آهنگ فولکلور ایتالیایی: مسیری در طول قرون نحوه نواختن ماندولین. متن اصلی ناپل

هنر عامیانه شفاهی ایتالیایی ها سرشار از آثار ژانرهای مختلف است. در مناطق شمالی کشور غزلیات-روایی رواج دارد. فولکلورهای ایتالیایی معتقدند که این اشعار از حماسه سلتیک سرچشمه می گیرد.

مرکزی و جنوبی ایتالیا با اشعار غزل مشخص می شود - استرامبوتی . این نوع هنر عامیانه شفاهی ابتدا در سیسیل پدید آمد و به همین دلیل به چنین اشعاری سیسیلی نیز می گویند. در همین جزیره، داستان‌ها و اشعار مذهبی (در اکتاو) با محتوای اخلاقی رواج دارد و نمایش‌های تئاتر عروسکی مردمی تا به امروز حفظ شده است. اپرا دل توله سگ ). مضامین آنها عمدتاً از حماسه فرانسوی گرفته شده است.

داستان های عامیانه در تمام مناطق کشور وجود دارد ( فیاب داستان های کوتاه ti ضرب المثل ها ( ضرب المثل ) و معماها ( ایندووینلی ).

آهنگ های محلی ایتالیایی بسیار ملودیک هستند که ریتم، ملودی و محتوای آن ها از منطقه ای به منطقه دیگر متفاوت است. در شمال و شمال غرب کشور ترانه های حماسی- غنایی به نام کنزون رایج است. آنها به ویژه در Piedmont معمولی هستند. این احتمال وجود دارد که پیمونت منطقه ای باشد که از آنجا کانزون از فرانسه به بقیه ایتالیا گسترش یافته است. مناطق ترنتینو، ونتو و فریولی با آوازهای غنایی تک بیتی مشخص می شوند. ویلوتی , متشکل از دو رباعی

تمام جهان آهنگ های گوندولیرزهای ونیزی را می شناسند - بارکارول ها که با ملودی و ریتم صاف آنها مطابق با ضربات پاروها متمایز می شوند.

آهنگ های سیسیلی بسیار متنوع هستند - مارینارا، فورناریان، ویکاریوت و غیره.

در مناطق جنوبی، به ویژه در کامپانیا، ترانه های عمدتاً غنایی گسترده است - stornelles که معمولاً از دو بیت یازده هجای قافیه تشکیل شده است. نام کل این ژانر - "Cesni Neapolitan" - از شهر اصلی Campagna، ناپل آمده است. در حومه ناپل - Piedigrotta - هر ساله مسابقه ای برای بهترین آهنگ برگزار می شود. شرکت کنندگان و شنوندگان از سراسر کشور به اینجا می آیند.

در جزیره ساردینیا، ترانه‌های غنایی یکنواخت بسیار متداول هستند که هم از نظر فرم و هم از نظر محتوا با اشعار اسپانیایی مشترک هستند.

ژانر اصلی هنر عامیانه شفاهی ساکنان اومبریا به اصطلاح شعر مذهبی است که عمدتاً آهنگ هایی است که در مورد قسمت هایی از زندگی مسیح صحبت می کند.

در بسیاری از مناطق ایتالیا، لالایی های بسیار آهنگین خوانده می شود.

در دهه های گذشتهترانه‌های فولکلور ایتالیایی، تحت تأثیر پخش موسیقی از رادیو، تا حد زیادی سنتی خود را از دست داده‌اند: هم ماهیت ملودی و هم واژگان آنها در حال تغییر است. بنابراین، برای نیم قرن در ترانه های غنایی عامیانه، به ویژه در آنهایی که در مورد فراق می خوانند، راه آهن و کشتی بخار ظاهر شده است و در سال های اخیرحتی یک هواپیما ترانه ها زبان تمثیلی خود را از دست می دهند. واژگان سرودهای حماسی - غنایی نیز تغییر کرد، مثلاً به جای شمشیر و تفنگ، تپانچه و مسلسل در آنها ظاهر شد.

رقصیدن آلات موسیقی

در برخی مکان ها، رقص های محلی ایتالیایی هنوز هم رقصیده می شود که به دلیل تنوع، زیبایی و خلق و خوی اجرا متمایز است. همین چند دهه پیش، رقص تارانتلا (رقصی که احتمالاً منشأ باستانی دارد) در بین جنوبی ها بسیار محبوب بود که اجرای آن معمولاً با کوبیدن تنبور همراه بود. در لاتزیو یک رقص با سرعت بسیار سریع وجود داشت - saltarello،

دو به دو و با همراهی گیتار رقصیدند. در استان های لومبارد هنوز به اصطلاح Bergamasca می رقصند و در استان های ونیزی هنوز رقصی با منشاء فریولی - Furlana می رقصند. معمولی برای سیسیل رقص آهسته- سیسیلیایی در برخی از مناطق ساردینیا رقصی با ریشه بسیار باستانی (احتمالا یونانی) به نام دورو - دورو ، یا بالو در توندو (رقص در یک رقص گرد). معمولاً با پریدن و جیغ زدن همراه است.

در برخی از نقاط جنوب، رقص های آیینی پانتومیم حفظ شده است که در روزهای خاصی انجام می شود اعیاد مذهبی. دهقانان برخی از روستاهای کالابریا، سیسیل و بازیلیکاتا پانتومیم معروف به "کشتی" را اجرا می کنند. دوازده نفر یک هرم را تشکیل می دهند: شش نفر از آنها روی زمین، چهار نفر بر روی شانه های خود و دو نفر در بالای آن ایستاده اند. هرم به صورت ریتمیک حرکت می کند و اطراف آن را جمعیتی از دهقانان آوازخوان احاطه کرده اند.

آوازها و رقص های سنتی با همراهی سازهای محلی اجرا می شد. در نواحی شمالی گیتار رایج ترین بود. در توسکانی، لاتزیو و کامپانیا، کوله‌پشتی اغلب یافت می‌شد. در جزیره ساردینیا آوازها و رقص ها با نواختن یک لوله سه لوله به نام همراه بود لونددا . در روستاهای تمام مناطق کشور لوله تک لوله، سازدهنی و سازدهنی معمولی و در شهرها - ماندولین می نواختند.

اخیراً، به ویژه در دوره پس از جنگ، رقص‌های عامیانه باستانی به طور فزاینده‌ای جای خود را به رقص‌های مدرن داده‌اند که با دستگاه ضبط یا ضبط صوت می‌رقصند.

هنرهای عامیانه و صنایع دستی

تقریباً هر منطقه از ایتالیا به دلیل برخی از انواع هنرهای تزئینی عامیانه مشهور است که قرن ها در اینجا انجام می شود و مهارت ها و مهارت های خود را منتقل می کند. احساسزیبایی نسل به نسل

سرامیک

محصولات استادان سرامیک فوق العاده رنگارنگ هستند. این تولید در ایتالیا سنت چند صد ساله دارد. قبلاً در قرون Vllll - VII. قبل از میلاد ه. سرامیک یونانی نیز همراه با استعمارگران یونانی به بخش جنوبی شبه جزیره آپنین نفوذ کرد. از قرن ششم قبل از میلاد ه. سرامیک‌های سیاه‌پیکر و قرمز یونانی فراگیر شدند. در زمان رومی ها، ظروف با نقش های گل، اغلب به صورت برجسته، پوشیده شده با لاک قرمز با براق فلزی ظاهر می شدند.

در اوایل قرون وسطی، سفالگری، مانند بسیاری از زمینه های دیگر صنایع دستی عامیانه، رو به زوال نهاد.

ظهور قدرتمند جدید در هنر سرامیک ایتالیایی در قرن پانزدهم آغاز شد. مراکز تولید سرامیک های هنری در قرون وسطی عبارت بودند از Faenza، Siena، Caffaggiolo، Castel Durante و برخی دیگر.

از ربع اول قرن شانزدهم. در راس تولید سرامیک ایتالیایی، شهر Faenza قرار داشت که از نام آن کلمه بین المللی "clayans" به معنای باریک به معنای محصولات ساخته شده از خاک رس سفید پخته شده با یک خرده متخلخل ریز سرچشمه گرفت. فایانس را اغلب سرامیک لعابدار - مایولیکا نیز می نامند که در تعداد زیادی در فانزا نیز تولید شده و همچنان تولید می شود. نام "majolica" از یکی از جزایر بالئاریک - Majorca (به ایتالیایی - Majolica) گرفته شده است، جایی که در سال 1115 ژنوئی ها برای اولین بار ظروف سرامیکی اسپانیایی-موری و صفحات لعابدار را به شبه جزیره آپنین آوردند که به مدلی برای سفالگران ایتالیایی تبدیل شد.

در دوران شکوفایی تولید مایولیکا (قرن XV-XVII) از خاک رس مایل به زرد و سفید استفاده می شد و به جای لعاب انگوب و سرب با لعاب غیر متخلخل و مات ساخته شده از مخلوط اکسید سرب و قلع پوشانده می شد. ظرف در دمای بالا پخته شد، لعاب با نقاشی اعمال شده روی آن ذوب شد و به یک لایه براق یکنواخت تبدیل شد که محکم به پایه سفالی محصول می‌چسبید.

آنچه امروزه در ایتالیا مایولیکا نامیده می شود شامل انواع محصولات سرامیکی ساخته شده از خاک رس قرمز می باشد. زمین کوتا ) و از سفید، با یک خرده منافذ بزرگ، پوشیده شده با لعاب شفاف ( ورنیس ) یا مینای مات ( smalto ). سرامیست های مدرن Faenza نه تنها تقلید می کنند مدل های معروفگذشته، بلکه مدل های جدید ایجاد کنید و بر فناوری جدید مسلط شوید. امروزه بسیاری از صنعتگران فائنزا ظروفی با اشکال انتزاعی تزئین شده با نقاشی هایی تولید می کنند که نقوش آنها از نقاشی انتزاعی مدرن استخراج شده است.

موسسه دولتی سرامیک در فانزا واقع شده است. سرامیست ها از کشورهای مختلف برای بهبود مهارت های خود به اینجا می آیند. موزه بین المللی سرامیک نیز وجود دارد که مجموعه های سرامیک های هنری ایتالیایی در آن متمرکز شده است. هر ساله این شهر میزبان نمایشگاه سرامیک است.

در ایتالیای مدرن، تولید سرامیک توسعه یافته است، با این حال، عمدتا در مناطق جنوبی و جزیره ای: آپولیا، سیسیل، آبروزو، مولیز، کالابریا، ساردینیا، مارکه و برخی دیگر. کارگاه‌ها و کارخانه‌های کوچک در این مناطق علاوه بر سرامیک‌های خانگی (ظروف سفره و ظروف آشپزخانه که عمدتاً توسط دهقانان خریداری می‌شود)، اقلام تزئینی (ظروف، گلدان‌ها، مجسمه‌ها) که اغلب صادر می‌شوند یا به گردشگران خارجی فروخته می‌شوند، تولید می‌کنند.

اشکال رایج ظروف، مشترک در تمام مناطق جنوبی کشور: کاسه; boccale - یک لیوان بزرگ برای آب یا شراب؛ bgossa - یک ظرف بزرگ کروی، با دهانه و یک یا دو دسته، که اغلب شراب در آن ذخیره می شود. انواع فلاسک آب و شراب: کروی با گردن کوتاه و با یک دسته. مشابه آنها، اما بدون دسته؛ شکل کشیده با دو دسته؛ مسطح بدون دسته، با حلقه هایی برای نخ زنی؛ چوب شور و غیره

همه این ظروف معمولاً با لعاب‌ها و لعاب‌های رنگارنگ پوشانده می‌شوند و با رنگ‌های روی لعاب یا زیر لعاب نقاشی می‌شوند و گاهی با نقش‌های برجسته تزئین می‌شوند.

بسیاری از مناطق ایتالیا، و اغلب مراکز جداگانه تولید سرامیک، دارند ویژگی های مشخصههم در انتخاب اشکال ظرف و هم در تزئین هنری آنها.

مرکز اصلی تولید سرامیک سیسیلی Caltad-Girone است. سرامیک های زیادی نیز از کارگاه های Terranova، Licata، Ajira، Partinico، Canicatti و Schiatta بیرون می آید.

بسیار رنگارنگ در حال حاضر در شناخته شده است اوایل قرون وسطیگلدان های سیسیلی - لطف . آنها اغلب به شکل ساخته می شوند سر انسان. بدنه فلاسک سیسیلی اغلب به همین شکل ساخته می شود. اغلب رگ ها شکل یک انسان تمام قد را دارند. اینها بطری های پلی کروم هستند ( فیاشکتی ) و لامپ ها ( لوسرنی ). علاوه بر این، در Caltagirone (از قرن هفدهم تا امروز)، مجسمه های گلی پخته نشده از قدیسان ساخته شده است - پرسپی ، که مرسوم است در اعیاد مذهبی به تقلید صحنه هایی از زندگی حضرت عیسی مسیح در گوشه اتاق قرار می گیرند.

علاوه بر سرامیک های هنری، انواع ظروف خانگی مانند بزرگ تولید می کنند ربع برای تحویل آب، کاسه سوپ، کوچک cannate برای آب و شراب و خیلی چیزهای دیگر.

بزرگترین مراکز تولید سفال هنری در ساردینیا Oristano، Sassari و Cagliari هستند. معروف ترین آنها در سراسر کشور گلدان های اوریستان است. شکل و تزیینات آنها به هنر سفالگری یونان باستان برمی گردد (مشابه این گلدان ها در حفاری در Canossa در آپولیا کشف شد). اینها ظروف آبیاری با اندازه بزرگ هستند که با تصاویر برجسته از گلها، حیوانات یا افراد تزئین شده اند.

در کمون دورگلی (ساساری) نوع سنتی سفال تولید ظروف از گل سرخ به شکل حیوانات اهلی است: شستن کوزه هایی به شکل خروس، مرغ، غاز و غیره که معمولاً تمام می شوند. با طرح خراشیده (گرافیتی) و پوشیده شده با میناهای چند رنگ. در کالیاری، مانند سیسیل، ظروف به شکل پیکره های انسانی ساخته می شوند که اغلب زنان را در لباس های محلی محلی نشان می دهند.

