Kunstiteosed, mida kõik teavad, sisaldavad sageli tundmatuid, põnevaid lugusid.

Kazimir Malevitš oli kuues kunstnik, kes maalis musta ruudu, Šiškin kaaskirjutas oma filmi "Hommik männimetsas", Dali sai tõsise psühhoseksuaalse trauma ja Pablo Picasso elas üle oma julge vastuse gestaapole. Me imetleme suurimate maalide ilu, kuid lood, mis juhtusid enne, selle ajal või pärast meistriteoste maalimist, jäävad sageli meie tähelepanu alt välja. Ja täiesti asjata. Mõnikord võimaldavad sellised lood kunstnikku paremini mõista või lihtsalt hämmastada elu ja loovuse veidrust.

Malevitši "Must ruut" - üks kuulsamaid ja arutletumaid kunstiteoseid - ei ole selline uuendus.

Kunstnikud on värviga "all black" katsetanud alates 17. sajandist. Robert Fludd oli esimene, kes maalis 1617. aastal täiesti musta kunstiteose nimega "Suur pimedus", 1843. aastal järgnes Bertal oma teosega "Vaade La Houguele (Öö katte all). Rohkem kui kakssada aastat hiljem. Ja siis peaaegu ilma katkestusteta - Gustave Doré “Venemaa hämariku ajalugu” 1854. aastal, Paul Bealholdi “Neegrite öövõitlus keldris” 1882. aastal, täiesti plagiaat “Neegrite lahing koopas öö surnud ajal” autor Alphonse Allais. Ja alles 1915. aastal esitles Kazimir Malevitš avalikkusele oma “Musta suprematisti väljakut”, mis on maali täisnimi. Ja see on tema maal, mida teavad kõik, teised aga ainult kunstiajaloolased. Malevitš ise maalis oma “Mustast suprematisti väljakust” vähemalt neli versiooni, mis erinevad nii kujunduse, tekstuuri kui ka värvi poolest, lootuses leida absoluutset “kaalutatust” ja vormilendu.

"Karje", Edvard Munch

Nagu Black Square puhul, on maailmas ka Screami neli versiooni. Kaks versiooni on maalitud õliga ja kaks pastellvärviga. On arvamus, et maniakaal-depressiivse psühhoosi all kannatanud Munch kirjutas selle mitu korda, püüdes välja võtta kõik kannatused, mis tema hinge haarasid. Ja võimalik, et talumatust piinast karjuvaid imelikke väikesi inimesi oleks olnud rohkem, kui kunstnik poleks kliinikusse läinud. Pärast ravikuuri ei proovinud ta enam kunagi oma kultusklassikaks saanud “Karjet” reprodutseerida.

"Guernica", Pablo Picasso

1937. aastal Picasso maalitud hiiglaslik freskomaal “Guernica” räägib Luftwaffe vabatahtlike üksuse haarangust Guernica linnale, mille tagajärjel hävis kuue tuhande suurune linn täielikult. Maal sai maalitud sõna otseses mõttes kuu ajaga - esimestel tööpäevadel maali kallal töötas Picasso 10-12 tundi ja juba esimestel visanditel oli näha põhiideed. See on üks parimaid illustratsioone fašismi õudusunenägu, aga ka inimliku julmuse ja leina kohta. Guernica esitab stseene surmast, vägivallast, jõhkrusest, kannatustest ja abitusest, täpsustamata nende vahetuid põhjuseid, kuid need on ilmsed. Ja kõige huvitavam hetk selle pildiga seoses leidis aset 1940. aastal, kui Gestapo kutsus Picasso Pariisi. "Kas sa tegid seda?" küsisid natsid temalt. "Ei, sa tegid seda."

"Suur masturbaator", Salvador Dali

Isegi meie aja kohta kummalise ja üleoleva pealkirjaga filmis pole ühiskonnale tegelikult väljakutset. Kunstnik kujutas tegelikult oma alateadvust ja tunnistas vaatajale. Lõuendil on kujutatud tema abikaasat Galat, keda ta kirglikult armastas; jaaniussid, keda ta kartis; fragment lõigatud põlvedega mehest, sipelgad ja muud kire, hirmu ja vastikustunde sümbolid. Selle pildi (aga ennekõike tema kummalise jälestuse ja samas seksihimu tekkepõhjused) peitub selles, et Salvador Dali vaatas lapsepõlves läbi raamatu suguhaigustest, mille tema isa kogemata maha jättis.

Ajalooline lõuend, mis räägib vaatajale dramaatilisest hetkest meie riigi ajaloos, ei olnud tegelikult inspireeritud mitte niivõrd faktist, et tsaar Ivan Vassiljevitš mõrvas oma poja ja pärija, vaid Aleksander II mõrvast terroristi poolt. revolutsionäärid ja – mis kõige ootamatum – härjavõitlused Hispaanias. Kunstnik kirjutas nähtu kohta: "Ebaõnn, elav surm, mõrv ja veri moodustavad ligitõmbava jõu... Ja mina, olles ilmselt sellest verisusest nakatunud, asusin koju jõudes kohe verise stseeni kallale."

“Hommik männimetsas”, Ivan Šiškin

Hingematvalt maitsvatest ja nappidest kommidest tuttav igale nõukogude lapsele tuttav meistriteos ei kuulu mitte ainult Šiškinile. Paljud üksteisega sõbrad kunstnikud kasutasid sageli "sõbra abi" ja kogu elu maastikke maalinud Ivan Ivanovitš kartis, et tema puudutavad karud ei lähe nii, nagu ta soovis. Seetõttu pöördus Šiškin oma sõbra, loomakunstniku Konstantin Savitski poole. Savitski maalis võib-olla parimad karud vene maalikunsti ajaloos ja Tretjakov käskis oma nime lõuendilt maha pesta, kuna kõik pildil "kontseptsioonist teostuseni räägib kõik maalimisviisist, loomemeetodist Šiškinile omane.

Aja jooksul omandavad paljud kunstiteosed terve raja lugusid. Hea või mitte, täiesti erinevad, ebatavalised, sageli jubedad, lisavad need kõige tagasihoidlikumale pildile teatud aura. Muide, sellised aurad on suurepäraselt nähtavad bioenergeetika spetsialistidele ja selgeltnägijatele. Maalidega on seotud ka sündmused. Kas need tekivad selle tulemusena või langevad lihtsalt ajaliselt kokku – me ei vaidle. Aga teeme sellistest töödest lühikese ülevaate ja räägime maalide ajaloost.

