طایروف زندگینامه و کارهای هنرمندان را می گوید. «هنرمندان گرسنه. البته نووسیبیرسک به سرعت در حال رشد است، تعداد ساکنان شهر به دو میلیون نفر نزدیک می شود، اما بیشتر آنها از زندگی فرهنگی شهر بریده شده اند.

با تشکر از Ekaterina Bogonenkova و مرکز تحقیقات دولتی برای کمک در سازماندهی مصاحبه.

+MK (میخائیل کونینین): چه زمانی تصمیم گرفتید هنرمند شوید؟
AT (الکساندر تایروف): از دوران کودکی. من آگاهانه برای هنرمند شدن تلاش نکردم، اما برای مدت طولانی تمایل داشتم. یک نفر بود که مرا از ترسیم منصرف کرد، این برگشت در تفلیس بود، من کلاس 2-3 بودم: خودم رفتم برای آموزش طراحی در خانه پیشگام و او یک روزت گچی جلوی ما گذاشت و رفت. چگونه می توان چنین چیزهایی را جلوی کودکان قرار داد؟ من یک بار، دو بار کشیدم، متوجه نشدم چرا این کار را انجام می دهم.
سپس قرار بود وارد دانشکده سایبرنتیک دانشگاه تفلیس شوم. سپس من یک هنرمند هنگ در ارتش بودم. و سپس اینجا، در نووسیبیرسک، در دفتر طراحی هنری در NETI کار کردم، دو بار به استروگانوفکا رفتم، شش ماه مطالعه کردم.
ما بخش قدرتمندی از پوسترها را در اینجا داشتیم که مسکوئی ها را مورد توجه قرار داد. دو سه نمایشگاه پوستر برگزار کردیم که حتی از مسکو به آن نمایشگاه آمدیم.

+EB (Ekaterina Bogonenkova): آیا افرادی بودند که بر شما تأثیر گذاشتند؟

AT: نه، من نمی توانم یک نفر را به یاد بیاورم که بر سرنوشت من تأثیر گذاشته باشد. شاید کمی در اتاق طراحی هنری، یک تیم جالب از روشنفکران آنجا جمع شده باشند. این همان چیزی بود که مرا در نووسیبیرسک نگه داشت، وگرنه می رفتم.

+MK: چرا به نووسیبیرسک آمدید؟
AT: خواهرم اینجا زندگی می کرد. او بنا به مأموریتی از تفلیس به اینجا آمد. یکی از خواهرهایم اینجا بود و دیگری در مسکو. و فکر کردم، آمدن و دیدن نووسیبیرسک برایم جالب بود. رمانتیسم آمیخته با ماجراجویی.

+MK: کی اومدی؟
AT: تقریباً بلافاصله پس از ارتش. رسیدم و وارد NETI شدم، چون کنار خانه ای بود که خواهرم در آن زندگی می کرد. این راحت بود زیرا در آن زمان مترو در نووسیبیرسک وجود نداشت. به فکر ورود به مؤسسه ساختمانی بودم، جایی که دپارتمان معماری بود، اما نشد و به NETI رفتم. و من چیزی را از دست ندادم، زیرا چیزی وجود دارد که شخص را راهنمایی می کند. برخی نقاط عطف در زندگی وجود دارد، آنها را می توان به روش های مختلف قرار داد، اما آنها به نوعی شما را تشویق می کنند که در مسیر خاصی حرکت کنید. بالاخره خواهر دیگرم به من پیشنهاد کرد که در مسکو بمانم، اما من علاقه مند بودم که به اینجا بیایم. و اکنون می‌دانم که اگر در مسکو می‌ماندم، احتمالاً به دستاوردهای بیشتری می‌رسیدم، آنچه می‌توانم انجام دهم. اما معلوم شد که به اینجا آمدم و یکسری شرایط مرا اینجا نگه داشت. به ویژه اتاق طراحی هنری و تیم قدرتمندی که آنجا بودند. از آن دو نفر قبلا فوت کرده اند، یکی در استرالیا و دیگری اینجا. افراد شگفت انگیزی بودند، به عنوان مثال، لئونید ولادیمیرویچ لویتسکی، یک هنرمند و کاریکاتوریست شگفت انگیز. او سپس به اودسا نقل مکان کرد، جایی که در مجله "فونتان" کار کرد، او هنرمندی از خدا بود.

+MK: چگونه میزبانی جلسات هنری را شروع کردید؟
AT: من یک استودیو برای بزرگسالان در مرکز فرهنگی دولتی اداره می کنم. و در اولین "شب در موزه" ما "نگهبان شب" رامبراند را آویزان کردیم، هنرمند مشهور نووسیبیرسک، الکساندر شوریتس، می خواست میزبان برنامه ای در اینجا باشد که مربوط به یک نقاشی است. و درباره او و رامبراند با همه کسانی که اینجا بودند صحبت کرد.
آمدم گوش کنم و به این نتیجه رسیدم که می توان در مورد این موضوع به شیوه ای بسیار جالب تر صحبت کرد - در مورد رامبراند، در مورد نقاشی او، در مورد ساختار ترکیبی آن. گوش دادم و چیزی نگفتم. و زمانی که شوریتز قبلاً آنجا را ترک کرده بود، اعضای استودیوی من آمدند و از من خواستند که در مورد این تصویر، در مورد ویژگی های آن صحبت کنم. و من ساختار ترکیب بندی، طرح رنگ، ویژگی های تصویر را برای دانش آموزان استودیو توضیح می دهم و حتی به آنچه پشت سر ما می گذرد توجه نمی کنم. سپس مردم را می بینم که ایستاده اند و گوش می دهند. و بعد نزدیک به نیمه شب استاندار با وزیر فرهنگ به اینجا آمدند. و کارگردان از من خواست که در مورد فیلم صحبت کنم. و کارگردان این ایده را داشت که اگر در «شب در موزه» بعدی، داستانی درباره یک هنرمند بسازیم. اسمش "طعم ایتالیا" بود و تصمیم گرفتیم در مورد بوتیچلی صحبت کنیم.
و من در مورد بوتیچلی صحبت کردم. وقتی فقط رامبراند اینجا آویزان شد، فکر کردم که این کافی نیست. از این گذشته ، اگر در مورد رامبراند صحبت می کنیم ، پس باید بقیه نقاشی های او را آویزان کنیم ، اما سالن خالی بود ، فقط "نگهبان شب" آویزان بود. و وقتی بوتیچلی را آویزان کردیم، سالنی را به بوتیچلی اختصاص دادیم و من در مورد بوتیچلی صحبت کردم. و برخی از مردم دو یا سه بار آمدند، زیرا هر بار که من چیز جدیدی می گویم، همیشه جزئیات جدیدی را بیان می کنم. و سپس کارگردان به این فکر افتاد که این برنامه را جداگانه بسازد که به صورت پروژه ای جداگانه ارائه خواهیم کرد. و در پاییز ما بوتیچلی را تکرار کردیم، حدود 25 نفر آمدند و سپس تصمیم گرفتیم که از آنجایی که مردم به این کار علاقه داشتند، ما ادامه دهیم. بعد از بوتیچلی مونه بود، سپس پتروف-ودکین. و به این ترتیب این برنامه سه سال است که ادامه دارد.

+MK: آیا هنر برای مردم مهم است؟
AT: مردم به طور کلی نیاز دارند بخشی از جهان را که خارج از آنهاست، درون محیطی که آنها ایجاد می کنند، احساس کنند. زیرا آنچه بیرون از ماست بسیار متنوع است و با فرم های فوق العاده زیبا و هماهنگ تزئین شده است. و فضایی که یک فرد ایجاد می کند، لکونیک و مستهلک است. و شخص به طور نهفته می خواهد بخشی از دنیای بیرون را در فضایی که ایجاد می کند ببیند. او چه در غار زندگی کند، چه در ویگوام، چه در یورت، به هر شکلی این خانه را سامان می دهد و آن را با عناصری که ما را احاطه کرده اند تجهیز می کند. اینها هم حیوان هستند و هم گیاه. اگر دقت کرده باشید، بسیاری از ویژگی های زندگی ما حاوی زیور آلات گل است، اگرچه به نظر می رسد که زینت چه ربطی به چیزهای جدی دارد: نهادهای دولتی، نشان ها، تزئینات سالن. اما این بخش جدایی ناپذیر حتی در موقعیت های جدی است. در جایی که امکان سرمایه گذاری کافی و دعوت از هنرمندان وجود دارد، آنگاه همه چیز برای رسمیت بخشیدن به آن انجام می شود. چون تالار خالی اگر آراسته نشود، تشریفاتی نخواهد داشت.

