رژیم های غذایی

تابلوی «پرتره یک هنرمند (استخر با دو فیگور)» اثر دیوید هاکنی در حراج کریستی نیویورک به قیمت رکورد 90 میلیون و 315.5 هزار دلار فروخته شد.

دیوید هاکنی (زاده ۹ ژوئیه ۱۹۳۷) یک هنرمند، گرافیست و عکاس انگلیسی است که بیشتر عمر خود را در ایالات متحده گذراند. نماینده برجسته هنر پاپ در دهه 1960، او را یکی از تأثیرگذارترین هنرمندان قرن بیستم می دانند.

دیوید هاکنی 81 ساله به گران ترین هنرمند زنده تبدیل شده است. بی بی سی می نویسد که خانه حراج این تابلو را 80 میلیون دلار ارزش گذاری کرده است. این تقریباً سه برابر بیشتر از رکورد قبلی هاکنی است - در ماه می سال جاری، اثر او "بزرگراه ساحل اقیانوس آرام و سانتا مونیکا" (1990) به قیمت 28.5 میلیون دلار در ساتبیز فروخته شد.

«استخر با دو فیگور» گران‌ترین اثر یک نویسنده زنده شد که در حراج فروخته شد و هاکنی گران‌ترین هنرمند زنده شد.

• پیش از این، این عنوان متعلق به جف کونز، هنرمند 63 ساله آمریکایی بود که "سگ بالون (نارنجی)" او از فولاد ضد زنگ در حراج کریستی در سال 2013 به قیمت 58 میلیون دلار فروخته شد.
• هنرمند خیابانی آمریکایی ران انگلیش "کار برده" به قیمت 730 هزار دلار قول داد که آن را کاملا سفید رنگ کند.
• آویز مروارید با الماس ملکه ماری آنتوانت فرانسه (1755-1793).

خانه حراج کریستیز به قیمت 432.5 هزار دلار فروخته شد

"بازیکنان کارت"

نویسنده

پل سزان کشور
فرانسه 1839–1906
سالهای زندگی سبک

این هنرمند در جنوب فرانسه در شهر کوچک اکس آن پروونس به دنیا آمد، اما نقاشی را در پاریس آغاز کرد. موفقیت واقعی پس از یک نمایشگاه شخصی که توسط کلکسیونر آمبرویز ولارد سازماندهی شد به او رسید. در سال 1886، 20 سال قبل از خروج، او به حومه شهر خود نقل مکان کرد. هنرمندان جوان سفر به او را "زیارت ایکس" نامیدند.

130x97 سانتی متر
1895
قیمت
250 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2012
در حراج خصوصی

کار سزان به راحتی قابل درک است. تنها قانون هنرمند انتقال مستقیم یک شی یا طرح بر روی بوم بود، بنابراین نقاشی های او باعث گیجی بیننده نمی شود. سزان در هنر خود دو سنت اصلی فرانسوی را ترکیب کرد: کلاسیک و رمانتیسم. او با کمک بافت های رنگارنگ، شکل اجسام را انعطاف پذیری شگفت انگیزی بخشید.

مجموعه پنج نقاشی "بازیکنان کارت" در سالهای 1890-1895 نقاشی شده است. طرح آنها یکسان است - چندین نفر با اشتیاق پوکر بازی می کنند. آثار فقط در تعداد بازیکنان و اندازه بوم متفاوت است.

چهار نقاشی در موزه‌های اروپا و آمریکا نگهداری می‌شوند (موزه اورسای، موزه هنر متروپولیتن، بنیاد بارنز و موسسه هنر کورتولد)، و پنجمین تا همین اواخر، زینت مجموعه خصوصی مالک کشتی میلیاردر یونانی بود. گئورگ امبیریکوس اندکی قبل از مرگش، در زمستان 2011، تصمیم گرفت آن را برای فروش بگذارد. خریداران بالقوه اثر «رایگان» سزان، دلال هنری ویلیام آکواولا و صاحب گالری مشهور جهان لری گاگوسیان بودند که حدود 220 میلیون دلار برای آن پیشنهاد کردند. در نتیجه، این نقاشی به مبلغ 250 میلیون به خانواده سلطنتی کشور عربی رسید. بزرگترین معامله هنری در تاریخ نقاشی در فوریه 2012 بسته شد. روزنامه نگار الکساندرا پیرس این را در Vanity Fair گزارش کرد. او از هزینه نقاشی و نام صاحب جدید مطلع شد و سپس این اطلاعات در رسانه های سراسر جهان رخنه کرد.

در سال 2010، موزه هنر مدرن عرب و موزه ملی قطر در قطر افتتاح شد. اکنون مجموعه آنها در حال رشد است. شاید نسخه پنجم The Card Players توسط شیخ به همین منظور خریداری شده باشد.

بیشتریننقاشی گران قیمتدر جهان

مالک
شیخ حمد
بن خلیفه آل ثانی

خاندان آل ثانی بیش از 130 سال بر قطر حکومت کرده است. حدود نیم قرن پیش، ذخایر عظیم نفت و گاز در اینجا کشف شد که بلافاصله قطر را به یکی از غنی ترین مناطق جهان تبدیل کرد. به لطف صادرات هیدروکربن، این کشور کوچک بیشترین تولید ناخالص داخلی سرانه را دارد. شیخ حمد بن خلیفه آل ثانی در سال 1995 در حالی که پدرش در سوئیس بود با حمایت اعضای خانواده قدرت را به دست گرفت. شایستگی حاکم فعلی به اعتقاد کارشناسان در راهبرد روشن برای توسعه کشور و ایجاد تصویر موفق از کشور است. قطر هم اکنون دارای قانون اساسی و نخست وزیر است و زنان حق رای در انتخابات پارلمانی دارند. به هر حال، این امیر قطر بود که شبکه خبری الجزیره را تأسیس کرد. مقامات کشور عرب توجه زیادی به فرهنگ دارند.

2

"شماره 5"

"بازیکنان کارت"

جکسون پولاک

پل سزان ایالات متحده آمریکا
فرانسه 1912–1956
سالهای زندگی اکسپرسیونیسم انتزاعی

جک آبپاش - این لقبی بود که مردم آمریکا به پولاک برای تکنیک خاص نقاشی او داده بودند. هنرمند قلم مو و سه پایه را رها کرد و در حین حرکت مداوم در اطراف و داخل آنها، روی سطح بوم یا تخته فیبر رنگ ریخت. او از دوران کودکی به فلسفه جیدو کریشنامورتی علاقه مند بود که پیام اصلی آن این است که حقیقت در خلال یک "سرریز" آزاد آشکار می شود.

122x244 سانتی متر
1948
قیمت
140 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2006
در حراج ساتبیز

ارزش کار پولاک نه در نتیجه، بلکه در فرآیند است. تصادفی نیست که نویسنده هنر خود را "نقاشی اکشن" نامیده است. با دست سبک او به سرمایه اصلی آمریکا تبدیل شد. جکسون پولاک رنگ را با ماسه و شیشه شکسته مخلوط کرد و با یک تکه مقوا، یک چاقوی پالت، یک چاقو و یک گردگیر نقاشی کرد. این هنرمند به قدری محبوب بود که در دهه 1950 مقلدان حتی در اتحاد جماهیر شوروی پیدا شد. تابلوی "شماره 5" به عنوان یکی از عجیب ترین و گران ترین نقاشی های جهان شناخته می شود. یکی از بنیانگذاران DreamWorks، دیوید گفن، آن را برای یک مجموعه خصوصی خریداری کرد و در سال 2006 آن را در حراج ساتبی به قیمت 140 میلیون دلار به کلکسیونر مکزیکی دیوید مارتینز فروخت. با این حال، این شرکت حقوقی به زودی یک بیانیه مطبوعاتی از طرف موکل خود منتشر کرد که در آن اعلام کرد که دیوید مارتینز صاحب این نقاشی نیست. تنها یک چیز به طور قطع شناخته شده است: سرمایه دار مکزیکی واقعاً اخیراً آثار هنری مدرن را جمع آوری کرده است. بعید است که او چنین "ماهی بزرگ" مانند "شماره 5" پولاک را از دست داده باشد.

3

"زن سوم"

"بازیکنان کارت"

ویلم دی کونینگ

پل سزان ایالات متحده آمریکا
فرانسه 1904–1997
سالهای زندگی اکسپرسیونیسم انتزاعی

او که اهل هلند بود در سال 1926 به آمریکا مهاجرت کرد. در سال 1948 نمایشگاه شخصی این هنرمند برگزار شد. منتقدان هنری از ترکیبات پیچیده و عصبی سیاه و سفید قدردانی کردند و نویسنده خود را به عنوان یک هنرمند مدرنیست بزرگ شناختند. او بیشتر عمرش از اعتیاد به الکل رنج می برد، اما لذت خلق هنر جدید در هر اثری احساس می شود. دی کونینگ با تکانشی بودن نقاشی و ضربات گسترده اش متمایز می شود، به همین دلیل است که گاهی اوقات تصویر در مرزهای بوم نمی گنجد.

121x171 سانتی متر
1953
قیمت
137 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2006
در حراج خصوصی

در دهه 1950، زنانی با چشمان خالی، سینه های حجیم و چهره های زشت در نقاشی های دو کونینگ ظاهر شدند. «زن سوم» آخرین اثر از این مجموعه بود که به حراج گذاشته شد.

از دهه 1350 این تابلو در موزه هنرهای مدرن تهران نگهداری می شد، اما پس از اعمال قوانین سختگیرانه اخلاقی در کشور، سعی در رهایی از آن داشتند. در سال 1994 این اثر از ایران صادر شد و 12 سال بعد صاحب آن دیوید گفن (همان تهیه‌کننده‌ای که «شماره 5» جکسون پولاک را فروخت) این نقاشی را به مبلغ 137.5 میلیون دلار به میلیونر استیون کوهن فروخت. جالب است که در یک سال گفن شروع به فروش مجموعه نقاشی های خود کرد. این باعث شایعات زیادی شد: به عنوان مثال، اینکه تهیه کننده تصمیم به خرید روزنامه لس آنجلس تایمز گرفته است.

در یکی از انجمن های هنری، نظری در مورد شباهت "زن سوم" با نقاشی "بانوی با ارمینه" اثر لئوناردو داوینچی بیان شد. در پشت لبخند دندان‌دار و چهره بی‌شکل قهرمان، خبره نقاشی، لطف فردی با خون سلطنتی را می‌دید. تاج نامناسبی که تاج سر زن را کشیده است نیز گواه این امر است.

4

"پرتره ادلبلوخ-بائر اول"

"بازیکنان کارت"

گوستاو کلیمت

پل سزان اتریش
فرانسه 1862–1918
سالهای زندگی مدرن

گوستاو کلیمت در خانواده یک حکاکی به دنیا آمد و دومین فرزند از هفت فرزند بود. سه پسر ارنست کلیمت هنرمند شدند، اما تنها گوستاو در سراسر جهان مشهور شد. او بیشتر دوران کودکی خود را در فقر گذراند. پس از مرگ پدر، او مسئول کل خانواده شد. در این زمان بود که کلیمت سبک خود را توسعه داد. هر بیننده ای در مقابل نقاشی هایش یخ می زند: اروتیسم صریح در زیر ضربات نازک طلا به وضوح قابل مشاهده است.

138x136 سانتی متر
1907
قیمت
135 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2006
در حراج ساتبیز

سرنوشت این نقاشی که "مونالیزای اتریشی" نامیده می شود، می تواند به راحتی مبنایی برای یک پرفروش شود. کار این هنرمند باعث درگیری بین کل یک ایالت و یک خانم مسن شد.

بنابراین، "پرتره آدل بلوخ-بائر اول" یک اشراف زاده، همسر فردیناند بلوخ را به تصویر می کشد. آخرین آرزوی او اهدای نقاشی به گالری دولتی اتریش بود. با این حال، بلوخ در وصیت نامه خود این کمک مالی را لغو کرد و نازی ها این نقاشی را مصادره کردند. بعداً ، گالری به سختی آدل طلایی را خرید ، اما پس از آن یک وارث ظاهر شد - ماریا آلتمن ، خواهرزاده فردیناند بلوخ.

در سال 2005، دادگاه پرمخاطب "ماریا آلتمان علیه جمهوری اتریش" آغاز شد که در نتیجه فیلم با او به لس آنجلس "ترک" شد. اتریش اقدامات بی سابقه ای انجام داد: مذاکراتی در مورد وام انجام شد، مردم برای خرید پرتره پول اهدا کردند. خیر هرگز شر را شکست نداد: آلتمن قیمت را به 300 میلیون دلار افزایش داد. در زمان رسیدگی، او 79 ساله بود و به عنوان فردی که اراده بلوخ باوئر را به نفع منافع شخصی تغییر داد، در تاریخ ثبت شد. این تابلو توسط رونالد لادر، صاحب گالری نیو در نیویورک خریداری شد و تا به امروز در آنجا باقی مانده است. نه برای اتریش، برای او آلتمن قیمت را به 135 میلیون دلار کاهش داد.

5

"جیغ"

"بازیکنان کارت"

ادوارد مونک

پل سزان نروژ
فرانسه 1863–1944
سالهای زندگی اکسپرسیونیسم

اولین نقاشی مونک که در سراسر جهان مشهور شد، "دختر بیمار" (پنج نسخه وجود دارد) به خواهر این هنرمند که در سن 15 سالگی بر اثر بیماری سل درگذشت، تقدیم شده است. مونک همیشه به موضوع مرگ و تنهایی علاقه مند بود. در آلمان، نقاشی سنگین و شیدایی او حتی یک رسوایی را برانگیخت. با این حال، با وجود سوژه های افسرده، نقاشی های او مغناطیس خاصی دارد. برای مثال «جیغ» را در نظر بگیرید.

73.5x91 سانتی متر
1895
قیمت
119.992 میلیون دلار
فروخته شده در 2012
در حراج ساتبیز

عنوان کامل نقاشی Der Schrei der Natur (از آلمانی به عنوان "فریاد طبیعت" ترجمه شده است). چهره یک انسان یا یک بیگانه بیانگر ناامیدی و وحشت است - همان احساساتی که بیننده هنگام تماشای تصویر تجربه می کند. یکی از آثار کلیدی اکسپرسیونیسم درباره مضامینی که در هنر قرن بیستم حاد شده اند هشدار می دهد. طبق یک نسخه، این هنرمند تحت تأثیر یک اختلال روانی که در تمام زندگی خود از آن رنج می برد، آن را ایجاد کرد.

