Poisid, paneme saidile oma hinge. Tänan sind selle eest
et avastad selle ilu. Aitäh inspiratsiooni ja hanenaha eest.
Liituge meiega Facebook Ja Kokkupuutel
Esiteks teame maali kohta kahte asja: selle autorit ja võib-olla ka lõuendi ajalugu. Kuid me ei tea palju nende saatustest, kes meid lõuendilt vaatavad.
veebisait Otsustasin rääkida naistest, kelle näod on meile tuttavad, aga nende lood mitte.
Žanna Samari
Auguste Renoir, näitlejanna Jeanne Samary portree, 1877
Näitlejanna Jeanne Samary, ehkki temast ei saanud lavatähte (ta mängis peamiselt toateenijaid), vedas milleski muus: mõnda aega elas ta Renoiri stuudio lähedal, kes maalis temast aastatel 1877–1878 neli portreed. muutis ta kuulsaks palju rohkem, kui tema näitlejakarjäär teha suutis. Žanna mängis näidendites alates 18. eluaastast, 25-aastaselt abiellus ja sünnitas kolm last, seejärel kirjutas isegi lasteraamatu. Kuid see võluv daam ei elanud kahjuks kaua: 33-aastaselt haigestus ta kõhutüüfusesse ja suri.
Cecilia Gallerani
Leonardo da Vinci, "Daam hermeliiniga"
1489-1490
Cecilia Gallerani oli Itaalia aadliperekonnast pärit tüdruk, kes 10-aastasena (!) oli juba kihlatud. Kui neiu oli aga 14-aastane, läks kihlus teadmata põhjustel katki ja Cecilia saadeti kloostrisse, kus ta kohtus (või pandi kõik paika) Milano hertsogi Ludovico Sforzaga. Algas afäär, Cecilia jäi rasedaks ja hertsog pani tüdruku oma lossi elama, kuid siis saabus aeg sõlmida dünastiline abielu teise naisega, kellele loomulikult ei meeldinud armukese olemasolu nende majas. Pärast seda, kui Gallerani oli sünnitanud, võttis hertsog oma poja endale ja abiellus ta vaesunud krahviga.
Selles abielus sünnitas Cecilia neli last, pidas peaaegu kõige esimest kirjandussalongi Euroopas, külastas hertsogit ja nautis oma uue armukese lapsega mängimist. Mõne aja pärast suri Cecilia abikaasa, tuli sõda, ta kaotas heaolu ja leidis peavarju sama hertsogi naise õe majast - just nii suurepärastes suhetes õnnestus tal inimestega olla. Pärast sõda tagastas Gallerani oma valduse, kus ta elas kuni oma surmani 63-aastaselt.
Zinaida Jusupova
V.A. Serov, “Printsess Zinaida Jusupova portree”, 1902
Venemaa rikkaim pärija, Jusupovi perekonna viimane printsess Zinaida oli uskumatult ilus ja hoolimata sellest, et tema poolehoidu otsisid muu hulgas augustiinimesed, soovis ta abielluda armastuse pärast. Ta täitis oma soovi: abielu oli õnnelik ja tõi kaks poega. Yusupova kulutas palju aega ja vaeva heategevuslikule tegevusele ning pärast revolutsiooni jätkas ta seda paguluses. Tema armastatud vanim poeg suri duellis, kui printsess oli 47-aastane ja ta ei suutnud seda kaotust taluda. Rahutuste puhkedes lahkusid Jusupovid Peterburist ja asusid elama Rooma ning pärast abikaasa surma kolis printsess poja juurde Pariisi, kus veetis ülejäänud päevad.
Maria Lopukhina
V.L. Borovikovsky, “M.I. portree. Lopukhina", 1797
Borovikovski maalis palju portreesid vene aadlikest, kuid see on kõige võluvam. Tolstoi krahvipere esindaja Maria Lopuhhina on siin kujutatud 18-aastaselt. Portree tellis tema abikaasa Stepan Avraamovitš Lopukhin vahetult pärast pulmi. Kergus ja pisut üleolev pilk näivad kas sellise sentimentalismiajastu portree puhul tavalised poosid või märgid melanhoolsest ja poeetilisest meelelaadist. Selle salapärase tüdruku saatus osutus kurvaks: vaid 6 aastat pärast maalimist suri Maria tarbimise tõttu.