+MK: نووسیبیرسک اغلب شهری خاکستری و کسل کننده در نظر گرفته می شود.
AT: درست است. هنوز نه سنت دارد و نه فرهنگ. و مردمی که بر این شهر حکمرانی می کنند با شهر یکسان هستند: آنها از اینجا هستند، آنها خونی از خون هستند، گوشتی از گوشت این شهر. آنها تداوم عمیقی در تربیت، در سنت ها، در آموزش ندارند. مردم کاملاً ساده هستند: اگر تولوکونسکی وجود داشته باشد، پس او اینجا بزرگ شده است و به قول مردم هرگز چیزی شیرین تر از هویج ندیده است و هر کجا که باشد همان هویج را تکثیر می کند. و او معنای فرهنگ را به این معنا نخواهد فهمید که از نسلی به نسل دیگر می رود، وقتی که با شیر مادر جذب شود. این شهر سنت ندارد. بنابراین، یک لایه فرهنگی به ضخامت یک آنگستروم وجود دارد، زیرا بیش از 100 سال برای یک شهر چیزی نیست.
البته، آن چند مهندس سن پترزبورگ که شروع به ساختن شهر کردند، سهم خود را کردند، ما این ساختمان های قدیمی را می بینیم. اما آنها رفتند و میراث خود را به کسی منتقل نکردند. اگر چند هزار نفر بودند، شهر ظاهری کاملاً متفاوت داشت.
همچنین در جریان تخلیه، موج دومی از مهندسان سن پترزبورگ رخ داد که آثار خود را به جا گذاشتند. خیابان را طراحی کردند. استانیسلاوسکی، خ. Aviamotornaya، خیابان هایی که مهر «سبک امپراتوری سنت پترزبورگ» را دارند. اما آنها هم رفتند. و دوباره نووسیبیرسک افشا شد. و پرسترویکا و دهه 90 نیز ضربه ای به نووسیبیرسک وارد کردند. اکنون آنچه پنهان شده بود ظاهر شد. زیرا همه کسانی که ثروتمند شده اند و همه کسانی که ظاهر شهر به آنها بستگی دارد و تصمیمی می گیرند افراد بی سواد هستند.
و هرکسی که اکنون پول دارد، تازه‌فروشان، به شهر اهمیتی نمی‌دهد، زیرا اصلاً خود را اینجا نمی‌بینند. و اگر آن را ببینند، نمی دانند چگونه همه آن را اجرا کنند. چون شهر بزرگ و بسیار احمقانه است که تا به امروز یک شهر نوجوان، بی‌خبر، گستاخ، کمی گستاخانه، دمدمی مزاج و پرمدعا در مورد چیزی بدون دلیل جدی باقی مانده است. اینکه خود را پایتخت سیبری بنامید فقط یک اعلامیه است. آمدن دانشمندان به شهر آکادمی به شهر کمک کرد. اما شهر آکادمی جدا زندگی می کند و این موج دهه 90 نیز به آن ضربه زد، زیرا هرکسی می توانست ترک کند. همه چیز در حال تغییر است و آشفتگی که اکنون شهر در آن فرو رفته است، نوید خوبی برای شهر ندارد، زیرا هنر سرکوب شده است.
شهر رو به وخامت است. با وجود تظاهرات خارجی، به عنوان مثال، ساخت و ساز سریع، این فقط سود است. هیچ امیدی نیست که فرهنگ شهر از این کار سود زیادی ببرد. و بدون فرهنگ هیچ چیز وجود ندارد. زیرا اولاً فرهنگ باعث تلطیف اخلاق می‌شود و ثانیاً فرهنگ جنبه‌های ظریفی در ادراک انسان ایجاد می‌کند که او را در پیشرفت علوم کمک می‌کند. علم با فرهنگ همراه است.
اگر به تاریخ نگاه کنیم، هر جا که جامعه شروع به ثروتمند شدن کند، جایی که می فهمند نه تنها برای پر کردن شکم خود باید پول سرمایه گذاری کنند، بلکه توسعه فرهنگ آغاز می شود. همانطور که در روم گفتند: "نان و سیرک." و اگر کل مجموعه نووسیبیرسک را تصور کنید، تماشای آن بسیار بد است، پس همه چیز در یک نقطه کوچک در مرکز متمرکز شده است. و شهر دارای کرانه چپ و کرانه راست است. وقتی همه چیز نزدیک است خوب است، اما وقتی سرد است، روز کوتاه است و اتوبوس‌ها بعد از ساعت 10 شب حرکت نمی‌کنند، ترافیک زیادی به مرکز نخواهید داشت. و اگر مترو نبود، شهر کاملاً تعطیل می شد. بیایید کرانه چپ را بگیریم، 500-600 هزار نفر در آنجا زندگی می کنند. اینجا یک شهر بزرگ جداست، اما در آنجا سالن کنسرت وجود ندارد! آنها در حال بازسازی، ساختن - دوباره اینجا هستند. تالار کاتز ساخته شد، خالی است، چراغ‌ها همیشه خاموش هستند.
گاهی اوقات اتفاقاتی در اینجا رخ می دهد، اما در ساحل چپ چیزی نیست! یک منطقه مسکونی، مردم آنجا رها شده اند، فقط مراکز خرید ساخته می شود. و ما می گوییم: "اوه، شهر پول ندارد" اما آیا این بدان معناست که برای مراکز خرید پول وجود دارد؟ ما درک می کنیم که چگونه این کار انجام می شود: مردم وام می گیرند و می سازند. شهر! وام بگیرید و یک مجموعه فرهنگی بسازید! این صد برابر به شما برمی گردد. نه بلافاصله، در 10-15 سال، اما بازگشت وجود خواهد داشت. وقتی یک مرکز فرهنگی قدرتمند در کرانه چپ وجود داشته باشد، مردم احساس احترام خواهند کرد. اگر از نظر ترکیبی به شهر نگاه کنیم، می فهمیم که نه تنها در مرکز، باید مراکز فرهنگی وجود داشته باشد. آنها باید به طور مساوی توزیع شوند، زیرا همه به مرکز نقل مکان نمی کنند و مردم ساکن در مناطق مسکونی چیزی جز مراکز خرید نمی بینند.
من مدتهاست درگیر پروژه ای هستم که در مورد چگونگی تغییر شهر صحبت می کند. ما، طراحان، هنرمندان، استدلال کردیم و به یک پروژه قدرتمند رسیدیم. اینجا در مرکز یک دشت سیلابی از رودخانه وجود دارد، یک مکان زیبا، کاملا خالی. می توان در آنجا یک پارک فرهنگی و تاریخی ساخت و من به آن فکر کردم که ما در سیبری زندگی می کنیم. اگر یک شهربازی درست می‌کردید، آن را نه یک‌باره، بلکه در بلوک‌ها بسازید - با درخت‌خانه‌ها، سینماها، جاذبه‌های آموزشی، مردم صبح به آنجا می‌آمدند و تمام روز را پیاده‌روی می‌کردند و بازی می‌کردند. و با ساختن گام به گام، به یک تراکم فرهنگی و تاریخی عظیم دست خواهیم یافت. تصور کنید که چقدر عالی خواهد بود! این باعث بازگشت می شود، زیرا کافه ها و رستوران ها در آنجا وجود خواهند داشت.
اما اراده ای وجود ندارد و بنابراین مقامات درگیر وصله کردن سوراخ ها خواهند بود. در حالی که در هر دوره تاریخی، شاهزادگان معابد عظیمی را ساختند و آثار هنری را پشت سر گذاشتند. و در اینجا، آنها چه چیزی را پشت سر خواهند گذاشت؟ به هر حال، وقتی پمپیدو رفت، مرکز پمپیدو را ساخت، ژیسکاردستن کتابخانه ملی فرانسه را ساخت. یعنی هر انسان متفکری تلاش می کند که نوعی اثر مادی از خود به جای بگذارد. و یک شهر یک و نیم میلیونی می تواند برای ساختن چیزی پول جمع کند. و اگر ما این بنای فرهنگی و تاریخی را بنا کرده بودیم و آن را به روشی که مراکز خرید می‌سازند ساخته بودیم، به شما اطمینان می‌دهم که امروز وجود داشت. و این مکان زیارتی نه تنها برای ساکنان نووسیبیرسک، بلکه برای تمام روستاها و شهرهای اطراف خواهد بود. و حالا، وقتی مردم به مگا می‌روند، کمی به چیزی که من در مورد آن صحبت می‌کنم، یادآوری می‌کند. بالاخره چرا مردم به آنجا می آیند؟ آیا فقط به خرید فکر می کنید؟ نه، آنها آمده اند تا در خیابان های زیبای شهر رویاهایشان قدم بزنند. در خیابان های آن قدم می زنید: گذرگاه های سبک، زیبا و عریض است - همه اینها یک احساس را ایجاد می کند. و مردم تمام روز به آنجا می روند. در این دیدم که چه کاری می خواستم انجام دهم و این کار انجام شد، البته توسط شرکتی از خارج از کشور و در قالب یک مرکز خرید. اما همه چیز می توانست متفاوت باشد. و نووسیبیرسک فاقد همه اینها است، اما مردم به سمت آن کشیده می شوند.