این تابلو دو بار از موزه های مختلف به سرقت رفت، اما پس داده شد. The Scream که پس از سرقت اندکی آسیب دیده بود، بازسازی شد و دوباره برای نمایش در موزه مونک در سال 2008 آماده شد. برای نمایندگان فرهنگ پاپ، این اثر به منبع الهام تبدیل شد: اندی وارهول یک سری نسخه چاپی از آن ایجاد کرد و ماسک فیلم "جیغ" به تصویر و شبیه قهرمان تصویر ساخته شد.

برای یک موضوع، مونک چهار نسخه از این اثر را نوشت: نسخه ای که در یک مجموعه خصوصی است با رنگ پاستل ساخته شده است. پتر اولسن، میلیاردر نروژی، آن را در 2 می 2012 به حراج گذاشت. خریدار لئون بلک بود که از رکوردی برای «جیغ» دریغ نکرد. بنیانگذار Apollo Advisors، L.P. و Lion Advisors، L.P. به خاطر عشقش به هنر معروف است. بلک حامی کالج دارتموث، موزه هنر مدرن، مرکز هنر لینکلن و موزه هنر متروپولیتن است. این مجموعه دارای بزرگترین مجموعه نقاشی های هنرمندان معاصر و استادان کلاسیک قرن های گذشته است.

6

"برهنه در پس زمینه نیم تنه و برگ های سبز"

"بازیکنان کارت"

پابلو پیکاسو

پل سزان اسپانیا، فرانسه
فرانسه 1881–1973
سالهای زندگی کوبیسم

او در اصل اسپانیایی است، اما از نظر روحیه و محل زندگی او یک فرانسوی واقعی است. پیکاسو زمانی که تنها 16 سال داشت استودیوی هنری خود را در بارسلونا افتتاح کرد. سپس به پاریس رفت و بیشتر عمر خود را در آنجا گذراند. به همین دلیل نام خانوادگی او دارای لهجه دوگانه است. سبک ابداع شده توسط پیکاسو بر اساس انکار این ایده است که یک شیء به تصویر کشیده شده روی بوم را فقط از یک زاویه می توان مشاهده کرد.

130x162 سانتی متر
1932
قیمت
106.482 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2010
در حراج کریستی

این هنرمند در طول کار خود در رم با رقصنده اولگا خوخلوا آشنا شد که به زودی همسر او شد. او به ولگردی پایان داد و با او به یک آپارتمان مجلل نقل مکان کرد. در آن زمان، شناخت قهرمان را پیدا کرده بود، اما ازدواج از بین رفت. یکی از گران‌ترین نقاشی‌های جهان تقریباً به‌طور تصادفی خلق شد - به دلیل عشق زیاد، که مانند همیشه با پیکاسو، عمر کوتاهی داشت. در سال 1927، او به ماری ترز والتر جوان علاقه مند شد (او 17 ساله بود، او 45 ساله بود). او مخفیانه از همسرش به همراه معشوقه خود به شهری در نزدیکی پاریس رفت و در آنجا پرتره ای کشید که ماری ترز را در تصویر دافنه به تصویر می کشید. این بوم توسط فروشنده نیویورکی پل روزنبرگ خریداری شد و در سال 1951 آن را به سیدنی اف برودی فروخت. برودی ها این نقاشی را تنها یک بار و تنها به این دلیل به جهانیان نشان دادند که این هنرمند 80 ساله شده بود. پس از مرگ همسرش، خانم برودی این اثر را در مارس 2010 در حراج کریستی به حراج گذاشت. طی شش دهه، قیمت بیش از 5000 برابر افزایش یافته است! یک کلکسیونر ناشناس آن را به قیمت 106.5 میلیون دلار خرید. در سال 2011، "نمایشگاه یک نقاشی" در بریتانیا برگزار شد، جایی که برای دومین بار منتشر شد، اما نام صاحب آن هنوز مشخص نیست.

7

"هشت الویس"

"بازیکنان کارت"

اندی وارهول

پل سزان ایالات متحده آمریکا
فرانسه 1928-1987
سبک
هنر پاپ

اندی وارهول، هنرمند کالت هنر پاپ، کارگردان، یکی از بنیانگذاران مجله Interview، طراح، اندی وارهول، گفت: "سکس و مهمانی ها تنها مکان هایی هستند که باید شخصاً ظاهر شوید." او با Vogue و Harper's Bazaar کار کرد، جلدهای ضبط را طراحی کرد و برای شرکت I.Miller کفش طراحی کرد. در دهه 1960، نقاشی هایی ظاهر شدند که نمادهای آمریکا را نشان می دادند: سوپ کمپبل و کوکاکولا، پریسلی و مونرو - که او را به یک افسانه تبدیل کرد.

358x208 سانتی متر
1963
قیمت
100 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2008
در حراج خصوصی

وارهول دهه 60 نامی بود که به عصر هنر پاپ در آمریکا داده شد. در سال 1962، او در منهتن در استودیو Factory، جایی که همه بوهمیای نیویورک گرد هم آمده بودند، کار کرد. نمایندگان برجسته آن: میک جگر، باب دیلن، ترومن کاپوتی و دیگر شخصیت های مشهور جهان. در همان زمان، وارهول تکنیک چاپ سیلک را آزمایش کرد - تکرار مکرر یک تصویر. او همچنین از این روش هنگام خلق «هشت الویس» استفاده کرد: به نظر می‌رسد بیننده فیلمی را می‌بیند که در آن ستاره زنده می‌شود. در اینجا همه چیزهایی وجود دارد که این هنرمند بسیار دوست داشت: یک تصویر عمومی برد-برد، رنگ نقره ای و پیشگویی از مرگ به عنوان پیام اصلی.

دو دلال هنری وجود دارند که آثار وارهول را در بازار جهانی امروز تبلیغ می کنند: لری گاگوسیان و آلبرتو موگرابی. اولی در سال 2008 200 میلیون دلار برای به دست آوردن بیش از 15 اثر از وارهول هزینه کرد. دومی نقاشی‌هایش را مانند کارت‌های کریسمس می‌خرد و فقط با قیمت بالاتری می‌فروشد. اما این آنها نبودند، بلکه فیلیپ سگالوت، مشاور هنری متواضع فرانسوی بود که به هنرشناس رومی، آنیبال برلینگیری، کمک کرد تا «هشت الویس» را به خریدار ناشناس به مبلغ رکوردی برای وارهول - 100 میلیون دلار، بفروشد.

8

"نارنجی،قرمز، زرد"

"بازیکنان کارت"

مارک روتکو

پل سزان ایالات متحده آمریکا
فرانسه 1903–1970
سالهای زندگی اکسپرسیونیسم انتزاعی

یکی از خالقان نقاشی میدان رنگی در دوینسک روسیه (در حال حاضر داوگاوپیلس، لتونی) در خانواده ای بزرگ از یک داروساز یهودی متولد شد. در سال 1911 آنها به ایالات متحده مهاجرت کردند. روتکو در بخش هنر دانشگاه ییل تحصیل کرد و بورسیه تحصیلی گرفت، اما احساسات ضد یهودی او را مجبور به ترک تحصیل کرد. علیرغم همه چیز، منتقدان هنری این هنرمند را بت می‌دانستند و موزه‌ها در تمام زندگی او را تعقیب می‌کردند.

206x236 سانتی متر
1961
قیمت
86.882 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2012
در حراج کریستی

اولین آزمایش‌های هنری روتکو جهت‌گیری سوررئالیستی بود، اما با گذشت زمان او طرح را ساده‌تر کرد تا لکه‌ها را رنگی کند و آنها را از هرگونه عینیت محروم کرد. در ابتدا آنها سایه های روشن داشتند و در دهه 1960 به رنگ قهوه ای و بنفش درآمدند و تا زمان مرگ هنرمند ضخیم تر به سیاه شدند. مارک روتکو هشدار داد که در نقاشی هایش به دنبال هر معنایی نباشید. نویسنده می خواست دقیقاً همان چیزی را بگوید که می گوید: فقط رنگ در هوا حل می شود و نه بیشتر. او توصیه کرد که آثار را از فاصله 45 سانتی متری تماشا کنید تا بیننده مانند قیف به داخل رنگ کشیده شود. مراقب باشید: مشاهده بر اساس تمام قوانین می تواند به تأثیر مراقبه منجر شود، یعنی آگاهی از بی نهایت، غوطه ور شدن کامل در خود، آرامش و پاکسازی به تدریج به وجود می آید. رنگ در نقاشی های او زندگی می کند، نفس می کشد و تأثیر عاطفی قوی دارد (می گویند گاهی شفابخش). این هنرمند اعلام کرد: تماشاگر باید در حین نگاه کردن به آنها گریه کند و چنین مواردی در واقع اتفاق افتاده است. بر اساس تئوری روتکو، در این لحظه مردم همان تجربه معنوی را تجربه می کنند که او هنگام کار روی نقاشی انجام می داد. اگر توانستید آن را در چنین سطح ظریفی درک کنید، تعجب نخواهید کرد که این آثار هنر انتزاعی اغلب توسط منتقدان با نمادها مقایسه می شوند.

اثر «نارنجی، قرمز، زرد» بیانگر ماهیت نقاشی مارک روتکو است. قیمت اولیه آن در حراج کریستیز در نیویورک 35 تا 45 میلیون دلار است. یک خریدار ناشناس قیمتی دو برابر تخمین زده است. نام صاحب خوش شانس نقاشی، همانطور که اغلب اتفاق می افتد، فاش نشده است.

9

"سه گانه"

"بازیکنان کارت"

فرانسیس بیکن

پل سزان
انگلستان
فرانسه 1909–1992
سبک اکسپرسیونیسم

ماجراهای فرانسیس بیکن، همنام کامل و همچنین از نوادگان دور فیلسوف بزرگ، زمانی آغاز شد که پدرش او را انکار کرد، زیرا نمی‌توانست تمایلات همجنس‌گرایانه پسرش را بپذیرد. بیکن ابتدا به برلین رفت، سپس به پاریس، و سپس آهنگ های او در سراسر اروپا گیج شد. در طول زندگی او، آثار او در مراکز فرهنگی برجسته جهان از جمله موزه گوگنهایم و گالری ترتیاکوف به نمایش گذاشته شد.

147.5x198 سانتی متر (هر کدام)
1976
قیمت
86.2 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2008
در حراج ساتبیز

موزه‌های معتبر به دنبال تصاحب نقاشی‌های بیکن بودند، اما عموم مردم اولیه انگلیسی عجله‌ای برای دستیابی به چنین هنری نداشتند. مارگارت تاچر، نخست وزیر افسانه ای بریتانیا درباره او گفت: مردی که این تصاویر وحشتناک را ترسیم می کند.

خود این هنرمند دوران پس از جنگ را شروع کار خود می دانست. پس از بازگشت از خدمت، دوباره به نقاشی پرداخت و شاهکارهای بزرگی خلق کرد. قبل از حضور در «تریپتیک، 1976»، گران‌ترین اثر بیکن «مطالعه برای پرتره پاپ اینوسنت ایکس» (52.7 میلیون دلار) بود. در "Triptych، 1976" این هنرمند طرح اسطوره ای آزار و اذیت اورستس توسط خشمگین ها را به تصویر کشید. البته اورستس خود بیکن است و Furies عذاب اوست. برای بیش از 30 سال، این نقاشی در یک مجموعه خصوصی بود و در نمایشگاه ها شرکت نمی کرد. این واقعیت به آن ارزش ویژه ای می بخشد و بر این اساس هزینه را افزایش می دهد. اما چند میلیون برای یک هنرشناس و در عین حال سخاوتمند چیست؟ رومن آبراموویچ در دهه 1990 شروع به ایجاد مجموعه خود کرد، که در آن به طور قابل توجهی تحت تأثیر دوست خود داشا ژوکوا قرار گرفت که یک گالری دار مد روز در روسیه مدرن شد. بر اساس داده های غیررسمی، این تاجر شخصا صاحب آثاری از آلبرتو جاکومتی و پابلو پیکاسو است که به مبلغ بیش از 100 میلیون دلار خریداری شده است. در سال 2008 او صاحب سه گانه شد. به هر حال، در سال 2011، اثر ارزشمند دیگری از بیکن به دست آمد - "سه طرح برای پرتره لوسیان فروید". منابع پنهان می گویند که رومن آرکادیویچ دوباره خریدار شد.

10

"برکه با نیلوفرهای آبی"

"بازیکنان کارت"

کلود مونه

پل سزان کشور
فرانسه 1840–1926
سالهای زندگی امپرسیونیسم

این هنرمند به عنوان بنیانگذار امپرسیونیسم شناخته می شود که این روش را در بوم های خود "اختراع" کرد. اولین اثر مهم نقاشی "ناهار روی چمن" (نسخه اصلی اثر ادوارد مانه) بود. در جوانی کاریکاتور می کشید و در سفرهایش در ساحل و در هوای آزاد به نقاشی واقعی پرداخت. او در پاریس سبک زندگی غیرمتعارفی داشت و حتی پس از خدمت در ارتش آن را ترک نکرد.

210x100 سانتی متر
1919
قیمت
80.5 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2008
در حراج کریستی

مونه علاوه بر این که هنرمند بزرگی بود، باغبانی مشتاق نیز بود و حیات وحش و گل ها را می پرستید. در مناظر او، وضعیت طبیعت لحظه ای است، به نظر می رسد اشیاء با حرکت هوا تار می شوند. این تصور با سکته‌های بزرگ از فاصله‌ای مشخص، نامرئی می‌شوند و در یک تصویر سه‌بعدی بافته می‌شوند. در نقاشی های مونه متاخر موضوع آب و زندگی در آن جایگاه ویژه ای دارد. در شهر گیورنی، این هنرمند حوضچه خود را داشت، جایی که نیلوفرهای آبی را از دانه هایی که مخصوصاً از ژاپن آورده بود پرورش داد. وقتی گلهایشان شکوفا شد، شروع به کشیدن کرد. مجموعه "نیلوفرهای آبی" شامل 60 اثر است که این هنرمند تقریباً 30 سال تا زمان مرگش نقاشی کرده است. بینایی او با افزایش سن بدتر شد، اما او متوقف نشد. بسته به باد، زمان سال و آب و هوا، ظاهر حوض دائما در حال تغییر بود و مونه می خواست این تغییرات را به تصویر بکشد. او با کار دقیق به ماهیت طبیعت پی برد. برخی از نقاشی‌های این مجموعه در گالری‌های پیشرو در جهان نگهداری می‌شوند: موزه ملی هنر غربی (توکیو)، Orangerie (پاریس). نسخه بعدی "برکه با نیلوفرهای آبی" با مبلغ بی سابقه ای به دست یک خریدار ناشناس رفت.