در Puglia چندین مرکز بزرگ تولید سفال وجود دارد: Grottaglie، Rutigliano، Sansevero، Cerintola و برخی دیگر. آثار هنری سفالین با لعاب پلی‌کروم Grottaglie در سراسر کشور توزیع می‌شود. سنت های قرون وسطایی در تکنیک ساخت و تزئینات آنها حفظ شده است. ظروف مختلف (بوکلی، کلم بروکلی و غیره) با نقاشی پلی کروم (عمدتاً) پوشیده شده است. زیور آلات گل) روی لبه سفید. Grottaglie تمام مناطق جنوب را با ظروف غذاخوری و ظروف آشپزخانه تامین می کند.

در پولیا همچنین ظروف تزئین شده با گلدوزی های برجسته می سازند. این منطقه همچنین به دلیل تولید اسباب بازی های روکش شده با لعاب های چند رنگ معروف است. اغلب اینها سوت هایی به شکل حیوانات مختلف هستند: پرندگان، خروس ها، سگ ها، مارها و غیره.

در آبروزو، فلاسک‌های مسطح و حلقه‌ای شکل، ظروف و کلم بروچی با نقاشی‌های رنگارنگ روی لبه‌های سفید رنگ سنتی هستند. سرامیک های پالنا با رنگ های روشن و لعاب های بسیار براق متمایز می شوند. لیوان‌های سه‌تیغه‌ای، فلاسک‌های چمباتمه‌ای با گردن کوچک، فلاسک‌های تخت چوبی شکل در بالای لبه‌ها نقاشی می‌شوند که اغلب با حلقه‌هایی از گل‌ها استفاده می‌شود. در Kastelli، رگ ها اغلب با مینای زرد، آبی یا سبز پوشانده می شوند. بسیاری از آن‌ها، به‌ویژه مجسمه‌ها یا لامپ‌هایی به شکل انسان، نزدیک به سیسیلی هستند.

مراکز اصلی تولید سرامیک در کالابریا Seminara، Rende، Visignano، Terranova di Sibari، Corigliano Calabro، Vibo Valentina، Squillace، S. Andrea Ionico هستند. در سمینار، ظروف سفالی (اغلب قمقمه های چوب شور) با تصاویر برجسته از گل ها، پرندگان و حیوانات تزئین می شود. رنگ های غالب آبیاری سبز، زرد و نارنجی است. فلاسک های ماهی شکل تولید شده در سمینار و اسباب بازی های زیبا از خاک رس قرمز پوشیده شده با لعاب چند رنگ در کشور بسیار محبوب است.

مراکز اصلی مدرن تولید سرامیک در Umbria - Deruta و Gubbio - کپی هایی از نمونه های قرون وسطایی و حتی اتروسکی و همچنین کارگاه هایی در مراکز دیگر در این منطقه تولید می کنند: Assisi، Ficulle و غیره.

در توسکانی مرکز اصلیتولید سرامیک - شراب Monte San Sa-. ظروف بزرگی در اینجا درست می شود که از ماژولیکای قرون وسطایی کپی می کنند. آنها معمولاً با انگوب سفید پوشانده می شوند که در بالای آن نقاشی اعمال می شود.

در منطقه مارکه پسارو، سرامیست‌ها انواع ظروف خانگی را می‌سازند که با لعاب‌های بسیار براق با رنگ‌های تیره (سیاه، شاه بلوطی یا قهوه‌ای) پوشیده شده است: دست گرمکن، ماهیتابه، کاسه سوپ برای دروگرها، بطری‌هایی برای رساندن شراب به مزرعه، نوشیدنی. کشتی ها

ماندولین یک ساز موسیقی زهی است. ظاهر آن به قرن شانزدهمو ایتالیای رنگارنگ وطن آن شد. ماندولین از نظر ظاهری بسیار شبیه به عود است، زیرا شکل گلابی شکلی نیز دارد. تفاوت آن با عود در این است که سیم های کمتری دارد و گردن کوتاه تری دارد.

اساسا، ماندولین همیشه دارای چهار سیم جفت (معروف به ماندولین ناپلی) بود و عود بسته به دوره، شش سیم یا بیشتر داشت. علاوه بر این نوع ماندولین، انواع دیگری نیز شناخته شده است:

• سیسیلی - با کف صاف و چهار رشته سه گانه؛
• میلانی - با شش سیم، کوک یک اکتاو بالاتر از گیتار.
• جنوا - ماندولین پنج رشته؛
• فلورانسی.

نحوه نواختن ماندولین

معمولاً ماندولین با یک پیک یا به عبارت دقیق تر، یک پلکتوم نواخته می شود. اگرچه، اتفاق می افتد که آنها با انگشتان خود بازی می کنند. صدای ماندولین بی نظیر است - تکرار سریع و مکرر صدا (ترمولو) با این واقعیت توضیح داده می شود که وقتی سیم ها را لمس می کنید ، صدا به سرعت از بین می رود ، یعنی کوتاه می شود. به همین دلیل است که برای طولانی کردن صدا و به دست آوردن یک نت ظاهرا طولانی، از ترمولو استفاده می شود.

ماندولین یک قرن پس از پیدایش در خارج از ایتالیا به طور گسترده ای شناخته شد. این ساز بسیار محبوب شد و به سرعت جایگاه یک ساز محلی را دریافت کرد. هنوز هم در اطراف سیاره قدم می زند و هر چه بیشتر در فرهنگ مدرن ریشه می گیرد.

حتی مشخص است که آهنگساز مشهوری مانند موتزارت در اپرای خود "دون جیووانی" از ماندولین در سرناد استفاده کرد.

علاوه بر این، بسیاری از گروه‌های موسیقی، آهنگسازان و خوانندگان امروزی از این ابزار موسیقی استفاده می‌کنند تا کمی به موسیقی خود بیافزایند. به ترکیبات شما

با کمک یک ماندولین، می توانید به خوبی هم نقش های انفرادی را همراهی کنید و هم بازی کنید. به عنوان مثال، ارکسترهای ناپلی شناخته شده هستند، صداهایی که در آن ها از بسیاری از ماندولین ها ادغام می شوند اندازه های مختلف. از ماندولین در ارکسترهای سمفونیک و اپرا نیز استفاده می شود. در کنار بانجو، ماندولین در موسیقی بلوگراس و فولک آمریکایی نیز استفاده می شود.

همانطور که قبلا ذکر شد، ماندولین یک ساز موسیقی بسیار غیر معمول است و مورد علاقه بسیاری است دقیقاً به این دلیل که برگ برنده آن ترمولو است که شاید در سایر آلات موسیقی پیدا نشود.

ماندولین یک ساز موسیقی است که یکی از محبوب ترین سازها در دسته سازهای محلی است. شاید تعداد کمی از آلات موسیقی بتوانند به چنین محبوبیتی ببالند. بلکه ماندولین به طور سنتی یک ساز عامیانه به حساب می آید، هرچند آهنگسازان زیادی از آن در آثار خود استفاده کرده اند و جذابیت و منحصر به فرد خاصی به آنها بخشیده است. اگرچه ماندولین اغلب در ارکسترها استفاده می شود، اما به عنوان یک ساز مستقل نیز عالی به نظر می رسد. بخش موسیقی. اتودها و قطعات مختلفی با همراهی سازهای دیگر روی آن اجرا می شود.

ماندولین کجا دیگر معروف شد؟

ماندولین نسبتاً سریع از ایتالیا به شمال ایالات متحده آمریکا مهاجرت کرد و به شدت در موسیقی محلی جا گرفت. در اروپا، این ساز مردم اسکاندیناوی را تسخیر کرد، که به ماندولین صدایی سختگیرانه خاص داد.

ماندولین سازهای نسبی دارد. اینها ماندولا، بوزوکی و ماندولین اکتاو هستند. هارمونی های مدرن راک اند رول بسیار شبیه به همان ماندولین هستند.

مشخص است که اعضای لد زپلین به صدای ماندولین بسیار علاقه داشتند و از آن در ملودی های خود استفاده می کردند. حتی جیمی پیج، یکی از اعضای گروه، ماندولین را با یک ماندولا و یقه گیتار تکمیل کرد. پل مک کارتنی نیز این ساز پیچیده موسیقی را ترجیح می داد.

ماندولین علاوه بر صدای فوق‌العاده‌اش، چندین مزیت غیرقابل انکار دارد:

• ساختار هماهنگ؛
• فشردگی؛
• ترکیب با سایر ماندولین ها یا سایر آلات موسیقی به طور کلی - گیتار، ضبط.

کوک ماندولن تا حدودی یادآور کوک ویولن است:

• اولین جفت سیم به سمت E از اکتاو دوم کوک می شود.
• جفت دوم در A از اکتاو اول است،
• D اکتاو 1;
• چهارمین جفت رشته G از اکتاو کوچک است.

محبوبیت ماندولین روز به روز بیشتر می شود. به عنوان مثال ، یکی از اعضای گروه "آریا" وادیمیر خلستینین در آهنگسازی "بهشت گمشده" از ماندولین استفاده می کند. همچنین در اپرای متال گروه اپیدمیک (آهنگ "مسیر خود را قدم بزنید") و در سرگئی ماورین ("ماکاداش") استفاده می شود.

الف آهنگ معروف«از دست دادن دینم» اثر R.E.M. با صدای بی نظیر ماندولین؟ به نظر می رسد که او تقریباً در همه کشورهای جهان شناخته شده است.

ماندولین یک ساز موسیقی نسبتاً مرموز است. راز موفقیت او هنوز به طور کامل فاش نشده است. اگرچه بیش از چهارصد سال از ظهور آن می گذرد، اما به طور کلی محبوبیت خود را از دست نمی دهد، بلکه برعکس، طرفداران بیشتری پیدا می کند. در دوران مدرن، بیشتر و بیشتر در طیف گسترده ای از ژانرهای موسیقی استفاده می شود.

بسیار شگفت انگیز است که ماندولین می تواند کاملاً در هر ترکیبی قرار گیرد، صدای تقریباً هر ساز را برجسته یا برجسته کند. شنیدن صداهای این چند ابزار جادویی، گویی در دوران باستانی شوالیه های شجاع، بانوان دوست داشتنی و پادشاهان مغرور فرو می روید.

ویدئو: ماندولین چه صدایی دارد

خاستگاه موسیقی ایتالیایی به فرهنگ موسیقیروم باستان (نگاه کنید به موسیقی روم باستان). موسیقی پخش شده موجودات. نقش در جامعه، دولت زندگی امپراتوری روم، در زندگی روزمره مختلف. لایه های جمعیت؛ موسیقی غنی و متنوع بود. ابزار. نمونه هایی از موسیقی روم باستان به دست ما نرسیده است، اما دپ. عناصر آن تا قرون وسطی باقی ماندند. مسیح سرودها و عامیانه موسیقی سنت ها در قرن چهارم، زمانی که مسیحیت دولتی اعلام شد. دین، روم، همراه با بیزانس، به یکی از مراکز توسعه مذهبی تبدیل شد. اول آواز خواندن اساس آن مزمور بود که از سوریه و فلسطین سرچشمه می گرفت. اسقف اعظم میلانی، آمبروز، تمرین سرودهای ضد آوایی را پایه گذاری کرد (نگاه کنید به. آنتیفون) ملودی آنها را به عامیانه نزدیک می کند. ریشه ها یک سنت خاص مسیحی غربی با نام او مرتبط است. کلیسا آواز خواندن، به نام Ambrosian (نگاه کنید به. آواز آمبروز). در کنار. قرن ششم، در زمان پاپ گرگوری اول، اشکال جامد مسیح ایجاد شد. مناجات و موسیقی آن سفارش داده شده است. سمت این خواننده در همان زمان در رم خلق کرد. مدرسه ("schola cantorum") به نوعی آکادمی برای آواز کلیسا تبدیل شد. دعاوی حقوقی و قانونگذاران بالاتر اقتدار در این زمینه گرگوری اول با متحد کردن و تثبیت اصول اولیه اعتبار داشت. سرودهای مذهبی با این حال، تحقیقات بعدی آن آهنگین را ثابت کرده است. سبک و اشکال به اصطلاح سرود گریگوری سرانجام تنها در قرون 8-9 شکل گرفت. کاتولیک رومی. کلیسا، با تلاش برای یکنواختی عبادت، این سبک از تک‌گوها را تبلیغ کرد. گروه کر آواز خواندن در میان تمام مللی که به مسیح تبدیل می شوند. ایمان این فرآیند تا پایان تکمیل شد. قرن یازدهم، زمانی که عبادت گریگوری با سرود متناظر آن. مقررات در کشورهای میانه و غرب وضع شد. و یوژ. اروپا در همان زمان متوقف شد توسعه بیشترسرود گریگوری، منجمد به تغییرناپذیری. فرم ها

از آخر هزاره اول پس از میلاد در نتیجه تهاجمات مکرر دشمن به قلمرو ایتالیا، و همچنین افزایش ظلم و ستم بر پاپ، که در بیان آزادانه خلاقیت اختلال ایجاد کرد. ابتکار عمل، در من یک دوره طولانی می آید. رکود، نقش قابل توجهی در موسیقی عمومی بازی نمی کند. توسعه اروپا کشورها مهمترین تغییراتی که در اروپا رخ داد. موسیقی در آغاز هزاره 1 و 2 به طور ضعیف و اغلب با تأخیر در موسیقی تاریخی منعکس شده است. و شمال غربی اروپا در قرن نهم. دلیلی برای اشکال اولیه چندصدایی، برجسته ترین ایتالیایی، ارائه کرد. موسیقی نظریه پرداز قرون وسطایی، گویدو دآرزو (قرن یازدهم) توجه اصلی را به سرودهای تک سر گریگوری معطوف کرد و تنها به طور مختصر به ارگانوم اشاره کرد. نمونه ها نشان دهنده سهم مستقل ایتالیا در توسعه ژانرهای چندصدایی آن دوران، درک آزادتر و مستقیم تر از جهان در دوره تضعیف قدرت فئودال ها و شکل گیری روابط اولیه سرمایه داری نیست. رنسانس اولیهمطابق با تعریف Ars nova است که در تاریخ موسیقی پذیرفته شده است. اساسی مراکز این حرکت شهرهای مرکز بود. و Sev. ایتالیا - فلورانس، ونیز، پادوآ - در سیستم اجتماعی و فرهنگ خود نسبت به جنوب پیشرفته تر هستند. مناطقی که در آن روابط فئودالی هنوز به طور محکم حفظ شده بود. این شهرها بااستعدادترین آهنگسازان و نوازندگان اجرا را جذب کردند. ژانرهای جدید و گرایش های سبکی در اینجا به وجود آمدند.