MK: افرادی هستند که کاری انجام می دهند و در تلاش برای توسعه فرهنگ در نووسیبیرسک هستند؟ مثلاً جلسات هنری ترتیب می دهید.
AT: جلسات هنری قدم کوچکی است. اما اگر کسی غیر از من این کار را با همان اثربخشی انجام دهد، یک اتفاق است. اما نگاه کنید: چنین رویدادی در نووسیبیرسک اتفاق می افتد و هیچ کس به آن اهمیت نمی دهد. هیچ کس در این مورد نمی نویسد و صحبت نمی کند. اما مردم این نور سوسوزن را پیدا می کنند. او بسیار ضعیف است و اگر من این کار را متوقف کنم، دیگر این اتفاق نمی افتد. زیرا همه چیز بر اساس نحوه انجام من است. از آنجا که موزه هنر میزبان «سخنرانی» است و بارها به من گفته شد: «من آنجا رفتم، افراد کمی آنجا هستند، اما این موضوع هم نیست. تقریباً همانجا خوابم برد. آنها از روی یک تکه کاغذ می خوانند و اسلایدها را نشان می دهند.» این شکل حق وجود دارد، ما فقط شکل اساسی مشارکت انسانی در این فضا را پیدا کردیم. او در یک فضای نمایشگاهی است که نقاشی های هنرمندان را می بیند و مدام در این حوزه بصری است و به حرف های من گوش می دهد. و او در این لحظه آزاد است و در مورد آنچه من صحبت می کنم ثابت نیست، اما می تواند به هر تصویری نگاه کند. او احساس می کند که در یک نمایشگاه است و در میان آثار هنرمند مورد نظر احاطه شده است. و این یک جو اساسا متفاوت ایجاد می کند. چون اگر اسلایدها را نشان می دادند کاملا متفاوت بود. و من این فرصت را دارم که از تصویری به تصویر دیگر نه به ترتیب خاصی، بلکه خود به خود حرکت کنم. ناگهان فکری به ذهنم خطور می کند و به سمت عکس دیگری می روم. این فرمت به دلیل اثر حضورش بسیار جالب است. شاید مردم حضور هنرمند را در اینجا احساس کنند. آنچه در اینجا مهم است، مؤلفه عاطفی است که برای من ذاتی است، از طبیعت یا ریشه های ملی، یا تربیت، یا از این واقعیت که من در تفلیس بزرگ شده ام و در آنجا چیزهای زیادی بر روی احساسات بنا شده است.
به طور کلی، فرد آنچه را که اتفاق می افتد تا حد زیادی از طریق احساسات درک می کند. این یک عامل قدرتمند است که بر شخص تأثیر می گذارد. و وقتی من به عنوان یک هنرمند توضیح می دهم: ساختار ترکیبی، در مورد رنگ، ساختار ریتمیک تصویر صحبت می کنم. و شخص در این فرآیند شریک می شود، می فهمد که چگونه ساخته شده است، هنرمند با کمک چه ابزار و روش هایی به چنین تأثیری می رسد. و دفعه بعد که فردی به جایی می‌آید، به دنبال معنای عمیق‌تری می‌گردد که فراتر از درک بیننده معمولی است.

+MK: آیا به تفلیس برمی گردی؟
آت: اول برگشتم و بعد متوقف شدم. ارتباطم با شهر قطع شد. یه مقدار اعصاب رفته بود

+EB: و زمانی که حوادثی در رابطه با فروپاشی اتحاد جماهیر شوروی پیش آمد، آیا موضعی اتخاذ کردید؟
آت: فکر می کنم اولاً مردم تحریک شدند. و ثانیاً آنها روی چیزی بازی کردند که همیشه مشخصه گرجی ها بوده است. آنها همیشه با یک فضولی، تکبر و خودبزرگ بینی مشخص بوده اند. به خصوص در میان قشر روشنفکر. این احساس برتری نسبت به روس ها است. از اتفاقی که آنجا افتاد تعجب نکردم. روسیه چنین کودکی را گرامی می داشت، در اتحاد جماهیر شوروی فرهنگ، آهنگ و فیلم گرجستان وجود داشت. با آنها مهربانانه رفتار می شد، اما آنها این را به انحصار خود، به تحقیر روس ها، به عنوان بی فرهنگ، به عنوان برده تبدیل کردند. و روس ها مردمی سخاوتمند هستند. حتی در آن زمان، زمانی که در آنجا زندگی می کردم، با مظاهر چنین نگرش متکبرانه و طرد کننده مواجه شدم: ما استثنایی هستیم، ما تاریخی کهن داریم. اگرچه روسیه آنها را از نابودی و همسان سازی نجات داد.
و ابتدا به تفلیس آمدم و بعد دیگر این فضا را احساس نکردم. برخی از ارتباط ها قطع شده است. با اینکه همیشه در آنجا احساس گرما می کردم، قدم زدن در خیابان های کودکی ام را به یاد آوردم. من در مرکز شهر، کوه Mtatsminda، یک منطقه بسیار قدیمی - بسیار زیبا زندگی می کردم. و بعد که رسیدم احساس پوچی کردم و بریده شدم. یادم می آید که چگونه از کرچ به نووسیبیرسک پرواز می کردم و در سوچی فرود می آمدم و فکر می کردم: تفلیس نزدیک است، می توانم بروم. و میدونی چیه؟ فهمیدم که هیچ چیز مرا به آنجا کشاند، اگرچه مادرم آنجا زندگی می کرد و بس. و من سوار هواپیما شدم و به نووسیبیرسک پرواز کردم. و از آن زمان به تفلیس نرفته ام. اگرچه رفتن به آنجا جالب خواهد بود. و من فکر می کنم که گرجستان با ترک بال دوستانه روسیه ضررهای زیادی را از دست داد. چرا که هیچکس با فرهنگ خود در غرب به آنها نیاز ندارد، زیرا غرب به اعتقاد او آنقدر از نظر فکری و تمدنی از آنها فاصله گرفته است که آمریکا به 3-4 میلیون گرجستان نیاز ندارد. آنها هنوز مشتی به بینی نخورده اند، زیرا روسیه آنها را دوست داشت، از آنها قدردانی کرد و آنها را درک کرد. روسیه فرهنگ آنها را تکرار کرد. او فرهنگ گرجستان را به جهان عرضه کرد

+MK: آیا فرهنگ خاصی در سیبری وجود دارد؟ ذهنیت سیبری؟
AT: من فکر می کنم یک بی رحمی وجود دارد. سرسختی شخصیت وجود دارد. برای من سخت است که در مورد تاب آوری صحبت کنم، زیرا در طول دوره آزمایش اینجا زندگی نکردم. و وقتی به اینجا آمدم، سختی و بی ادبی و تندی مرا تحت تأثیر قرار داد. هیچ گرمی حس نکردم من تفاوت زیادی در ساکنان شهرهای بزرگ و شهری پیدا نمی کنم. همانطور که سیبری ها می گویند فقط در گفتار تفاوت هایی وجود دارد.