11

ستاره کاذب تی

"بازیکنان کارت"

جاسپر جانز

پل سزان ایالات متحده آمریکا
سال تولد 1930
سبک هنر پاپ

در سال 1949، جونز وارد مدرسه طراحی در نیویورک شد. او در کنار جکسون پولاک، ویلم دی کونینگ و دیگران به عنوان یکی از هنرمندان اصلی قرن بیستم شناخته می شود. او در سال 2012 مدال آزادی ریاست جمهوری را دریافت کرد که بالاترین افتخار غیرنظامی در ایالات متحده است.

137.2x170.8 سانتی متر
1959
قیمت
80 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2006
در حراج خصوصی

جونز مانند مارسل دوشان با اشیاء واقعی کار می کرد و آنها را بر روی بوم و مجسمه سازی کاملاً مطابق با نمونه اصلی به تصویر می کشید. او برای کارهایش از اشیاء ساده و قابل فهم استفاده می کرد: بطری آبجو، پرچم یا کارت. در فیلم شروع کاذب ترکیب بندی مشخصی وجود ندارد. به نظر می رسد هنرمند در حال بازی با بیننده است و اغلب به اشتباه رنگ های نقاشی را برچسب گذاری می کند و مفهوم رنگ را وارونه می کند: "من می خواستم راهی برای به تصویر کشیدن رنگ پیدا کنم تا بتوان آن را با روش دیگری تعیین کرد." به گفته منتقدان، انفجاری ترین و "غیر مطمئن" نقاشی او توسط یک خریدار ناشناس خریداری شد.

12

"نشستهبرهنهروی مبل"

"بازیکنان کارت"

آمدئو مودیلیانی

پل سزان ایتالیا، فرانسه
فرانسه 1884–1920
سبک اکسپرسیونیسم

مودیلیانی اغلب از دوران کودکی بیمار بود و در طی یک هذیان تب، سرنوشت خود را به عنوان یک هنرمند تشخیص داد. او طراحی را در لیورنو، فلورانس، ونیز آموخت و در سال 1906 به پاریس رفت و هنرش در آنجا شکوفا شد.

65x100 سانتی متر
1917
قیمت
68.962 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2010
در حراج ساتبیز

در سال 1917، مودیلیانی با ژان هبوترن 19 ساله آشنا شد که مدل و سپس همسرش شد. در سال 2004، یکی از پرتره های او به قیمت 31.3 میلیون دلار فروخته شد که آخرین رکورد قبل از فروش برهنه نشسته روی مبل در سال 2010 بود. این نقاشی توسط یک خریدار ناشناس با حداکثر قیمت برای مودیلیانی در حال حاضر خریداری شد. فروش فعال آثار تنها پس از مرگ این هنرمند آغاز شد. او در فقر درگذشت و به بیماری سل مبتلا شد و روز بعد ژان هبوترن که نه ماهه باردار بود نیز خودکشی کرد.

13

"عقاب روی کاج"

"بازیکنان کارت"

چی بایشی

پل سزان چین
فرانسه 1864–1957
سبک گوهوا

علاقه به خوشنویسی، چی بایشی را به سمت نقاشی سوق داد. در 28 سالگی شاگرد هنرمند هو چینگیوان شد. وزارت فرهنگ چین به او عنوان "هنرمند بزرگ مردم چین" را اعطا کرد و در سال 1956 جایزه بین المللی صلح را دریافت کرد.

10 در 26 سانتی متر
1946
قیمت
65.4 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2011
در حراج گاردین چین

چی بایشی به آن مظاهر دنیای اطراف علاقه داشت که خیلی ها به آن اهمیت نمی دهند و این عظمت اوست. مردی بدون تحصیلات استاد و خالق برجسته ای در تاریخ شد. پابلو پیکاسو در مورد او گفت: "من می ترسم به کشور شما بروم، زیرا چی بایشی در چین وجود دارد." ترکیب "عقاب روی درخت کاج" به عنوان بزرگترین اثر این هنرمند شناخته می شود. علاوه بر بوم، شامل دو طومار هیروگلیف است. برای چین، مبلغی که این اثر برای آن خریداری شده است، یک رکورد است - 425.5 میلیون یوان. طومار خوشنویس باستانی هوانگ تینجیان به تنهایی 436.8 میلیون فروخته شد.

14

"1949-الف-شماره 1"

"بازیکنان کارت"

کلیفورد استیل

پل سزان ایالات متحده آمریکا
فرانسه 1904–1980
سبک اکسپرسیونیسم انتزاعی

در 20 سالگی از موزه هنر متروپولیتن نیویورک دیدن کردم و ناامید شدم. بعداً برای یک دوره در لیگ هنرهای دانشجویی ثبت نام کرد، اما 45 دقیقه پس از شروع کلاس آن را ترک کرد - معلوم شد که "برای او نیست". اولین نمایشگاه شخصی طنین انداز شد، هنرمند خود را پیدا کرد و با آن شناخت پیدا کرد

79x93 سانتی متر
1949
قیمت
61.7 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2011
در حراج ساتبیز

هنوز تمام آثارش، بیش از 800 بوم و 1600 اثر روی کاغذ را به یکی از شهرهای آمریکا وصیت کرده است که موزه ای به نام او در آنجا افتتاح خواهد شد. دنور به چنین شهری تبدیل شد، اما ساخت و ساز به تنهایی برای مقامات گران تمام شد و برای تکمیل آن، چهار اثر به حراج گذاشته شد. بعید است آثار استیل دوباره به حراج گذاشته شود که قیمت آنها را پیشاپیش افزایش داده است. تابلوی "1949-A-No.1" با مبلغی بی سابقه برای این هنرمند فروخته شد، اگرچه کارشناسان فروش را حداکثر 25 تا 35 میلیون دلار پیش بینی کردند.

15

"ترکیب سوپرماتیستی"

"بازیکنان کارت"

کازیمیر مالویچ

پل سزان روسیه
فرانسه 1878–1935
سبک برتری طلبی

مالویچ در مدرسه هنر کیف و سپس در آکادمی هنر مسکو نقاشی خواند. در سال 1913، او شروع به کشیدن نقاشی‌های هندسی انتزاعی به سبکی کرد که آن را سوپرماتیسم (از لاتین به معنای «سلطه») نامید.

71x88.5 سانتی متر
1916
قیمت
60 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2008
در حراج ساتبیز

این نقاشی حدود 50 سال در موزه شهر آمستردام نگهداری می شد، اما پس از 17 سال اختلاف با بستگان مالویچ، موزه آن را تحویل داد. این هنرمند این اثر را در همان سال با "مانیفست سوپرماتیسم" نقاشی کرد، بنابراین ساتبیز حتی قبل از حراج اعلام کرد که با قیمت کمتر از 60 میلیون دلار وارد یک مجموعه خصوصی نخواهد شد. و همینطور هم شد. بهتر است از بالا به آن نگاه کنید: شکل های روی بوم شبیه یک نمای هوایی از زمین است. به هر حال، چند سال قبل، همین اقوام «ترکیب سوپرماتیست» دیگری را از موزه موما سلب مالکیت کردند تا آن را در حراج فیلیپس به قیمت 17 میلیون دلار بفروشند.

16

"حمام کنندگان"

"بازیکنان کارت"

پل گوگن

پل سزان کشور
فرانسه 1848–1903
سبک سبک

این هنرمند تا هفت سالگی در پرو زندگی می کرد، سپس با خانواده خود به فرانسه بازگشت، اما خاطرات دوران کودکی مدام او را به سفر سوق می داد. در فرانسه شروع به نقاشی کرد و با ون گوگ دوست شد. او حتی چندین ماه را با او در آرل گذراند تا اینکه ون گوگ در جریان یک نزاع گوش او را برید.

93.4x60.4 سانتی متر
1902
قیمت
55 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2005
در حراج ساتبیز

در سال 1891، گوگن فروش نقاشی های خود را ترتیب داد تا از درآمد حاصل از آن برای سفر به اعماق جزیره تاهیتی استفاده کند. او در آنجا آثاری خلق کرد که در آنها پیوند ظریفی بین طبیعت و انسان احساس می شود. گوگن در کلبه ای کاهگلی زندگی می کرد و بهشتی استوایی روی بوم هایش شکوفا شد. همسر او تهورای 13 ساله تاهیتی بود، که این هنرمند را از درگیر شدن در روابط فحشا منع نکرد. او که به سیفلیس مبتلا شد، راهی فرانسه شد. با این حال، آنجا برای گوگن شلوغ بود و او به تاهیتی بازگشت. این دوره "تاهیتی دوم" نامیده می شود - در آن زمان بود که نقاشی "حمام کنندگان" نقاشی شد که یکی از مجلل ترین آثار او بود.

17

"نرگس و رومیزی با رنگ های آبی و صورتی"

"بازیکنان کارت"

هانری ماتیس

پل سزان کشور
فرانسه 1869–1954
سبک فوویسم

در سال 1889، هانری ماتیس دچار حمله آپاندیسیت شد. زمانی که دوران نقاهت پس از عمل جراحی را می گذراند، مادرش برایش رنگ خرید. ماتیس ابتدا از روی بی حوصلگی از کارت پستال های رنگی کپی می کرد، سپس از آثار نقاشان بزرگی که در لوور دیده بود کپی می کرد و در آغاز قرن بیستم سبکی را به وجود آورد - فوویسم.

65.2x81 سانتی متر
1911
قیمت
46.4 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2009
در حراج کریستی

نقاشی "نرگس و سفره آبی و صورتی" برای مدت طولانی متعلق به ایو سن لوران بود. پس از مرگ کوتور، کل مجموعه هنری او به دست دوست و معشوقش پیر برگر رسید، که تصمیم گرفت آن را به حراجی در کریستیز بگذارد. مروارید مجموعه فروخته شده نقاشی "نرگس و سفره ای به رنگ آبی و صورتی" بود که به جای بوم روی یک سفره معمولی نقاشی شده بود. به عنوان نمونه ای از فوویسم، پر از انرژی رنگ است، رنگ ها به نظر منفجر می شوند و فریاد می زنند. از سری نقاشی های معروفی که روی سفره ها کشیده شده اند، امروزه این اثر تنها اثری است که در یک مجموعه خصوصی قرار دارد.

18

"دختر خفته"

"بازیکنان کارت"

رویلی

هتنشتاین

پل سزان ایالات متحده آمریکا
فرانسه 1923–1997
سبک هنر پاپ

این هنرمند در نیویورک متولد شد و پس از فارغ التحصیلی از مدرسه به اوهایو رفت و در آنجا دوره های هنری را گذراند. در سال 1949، لیختنشتاین مدرک کارشناسی ارشد هنرهای زیبا دریافت کرد. علاقه او به کمیک و توانایی اش در استفاده از کنایه او را به یک هنرمند کالت قرن گذشته تبدیل کرد.

91x91 سانتی متر
1964
قیمت
44.882 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2012
در حراج ساتبیز

یک روز آدامس به دست لیختنشتاین افتاد. او این عکس را از درج روی بوم دوباره کشید و مشهور شد. این داستان از زندگی نامه او حاوی کل پیام هنر پاپ است: مصرف خدای جدید است و زیبایی در لفاف آدامس کمتر از مونالیزا نیست. نقاشی‌های او یادآور کمیک‌ها و کارتون‌ها هستند: لیختنشتاین به سادگی تصویر تمام‌شده را بزرگ‌تر کرد، رستر کشید، از چاپ روی صفحه و چاپ سیلک استفاده کرد. نقاشی "دختر خفته" تقریباً 50 سال متعلق به مجموعه داران بئاتریس و فیلیپ گرش بود که وارثان آنها آن را در حراجی فروختند.

19

"پیروزی. بوگی ووگی"

"بازیکنان کارت"

پیت موندریان

پل سزان هلند
فرانسه 1872–1944
سبک نئوپلاستیسیزم

این هنرمند زمانی که در سال 1912 به پاریس نقل مکان کرد، نام واقعی خود، کورنلیس، را به موندریان تغییر داد. او به همراه هنرمند تئو ون دوزبورگ، جنبش نئوپلاستیکیسم را پایه گذاری کرد. زبان برنامه نویسی Piet به نام Mondrian نامگذاری شده است.

27x127 سانتی متر
1944
قیمت
40 میلیون دلار
فروخته شد در سال 1998
در حراج ساتبیز

«موسیقی‌ترین» هنرمندان قرن بیستم از طبیعت‌های بی‌جان آبرنگ امرار معاش می‌کردند، اگرچه او به عنوان یک هنرمند نئوپلاستیک مشهور شد. او در دهه 1940 به ایالات متحده آمریکا نقل مکان کرد و بقیه عمر خود را در آنجا گذراند. جاز و نیویورک بیشتر از همه الهام بخش او بودند! نقاشی "پیروزی. Boogie-Woogie» بهترین مثال برای این موضوع است. مربع های شسته و رفته با استفاده از نوار چسب، ماده مورد علاقه موندریان، به دست آمد. در آمریکا او را "معروف ترین مهاجر" می نامیدند. در دهه شصت، ایو سن لوران لباس‌های معروف جهانی «موندریان» را با طرح‌های چهارخانه بزرگ عرضه کرد.

20

"ترکیب شماره 5"

"بازیکنان کارت"

واسیلیکاندینسکی

پل سزان روسیه
فرانسه 1866–1944
سبک آوانگارد

این هنرمند در مسکو متولد شد و پدرش اهل سیبری بود. پس از انقلاب سعی کرد با دولت شوروی همکاری کند، اما به زودی متوجه شد که قوانین پرولتاریا برای او ایجاد نشده است و بدون مشکل به آلمان مهاجرت کرد.