Üks silmapaistvamaid "neetud" on hispaanlase Giovanni Bragolini maali "Nutv poiss" reproduktsioon. On teada, et kunstnik maalis selle oma poja järgi. Kuid lapsehoidja ei saanud oma vanuse tõttu käsu peale nutta. Siis asus isa asja kallale ja viis lapse õigesse seisu. Ta teadis, et laps kartis tuld. Seetõttu süütas isa tikud ja hoidis neid poisi näo lähedal, laps hakkas nutma ja kunstnik asus tööle.

Bragolin ohverdas oma lapse närvid oma joonistamiskire nimel. Edasi räägib legend, et ühel päeval ei pidanud laps seda vastu ja soovis isale: “Põletage ennast!” ning paar nädalat hiljem suri laps kopsupõletikku. Tema isa elas ka temast lühikest aega, ta põles oma majas maha.

Edasine ajalugu jätkus Inglismaal 1985. aastal. Sel ajal algas riigi põhjaosas tulekahjude epideemia. Eluhooned põlevad, täiesti omavoliliselt, ja inimesed surevad.

Ainus huvitav detail on see, et pärast põlengut jääb puutumata vaid üks asi - teatud reproduktsioon. Sõnumite arv kasvab ja jõuab kriitilise massini.

Üks inspektoritest nendib, et just “Nutjapoiss” osutub kõigi tulekahjude ühiseks tunnuseks.
Pärast seda saavad ajalehed ja politsei tulva sõnumeid, mis kirjeldavad kõiki selle reprodutseerimisega seotud juhtumeid. See jõuab selleni, et ametlikult tehakse ettepanek sellest kurjakuulutavast pildist majas lahti saada. Huvitav on see, et originaal ise loetakse kadunuks, seal on ainult koopia.

Järgmine “tuleohtlik lõuend” on impressionistliku Monet’ looming “Vesiroosid”.

Üksteise järel põlesid teadmata põhjusel looja töökoda, seejärel omanike majad – kabaree Montmartre’is Pariisis, prantsuse filantroopi maja, New Yorgi moodsa kunsti muuseum. Hetkel käitub maal vaikselt, ripub rahulikult Mormotoni muuseumis (Prantsusmaa).

Teine "põleti" asub Edinburghis kuninglikus muuseumis. Eriti muljetavaldav maal, väljasirutatud käsivarrega vanamehe portree. Legendi järgi liiguvad selle käe sõrmed, kuid kõik ei näe seda. Kuid need, kes seda nägid, surevad peagi tules.

Sellel maalil on teadaolevalt kaks ohvrit - Belfast (merekapten) ja Lord Seymour. Mõlemad väitsid, et nägid sõrmi liikumas ja mõlemad surid. Paari tule vahele sattus ka muuseumi direktor. Ühelt poolt nõuab avalikkus “neetud” maalist vabanemist, teisalt on see külastajate ligimeelitamise peamine vahend. Nii et vanamees on muuseumis rahulik.

Mitte vähem mõistatusi seostatakse da Vinci kuulsa "Giocondaga". Ja siin on saamide muljed pildist erinevad: mõned tunnevad sellest rõõmu, teised aga ehmuvad ja kaotavad teadvuse. Arvatakse, et see kuulus portree mõjub vaatajale väga halvasti. Ametlikult on jäädvustatud üle saja sellise sündmuse (!), mil muuseumikülastajad kaotasid maali mõtiskledes teadvuse. Üks neist ohvritest oli prantsuse kirjanik Stendhal.

Samuti on teavet selle kohta, et modell Mona Lisa suri suhteliselt noorelt, 28-aastaselt, ja suurepärane Leonardo tegi maali kuus pikka aastat, parandades seda kuni oma surmani.

Veel üks halb maal "Peegliga Veenus" on Velazquezi poolt. Arvatakse, et kõik, kes selle omandasid, kas surid vägivaldsesse surma või läksid pankrotti...

Isegi muuseumid ei tahtnud seda oma näitustele lisada ja pilt rändas pidevalt. Kuni ühel päeval ründas teda külaline, lõigates lõuendit noaga.

Järgmise õudusloo "Hands Resist Him" ​​kirjutas California sürrealistlik kunstnik Bill Stoneham. Ta kirjutas selle enda ja oma õe fotoga 1972. aastal. Pildil oli joonistamata näoga poiss ja peaaegu lapsesuurune tüdruknukk seismas klaasukse juures. Laste käed toetuvad seestpoolt vastu ust.
Selle maali hädade lugu sai alguse kunstikriitikust, kes seda hindas.

Ta suri ootamatult ja kiiresti. Järgmine oli filminäitleja. Edasi on loos lünk, maal loeti kadunuks. Ja siis avastab teatud perekond ta prügihunnikust ja tassib ta loomulikult majja. Pealegi riputavad nad selle lasteaeda. Selle tulemusena ei maga tütar öösiti, karjub ja ütleb, et pildil olevad lapsed liiguvad ja kaklevad. Nad panevad tuppa liikumisanduriga kaamera ja see kustub öösel.

Perekond otsustab maalist lahti saada ja paneb selle internetioksjonile. Kohe hakkas korraldajaile laekuma kaebuste meri, et pärast pikka filmide vaatamist jäid inimesed haigeks, said isegi infarkti.

Lõpuks ostab “Käed talle vastu” erakunstigalerii omanik. Mis saab nüüd ka tema vastu esitatud kaebuste hunniku omanikuks. Muide, ta saab pakkumisi ka eksortsistidelt. Selgeltnägijad räägivad maalist lähtuvast kurjusest üldiselt ühel häälel.

See foto oli "Hands Resist Him" ​​prototüüp:

See on ka Stoneham, kuid hiljem

Ka vene maalikunstis on oma veidrused. Kooliajast peale teavad kõik Perovi troikat. Selle kolmiku juur on väike õiglane poiss. Perov leidis sellele pildile modelli Moskvast. Naine koos oma 12-aastase pojaga kõndis mööda tänavat palverännakul.

Naine kaotas kõik teised lapsed ja abikaasa ning Vasjast sai tema viimane lohutus. Ta tõesti ei tahtnud, et poiss poseeriks, kuid hiljem ta siiski nõustus. Aga pärast maali valmimist väga kiiresti Vasja suri... Naine palub pilti talle anda, aga kunstnik ei saa seda enam teha, toonane pilt on juba Tretjakovi galeriis. Ja Perov maalib siis poisist portree ja kingib selle oma emale.