Giovanina ja Amacilia Pacini
Karl Bryullov, "Ratsunaine", 1832
Bryullovi “Horsewoman” on hiilgav tseremoniaalne portree, milles kõik on luksuslik: värvide heledus, drapeeringute hiilgus ja modellide ilu. Sellel on kujutatud kahte tüdrukut, kes kandsid perekonnanime Pacini: vanim Giovanina istub hobuse seljas, noorem Amatzilia vaatab teda verandalt. Maali tellis tema kauaaegsele kallimale Karl Brjullovile nende lapsendaja, krahvinna Julia Pavlovna Samoilova, Venemaa üks ilusamaid naisi ja kolossaalse varanduse pärija. Krahvinna garanteeris oma täiskasvanud tütardele suure kaasavara. Kuid selgus, et vanaduses oli ta praktiliselt pankrotis ning siis said lapsendatud tütred Giovanina ja Amatsilia kohtu kaudu krahvinnalt tagasi lubatud raha ja vara.
Simonetta Vespucci
Sandro Botticelli, "Veenuse sünd"
1482–1486
Botticelli kuulus maal kujutab Firenze renessansi esimest kaunitari Simonetta Vespuccit. Simonetta sündis jõukasse perekonda, 16-aastaselt abiellus ta Marco Vespucciga (Ameerika “avastanud” ja kontinendile nime andnud Amerigo Vespucci sugulane). Pärast pulmi asusid noorpaarid elama Firenzesse ja võeti vastu Lorenzo de Medici õukonnas, mis oli neil aastatel kuulus oma suurepäraste pidusöökide ja vastuvõttude poolest.
Kaunis, samas väga tagasihoidlik ja sõbralik Simonetta armus kiiresti Firenze meestesse. Firenze valitseja Lorenzo püüdis ise temaga kositada, kuid tema vend Giuliano otsis teda kõige aktiivsemalt. Simonetta ilu inspireeris paljusid tolleaegseid kunstnikke, kelle hulgas oli ka Sandro Botticelli. Arvatakse, et nende kohtumise hetkest saadik oli Simonetta eeskujuks kõigile Botticelli maalitud madonnadele ja veenustele. 23-aastaselt suri Simonetta tarbimisse, hoolimata parimate õukonnaarstide pingutustest. Pärast seda kujutas kunstnik oma muusat ainult mälu järgi ja vanas eas pärandas ta enda kõrvale maetud, mis ka tehti.
Vera Mamontova
V.A. Serov, "Tüdruk virsikutega", 1887
Portreemeistri Valentin Serovi kuulsaim maal on maalitud jõuka töösturi Savva Ivanovitš Mamontovi mõisas. Kahe kuu jooksul poseeris kunstnikule iga päev tema tütar, 12-aastane Vera. Tüdruk kasvas üles ja temast sai võluv tüdruk, kes abiellus vastastikusest armastusest kuulsasse aadliperekonda kuulunud Aleksander Samariniga. Pärast mesinädalate reisi Itaaliasse asus pere elama Bogorodski linna, kus sündis üksteise järel kolm last. Kuid ootamatult 1907. aasta detsembris, vaid 5 aastat pärast pulmi, suri Vera Savvishna kopsupõletikku. Ta oli vaid 32-aastane ja tema abikaasa ei abiellunud kunagi uuesti.
Aleksandra Petrovna Struiskaja
F.S. Rokotov, "Struyskaya portree", 1772
See Rokotovi portree on nagu õhuline poolvihje. Alexandra Struyskaya oli 18-aastane, kui ta abiellus väga rikka lesknaisega. On legend, et abikaasa kinkis talle pulmadeks midagi vähemat kui uue kiriku. Ja kogu oma elu kirjutasin talle luulet. Pole täpselt teada, kas see abielu oli õnnelik, kuid kõik, kes nende maja külastasid, pöörasid tähelepanu sellele, kui erinevad abikaasad üksteisest olid. 24 abieluaasta jooksul sünnitas Alexandra oma mehele 18 last, kellest 10 surid imikueas. Pärast abikaasa surma elas ta veel 40 aastat, juhtis kinnistut kindlalt ja jättis lastele korraliku varanduse.