275x190 سانتی متر
1911
قیمت
40 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2007
در حراج ساتبیز

کاندینسکی یکی از اولین کسانی بود که نقاشی اشیاء را کاملاً رها کرد و به همین دلیل عنوان نابغه را دریافت کرد. در دوران نازیسم در آلمان، نقاشی‌های او به عنوان «هنر منحط» طبقه‌بندی می‌شد و در هیچ کجا به نمایش گذاشته نمی‌شد. در سال 1939، کاندینسکی تابعیت فرانسه را گرفت و در پاریس آزادانه در روند هنری شرکت کرد. نقاشی های او مانند فوگ ها "صدا" هستند، به همین دلیل است که بسیاری از آنها "ترکیب" نامیده می شوند (اولین در سال 1910 نوشته شد و آخرین در سال 1939). «آهنگسازی شماره 5» یکی از آثار کلیدی این ژانر است: «کلمه آهنگسازی برای من مثل یک دعا بود. برخلاف بسیاری از پیروانش، او آنچه را که روی بوم بزرگی به تصویر می‌کشد، طوری برنامه‌ریزی کرد که انگار در حال نوشتن یادداشت‌ها است.

21

"مطالعه یک زن آبی پوش"

"بازیکنان کارت"

فرنان لژر

پل سزان کشور
فرانسه 1881–1955
سبک کوبیسم - پست امپرسیونیسم

لژه تحصیلات معماری دریافت کرد و سپس در مدرسه هنرهای زیبای پاریس شرکت کرد. این هنرمند خود را پیرو سزان می‌دانست، مدافع کوبیسم بود و در قرن بیستم به عنوان یک مجسمه‌ساز نیز موفق بود.

96.5x129.5 سانتی متر
1912-1913
قیمت
39.2 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2008
در حراج ساتبیز

دیوید نورمن، رئیس بخش بین المللی امپرسیونیسم و ​​مدرنیسم در ساتبیز، مبلغ هنگفتی را که برای «بانوی آبی پوش» پرداخت شده است کاملاً موجه می داند. این نقاشی متعلق به مجموعه معروف لژر است (هنرمند سه نقاشی با موضوع مشابه کشیده است که آخرین آنها امروز در دست شخصی است. - ویرایش)، و سطح بوم به شکل اصلی خود حفظ شده است. خود نویسنده این اثر را به گالری Der Sturm داد، سپس به مجموعه هرمان لانگ، کلکسیونر آلمانی مدرنیسم رسید و اکنون به خریدار ناشناس تعلق دارد.

22

«صحنه خیابان. برلین"

"بازیکنان کارت"

ارنست لودویگکرشنر

پل سزان آلمان
فرانسه 1880–1938
سبک اکسپرسیونیسم

برای اکسپرسیونیسم آلمانی، کرشنر به یک فرد نمادین تبدیل شد. با این حال، مقامات محلی او را به پایبندی به "هنر منحط" متهم کردند که به طرز غم انگیزی بر سرنوشت نقاشی های او و زندگی هنرمندی که در سال 1938 خودکشی کرد تأثیر گذاشت.

95x121 سانتی متر
1913
قیمت
38.096 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2006
در حراج کریستی

پس از نقل مکان به برلین، کرشنر 11 طرح از صحنه های خیابانی را خلق کرد. او از شلوغی و عصبی بودن شهر بزرگ الهام گرفته بود. در این نقاشی که در سال 2006 در نیویورک فروخته شد، وضعیت مضطرب هنرمند به شدت احساس می شود: مردم در خیابان برلین شبیه پرندگان هستند - برازنده و خطرناک. این آخرین اثر از مجموعه معروف فروخته شده در حراج بود. در سال 1937، نازی‌ها با کرشنر به شدت رفتار کردند: 639 اثر او از گالری‌های آلمان حذف شدند، نابود شدند یا در خارج فروخته شدند. هنرمند نتوانست از این وضعیت جان سالم به در ببرد.

23

"تعطیلات"رقصنده"

"بازیکنان کارت"

ادگار دگا

پل سزان کشور
فرانسه 1834–1917
سبک امپرسیونیسم

تاریخ دگا به عنوان یک هنرمند با کار او به عنوان کپی نویس در موزه لوور آغاز شد. او رویای "مشهور و ناشناخته" شدن را در سر داشت و در نهایت موفق شد. دگا 80 ساله در پایان عمر خود، ناشنوا و نابینا، به حضور در نمایشگاه ها و حراج ها ادامه داد.

64x59 سانتی متر
1879
قیمت
37.043 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2008
در حراج ساتبیز

دگا گفت: "بالرین ها همیشه برای من فقط بهانه ای برای به تصویر کشیدن پارچه ها و ثبت حرکت بوده اند." به نظر می رسد صحنه هایی از زندگی رقصندگان جاسوسی شده است: دختران برای هنرمند ژست نمی گیرند، بلکه به سادگی بخشی از فضا می شوند که توسط نگاه دگا گرفتار می شود. "رقصنده در حال استراحت" در سال 1999 به قیمت 28 میلیون دلار فروخته شد و کمتر از 10 سال بعد به قیمت 37 میلیون دلار خریداری شد - امروزه این گرانترین اثر این هنرمند است که تا به حال به حراج گذاشته شده است. دگا توجه زیادی به قاب ها داشت، خودش آنها را طراحی کرد و تغییر آنها را ممنوع کرد. من تعجب می کنم چه قاب بر روی تابلو فروخته شده نصب شده است؟

24

"نقاشی"

"بازیکنان کارت"

جوآن میرو

پل سزان اسپانیا
فرانسه 1893–1983
سبک هنر انتزاعی

در طول جنگ داخلی اسپانیا، این هنرمند در طرف جمهوری خواهان بود. در سال 1937 از رژیم فاشیستی به پاریس گریخت و در آنجا با خانواده اش در فقر زندگی کرد. در این دوره، میرو نقاشی "کمک به اسپانیا!" را کشید و توجه تمام جهان را به سلطه فاشیسم جلب کرد.

89x115 سانتی متر
1927
قیمت
36.824 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2012
در حراج ساتبیز

عنوان دوم نقاشی "ستاره آبی" است. این هنرمند در همان سال آن را نقاشی کرد، زمانی که اعلام کرد: "من می خواهم نقاشی را بکشم" و بی رحمانه بوم ها را مسخره کرد، رنگ را با ناخن خراشید، پرها را به بوم چسباند، آثار را با زباله پوشاند. هدف او از بین بردن اسطوره های راز نقاشی بود، اما با کنار آمدن با این، میرو اسطوره خود را خلق کرد - انتزاع سورئال. "نقاشی" او به چرخه "نقاشی رویایی" تعلق دارد. در حراج، چهار خریدار برای آن مبارزه کردند، اما یک تماس تلفنی ناشناس اختلاف را حل کرد و "نقاشی" گران ترین نقاشی هنرمند شد.

25

"رز آبی"

"بازیکنان کارت"

ایو کلاین

پل سزان کشور
فرانسه 1928–1962
سبک نقاشی تک رنگ

این هنرمند در خانواده ای از نقاشان به دنیا آمد، اما زبان های شرقی، ناوبری، هنر طلاکاری قاب، بودیسم ذن و بسیاری دیگر را مطالعه کرد. شخصیت و شیطنت‌های گستاخ او چند برابر نقاشی‌های تک رنگ جالب‌تر بود.

153x199x16 سانتی متر
1960
قیمت
36.779 میلیون دلار
در سال 2012 فروخته شد
در حراج کریستیز

اولین نمایشگاه آثار تک رنگ زرد، نارنجی و صورتی توجه عمومی را برانگیخت. کلاین آزرده شد و دفعه بعد 11 بوم یکسان ارائه کرد که با اولترامارین مخلوط شده با یک رزین مصنوعی خاص رنگ شده بود. او حتی این روش را به ثبت رساند. این رنگ به عنوان "آبی کلاین بین المللی" در تاریخ ثبت شد. این هنرمند همچنین پوچی را فروخت، نقاشی هایی را با قرار دادن کاغذ در معرض باران، آتش زدن مقوا، ساختن چاپی از بدن یک شخص روی بوم خلق کرد. در یک کلام، من به بهترین شکل ممکن آزمایش کردم. برای ایجاد "رز آبی" از رنگدانه های خشک، رزین، سنگریزه و یک اسفنج طبیعی استفاده کردم.

26

"در جستجوی موسی"

"بازیکنان کارت"

سر لارنس آلما تادما

پل سزان انگلستان
فرانسه 1836–1912
سبک نئوکلاسیک

خود سر لارنس پیشوند «آلما» را به نام خانوادگی‌اش اضافه کرد تا بتواند در فهرست‌های هنری اول فهرست شود. در انگلستان ویکتوریایی، نقاشی های او چنان مورد تقاضا بود که به این هنرمند نشان شوالیه اعطا شد.

213.4x136.7 سانتی متر
1902
قیمت
35.922 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2011
در حراج ساتبیز

موضوع اصلی کار آلما تادما دوران باستان بود. او در نقاشی های خود سعی کرد دوران امپراتوری روم را با کوچکترین جزئیات به تصویر بکشد، برای این کار او حتی کاوش های باستان شناسی را در شبه جزیره آپنین انجام داد و در خانه لندن خود فضای داخلی تاریخی آن سال ها را بازتولید کرد. موضوعات اساطیری منبع الهام دیگری برای او شد. این هنرمند در طول زندگی خود تقاضای زیادی داشت، اما پس از مرگ او به سرعت فراموش شد. اکنون علاقه دوباره احیا شده است، همانطور که هزینه نقاشی "در جستجوی موسی" که هفت برابر بیشتر از برآورد پیش فروش است، نشان می دهد.

27

"پرتره یک مقام برهنه خوابیده"

"بازیکنان کارت"

لوسیان فروید

پل سزان آلمان،
انگلستان
فرانسه 1922–2011
سبک نقاشی فیگوراتیو

این هنرمند نوه زیگموند فروید، پدر روانکاوی است. پس از استقرار فاشیسم در آلمان، خانواده وی به بریتانیا مهاجرت کردند. آثار فروید در موزه مجموعه والاس در لندن است، جایی که هیچ هنرمند معاصری قبلاً در آن به نمایش گذاشته نشده است.

219.1x151.4 سانتی متر
1995
قیمت
33.6 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2008
در حراج کریستی

در حالی که هنرمندان شیک قرن بیستم «نقاط رنگی مثبت» روی دیوار ایجاد کردند و آن‌ها را به میلیون‌ها نفر فروختند، فروید نقاشی‌های بسیار طبیعت‌گرایانه کشید و آنها را حتی بیشتر فروخت. او گفت: "من گریه های روح و رنج گوشت در حال محو شدن را ضبط می کنم." منتقدان معتقدند که همه اینها "میراث" زیگموند فروید است. این نقاشی‌ها به قدری فعالانه نمایش داده شده و با موفقیت فروخته می‌شوند که کارشناسان شروع به شک کردند: آیا آنها خاصیت خواب آور دارند؟ به گزارش سان، پرتره یک مقام برهنه خوابیده که در حراجی فروخته شد، توسط رومن آبراموویچ، متخصص زیبایی و میلیاردر خریداری شد.

28

"ویولن و گیتار"

"بازیکنان کارت"

Xیک گریس

پل سزان اسپانیا
فرانسه 1887–1927
سبک کوبیسم

در مادرید متولد شد و در آنجا از مدرسه هنر و صنایع دستی فارغ التحصیل شد. در سال 1906 به پاریس نقل مکان کرد و وارد حلقه تأثیرگذارترین هنرمندان آن دوره شد: پیکاسو، مودیلیانی، براک، ماتیس، لژر، و همچنین با سرگئی دیاگیلف و گروهش کار کرد.

5*100 سانتی متر
1913
قیمت
28.642 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2010
در حراج کریستی

گریس، به قول خودش، مشغول «معماری مسطح و رنگی» بود. نقاشی های او دقیقاً فکر شده است: او حتی یک ضربه تصادفی از خود باقی نگذاشته است که خلاقیت را شبیه به هندسه می کند. این هنرمند نسخه مخصوص به خود از کوبیسم را خلق کرد، اگرچه به پابلو پیکاسو، پدر بنیانگذار جنبش احترام زیادی داشت. جانشین حتی اولین اثر خود را به سبک کوبیسم، "ادای احترام به پیکاسو" به او تقدیم کرد. نقاشی "ویولن و گیتار" در آثار این هنرمند برجسته شناخته شده است. گریس در طول زندگی خود مشهور و مورد علاقه منتقدان و منتقدان هنری بود. آثار او در بزرگترین موزه های جهان به نمایش گذاشته شده و در مجموعه های خصوصی نگهداری می شود.

29

"پرترهفیلدهای الوار"

"بازیکنان کارت"

سالوادور دالی

پل سزان اسپانیا
فرانسه 1904–1989
سبک سوررئالیسم

دالی زمانی که از گروه سوررئالیست اخراج شد گفت: «سوررئالیسم من هستم. با گذشت زمان، او به معروف ترین هنرمند سورئالیست تبدیل شد. آثار دالی همه جا هست، نه فقط در گالری ها. به عنوان مثال، این او بود که با بسته بندی Chupa Chups آمد.

25x33 سانتی متر
1929
قیمت
20.6 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2011
در حراج ساتبیز

در سال 1929، پاول الوارد شاعر و همسر روسی اش گالا به دیدار تحریک کننده و نزاع گر بزرگ دالی آمدند. این ملاقات آغاز یک داستان عاشقانه بود که بیش از نیم قرن به طول انجامید. تابلوی «پرتره پل الوارد» در این بازدید تاریخی کشیده شد. این هنرمند گفت: "احساس کردم که مسئولیت گرفتن چهره شاعری که یکی از الهه ها را از المپش دزدیدم به من سپرده شده است." قبل از ملاقات با گالا، او باکره بود و از فکر رابطه جنسی با یک زن منزجر بود. مثلث عشق تا زمان مرگ الوار وجود داشت و پس از آن به دوئت دالی-گالا تبدیل شد.

30

"سالگرد"

"بازیکنان کارت"

مارک شاگال

پل سزان روسیه، فرانسه
فرانسه 1887–1985
سبک آوانگارد

مویشه سگال در ویتبسک متولد شد، اما در سال 1910 به پاریس مهاجرت کرد، نام خود را تغییر داد و به هنرمندان برجسته آوانگارد آن دوران نزدیک شد. در دهه 1930، در زمان تصرف قدرت توسط نازی ها، با کمک کنسول آمریکا راهی ایالات متحده شد. او تنها در سال 1948 به فرانسه بازگشت.