Vrubelil on ka selline raske töö. Tema poja Savva portree maaliti vahetult enne poisi ootamatut surma.
Aga "Deemon võitis"… Vrubel kirjutas seda pidevalt ümber, muutis värvi ja teosel oli kunstniku psüühikale väga tõsine mõju.

Ta ei lõpetanud kunagi töötamist, isegi pärast seda, kui töö oli näitusele paigutatud... Vrubel tuli isegi näitusele ja töötas lõuendil. Bekhterev ise uuris teda. Selle tulemusena helistavad lähedased psühhiaatrile Bekhterevile ja too paneb kohutava diagnoosi. Vrubel paigutatakse haiglasse, kus ta peagi sureb.

Veel üks huvitav paar maali.

Üks neist on Kuplini “Maslenitsa”.

teine ​​kuulub Antonovile.

Erilise kuulsuse saavutasid maalid 2006. aastal, kui väidetavalt ühe õpilase nimel ilmus internetti salvestis. Kes väitis, et koopia kuulub hullu sulepeale, kuid pildil on tunnus, mis viitab koheselt autori psüühikahäirele. Paljud inimesed hakkavad seda erinevust otsima, aga loomulikult ei leia... või õigemini, pakutakse palju võimalusi, aga õigsust pole võimalik kontrollida... veel)

Teine hirmuhirmutis oli Puškini ajal maalitud Maria Lopukhina portree.
Tema elu oli väga lühike ja peaaegu kohe pärast pildi loomist suri ta tuberkuloosi.

Tema isal, kellest kuuldavasti oli müürsepp, õnnestus oma tütre vaimu maalile jäädvustada. Ja nüüd riskib iga tüdruk, kes portreed vaatab, surra. Tema kontol on juba üle tosina noore tüdruku. 1880. aastal ostis maali filantroop Tretjakov. Pärast seda kuulujutud vaibuvad.

Järgmine "tume" maal on Munchi "Karje". Tema elu oli üks suur must tragöödia - ema surm varajases eas, õe ja venna surm, seejärel teise õe “skisofreenia”. 90ndatel raviti teda pärast närvivapustust elektrilöögiga. Ta kardab seksi ja seetõttu mitte abielluda. Munch sureb 81-aastaselt, olles üle andnud oma maalid (1200), visandid (4500) ja 18 000 fotot.
Munchi põhimaal oli tema "Karje".

Paljud, kes pidid maaliga kokku puutuma, saavad saatuselöögi – haigestuvad, lähevad lähedastega tülli, langevad raskesse depressiooni või surevad.
On ka väga õudseid lugusid. Ühel töötajal, täiesti tervel inimesel, kukkus see kogemata maha ja selle tagajärjel tekkisid üha tugevamad peavaluhood, mis kestis kuni töötaja enesetapuni. Teine maali maha visanud inimene sattus autoõnnetusse ning sai raskeid käte-, jalaluu-, ribi-, vaagna- ja peapõrutuse. Ja siia võib lisada uudishimuliku külastaja, kes näpuga pilti torkas. Mõni päev hiljem põleb ta oma majas elusalt põlema.

Hollandlane Pieter Bruegel vanem kirjutas "Maagide jumaldamise" kahe aasta jooksul.

Neitsi Maarja eeskujuks oli tema nõbu, viljatu naine, kelle abikaasa selle eest peksa sai. Just tema tekitas pildi halva aura. Lõuendit ostsid kollektsionäärid neli korda ja pärast seda ei sündinud perekondadesse lapsi 10-12 aasta jooksul. 1637. aastal ostis maali Jacob van Kampen. Selleks ajaks oli tal juba kolm järeltulijat, nii et needust ta ei kartnud.

Kui vaatate seda pilti umbes viis minutit järjest, muutub pildil olev tüdruk - tema silmad lähevad punaseks, juuksed lähevad mustaks ja kihvad kasvavad.

“Vihma naine” kirjutas Svetlana Taurus 1996. aastal. Pool aastat tagasi hakkas ta tundma mingit tähelepanu, jälgimist.

Siis ühel päeval astus Svetlana lõuendi juurde ja nägi seal seda naist, kogu tema pilti, värve, tekstuure. Ta maalis pildi väga kiiresti, tundus, et keegi liigutab kunstniku kätt.
Pärast seda üritas Svetlana maali maha müüa. Kuid esimene ostja tagastas maali kiiresti, sest talle tundus, et korteris on keegi, ta unistas sellest naisest.

Tekkis vaikuse tunne, hirmu ja ärevuse tunne. Vihma. Sama kordus veel mitu korda. Nüüd ripub maal ühes poes, aga ostjaid sellele enam pole. Kuigi kunstnik arvab, et maal lihtsalt ootab oma vaatajat, seda, kellele see on mõeldud.

Pole saladus, et kuulsad isiksused satuvad teistest sagedamini erakordsetesse elusituatsioonidesse ja erinevatesse lugudesse, mis tänu pealtnägijatele on nende elulugudesse sajandeid jäädvustatud. Need lood on reeglina anekdootlikult naljakad, kohati naljakad ja mitte eriti meeldivad ning ka õpetlikud, millest on saanud mõistujutud. Täna räägime huvitavatest faktidest kuulsate Venemaa ja Euroopa klassikaliste kunstnike elust.

Kunstniku autogramm on kümme korda kallim kui maal ise

Ilja Efimovitš Repin. Ühel päeval ostis üks proua maali allkirjaga “I. Repin”, makstes selle eest 100 rubla. Mõne aja pärast tuli ta maalija ateljeesse ja näitas kunstnikule oma soetamist. Õnnetu kliendi üle naerdes kirjutas Repin lõuendi allossa: "See pole Repin." Pärast seda müüs proua maali edasi, kuid tuhande rubla eest.

Maalimine on surematu

Pablo Picasso. Üks näitusel olnud üsna kuulus arst pöördus Picasso poole ja ütles tähtsalt: "Ma tean inimkeha anatoomilist ehitust üsna hästi." Seega võin öelda, et inimesed teie lõuenditel tekitavad kahetsust ja hämmeldust. "See on täiesti võimalik," vastas Picasso. - Kuid võin teile kinnitada, et nad elavad palju kauem kui teie patsiendid.

Laste individualism

Autoportreed. Pablo Picasso 15- ja 90-aastaselt. Kord pärast lastejoonistuste näituse külastamist ütles Pablo Picasso mõtlikult: "Kui ma olin nendevanune, võisin kirjutada nagu Raphael, kuid kulus terve elu, et õppida nagu nemad." Kunstniku ema portree (1896), maalinud 15-aastane Picasso.