میل به افزایش بیان خود را در اشعار نشان داد. سرودهای مذهبی که آزادانه تفسیر شده اند. مضمون لوده است که در زندگی روزمره و در ادیان خوانده می شد. موکب ها در حال حاضر در پایان. قرن دوازدهم «برادری های مداحی» به وجود آمدند که در قرن سیزدهم و به ویژه چهاردهم بر تعداد آنها افزوده شد. لائودا در میان راهبان فرمان فرانسیسکن، که در مخالفت با رسمیت بود، کشت می شد. کلیسای رومی، گاهی اوقات آنها انگیزه های اعتراض اجتماعی را منعکس می کردند. ملودی ستایش با نار همراه است. ریشه، ریتم متفاوت است. وضوح، وضوح ساختار، رنگ آمیزی اصلی غالب. برخی از آنها از نظر شخصیتی به رقص نزدیک هستند. آهنگ ها

در فلورانس ژانرهای جدیدی از چندضلعی سکولار پدید آمد. واک موسیقی در نظر گرفته شده برای اجرای آماتور خانگی: مادریگال، کاچیا، بالاتا. 2 یا 3 گل بود. استروفیک آهنگ هایی با اولویت ملودیک صدای بالایی که با ریتم متمایز می شد. تحرک، فراوانی معابر رنگی. مادریگال - اشرافی. ژانری که با پیچیدگی شعر و موسیقی مشخص می شود. ساختمان اروتیسم ظریف بر آن حاکم بود. مضامین، همچنین تجسم طنز. انگیزه هایی که گاه دارای اتهامات سیاسی است. محتوای کاکا در ابتدا شامل تصاویر شکار بود (از این رو نام خود: caccia - شکار)، اما پس از آن مضامین آن گسترش یافت و صحنه های مختلف ژانر را پوشش داد. محبوب ترین ژانرهای سکولار Ars nova بالاتا (آهنگ رقصی شبیه به مادریگال) است.

توسعه گسترده در قرن چهاردهم ایتالیا. instr. موسیقی اساسی سازهای آن زمان عود، چنگ، فیدل، فلوت، ابوا، ترومپت و اندام های مختلف بود. نوع (مثبت، قابل حمل). از آنها برای همراهی آواز و برای نوازندگی انفرادی یا گروهی استفاده می شد.

ظهور ایتالیا. Ars nova در اواسط رخ می دهد. قرن 14 در دهه 40 خلاقیت آشکار می شود فعالیت های برجسته ترین استادان آن - جیووانی از فلورانس و جاکوپو از بولونیا. ارگ نواز و آهنگساز نابینا به ویژه مشهور شد. F. Landino فردی چند استعداد، شاعر، موسیقیدان و دانشمند است که در محافل ایتالیایی مورد احترام بود. اومانیست ها در کار او ارتباط با مردم شدت گرفت. منشأ، ملودی آزادی بیان بیشتر، گاهی اوقات پیچیدگی، شکوفایی و ریتم بدیع به دست آورد. تنوع

در دوران رنسانس بالا(قرن 16) I. m در میان اروپاییان جایگاه پیشرو داشت. موسیقی محصولات زراعی در فضایی از جهش عمومی هنر. فرهنگ، ساخت موسیقی به شدت در کشورهای مختلف توسعه یافته است لایه های جامعه مراکز آن به همراه کلیسا بود. نمازخانه های صنایع دستی انجمن های صنفی، محافل روشنفکر عاشقان ادبیات و هنر، که گاه خود را پس از دوران باستان می نامند. الگوبرداری از آکادمی ها به صورت جمع مدارسی در شهرهایی ایجاد شدند که به استقلال کمک کردند. کمک به توسعه هنر تاریخی بزرگترین و تأثیرگذارترین آنها مدارس رومی و ونیزی هستند. در مرکز مذهب کاتولیک - رم، اشکال هنری جدیدی که توسط جنبش رنسانس زنده شد، اغلب با مقاومت کلیسا مواجه شد. مقامات اما، با وجود ممنوعیت ها و محکومیت ها، در سراسر قرن 15th. در کاتولیک رومی چند هدفی در عبادت استوار بود. آواز خواندن این با فعالیت نمایندگان مدرسه فرانسوی-فلاندری G. Dufay، Josquin Despres و دیگر آهنگسازان که در مقاطع مختلف در کلیسای پاپ خدمت می کردند، تسهیل شد. در کلیسای سیستین(تاسیس 1473) و گروه کر. کلیسای کلیسای جامع سنت. پیتر، بهترین استادان کلیسا متمرکز شدند. آواز خواندن نه تنها از ایتالیا، بلکه از کشورهای دیگر. مسائل کلیسا خوانندگی مورد توجه ویژه قرار گرفت. توجه در شورای ترنت (63-1545) که در تصمیمات آن شور و اشتیاق بیش از حد به زبان چند صدایی «تصویری» محکوم شد. موسیقی، درک "کلمات مقدس" را دشوار می کند، و تقاضا برای سادگی و وضوح مطرح می شود. ورود ملودی های سکولار به مراسم مذهبی ممنوع بود. موسیقی اما برخلاف میل کلیسا. مقامات برای اخراج همه نوآوری ها از آواز مذهبی و در صورت امکان، آن را به سنت های سرود گریگوری بازگردانند، آهنگسازان مکتب رومی یک چند صدایی بسیار توسعه یافته ایجاد کردند. هنری که در آن بهترین دستاوردهای چند صدایی فرانسوی-فلاندری با روح زیبایی شناسی رنسانس به کار گرفته شد و بازتفسیر شد. در تولید آهنگسازان این مکتب تقلیدی پیچیده هستند. تکنیک با آکورد - هارمونیک ترکیب شد. انباری، چند سر بافت شخصیت سرخوشی هماهنگ را به دست آورد، شروع ملودیک مستقل تر شد، صدای بالایی اغلب به منصه ظهور رسید. بزرگترین نماینده مکتب روم، پالسترین است. هنر کاملاً متعادل، با روحیه روشن و هماهنگ او گاهی با کار رافائل مقایسه می شود. اوج گروه کر بودن. چند صدایی سبک سختگیرانهموسیقی Palestrina همچنین حاوی عناصر توسعه یافته تفکر هموفونیک است. میل به تعادل بین اصول افقی و عمودی نیز ویژگی دیگر آهنگسازان همان مکتب بود: سی. فستا، جی. آنیموچی (که در رأس کلیسای سنت پیتر در 1555-71 ایستاده بود)، کلمنس پاپ، دانش آموزان و پیروان Palestrina - J. Nanino، F. Anerio و دیگران نیز به مکتب رومی پیوستند. آهنگسازانی که در کلیسای پاپ کار می کردند: سی. مورالس، بی. اسکوبدو، تی. ال. د ویکتوریا (نام مستعار «پالسرینای اسپانیایی» را دریافت کرد).

بنیانگذار مدرسه ونیزی A. Willaert (هلندی الاصل) بود که در سال 1527 ریاست کلیسای جامع کلیسای جامع St. مارک و به مدت 35 سال رهبر آن بود. جانشینان او سی دی پوپ و سی. مرولو اسپانیایی بودند. این مکتب به بزرگترین شکوفایی خود در آثار A. Gabrieli و برادرزاده اش G. Gabrieli رسید. برخلاف شیوه نگارش سختگیرانه و محدود پالسترینا و دیگر آهنگسازان مکتب رومی، هنر ونیزی ها با پالت صدای سرسبز و فراوانی رنگ های روشن مشخص می شد. اثرات اصل چندکاره بودن برای آنها اهمیت خاصی داشت. متضاد دو گروه کر، تنظیم شده است. در ضلع های مختلف کلیسا، به عنوان پایه ای برای پویایی خدمت کرده است. و تضادهای رنگارنگ تعداد صداهای متغییر برای گروه کر G. Gabrieli به 20 رسید. صداها با تغییراتی در سازها تکمیل شدند. تایمبرها و سازها نه تنها صدای گروه کر را تکرار می کردند، بلکه به طور مستقل نیز اجرا می کردند. و اپیزودهای مرتبط هارمونیک زبان با رنگ آمیزی های متعدد، اغلب پررنگ برای آن زمان، اشباع شده بود، که به آن ویژگی های افزایش بیان می بخشید.

خلاقیت استادان مکتب ونیزی نقش زیادی در توسعه اشکال جدید سازها ایفا کرد. موسیقی در قرن شانزدهم ترکیب خود سازها به طور قابل توجهی غنی شده است، بیان آنها گسترش یافته است. امکانات اهمیت سازهای آرشه ای با صدای دلنشین و گرمشان بیشتر شده است. در این دوره بود که کلاسیک شکل گرفت. نوع ویولا؛ ویولن، قبلاً گسترده بود. در زندگی مردمی، پروفسور می شود. موسیقی ابزار به عنوان سازهای انفرادی، عود و ارگ همچنان جایگاه پیشرو را به خود اختصاص دادند. در 1507-09، ناشر موسیقی O. Petrucci منتشر شد. 3 مجموعه از قطعات برای عود، هنوز حفظ شده است. نشانه های اعتیاد به ووک چند صدایی از نوع موته در آینده، این وابستگی ضعیف می شود، ابزارهای خاصی توسعه می یابد. تکنیک های ارائه مشخصه قرن شانزدهم. ژانرهای تکنواز موسیقی - ماشین سواری، فانتزی، کانزون، کاپریچیو. در سال 1549 org ظاهر شد. Richercars Villarta. به دنبال او، این ژانر توسط G. Gabrieli، برخی از سوارکاران که ارائه آنها نزدیک به یک فوگ است، توسعه یافت. در سازمان توکاتاهای استادان ونیزی نشان دهنده مهارت و تمایل به تخیل آزاد است. در سال 1551 مجموعه ای از کتاب ها در ونیز منتشر شد. قطعات رقص صفحه کلید شخصیت

ظهور اولین دولت های مستقل با نام های A. و J. Gabrieli همراه است. نمونه هایی از گروه و ارکستر مجلسی موسیقی ساخته های آنها برای سازهای مختلف. ترکیبات (از 3 تا 22 حزب) در یک مجموعه ترکیب شدند. "Canzones and Sonatas" ("Canzoni e sonate..."، منتشر شده در سال 1615 پس از مرگ آهنگسازان). این نمایشنامه ها بر اساس اصل تضاد متفاوت است. instr. گروه‌ها (هر دو همگن - کمان‌دار، بادی چوبی، برنجی و مخلوط)، که سپس متوالی دریافت کردند. تجسم در ژانر کنسرت.

کامل ترین و واضح ترین بیان ایده های رنسانس در موسیقی، مادریگال بود که شکوفایی جدید آن در قرن شانزدهم آغاز شد. بسیاری از مردم در دوره رنسانس به این مهم ترین سبک موسیقی سکولار توجه داشتند. آهنگسازان مادریگال ها توسط ونیزی ها A. Willart، C. de Pope، A. Gabrieli و استادان مکتب رومی C. Festa و Palestrina نوشته شده اند. مدارس مادریگالیست ها در میلان، فلورانس، فرارا، بولونیا و ناپل وجود داشت. مادریگال قرن شانزدهم در غنای بیشتر و پیچیدگی شاعرانه اش با مادریگال دوره آرس نووا تفاوت داشت. محتوا، اما اساسی قلمرو او به اشعار عاشقانه‌ای باقی ماند، اغلب به رنگ شبانی، همراه با جشن پرشور زیبایی‌های طبیعت. شعر پترارک تأثیر زیادی در توسعه مادریگال داشت (بسیاری از اشعار او توسط نویسندگان مختلف موسیقی تنظیم شده است). آهنگسازان مادریگالیست به آثار L. Ariosto، T. Tasso و دیگر شاعران بزرگ رنسانس روی آوردند. در مادریگال های قرن شانزدهم. امتیازهای 4 یا 5 گل برتری داشت. انباری که عناصر چند صدایی و هم آوایی را به هم متصل می کند. نوازنده پیشرو ملودیک صدا با ظرافت بیانش متمایز بود. سایه ها، انتقال انعطاف پذیر جزئیات شاعرانه. متن ترکیب کلی آزاد بود و از خطوط استروفیک پیروی نمی کرد. اصل در میان استادان مادریگال قرن شانزدهم. J. Arkadelt هلندی که در رم و فلورانس کار می کرد برجسته بود. مادریگال های او که در سال های 1538-1544 (6 کتاب) منتشر شد، بارها تجدید چاپ و در نسخه های مختلف تکثیر شد. چاپ شده و دست نویس جلسات بالاترین گلدهیاین ژانر با خلاقیت همراه است. فعالیت های L. Marenzio، C. Monteverdi و C. Gesualdo di Venosa در پایان. 16 - شروع قرن هفدهم اگر Marenzio با حوزه پالایش مشخص می شود. غنایی تصاویر، سپس در Gesualdo di Venosa و Monteverdi مادریگال دراماتیزه شده و دارای روانشناختی عمیق است. بیان، آنها از وسایل جدید و غیر معمول هماهنگ استفاده کردند. زبان، آهنگ تیز. بیانگر بودن ووک ملودیکا لایه غنی I. m. آوازها و رقص ها که با آهنگین ملودی ها، سرزندگی و ریتم های آتشین متمایز می شوند. برای ایتالیایی رقص‌ها با متر 6/8، 12/8 و یک سرعت سریع و اغلب سریع مشخص می‌شوند: saltarello (سوابق از قرن 13 تا 14 حفظ شده است)، لومباردا (رقص لمباردی) و فورلانا (رقص ونیزی، فریولی). تارانتلا (رقص ایتالیای جنوبی که ملی شد). همراه با تارانتلا، سیسیلیانا محبوب است (اندازه یکسان است، اما سرعت متوسط ​​است، شخصیت ملودی متفاوت است - شبانی). سیسیلی ها به بارکارول (آواز گوندولیرزهای ونیزی) و ریسپتو توسکانی (آهنگ ستایش، اعتراف عاشقانه) نزدیک هستند. آوازهای لامنتو (نوعی نوحه) بسیار شناخته شده است. انعطاف پذیری و ملودی بودن ملودی، اشعار روشن، و حساسیت اغلب تأکید شده، نمونه ای از آهنگ های ناپلی است که در ایتالیا گسترده شده است.