+MK: آیا هنرمندان نووسیبیرسک سبک خاصی دارند؟
AT: هیچکدام. اینجا مدرسه نیست. اینجا سنت ها وجود ندارد. 200-300 سال طول می کشد تا آنها ظاهر شوند. تومسک، بارنائول، حتی بیسک - روح را در آنجا احساس می کنید. و با آمدن به نووسیبیرسک این سستی، این مقیاس عظیم، سرعتی سریعتر را می بینید. و اگر تومسک، بارنائول را بگیرید، پس آنها فرهنگ اصلی متفاوتی دارند و می توانید آن را احساس کنید. و نووسیبیرسک یک نوجوان است. و نوجوانان شخصیتی شکل نیافته، رفتار خشن، تند، جاه طلبی متورم، مخالفت با دیگران، انرژی قدرتمند هستند. اینجا نووسیبیرسک است.

+EB: از نظر شما «ابتذال» چیست؟ خودتان را چگونه توصیف می کنید؟
AT: من ابتذال را در چیزهای ثانویه می بینم. ما نسبت به هر چیزی که ما را احاطه کرده در درجه دوم قرار داریم. ما نسبت به مسکو، در رابطه با سن پترزبورگ، نسبت به اروپا، نسبت به آمریکا، نسبت به آنگلوساکسون ها در درجه دوم قرار داریم. تمام شهر پوشیده از تابلوها و اسامی متظاهر است و این چیزی جز ابتذال نمی گوید. و شما حتی متوجه نمی‌شوید که وقتی مردم اینجا می‌گویند: "وای!"، "اوه!"
اما سوال متفاوت است: ما خود را به عنوان جامعه ای نمی شناسیم که سنت ها و فرهنگی بسیار عمیق تر از خود آمریکا دارد. و همه اینها از طرف صاحبان قدرت، از افراد تازه کار می آید، و وقتی یک ساختمان سه طبقه "منهتن" نامیده می شود، فقط مضحک است. مردم فقط نمی فهمند که چقدر رقت انگیز است، نه به این دلیل که منهتن چیزی ممنوع است، بلکه به این دلیل که شما حتی نمی دانید منهتن کجاست و کجا هستید. و این یک آرزوی رقت انگیز برای شبیه شدن است. اما آیا به منهتن رفته اید؟ دیدی این چه قدرتی است، این چه پولی است؟ آنها حتی متوجه شما نمی شوند و شما چیزی بد ساخته اید و آن را "مانهتا" می نامید. همه چیز مشابه است: "ورسای"، "شهر خورشید". این ابتذال است. و پشت همه اینها ابتذال زندگی روزمره است. ابتذال فقدان فرهنگ، عدم درک سنت ها، عدم درک ریشه ها است. این هم در شیوه رفتار است. این نیز به این دلیل است که شما حتی سعی نمی کنید یاد بگیرید که چیزی متفاوت از مدل های خود باشید. تنها در صورتی نجات خواهیم یافت که در مطالعه فرهنگ، سنت‌های خود عمیق‌تر شویم و آنها را صیقل دهیم و به سطح جدیدی برسانیم.

————-

تایروف الکساندر ایوانوویچ در 3 ژوئیه 1947 در تفلیس متولد شد، از مدرسه فارغ التحصیل شد، به عنوان یک هنرمند هنگ در ارتش خدمت کرد. پس از ارتش به نووسیبیرسک آمد. او در مؤسسه الکتروتکنیکی نووسیبیرسک تحصیل کرد و در همان زمان در دفتر طراحی هنری در آنجا کار کرد. دفاع از دیپلم تخصصی طراحی. او دو بار در دانشکده آموزش عالی در دانشگاه عالی هنر و آموزش هنر مسکو (استروگانوفسکی سابق) تحصیل کرد، در آنجا طراحی، نقاشی... او در رشته گرافیک پوستر تحصیل کرد. من چندین بار به ویلاهای خلاق اتحادیه هنرمندان پوستر رفته ام. وی در سالهای 1984-1985 در ساخت مجموعه ای از پوسترهای جشنواره بین المللی جوانان و دانشجویان در مسکو در قالب تیمی از نویسندگان شرکت فعال داشت و عنوان برنده جشنواره را به خود اختصاص داد. عضو اتحادیه هنرمندان از سال 1364. هنرمند ارشد دانشگاه فنی دولتی نووسیبیرسک. شرکت کننده در نمایشگاه های منطقه ای، ملی و بین المللی. در حال حاضر در زمینه طراحی، گرافیک، نقاشی، عکاسی مشغول است.

من فکر می کنم همه این نقاشی را می شناسند - "پرتره زوج آرنولفینی" توسط هنرمند هلندی Jan Van Eyck. چهره ای دردناک آشنا - گالری ملی لندن حتی این نقاشی را به سالن مرکزی، به در دسترس ترین مکان منتقل کرد. همه می خواهند به پوتین نگاه کنند)

و من در سخنرانی الکساندر تایروف در مرکز هنرهای زیبا شرکت کردم (زمانی که آنها نامی جذاب برای خود پیدا کردند). دشوار است که الکساندر تایروف را به عنوان سخنرانی در جلسه صدا کنیم، او در مورد کارهای هنرمندان مختلف به شیوه ای الهام بخش، جالب و احساسی صحبت می کند. از لحاظ احساسی و بسیار فنی جزئیاتی در مورد مؤلفه هنری، در مورد پیشینه تاریخی و اقتصادی هر نقاشی. چنین نگاه حجیمی به سادگی مسحور کننده است. من صد سال است که به یک تئاتر درام نرفته‌ام، و به نوعی برایم جذاب نیست - همه چیز در آنجا بیش از حد نادرست و کسل‌کننده به نظر می‌رسد.

اما برای این سخنرانی، بدون شک، 300 روبل حیف نیست. من به شدت توصیه می کنم که به صورت زنده و یا ویدیو را تماشا کنید. https://vk.com/art_meeting_nskاما زنده جالب تر است.

اینجا چه می بینیم؟ در آغاز قرن 15 اتفاق می افتد. افراد ثروتمند تصمیم به ازدواج قانونی گرفتند. به نظر می رسد که همه چیز ساده است - اما نمادها در اطراف هستند.
مثلا یک پنجره. بیهوده نیست که ما تعدادی برگ و آسمان را در آنجا می بینیم - نه، زندگی به این فضای داخلی غنی محدود نمی شود و ازدواج دلیلی برای غرق شدن در لانه خانوادگی نیست. وسوسه ها و لذت هایی در بیرون از پنجره وجود دارد و خواهد بود.
چهره حیله گر شخصیت ها نیز نشان می دهد که نباید انگشت خود را در دهان آنها قرار دهید.
اما یک سگ در این نزدیکی وجود دارد - نمادی از وفاداری.
شمع فروزان نماد حضور خداوند است. آینه یک عدسی است، چه چیزی در این آگاهی مخدوش وجود دارد، آیا کسی در آن منعکس شده است، چند مهمان؟
رنگ قرمز نماد شور و اشتیاق است و میوه از لذت صحبت می کند. سبز نشانه زیبایی و یکپارچگی است. اگرچه، ما به طور قطع نمی دانیم که آیا این همسر او است یا خیر.
یک مرد و یک زن با یکدیگر دست می دهند - آنها وارد ازدواج می شوند. در آن سال ها، لازم نبود به کلیسا بروید تا خود را زن و شوهر خطاب کنید.