Kallis tšekk

Salvador Dali. Salvador Dalil oli restoraniomanikele väga kaval nipp. Esimest korda meelelahutusasutust külastades kogus ta kokku suure seltskonna sõpru ja tuttavaid ning kostitas terve õhtu kõiki menüüst valitud roogade ja jookidega. Kui arvete maksmise aeg kätte jõudis, kirjutas kunstnik väljakutsuvalt suure summa tšeki ja siis... pööras tšeki ümber ja tagaküljele kirjutas asutuse omanikule tänuks paar sooja sõna ja allkirjastas. tema autogrammi. Meistri arvutus oli lihtne ja usaldusväärne: oma elava geeniuse kuulsust ära kasutades oli Dali kindel, et restorani omanik ei julge kunagi Dali enda originaalallkirjaga tšekki rahaks teha! Tavaliselt juhtus see nii: restoranipidajad mõistsid, et aja jooksul võivad nad selle tšeki eest teenida palju rohkem raha kui arvel oleva summa, kuid meister säästis palju raha.

Kes on hulluks läinud?

Salvador Dali. Kord ütles Salvador Dali oma sõpradega vesteldes, et kõik looduses aset leidvad katastroofid ei üllata teda enam üldse. Siis hakkas vestluskaaslane entusiastlikult võimalikust olukorrast näidet tooma: "Olgu, olgu, aga mis siis, kui südaööl ilmuks silmapiirile järsku valgus, mis kuulutas hommikust koitu?" Vaatad üles ja näed päikest tõusmas. Kas see ei üllataks teid tõesti? Kas sa ei arva, et oled hull? "Vastupidi," ütles Dali kõhklemata, "oleksin arvanud, et see päike on hulluks läinud."

Loomeliidud

Isaac Levitan./“Sügispäev. Sokolniki". (1879)./ Nikolai Tšehhov. Kunstnik Isaac Levitan “spetsialiseerus” teatavasti ainult maastikumaalile, kuid tema pärandi hulka kuulub üks lõuend, mis kujutab pargis jalutavat naisekuju. "Sügispäev. Sokolniki” on selle maali nimi, mille ta on maalinud üliõpilaspõlves. Kunstnik ei võtnud kunagi kohustust inimesi joonistada ja ausalt öeldes tuleb märkida, et ainsa naise kujutise ei maalinud kunstnik ise, vaid tema kunstikooli sõber, kuulsa kirjaniku Nikolai Tšehhovi vend.
Ivan Aivazovski./ “Puškin mererannas.”/ Ilja Repin. Muide, see polnud kunstiajaloo ainuke loominguline koostöö. Miks mitte "sõprusest" aidata sõpra-kunstnikku, kellel ei lähe hästi? Paljud ei tea, et Puškini kuju Aivazovski maalil “Puškin mererannal” on maalinud Ilja Repin.
K. A. Savitski ja I. I. Šiškin. 1880. aastate algus Foto. / "Hommik männimetsas". Ja Šiškini maalil “Hommik männimetsas” kuulsad karud maalis kunstnik Savitski. Noh, geniaalne maastikumeister ei suutnud neid naljakaid loomi õigesti mõista. Kuid selle maali müügist saadud nelja tuhande rubla tasu jagati vennalikult ja algselt oli lõuendil kaks autogrammi. Kõik on aus... Maali omanik Pavel Tretjakov otsustas aga autorluse Šiškinini kanda ja kustutas Savitski allkirja isiklikult.

Kunstniku perekonnanimele keisri enda poolt antud täht "B".

Karl ja Aleksander Bryullov. Kuni 19. sajandi alguseni Brjullovi perekonnanime Venemaal ei eksisteerinud. Kuulus vene kunstnik Karl Bryullov sündis dekoratiivskulptuuri akadeemiku Pavel Bryullo perekonda, kelle esivanemad olid Prantsusmaalt. Perekonnanime lõpus olev täht “v” anti Karlile ja tema vennale Aleksandrile, elukutselt arhitektile, keiserliku kõrgeima dekreediga enne tema pensionile jäämist Itaaliasse.

Ühe meistriteose näitus

Arkhip Kuindži. 1880. aastal leidis Venemaa kunstimaailmas aset enneolematu sündmus. Peterburis pandi esmakordselt avalikule väljapanekule Arkhip Kuindži maal “Kuuvalge öö Dnepril”. Üllatav oli see, et ta oli näitusel ainuke. Kuulujutud erakordsest maalist levisid üle linna juba ammu enne selle väljapanekut ning avamispäeval ise tundus, et kogu linn oli seda vaatama kogunenud. Paljud vankrid blokeerisid kõik lähedalasuvad tänavad ja inimesed tunglesid sissepääsu juures pikkadeks järjekordadeks. Paljud külastasid näitust mitu korda.
"Kuuvalge öö Dnepril." Avalikkust paelus maalil kujutatud kuuvalguse erakordne realism, paljud pakkusid kunstnikule helendavat värvi kasutamist, mõni vaatas isegi salaja maali taha, püüdes uurida, kas seal on kuud valgustav lamp.

Modigliani tõotus

Amedeo Modigliani. Kuulus itaalia kunstnik Amedeo Modigliani tundis huvi joonistamise ja maalimise vastu juba väga varakult. Lõpliku otsuse kunstnikuks hakata tegi ta üheteistkümneaastaselt pärast rasket pleuriiti, mil Amedeo lamades meeleheitel otsustas: kui ta ellu jääb, pühendub ta maalimisele. Ja ta pidas oma sõna.

Kuindzhi ja linnud

Arkhip Kuindži. Arkhip Kuindzhile meeldisid väga linnud. Ta võis istuda tundide kaupa oma maja katusel ning tuvide ja varestega “vestelda”. Ja ta ütles sageli oma sõpradele, et linnud said tema sõnadest aru ja langesid kergesti tema kätesse. No muidugi.... Kulutas ju kunstnik iga kuu palju raha lindude toitmisele, ostes 60 prantsuse rulli, kuni 10 kg liha ja 6 kotti kaera. Ja kord avaldas illustraator Pavel Shcherbov koomiksi, milles Kuindži annab linnule klistiiri. Nad ütlevad, et Arkhip Ivanovitš, kellel polnud erilist huumorimeelt, oli kolleegi peale kohutavalt solvunud.
Karikatuur. Sulelised patsiendid (A.I. Kuindzhi oma maja katusel). Autor: Pavel Shcherbov.