80x103 سانتی متر
1923
قیمت
14.85 میلیون دلار
فروخته شده 1990
در حراج ساتبیز

نقاشی "سالگرد" به عنوان یکی از بهترین آثار این هنرمند شناخته شده است. این شامل تمام ویژگی های کار او است: قوانین فیزیکی جهان پاک می شود، احساس یک افسانه در مناظر زندگی بورژوازی حفظ می شود و عشق در مرکز طرح است. شاگال مردم را از زندگی نمی‌کشید، بلکه فقط از حافظه یا تخیل استفاده می‌کرد. نقاشی "سالگرد" خود هنرمند و همسرش بلا را به تصویر می کشد. این تابلو در سال 1990 فروخته شد و از آن زمان تاکنون به حراج نرسیده است. جالب اینجاست که موزه هنر مدرن نیویورک MoMA دقیقاً همان موزه را در خود جای داده است، فقط با نام "تولد". به هر حال، قبلاً نوشته شده بود - در سال 1915.

پروژه را آماده کرد
تاتیانا پالاسوا
رتبه بندی گردآوری شده است
طبق لیست www.art-spb.ru
مجله tmn شماره 13 (مه-ژوئن 2013)

اگر فکر می کنید که همه هنرمندان بزرگ در گذشته هستند، پس نمی دانید چقدر در اشتباه هستید. در این مقاله با مشهورترین و با استعدادترین هنرمندان زمان ما آشنا خواهید شد. و، باور کنید، آثار آنها کمتر از آثار استادان دوران گذشته در حافظه شما باقی خواهد ماند.

وویچ بابسکی

وویچ بابسکی هنرمند معاصر لهستانی است. او تحصیلات خود را در مؤسسه پلی تکنیک سیلزی به پایان رساند، اما با خود همراه شد. او اخیراً عمدتاً زنان را نقاشی می کند. بر بیان احساسات تمرکز می کند، تلاش می کند تا با استفاده از وسایل ساده بیشترین تأثیر ممکن را به دست آورد.

رنگ را دوست دارد، اما اغلب از سایه های سیاه و خاکستری استفاده می کند تا بهترین تاثیر را داشته باشد. از آزمایش کردن تکنیک های جدید و متفاوت نمی ترسید. اخیراً او محبوبیت فزاینده ای در خارج از کشور به دست آورده است، عمدتاً در بریتانیا، جایی که او با موفقیت آثار خود را که در حال حاضر در بسیاری از مجموعه های خصوصی یافت می شود، به فروش می رساند. او علاوه بر هنر به کیهان شناسی و فلسفه نیز علاقه دارد. به موسیقی جاز گوش می دهد. در حال حاضر در کاتوویتس زندگی و کار می کند.

وارن چانگ

وارن چانگ هنرمند معاصر آمریکایی است. او در سال 1957 متولد شد و در مونتری، کالیفرنیا بزرگ شد و در سال 1981 از کالج طراحی مرکز هنر در پاسادنا فارغ التحصیل شد و مدرک BFA را دریافت کرد. در طول دو دهه بعد، او قبل از شروع کار به عنوان یک هنرمند حرفه ای در سال 2009، به عنوان تصویرگر برای شرکت های مختلف در کالیفرنیا و نیویورک کار کرد.

نقاشی های رئالیستی او را می توان به دو دسته اصلی تقسیم کرد: نقاشی های داخلی زندگی نامه ای و نقاشی هایی که افراد را در حال کار به تصویر می کشند. علاقه او به این سبک نقاشی به کارهای هنرمند قرن شانزدهم یوهانس ورمیر برمی گردد و به موضوعات، سلف پرتره ها، پرتره های اعضای خانواده، دوستان، دانش آموزان، فضای داخلی استودیو، کلاس های درس و خانه ها می رسد. هدف او ایجاد روحیه و احساس در نقاشی های رئالیستی خود از طریق دستکاری نور و استفاده از رنگ های خاموش است.

چانگ پس از روی آوردن به هنرهای زیبای سنتی مشهور شد. در طی 12 سال گذشته، او جوایز و افتخارات متعددی را به دست آورده است که معتبرترین آنها امضای استاد نقاشان روغن آمریکا، بزرگترین انجمن نقاشی رنگ روغن در ایالات متحده است. فقط یک نفر از 50 نفر فرصت دریافت این جایزه را دارد. وارن در حال حاضر در مونتری زندگی می کند و در استودیوی خود کار می کند و همچنین در آکادمی هنر سانفرانسیسکو تدریس می کند (معروف به عنوان یک معلم با استعداد).

اورلیو برونی

اورلیو برونی هنرمند ایتالیایی است. متولد 15 اکتبر 1955 در بلر. او دیپلم صحنه نگاری را از موسسه هنر در اسپولتو دریافت کرد. به عنوان یک هنرمند، او خودآموخته است، زیرا او به طور مستقل "خانه ای از دانش" را بر اساس پایه گذاری شده در مدرسه بنا کرد. او نقاشی با رنگ روغن را از 19 سالگی آغاز کرد. در حال حاضر در آمبریا زندگی و کار می کند.

نقاشی های اولیه برونی ریشه در سورئالیسم دارد، اما با گذشت زمان او شروع به تمرکز بر نزدیکی رمانتیسیسم غنایی و نمادگرایی می کند و این ترکیب را با پیچیدگی و خلوص شخصیت هایش تقویت می کند. اشیاء متحرک و بی جان از حیثیت یکسانی برخوردار می شوند و تقریباً بیش از حد واقعی به نظر می رسند، اما در عین حال پشت پرده پنهان نمی شوند، بلکه به شما اجازه می دهند جوهر روح خود را ببینید. تطبیق پذیری و پیچیدگی، احساسی بودن و تنهایی، اندیشیدن و ثمربخشی روح اورلیو برونی است که از شکوه هنر و هارمونی موسیقی تغذیه می شود.

الکساندر بالوس

آلکاساندر بالوس هنرمند معاصر لهستانی متخصص در نقاشی رنگ روغن است. در سال 1970 در گلیویس، لهستان به دنیا آمد، اما از سال 1989 در ایالات متحده آمریکا، در شستا، کالیفرنیا زندگی و کار کرده است.

در کودکی زیر نظر پدرش جان، هنرمند و مجسمه ساز خودآموخته هنر آموخت، بنابراین از همان دوران کودکی، فعالیت هنری مورد حمایت همه جانبه والدین قرار گرفت. در سال 1989، در سن هجده سالگی، بالوس لهستان را به مقصد ایالات متحده ترک کرد، جایی که معلم مدرسه و هنرمند پاره وقت او کتی گاگلیاردی، آلکاساندر را تشویق کرد تا در مدرسه هنر ثبت نام کند. بالوس سپس بورسیه تحصیلی کاملی را به دانشگاه میلواکی، ویسکانسین دریافت کرد و در آنجا نزد استاد فلسفه، هری روزین، نقاشی خواند.

پس از فارغ التحصیلی در سال 1995 با مدرک لیسانس، بالوس به شیکاگو نقل مکان کرد تا در دانشکده هنرهای زیبا تحصیل کند که روش های آن بر اساس کارهای ژاک لوئیس دیوید است. رئالیسم فیگوراتیو و پرتره اکثریت آثار بالوس را در دهه 90 و اوایل دهه 2000 تشکیل دادند. امروزه بالوس بدون ارائه راه حلی از شخصیت انسان برای برجسته کردن ویژگی ها و کاستی های وجودی انسان استفاده می کند.

ترکیب های موضوعی نقاشی های او قرار است به طور مستقل توسط بیننده تفسیر شود، تنها در این صورت است که نقاشی ها معنای زمانی و ذهنی واقعی خود را به دست می آورند. در سال 2005، این هنرمند به شمال کالیفرنیا نقل مکان کرد، از آن زمان موضوع کار او به طور قابل توجهی گسترش یافته است و اکنون شامل روش های نقاشی آزادتر، از جمله انتزاع و سبک های چند رسانه ای مختلف است که به بیان ایده ها و ایده آل های هستی از طریق نقاشی کمک می کند.

آلیسا راهبان

آلیسا مونک یک هنرمند معاصر آمریکایی است. در سال 1977 در ریج وود، نیوجرسی متولد شد. من از کودکی شروع به علاقه به نقاشی کردم. او در The New School در نیویورک و دانشگاه ایالتی مونتکلر تحصیل کرد و در سال 1999 از کالج بوستون با مدرک لیسانس فارغ التحصیل شد. همزمان در آکادمی لورنزو مدیچی در فلورانس نقاشی خواند.

سپس تحصیلات خود را در مقطع کارشناسی ارشد در آکادمی هنر نیویورک در بخش هنرهای تجسمی ادامه داد و در سال 2001 فارغ التحصیل شد. او در سال 2006 از کالج فولرتون فارغ التحصیل شد. او مدتی در دانشگاه‌ها و مؤسسات آموزشی سراسر کشور سخنرانی کرد و در آکادمی هنر نیویورک و همچنین دانشگاه ایالتی مونتکلر و آکادمی هنر لایم به تدریس نقاشی پرداخت.

با استفاده از فیلترهایی مانند شیشه، وینیل، آب و بخار، بدن انسان را مخدوش می کنم. این فیلترها به شما این امکان را می دهند که مناطق بزرگی از طراحی انتزاعی ایجاد کنید، با جزایری از رنگ که در قسمت هایی از بدن انسان به چشم می خورند.

نقاشی‌های من دیدگاه مدرن از ژست‌ها و ژست‌های سنتی و سنتی زنان در حال حمام را تغییر می‌دهد. آن‌ها می‌توانستند درباره‌ی چیزهای به ظاهر بدیهی مانند فواید شنا، رقص و غیره، به بیننده‌ای توجه کنند. شخصیت‌های من به شیشه‌ی دوش فشار می‌آورند و بدن خود را تحریف می‌کنند و متوجه می‌شوند که از این طریق بر نگاه بدنام مرد به یک زن برهنه تأثیر می‌گذارند. لایه های ضخیم رنگ برای تقلید از شیشه، بخار، آب و گوشت از دور مخلوط می شوند. با این حال، از نزدیک، خواص فیزیکی شگفت انگیز رنگ روغن آشکار می شود. با آزمایش لایه‌های رنگ و رنگ، به نقطه‌ای می‌رسم که قلم‌موهای انتزاعی به چیز دیگری تبدیل می‌شوند.

زمانی که برای اولین بار نقاشی بدن انسان را شروع کردم، بلافاصله مجذوب و حتی وسواس آن شدم و معتقد بودم که باید نقاشی هایم را تا حد امکان واقعی کنم. من «اظهار» رئالیسم کردم تا اینکه شروع به آشکار شدن و آشکار شدن تناقضات در خود کرد. من اکنون در حال بررسی امکانات و پتانسیل سبکی از نقاشی هستم که در آن نقاشی بازنمایی و انتزاع با هم تلاقی می‌کنند – اگر هر دو سبک بتوانند در یک لحظه در زمان همزیستی داشته باشند، این کار را انجام خواهم داد.

آنتونیو فینیلی

هنرمند ایتالیایی – “ ناظر زمان– آنتونیو فینیلی در 23 فوریه 1985 به دنیا آمد. در حال حاضر در ایتالیا بین رم و کامپوباسو زندگی و کار می کند. آثار او در چندین گالری در ایتالیا و خارج از کشور به نمایش گذاشته شده است: رم، فلورانس، نوارا، جنوا، پالرمو، استانبول، آنکارا، نیویورک، و همچنین در مجموعه های خصوصی و عمومی یافت می شود.

نقاشی با مداد ” ناظر زمان«آنتونیو فینیلی ما را به سفری ابدی در دنیای درونی زمانمندی انسان و تحلیل دقیق این جهان می برد که عنصر اصلی آن گذر زمان و ردپایی است که بر روی پوست به جا می گذارد.

فینیلی پرتره هایی از افراد در هر سن، جنسیت و ملیت می کشد که حالات چهره آنها نشان دهنده گذر زمان است و هنرمند همچنین امیدوار است که شواهدی از بی رحمی زمان بر روی بدن شخصیت های خود بیابد. آنتونیو آثار خود را با یک عنوان کلی تعریف می‌کند: «خودنگاری»، زیرا او در طراحی‌های مداد خود نه تنها یک شخص را به تصویر می‌کشد، بلکه به بیننده اجازه می‌دهد تا به نتایج واقعی گذر زمان در درون یک شخص فکر کند.

فلامینیا کارلونی

فلامینیا کارلونی هنرمند 37 ساله ایتالیایی، دختر یک دیپلمات است. او سه فرزند دارد. او دوازده سال در رم و سه سال در انگلستان و فرانسه زندگی کرد. او مدرک تاریخ هنر را از مدرسه هنر BD دریافت کرد. سپس به عنوان مرمتگر هنر دیپلم گرفت. قبل از اینکه او را بیابد و کاملاً خود را وقف نقاشی کند، به عنوان روزنامه‌نگار، رنگ‌نویس، طراح و بازیگر کار می‌کرد.

اشتیاق فلامینیا به نقاشی در دوران کودکی به وجود آمد. رسانه اصلی او روغن است، زیرا او عاشق «پاست پاته» و همچنین بازی با مواد است. او تکنیک مشابهی را در آثار هنرمند پاسکال توروآ تشخیص داد. فلامینیا از استادان بزرگ نقاشی مانند بالتوس، هاپر و فرانسوا لگراند و همچنین جنبش های هنری مختلف الهام گرفته شده است: هنر خیابانی، رئالیسم چینی، سوررئالیسم و ​​رئالیسم رنسانس. هنرمند مورد علاقه او کاراواجو است. رویای او کشف قدرت درمانی هنر است.

دنیس چرنوف

دنیس چرنوف یک هنرمند با استعداد اوکراینی است که در سال 1978 در سامبیر، منطقه لویو، اوکراین به دنیا آمد. پس از فارغ التحصیلی از مدرسه هنر خارکف در سال 1998، در خارکف ماند و در حال حاضر در آنجا زندگی و کار می کند. او همچنین در آکادمی دولتی طراحی و هنر خارکف، گروه هنرهای گرافیکی تحصیل کرد و در سال 2004 فارغ التحصیل شد.

او به طور منظم در نمایشگاه های هنری شرکت می کند تا به امروز بیش از شصت مورد از آنها در اوکراین و خارج از کشور برگزار شده است. بیشتر آثار دنیس چرنوف در مجموعه های خصوصی در اوکراین، روسیه، ایتالیا، انگلیس، اسپانیا، یونان، فرانسه، ایالات متحده آمریکا، کانادا و ژاپن نگهداری می شود. برخی از آثار در حراج کریستی فروخته شد.