البته، من قصد ندارم کل سخنرانی را در اینجا بازگو کنم، بلکه آنچه را که در مورد زندگی سخت دهه 1420 به یاد دارم، می نویسم.

این دیدار در چنین فضای دنج برگزار می شود. با تشکر از بسیاری از تولید مثل با کیفیت.

هنرمند بلژیکی یان ون ایک در خاستگاه های رنسانس شمالی ایستاد. در آغاز قرن پانزدهم در آنجا چه می گذشت؟ روزگار وحشی بود، مردم بد، سرد و کم نور زندگی می کردند. بعد از غروب آفتاب، همه در خانه هایشان حبس کردند و کنار آتش نشستند. و خود زندگی به عنوان یک حالت میانی در مسیر رسیدن به چیزی روشن دیده می شد.

و همه چیز به معنای واقعی کلمه خاکستری بود. رنگها گران بودند و رنگهای روغنی گرانتر.
اکنون برای ما سخت است تصور کنیم که میلیون ها محرک بصری در اطراف ما وجود دارد - اشباع بیش از حد اطلاعات و چشمک زدن تصاویر روشن. و در آن سال ها حتی لباس های رنگی نیز امری نادر و امتیاز شهروندان بسیار ثروتمند بود. بیشتر لباس های خاکستری و قهوه ای می پوشند. خانه های خاکستری، پاییز و زمستان خاکستری، بدون برق یا گرمایش عمومی.

فیلم این ناامیدی را به بهترین شکل نشان می دهد. همه چیز خاکستری، سرد است، چه کسی می داند چه نوع عمل های جراحی، و فقط چشمان آبی شخصیت اصلی به نوعی اجازه نمی دهد که سالن سینما را ترک کنید تا این تاریکی را فراموش کنید. پیشنهاد میکنم فیلم خوبیه

خب همین. و در این زندگی رقت بار، جایی که شکست محصول رخ داد، سپس جنگ، سپس نوعی وبا، ایمان به خدا نابود نشدنی بود.

پرتره مردی با عمامه قرمز. نظری وجود دارد که این یک خودنگاره است. اطلاعات بسیار کمی در مورد ون ایک وجود دارد. حتی تاریخ تولد هم مبهم است - 1390 یا 1400.
این مرد فوق العاده تحصیل کرده بود - او به چندین زبان صحبت می کرد، با این حال، برای اروپایی های آن زمان این یک چیز رایج بود. او در دربار دوک فیلیپ بورگنودا، که به نام فیلیپ نیک نیز شناخته می شود، خدمت کرد. در واقع او مرد مهربانی بود، سعی می کرد تا حد امکان از درگیری های مسلحانه پرهیز کند.

ون آیک علاوه بر نقاشی که امری بسیار مهم تلقی می شد، به وظایف دیپلماتیک نیز مشغول بود که سالیان درازی را وقف آن کرد. او همچنین طراحی داخلی و تشریفات را ترتیب می داد.

صحبت از جلوه های بصری شد. اون موقع مشکل شیشه بود، بدلیجات و جواهرات هم نبود. و جواهرات روشن واقعی حتی بیشتر از آنچه که اکنون هستند، به اصطلاح ارزش داشتند. مثلا همین فیلیپ بورگوندی می توانست یک صندوقچه با جواهراتش به میدان ببرد تا به مردم نشان دهد. مارول، شهروندان، من چقدر ثروتمند هستم.
با این حال، قرن ها می گذرد، اما مردم هنوز دوست دارند خود را با سنگ تزئین کنند)

همسر این هنرمند مارگارت است. آنها ده فرزند داشتند.

الکساندر یاکوولویچ تایروف کارگردان روسی شوروی، بنیانگذار و کارگردان تئاتر مجلسی است. اجراهای «فامیرا کیفرد» (1916)، «سالومه» (1917)، «فیدرا» (1922)، «عشق زیر نارون» (1926)، «تراژدی خوش‌بینانه» (1933)، «مادام بواری» (1940)، "مرغ دریایی" (1944)، "مجرم بدون گناه" (1944)، و غیره.

الکساندر یاکوولویچ تایروف در 6 ژوئیه (24 ژوئن) 1885 در شهر رومنی، استان پولتاوا، در خانواده یک معلم به دنیا آمد. اولین تأثیرات تئاتری او با اجرای برادران عادلنام، تراژدی‌هایی که در استان‌های روسیه سفر می‌کردند، مرتبط بود. تایروف شروع به بازی در نمایش های آماتور کرد.

اسکندر پس از فارغ التحصیلی از دبیرستان وارد دانشکده حقوق دانشگاه کیف شد. او در این سال ها با بازی روی صحنه و تماشای بازی بازیگران خوب استانی مستقیماً با تئاتر استان مواجه شد. در فصل 1906-1907، تایروف در تئاتر کومیسارژفسکایا اجرا کرد. او در اینجا در اجراهای مایرهولد با مهارت کارگردانی مولف آشنا شد، اما یک بار برای همیشه زیبایی شناسی تئاتر متعارف را رد کرد. سپس - تئاتر سیار عضو تئاتر هنر مسکو P.P. گایدبورووا، تئاتر درام جدید سن پترزبورگ. تایروف در حال حاضر در تئاتر سیار به عنوان کارگردان عمل می کند. با این حال، روال تزلزل ناپذیر تئاتر جدید، که به ناامیدی های قبلی تئاتر اضافه شد، به عنوان یک کاتالیزور برای تصمیم تایروف برای قطع رابطه با تئاتر عمل کرد.

در سال 1913 از دانشکده حقوق دانشگاه سن پترزبورگ فارغ التحصیل شد و به وکلای مسکو پیوست. به نظر تایروف از تئاتر سرخورده شده است. اما زمانی که K.A مارجانوف با ایده فوق العاده خود از تئاتر آزاد که قرار بود تراژدی و اپرت، درام و مسخره، اپرا و پانتومیم را با هم ترکیب کند - تایروف پیشنهاد ورود به این تئاتر را به عنوان کارگردان می پذیرد.

پانتومیم "پرده پیرت" اثر شنیتسلر و افسانه چینی "جلیقه زرد" که توسط تایروف به صحنه رفت بود که به تئاتر آزاد شهرت یافت و به اکتشافات غیرمنتظره و جالبی تبدیل شد. طایروف در این اجراها «تئاترسازی تئاتر» را اعلام کرد و اصل «ژست عاطفی» را به جای ژست مصور یا اصیل روزمره مطرح کرد.

اولین نمایش "پرده های پیرت" در 4 نوامبر 1913 برگزار شد. طایروف البته حال و هوای آن زمان، طرح داستان و بازیگر جوان بیست و چهار ساله با نام آواز آلیسا کونن را حدس زد. سرنوشت گرایی مغرور، تکانه و شکست، هیجان امیدهای رها نشده... همه اینها در اولین اجرای او روی صحنه تئاتر آزاد بود. و در 25 دسامبر 1914، تایروف یک تئاتر جدید در مسکو افتتاح کرد - تئاتر مجلسی، که به نمادی از هنر جدید برای نسل جوان 1910-1920 تبدیل شد.

البته شرایط به نفع طایروف بود. او فراموش نخواهد کرد که آنها را فهرست کند: بازیگران همفکر فداکار، دوستان وفادار، مکان های عالی - عمارت قرن 18 در بلوار Tverskoy، پولی که تقریباً به طور معجزه آسایی به دست آمده است. اما اگر نه به خاطر ایمان تایروف، نه به خاطر شجاعت او، نه به خاطر عشق او به آلیسا کونن، که یک تیپ کاملاً خاص روی صحنه را مجسم می کرد، کافی نبود (شاید کونن تنها بازیگر تراژیک شوروی باشد. تئاتر). تئاتر مجلسی به نام این عشق برپا شد. این کارگردان و بازیگر در سال 1914 ازدواج کردند. تئاتر همه چیز را از آنها گرفت و جایی برای بچه ها یا محبت های دوستانه خاص باقی نگذاشت.