Galina Vladimirovna Aderkas
B.M. Kustodiev “Kaupmehe naine tee ääres”, 1918
Kustodijevi “Kaupmehe naine tee ääres” on ehe näide sellest helgest ja hästi toidetud Venemaalt, kus on laadad, karussellid ja “krõbisevad prantsuse leivad”. Pilt on maalitud revolutsioonijärgsel näljaaastal 1918, mil sellisest küllusest võis vaid unistada.
Kaupmehe naisele poseeris sellel portreepildil naturaalne paruness Galina Vladimirovna Aderkas perekonnast, mille ajalugu ulatub ühe 18. sajandi Liivimaa rüütlini. Astrahanis oli Galja Aderkas Kustodijevite majakaaslane kuuendalt korruselt; Kunstniku naine tõi tüdruku stuudiosse pärast värvika modelli märkamist. Sel perioodil oli Aderkas väga noor – arstiteaduse 1. kursuse üliõpilane – ja visanditel näib tema figuur palju kõhnem. Pärast ülikooli lõpetamist ja mõnda aega kirurgina töötamist loobus ta oma elukutsest ning laulis nõukogude aastatel vene kooris, osales filmide dubleerimisel, abiellus ja hakkas esinema tsirkuses.
Lisa del Giocondo
Leonardo da Vinci, "Mona Lisa", 1503-1519.
Võib-olla üks kõigi aegade kuulsamaid ja salapärasemaid portreesid on suure Leonardo kuulus Mona Lisa. Paljude versioonide hulgas selle kohta, kellele legendaarne naeratus kuulub, kinnitati 2005. aastal ametlikult järgmine: lõuendil on kujutatud Firenze siidikaupmehe Francesco del Giocondo abikaasat Lisa del Giocondot. Portree võis olla kunstnikult tellitud poja sünni ja majaostu mälestuseks.
Koos abikaasaga kasvatas Lisa viis last ja suure tõenäosusega põhines tema abielu armastusel. Kui ta mees katku suri ja ka Lisat see raske haigus tabas, ei kartnud üks tütardest ema enda juurde viia ja jättis ta maha. Mona Lisa paranes ja elas mõnda aega oma tütardega, suri 63-aastaselt.
Portree maalikunstis on kujutava kunsti žanr, milles kunstnikud ei püüdle mitte niivõrd välise sarnasuse poole, kuivõrd püüavad peegeldada kujutatava inimese sisemist iseloomu. Portree võib olla individuaalne või kollektiivne, kunstnik loob teatud ajastule omase kuvandi.
Žanri ajalugu
Kuidas see arenes iidse kunsti ajal. Kreeta saarelt leiti väljakaevamiste käigus palju naiste kujutistega freskosid. Teised kunstimälestised pärinevad Egiptusest, kus avastati puittahvlid, millel oli enkaustilise tehnika abil kujutatud portreed (need on vahapõhised värvid). Keskajal eksisteerisid maalikunstis portreed ainult annetajate kujutamiseks ja need olid osa religioossete teemade üldisest kunstilisest kompositsioonist.
Maalikunsti kõrgaeg langes renessansile. Renessansikunstnikud jutlustasid humanistlikke ideid ja võtsid aluseks indiviidi maailma maastikud ja interjöörid said taustaks tagasihoidliku rolli. Tolle aja meistriteos oli La Gioconda ja selle autor Leonardo da Vinci sai sajandeid kuulsaks.
Tizian andis tohutu panuse selle žanri arengusse, ta lõi terve oma kaasaegsete portreede galerii. Kunstnike, nagu Jan van Eyck ja Albrecht Durer, autoportreed on paljudele portreekunstnikele eeskujuks.