دنیس در طیف گسترده ای از تکنیک های گرافیک و نقاشی کار می کند. طراحی‌های با مداد یکی از محبوب‌ترین روش‌های نقاشی او هستند.

اصل برگرفته از vanatik05 در نقاشی آمریکایی - 5 (سنت های واقع گرایانه در قرن بیستم)

در سال 1913، انجمن نقاشان و مجسمه سازان آمریکایی اولین نمایشگاه بزرگ بین المللی هنر مدرن را با نام Armory Show در اسلحه خانه گارد ملی در خیابان لکسینگتون ترتیب داد. این به رویداد مهمی در تاریخ هنر آمریکا تبدیل شد و احساسات متفاوتی را برانگیخت: تعجب، تحسین، خشم، پرستش و طرد کامل در میان مردم آمریکا، عادت به رئالیسم، تا حدی به امپرسیونیسم، اما نه به هنر آوانگارد اروپایی. که در این نمایشگاه دید. 1300 نقاشی، مجسمه و اثر تزئینی بیش از 300 هنرمند معاصر اروپایی و آمریکایی نه تنها از نیویورک، بلکه از شیکاگو و واشنگتن بازدید کردند.

نقدهای این نمایشگاه شامل اتهامات غیراخلاقی، غیرحرفه ای، جنون، حیله گری بود، بسیاری از آثار را کاریکاتور و تقلید نقاشی نامیدند و تئودور روزولت گفت: "این اصلاً هنر نیست!"

اما مقامات مدنی مداخله نکردند و سعی نکردند نمایشگاه را ببندند و رسوایی های پیرامون آن تنها به فروش موفق بسیاری از آثاری که امروزه در موزه های آمریکا دیده می شود کمک کرد و موما (موزه هنر مدرن) می تواند به طور کلی وارث و جانشین اولین نمایشگاه هنر معاصر محسوب می شوند.

این به طور غیرمستقیم بر هنرمندان جنبش واقع‌گرایانه تأثیر گذاشت و سنت‌های واقع‌گرایانه هرگز در آمریکا از بین نرفت، نه تنها به تغییرات در تکنیک‌ها و مضامین طراحی کمک کرد، بلکه حتی گرایش‌های جدیدی را در نقاشی به‌عنوان «رئالیسم جادویی» به وجود آورد.

و انشعاب آن «دقت‌گرایی»** است که مشخصه‌ی هنرمندان آمریکایی است.

و جنبش هنری "منطقه گرایی"*** (یا منطقه گرایی) در آمریکا متولد شد.

ما در مورد هنرمندان، نمایندگان حوزه های مختلف هنر واقع گرایانه در آمریکای قرن بیستم صحبت خواهیم کرد.

چارلز برچفیلد(۱۹۶۷-۱۸۹۳)، یکی از برجسته‌ترین آبرنگ‌نویس‌های آمریکا، که نقاشی‌های خود را با استفاده از تکنیک قلم مو روی سه‌پایه نقاشی می‌کرد، در اوایل (تا سال ۱۹۱۵) سبک نئورئالیستی خود را با ترکیب گرایش‌های مدرن، نقاشی سنتی چین و عناصر فوویسم توسعه داد. .

او در طول زندگی خلاقانه خود، مسیرها و تکنیک های خود را تغییر داد، مناظر و نقاشی هایی را با موضوعات تاریخی، صحنه هایی که از پنجره خانه اش مشاهده می شد و گل های "توهم آمیز" را با روح رئالیسم جادویی، دیدگاه های طبیعت و قدرت الهی آن نقاشی کرد.

به افتخار او، در سال 1966، یک مرکز طبیعت و هنر در بوفالو ایجاد شد، به نام مرکز هنری Birchfield Penny، که همچنین شامل بزرگترین مجموعه جهان از آثار این هنرمند است.

رجینالد مارش(1898-1954)، در پاریس، در خانواده ای ثروتمند از هنرمندان به دنیا آمد، شاگرد D. Sloan، که عمدتاً به عنوان نقاش و تصویرگر صحنه های شهری، زندگی خیابانی و سواحل نیویورک شناخته می شد.

نقاشی‌های او با مراقبت مستند، آغشته به عشق کنایه‌آمیز به شخصیت‌ها متمایز می‌شوند، او برای بورلس و وودویل بسیار نقاشی می‌کرد و آنها را "تئاتر مردم عادی، بیانگر طنز و خیالات فقیر، پیر و زشت" می‌دانست.

او به کار روغن و جوهر، آبرنگ، تخم مرغ پرداخت و زندگی خلاقانه خود را با لیتوگرافی آغاز کرد. سبک او را می‌توان «رئالیسم اجتماعی» توصیف کرد، به‌ویژه در دوران رکود بزرگ مشهود بود، و ارادت او به استادان قدیمی که آثارشان را می‌پرستید، منجر به خلق آثاری حاوی استعاره‌های مذهبی شد.

مارش اندکی قبل از مرگ بر اثر حمله قلبی، مدال طلای هنرهای گرافیکی را از آکادمی هنرهای آمریکا دریافت کرد.

فیرفیلد پورتر(1907-1975) در خانواده یک معمار و یک شاعر متولد شد، در هاروارد و اتحادیه دانشجویان آمریکایی تحصیل کرد، در تمام زندگی خود به جهت واقع گرایانه پایبند بود، عمدتاً مناظر و پرتره های خانواده و دوستان را نقاشی کرد و سعی کرد غیرعادی بودن را آشکار کند. در زندگی معمولی و زیباتر کردن آن.

آثار او نشان دهنده تأثیر پدر معمارش، آثار ولاسکز، و بعداً هنرمندان بونارد و ویلارد بود که او معتقد بود «امپرسیونیسم قادر است حضور واقعیت را به صورت تصویری خلق کند».

شاید فقدان معلمان خوب نقاشی رنگ روغن، نگرش محتاطانه نسبت به احساسات و طبیعت گرایی ذاتی بسیاری از آمریکایی های آن سال ها، به توضیح ماهیت تا حدودی ابتدایی آثار پورتر، ناهنجاری، سفتی چهره های او، طبیعت ایستا آنها کمک کند.

و تنها در آثار بعدی او شروع به عبور از مرز بین امپرسیونیسم و ​​فوویسم می کند، نقاشی او آزادتر می شود، رنگ ها روشن تر می شوند و نور بیشتری در آثارش وجود دارد.

ادوارد هاپر(1882-1967) در Nyack، یک مرکز قایق‌سازی در رودخانه هادسون، در یک خانواده ثروتمند هلندی تبار به دنیا آمد. استعداد هنری هاپر در سن 5 سالگی خود را نشان داد والدینش عشق به هنر فرانسوی و روسی را در او القا کردند و اشتیاق او به نقاشی و علایق متنوع را تشویق کردند.

هاپر در قلم و جوهر، زغال چوب، آبرنگ، روغن و لیتوگرافی، نقاشی پرتره و مناظر دریایی، کارتون های سیاسی و نقاشی هایی از زندگی کار می کرد. در آثار هاپر می توان تأثیرات رابرت هنری، یکی از معلمان او، و مانه و دگا را تشخیص داد.

ویلیام چیس و رامبراند، به ویژه "نگهبان شب" او، و در حالی که در پاریس زندگی می کرد و صحنه هایی را در خیابان ها، کافه ها و تئاترها نقاشی می کرد، همچنان در سنت هنر رئالیستی باقی ماند، اگرچه برخی از محققان به دلیل روشن بودن کار او را به دقت گرایی نسبت می دهند. ، خطوط واضح مشخصه اشکال هندسی، مکانیکی بودن، عقیم بودن و خالی بودن فضا.

او می‌گوید: «چیز مورد علاقه‌اش در نقاشی نور خورشید روی دیوار خانه است». در طول رکود بزرگ، هاپر شانس بیشتری نسبت به بسیاری از هنرمندان دیگر داشت - او به نمایشگاه سالانه خود ادامه داد و در بقیه عمرش فروش خوبی داشت.

آثار او نه تنها هنرهای تجسمی، بلکه سینما را نیز با ترکیبات سینمایی و استفاده دراماتیک از نور و تاریکی تحت تاثیر قرار داد.

پل کادموس(1904-1999)، نماینده جنبش "رئالیسم جادویی"، عناصر اروتیسم و ​​نقد اجتماعی را در آثار خود ترکیب کرد.

به لطف نقوش آشکار همجنس‌بازی در نقاشی‌ها و به تصویر کشیدن چهره‌های برهنه مرد، شهرت رسوائی به دست آورد.

او در یک خانواده فقیر هنرمند به دنیا آمد، پدرش پسر را تشویق کرد که طراحی کند و در سن 14 سالگی در دوره های آکادمی ملی طراحی و سپس آکادمی ثبت نام کرد. او با دوستانش بسیار سفر کرد، بوم های بزرگی را نقاشی کرد که منعکس کننده برداشت های خود از اروپا بود، نقاشی های چند پیکره ای از زندگی ماهیگیران، ملوانان، صحنه هایی از زندگی شهری کشید.

و پس از ملاقات با کرستن امپرساریو و باله‌مان، کادموس شروع به تولید آثار زیادی در زمینه‌های باله کرد که عمدتاً رقصندگان را به تصویر می‌کشیدند.

پل کادموس عمری طولانی داشت و در سن 95 سالگی در آغوش دوست و مدل همیشگی اش که در 35 سال آخر عمرش در کنارش بود، درگذشت. کادموس دوست داشت سخنان اینگرس را تکرار کند: «مردم می گویند نقاشی های من برای این زمان مناسب نیست. شاید آنها اشتباه می کنند و من تنها کسی هستم که همگام با زمانه است.»

ایوان (ایوان) آلبرایت(1897-1983)، یکی از مشهورترین نمایندگان رئالیسم جادویی، به همراه برادر دوقلوی خود در خانواده ای هنرمند به دنیا آمد.

برادران در بیشتر عمر خود جدایی ناپذیر بودند، هر دو در مؤسسه هنری شیکاگو تحصیل کردند، برادر مالوین مجسمه‌ساز شد و ایوان نقاش شد، اما به عنوان یک معمار شروع کرد و در طول جنگ جهانی اول نقشه‌های پزشکی را برای یک بیمارستان انجام داد. در نانت او همیشه در مورد کار خود بسیار خواستار بود، تمام جزئیات را با دقت می نوشت و بسیاری از آثار خود را به موضوعات پیچیده ای مانند زندگی و مرگ، مادیات و روحیه، تأثیر زمان بر ظاهر و دنیای درونی یک شخص اختصاص می داد.

چنین کارهایی به زمان زیادی نیاز داشت و بنابراین فروش بسیاری از نقاشی ها در مالکیت او باقی ماند. آلبرایت رنگ ها و زغال های خود را می ساخت و به نور وسواس زیادی داشت تا جایی که لباس های مشکی می پوشید و استودیوی خود را سیاه می کرد تا از تابش خیره کننده جلوگیری کند.

او به شیوه ای واقع گرایانه اما با جزئیات اغراق آمیز نقاشی می کرد، او عاشق تماشای گذر زمان بود و بیش از 20 سلف پرتره را در 3 سال آخر زندگی خود به تنهایی برای بازتاب تغییراتی که در یک فرد رخ می دهد، نقاشی کرد.

جورج کلر توکرجونیور (1920-2011) که آثارش نشان دهنده جهت گیری های رئالیسم سوسیالیستی و رئالیسم جادویی است، در خانواده ای با ریشه های انگلیسی-فرانسوی-اسپانیایی-کوبایی و آمریکایی متولد شد و به اصرار والدینش در هاروارد ادبیات انگلیسی خواند. اما بیشتر وقت خود را به نقاشی اختصاص داد.

پس از خدمت در سپاه تفنگداران دریایی، که به دلیل وضعیت نامناسب سلامتی از آنجا مرخص شد، در دوره های لیگ دانشجویان هنر شرکت کرد، در تخم مرغ بسیار کار کرد و هنر رنسانس ایتالیا را تحسین کرد.

نقاشی‌های توکر صحنه‌هایی از زندگی روزمره آمریکایی را به تصویر می‌کشند، شخصیت‌های انسانی در آنها اغلب هویت نژادی یا جنسی خاصی ندارند و بیانگر تنهایی، انزوا و گمنامی هستند.

او توجه زیادی به رعایت تناسبات هندسی و تقارن داشت، به همین دلیل او بسیار آهسته نقاشی می کرد - بیش از دو نقاشی در سال. از اولین نمایشگاه بزرگ خود در سال 1951، توکر به طور مداوم و موفقیت آمیز به نمایش گذاشته است و آثار او در موزه های بزرگ آمریکا وجود دارد.

پیتر بلوم(پیتر بلوم) - (1906-1992)، هنرمند و مجسمه ساز، که آثار او حاوی عناصری از دقت، خالص گرایی، کوبیسم، سوررئالیسم و ​​هنر عامیانه است. او در روسیه در یک خانواده یهودی متولد شد که در سال 1912 به آمریکا مهاجرت کردند و در بروکلین ساکن شدند.

او پس از تحصیل هنر در موسسات آموزشی مختلف، استودیوی خود را تحت حمایت خانواده راکفلر افتتاح کرد. مانند بسیاری از معاصران رئالیست خود، او از طرفداران رنسانس بود، به اطراف ایتالیا سفر کرد، اولین نقاشی او که در سال 1934 به رسمیت شناخته شد، "شهر ابدی" بود که در آن می توان تصویر موسولینی را مانند یک جک تشخیص داد. در جعبه، از کولوسئوم بیرون آمده است.

آثار او که اغلب تخریب را به تصویر می کشند، با این وجود می توانند به عنوان نمادهای بازسازی و تجدید پس از جنگ جهانی دوم تفسیر شوند، همانطور که سنگ ها، تیرهای جدید و پیکره های کارگران نشان می دهد.

سبک هنری بلوم ترکیب جالبی از حرکات هنری مختلف هنر آمریکا و اروپا بود و او را «هنرمند افسانه‌ای» نامیده‌اند.

اندرو نیول وایت(1917-2009)، نماینده سبک عمدتاً منطقه گرایی در رئالیسم، در خانواده تصویرگری متولد شد که به رشد استعدادهای پنج فرزند خود توجه داشت و آنها را به ادبیات خوب، موسیقی و مطالعه طبیعت عادت می داد. . خود پدر به فرزندانش در خانه آموزش می داد و همه آنها با استعداد بودند: هنرمندان، موسیقیدان، آهنگساز، مخترع.