Viis tuhat lambivarju eest

Konstantin Jegorovitš Makovski. / Floraks riietatud tüdruk. Konstantin Makovski oli kuulus mitte ainult jõukate abikaasade naiste salongiportreede, vaid ka ülikõrgete hindade poolest. Kunstnik armastas ka maitsvat toitu süüa, nii et nad ütlevad, et ta oli tõeline gurmaan. Kuid ühel päeval sattus ta peaaegu hätta. Parun Accurti, ostnud äsja Makovski maalitud lambivarjudega, kuid ilma autogrammideta luksusliku häärberi, kutsus populaarseima kunstniku restorani hommikusööki sööma. Lootuses, et kunstnik annab lambivarjudele tänutäheks tasuta allkirja. See oleks juhtunud, kui mitte üks “aga”... Makovski oli juba peene söögi ootuses pehmenenud ja lubas sellele kohe järele minna ja kõik kolm lambivarju tasuta alla kirjutada. Ja pinguline parun tegi lõpuks käsu: käskis serveerida sulatusi ja leiba. "Lõhn? Mina?” oli Makovsky enda peale nördinud. Ja ta ütles valjusti: "Viis tuhat rubla allkirja eest igal lambivarjul!"

Valentin või Anton Serov

Mika Morozovi portree. / Valentin Serov. Sõbrad ja perekond kutsusid Valentin Serov Antoniks. See nimi jäi talle lapsepõlves kindlalt külge, kui tema vanemad kutsusid liigsetest tunnetest beebi vastu väikeseid Valentine Valentosha, Tosha ja mõnikord ka Tonya. Veidi hiljem muutus Tosha Mamontovi perekonnas Antoshaks. Ja kirjad, mille Ilja Repin juba täiskasvanud Serovile kirjutas, algasid sageli aadressiga: "Anton, Anton!"

Väike väljapressija

*Tüdruk virsikutega*. Autor: V. Serov. Tema sugulased teadsid eriti hästi, et Valentin Serov töötas aeglaselt. Ja kui kunstnik otsustas maalida portree Savva Mamontovi 11-aastasest tütrest Verast (ja lõuend oli mõeldud kingituseks tüdruku ema Elizaveta Mamontova sünnipäevaks), tabas Serov kategoorilist protesti tulevikust. mudel. Verochka mõistis kohe, millised tagajärjed on kunstnikule poseerima nõustumisel. Tal polnud sugugi kiusatust istuda nädalaid liikumatult, selle asemel, et eakaaslastega maal ringi joosta. Verotška oli kangekaelne ja Serovil ei jäänud muud üle, kui tema tingimustega nõustuda: pärast iga seanssi sõita temaga hobustega.
*Tüdruk virsikutega*. fragment. / Verotška Mamontova.

Salapärane kunstimaailm võib harjumatule silmale segadust tekitav tunduda, kuid on meistriteoseid, mida peaksid teadma kõik. Andekus, inspiratsioon ja vaevarikas töö iga löögi kallal sünnitavad teoseid, mida imetletakse sajandeid hiljem.

Kõiki silmapaistvat loomingut on võimatu ühte valikusse koondada, kuid püüdsime välja valida kõige kuulsamad maalid, mis tõmbavad kogu maailmas muuseumide ette hiiglaslikke järjekordi.

Vene kunstnike kuulsaimad maalid

“Hommik männimetsas”, Ivan Šiškin ja Konstantin Savitski

Loomise aasta: 1889
Muuseum

Šiškin oli suurepärane maastikumaalija, kuid loomi tuli tal harva joonistada, nii et karupoegade figuurid maalis suurepärane loomakunstnik Savitski. Töö lõppedes käskis Tretjakov Savitski allkirja kustutada, arvestades, et Šiškin oli teinud palju mahukamat tööd.

“Ivan Julm ja tema poeg Ivan 16. november 1581”, Ilja Repin

Aastaid loomist: 1883–1885
Muuseum: Tretjakovi galerii, Moskva

Repinit inspireeris meistriteose, paremini tuntud kui "Ivan Julm tapab oma poja", loomiseks Rimski-Korsakovi sümfoonia "Antar", nimelt selle teine ​​osa "Kättemaksu magusus". Muusika helide mõjul kujutas kunstnik verist stseeni mõrvast ja sellele järgnenud meeleparandusest, mida vaadeldi suverääni silmis.

"Istuv deemon", Mihhail Vrubel

Loomise aasta: 1890
Muuseum: Tretjakovi galerii, Moskva

Maal oli üks kolmekümnest illustratsioonist, mille Vrubel joonistas M.Yu teoste juubeliks. Lermontov. “Istuv deemon” kehastab inimvaimule omaseid kahtlusi, peent, tabamatut “hinge tuju”. Ekspertide sõnul oli kunstnik mingil määral kinnisideeks deemoni kujutisest: sellele maalile järgnesid "Lendav deemon" ja "Võidetud deemon".

“Boyaryna Morozova”, Vassili Surikov

Aastaid loomist: 1884–1887
Muuseum: Tretjakovi galerii, Moskva

Film põhineb vanausulise elu süžeel “Bojarina Morozova lugu”. Võtmekujundi mõistmine tekkis kunstnikul, kui ta nägi varest lumisel pinnal uduna oma musti tiibu sirutamas. Hiljem otsis Surikov pikka aega aadlinaise näo prototüüpi, kuid ei leidnud midagi sobivat, kuni kohtus ühel päeval kalmistul kahvatu ja meeletu näoga vanausulist naist. Portree eskiis valmis kahe tunniga.

"Bogatyrs", Viktor Vasnetsov

Aastaid loomist: 1881–1898
Muuseum: Tretjakovi galerii, Moskva

Tulevane eepiline meistriteos sündis väikese pliiatsivisandina 1881. aastal; Edasiseks lõuendiga töötamiseks kogus Vasnetsov aastaid hoolikalt kangelaste kohta teavet müütide, legendide ja traditsioonide põhjal ning uuris muuseumides ka autentset iidset vene laskemoona.

Vasnetsovi maali “Kolm kangelast” analüüs

“Punase hobuse suplemine”, Kuzma Petrov-Vodkin

Loomise aasta: 1912
Muuseum: Tretjakovi galerii, Moskva

Algselt oli maal mõeldud igapäevaseks visandiks ühe Vene küla elust, kuid töö käigus kasvas kunstniku lõuend tohutu hulga sümbolitega. Punase hobuse all pidas Petrov-Vodkin silmas “Venemaa saatust”; pärast seda, kui riik astus Esimesse maailmasõtta, hüüdis ta: "Seetõttu ma selle pildi maalisin!" Kuid pärast revolutsiooni tõlgendasid nõukogude-meelsed kunstikriitikud maali võtmefiguuri kui "revolutsiooniliste tulekahjude kuulutajat".