نار. موسیقی نیز بر پروفسور تأثیر گذاشت. موسیقی ایجاد بزرگترین سادگی و نزدیکی به مردم. ژانرهای frottola و villanelle در ریشه های خود متفاوت بودند.

رنسانس انگیزه ای برای توسعه تئوری موسیقی ایجاد کرد. افکار در ایتالیا پایه مدرن است. دکترین هارمونی توسط G. Zarlino مطرح شد. قرن میانه او دکترین مدها را با یک سیستم آهنگی جدید با 2 اصل مقایسه کرد. حالات معین - ماژور و مینور. زارلینو در قضاوت‌های خود عمدتاً بر ادراک شنیداری مستقیم تکیه می‌کرد، نه بر محاسبات مکتبی انتزاعی و عملیات عددی.

بزرگترین رویداد در I. m در نوبت قرن 16th-17th. ظهور اپرا وجود داشت. اپرا که قبلاً در پایان رنسانس ظاهر شد، با این وجود کاملاً با ایده ها و فرهنگ خود مرتبط است. اپرا به عنوان یک مستقل. این ژانر از یک طرف از تئاتر رشد کرد. اجراهای قرن شانزدهم، همراه با موسیقی، از سوی دیگر - از مادریگال. بسیاری از مردم برای تلویزیون موسیقی ساختند. آهنگسازان معروفقرن شانزدهم بنابراین، A.Gabrieli برای تراژدی سوفوکل "ادیپ" (1585، ویچنزا) گروه کر نوشت. یکی از پیشینیان اپرا نمایشنامه A. Poliziano "داستان اورفئوس" (1480، مانتوآ) بود. مادریگال ابزارهای بیان انعطاف پذیر را توسعه داد. تجسم های شاعرانه متن در موسیقی تمرین رایج اجرای مادریگال توسط یک خواننده با ساز. مقاومت آنها را به نوع وک نزدیکتر کرد. monody، که اساس اولین ایتالیایی شد. اپرا در کنار. قرن شانزدهم ژانر کمدی مادریگال بوجود آمد که در آن میمیچ. بازیگری با ووک همراه بود. اپیزودها به سبک مادریگالی نمونه بارز این ژانر «Amphiparnassus» اثر O. Vecchi (1594) است.

در سال 1581 یک مجادله گر ظاهر شد. رساله V. Galilei "مکالمه در مورد موسیقی باستانی و مدرن" ("Dialogo della musica antica et délia moderna") که در آن صدای سرود. اعلامیه (به تبعیت از الگوی باستانی) با "بربریت" قرون وسطی مخالف بود. چند صدایی گزیده ای از " کمدی الهی"قرار بود دانته به عنوان تصویری از این سبک آوازی عمل کند. افکار گالیله در میان گروهی از شاعران، موسیقیدانان و دانشمندان انسان گرا که در سال 1580 به ابتکار کنت روشنفکر فلورانسی G. Bardi (به اصطلاح Camerata فلورانسی نامیده می شود) متحد شدند. چهره های این دایره اولین اپراها را ایجاد کردند - «دافنه» (1597-1598) و «اوریدیک» (1600) به متن او. رینوچینی گروه های کر به سبک دکلاماتوری طراحی شده اند و سبک مادریگالی را حفظ می کنند.

چندین سال ها بعد، موسیقی "Eurydice" به طور مستقل توسط خواننده و گردآورنده نوشته شد. جی کاچینی که نویسنده این مجموعه نیز بوده است. آهنگ های مجلسی انفرادی با همراهی "موسیقی جدید" ("Le nuove musiche"، 1601)، اصلی. روی همان سبک شناسی اصول این سبک نگارش را «سبک جدید» (Stile nuovo) یا «سبک فیگوراتیو» (Stile rарpresentativo) می‌نامیدند.

تولید فلورانسی ها تا حدی منطقی هستند، معنای آنها عمدتاً است تجربی زندگی اصیلاپرا از یک موسیقی درخشان الهام گرفته شده است. نمایشنامه نویس، هنرمند با استعداد تراژیک قدرتمند سی. مونتوردی. او در بزرگسالی به ژانر اپرا روی آورد و قبلاً نویسنده آثار بسیاری بود. عملیات معنوی و مادریگال های سکولار. اولین اپرای او «اورفیوس» (1607) و «آریادنه» (1608) پست بودند. در مانتوا پس از وقفه ای طولانی، مونتوردی دوباره به عنوان آهنگساز اپرا در ونیز فعالیت کرد. اوج خلاقیت او در اپرا «تاج گذاری پوپیا» (1642) است. قدرت واقعاً شکسپیر، که با عمق درام متمایز می شود. بیان، مجسمه سازی ماهرانه شخصیت، وضوح و شدت موقعیت های درگیری.

در ونیز، اپرا فراتر از اشراف باریک بود. حلقه خبرگان و تبدیل به یک نمایش عمومی شد. اولین ساختمان عمومی در اینجا در سال 1637 افتتاح شد. اپرا t-r"سان کاسیانو" (در طول سال های 1637-1800 حداقل 16 تی-ترو ساخته شد). دموکراتیک تر. ترکیب مخاطب نیز بر شخصیت آثار تاثیرگذار بود. اسطوره ای موضوع جای خود را به مکان غالب تاریخ داد. داستان هایی با اکشن واقعی چهره ها، درام ها و قهرمانانه آغاز با کمدی و حتی گاهی اوقات به شدت مسخره آمیخته بود. واک ملودی در صحنه‌های تلاوت‌آمیزی ملودی‌تر شد، بخش‌هایی پدید آمد. اپیزودهای از نوع خشمگین این ویژگی‌ها، مشخصه اپراهای متاخر مونته‌وردی، در آثار F. Cavalli، نویسنده 42 اپرا، که در میان آنها اپرای جیسون (1649) بیشترین محبوبیت را کسب کرد، بیشتر توسعه یافت.

اپرا در رم تحت تأثیر کاتولیک هایی که در اینجا تسلط داشتند رنگ آمیزی عجیب و غریب به دست آورد. روندها همراه با عتیقه اساطیری توطئه ها ("مرگ اورفئوس" - "La morte d"Orfeo" اثر S. Landi، 1619؛ "زنجیره آدونیس" - "La Caténa d"Adone" اثر D. Mazzocchi، 1626) اپرا شامل مذهبی بود. مضامین تفسیر شده در مسیح طرح اخلاقی بیشتر یعنی. تولید مدرسه رومی - اپرای "قدیس الکسی" اثر لندی (1632) که با ملودی آن متمایز شد. غنا و درام موسیقی، فراوانی بافت های کر توسعه یافته. قسمت ها اولین نمونه از کتاب های کمیک در رم ظاهر شد. ژانر اپرا: «بگذارید رنجور امیدوار باشد» («Che soffre, speri»، 1639) اثر V. Mazzocchi و M. Marazzoli و «هر ابری دارای پوشش نقره ای است» («Dal male il bene»، 1653) توسط A. M. Abbatini و Marazzoli.

K ser. قرن هفدهم اپرا تقریباً به طور کامل از اصول زیبایی شناسی رنسانس که توسط دوربین فلورانسی حمایت می شد، فاصله گرفت. این را کار M. A. Chesti، مرتبط با مدرسه اپرای ونیزی، نشان می دهد. در نوشته های او درام های آشفته ای وجود دارد. تلاوت با ملودی ملودی ملایم در تقابل قرار می گیرد و نقش واک های گرد افزایش یافته است. اعداد (اغلب به ضرر توجیه دراماتیک عمل). اپرای آنر "سیب طلایی" ("Il porno d"oro"، 1667) که با شکوه در وین به مناسبت عروسی امپراتور لئوپولد اول به صحنه رفت، نمونه اولیه نمایش های دربار تشریفاتی شد که از آن زمان به طور گسترده ای گسترش یافت. در اروپا، «این دیگر یک اپرای صرفاً ایتالیایی نیست، این یک نوع اپرای دادگاه بین‌المللی است».

از آخر قرن هفدهم نقش پیشرو در توسعه ایتالیا اپرا به ناپل رفت. اولین نماینده اصلی مکتب اپرای ناپل، F. Provenzale بود، اما رئیس واقعی آن A. Scarlatti بود. نویسنده تعداد زیادی آثار اپرا(بیش از 100)، او ساختار معمولی ایتالیایی را تایید کرد. سریال اپرا، بدون موجودات حفظ شده است. تا آخر تغییر می کند قرن 18 رئیس مکان در یک اپرا از این نوع متعلق به آریا است، معمولاً یک داکاپو 3 قسمتی. به تلاوت نقش خدماتی داده می شود، اهمیت گروه های کر و گروه به حداقل می رسد. اما ملودیک روشن. هدیه اسکارلاتی، مهارت چند صدایی. نامه ها، بدون شک دراماتیک. غریزه به آهنگساز اجازه می دهد، علیرغم همه محدودیت ها، به تأثیری قوی و چشمگیر دست یابد. اسکارلاتی هم آواز و هم ساز را توسعه داد و غنی کرد. فرم های اپرا او یک ساختار معمولی ایتالیایی ایجاد کرد. یک اورتور اپرایی (یا سمفونی، طبق اصطلاحات پذیرفته شده در آن زمان) با بخش های بیرونی سریع و یک قسمت میانی کند، که نمونه اولیه یک سمفونی به عنوان یک سمفونی مستقل شد. خلاصه کار می کند.

در ارتباط نزدیک با اپرا، یک ژانر غیر مذهبی جدید توسعه یافت. مذهبی دعوی حقوقی - اوراتوریو. برآمده از ادیان خواندن همراه با آواز چند ضلعی. ستایش، او استقلال را به دست آورد. به پایان رسید فرم در آثار G. Carissimi. او در سخنرانی‌هایش که بیشتر در موضوعات کتاب مقدس نوشته شده بود، فرم‌های اپرایی را که تا اواسط ساخته شده بود، غنی کرد. قرن هفدهم، دستاوردهای گروه کر. خلاصه سبک در میان آهنگسازانی که پس از کاریسیمی این سبک را توسعه دادند، A. Stradella برجسته بود (شخصیت او به دلیل زندگی نامه پرماجرا او افسانه ای شد). او عناصر درام را وارد اوراتوریو کرد. آسیب شناسی و شخصیت پردازی تقریباً تمام آهنگسازان مکتب ناپل به ژانر اوراتوریو توجه داشتند ، اگرچه در مقایسه با اپرا ، اوراتوریو در کار آنها جایگاه دوم را اشغال کرد.

یک ژانر مرتبط با اوراتوریو، کانتاتا مجلسی برای یک، گاهی 2 یا 3 صدا با همراهی است. basso continuo. برخلاف اوراتوریو، متون سکولار در آن غالب بود. برجسته ترین استادان این ژانر Carissimi و L. Rossi (از نمایندگان مکتب اپرای رومی) هستند. مانند اوراتوریو، کانتاتا نواخته به معنی است. نقش در توسعه wok فرم هایی که به نمونه اپرای ناپل تبدیل شده اند.

در زمینه موسیقی مذهبی در قرن هفدهم. تحت سلطه میل به عظمت بیرونی و خودنمایی، به دست آمد. arr به دلیل مقادیر اثر اصل چند وجهی که توسط استادان مکتب ونیزی توسعه یافته بود، تبدیل به هذلولی شد. مقیاس در برخی تولیدات تا دوازده 4 گل استفاده شد. گروه های کر گروه کر غول پیکر. ترکیبات با تعداد زیادی تکمیل شد. و گروه های مختلف ساز. این سبک باروک سرسبز به ویژه در رم توسعه یافت و جایگزین سبک سختگیرانه و محدود پالسترینا و پیروانش شد. برجسته ترین نمایندگان مکتب روم متاخر عبارتند از: G. Allegri (نویسنده معروف "Miserere" که توسط گوش W. A. ​​Mozart ضبط شده است)، P. Agostini، A. M. Abbatini، O. Benevoli. در همان زمان، به اصطلاح "سبک کنسرت"، نزدیک به آواز آریو-ریسیتیتیوی ایتالو اولیه. اپراهایی که نمونه ای از آنها کنسرت های معنوی A. Banchieri (1595) و L. Viadana (1602) است. (همانطور که بعداً مشخص شد ویادانا بدون دلیل کافی، اختراع باس دیجیتال را به حساب می آورد.) سی. مونتهوردی، مارکو دا گالیانو، اف. کاوالی، جی. لگرنزی و دیگر آهنگسازان به همین شیوه نوشتند و به کلیسا عناصر موسیقی اپرا یا کانتات مجلسی.