1914 جنگ جهانی اول در جریان است. و تایروف در حال تمرین درام کلاسیک هندی باستانی کالیداسا "ساکونتالا" است. چه چیزی او را بر آن داشت تا این نمایشنامه خاص را انتخاب کند احتمالاً عشق او به شرق، ترجمه فوق العاده کی. بالمونت، نقش برنده برای کونن، نقاشی های استپی و بخارا از پاول کوزنتسوف، که تایروف در نمایشگاه دنیای هنر با نفیس آن دوست داشت. سادگی خطوط و رنگ ها

بدبینی در حال و هوای آن دوران حاکم بود. تایروف روی صحنه بر امکان جهان زیبای دیگری که در آن زیبایی، خرد و زندگی معنوی حاکم است، تاکید کرد. در ابتدا، تایروف مجبور شد بیش از دوازده بار در هر فصل نمایش دهد. اما یک روند بلافاصله ظاهر شد: فضای صحنه را پاکسازی و آزاد کرد. او تلاش کرد تا فضای صحنه ای سه بعدی را به عنوان تنها فضایی که با بدن سه بعدی بازیگر مطابقت دارد ایجاد کند. کارگردان در این امر توسط هنرمند الکساندرا اکستر کمک کرد. او دکوراسیون را به سبک کوبیسم طراحی کرد. این ایده به ویژه در نمایشنامه "فامیرا-کیفرد" تجسم یافت. اهرام، مکعب ها، سکوهای شیبدار که بازیگران در امتداد آنها حرکت می کردند تصویر تداعی خاصی از یونان باستان ایجاد کردند. فامیرا توسط نیکولای تسرتلی خوش تیپ شرقی بازی شد که توسط تایروف در میان جمعیت تئاتر هنر مسکو "لکه" شد.

پس از «فامیرا»، تایروف به سراغ «سالومه» اسکار وایلد رفت. هنگام طراحی پرفورمنس، Exter علاوه بر پارچه، از فریم های فلزی نازک، حلقه ها و حتی تخته سه لا استفاده می کرد.

لئونید گروسمن توصیفی تاثیرگذار از نحوه بازی آلیسا کونن در نقش سالومه به جا گذاشته است: «اما با یک حرکت تقریباً مقدس، سالومه دستانش را به احترام پیش از خدایی که به او تقدیم می شود، به سمت چشمانش بلند می کند. شاهزاده خانم با دعا می گوید: "من عاشق بدن شما هستم." و سپس، در سردرگمی و وحشت، دستان او مانند مارها شروع به چرخیدن می کنند و آماده اند تا قربانی مورد نظر را در حلقه های خود در هم ببندند و تا حد مرگ فشار دهند.

در سال 1917، تئاتر مجلسی از عمارت در بلوار Tverskoy اخراج شد، زیرا پولی برای پرداخت اجاره وجود نداشت. محل جدید - تبادل بازیگران در دروازه نیکیتسکی - برای نمایش اجراها مناسب نبود. تلاش های واقعاً عظیمی برای افزایش دمای صحنه و سالن از چهار درجه به حداقل شش انجام شد ...

تایروف برای باز کردن فصل 191920 روی صحنه ای که توسط کمیساریای آموزش مردمی بازگردانده شده بود، ملودرام قدیمی ای. اسکریب "آدرین لکوورور" را انتخاب کرد. این اجرا به یکی از پرفروش ترین اجراهای پایتخت تبدیل می شود و تا زمان تعطیلی آن در کارنامه تئاتر مجلسی باقی خواهد ماند. پس از اجرای هفتصد و پنجاه، ژان ریچارد بلوخ نویسنده فرانسوی خواهد گفت که طایروف و کونن ملودرام اسکریب را به سطح تراژدی رساندند.

در 4 مه 1920 ، اولین نمایش دیگری در تئاتر مجلسی برگزار شد - اجرای کاپریچیو بر اساس E.A. هافمن "شاهزاده برامبیلا". کارگردان توضیح داد: "خنده زنده و شادی زنده - این وظیفه اجراست." آمیختگی سخاوتمندانه واقعیت و فانتزی، عجیب و غریب و گروتسک، سیرک و اعمال آکروباتیک - این پادشاهی "شاهزاده خانم برامبیلا" بود که توسط Tairov و هنرمند G. Yakulov ساخته شد.

در سال 1922 ، تایروف به همراه یاکولوف اجرای شاد دیگری را - "Giroflé-Giroflya" بر اساس اپرت Lecoq به صحنه بردند. همانطور که در نمایش انتظار می رفت، گروه باله در اینجا حضور داشت، و البته "ستاره ها" کونن، که هر دو قهرمان را بازی می کردند، همانطور که توسط لیبرتو تجویز شده بود، و Tsereteli که نقش یکی از خواستگاران را بازی می کرد. طایروف در این نمایشنامه بر مهمترین اصول زیبایی شناختی تئاتر خود تأکید کرد که در اینجا فرهنگ حرکت، فرهنگ کلام ایجاد شد و البته اساس همه چیز پری درونی بود.

تایروف معتقد بود که اولین مرحله از تلاش او در تئاتر مجلسی با تولید راسین Phèdre (1922) به پایان رسید. صحنه های زیادی از این اجرا در تاریخ تئاتر جهان ثبت شده است. اولین خروج کونن-فیدرا به یک افسانه تبدیل شد، گویی که زیر بار اشتیاق فاجعه بار خود می شکند، بسیار آهسته راه می رفت و شنل بنفش مانند یک دنباله آتشین عظیم پشت سر او می رفت.

اولین نمایش های سال 1922 - "Phaedra" و "Girofle-Girofle" تئاتر مجلسی را به ارتفاعات بی سابقه ای رساند. به آن افتخار می کنند، خارجی ها را به آنجا می برند، به تورهای خارج از کشور می فرستند. جشن دهمین سالگرد تئاتر مجلسی در تئاتر بولشوی برگزار می شود.

تورهای سال های 1923 و 1925 در فرانسه و آلمان برای بسیاری به یادگار ماند. دکسولوژی و سوء استفاده در مطبوعات؛ رشوه خواران که نتوانستند «فدرا» را به هم بزنند، و پذیرایی مسئولانه از سوی نخبگان مهاجر به افتخار بازیگران تئاتر مجلسی. لذت های کوکتو، پیکاسو، لژر... در نمایشگاه بین المللی پاریس در سال 1925، تئاتر مجلسی برنده جایزه بزرگ شد. تایروف به عنوان برنده از سفر بازگشت. آلفرد دبلین، منتقد مشهور فرانسوی، گفت: «آنها چه بلشویک هایی هستند، آنها 200 درصد بورژوا هستند، هنرمندانی که کالاهای لوکس تولید می کنند.»

تایروف به دنبال راه هایی برای احیای تراژدی کلاسیک بود و سعی می کرد آن را به مخاطب مدرن نزدیک کند. او شیوه کاذب-کلاسیک اجرای تراژدی را که در هر دو صحنه فرانسه و روسیه ریشه دوانده بود، رد کرد. همانطور که آلیسا کونن به یاد می آورد، تایروف می خواست شاهان و ملکه های نمایشنامه راسین را به عنوان مردم عادی معرفی کند "تزارها را بازی نکن!" - او در تمرینات برای Tsereteli و Eggert که نقش هیپولیتوس و تسئوس را بازی می کردند، تکرار کرد. با این حال، این مردم عادی گرفتار احساسات فاجعه آمیز بودند و درگیر یک مبارزه ظالمانه بودند. کونن-فدرا طرح تایروف را به طور کامل مجسم کرد. تمرکز غم انگیز شور، که نمی توان آن را خاموش کرد، محتوای اصلی این تصویر را تشکیل می داد.

در برنامه های تایروف، کار ایجاد یک تراژدی مدرن هنوز در اولویت است. در این مسیر، کارگردان چندین بار به «طوفان تندر» اثر استروفسکی بازگشت. او هر روز کمتر به زیبایی ظاهری علاقه مند می شود و بیشتر و بیشتر برای درک مبانی غم انگیز هستی می کوشد.