Naise portree maalil
Kunsti igavene teema on naise kujundi kujutamine. Iga ajastu maalis oma naiseideaali ja tema iseloom äratas paljude kunstnike erilist tähelepanu. Vaadates nende aegade portreed, näeme, kuidas välimust ja sisemaailma mõjutavad teatud sündmused ühiskonnaelus, kunstis, kirjanduses, moes.
Vene kunst üldiselt ja eriti portree maalikunstis näitavad, kuidas naise ilu ideaal on sajandite jooksul muutunud. See on tingitud maailmavaate, harjumuste, tavade muutumisest koos valitsemissüsteemide ja põlvkondade muutumisega.
Naiste pildid
18. sajandi lõpuks saavutas vene portree maalikunstis haripunkti. Ja üks olulisemaid ja populaarsemaid teemasid on naiseliku sarmi kujutamine. Lõuenditel näeme flirtivaid ja võrgutavaid naisi. Ja välismaiste kunstnike portreedel näevad vene daamid ja noored daamid välja nagu nukud, nad naeratavad muhedalt ja mänguliselt ning see muudab ühe teise sarnaseks.
Vene kunstnikud I.P. Argunov, D.G.Levitski, V.L. Borovikovski näeb naist teisiti. Need toovad naise portreele psühholoogilise taaselustamise ja konkreetse iseloomu. Maalides püüavad nad edasi anda elavat ja tõelist pilti naiste kõikvõimsuse ajastu moraalist, maitsest ja moest. Näeme tervet naistegelaste spektrit: üleolev külm ilu ja õrn pehme unenäolisus, koketeeritus ja tagasihoidlikkus, vaimne võlu ja karm salatsemine koos eraldatusega. Kuid meeste südamete üle domineerimine on peamine.
Uued ideaalid
19. sajandi romantismiajastu eesmärk oli näidata naise erilist tundlikkust ja peeneid hingeliigutusi. Karamzini ja Žukovski loomingul oli tohutu mõju sajandi alguse kunstnikele, näiteks O.A. Kiprenski. Nende lõuenditel peegeldusid kõik romantismi jooned portreežanris Maalis ja muusikas, aga ka selle aja luules olid nõutud isiklike lüüriliste elamuste motiivid ja põlise antiikaja salapärane ilu (A. N. Verstovski romantiline ooper “Askoldi haud”. 1835. aasta oli eriti populaarne).
Kuid sajandi keskpaigaks kadus naisepiltide ülevus ja unenäolisus jäljetult. Selle perioodi maalidest saate uurida moesuundeid. Suled kübaratele, ehetele ja pitsidele on hoolikalt maalitud, kunstnikud unustavad sageli tegelase enda. Ilmalike kaunitaride kujundites valitseb ülbus ning seda soojust ja lihtsust enam pole.
Kuid mõned sajandi alguse kunstnikud, eriti Venetsianov ja Tropinin, pöördusid "elusate" piltide otsimisel tavainimeste poole. Tekkis “tavaliste” naisportreede liikumine, mis lõi idealiseeritud kuvandi töötavast naisest.
Maalid K.S. Petrova-Vodkina
Uut sajandit iseloomustab portreežanris uute vormide otsimine. Maalimises (kooli 6. klass uurib kunstitundides üksikasjalikult teemat „Naisepildid“) pöörduvad kunstnikud naiseideaali otsides minevikku ja tulevikku. Emaduse ja naiselikkuse teemal on V. Petrov-Vodkini loomingus suur koht. Teoses “Ema” saavutas kunstnik teema täieliku avalikustamise. Tema maal on hümn perekonna õnnele ja armastuse pühadusele. Ema kujundis tunneme last endaga kallistades moraalset jõudu, puhtust ja ülevust, ta meenutab madonnat.
Maal „Jumalaema. Kurjade südamete õrnus” on tema kirjutatud Esimese maailmasõja ajal, see on kunstniku emotsionaalne vastus tolle aja veristele sündmustele. Ta lõi üleva ja aupakliku kuvandi, mis oma mõju sügavuse poolest on tema loomingus üks võimsamaid.
Naise kuvand on ajastult muutunud, kuid on säilitanud peamised püsivad jooned: ilu, õrnus, emadus.