جستجوی فشرده برای فرم ها و ابزارهای جدید موسیقی. بیان، دیکته شده توسط میل به تجسم انسان گرایی غنی و همه کاره. محتوا، انجام شده در زمینه ابزار. موسیقی یکی از بزرگترین اساتید ارگ. و موسیقی کیبورد دوره پیش از باخ G. Frescobaldi، آهنگساز با خلاقیت درخشان بود. فردیت، هنرپیشه ای درخشان در ارگ و هارپسیکورد، که در سرزمین خود و در اروپای دیگر مشهور است. کشورها به سنت آورد. شکل‌های سوارکار، فانتزی، توکاتا، ویژگی‌های بیانی شدید و آزادی احساس، غنی‌شده با ملودیک. و هماهنگ زبان، چند صدایی توسعه یافته است. فاکتور در تولید خود. متبلور کلاسیک نوعی فوگ با روابط تونال مشخص و کامل بودن طرح کلی. خلاقیت فرسکوبالدی اوج ایتالیاست. org دعوی قضایی دستاوردهای نوآورانه او در خود ایتالیا پیروان برجسته ای پیدا نکرد و توسط آهنگسازان کشورهای دیگر ادامه یافت. به زبان ایتالیایی instr. موسیقی از نیمه دوم قرن هفدهم نقش اصلی به سازهای آرشه ای و بالاتر از همه به ویولن منتقل شد. این به دلیل شکوفایی هنرهای نمایشی ویولن و بهبود خود ساز بود. در قرن 17-18. در ایتالیا سلسله‌هایی از سازندگان معروف ویولن پدید آمدند (خانواده‌های آماتی، استرادیواری، گوارنر) که سازهای آنها تا به امروز بی‌نظیر باقی مانده‌اند. هنرپیشه‌های برجسته ویولن، در بیشتر موارد، آهنگسازان بودند، تکنیک‌های جدیدی برای اجرای تکنوازی ویولن تثبیت شد و موسیقی‌های جدید ایجاد شد. فرم ها

در آستانه قرن 16-17. در ونیز، ژانر سونات سه گانه - اثری چند قسمتی - توسعه یافت. برای 2 ساز تکنواز (معمولا یک ویولن، اما می توان آنها را با سازهای دیگر تسیتورای مربوطه جایگزین کرد) و یک باس. 2 گونه از این ژانر وجود داشت (هر دو متعلق به حوزه موسیقی مجلسی سکولار بودند): "سوناتای کلیسا" ("سوناتا دا چیسا") - یک چرخه 4 قسمتی که در آن قسمت های آهسته و سریع متناوب می شوند و "سونات مجلسی". ("سوناتا دوربین")، متشکل از چندین. رقص بازی می کند شخصیت، نزدیک به سوئیت. به ویژه در توسعه بیشتر این ژانرها اهمیت دارد. مکتب بولونی نقشی ایفا کرد و کهکشان درخشانی از استادان هنر ویولن را به نمایش گذاشت. از نمایندگان ارشد آن می توان به M. Caccati، G. Vitali، G. Bassani اشاره کرد. دورانی در تاریخ موسیقی ویولن و گروه مجلسی با آثار A. Corelli (شاگرد باسانی) مشخص شد. دوره بلوغ فعالیت او با رم همراه بود، جایی که او مدرسه خود را ایجاد کرد که با نام هایی مانند P. Locatelli، F. Geminiani، G. Somis معرفی شد. کار کورلی شکل گیری سونات سه گانه را تکمیل کرد. او تحقق را گسترش داد و غنا بخشید. قابلیت های سازهای کمانی او همچنین دارای یک چرخه سونات برای ویولن سولو با اوپ است. هارپسیکورد این ژانر جدید، که در اواخر به وجود آمد قرن هفدهم، پایان یافت. تایید monodich. اصل در instr. موسیقی کورلی، همراه با هم عصر خود G. Torelli، کنسرتو گروسو - مهمترین شکل ساخت موسیقی مجلسی-ارکسترال تا اواسط قرن هجدهم را ایجاد کرد.

K con. 17 - شروع قرن 18 بین المللی افزایش یافته است شکوه و اقتدار I. mn. خارجی نوازندگان برای تکمیل تحصیلات خود و دریافت گواهینامه به ایتالیا هجوم آوردند که به رسمیت شناخته شدن در وطن آنها را تضمین کرد. به عنوان یک معلم، او به ویژه برای یک موسیقیدان با دانش عظیم، آهنگساز، مشهور بود. و نظریه پرداز J.B. Martini (معروف به پدر مارتینی). توصیه او توسط K. V. Gluck، W. A. ​​Mozart، A. Gretry مورد استفاده قرار گرفت. با تشکر از او، فیلارمونیک بولونیا. این آکادمی به یکی از بزرگترین مراکز موسیقی در اروپا تبدیل شده است. آموزش و پرورش

ایتالیایی آهنگسازان قرن 18 اساسی به اپرا توجه شد. فقط تعداد کمی از آنها دور ماندند تئاتر اپرا، که مخاطبان زیادی را از همه اقشار به خود جذب کرد. تولیدات اپرایی این قرن، با حجم عظیم، توسط آهنگسازان مختلف ساخته شد. مقیاس استعداد، که در میان آنها هنرمندان با استعداد زیادی وجود داشت. محبوبیت اپرا توسط سطح بالا vok.-اجرا کردن. فرهنگ خواننده ها در حال آماده شدن بودند. arr در هنرستان ها - یتیم خانه هایی که در قرن شانزدهم بوجود آمدند. در ناپل و ونیز - مراکز اصلی ایتالیا. زندگی اپرا در قرن 18 در آنجا 4 هنرستان وجود داشت که در آنها موسیقی آموز وجود داشت. آموزش توسط آهنگسازان بزرگ رهبری می شد. خواننده و آهنگساز F. Pistocchi یک شرکت ویژه در بولونیا (حدود 1700) تأسیس کرد. خواننده مدرسه واک برجسته معلم N. Porpora، یکی از پرکارترین آهنگسازان اپرا در مکتب ناپل بود. از جمله استادان مشهور هنر بل کانتو در قرن هجدهم. - مجریان شوهران اصلی. A. Bernacchi، Caffarelli، F. Bernardi (با نام مستعار Senesino)، Farinelli، G. Crescentini، خوانندگان کاستراتی، که دارای مهارت های آوازی فاخر بودند، در سریال اپرا نقش هایی را ایفا کردند. تکنیک ترکیب شده با صدای ملایم و سبک. خوانندگان F. Bordoni، F. Cuzzoni، C. Gabrielli، V. Tesi.

ایتالیایی اپرا از امتیازاتی برخوردار بود. وضعیت در بیشتر اروپا سرمایه ها او جذب خواهد شد. قدرت نیز در این واقعیت آشکار شد که بسیاری آهنگسازان کشورهای دیگر اپراهایی را به زبان ایتالیایی خلق کردند. متون در روح و سنت های مکتب ناپل. D. Perez و D. Terradellas اسپانیایی، I. A. Hasse آلمانی و J. Myslivecek چک به آن پیوستند. یعنی در راستای همان مکتب جریان داشته است. بخشی از فعالیت های G. F. Handel و K. W. Gluck. برای ایتالیایی صحنه های اپرا توسط روس ها نوشته شده است. آهنگسازان - M. S. Berezovsky، P. A. Skokov، D. S. Bortnyansky.

با این حال، در زمان حیات رئیس مدرسه اپرای ناپل، A. Scarlatti، خالق سریال اپرا، ویژگی های هنری ذاتی آن آشکار شد. تناقضاتی که دلیلی برای انتقاد شدید بود. صحبت کردن علیه او در آغاز دهه 20 قرن 18 یک طنزپرداز ظاهر شد جزوه موسیقی نظریه پرداز B. Marcello، که در آن قراردادهای پوچ کتابداران اپرا و تحقیر آهنگسازان نمایشنامه مورد تمسخر قرار گرفت. معنی عمل، جهل مغرور پریمادونا و خوانندگان کاستراتی. برای فقدان اخلاق عمیق محتوا و سوء استفاده از جلوه های خارجی نقد مدرن. من اپرای ایتالیا آموزگار F. Algarotti در "مقاله ای در مورد اپرا" ("Saggio sopra l"opera in musica..."، 1754) و دایره المعارف E. Arteaga در اثر خود "انقلاب تئاتر موسیقی ایتالیا" ("Le rivoluzioni del teatro") musicale italiano dalla sua origine fino al presente»، ج 1-3، 1783-1786).

شاعران لیبرتیست A. Zeno و P. Metastasio ساختار پایدار تاریخی و اساطیری را توسعه دادند. سریال اپرا، که در آن ماهیت درام ها به شدت تنظیم شده بود. دسیسه، تعداد و روابط شخصیت ها، انواع کارهای انفرادی. اعداد و مکان آنها روی صحنه اقدام آنها با پیروی از قوانین درام کلاسیک به اپرا وحدت و هماهنگی ترکیب دادند و آن را از سردرگمی تراژدی رها کردند. عناصر با کمدی و مسخره. در عین حال، متون اپرایی این نمایشنامه نویسان دارای ویژگی های اشرافی است. شجاعت، با زبانی مصنوعی، منصفانه و دقیق نوشته شده است. Opera Seria، اسپانیایی زمان برش اغلب مصادف با ظهور بود. جشن ها، باید با یک پایان موفقیت آمیز اجباری به پایان می رسید، احساسات قهرمانان آن مشروط و غیر قابل قبول بود.

در اواسط قرن 18 تمایلی به غلبه بر کلیشه های تثبیت شده سریال های اپرا و ارتباط نزدیک تر بین موسیقی و نمایش وجود داشته است. اقدام این منجر به افزایش نقش تلاوت همراه و غنی‌سازی اورک شد. رنگ ها، گسترش و دراماتیزه شدن گروه کر. صحنه ها این گرایش‌های نوآورانه در کارهای N. Jommelli و T. Traetta که تا حدی اصلاحات اپرایی گلوک را آماده کردند، واضح‌ترین بیان را دریافت کرد. در اپرای "Iphigenia in Tauris"، به گفته جی. آبرت، تراتا موفق شد "تا دروازه های درام موسیقی گلوک پیشروی کند." به اصطلاح آهنگسازان نیز همین مسیر را طی کردند. "مکتب جدید ناپل" G. Sarti، P. Guglielmi و دیگران A. Sacchini و A. Salieri از طرفداران و پیروان سرسخت اصلاحات گلوک بودند.

قوی ترین اپوزیسیون مشروط قهرمانانه است. Opera Seria توسط یک دموکراتیک جدید گردآوری شد ژانر اپرا بوفا. در 17 و شروع قرن 18 طنز اپرا تنها با نمونه های مجزا نشان داده شد. چگونه مستقل هستند. این ژانر با استادان ارشد مکتب ناپل، L. Vinci و L. Leo شروع به شکل گیری کرد. اولین کلاسیک. نمونه‌ای از بوفای اپرا، «خدمت- معشوقه» پرگولسی است (در ابتدا به عنوان میان‌آهنگی بین نمایش‌های اپرای او «اسیر مغرور»، 1733 استفاده شد). واقع گرایی تصاویر، سرزندگی و تند بودن موسیقی. ویژگی ها به محبوبیت گسترده G.B Pergolesi کمک کرد. کشورهایی، به ویژه در فرانسه، جایی که پست او در آن قرار دارد. در سال 1752 به عنوان انگیزه ای برای ظهور یک زیبایی شناسی شدید عمل کرد. مناقشه (نگاه کنید به " جنگ بوفون ها") و به شکل گیری اپرای کمیک نوع ملی فرانسه کمک کرد.

بدون قطع ارتباط با مردم. ریشه، ایتالیایی اپرا بوفا بعدها فرم های توسعه یافته تری را توسعه داد. برخلاف سریال اپرا، آواز تکنوازی غالب بود. شروع، در کمیک گروه ها در اپرا بسیار مهم شده اند. پیشرفته ترین گروه ها در فینال های پر جنب و جوش و به سرعت در حال گسترش قرار گرفتند که نوعی گره از فتنه های کمدی بود. N. Logroshino را خالق این نوع از گروه های نهایی موثر می دانند. سی. گولدونی، ایتالیایی بزرگ، تأثیر ثمربخشی بر توسعه اپرا بوفا داشت. کمدین قرن هجدهم که ایده هایی را در آثار خود منعکس می کرد واقع گرایی آموزشی. او نویسنده تعدادی از کتابداران اپرا بود که اکثر آنها دارای موسیقی نوشته یکی از اساتید برجسته ایتالیایی بودند. طنز اپراهای ونیزی B. Galuppi. در دهه 60 قرن 18 در اپرا بوفا تمایلات احساسات گرا ظاهر می شود (برای مثال، اپرای N. Piccinni بر اساس متن گلدونی "Cecchina، یا دختر خوب"، 1760، رم). اپرا بوفا به نوعی از «درام فیلیستی» یا «کمدی اشک‌آلود» نزدیک می‌شود که منعکس‌کننده اخلاق بود. آرمان های حکومت سوم در آستانه فرانسه بزرگ. انقلاب

کار N. Piccinni، G. Paisiello و D. Cimarosa آخرین و بالاترین مرحله در توسعه اپرا بوفا در قرن 18 است. تولیدات آنها عناصر کمدی را با حساسیت ها ترکیب می کند. رقت انگیز، آهنگین غنا با انواع فرم ها، سرزندگی، ظرافت و تحرک موسیقی در کارنامه اپرا حفظ شده است. این آهنگسازان از بسیاری جهات به موتسارت نزدیک شدند و کار یکی از بزرگترین ایتالیایی ها را آماده کردند. آهنگسازان اپرا قرن بعد جی. روسینی. برخی از ویژگی های اپرا بوفا توسط سریال های اپرا بعدی پذیرفته شد که منجر به انعطاف پذیری بیشتر فرم های آن، سادگی و خودانگیختگی ملودی ها شد. عبارات

به معنی. این کمک توسط ایتالیایی انجام شد. آهنگسازان قرن 18 در توسعه مختلف ژانرهای ساز موسیقی در زمینه ساخت ویولن بزرگترین استاد بعد از کورلی جی تارتینی بود. او به پیروی از پیشینیان خود به پرورش ژانرهای سونات ویولن سولو و سونات سه گانه ادامه داد، آنها را با بیان روشن جدید پر کرد، تکنیک های اجرای ویولن را غنی کرد و دامنه معمول صدای آن را در آن زمان گسترش داد. تارتینی مدرسه خود را به نام پادوآ (به نام شهر پادوآ که بیشتر عمر خود را در آنجا گذراند) ایجاد کرد. شاگردان او P. Nardini، P. Alberghi، D. Ferrari بودند. در نیمه دوم. قرن 18 استادانه باز شد و اجرا شد. و خلاق فعالیت های G. Pugnani، بزرگترین ایتالیایی. نوازنده ویولن کلاسیک دوران در میان بسیاری از آن. دانش‌آموزان، J.B. Viotti به ویژه مشهور شد، که در آثار او گاهی حس رمانتیسم وجود دارد. روندها

در ژانر اورک. کنسرتو گروسو به عنوان جسور و اصلی. هنرمند مبتکر A. Vivaldi بود. او این فرم را همراه با پویا دراماتیزه کرد. متضاد بزرگ و گروه های کوچکسازها (توتی و کنسرتینو) موضوعی. تضادهای درون بخش قطعات، ساختار 3 قسمتی چرخه را ایجاد کرد که در کلاسیک حفظ شده است. instr. کنسرت (کنسرتوهای ویولن ویوالدی توسط جی. اس. باخ بسیار ارزشمند بود که برخی از آنها را برای کلاویر و همچنین برای ارگ تنظیم کرد.)