در اواسط دهه 1920، تایروف نویسنده "خود"، اونیل، نمایشنامه نویس آمریکایی را یافت که معتقد بود تنها تراژدی می تواند فرآیندهای زندگی مدرن را بیان کند. در 11 نوامبر 1926 ، نمایشنامه "عشق زیر نارون" به نمایش درآمد که قرار بود در تاریخ تئاتر جهان ثبت شود.

طرح ساده درام اونیل از زندگی کشاورزان آمریکایی قرن نوزدهم برای تایروف ابهام یک اسطوره را داشت: «من معتقدم که در این نمایشنامه، اونیل به اوج رسید و بهترین سنت های تراژدی باستانی را زنده کرد. ادبیات مدرن.» این نمایشنامه داستان عشق غم انگیز یک نامادری (A. Koonen) به پسر خوانده اش (N. Tsereteli) و رقابت شدید آنها بر سر مزرعه را نشان می داد. حداکثر اقناع روزمره، حداکثر اصالت احساسات - و حداقل جزئیات روزمره.

در نمایشنامه "سیاهپوست" بر اساس نمایشنامه اونیل (1929)، داستان عشق الا و سیاهپوست جیم روی صحنه ظاهر شد. کونن الا که تمام زندگی قهرمان خود را در نمایشنامه از یک دختر بچه گانه گرفته تا یک زن دیوانه رنج کشیده زندگی می کند، در اجرای خود به اوج تراژیکی رسید. واکنش خود اونیل به اجراهای «سیاهپوست» و «عشق زیر سنجد» قابل توجه است: «وقتی اجراهای شما را دیدم چقدر تحسین و قدردانی کردم... آنها کاملاً معنای درونی کار من را منتقل کردند. تئاتر فانتزی خلاق همیشه ایده آل من بوده است. تئاتر مجلسی این رویا را محقق کرد.»

در این میان، مدرنیته مدام خواستار آن بود که تئاتر نمایشی «همگام با انقلاب» خلق کند و یک قهرمان مثبت مدرن را به نمایش بگذارد. تایروف یا رمان «ناتالیا تارپووا» (1929) اثر اس. سمنوف، یا فیلمنامه «خط شلیک» اثر ن. نیکیتین (1931)، یا تراژدی رمانتیک «سوناتای رقت انگیز» ام. کولیش (1931)، یا نمایشنامه «ال. پروومایسکی» را دوباره کار کرد و اقتباس کرد. سربازان گمنام» (1932). اما ساخت این نمایشنامه های بسیار ناقص تا حد زیادی اجباری بود.

ملاقات تئاتر مجلسی با وسوولود ویشنفسکی به این دلیل قابل توجه بود که نمایشنامه نویس و تیم خلاق در هنر بسیار نزدیک بودند. هم نویسنده و هم تئاتر به دنبال یافتن اشکال تاریخی، حماسی و رمانتیک از خلاقیت صحنه بودند. «تراژدی خوش بینانه» ویشنوفسکی داستانی احساسی درباره این است که چگونه یک گروه هرج و مرج از ملوانان، تحت تأثیر یک کمیسر زن (A. Koonen) به یک هنگ انقلابی متحد تبدیل می شود. طایروف گفت: «کل خط احساسی، پلاستیکی و ریتمیک تولید باید بر روی نوعی منحنی منتهی شود که از انکار به تأیید، از مرگ به زندگی، از هرج و مرج به هارمونی، از هرج و مرج به نظم آگاهانه منتهی شود.» اوج مارپیچ صعودی، مرگ کمیسر بود که با پیروزی ایده او روشن شد. "آسمان، زمین، انسان" - یک شعار کوتاه برای اجرا، که توسط هنرمند آن V. Ryndin اختراع شده است، به طور دقیق برنامه Tairov را تدوین می کند. این اجرا درباره پیروزی روح انسان صحبت کرد، انسان را تجلیل کرد و به او ایمان آورد.

در اولین نمایش فصل بعدی - "شب های مصر" - تایروف قصد داشت در یک اجرا "سزار و کلئوپاترا" اثر برنارد شاو، "شب های مصر" اثر پوشکین و "آنتونی و کلئوپاترا" اثر شکسپیر را ترکیب کند. این آزمایش مخاطره آمیز عمدتاً متکی به شجاعت و جاه طلبی کونن بود که مدت ها توسط تصویر زن بزرگ مصری جذب شده بود. با این حال، پس از این اجرا، تئاتر مجلسی در مطبوعات و در بحث ها شروع به فرمالیستی نامید، که چگونه تعمیم های فلسفی تایروف درک شد، که در مورد ارتباط بین سرنوشت یک فرد و سرنوشت دوران صحبت کرد.

پس از تراژدی «شب‌های مصر»، تئاتر اپرای کمیک «بوگاتیرز» (1936) اثر آ. بورودین را با متن جدیدی از دمیان بدنی روی صحنه برد. این عینک روشن، رنگارنگ، کمی تلطیف شده بود تا شبیه مینیاتورهای پالخ باشد. به زودی اتهامات تحریف گذشته تاریخی مردم روسیه مطرح شد. این اجرا فیلمبرداری شد.

انتقادات از هر طرف به تئاتر مجلسی و کارگردان آن وارد شد. استدلال می شد که در عمل تئاتر یک "سیستم حملات پنهانی علیه حزب ما، نظام شوروی و انقلاب اکتبر" وجود دارد. کار بر روی اپرای پروکوفیف یوجین اونگین باید متوقف می شد. در اوت 1937، با یک تصمیم قوی، تئاتر اتاق تایروف و تئاتر رئالیستی اوخلوپکوف ادغام شدند. این دو سال ادامه داشت. هرج و مرج در گروه متحد مصنوعی حاکم بود.

در سال 1940 ، اجرای عالی دیگری از تایروف ظاهر شد ، جایی که استعداد غم انگیز آلیس کونن دوباره قدرتمند به نظر می رسید - "مادام بواری" به گفته فلوبر. کارگردان فلوبر را به معنای سنتی دراماتیسم نکرد - او درام این رمان را آشکار کرد و به اعماق روح انسان نگاه کرد.

جنگ تئاتر را در تور لنینگراد پیدا کرد. حرکت عجولانه به مسکو. اوایل شهریور ماه، نمایش «گردان به غرب می رود» اثر گ. مدیوانی روی صحنه رفت.

تئاتر مجلسی تنها در تخلیه بلخاش و برنائول بیش از 500 نمایش اجرا کرد. از جمله اولین نمایش های این دوره می توان به «جلو» ساخته آ. کورنیچوک، «آسمان مسکو» ساخته جی. مدیوانی، «تا زمانی که قلب بایستد» ​​اثر کی. توسط Vs. ویشنفسکی

در سال 1944، مرغ دریایی در تئاتر مجلسی به روی صحنه رفت. اصل اصلی تولید عبارت چخوف بود: «نیازی به تئاتر نیست. همه اینها فقط ضروری است، بسیار ساده.» تایروف در توضیح انتخاب این نمایش گفت که "مرغ دریایی" به نظر می رسد "مثل نمایشنامه ای است که اکنون ایجاد شده است و نشان می دهد که چگونه یک فرد همه چیز را تسخیر می کند و به زندگی می رود ، زیرا نینا زارچنایا بازیگر بزرگی خواهد بود. "مرغ دریایی" نمایشی است با ایمان زیاد به یک شخص، به ستاره اش، به آینده اش، به امکاناتش.

کارگردان تنها قطعاتی از متن چخوف را برداشت. بازیگران بدون آرایش بازی می کردند - متن را مطابق نقش خود می خواندند و گهگاه میزانسن را در یک صحنه عملاً خالی تغییر می دادند. سخنرانی "مرغ دریایی" مانند موسیقی بود که با ملودی های چایکوفسکی ادغام شد.

