یک نت پایانی شگفت انگیز از کل رنسانس است.

استاد مجسمه سازی را بالاتر از همه هنرها قرار داد، اما به اراده سرنوشت او به یک نقاش و معمار برجسته تبدیل شد. جاه طلبانه ترین و خارق العاده ترین اثر او نقاشی (تصویر) در قصر در واتیکان است. مساحت نقاشی دیواری بیش از 600 متر مربع است و شامل 300 پیکره انسانی است. تاثیرگذارترین و آشناترین صحنه آخرین داوری است.

هنرمندان ایتالیایی دوره رنسانس استعدادهای چندوجهی داشتند. بنابراین، تعداد کمی از مردم می دانند که میکل آنژ شاعری عالی نیز بوده است. این جنبه از نبوغ او در اواخر عمر خود را کاملاً نشان داد. حدود 300 شعر تا به امروز باقی مانده است.

نقاشی اواخر رنسانس

دوره پایانی دوره زمانی از 1530 تا 1590-1620 را در بر می گیرد. بر اساس دایره المعارف بریتانیکا، رنسانس به عنوان یک دوره تاریخی با سقوط رم در سال 1527 پایان یافت. تقریباً در همان زمان، ضد اصلاحات در جنوب اروپا به پیروزی رسید. جنبش کاتولیک با احتیاط به هرگونه آزاد اندیشی، از جمله تجلیل از زیبایی بدن انسان و رستاخیز هنر دوره باستان - یعنی هر چیزی که ستون رنسانس بود، نگاه می کرد. این منجر به یک جنبش خاص - رفتارگرایی شد که با از بین رفتن هماهنگی روحی و جسمی، انسان و طبیعت مشخص می شود. اما حتی در این دوران سخت، برخی از هنرمندان مشهور رنسانس شاهکارهای خود را خلق کردند. از جمله آنتونیو دا کورجو (که بنیانگذار کلاسیک گرایی و پالادیانیسم به حساب می آید) و تیتیان.

تیتان وچلیو (1488-1490 - 1676)

او به درستی در کنار میکل آنژ، رافائل و داوینچی به عنوان یک تایتان رنسانس در نظر گرفته می شود. حتی قبل از 30 سالگی، تیتیان شهرت «پادشاه نقاشان و نقاش شاهان» را به دست آورد. این هنرمند عمدتاً نقاشی هایی با مضامین اساطیری و کتاب مقدس می کشید و به عنوان یک نقاش پرتره معروف شد. معاصران معتقد بودند که اسیر شدن توسط قلم مو استاد بزرگ به معنای به دست آوردن جاودانگی است. و این حقیقت دارد. دستورات به تیتیان از طرف محترم ترین و نجیب ترین افراد: پاپ ها، پادشاهان، کاردینال ها و دوک ها صادر شد. در اینجا تنها تعدادی از مشهورترین آثار او آمده است: "زهره اوربینو"، "تجاوز به اروپا" (تصویر)، "حمل صلیب"، "تاج خارها"، "مدونای پسارو"، "زنی با آینه" "، و غیره

هیچ چیز دو بار تکرار نمی شود. دوران رنسانس به بشریت شخصیت های درخشان و خارق العاده ای بخشید. نام آنها در تاریخ هنر جهان با حروف طلایی ثبت شده است. معماران و مجسمه سازان، نویسندگان و هنرمندان رنسانس - لیست بسیار طولانی است. ما فقط به غول هایی دست زدیم که تاریخ را ساختند و ایده های روشنگری و انسان گرایی را به جهان آوردند.

رنسانسکه در قرن 15 - 16 شکوفا شد، به عنوان دور جدیدی در توسعه هنر و به ویژه نقاشی عمل کرد. همچنین یک نام فرانسوی برای این دوره وجود دارد - رنسانس. ساندرو بوتیچلی، رافائل، لئوناردو داوینچی، تیتیان، میکل آنژ برخی از نام‌های معروفی هستند که نمایانگر آن دوره زمانی هستند.

هنرمندان رنسانس شخصیت‌های نقاشی‌های خود را تا حد امکان دقیق و واضح به تصویر می‌کشیدند.