در سونات های سه گانه G.B Pergolesi ویژگی های پیش کلاسیک قابل توجه است. سبک "گالانت". بافت سبک و شفاف آنها تقریباً کاملاً همفونیک است ، ملودی با ملودی و لطافت ملایم متمایز می شود. یکی از آهنگسازانی که مستقیماً شکوفایی موسیقی کلاسیک را آماده کرد. instr. موسیقی، G. Sammartini (نویسنده 78 سمفونی، بسیاری از سونات ها و کنسرتوها برای سازهای مختلف)، که ماهیت خلاقیت او نزدیک به نمایندگان مانهایم و مدارس اولیه وین بود. L. Boccherini در آثار خود عناصر حساسیت شجاعانه را با پیش رمانتیسم ترکیب کرد. هیجان زده از رقت و نزدیکی به مردم. منابع متوجه خواهند شد. نوازنده ویولن سل، او ادبیات سلو را غنی کرد، یکی از خالقان کلاسیک بود. نوع کوارتت کمان

هنرمند زنده و خلاق است. فانتزی، D. Scarlatti ساختار فیگوراتیو و ابزار بیان موسیقی کلاویه را گسترش داد و به روز کرد. سونات های او برای هارپسیکورد (نویسنده آنها را "تمرین" نامیده است - "Essercizi per gravicembalo")، که از نظر تنوع شخصیت و تکنیک های ارائه آنها قابل توجه است، نوعی دایره المعارف هنر کلاویه آن دوران است. در سونات های واضح و مختصر اسکارلاتی، مضامین موضوعی تیزتر شده است. تضادها به وضوح تعریف شده است. بخش هایی از نمایشگاه سونات پس از اسکارلاتی، سونات کیبورد در آثار B. Galuppi، D. Alberti (که نام او با تعریف باس های آلبرتی همراه است)، G. Rutini، P. Paradisi، D. Cimarosa توسعه یافت. M. Clementi با تسلط بر جنبه های خاصی از شیوه D. Scarlatti (که به ویژه در خلق 12 سونات "به سبک اسکارلاتی" بیان شد)، سپس به استادان موسیقی کلاسیک توسعه یافته نزدیک شد. سبک، و گاهی اوقات به ریشه های رمانتیک می رسد. فضیلت

دوره جدیدی در تاریخ ساخت ویولن توسط N. Paganini آغاز شد. به عنوان یک نوازنده و آهنگساز، او یک هنرمند معمولی رمانتیک بود. انبار نوازندگی او با ترکیبی از فضیلت عظیم با تخیل و شور آتشین تأثیر مقاومت ناپذیری برجای گذاشت. منگنز تولید پاگانینی ("24 کاپریس" برای ویولن سولو، کنسرتو برای ویولن و ارکستر، و غیره) هنوز هم نمونه‌های بی‌نظیر ادبیات ویولن برتر هستند. آنها نه تنها بر تمام توسعه های بعدی تأثیر گذاشتند موسیقی ویولندر قرن 19، بلکه در مورد کار بزرگترین نمایندگان رمانتیسم. پیانیسم - F. Chopin, R. Schumann, F. List.

پاگانینی آخرین نفر از بزرگان ایتالیایی بود. استادانی که در زمینه ابزار کار می کنند. موسیقی در قرن 19 توجه آهنگسازان و عموم مردم تقریباً به طور کامل معطوف اپرا بود. در آستانه قرن 18-19. اپرا در ایتالیا دوره ای از رکود شناخته شده را می گذراند. سنتی انواع اپرا سریال و اپرا بوفا تا آن زمان توانایی های خود را تمام کرده بودند و نمی توانستند توسعه پیدا کنند. خلاقیت بزرگترین ایتالیایی. آهنگساز اپرا در این زمان G. Spontini در خارج از ایتالیا (در فرانسه و آلمان) اجرا می شود. تلاش‌های اس. مایر (آلمانی از نظر ملیت) برای حمایت از سنت‌های سریال اپرا (با پیوند برخی عناصر وام‌گرفته) التقاطی بود. F. Paer، که به سمت اپرا بوفا گرایش داشت، در مقایسه با آثار Paisiello و Cimarosa، هیچ چیز تازه‌ای به این ژانر ارائه نکرد. (در تاریخ موسیقی، نام پائر به عنوان نویسنده اپرای بر اساس متن جی. بویلی "لئونورا، یا عشق زناشویی" که منبعی برای کتاب بود، حفظ شده است. "فیدلیو" اثر بتهوون. .)

شکوفایی بالای ایتالیا اپرا در قرن 19 با فعالیت های جی. روسینی، آهنگساز با استعداد ملودیسیستی پایان ناپذیر همراه بود. نبوغ، سرزنده، خلق و خوی سرزنده و دراماتورژی غیرقابل انکار. غریزه آثار او منعکس کننده ظهور کلی ایتالیا بود. فرهنگ ناشی از رشد میهن پرستی. رهایی ملی آرزوها مردم عمیقا دموکراتیک. با توجه به خاستگاه آن، کار اپرایی روسینی مورد خطاب قرار گرفت به یک دایره وسیعشنوندگان ملی را زنده کرد نوع اپرا بوفا و جان تازه ای در آن دمید و ویژگی های اکشن را تیزتر و عمیق تر کرد. افراد، آنها را به واقعیت نزدیکتر می کند. او " آرایشگر سویا"(1816) - اوج اپرای کمیک ایتالیایی. روسینی اصل کمدی را با طنز ترکیب می کند؛ کتابداران برخی از اپراهای او اشاراتی مستقیم به وضعیت اجتماعی و سیاسی آن زمان دارند. او بر کلیشه های منجمد سریال اپرا غلبه کرد، به ویژه، اهمیت خاصی به آغاز صحنه های روایی داد. آخرین اپراروسینی "ویلیام تل" (1829) در مورد آزادی ملی. طرح به شیوه ای عاشقانه تفسیر شده است. برنامه ریزی کنید.

رمانتیسم بیان روشنی پیدا می کند. روند در کار V. Bellini و G. Donizetti، که فعالیت های آنها در دهه 30 آغاز شد. قرن 19، زمانی که جنبش ملی رنسانس (Risorgimento) در ایتالیا وارد مرحله تعیین کننده ای از مبارزه برای اتحاد و سیاسی شد. استقلال کشور در اپرای بلینی «نورما» (1831) و «پوریتان ها» (1835)، رهایی ملی به وضوح شنیده می شود. انگیزه ها، اگرچه تاکید اصلی توسط آهنگساز بر درام شخصی شخصیت ها بود. بلینی استاد بیان بود. عاشقانه cantilena، که تحسین M. I. Glinka و F. Chopin را برانگیخت. دونیزتی میل به درام های قوی دارد. اثرات و موقعیت های حاد گاهی اوقات منجر به ملودرام خفه می شود. بنابراین، رمانتیسم بزرگ او. اپراها ("Lucretia Borgia"، به گفته V. Hugo، 1833، "Luciadi Lammermoor"، به گفته V. Scott، 1835) کمتر از تولید عمل کرد. ژانر کمدی(«اکسیر عشق»، 1832؛ «دون پاسکواله»، 1843)، که در آن روایات. نوع ایتالیایی اپرا بوفا ویژگی های جدیدی به دست آورد: اهمیت پس زمینه ژانر افزایش یافت، ملودی با آهنگ های عاشقانه و آهنگ روزمره غنی شد.

کار J. S. Mercadante، G. Pacini و برخی دیگر از آهنگسازان همان دوره به طور مستقل تفاوتی نداشت. ویژگی های فردی، اما منعکس شده است روند کلیبه دراماتیزه کردن فرم اپرایی و غنی سازی بیان موسیقی. وجوه در این زمینه مستقیم بودند. پیشینیان G. Verdi - یکی از بزرگترین نمایشنامه نویسان اپرا نه تنها در ایتالیا، بلکه در موسیقی جهان. t-ra.

اپرای اولیه وردی که در دهه 40 روی صحنه ظاهر شد. قرن نوزدهم که هنوز از نظر سبکی کاملاً مستقل نبود («نابوکو»، «لمباردها در اولین جنگ صلیبی»، «ارنانی»)، با میهن پرستی خود شور و شوق شدید مخاطبان را برانگیخت. رقت انگیز، عاشقانه شور احساسات، روحیه قهرمانی و عشق به آزادی. در تولید دهه 50 ("Rigoletto"، "Il Trovatore"، "La Traviata") او به نتایج روانی بزرگی دست یافت. عمق تصاویر، قدرت و حقیقت تجسم تضادهای ذهنی حاد و شدید. واک نوشته وردی از فضیلت بیرونی، تزیینات گذرگاه رها شده و به عنصری ارگانیک ملودیک تبدیل شده است. خط، اکتسابی بیان خواهد کرد. معنی در اپراهای دهه 60-70. ("دون کارلوس"، "آیدا") او تلاش می کند تا لایه های گسترده ای از درام را بیشتر شناسایی کند. اقدامات در موسیقی، تقویت نقش ارکستر، غنی سازی موسیقی ها. زبان وردی در یکی از آخرین اپرای خود، "اتللو" (1886) به این نتیجه رسید. موسیقی درام هایی که در آن موسیقی به طور جدایی ناپذیری با کنش پیوند خورده است و همه جنبه های روانی آن را به طور انعطاف پذیر منتقل می کند. سایه ها

پیروان وردی، از جمله. A. Ponchielli، نویسنده اپرای محبوب La Gioconda (1876)، نتوانست اصول اپرایی خود را با موجودات جدید غنی کند. دستاوردها در همان زمان، کار وردی با مخالفت طرفداران موسیقی-درام واگنری مواجه شد. اصلاحات با این حال، واگنریسم در ایتالیا ریشه عمیقی نداشت. و اورک نامه ها گرایش‌های واگنری در اپرای «مفیستوفل» اثر بوئیتو (1868) منعکس شد، که متعاقباً از افراط‌های علاقه‌اش به واگنر فاصله گرفت.

در کنار. قرن 19 گسترده استوریسم را در ایتالیا دریافت کرد. موفقیت عظیم اپراهای ماسکانی "Honor Rusticana" (1890) و "Pagliacci" اثر لئونکاوالو (1892) به تثبیت این جنبش به عنوان غالب در ایتالیا کمک کرد. خلاقیت اپرا وریسم توسط یو. جیوردانو (از جمله آثار او معروفترین اپرای آندره چنیر، 1896) و اف. سیلیا حمایت شد.

کار بزرگترین ایتالیایی نیز با این روند مرتبط بود. آهنگساز اپرا پس از وردی - جی. پوچینی. تولید کننده او معمولا اختصاص داده شده است درام مردم عادی که در برابر پس زمینه رنگارنگ روزمره نمایش داده می شود. در عین حال، اپراهای پوچینی از طبیعت طبیعت گرایانه نهفته در ویریسم فارغ هستند. ویژگی ها، آنها با ظرافت روانشناختی بیشتر متمایز می شوند. تحلیل، غزلیات روح انگیز و ظرافت نوشتار. وفادار به بهترین سنت های ایتالیایی. bel canto، پوچینی تلاوت را تیز کرد. بیانگر بودن ووک ملودی ها، برای بازتولید دقیق تری از تفاوت های ظریف گفتار در آواز تلاش کردند. رنگارنگ هماهنگ و اورک زبان اپراهای او حاوی عناصر خاصی از امپرسیونیسم است. در اولین تولیدات بالغ خود. ("La Bohème"، 1896؛ "Tosca"، 1900) پوچینی همچنین با ایتالیا مرتبط است. سنت اپرا در قرن 19، بعدها سبک او پیچیده تر شد، ابزار بیان او وضوح و تمرکز بیشتری پیدا کرد. یک پدیده عجیب در ایتالیا. هنر اپرا - کار E. Wolf-Ferrari که سعی کرد کلاسیک را مدرن کند. نوع اپرا بوفا، ترکیب سنت های آن. فرم هایی با سبک با استفاده از ابزار رمانتیسم متأخر («زنان کنجکاو»، 1903؛ «چهار ستمگر»، 1906، بر اساس داستان های گلدونی). ر. زندونایی، عمدتاً در مسیر وریسم، به برخی از موزهای جدید نزدیک شد. جریان های قرن بیستم

دستاوردهای بالا در ایتالیا اپرا در 19 - اوایل قرن 20 با شکوفایی درخشان نوازندگان آواز همراه بود. فرهنگ سنت های ایتالیایی بل کانتو، که در قرن 19 توسعه یافت، در هنر چندین مورد توسعه یافت. نسل خوانندگانی که از شهرت جهانی برخوردار بودند. در عین حال، اجرای آنها ویژگی های جدیدی را به دست می آورد و غنایی تر و به طرز چشمگیری بیان می شود. آخرین نماینده برجسته یک سبک صرفاً فاخر که درام را قربانی کرد. محتوا برای زیبایی صدا و فنی بودن. تحرک صدا، A. Catalani بود. از جمله استادان ایتالیایی است. واک مدارس نیمه اول قرن 19، بر اساس کارهای اپرایی روسینی، بلینی و دونیزتی - خوانندگان جودیتا و جولیا گریسی، جی. پاستا، خوانندگان G. Mario، G. B. Rubini شکل گرفت. در نیمه دوم. قرن 19 کهکشانی از خوانندگان "وردی" در حال ظهور است، از جمله خوانندگان A. Bosio، B. و C. Marchisio، A. Patti، خوانندگان M. Battistini، A. Masini، G. Anselmi، F. Tamagno، E. Tamberlik و دیگران. در قرن بیستم. افتخار برای ایتالیا اپرا توسط خوانندگان A. Barbi، G. Bellincioni، A. Galli-Curci، T. Dal Monte، E. و L. Tetrazzini، خوانندگان G. De Luca، B. Gigli، E. Caruso، T. Skipa، حمایت شد. تیتا روفو و غیره

از آخر قرن 19 اهمیت اپرا در خلاقیت ایتالیایی آهنگسازان در حال تضعیف است و تمایل به انتقال مرکز توجه به حوزه ساز وجود دارد. ژانرها احیای خلاقیت فعال. علاقه به ابزار موسیقی با فعالیت های G. Sgambati (در اروپا به عنوان نوازنده پیانو و رهبر ارکستر شناخته شد) و G. Martucci ترویج شد. اما کار هر دو آهنگساز که تحت تأثیر اف. لیست و آر. واگنر توسعه یافت، به اندازه کافی مستقل نبود.