"Kolmainsus", Andrei Rubljov

Loomise aasta: 1411
Muuseum: Tretjakovi galerii, Moskva

Ikoon, mis pani aluse vene ikoonimaali traditsioonile 15.–16. Aabrahamile ilmunud Vana Testamendi inglikolmainsust kujutav lõuend on Püha Kolmainsuse ühtsuse sümbol.

"Üheksas laine", Ivan Aivazovski

Loomise aasta: 1850
Muuseum

Pärl legendaarse vene meremaalikunstniku “kartograafias”, keda võib kõhklematult pidada üheks maailma tuntuimaks kunstnikuks. Näeme, kuidas tormist imekombel ellu jäänud meremehed klammerduvad masti külge, oodates kohtumist "üheksanda lainega", kõigi tormide müütilise apogeega. Kuid lõuendil domineerivad soojad toonid annavad lootust ohvrite päästmiseks.

“Pompei viimane päev”, Karl Bryullov

Aastaid loomist: 1830–1833
Muuseum: Vene Muuseum, Peterburi

1833. aastal valminud Brjullovi maali eksponeeriti algul Itaalia suuremates linnades, kus see tekitas tõelise sensatsiooni – maalijat võrreldi Michelangelo, Tiziani, Raffaeliga... Kodus tervitati meistriteost mitte vähema entusiasmiga, kindlustades hüüdnimi "Charlemagne" Bryullovile. Lõuend on tõeliselt suurepärane: selle mõõtmed on 4,6 × 6,5 meetrit, mis teeb sellest ühe suurima maali vene kunstnike loomingu seas.

Leonardo da Vinci kuulsaimad maalid

"Mona Lisa"

Aastaid loomist: 1503–1505
Muuseum: Louvre, Pariis

Firenze geeniuse meistriteos, mis ei vaja tutvustamist. Tähelepanuväärne on, et maal sai kultusliku staatuse pärast vargust Louvre'ist 1911. aastal. Kaks aastat hiljem üritas varas, kes osutus muuseumi töötajaks, maali maha müüa Uffizi galeriile. Kõrgetasemelise juhtumi sündmusi kajastati üksikasjalikult maailma ajakirjanduses, misjärel läks müüki sadu tuhandeid reproduktsioone ning salapärasest Mona Lisast sai kummardamise objekt.

Aastaid loomist: 1495–1498
Muuseum: Santa Maria delle Grazie, Milano

Pärast viit sajandit tunnistatakse Milano dominiiklaste kloostri söökla seinal asuvat klassikalise süžeega fresko üheks kõige salapärasemaks maaliks ajaloos. Da Vinci idee kohaselt kujutab maal ülestõusmispühade söömise hetke, mil Kristus annab jüngritele teada peatsest reetmisest. Tohutu hulk peidetud sümboleid on toonud kaasa sama suure hulga uurimusi, vihjeid, laene ja paroodiaid.

"Madonna Litta"

Loomise aasta: 1491
Muuseum: Ermitaaž, Peterburi

Tuntud ka kui Madonna ja laps, hoiti maali pikka aega Litta hertsogite kollektsioonis ning 1864. aastal ostis selle Peterburi Ermitaaž. Paljud eksperdid nõustuvad, et beebi figuuri ei maalinud mitte da Vinci isiklikult, vaid üks tema õpilane - see poos oli maalija jaoks liiga ebaloomulik.

Salvador Dali kuulsaimad maalid

Loomise aasta: 1931
Muuseum: moodsa kunsti muuseum, New York

Paradoksaalsel kombel sündis sürrealismigeeniuse kuulsaim teos Camemberti juustust puudutavatest mõtetest. Ühel õhtul, pärast sõbralikku õhtusööki, mis lõppes juustueelroogadega, vajus kunstnik “pulpi laialilaotamise” peale ja tema kujutlusvõime maalis pildi sulavast kellast, mille esiplaanil oli oliivioksa.

Loomise aasta: 1955
Muuseum: National Gallery of Art, Washington

Traditsiooniline süžee, millele on antud sürreaalne pööre, kasutades Leonardo da Vinci uuritud aritmeetikaprintsiipe. Kunstnik seadis esiplaanile numbri “12” omapärase maagia, eemaldudes piibli süžee tõlgendamise hermeneutilisest meetodist.

Pablo Picasso kuulsaimad maalid

Loomise aasta: 1905
Muuseum: Puškini muuseum, Moskva

Maalist sai esimene märk nn roosast perioodist Picasso loomingus. Kare tekstuur ja lihtsustatud stiil on ühendatud tundliku joonte ja värvide mänguga, kontrastiga sportlase massiivse figuuri ja hapra võimleja vahel. Lõuend müüdi koos 29 muu teosega 2 tuhande frangi eest (kokku) Pariisi kollektsionäärile Vollardile, vahetas mitu kollektsiooni ja 1913. aastal omandas selle vene filantroop Ivan Morozov, juba 13 tuhande frangi eest.

Loomise aasta: 1937
Muuseum: Reina Sofia muuseum, Madrid

Guernica on Baskimaa linna nimi, mida 1937. aasta aprillis sakslased pommitasid. Picasso polnud kunagi Guernicas käinud, kuid ta hämmastas katastroofi ulatust, nagu "härja sarve löök". Kunstnik andis sõjakoledused edasi abstraktsel kujul ja näitas fašismi tegelikku palet, varjades seda veidrate geomeetriliste kujunditega.

Renessansi kuulsaimad maalid

"Sikstuse Madonna", Rafael Santi

Aastaid loomist: 1512–1513
Muuseum: Vanade meistrite galerii, Dresden

Kui vaatate tähelepanelikult tausta, mis esmapilgul koosneb pilvedest, märkate, et tegelikult kujutas Raphael seal inglite päid. Pildi allosas asuvad kaks inglit on oma laia leviku tõttu massikunstis peaaegu kuulsamad kui meistriteos ise.

"Veenuse sünd", Sandro Botticelli

Loomise aasta: 1486
Muuseum: Uffizi galerii, Firenze

Pilt põhineb Vana-Kreeka müüdil Aphrodite sünnist merevahust. Erinevalt paljudest renessansi meistriteostest on lõuend tänaseni suurepärases seisukorras säilinud tänu munakollase kaitsekihile, millega Botticelli teose ettenägelikult kattis.