خانه آنها مکانی خلاقانه بود که اغلب افراد مشهوری مانند اسکات فیتزجرالد و مری پیکفورد از آن بازدید می کردند. خود وایت، به اندازه کافی عجیب، خود را یک انتزاع گرا می دانست و به آگاهی از معنای عمیق در اشیاء ساده اهمیت زیادی می داد، مضامین مورد علاقه اش در نقاشی هایش زمین و مردم اطرافش بودند.

معروف ترین نقاشی او، دنیای کریستینا، دختری را از مزرعه ای نزدیک، معلول فلج اطفال، به تصویر می کشد که به تنهایی به سمت خانه ای در دوردست می خزد.

هلگا تستورف 247 نقاشی و طراحی را به یک زن تقدیم کرد که او را در موقعیت‌های مختلف و حالات احساسی مطالعه کرد که تجربه‌ای بی‌نظیر در هنر آمریکایی است.

اگرچه وایت آثار بسیار عالی از لحاظ فنی تولید کرد و طرفداران زیادی داشت، هنر او بحث برانگیز تلقی می شود و روزنبلوم منتقد هنری او را به عنوان "بی ارزش ترین و دست کم گرفته شده ترین هنرمند" توصیف می کند.

گرانت وود(1891-1942)، یکی از مشهورترین نمایندگان منطقه گرایی، در آیووا به دنیا آمد، پدرش را زود از دست داد، در یک فروشگاه سخت افزار کار کرد، در مدرسه هنر تحصیل کرد و سپس در موسسه هنر شیکاگو.

گرانت جوان 4 بار برای مطالعه سبک های نقاشی با توجه ویژه به امپرسیونیسم و ​​پست امپرسیونیسم به اروپا سفر کرد، اما آثار ون ایک را تحسین کرد و آرزو داشت روش های مدرن و وضوح، دقت و عمق هنر قرون وسطی را در کار خود ترکیب کند. .

بی جهت نیست که مشهورترین نقاشی او "گوتیک آمریکایی" نامیده می شود، این نقاشی نمایانگر دیدگاه سنتی قرن 19 در مورد نقش های مردان و زنان در آمریکا است به روش های مختلف

وود بعدها در حین تدریس هنر در دانشگاه آیووا به یکی از چهره های کلیدی جامعه فرهنگی دانشگاه تبدیل شد، اما به دلیل شایعه رابطه همجنسگرایانه او با منشی شخصی اش، وود از کار برکنار شد و به زودی بر اثر سرطان پانکراس درگذشت.

توماس هارت (هارت) بنتون(1889-1975) در خانواده ای سیاستمدار به دنیا آمد، پدرش که سرهنگ، وکیل و بشردوست بود، چهار بار به عضویت کنگره انتخاب شد. پدر دوست داشت پسرش راه او را ادامه دهد، اما پسر به هنر علاقه داشت، مادرش از انتخاب او حمایت کرد و او وارد موسسه هنر شیکاگو شد و سپس برای ادامه تحصیل در آکادمی جولیان به پاریس رفت.

با بازگشت به آمریکا و ادامه نقاشی، در طول جنگ جهانی اول در نیروی دریایی ایالات متحده خدمت کرد و روی تصاویر استتار کشتی ها و کارخانه های کشتی سازی کار کرد که به تصاویر مستند واقعی نیاز داشت و بعداً بر سبک او تأثیر گذاشت. در اوایل دهه 1920، بنتون خود را "دشمن مدرنیسم" معرفی کرد، به یکی از نمایندگان برجسته منطقه گرایی تبدیل شد و به دیدگاه های "چپ" پایبند بود.

او به ال گرکو علاقه مند شد، تأثیر کار او در کار بر روی نقاشی های دیواری عظیم که مراحل و رویدادهای مختلف زندگی کشور را به تصویر می کشد قابل مشاهده است.

بنتون در لیگ دانشجویان هنر در نیویورک تدریس کرد، بسیاری از شاگردان او به هنرمندان مشهوری تبدیل شدند (هاپر، پولاک، مارش)، اما به دلیل اظهارات محکوم کننده در مورد تأثیر ناروا همجنس گرایان در دنیای هنر اخراج شد. پس از جنگ جهانی دوم، منطقه گرایی به عنوان یک جنبش ارتباط خود را از دست داد، بنتون به نقاشی دیواری ادامه داد.

حدود 30 سال دیگر فعالانه کار کرد، اما دیگر محبوبیت سابق خود را نداشت.

جان استوارت کری(1897-1946) در مزرعه ای در کانزاس به دنیا آمد، از حیوانات مراقبت می کرد، به ورزش های دو و میدانی علاقه داشت و از کودکی با بازتولید نقاشی های روبنس و دوره احاطه شده بود، که در انتخاب بعدی سبک هنری او نقش داشت.

جان در مؤسسه هنر شیکاگو تحصیل کرد، به عنوان تصویرگر مجله کار کرد و یک سال را در پاریس برای مطالعه آثار کوربه، دامیه، تیتان و روبنس گذراند. پس از بازگشت به ایالات متحده، مدتی در استودیوی خود کار کرد، با سیرک سفر کرد، به عنوان اولین هنرمند در دانشگاه ویسکانسین-مدیسون منصوب شد و برای ترویج توسعه هنر در جوامع کشاورزی به سراسر کشور سفر کرد.

او نقاشی های دیواری برای وزارت دادگستری در واشنگتن و برای کاپیتول در کانزاس کشیده است. کری یکی از سه ستون (بنتون و وود) منطقه گرایی آمریکا بود که به ویژه در دوران رکود بزرگ بسیار مهم بود.

او صحنه هایی از کار، خانواده و زمین و برخورد با بلایای طبیعی را به تصویر کشید تا استقامت، سخت کوشی و ایمان مردم را به جهانیان نشان دهد که کری معتقد بود جوهره زندگی آمریکایی هاست.

صادقانه بگویم، من به طور کلی از هنرمندان رئالیست الهام نمی‌گیرم. ، چه کاری می توانم انجام دهم؟
قسمت بعدی و پایانی به هنر معاصر آمریکا اختصاص دارد. پایان دنبال می شود ...
مثل همیشه، یک نمایش اسلاید با تصاویر بیشتر و موسیقی خوب:

* رئالیسم جادویی- به عنوان یک جنبش هنری، رئالیسم جادویی در خاک آمریکا توسعه یافت و معادل سوررئالیسم اروپایی شد. آثار استادان رئالیسم جادویی از بسیاری جهات مطابق با ذائقه و نیازهای مخاطبان آمریکایی، ماهیت تکان دهنده ای داشتند، در صراحت خود تکان دهنده بودند، در عین حال که آن را با ماهیت حکایتی موقعیت ها و کاریکاتور شخصیت ها ترکیب می کردند بیشتر شبیه یک رویای بی قرار یا هذیان توهم انگیز است.
**دقت گرایی، یا presiginism (دقت انگلیسی - دقت ، وضوح) - جهت مشخصه نقاشی آمریکایی دهه 30 ، نوعی رئالیسم جادویی. موضوع اصلی برای دقیق گرایان تصویر شهر است، موضوع اصلی زیبایی شناسی مکانیکی است، فضای نقاشی ها استریل است، احساس می شود هوا از آنها خارج شده است، هیچ فردی در آن نیست.
***منطقه گرایییا منطقه گرایی (از انگلیسی منطقه ای - محلی) - یک جنبش هنری در هنر ایالات متحده 1920-1940، که بر اساس تمایل به ایجاد هنر واقعاً آمریکایی در مقابل جنبش های آوانگارد که از اروپا می آمدند. هنرمندان منطقه‌گرا با الهام از ایده‌های هویت ملی، بر ترسیم آمریکای «اصیل» تمرکز کردند. مضامین آثار آنها شامل مناظر آمریکایی، صحنه هایی از زندگی کشاورزان، زندگی شهرهای کوچک، قسمت هایی از تاریخ، افسانه های محلی و داستان های فولکلور بود.

هنرمندان آمریکایی بسیار متنوع هستند. برخی به وضوح جهان وطنی بودند، مانند سارجنت. اصالتاً آمریکایی بود، اما تقریباً تمام دوران بزرگسالی خود را در لندن و پاریس گذراند.

در میان آنها آمریکایی های معتبری نیز وجود دارند که مانند راکول، فقط زندگی هموطنان خود را به تصویر می کشیدند.

و همچنین هنرمندانی هستند که از این دنیا نیستند، مانند پولاک. یا کسانی که هنرشان محصول جامعه مصرفی شده است. این البته در مورد وارهول است.

با این حال، همه آنها آمریکایی هستند. آزادی خواه، جسور، روشن. هفت مورد از آنها را در زیر بخوانید.

1. جیمز ویسلر (1834-1903)

جیمز ویسلر. سلف پرتره. 1872 موسسه هنر در دیترویت، ایالات متحده.

به سختی می توان ویسلر را یک آمریکایی واقعی نامید. او که بزرگ شد در اروپا زندگی کرد. و دوران کودکی خود را در روسیه گذراند. پدرش در سن پترزبورگ راه آهن ساخت.

در آنجا بود که جیمز پسر عاشق هنر شد و به لطف ارتباطات پدرش از ارمیتاژ و پیترهوف بازدید کرد (در آن زمان این قصرها هنوز به روی عموم بسته بودند).

ویسلر به چه دلیل معروف است؟ او به هر سبکی که بنویسد، از رئالیسم تا تونالیسم*، تقریباً بلافاصله با دو ویژگی قابل تشخیص است. رنگ های غیر معمول و نام های موسیقی.

برخی از پرتره های او تقلید از استادان قدیمی است. برای مثال، پرتره معروف او "مادر هنرمند".

جیمز ویسلر. مادر هنرمند. چیدمان در رنگ های خاکستری و مشکی. 1871

این هنرمند با استفاده از رنگ‌هایی از خاکستری روشن تا خاکستری تیره، یک اثر شگفت‌انگیز خلق کرد. و کمی زرد.

اما این بدان معنا نیست که ویسلر عاشق چنین رنگ هایی بود. او یک فرد خارق العاده بود. او به راحتی می توانست با پوشیدن جوراب های زرد و در دست داشتن یک چتر روشن در جامعه ظاهر شود. و این زمانی بود که مردان منحصراً سیاه و خاکستری لباس می پوشیدند.

او همچنین آثار بسیار سبک تری نسبت به «مادر» دارد. به عنوان مثال، "سمفونی در سفید". این همان چیزی است که یکی از خبرنگاران حاضر در نمایشگاه آن را نقاشی نامیده است. ویسلر از این ایده خوشش آمد. از آن زمان به بعد، او تقریباً تمام آثارش را موسیقایی عنوان کرد.

جیمز ویسلر. سمفونی در سفید شماره 1 1862 گالری ملی واشنگتن، ایالات متحده

اما پس از آن، در سال 1862، عموم مردم سمفونی را دوست نداشتند. باز هم به دلیل طرح های رنگی خاص ویسلر. مردم فکر می کردند عجیب است که یک زن را با لباس سفید روی زمینه سفید نقاشی کنند.

در تصویر معشوقه مو قرمز ویسلر را می بینیم. کاملاً با روحیه پیش رافائلیت. از این گذشته ، در آن زمان این هنرمند با یکی از بنیانگذاران اصلی پره رافائلیسم ، گابریل روستی دوست بود. زیبایی، نیلوفرها، عناصر غیر معمول (پوست گرگ). همه چیز همانطور که باید باشد.

اما ویسلر به سرعت از پیش رافائلیسم دور شد. از آنجایی که برای او زیبایی ظاهری مهم نبود، بلکه خلق و خو و احساسات بود. و او یک جهت جدید ایجاد کرد - تونالیسم.

شب های منظره او به سبک تونالیسم واقعاً شبیه موسیقی است. تک رنگ، چسبناک.

خود ویسلر گفت که عناوین موسیقی به تمرکز روی خود نقاشی، خطوط و رنگ‌ها کمک می‌کنند. در عین حال بدون اینکه به مکان و افرادی که به تصویر کشیده شده اند فکر کنیم.

جیمز ویسلر. شبانه در آبی و نقره ای: چلسی. 1871 گالری تیت، لندن
مری کاسات. کودک خوابیده پاستل، کاغذ. 1910 موزه هنر دالاس، ایالات متحده آمریکا

اما او تا آخر به سبک خود وفادار ماند. امپرسیونیسم پاستیل نرم. مادران با فرزندان.

کاسات به خاطر نقاشی، مادری را رها کرد. اما جنبه زنانه او به طور فزاینده ای خود را در آثار ظریفی مانند "کودک خواب" نشان داد. حیف است که جامعه محافظه کار زمانی او را با چنین انتخابی مواجه کرد.

3. جان سارجنت (1856-1925)

جان سارجنت. سلف پرتره. 1892 موزه هنر متروپولیتن، نیویورک

جان سارجنت مطمئن بود که تمام عمرش یک نقاش پرتره خواهد بود. حرفه ام خوب پیش می رفت. اشراف برای سفارش به او صف کشیدند.

اما یک روز به گفته جامعه، این هنرمند از مرز گذشت. اکنون برای ما دشوار است که بفهمیم چه چیزی در فیلم «مادام ایکس» تا این حد غیرقابل قبول است.

درست است، در نسخه اصلی قهرمان یکی از تسمه های خود را پایین آورده بود. سارجنت او را "بزرگ" کرد، اما این کمکی نکرد. سفارشات خشک شده است.

جان سارجنت. مادام اچ. 1878 موزه متروپولیتن، نیویورک

مردم چه چیز زشتی دیدند؟ و این واقعیت که سارجنت مدل را در ژستی بیش از حد با اعتماد به نفس به تصویر کشیده است. علاوه بر این، پوست شفاف و گوش صورتی بسیار گویا هستند.

به نظر می رسد تصویر می گوید که این زن با تمایلات جنسی افزایش یافته از پذیرش پیشرفت های مردان دیگر مخالف نیست. علاوه بر این، متاهل بودن.

متأسفانه معاصران شاهکار این رسوایی را ندیدند. یک لباس تیره، پوست روشن، یک ژست پویا - یک ترکیب ساده که فقط با استعدادترین صنعتگران می توانند پیدا کنند.

اما هر ابری یک پوشش نقره ای دارد. سارجنت در ازای آزادی خود را دریافت کرد. من شروع به آزمایش بیشتر با امپرسیونیسم کردم. در موقعیت های فوری برای کودکان بنویسید. اینگونه بود که اثر "میخک، لیلی، لیلی، رز" ظاهر شد.