به عنوان منادی زیبایی شناسی جدید. ایده ها و اصول سبکی تأثیر زیادی در توسعه کل اروپا دارد. موسیقی قرن بیستم ارائه شده توسط F. Busoni - یکی از بزرگترین پیانیست هادر زمان خود، آهنگساز و نظریه پرداز بزرگ هنر بود. او مفهوم «کلاسیک گرایی جدید» را مطرح کرد که از یک سو آن را با امپرسیونیسم مقایسه کرد. سیال بودن تصاویر، گریزان بودن سایه ها، از سوی دیگر، «آنارشی» و «خودسری» آتونالیسم شوئنبرگ. خلاقیت شما بوسونی این اصول را در آثاری مانند «فانتزی متضاد» (1921)، «بداهه‌نویسی در موضوع گروه کرال باخ» در 2 فریم در صفحه اجرا کرد. (1916)، و همچنین اپراهای "Harlequin, or Window"، "Turandot" (هر دو پس از 1917)، که در آن او ووک توسعه یافته را رها کرد. سبک ایتالیایی هاشون پیشینیان و در پی نزدیک شدن به نوع مردم باستان بودند. کمدی یا مسخره

خلاقیت ایتالیایی در راستای نئوکلاسیک توسعه یافت. آهنگسازان، گاهی اوقات تحت نام متحد می شوند. "گروه های دهه 1880" - I. Pizzetti، J. F. Malipiero، A. Casella. آنها به دنبال احیای سنت های ملی بزرگ بودند. موسیقی گذشته، روی آوردن به فرم ها و سبک شناسی. تکنیک های ایتالیایی آواز باروک و ملودیک گریگوری. مروج و محقق موسیقی اولیه، انتشارات مالیپیرو. مجموعه آثار C. Monteverdi, instr. تولید الف. ویوالدی و میراث فراموش شده بسیاری. ایتالیایی آهنگسازان قرن 17-18. او در کار خود از فرم‌های سونات باستانی باروک، ماشین سواری و غیره استفاده می‌کند. اپراهای او، اصلی. در اکسپرس واک دکلاماسیون و بخیل وسایل ارک. منعکس کننده آنچه در دهه 20 بود. واکنش در برابر دین گرایی گرایش‌های نئوکلاسیک آثار کازلا در «پارتیتا» برای fp خود را نشان داد. با ارکستر (1925)، سوئیت "Scarlattiana" (1926)، برخی از تئاتر موسیقی. تولید (به عنوان مثال، اپرای مجلسی "داستان اورفئوس"، 1932). در همان زمان به ایتالیایی روی آورد. فولکلور (راپسودی برای ارکستر "ایتالیا"، 1909). اورک رنگارنگش این نامه تا حد زیادی تحت تأثیر روسیه توسعه یافت. و فرانسوی مدارس (ادای احترام به اشتیاق به موسیقی روسی، ارکستراسیون "اسلامی" بالاکیرف بود). پیزتی عناصر مذهبی و اخلاقی را در اپراهای خود وارد کرد و الهه‌ها را اشباع کرد. زبانی با آهنگ های آواز گریگوری، بدون اینکه در عین حال سنت های ایتالو را بشکند. مدرسه اپرا قرن نوزدهم چندین مکان ویژهاین گروه از آهنگسازان شامل آثار O. Respighi، استاد اورک است. ضبط صدا (شکل گیری خلاقیت او تحت تأثیر کلاس های N. A. Rimsky-Korsakov بود). در سمفونی اشعار رسپیگی ("چشمه های رومی"، 1916؛ "کانه های روم"، 1924) تصاویر واضحی از مردم ارائه می دهد. زندگی و طبیعت گرایش های نئوکلاسیک تنها تا حدی در آثار بعدی او منعکس شد. نقش برجستهدر نیمه اول قرن 20 با بازی F. Alfano، برجسته ترین نمایندهکارگردانی وریستیک (اپرا "رستاخیز" بر اساس رمان ال. ان. تولستوی، 1904)، که سپس به امپرسیونیسم تکامل یافت. M. Castelnuovo-Tedesco و V. Rieti که در آغاز. جنگ جهانی دوم 1939-1945 به روایت سیاسی. دلایل وطن خود را ترک کردند و در ایالات متحده ساکن شدند.

در آستانه دهه 40. قرن 20 تغییرات سبک قابل توجهی در I. m رخ می دهد. روندهای نئوکلاسیک جای خود را به جنبش هایی می دهند که به شکلی اصول مکتب جدید وین را توسعه می دهند. خلاقیت خلاق در این زمینه نشان دهنده است. تکامل G. Petrassi، که با تجربه تأثیر A. Casella و I. F. Stravinsky، ابتدا به موقعیت اتونالیته آزاد و سپس به دوازده صدایی سخت رفت. بزرگترین آهنگساز این دوره I.M، L. Dallapiccola است که آثار او پس از جنگ جهانی دوم توجه زیادی را به خود جلب کرد. در تولید خود. دهه 40 و 50 ویژگی های اکسپرسیونیسم و ​​خویشاوندی ظاهر می شود. خلاقیت A. Berg. بهترین آنها تجسم انسانگرایی است. اعتراض علیه استبداد و ظلم (سه‌گانه کرال "آوازهای زندانیان"، 1938-1941؛ اپرای "زندانی"، 1944-48)، که به آنها جهت گیری ضد فاشیستی خاصی داد.

در میان آهنگسازان نسل جوان که پس از جنگ جهانی دوم ظهور کردند، L. Berio، S. Bussotti، F. Donatoni، N. Castiglioni، B. Maderna، R. Malipiero و دیگران مشهور شدند. جریان های آوانگاردیسم - سریال گرایی پسا وبری، سونوریسم (نگاه کنید به. موسیقی سریال , سونوریسم) aleatorics، و ادای احترام به جستجوی رسمی برای ابزارهای صوتی جدید است. پایگاه بریو و مادرنا. در سال 1954 در میلان "استودیوی آواشناسی" که آزمایشاتی را در زمینه موسیقی الکترونیک انجام داد. در عین حال، برخی از این آهنگسازان در تلاش برای ترکیب به اصطلاح. ابزار جدید بیان برای موسیقی. آوانگارد با فرم های ژانرو تکنیک های موسیقی قرن 16-17.

جایگاه ویژه در دوران مدرن. I. m متعلق به آهنگساز کمونیست و مبارز فعال برای صلح L. Nono. او در کار خود به مهم‌ترین مسائل زمان ما می‌پردازد و سعی می‌کند ایده‌های بین‌المللی را تجسم بخشد. برادری و همبستگی کارگران، اعتراض به امپریالیسم. ظلم و تجاوز. اما ابزار هنر آوانگارد، که نونو از آنها استفاده می‌کند، اغلب با میل او به بی‌واسطگی در تضاد است. تبلیغات تأثیر بر توده های وسیع شنوندگان.

جدای از گرایش های آوانگارد، G.C Menotti - ایتالیایی است. آهنگساز ساکن و کار در آمریکا. در آثار او که عمدتاً با اپرا مرتبط است، عناصر ویریسم رنگ آمیزی اکسپرسیونیستی خاصی به دست می آورند، در حالی که جستجو برای لحن گفتار صادقانه او را به نزدیکی نسبی با M. P. Mussorgsky می رساند.

در موسیقی زندگی در ایتالیا نقش مهمبه نواختن اپرا t-r ادامه می دهد. یکی از شرکت های برجسته اپرا در جهان La Scala در میلان است که از سال 1778 وجود داشته است. قدیمی ترین خانه های اپرا در ایتالیا نیز شامل سن کارلو در ناپل (تاسیس در 1737)، فنیس در ونیز (تاسیس در 1792) است. هنر بزرگ تئاتر اپرای رومی اهمیت پیدا کرد (در سال 1880 با نام تئاتر کوستانزی افتتاح شد؛ از سال 1946 - اپرای رومی). در میان برجسته ترین مدرن ایتالیایی هنرمندان اپرا - خوانندگان G. Simionato، R. Scotto، A. Stella، R. Tebaldi، M. Freni. خوانندگان G. Becky، T. Gobbi، M. Del Monaco، F. Corelli، G. Di Stefano.

تأثیر زیادی در توسعه اپرا و سمفونی. فرهنگ در ایتالیا تحت تأثیر فعالیت های A. Toscanini، یکی از بزرگترین رهبران ارکستر قرن بیستم بود. نمایندگان برجسته اجرای موسیقی هنرمندان ارکستر P. Argento، V. De Sabata، G. Cantelli، T. Serafin، R. Fasano، V. Ferrero، C. Zecchi; پیانیست A. Benedetti Michelangel; ویولن J. DeVito; نوازنده ویولن سل E. Mainardi.

از ابتدا قرن 20 تحقیقات موسیقی در ایتالیا توسعه زیادی یافته است. و انتقادی فکر کرد. به معنی. کمک به مطالعه موسیقی میراث توسط موسیقی شناسان G. Barblan (رئیس انجمن موسیقی شناسی ایتالیا)، A. Bonaventura، G. M. Gatti، A. Della Corte، G. Pannain، G. Radiciotti، L. Torchi، F. Torrefranca و دیگران ارائه شد. زفرد و م. میلا به طور برجسته کار می کنند. در زمینه موسیقی منتقدان تعدادی از موزها در ایتالیا منتشر شده است. مجلات، از جمله "Rivista Musicale italiana" (تورین، میلان، 1894-1932، 1936-1943، 1946-)، "Musica d"oggi" (میلان، 1919-40، 1958-)، "La Rassegna Musicale" (تورین، 1928-1928) رم، 1941-1943، 1947-62)، "Bolletino Bibliografico Musicale" (میلان، 1926-33، 1952-)، "Il Convegno Musicale" (تورین، 1964-) و غیره.

تعدادی دایره المعارف منتشر شده است که به. موسیقی و t-ru، از جمله. "Enciclopedia della musica" (v. 1-4, Mil., 1963-64)، "Enciclopedia dello spettacolo" (v. 1-9, Roma, 1954-1962).

از جمله خاص موسیقی اوه بزرگترین موسسات کنسرواتوارها هستند: "سانتا سیسیلیا" در رم (تاسیس در سال 1876 به عنوان یک لیسیوم موسیقی، از سال 1919 - یک هنرستان). نام G. B. Martini در بولونیا (از سال 1942؛ در سال 1804 به عنوان یک لیسیوم موسیقی تأسیس شد، از سال 1914 وضعیت هنرستان را دریافت کرد). آنها Benedetto Marcello در ونیز (از سال 1940، در سال 1877 به عنوان یک لیسی موسیقی تاسیس شد، از سال 1916 برابر با دبیرستان) میلانسکایا (تاسیس در 1808، در 1901 به نام G. Verdi)؛ آنها L. Cherubini در فلورانس (در سال 1849 به عنوان یک موسسه موسیقی، سپس یک مدرسه موسیقی، آکادمی موسیقی، و از 1912 - یک هنرستان تاسیس شد). پروفسور نوازندگان نیز توسط مؤسسه‌های تاریخ موسیقی دانشگاه‌ها، مؤسسه موسیقی مقدس پاپی آمبروسیان و غیره در این مدارس آموزش می‌بینند. مؤسسات، و همچنین در مؤسسه برای مطالعه میراث وردی، موسیقی شناسی انجام می شود. شغل انترناسیونال در ونیز تأسیس شد. مرکز تبلیغات ایتالیا موسیقی، که سالانه دوره های تابستانی ("تعطیلات موسیقی") را در مورد مطالعه ایتالیایی باستان برگزار می کند. موسیقی کتابخانه Ambrosian و کتابخانه کنسرواتوار میلان دارای مجموعه گسترده ای از نت ها و کتاب های موسیقی هستند. مخازن سازهای باستانی، نت‌های موسیقی و کتاب‌ها به طور گسترده شناخته شده‌اند (در کتابخانه آکادمی فیلارمونیک بولونیا، در کتابخانه G.B. Martini و در آرشیو کلیسای کوچک سان پترونیو در بولونیا متمرکز شده‌اند). غنی ترین مواد در تاریخ ایتالیا. موسیقی ملی دارند. کتابخانه مارسیانا، کتابخانه بنیاد دی سینی و موزه موسیقی. سازها در کنسرواتوار ونیز.