زمینه روانیدر ابتدا در تصویر گنجانده نشده است. نقاشان هدف خود را دستیابی به وضوح در آنچه به تصویر می کشند تعیین کردند. صرف نظر از اینکه پویایی چهره انسان یا جزئیات طبیعت اطراف باید با دقت هر چه بیشتر در رنگ منتقل می شد. با این حال، با گذشت زمان، جنبه روانشناختی در نقاشی های رنسانس به وضوح قابل مشاهده است، به عنوان مثال، از پرتره ها می توان در مورد ویژگی های شخصیتی شخص به تصویر کشیده نتیجه گیری کرد.

دستیابی به فرهنگ هنری رنسانس

دستاورد بدون شک رنسانس بود طراحی صحیح هندسی تصویر. این هنرمند با استفاده از تکنیک هایی که توسعه داده بود، تصویر را ساخت. نکته اصلی برای نقاشان آن زمان حفظ تناسب اشیا بود. حتی طبیعت نیز تحت تکنیک های ریاضی محاسبه تناسب تصویر با سایر اشیاء در تصویر قرار گرفت.

به عبارت دیگر، هنرمندان در دوره رنسانس به دنبال انتقال بودند تصویر دقیقبه عنوان مثال، شخصی در پس زمینه طبیعت. اگر آن را با تکنیک های مدرن بازسازی یک تصویر دیده شده بر روی برخی از بوم مقایسه کنیم، به احتمال زیاد، عکاسی با تنظیمات بعدی به درک آنچه هنرمندان رنسانس در تلاش بودند کمک می کند.

نقاشان رنسانس معتقد بودند که حق تصحیح دارند عیب های طبیعتیعنی اگر صورت فردی زشت بود، هنرمندان آن را طوری اصلاح می کردند که صورتش شیرین و جذاب می شد.

رویکرد هندسیدر تصاویر منجر به روش جدیدی برای به تصویر کشیدن فضایی می شود. قبل از بازآفرینی تصاویر روی بوم، هنرمند موقعیت مکانی آنها را مشخص کرد. این قاعده به مرور زمان در میان نقاشان آن عصر برقرار شد.

بیننده قرار بود تحت تاثیر تصاویر موجود در نقاشی ها قرار بگیرد. به عنوان مثال، رافائلبا ایجاد نقاشی "مدرسه آتن" به انطباق کامل با این قانون دست یافت. طاق های ساختمان از نظر ارتفاع چشمگیر است. فضای زیادی وجود دارد که شما شروع به درک اندازه این ساختار می کنید. و متفکران تصویر شده دوران باستان با افلاطون و ارسطو در وسط نشان می دهد که در جهان باستان وحدت اندیشه های مختلف فلسفی وجود داشته است.

موضوعات نقاشی های رنسانس

اگر شروع به آشنایی با نقاشی رنسانس کنید، می توانید نتیجه جالبی بگیرید. موضوعات نقاشی ها عمدتاً بر اساس وقایع توصیف شده در کتاب مقدس بود. اغلب نقاشان آن زمان داستان هایی از عهد جدید را به تصویر می کشیدند. محبوب ترین تصویر است باکره و کودک- عیسی مسیح کوچک.

این شخصیت به قدری زنده بود که مردم حتی این تصاویر را می پرستیدند، اگرچه مردم فهمیدند که این ها نماد نیستند، آنها را دعا کردند و درخواست کمک و محافظت کردند. علاوه بر مدونا، نقاشان دوره رنسانس علاقه زیادی به بازآفرینی تصاویر داشتند عیسی مسیح، رسولان، یحیی باپتیست، و همچنین قسمت های انجیل. به عنوان مثال، لئوناردو داوینچینقاشی مشهور جهانی "شام آخر" را خلق کرد.

چرا هنرمندان دوره رنسانس از موضوعات استفاده می کردند؟ از کتاب مقدس? چرا آنها سعی نکردند خود را با خلق پرتره هایی از معاصران خود بیان کنند؟ شاید آنها سعی می کردند افراد عادی را با ویژگی های شخصیتی ذاتی خود به این شکل به تصویر بکشند؟ بله، نقاشان آن زمان سعی می کردند به مردم نشان دهند که انسان موجودی الهی است.

هنرمندان دوره رنسانس با به تصویر کشیدن مناظر کتاب مقدس تلاش کردند تا روشن کنند که در صورت استفاده از داستان های کتاب مقدس، مظاهر زمینی انسان را می توان با وضوح بیشتری به تصویر کشید. اگر شروع به آشنایی با آثار هنرمندان آن زمان کنید، می توانید بفهمید که سقوط، وسوسه، جهنم یا بهشت ​​چیست. همان تصویر مدونازیبایی یک زن را به ما منتقل می کند و همچنین درک عشق زمینی انسان را به همراه دارد.