Mood on oma muutlikkuse poolest ilmastiku järel teisel kohal, kuigi see on vastuoluline teema. Pealegi ei muutu mood mitte ainult rõivaste, stiilide või aksessuaaride osas, vaid ka naiste ilu osas. Ühe ajastu tunnustatud kaunitari, pool sajandit hiljem võib pidada koledaks naiseks (aga sina ja mina teame, et koledaid naisi pole olemas). Kunstnikud reageerisid alati moe kapriisidele väga tundlikult, kuna nad püüdsid alati kujutada oma ajastu kõige ilusamaid naisi.
Vana-Kreeka ja Rooma
Kahjuks tuleb antiikaja naiseideaale hinnata freskode ja skulptuuride järgi, täisväärtuslikke maale pole säilinud. Vana-Kreekas peeti naiste ilu etaloniks jumalanna Aphroditet, pikkade paksude punaste juustega kurvikat daami. Täpselt nii on teda kujutatud Sandro Botticelli maalil “Veenuse sünd”, kuigi see on loodud juba 1485. aastal. Vana-Roomas hinnati enim naise näo ilu ja teisel kohal oli tema vormi hiilgus. Näiteks Dante Rossetti maal “Proserpina” (1874) on loodud just seda silmas pidades.
keskaeg
Keskajal võidi naise ilu ülistamise eest tuleriidale saata, nii et kunstilisi tõendeid ei jää. Naise figuuri näitamine oli rangelt keelatud. Riietus pidi keha täielikult varjama ja juuksed olid peidetud mütsi alla. Naiste ilu standardiks olid pühad naised, kes pühendusid Jumala teenimisele.
Renessanss
Renessanss on saanud sellise nime, kuna on elavnenud huvi antiikaja ideaalide vastu, sealhulgas naiste ilu vastu. Laiad puusad, täidlane keha, piklik nägu, terve jume – just selline pidi 15.-16.sajandi esimene kaunitar välja nägema. Täpselt nii on naisi kujutatud Sandro Botticelli, Raphael Santi ja Michelangelo maalidel. Renessansi iluideaaliks võib nimetada itaallannat Simonetta Vespuccit, keda on kujutatud mitmel Botticelli maalil “Kevade” (1478), “Veenuse sünd” (1485), “Noore naise portree” (1485). Renessansiajal olid moes kõrged laubad ning selle efekti saavutamiseks raseerisid fashionistas oma kulmud ja juuksepiiri. See on selgelt nähtav Leonardo Da Vinci kuulsal maalil "Mona Lisa".
Baroki ajastu
16. sajandi lõpus ja 17. sajandi alguses olid naise ilu ideaaliks valgenahalised naised (talunaiste suureks osaks peeti päevitamist), kellel olid väikesed rinnad, tillukesed jalad, kahvatu nägu, kuid kõverad puusad. Lisaks pidi igal aristokraadil olema kõrge ja keerukas soeng. Need moetrendid on selgelt nähtavad Pierre Mignardi Louis XIV lemmiku Madame de Montespani (1670) portreel. Sellest perioodist pärineb Jan Vermeeri kuulus teos “Naine pärlkõrvarõngaga” (1665).
Rokokoo ajastu
Kui pildil näeb naine välja pigem portselannuku moodi, mida ümbritsevad lehvikud, vihmavarjud, muhvid ja kindad, siis võib julgelt väita, et jutt käib rokokoo ajastust. 18. sajandi alguses tuli moodi “kerge anoreksia”: naiselik ilu muutus hapraks, kitsaste puusade, väikeste rindade ja sissevajunud põskedega. On tõendeid, et "vajunud põskede" efekti saavutamiseks eemaldasid mõned daamid külghambad, jättes alles ainult esihambad - ilu nõuab ohverdamist. Rokokooajastu ilukaanoneid illustreerivad suurepäraselt Francois Boucheri portreed, näiteks “Marquise de Pompadouri portree” (1756).