در ایتالیا تعداد زیادی وجود دارد. موسیقی سازماندهی و اجرا تیم ها سمفونی های منظم کنسرت ها توسط: ارکسترهای La Scala و Fenice، National برگزار می شود. آکادمی "سانتا سیسیلیا" ایتالیا. رادیو و تلویزیون در رم، ارکستر انجمن "نواختن موسیقی بعد از ظهر" ("Rommerigi musicali") که عمدتاً اجرا می کند. از اسپانیایی مدرن موسیقی، ارکسترهای مجلسی "Angelicum" و "Virtuosi of Rome"، انجمن "Ambrosian Polyphony" که موسیقی قرون وسطی، رنسانس و باروک را ترویج می کند، و همچنین ارکستر تئاتر بولونیا "Comunale"، Bolognese. ارکستر مجلسیو گروه های دیگر

رویدادهای متعددی در ایتالیا برگزار می شود. موسیقی جشنواره ها و مسابقات: بین المللی جشنواره مدرن موسیقی (از سال 1930، ونیز)، "می موزیکال فلورانس" (از 1933)، "جشنواره دو جهان" در اسپولتو (از سال 1958، تأسیس شده توسط جی سی منوتی)، "هفته موسیقی جدید" (از 1960، پالرمو)، پیانو مسابقه به نام F. Busoni در بولزانو (از سال 1949، سالانه)، مسابقه موسیقی و رقص به نام. G. B. Viotti در Vercelli (از سال 1950، سالانه)، مسابقه ای که به نام. A. Casella در ناپل (از سال 1952، هر 2 سال، تا سال 1960 پیانیست ها شرکت می کردند، از سال 1962 - همچنین آهنگسازان)، مسابقه ویولن. N. Paganini در جنوا (از سال 1954، سالانه)، مسابقه ارکستر. رهبران ارکستر در رم (از سال 1956، هر 3 سال، توسط آکادمی ملی "سانتا سیسیلیا" ایجاد می شود)، مسابقه پیانو. E. Pozzoli در Seregno (از سال 1959، هر 2 سال)، مسابقه برای رهبران ارکستر جوان. G. Cantelli در Novara (از سال 1961، هر 2 سال)، مسابقه آواز "Verdi Voices" در Busseto (از سال 1961، سالانه)، رقابت گروه کر. مجموعه هایی به نام Guido d'Arezzo در آرتزو (تاسیس شده در سال 1952 به عنوان ملی، از 1953 - بین المللی؛ سالانه، همچنین به عنوان "Polyfonico" شناخته می شود)، مسابقات ویولن سل G. Casado در فلورانس (از سال 1969، هر 2 سال).

در میان ایتالیایی ها موسیقی جامعه - شرکت موسیقی جدید (بخش انجمن بین المللی موسیقی معاصر؛ در سال 1917 به عنوان انجمن موسیقی ملی تأسیس شد، در سال 1919 به انجمن موسیقی معاصر ایتالیا تبدیل شد، از سال 1923 - شرکت)، انجمن موسیقی کتابخانه ها، انجمن موسیقی شناسی و غیره. کارهای زیادی در ایتالیا انجام می شود. موسیقی انتشارات و شرکت تجاری "Ricordi and Co" (تاسیس در سال 1808) که در بسیاری از نقاط شعبه دارد. کشورها

ادبیات:ایوانف-بورتسکی M.V.، گلچین موسیقی-تاریخی، جلد. 1-2، م.، 1933-36; او، مطالب و اسناد تاریخ موسیقی، ج 2، م.، 1934; Kuznetsov K. A.، پرتره های موسیقی و تاریخی، سر. 1، م.، 1937; لیوانووا تی.، تاریخ موسیقی اروپای غربیتا سال 1789، M. - L.، 1940; Gruber R.I.، تاریخ عمومی موسیقی، بخش اول، M.، 1956، 1965; خوخلوفکینا، اپرای اروپای غربی. پایان 18 - نیمه اول قرن 19. مقالات، م.، 1962; تاریخچه تاریخ هنر اروپا: از دوران باستان تا پایان قرن 18، م.، 1963; تاریخچه تاریخ هنر اروپا نیمه اول قرن نوزدهم، M.، 1965.

قسمت امروز به موسیقی محلی ایتالیا - آهنگ ها و رقص های این کشور و همچنین آلات موسیقی اختصاص دارد.

کسانی که ما عادت داریم آنها را ایتالیایی بنامیم، وارثان فرهنگ مردمان بزرگ و کوچکی هستند که از دوران باستان در مناطق مختلف شبه جزیره آپنین زندگی می کردند. یونانی‌ها و اتروسک‌ها، ایتالیایی‌ها (رومی‌ها) و گول‌ها اثر خود را در موسیقی محلی ایتالیا بر جای گذاشتند.

تاریخ پر حادثه و طبیعت سرسبز، کار کشاورزی و کارناوال های مفرح، صمیمیت و احساس، زبان زیباو سلیقه موسیقی، شروع ملودیک غنی و ریتم های متنوع، فرهنگ آواز خواندن بالا و تسلط بر گروه های ساز - همه اینها در موسیقی ایتالیایی ها تجلی یافت. و همه اینها قلب سایر مردمان خارج از شبه جزیره را به دست آورد.

آهنگ های محلی ایتالیا

همانطور که می گویند، در هر شوخی ذره ای از شوخ طبعی وجود دارد: اظهارات کنایه آمیز ایتالیایی ها در مورد خود به عنوان استادان آهنگسازی و آواز خواندن با شهرت جهانی آنها تأیید می شود. به همین دلیل است موسیقی محلیایتالیا در درجه اول با آهنگ ها نشان داده می شود. البته ما در مورد دهان کم می دانیم فرهنگ آهنگ، از آنجایی که اولین نمونه های آن در اواخر قرون وسطی ثبت شد.

ظهور آهنگ های محلی ایتالیایی در آغاز قرن سیزدهم با گذار به رنسانس همراه است. سپس علاقه به زندگی دنیوی ظاهر می شود، مردم شهر از گوش دادن به سخنرانان و شعبده بازانی که در مورد عشق می خوانند و داستان های خانوادگی و روزمره می گویند، لذت می برند. و خود ساکنان روستاها و شهرها از آواز خواندن و رقصیدن به همراهی ساده بیزار نیستند.

بعداً اصلی ژانرهای آهنگ. فروتولااز اواخر قرن پانزدهم در شمال ایتالیا شناخته شده است. این یک آهنگ غنایی برای 3 تا 4 صدا با عناصر است چند صدایی تقلیدیو لهجه های متریک روشن.

قبلا توسط قرن شانزدهمسبک، قابل رقص، با ملودی سه صدایی ویلانل(ترجمه شده به عنوان "آواز دهکده") در سراسر ایتالیا گسترده بود، اما هر شهر آن را متفاوت نامید: Veneziana، Neapoletana، Padovana، Romana، Toscanella و دیگران.

او جایگزین می شود canzonetta(ترجمه شده به عنوان آهنگ) یک آهنگ کوچک است که در یک یا چند صدا اجرا می شود. این او بود که بنیانگذار ژانر آریا معروف آینده شد. و قابلیت رقصیدن ویلانل به این ژانر منتقل شد باله, – آهنگ هایی که از نظر آهنگسازی و شخصیت سبک تر هستند و برای رقص مناسب هستند.

شناخته شده ترین ژانر ترانه های فولکلور ایتالیایی امروزی است آهنگ ناپلی (منطقه ایتالیای جنوبی کامپانیا). یک آواز، ملودی شاد یا غمگین با ماندولین، گیتار یا عود ناپلی همراه بود. چه کسی سرود عشق را نشنیده است؟ "O sole Mio"یا سرود زندگی "سانتا لوسیا"، یا سرود برای تله کابین "Funiculi Funicula"که عاشقان را به بالای وزوویوس می برد؟ سادگی آنها فقط آشکار است: هنگام اجرا، نه تنها سطح مهارت خواننده، بلکه غنای روح او نیز آشکار می شود.

دوران طلایی این ژانر در آغاز شد اواسط 19thقرن ها و امروز در ناپل، پایتخت موسیقی ایتالیا، جشنواره-مسابقه ای برگزار می شود آهنگ غنایی Piedigrotta (Festa di Piedigrotta).

یکی دیگر از برندهای شناخته شده از منطقه شمال ونتو می آید. ونیزی آهنگ روی آبیا بارکارول(بارکا به معنای "قایق" ترجمه می شود)، با سرعتی آرام اجرا می شود. 6/8 و بافت همراهی معمولاً تاب خوردن روی امواج را منتقل می کند و اجرای زیبای ملودی با ضربات پاروها طنین انداز می شود و به راحتی وارد آب می شود.

رقص های محلی ایتالیا

فرهنگ رقص ایتالیا در ژانرهای رقص روزمره، صحنه ای و مورسکی(Moriscos). مورسک ها توسط اعراب رقصیده می شدند (که به این نام خوانده می شدند - ترجمه این کلمه به معنای "مورهای کوچک" است) که به مسیحیت گرویدند و پس از تبعید از اسپانیا در آپنین ساکن شدند. رقص های صحنه دار رقص هایی بودند که مخصوص تعطیلات به صحنه می رفتند. و رایج ترین ژانر رقص های روزمره یا اجتماعی بود.

منشا این ژانرها به قرون وسطی و طراحی آنها به قرن پانزدهم یعنی آغاز رنسانس باز می گردد. این دوران ظرافت و ظرافت را برای مردم خشن و شاد به ارمغان آورد رقص ایتالیایی. حرکات سریع، ساده و موزون با انتقال به پرش های سبک، بلند کردن از پا کامل به انگشتان پا (به عنوان نمادی از رشد معنوی از زمینی به الهی)، طبیعت شاد همراهی موسیقی - اینها ویژگی های بارز این رقص ها است.

شاد و پر انرژی گالیاردتوسط رقصندگان جفت یا انفرادی اجرا می شود. واژگان رقص شامل یک حرکت پنج مرحله ای اساسی، پرش و جهش زیاد است. با گذشت زمان، سرعت رقص کندتر شد.

یکی دیگر از رقص های نزدیک به گالیارد است سالتارلا– در مرکز ایتالیا (مناطق آبروزو، مولیز و لاتزیو) به دنیا آمدند. نام آن با فعل saltare - "پریدن" داده شده است. رقص این زوج در 6/8 تایم با موسیقی همراه بود. این در تعطیلات باشکوه - عروسی یا در پایان برداشت انجام می شد. واژگان رقص شامل یک سری گام های دوتایی و کمان، با انتقال به آهنگ است. در کارناوال های مدرن رقصیده می شود.

وطن دیگری رقص باستانی ترنج(bargamasca) در شهر و استان برگامو (لمباردی، منطقه شمالی ایتالیا) واقع شده است. این رقص دهقانی مورد علاقه ساکنان آلمان، فرانسه و انگلیس بود. موسیقی شاد، پر جنب و جوش و ریتمیک با چهار متر و حرکات پرانرژی مردم را از هر قشری مجذوب خود کرد. این رقص توسط دبلیو. شکسپیر در کمدی رویای شب نیمه تابستان ذکر شد.

تارانتلا- معروف ترین رقص های محلی. آنها به ویژه در مناطق جنوبی ایتالیا در کالابریا و سیسیل به آن علاقه داشتند. و نام از شهر تارانتو (منطقه آپولیا) گرفته شده است. این شهر همچنین نام خود را به عنکبوت های سمی - رتیل ها داد که ظاهراً اعدام طولانی و طاقت فرسا تارانتلا آنها را از تأثیرات آنها نجات داد.

یک موتیف ساده تکراری همراهی روی سه قلوها، طبیعت سرزنده موسیقی و الگوی خاص حرکات با تغییر جهت شدید، این رقص را که به صورت جفت اجرا می شود، کمتر - انفرادی، متمایز می کند. اشتیاق به رقص بر آزار و اذیت غلبه کرد: کاردینال باربرینی اجازه داد آن را در دادگاه اجرا کنند.

برخی از رقص های محلی به سرعت تمام اروپا را فتح کردند و حتی به دربار پادشاهان اروپایی رسیدند. به عنوان مثال، گالیارد توسط فرمانروای انگلستان، الیزابت اول، مورد تحسین قرار گرفت و در طول زندگی خود آن را برای لذت خود می رقصید. و ترنج روحیه لویی سیزدهم و درباریانش را تقویت کرد.

ژانرها و ملودی های بسیاری از رقص ها به زندگی خود در موسیقی دستگاهی ادامه دادند.

آلات موسیقی

برای همراهی از گیتار، پیپ، سازدهنی و سازدهنی معمولی، سازهای زهی - گیتار، ویولن و ماندولین استفاده کردند.

در شواهد مکتوب، ماندولا از قرن دوازدهم ذکر شده است. به آن ماندورا، ماندول، پاندورینا، باندورینا نیز می گفتند و ماندولای کوچک را ماندولین می نامیدند. این ساز با بدنه بیضی دارای چهار سیم دو سیم بود که به جای یک اکتاو به صورت هماهنگ کوک شده بودند.

ویولن از دیگر اهالی است آلات موسیقیایتالیا به یکی از محبوب ترین ها تبدیل شده است. و توسط استادان ایتالیایی از خانواده های آماتی، گوارنر و استرادیواری در قرن هفدهم - ربع اول قرن هجدهم به کمال رسید.

در قرن هفدهم، هنرمندان سرگردان، برای اینکه نواختن موسیقی را اذیت نکنند، شروع به استفاده از ارگ بشکه ای کردند - یک ساز بادی مکانیکی که 6-8 آثار مورد علاقه ضبط شده را بازتولید می کرد. تنها چیزی که باقی مانده بود چرخاندن دستگیره و حمل یا حمل آن در خیابان ها بود. در ابتدا، ارگ بشکه ای توسط باربیری ایتالیایی برای آموزش پرندگان آوازخوان اختراع شد، اما به مرور زمان باعث خوشحالی مردم شهر خارج از ایتالیا شد.

رقصنده ها اغلب به خود کمک می کردند تا از میدان خارج شوند ریتم واضحتارانتلا با استفاده از تنبور، نوعی تنبور که از پروونس به آپنین آمده است. نوازندگان اغلب از فلوت همراه با تنبور استفاده می کردند.

چنین ژانر و همچنین تنوع ملودیک، استعداد و ثروت موسیقایی مردم ایتالیا نه تنها باعث افزایش موسیقی آکادمیک، به ویژه اپرا، و موسیقی پاپ در ایتالیا شد، بلکه با موفقیت توسط آهنگسازان کشورهای دیگر نیز به عاریت گرفته شد.

بهترین ارزیابی از هنر عامیانه توسط آهنگساز روسی M.I. گلینکا که زمانی گفته بود خالق واقعی موسیقی مردم هستند و آهنگساز نقش تنظیم کننده را بازی می کند.