"Aadama loomine", Michelangelo Buonarotti

Loomise aasta: 1511
Muuseum: Sixtuse kabel, Vatikan

Üks Sixtuse kabeli lae laes olevast üheksast freskost, mis illustreerib 1. Moosese raamatu peatükki: "Ja Jumal lõi inimese oma näo järgi." Just Michelangelo oli esimene, kes kujutas Jumalat hallijuukselise vanamehena, misjärel see pilt muutus arhetüüpseks. Kaasaegsed teadlased usuvad, et Jumala ja inglite kuju kontuurid esindavad inimese aju.

"Öine vahtkond", Rembrandt

Loomise aasta: 1642
Muuseum: Rijksmuseum, Amsterdam

Maali täispealkiri on "Kapten Frans Banning Koki ja leitnant Willem van Ruytenburgi vintpüssikompanii esinemine". Maal sai oma tänapäevase nime 19. sajandil, kui selle leidsid kunstikriitikud, kes teost katva mustusekihi tõttu otsustasid, et tegevus maalil toimub ööpimeduse varjus.

"Maiste naudingute aed", Hieronymus Bosch

Aastaid loomist: 1500–1510
Muuseum: Prado muuseum, Madrid "Must ruut"

Malevitš kirjutas “Musta ruudu” mitu kuud; Legend räägib, et musta värvikihi all on peidus maal – kunstnik ei jõudnud tööd õigeks ajaks lõpetada ja kattis vihahoos pildi kinni. Malevitši tehtud “Mustast ruudust” on vähemalt seitse koopiat, aga ka omamoodi suprematistlike väljakute “jätk” – “Punane väljak” (1915) ja “Valge ruut” (1918).

"Karje", Edvard Munch

Loomise aasta: 1893
Muuseum: Rahvusgalerii, Oslo

Selle seletamatu müstilise mõju tõttu vaatajale varastati maal 1994. ja 2004. aastal. Arvatakse, et 20. sajandi vahetusel loodud pilt aimas ette arvukalt tuleva sajandi katastroofe. "The Screami" sügav sümboolika inspireeris paljusid kunstnikke, sealhulgas Andy Warholi "Nr 5, 1948".

See maal tekitab siiani palju poleemikat. Mõned kunstikriitikud usuvad, et patenteeritud pritsimistehnikas maalitud maali ümber tekkis põnevus kunstlikult. Lõuend müüdi alles siis, kui kõik kunstniku muud tööd osteti ja sellest tulenevalt tõusis mittefiguratiivse meistriteose hind taevasse. "Number viis" müüdi 140 miljoni dollari eest, saades ajaloo kõige kallimaks maaliks.

"Marilyn Diptych", Andy Warhol

Loomise aasta: 1962
Muuseum: Tate Gallery, London

Nädal pärast Marilyn Monroe surma alustas vastuoluline kunstnik lõuendi kallal tööd. Lõuendile kanti 50 näitlejanna šabloonset portreed, mis olid stiliseeritud popkunsti žanris 1953. aasta foto põhjal.
Tellige meie kanal Yandex.Zenis

Väljaanded muuseumide rubriigis

Vana-Rooma tragöödia, millest sai Karl Bryullovi triumf

23. detsembril 1799 sündis Karl Brjullov. Prantsuse päritolu skulptori Paul Brulleau poeg Karl oli üks pere seitsmest lapsest. Tema vennad Pavel, Ivan ja Fedor said samuti maalikunstnikeks ning vend Aleksander sai arhitektiks. Kõige kuulsam oli aga Karl, kes maalis 1833. aastal oma elu peatööks olnud “Pompei viimse päeva”. “Kultura.RF” mäletas, kuidas see maal sündis.

Karl Bryullov. Autoportree. 1836

Loomise ajalugu

Maal on maalitud Itaalias, kus 1822. aastal läks kunstnik keiserlikust kunstiakadeemiast nelja-aastasele pensionireisile. Kuid ta elas seal 13 aastat.

Süžee räägib Vana-Rooma tragöödiast - Vesuuvi jalamil asuva iidse Pompei linna surmast: 24. august 79 pKr. e. Vulkaanipurse nõudis kahe tuhande elaniku elu.

1748. aastal alustas sõjaväeinsener Rocque de Alcubierre tragöödiapaigas arheoloogilisi väljakaevamisi. Pompei avastamisest sai sensatsioon ja see kajastus erinevate inimeste töödes. Nii ilmus 1825. aastal Giovanni Pacini ooper ja 1834. aastal inglase Edward Bulwer-Lyttoni ajalooline romaan, mis oli pühendatud Pompei surmale.

Bryullov külastas kaevamispaika esmakordselt 1827. aastal. Varemetesse minnes ei aimanud 28-aastane kunstnik, et see reis saab talle saatuslikuks: "Sa ei saa läbida neid varemeid, tundmata endas mingit täiesti uut tunnet, mis paneb sind unustama kõik peale kohutava juhtumi selle linnaga.", kirjutas kunstnik.

Tunded, mida Karl Bryullov väljakaevamistel koges, teda ei jätnud. Nii sündis ajalooteemalise lõuendi idee. Krundi kallal töötades uuris maalikunstnik arheoloogilisi ja kirjanduslikke allikaid. "Ma võtsin selle maastiku elust, ilma taganemata või lisamata, seistes seljaga linnavärava poole, et näha peamise põhjusena osa Vesuuvist.". Tegelaste modellideks olid itaallased – Pompei iidsete elanike järeltulijad.

Klassitsismi ja romantismi ristumiskohas

Selles teoses ilmutab Bryullov end mitte traditsioonilise klassitsistliku, vaid romantilise liikumise kunstnikuna. Seega pole selle ajalooline süžee pühendatud mitte ühele kangelasele, vaid terve rahva tragöödiale. Ja süžeeks valis ta mitte idealiseeritud kujundi või idee, vaid reaalse ajaloolise fakti.

Tõsi, Bryullov ehitab maali kompositsiooni üles klassitsismi traditsioonide järgi - üksikute episoodide tsüklina, mis on ümbritsetud kolmnurka.

Pildi vasakul küljel, taustal, on kujutatud mitu inimest Scauruse haua suure hoone trepil. Naine vaatab otse vaatajale otsa, silmis õudus. Ja tema taga on kunstnik, kelle peas on värvikast: see on autoportree Brjullovist, kes kogeb koos oma tegelastega tragöödiat.