لئوناردو داوینچی

رنسانس به لطف بسیاری از شخصیت های خلاقی که در آن زمان زندگی می کردند چنین شد. در سراسر جهان مشهور است لئوناردو داوینچی (1452 - 1519)تعداد زیادی شاهکار خلق کرد که هزینه آن به میلیون ها دلار می رسد و خبرگان هنر او آماده هستند تا مدت ها به نقاشی های او فکر کنند.

لئوناردو تحصیلات خود را در فلورانس آغاز کرد. اولین نقاشی او که در حدود سال 1478 کشیده شده است "مدونا بنوا". سپس خلاقیت هایی مانند "Madonna in the Grotto" وجود داشت. "مونالیزا"، "شام آخر" فوق الذکر و انبوهی از شاهکارهای دیگر که توسط یکی از غول های دوره رنسانس نوشته شده است.

دقت تناسبات هندسی و بازتولید دقیق ساختار تشریحی یک فرد - این همان چیزی است که نقاشی های لئونارد داوینچی را مشخص می کند. بر اساس اعتقادات او، هنر به تصویر کشیدن برخی از تصاویر روی بوم یک علم است و نه فقط نوعی سرگرمی.

رافائل سانتی

رافائل سانتی (1483 - 1520)در دنیای هنر به عنوان رافائل شناخته می شود آثار خود را خلق کرد در ایتالیا. نقاشی های او سرشار از غزل و لطافت است. رافائل نماینده رنسانس است که انسان و وجود او را بر روی زمین به تصویر می کشد و دوست داشت دیوارهای کلیساهای واتیکان را نقاشی کند.

نقاشی ها به وحدت فیگورها، مطابقت متناسب فضا و تصاویر و همنوایی رنگ ها خیانت می کردند. پاکی ویرجین اساس بسیاری از نقاشی های رافائل بود. اولین او تصویر بانوی ما- این مدونا سیستین است که توسط یک هنرمند مشهور در سال 1513 نقاشی شده است. پرتره هایی که توسط رافائل خلق شد، تصویر ایده آل انسان را منعکس می کرد.

ساندرو بوتیچلی

ساندرو بوتیچلی (1445 - 1510)همچنین یک هنرمند رنسانس. یکی از اولین کارهای او تابلوی "تحسین مجوس" بود. شعر لطیف و رویاپردازی از آداب اولیه او در زمینه انتقال تصاویر هنری بود.

در اوایل دهه 80 قرن 15، این هنرمند بزرگ نقاشی می کرد دیوارهای کلیسای واتیکان. نقاشی های دیواری ساخته شده توسط او هنوز شگفت انگیز است.

با گذشت زمان، نقاشی های او با آرامش ساختمان های دوران باستان، سرزندگی شخصیت های به تصویر کشیده شده و هماهنگی تصاویر مشخص شد. علاوه بر این، اشتیاق بوتیچلی به طراحی برای آثار ادبی معروف شناخته شده است، که همچنین فقط به کار او شهرت بخشید.

میکل آنژ بووناروتی

میکل آنژ بووناروتی (1475 - 1564)- هنرمند ایتالیایی که در دوره رنسانس نیز کار می کرد. این مرد که بسیاری از ما او را می شناسیم، هر کاری از دستش بر می آمد انجام داد. و مجسمه سازی و نقاشی و معماری و همچنین شعر.

میکل آنژ مانند رافائل و بوتیچلی دیوارهای کلیساهای واتیکان را نقاشی کرد. از این گذشته ، فقط با استعدادترین نقاشان آن زمان در کارهای مهمی مانند نقاشی تصاویر روی دیوارهای کلیساهای کاتولیک مشغول بودند.

بیش از 600 متر مربع از کلیسای سیستیناو مجبور شد آن را با نقاشی های دیواری که صحنه های مختلف کتاب مقدس را نشان می دهد بپوشاند.

معروف ترین اثر در این سبک برای ما به عنوان شناخته شده است "آخرین قضاوت". معنای داستان کتاب مقدس به طور کامل و واضح بیان شده است. چنین دقتی در انتقال تصاویر مشخصه تمام آثار میکل آنژ است.

توجه!برای هر گونه استفاده از مطالب سایت، یک لینک فعال به مورد نیاز است!