Romantiline ajastu
Alles 19. sajandi teisel poolel said loomulikust põsepunast, tervislikust värskusest ja vormi ümarusest taas naiste ilu standardid. Ja naise keha kõige atraktiivsem osa on ümarad õlad, mis olid lihtsalt vajalikud iga ilu paljastamiseks. Just neid naisi leidub Adolphe Bouguereau maalidel, selliseid naisi kujutasid esimesed impressionistid (Bouguereau “Veenuse sünd”, Renoiri “Suured suplejad”, Degase “Sinised tantsijad”).
20. sajandi algus
Boriss Kustodijevi “Vene Veenus”, “Kaupmehe naine tee ääres”, “Tüdruk Volgal” illustreerivad suurepäraselt 20. sajandi alguse ilukaanoneid. Kõik, mida romantism naises imetles, muutus veelgi suurejoonelisemaks ja kaalukamaks. 20. sajandi 20-40 aastat
20. sajandi keskpaik
Marilyn Monroest sai eelmise sajandi keskel naiste ilu ideaal. Lühike blond, ilma liialdusteta kõhnuse või lihavuse suunas. Popkunsti asutaja Andy Warhol kasutas oma töödes meelsasti tema pilti.
Naise ilu ideaalide edasiarendamisest, eriti seoses maalikunstiga, ei maksa rääkidagi. Tuleb vaid tähele panna, et ajalugu areneb ringiratast ning kõhnus ja haigestumine tulevad tagasi moodi.
Kahekümnenda sajandi alguses ilmus meie kalendrisse uus tähtpäev, mille nimi kõlas revolutsioonilise loosungina: "Rahvusvaheline naiste päev, mis tähistab töötavate naiste solidaarsust võitluses õiguste võrdsuse eest."
Õnneks on see päev aja jooksul omandanud hoopis teise tähenduse ning meie jaoks on 8. märts naiseliku ilu ja võlu püha.
Soovides ühendada ajaloolise meeldivaga, oleme kogunud mitmeid maale armsatest, flirtivatest ja tugevatest töönaistest suurtelt kunstnikelt - naiseliku ilu ja vooruste igavestelt vangidelt!
Moskva päritolu Aleksei Venetsianov käis esimest korda külas 35-aastaselt, kui pärast pulmi noorpaar läksid Tveri kubermangu oma naise vanematele külla.
Kunstnik oli loodusest nii lummatud, et tal tekkis kohe soov asuda elama Venemaa avaruste vahele ja ta ostis Safonovkasse kinnistu.
Just siin maalib ta maali "Künntud põllul". Kogu Venetsianovi looming on läbi imbunud luulest, mis on pühendatud talupojaelule, idealiseerivad külaelu.
Lapsest saati on Zinaida Serebryakova armunud Venetsianovi maalidesse. Tema varajastes maalides on tunda nähtamatut sidet vene igapäevaelu kirjaniku loominguga. Venetsianovi talunaised sada aastat hiljem näivad tema maalides edasi elavat.
Kunstniku külatüdrukud on majesteetlikud, kuningliku iseloomuga, nad teevad rahulikult oma igapäevatööd - tõeline vaimsuse luule!
Zinaida Evgenievna Serebryakova "Saak"
1915, 177×142 cm.
Maale “Saak” ja “Luuendi valgendamine” peetakse Zinaida Serebryakova parimate tööde hulka. Need on maalitud Harkovi kubermangus Neskuchnoye perekonna mõisale, kus alates 1898. aastast veetis perekond Serebryakov suve ja sügise.
Aastal 1914, pärast pikka reisi Põhja-Itaaliasse, saabus Zinaida Neskuchnoye'sse ja asus kohe tööle maali "Saak" kallal.
Klassikaliselt konstrueeritud kompositsioonis on tunda Itaalia renessansiajastu kunstnike loomingu uurimist, mida on alles hiljuti muuseumides ja galeriides nähtud, ning vormide monumentaalsus rõhutab naisfiguuride ilu ebaühtlaselt laiutavate nisupõldudega maastiku taustal. horisondi taga.
Neid maale peetakse revolutsioonieelse Venemaa viimasteks idüllilisteks maalideks.
Zinaida Evgenievna Serebryakova." Lõuendi valgendamine "
1917, 141,8×173,6 cm.