Vaatajale lähemal on abielupaar lastega, kes üritavad laavast põgeneda ja esiplaanil naine kallistab oma tütreid... Tema kõrval on kristlik preester, kes on oma saatuse juba Jumala kätte usaldanud ja on seetõttu rahulik. Pildi sügavuses näeme paganlikku Rooma preestrit, kes üritab põgeneda rituaalseid väärisesemeid kandes. Siin vihjab Bryullov roomlaste iidse paganliku maailma langemisele ja kristliku ajastu algusele.

Pildi paremal küljel taustal on ratsanik hobusel, kes tõusis üles. Ja vaatajale lähemal on õudusest haaratud peigmees, kes üritab süles hoida oma pruuti (tal on roosidest pärg), kes on teadvuse kaotanud. Esiplaanil kannavad kaks poega oma vana isa süles. Ja nende kõrval on noormees, kes anub, et ema tõuseks püsti ja jookseks selle kõikehõlmava elemendi eest kaugemale. Muide, see noormees pole keegi muu kui Plinius Noorem, kes tegelikult põgenes ja jättis oma mälestused tragöödiast. Siin on väljavõte tema kirjast Tacitusele: "Ma vaatan tagasi. Paks must udu, mis levis ojana üle maa, jõudis meist järele. Ümberringi oli öö langenud, erinevalt kuuta või pilvise ilmaga: pimedaks läheb ainult lukustatud ruumis, kus tuled on kustutatud. Kuulda oli naiste karjeid, laste kriginat ja meeste karjeid, ühed hüüdsid oma vanemaid, teised oma lapsi või naisi ja püüdsid neid hääle järgi ära tunda. Mõned leinasid enda, teised lähedaste surma, mõned palvetasid surmahirmus surma pärast; paljud tõstsid käed jumalate poole; enamus selgitas, et jumalaid pole kuskil ja maailma jaoks oli see viimane igavene öö..

Pildil pole peategelast, küll aga keskseid: kullakarvaline laps kollases tuunikas surnud ema lamava keha lähedal - vana maailma langemise ja uue sünni sümbol, see on elu ja surma vastandus – romantismi parimates traditsioonides.

Sellel pildil näitas Bryullov end ka novaatorina, kasutades kahte valgusallikat - kuum punane valgus taustal, mis annab edasi laava lähenemise tunnet, ja külm rohekas-sinine esiplaanil, lisades süžeele täiendavat dramaatilisust.

Selle maali särav ja rikkalik koloriit rikub ka klassikalisi traditsioone ja võimaldab rääkida kunstnikust kui romantikust.

Triumfirongkäigu maalimine

Karl Bryullov töötas lõuendil kuus aastat - 1827–1833.

Maal esitleti esmakordselt avalikkusele 1833. aastal Milanos toimunud näitusel – ja tekitas kohe sensatsiooni. Kunstnikku austati kui Rooma triumfi, maali kohta kirjutati ajakirjanduses kiitvaid arvustusi. Bryullovit tervitati tänaval aplausiga ja tema reiside ajal Itaalia vürstiriikide piiridel nad passi ei nõudnud: arvati, et iga itaallane tundis teda juba nägemise järgi.

1834. aastal esitleti Pariisi salongis Pompei viimast päeva. Prantsuse kriitika osutus Itaalia omast vaoshoitumaks. Kuid spetsialistid hindasid seda tööd kõrgelt, kinkides Bryullovile Prantsuse Kunstiakadeemia kuldmedali.

Lõuend tekitas Euroopas sensatsiooni ja seda oodati Venemaal pikisilmi. Samal aastal saadeti see Peterburi. Maali näinud Nikolai I avaldas soovi autoriga isiklikult kohtuda, kuid kunstnik läks koos krahv Vladimir Davõdoviga Kreekasse reisile ja naasis kodumaale alles detsembris 1835.

11. juunil 1836 kogunesid austatud külalised, akadeemia liikmed, kunstnikud ja lihtsalt kunstisõbrad Venemaa Kunstiakadeemia ümarsaali, kus eksponeeriti maali “Pompei viimane päev”. Maali autor “suur Charles” kanti külaliste entusiastlike karjete saatel süles saali. "Võib öelda, et rahvahulgad külastajaid tungisid akadeemia saali Pompei poole vaatama.", kirjutab kaasaegne ja selle edu tunnistaja, mille sarnast pole kunagi tundnud ükski vene kunstnik.

Maali tellija ja omanik Anatoli Demidov kinkis selle keisrile ning Nikolai I paigutas selle Ermitaaži, kuhu see jäi 60 aastaks. Ja 1897. aastal viidi see üle Vene muuseumisse.

Pilt erutas sõna otseses mõttes kogu Venemaa ühiskonda ja tolleaegseid parimaid meeli.

Kunstirahu trofeed
Sa tõid selle oma isa varikatusse.
Ja seal oli "Pompei viimane päev"
Esimene päev vene harjale! -

maalist kirjutas luuletaja Jevgeni Boratõnski.

Aleksander Puškin pühendas talle ka luuletusi:

Vesuuvi avas suu – pilves voolas suitsu, leegid
Laialdaselt arendatud lahingulipuna.
Maa on ärevil – värisevatest sammastest
Iidolid langevad! Hirmust juhitud rahvas
Kivisaju all, põlenud tuha all,
Rahvahulgad, vanad ja noored, jooksevad linnast välja.

Mihhail Lermontov mainib ka "Pompei viimast päeva" romaanis "Printsess Ligovskaja": «Kui teile meeldib kunst, siis võin teile öelda väga häid uudiseid: Brjullovi maal «Pompei viimane päev» läheb Peterburi. Kogu Itaalia teadis temast, prantslased sõimasid teda., - Lermontov teadis selgelt Pariisi ajakirjanduse arvustustest.

Vene ajaloolane ja rändur Aleksandr Turgenev ütles, et see pilt oli Venemaa ja Itaalia au.

Ja Nikolai Gogol pühendas maalile pika artikli, kirjutades: “Tema pintsel sisaldab seda luulet, mida sa ainult tunned ja tunned alati ära: meie tunded teavad ja näevad alati isegi iseloomulikke jooni, kuid sõnad ei ütle neid kunagi. Selle värv on nii särav, et seda pole peaaegu kunagi varem olnud, selle värvid põlevad ja tormavad silma. Need oleksid väljakannatamatud, kui kunstnik oleks ilmunud Bryullovist madalamal tasemel, kuid temaga on nad riietatud sellesse harmooniasse ja hingavad seda sisemist muusikat, millega elavad loodusobjektid..