اجرای دیگری از Tairov در سال 1944، "Guilty Without Guilt" با کمک هنرمند V. Ryndin، A.N. استروفسکی رنگارنگی، شیرینی و اندوه تئاتر باستانی را به تصویر می کشد. چیزی از تنهایی آلباتروس بودلر در این کونن کروچینینا بود، در نگاه جدا شده اش، به دوردست ها، بالای سر مردم اطرافش، در حرکاتش، بی اختیار سریع و تند، نامتناسب با ریتم ها و تمپوهای که انبوه شخصیت‌های دیگر حرکت کردند، - B. Alpers در روزهای اکران خواهد نوشت.

سال های آخر تئاتر مجلسی بسیار دراماتیک بود. به اصطلاح "مبارزه با غرض ورزی به غرب" در کشور آشکار شده است. درام شوروی دهه 1940 انتخاب زیادی برای تایروف نداشت. به اینها باید مشکلاتی را که در درون خود مجموعه به خاطر کمپ های آموزشی ضعیف، تعطیلی مدرسه بازیگری در تئاتر، ساختمانی فرسوده که نیاز به تعمیر داشت، اضافه کرد...

البته طایروف جنگید. او استدلال کرد، دفاع کرد، نزد مقامات رفت، اشتباهات خود را پذیرفت. من هم امیدوار بودم که تئاتر را نجات دهم. او با جستجوی بی نتیجه برای یافتن نویسندگان و نمایشنامه های جدید مواجه شد. و سالن خالی منتظرش بود. و هرج و مرج پشت پرده. و کمیسیون های بررسی وضعیت تئاتر. و در 19 مه 1949 با تصمیم کمیته هنر ، طایروف از تئاتر مجلسی اخراج شد.

در 29 می، "آدرین لکوورور" برای آخرین بار اجرا شد. آلیسا کونن با الهام و از خودگذشتگی بازی کرد. «تئاتر، قلب من دیگر با هیجان موفقیت نمی تپد. آه که چقدر تئاتر را دوست داشتم... هنر! و چیزی از من باقی نخواهد ماند، چیزی جز خاطرات...» آخرین سخنان آدرین، خداحافظی سازندگان تئاتر مجلسی با تماشاگران شد.

پس از بسته شدن پرده - تشویق، گریه های سپاسگزاری، اشک. پرده بارها بالا رفت، اما تماشاگران هنوز آنجا را ترک نکردند. سرانجام به دستور تایروف پرده آهنین پایین کشیده شد. همه چیز تمام شده بود.

کمیته هنر کونن و تایروف (به عنوان کارگردان دیگر) را به تئاتر واختانگف منتقل کرد. مدت زیادی در آنجا نماندند، نه پیشنهاد کاری به آنها داده شد و نه قولی در آینده به آنها داده شد. به زودی تایروف و کونن کاغذی دریافت کردند که در آن به نمایندگی از دولت، از آنها برای سالها کارشان تشکر شد و پیشنهاد شد که به "یک استراحت شرافتمندانه، یک مستمری کهولت" بروند (طایروف در آن زمان حدود 65 ساله بود، کونن. - 59). این آخرین ضربه ای بود که الکساندر یاکولویچ باید تحمل کند.

در 9 آگوست 1950، تئاتر مجلسی به تئاتر درام مسکو به نام A.S. پوشکین و در نتیجه عملاً منحل شد.

در ماه سپتامبر، سلامتی الکساندر یاکولویچ به طرز چشمگیری بدتر شد. تایروف در 25 سپتامبر 1950 در بیمارستان سولوویوف درگذشت.

جلسات هنری با الکساندر تایروف. هنرمندی درباره هنرمندان!

الکساندر تایروفشخصی که می تواند غافلگیر، الهام بخش، و قلب ما را برای کشف احساسات و دانش جدید هیجان زده کند، ما را با سرسختی در زندگی هنرمند گوستاو کلیمت غرق کند.

الکساندر تایروف- هنرمند مشهور، منتقد هنری، عضو اتحادیه هنرمندان از سال 1985، میزبان جلسات هنری در مسکو، نووسیبیرسک، کراسنویارسک، سن پترزبورگ!

دوستان عزیز، نکته اصلی این است که از کنار داستان نویسانی مانند الکساندر تایروف عبور نکنید. سخنان او، مانند گلوله ای که دقیقاً به سمت هدف پرواز می کند، قلب شما را سوراخ می کند، جهان بینی شما را در کسری از ثانیه تغییر می دهد و چیز جدیدی را وارد آن می کند که در ابتدا ناشناخته است.

شخصیت هنرمندی که اسکندر از آن صحبت می کند لایه به لایه آشکار می شود و شبیه بوم نقاشی است که رنگ هایی از همان پالت را مرحله به مرحله روی آن می زنند و تا پایان عصر می توانید دست خط هنرمند را به وضوح ببینید.

جلسات هنری در حال برگزاری است در قالب نمایشگاه تکثیرو این منحصر به فرد است، زیرا بسیاری از آنها همه نقاشی های کلیمت را در یک مکان ندیده اند و شاید هرگز نبینند - آنها در موزه های سراسر جهان پراکنده شده اند یا در مجموعه های خصوصی هستند.

"آرت نو حسی اثر گوستاو کلیمت"

گوستاو کلیمتهنرمند برجسته اتریشی قرن بیستم. بنیانگذار سبک آرت نوو.

نقاشی زینتی گوستاو کلیمتاو به عجیب‌ترین وجه در تصاویر واقعی قهرمانان نقاشی‌هایش می‌بافد.

مناظر زیبای گوستاو کلیمت جشنی از طبیعت سبک غیرمعمول است که با رنگ های روشن، موزاییک و گرافیکی نقاشی شده است.

این هنرمند در کارهای خود اغلب به تم تمثیل روی می آورد ، تصاویر غنایی از زنان و گل ها را نقاشی می کرد ، زیبایی نفسانی را تجلیل می کرد و سعی می کرد لحظات زودگذر هماهنگی را به تصویر بکشد. گوستاو کلیمت با ایجاد پرتره های سفارشی از زنان، زیبایی و جوانی مدل های خود را "نجات داد" و تصاویر آنها را جاودانه کرد.

غریبه ها به سختی می توانستند باور کنند که گوستاو کلیمت یک هنرمند است. شباهت بیرونی به یک دهقان ساده، چهره قدرتمند، قد بلند و دستان قوی با تصویر یک خبره پیچیده زیبایی، که آثارش سرشار از احساسات لطیف و سایه های طلایی است، مطابقت نداشت.

جلوی چشمان ما اتفاق می افتد نمایش تک نفرهالکساندر تایروف کاریزماتیک، هنری و احساسی (هنرمند، عضو اتحادیه هنرمندان از سال 1985. هنرمند ارشد دانشگاه فنی دولتی نووسیبیرسک. شرکت کننده در نمایشگاه های منطقه ای، جمهوری و بین المللی).

شنوندگان در داستان هنرمند غوطه ور می شوند، با آن عجین می شوند و نقاشی ها به معنای کامل خود آشکار می شوند.

آیا می خواهید بدانید پشت شخصیت رسوا و پرشور گوستاو کلیمت چه چیزی پنهان شده بود؟

پرتره های حسی زن چگونه ایجاد شد؟

آیا می خواهید سبک خاص و از نظر احساسی خیره کننده بنیانگذار Art Nouveau را احساس کنید؟

روشن نشست هنری با الکساندر تایروفهمراه با حقایق شناخته شده، درباره گوستاو کلیمت چیزی می شنوید که مورخان هنر و زندگی نامه نویسان گاهی متوجه آن نمی شوند، اما آنچه نقاشی های او به شکلی پنهان درباره آن صحبت می کنند و زوایای پنهان روح شخصی که آنها را خلق کرده است، پنهان می کنند. ..

منتظرت هستم!!!

مراحل ثبت نام و پرداخت:

1. باید از طریق سامانه تایم پد در رویداد ثبت نام کنید

2. مشارکت با پیش پرداخت به کارت Tinkoff 5536 9137 9980 6183 - 980 روبل. برای 1 نفر مهم! هیچ نیازی به ذکر چیزی در هدف پرداخت وجود ندارد!!!

3. هزینه شرکت با پرداخت نقدی در روز رویداد 1200 روبل است، مشروط به در دسترس بودن!

سازمان دهنده در VK