Pits, puuder, huulepulk – kõik, mida võluv naine vajab...
Ka prantsuse daamid töötavad väsimatult kunstnike maalide kallal. Rokokooajal oli linnanaiste moekaim elukutse meisterdaja.
Elegantsed ja luksuslikud komplektid, korsetid, tikandid ja pits olid kõik naiste mõtted, sest trendilooja Madame Pompadouriga oli vaja sammu pidada!
Ja noorte neidude fantaasiaid kehastasid kõikvõimalikud tungkarid - meisterdajad. Francois Boucher maalil “The Milliner” näib hiilivat tuppa ja luuravat tulevase modelli üle arutlevate daamide järele.
Francois Boucher. "The Milliner"
53x64 cm.
18. sajandil, valgustusajastul Prantsusmaal, oli kunstis tavaks kiita ja kinnitada kolmanda seisuse voorusi, maalikunstis peeti heaks vormiks lihtsust ja loomulikkust.
Jean-Baptiste Greuze filmis “Pesutüdruk” mitte ainult ei kujuta graatsilist ja võluvat noort töötajat – nii ülistab ta rasket tööd.
Venemaal sai 18. sajandi teisel poolel Grezist moekas kunstnik, aadli aadel võistles omavahel, et temalt portreesid tellida, keisrinna Katariina II ise ostis Diderot' nõuannete järgi maalikunstist "Paralüütik". kunstnik.
Muidugi ei jäänud Greuze teoste populaarsus vene maalikunstile märkamata.
Jean-Baptiste Greuze "Pesupesu"
1761, 32×40 cm.
Pitsitegijad
Vassili Tropininit kutsuti “Vene unistusteks” tema võluvate naisteportreede pärast. Esimest korda vene maalikunstis lõi ta uut tüüpi žanriportree - poeetilise kujundi tööl olevast tüdrukust.
Tööga hõivatud noored kaunitarid maalidel “Pitsitegija” ja “Kuldasepp” võtavad hetkeks pilgu töölt ja vaatavad kelmikalt vaatajale otsa.
Vassili Andrejevitš Tropinin. "Kullasepp"
1826, 64×81 cm.
Tropinin oli pärisorjakunstnik ja sai vabaduse alles 47-aastaselt. On sümboolne, et just 1823. aasta, “Pitsitegija” kirjutamisaasta, tõi kunstnikule nii vabaduse kui ka ametliku tunnustuse.
Sel aastal näitab ta esimest korda oma töid Kunstiakadeemias ning kunstnikule omistatakse “ametliku akadeemiku” tiitel. Nii tõi linnanaise intiimportree selle loojale vabaduse ja edu.
Tropinin "Pitsitegija"
Koduperenaine
Majapidamine on alati olnud naiste õlul ja köögitööd on otsene vastutus. Mõne jaoks on see õnnistus, kuid paljude jaoks on see tülikas. Bernardo Strozzi filmi “Kokk” kangelanna jaoks on see kohustus ja püha riitus.
Pilti vaadates võite endalt küsida palju küsimusi. Näiteks miks rookib lindu noor tüdruk, kes kannab elegantset kleiti ja helmeid? Kas tal on suur pere, sest õhtusöök sisaldab parajal määral roogasid?
Keda on pildil kujutatud - võib-olla kujutas kunstnik oma naist ja seepärast vaatab ta vaatajale nii hellalt otsa? See variant on täiesti võimalik: Strozzi maalid igapäevastel teemadel on väga haruldased ja ta oleks võinud oma naisele erandi teha.
Bernardo Strozzi "Kokk"
1625, 185×176 cm.
Maali autor on barokiajastu Itaalia kunstnik, kellel on tähelepanuväärne elulugu. Strozzi seiklushimuline iseloom peegeldus kõigis tema tegemistes: nooruses liitus ta Kaputsiinide orduga ja sai preestriks, seejärel õppis maalikunsti Genova kunstniku Sorri töökojas ja töötas samal ajal Genova laevastikus mereväeinsenerina.