سارجنت می خواست لحظه ای خاص از گرگ و میش را ثبت کند. بنابراین من فقط 2 دقیقه در روز کار می کردم که نور مناسب بود. تابستان و پاییز کار کرد. و زمانی که گلها پژمرده شدند، آنها را با گلهای مصنوعی جایگزین کردم.

جان سارجنت. میخک، زنبق، سوسن، گل رز. 1885-1886 گالری تیت، لندن

در دهه‌های اخیر، سارجنت چنان ذوق آزادی پیدا کرد که شروع به کنار گذاشتن پرتره‌ها کرد. اگرچه شهرت او قبلاً ترمیم شده است. او حتی با بی ادبی یکی از مشتری ها را اخراج کرد و گفت که از رنگ کردن دروازه او بیشتر خوشحال می شود تا صورت او.

جان سارجنت. کشتی های سفید 1908 موزه بروکلین، ایالات متحده

معاصران با سارجنت با کنایه برخورد می کردند. منسوخ دانستن آن در عصر مدرنیسم. اما زمان همه چیز را سر جای خودش قرار داده است.

اکنون ارزش آثار او کمتر از آثار مشهورترین مدرنیست ها نیست. خوب، چیزی برای گفتن در مورد عشق مردم وجود ندارد. نمایشگاه با آثار او همیشه فروخته می شود.

4. نورمن راکول (1894-1978)

نورمن راکول. سلف پرتره. تصویر برای شماره 13 فوریه 1960 شنی وینینگ پست.

تصور هنرمند محبوب‌تر از نورمن راکول در طول زندگی‌اش دشوار است. چندین نسل از آمریکایی ها با تصاویر او بزرگ شدند. با تمام وجودم آنها را دوست دارم.

از این گذشته، راکول آمریکایی های عادی را به تصویر می کشید. اما در عین حال زندگی خود را از مثبت ترین جنبه نشان می دهند. راکول نمی خواست نه پدران شرور و نه مادران بی تفاوت را نشان دهد. و هیچ بچه ناراضی را با او نخواهید دید.

نورمن راکول. تمام خانواده در تعطیلات و از تعطیلات. تصویر در مجله پست شنبه شب، 30 اوت 1947. موزه نورمن راکول در استاکبریج، ماساچوست، ایالات متحده آمریکا

آثار او سرشار از طنز، رنگ های غنی و حالات چهره بسیار ماهرانه از زندگی است.

اما این یک توهم است که کار برای راکول آسان بود. برای خلق یک نقاشی، ممکن است ابتدا تا صد عکس از سوژه هایش بگیرد تا ژست های مناسب را ثبت کند.

آثار راکول تأثیر شگرفی بر ذهن میلیون ها آمریکایی گذاشت. از این گذشته، او اغلب از طریق نقاشی های خود صحبت می کرد.

در طول جنگ جهانی دوم، او تصمیم گرفت نشان دهد که سربازان کشورش برای چه می جنگند. همچنین نقاشی "آزادی از خواسته" را خلق کرده است. در قالب جشن شکرگزاری، جایی که همه اعضای خانواده، سیراب و راضی، در تعطیلات خانوادگی شادی می کنند.

نورمن راکول. رهایی از نیاز. 1943 موزه نورمن راکول در استاکبریج، ماساچوست، ایالات متحده آمریکا

راکول پس از 50 سال در شنبه ایونینگ پست به مجله نگاه دموکراتیک تر رفت و در آنجا توانست نظرات خود را در مورد مسائل اجتماعی بیان کند.

برجسته‌ترین اثر آن سال‌ها «مشکلی که با آن زندگی می‌کنیم» است.

نورمن راکول. مشکلی که ما با آن زندگی می کنیم. 1964 موزه نورمن راکول، استاکبریج، ایالات متحده آمریکا

این داستان واقعی یک دختر سیاهپوست است که به مدرسه سفیدپوستان رفته است. از زمانی که قانونی تصویب شد که مردم (و در نتیجه موسسات آموزشی) دیگر نباید بر اساس نژاد از هم جدا شوند.

اما هیچ محدودیتی برای خشم مردم شهر وجود نداشت. در راه مدرسه، دختر توسط پلیس محافظت می شد. این لحظه "روتین" است که راکول نشان داد.

اگر می خواهید زندگی آمریکایی ها را کمی در نوری آراسته بشناسید (آنطور که خودشان می خواستند ببینند)، حتماً نقاشی های راکول را تماشا کنید.

شاید از میان تمام نقاشان ارائه شده در این مقاله، راکول آمریکایی ترین هنرمند باشد.

5. اندرو وایت (1917-2009)

اندرو وایت سلف پرتره. 1945 آکادمی ملی طراحی، نیویورک

برخلاف راکول، وایت چندان مثبت نبود. او ذاتاً گوشه گیر بود و سعی نمی کرد چیزی را تزئین کند. برعکس، او معمولی ترین مناظر و چیزهای غیرقابل توجه را به تصویر کشید. فقط یک گندم زار، فقط یک خانه چوبی. اما او حتی موفق شد چیزی جادویی را در آنها ببیند.

معروف ترین اثر او «دنیای کریستینا» است. وایت سرنوشت یک زن، همسایه اش را نشان داد. او که از کودکی فلج شده بود، در اطراف مزرعه خود خزیده بود.

بنابراین چیزی عاشقانه در این تصویر وجود ندارد، همانطور که در ابتدا ممکن است به نظر برسد. اگر دقت کنید، زن به طرز دردناکی لاغر شده است. و با دانستن اینکه پاهای قهرمان فلج شده است، با ناراحتی درک می کنید که او هنوز چقدر از خانه فاصله دارد.

وایت در نگاه اول معمولی ترین چیز را نوشت. اینجا یک پنجره قدیمی از یک خانه قدیمی است. پرده ای کهنه که قبلاً شروع به تکه تکه شدن کرده است. جنگل بیرون از پنجره تاریک است.

اما در همه اینها رمز و رازی وجود دارد. یه نگاه دیگه

اندرو وایت باد از دریا. 1947 گالری ملی واشنگتن، ایالات متحده آمریکا

اینگونه است که کودکان می دانند چگونه با دید باز به دنیا نگاه کنند. وایات به همین شکل به نظر می رسد. و ما با او هستیم.

تمام امور وایت توسط همسرش اداره می شد. او سازمان دهنده خوبی بود. این او بود که با موزه ها و مجموعه داران تماس گرفت.

رابطه عاشقانه کمی در رابطه آنها وجود داشت. موز باید ظاهر می شد. و او تبدیل به هلگای ساده اما با ظاهری خارق العاده شد. این دقیقاً همان چیزی است که در مشاغل متعدد می بینیم.

اندرو وایت قیطان (از سری "هلگا"). 1979 مجموعه خصوصی

به نظر می رسد که ما فقط یک تصویر عکاسی از یک زن را می بینیم. اما به دلایلی سخت است که خود را از او جدا کنید. قیافه‌اش خیلی پیچیده است، شانه‌هایش منقبض است. انگار با او تنش درونی داریم. تلاش برای یافتن توضیحی برای این تنش.

وایت که واقعیت را با تمام جزئیات به تصویر می‌کشد، به طرز جادویی احساساتی را به آن بخشیده است که نمی‌تواند فرد را بی‌تفاوت بگذارد.

این هنرمند برای مدت طولانی شناخته نشد. با واقع گرایی خود، هرچند جادویی، در روندهای مدرنیستی قرن بیستم نمی گنجید.

هنگامی که کارگران موزه آثار او را خریدند، سعی کردند این کار را بی سر و صدا و بدون جلب توجه انجام دهند. نمایشگاه ها به ندرت برگزار می شد. اما به حسادت مدرنیست ها، آنها همیشه موفقیت چشمگیری داشتند. مردم دسته دسته آمدند. و هنوز هم می آیند.

6. جکسون پولاک (1912-1956)

جکسون پولاک عکس 1950 توسط هانس ناموت

جکسون پولاک را نمی توان نادیده گرفت. او از خط خاصی در هنر عبور کرد که پس از آن نقاشی نمی‌توانست همان خط باشد. او نشان داد که در هنر به طور کلی می توان بدون مرز انجام داد. وقتی بوم را روی زمین گذاشتم و روی آن رنگ پاشیدم.

و این هنرمند آمریکایی کار خود را با هنر انتزاعی آغاز کرد که در آن هنوز هم می شد فیگوراتیو را ردیابی کرد. در اثر او در دهه 40، "شکل استنوگرافیک"، ما خطوط کلی صورت و دست ها را می بینیم. و حتی نمادهایی که به صورت ضربدر و صفر می فهمیم.

جکسون پولاک شکل کوتاه. موزه هنر مدرن 1942 در نیویورک (MOMA)

کار او مورد تحسین قرار گرفت، اما مردم عجله ای برای خرید آن نداشتند. او مثل یک موش کلیسا فقیر بود. و بی شرمانه نوشید. با وجود ازدواج موفق همسرش استعداد او را تحسین می کرد و برای موفقیت همسرش هر کاری کرد.

اما پولاک در ابتدا شخصیتی شکسته بود. از همان دوران جوانی از اعمالش معلوم بود که مرگ زودهنگام سرنوشت اوست.

این شکست در نهایت منجر به مرگ او در 44 سالگی می شود. اما او زمان خواهد داشت تا در هنر انقلاب کند و مشهور شود.

جکسون پولاک ریتم پاییز (شماره 30). 1950 موزه هنر متروپولیتن در نیویورک، ایالات متحده آمریکا

و این کار را در مدت دو سال هوشیاری انجام داد. او توانست در سالهای 1950-1952 مثمر ثمر کار کند. او برای مدت طولانی آزمایش کرد تا اینکه به تکنیک قطره ای رسید.

در حالی که بوم بزرگی را روی کف انبارش گذاشته بود، طوری دور آن راه می رفت که انگار در خود نقاشی بود. و رنگ پاشیده یا به سادگی ریخته می شود.

مردم با کمال میل شروع به خرید این نقاشی های غیر معمول از او به دلیل اصالت و تازگی باورنکردنی خود کردند.

جکسون پولاک ستون های آبی 1952 گالری ملی استرالیا، کانبرا

پولاک غرق شهرت شد و در افسردگی فرو رفت و نمی دانست کجا باید حرکت کند. ترکیب مرگبار الکل و افسردگی برای او هیچ شانسی برای زنده ماندن باقی نگذاشت. یک روز خیلی مست پشت فرمان نشست. برای آخرین بار.

7. اندی وارهول (1928-1987)

اندی وارهول. 1979 عکس آرتور ترس

تنها در کشوری با چنین کیش مصرفی مانند آمریکا می‌توان هنر پاپ متولد شد. و آغازگر اصلی آن البته اندی وارهول بود.

او با گرفتن معمولی ترین چیزها و تبدیل آنها به یک اثر هنری مشهور شد. این همان چیزی است که در مورد یک قوطی سوپ کمپبل اتفاق افتاد.

انتخاب تصادفی نبود. مادر وارهول به مدت بیش از 20 سال هر روز به پسرش این سوپ را می داد. حتی زمانی که به نیویورک نقل مکان کرد و مادرش را با خود برد.

اندی وارهول. قوطی سوپ کمبل. پلیمر، چاپ دستی. 32 تابلو هر کدام 50*40. موزه هنر مدرن 1962 در نیویورک (MOMA)

پس از این آزمایش، وارهول به چاپ صفحه علاقه مند شد. از آن زمان به بعد از ستاره های پاپ عکس می گرفت و آنها را با رنگ های مختلف نقاشی می کرد.

مرلین مونرو نقاشی معروف او اینگونه ظاهر شد.

تعداد بی شماری از چنین گل های اسید مرلین تولید شد. وارهول هنر را در جریان قرار داد. همانطور که در یک جامعه مصرفی باید باشد.

اندی وارهول. مرلین مونرو. چاپ سیلک، کاغذ. موزه هنر مدرن 1967 در نیویورک (MOMA)

وارهول از ناکجاآباد چهره های رنگ آمیزی شده را به وجود نیاورد. و باز هم بدون تاثیر مادر نبود. در کودکی، در طول بیماری طولانی پسرش، او بسته هایی از کتاب های رنگ آمیزی برای او آورد.

این سرگرمی دوران کودکی تبدیل به کارت ویزیت او شد و او را به طرز شگفت انگیزی ثروتمند کرد.

او نه تنها ستاره های پاپ، بلکه شاهکارهای پیشینیان خود را نیز نقاشی کرد. من هم گرفتم.

«زهره»، مانند مرلین، بسیار ساخته شده است. انحصار یک اثر هنری توسط وارهول "پاک" شد. چرا هنرمند این کار را کرد؟

برای محبوبیت شاهکارهای قدیمی؟ یا برعکس، سعی کنید ارزش آنها را کم کنید؟ ستاره های پاپ را جاودانه کنید؟ یا مرگ را با کنایه چاشنی کنید؟

اندی وارهول. زهره بوتیچلی. چاپ سیلک، اکریلیک، بوم. 122x183 سانتی متر 1982. موزه E. Warhol در پیتسبورگ، ایالات متحده

آثار رنگی او از مدونا، الویس پریسلی یا لنین گاهی بیشتر از عکس های اصلی قابل تشخیص هستند.

اما شاهکارها به سختی تحت الشعاع قرار گرفتند. با این حال، "زهره" بکر بی ارزش باقی مانده است.

وارهول یک حیوان مهمانی مشتاق بود و افراد حاشیه نشین زیادی را به خود جذب می کرد. معتادان به مواد مخدر، بازیگران شکست خورده یا افراد ساده نامتعادل. یکی از آنها یک بار به او شلیک کرد.

وارهول زنده ماند. اما 20 سال بعد، به دلیل عواقب زخمی که یک بار متحمل شده بود، به تنهایی در آپارتمانش درگذشت.

دیگ ذوب ایالات متحده

علیرغم تاریخچه کوتاه هنر آمریکا، دامنه آن گسترده است. در میان هنرمندان آمریکایی امپرسیونیست ها (سارجنت)، رئالیست های جادویی (وایت)، اکسپرسیونیست های انتزاعی (پولاک) و پیشگامان هنر پاپ (وارهول) وجود دارند.

خب، آمریکایی ها آزادی انتخاب را در همه چیز دوست دارند. صدها فرقه صدها ملت صدها سبک هنری به همین دلیل است که دیگ ذوب ایالات متحده آمریکا است.