Hiljem põgenes kunstnik kloostrist ja varjas end Veneetsia munkade tagakiusamise eest. Kuid Strozzi ei loobunud kunagi maalimisest. Tema põhiteemaks olid portreed, religioossed ja mütoloogilised stseenid ning tema loomingulist stiili mõjutas suuresti Caravaggio maal.
Lambanaise “kutse” oli kunagi väga populaarne ja kunstnikud pöördusid selle poole sageli. Van Goghi töödest leiame liigutava kujundi keskealisest karjasenaisest, kes maalis erilise soojuse ja armastusega tavalisi külaelanikke.
Vaata pildi värvi: kollane nisupõllud - päikese ja soojuse värv, mis on pehmelt kontrasteeritud karjuse sinise keebiga - sagedane tehnika kunstniku töödes, kuid see ei tekita ärevaid tundeid, nagu tema teised maalid.
Van Gogh annab oma tundeid värvivarjunditega ebatavaliselt täpselt edasi. Ükskõik, millised keeristormid ümberringi möllavad, on naine rahulik ja allub oma raskele saatusele... Ja meie domineeriv ja siiras tunne seda pilti nähes on “empaatia”.
Vincent Van Gogh. "Lehmatüdruk"
1889, 52,7×40,7 cm.
Kunstnik lõi selle töö Lõuna-Prantsusmaal Saint-Rémys ravi ajal. Sel perioodil 1889-1890 õppis ta Barbizoni koolkonna asutaja Jean Francois Millet' loomingut ja tegi selle aja jooksul koopiad 23 oma maalist, sealhulgas "Karjane" (kuigi Vaniks on raske nimetada Goghi maalist koopia).
Vincent kirjutab oma vennale oma ametist:
«Kinnitan teile, et olen kohutavalt huvitatud koopiate tegemisest ja kuna mul praegu modelle pole, ei jäta ma nende koopiate abil figuuri kallal töötamist.
Ma kasutan Delacroix' ja Milleti mustvalgeid reproduktsioone, nagu oleksid nad päriselus. Ja siis improviseerin värvi, kuigi muidugi mitte täpselt nii, nagu ma ise seda teeksin, vaid üritan nende maale meelde jätta.
See “mäletamine”, nende värvide ebaselge kooskõla... on aga minu tõlgendus.
Kahe kunstniku maale kõrvutades tundub, et Van Gogh maalis karjuse oma kujutluses.
Hirss "Karjane" 1, Hirss "Karjane" 2.
Jean Baptiste Chardin jälgis tavaliste linnaelanike elu ja kirjutas lugusid nende igapäevaelust. Maal “Pesutüdruk” õhkab vaikset kodust mugavust, kus kõike soojendab perenaise hoolitsus.
Sel ajal kui ema pesu peseb, tegeleb poeg oma lihtsa lõbuga. Laste kujutised on Chardini maalidel alati olemas, rõhutades ema armastust oma lapse vastu. Nende suhete demonstreerimine aitab tal luua hingesoojuse õhkkonna ning linnarahva jaoks tagasihoidliku, kuid tähendusrikka ja täisväärtusliku elu.
Naiste töö kunstniku maalidel on võrdsustatud erilise hoolsuse ja armastusega tehtud õilsa tööga.
Jean Baptiste Simeon Chardin. "Pesupesu"
Sotsialistliku Tööpartei toimetused – me ehitame uut maailma!
Naised Nõukogude riigis omandavad uusi ameteid. Siin ei ole nad lihtsalt mingid lääne moeinimesed – nõukogude naine oskab isegi metroo ehitada!
Aleksandr Samohvalovi 1930. aastate graafilises seerias kehastasid metrootöölistena töötanud tüdrukute portreed sotsialistliku töö ideaali.
Entusiasm, nooruslik energia, optimism ja jõud on neis töödes ülevoolavalt - ehitame uut riiki. Siin ta on puuriga, labidaga, ilus, tugev ja rõõmus, saab kõigega hakkama!
Kunstnik liitus riigi ideoloogilise teega, ta usub siiralt universaalsesse loomingusse helge tuleviku hüvanguks. Ja kunstniku vaimsed impulsid on üsna käegakatsutavad, vaadake vaid töid!
Laadimine...
