Mõtteid, tundeid, pilte ümbritsevast maailmast annavad muusikas edasi helid. Miks aga loob meloodias teatud helide jada kurva meeleolu, teine aga, vastupidi, eredalt ja rõõmsalt? Miks mõned muusikapalad tekitavad laulmise, teised aga tantsimise? Ja miks ühtede kuulamine tekitab kerguse ja läbipaistvuse tunde, teised aga kurbust. Igal muusikapalal on teatud omadused. Muusikud nimetavad neid omadusi muusikalise kõne elemendid.
Näidendite sisu annavad edasi muusikalise kõne erinevad elemendid, luues teatud kuvandi.
Peamine muusikaline väljendusvahend on meloodia. Just meloodiast saab muusika alguse kui eriline kunst: esimest korda kuuldud meloodiast, esimesena lauldud meloodiast saab samal ajal ka esimene muusika inimese elus. Meloodias - mõnikord helge ja rõõmus, mõnikord murettekitav ja sünge - kuuleme inimeste lootusi, kurbusi, muresid ja mõtteid. Puškinil on “Kivikülalises” järgmine võrdlus: “Elu naudingutest jääb muusika alla armastusele üksi; aga ka armastus on meloodia. Seal, kus tavakuulmine haarab meloodia vaid helidesse, näeb suur poeet väge, mis on inimese eredaim tunne. Meloodia on "peamine võlu, helikunsti peamine võlu, ilma selleta on kõik kahvatu, surnud...", kirjutas kunagi imeline vene muusik, helilooja ja kriitik A. Serov. "Kogu muusika ilu peitub meloodias," ütles I. Haydn. “Muusika on mõeldamatu ilma meloodiata,” on R. Wagneri sõnad. Vaatame seda väljendusrikast vahendit täpsemalt.
Meloodia- muusikateose alus, arenenud terviklik muusikamõte, väljendatuna monofooniliselt. See on väljendusrikas viis, mis võib edastada erinevaid pilte, tundeid ja meeleolusid. Kreeka sõna "meloodia" tähendab "laulu laulmist", kuna see pärineb kahest tüvest: melos (laul) ja ood (laulmine). On muusikateoseid, eriti rahvalaule, mis koosnevad ainult ühest meloodiast. Inimese kõne analüüs annab aimu selle struktuurist: helid liidetakse sõnadeks, sõnad fraasideks, fraasid lauseteks. Meloodia on sarnase ülesehitusega. Meloodia väikseim osa on motiiv – lühike terviklik muusikaline mõte. Motiivid ühendatakse muusikalisteks fraasideks ja fraasid muusikalisteks lauseteks. Igal meloodial on oma muusikaline muster, mida nimetatakse meloodiareaks. Vaatamata väikesele suurusele sisaldab meloodia kõiki dramaatilise arengu komponente: algust (peamise motiivi sünd), arengut, haripunkti ja lõppu.
Saame eristada peamisi meloodiatüüpe.Kui kuuleme laiendatud meloodiat üsna laia ulatusega, kõlavat legato, ühtlase kestusega, vahelduvat skaalalaadset liikumist laiade intervallidega liigutustega, siis jutt käib kantileenist (itaalia keelest tõlkes “humoonia”). Kantileeni näideteks on P. I. Tšaikovski 5. sümfoonia teise osa teemad metsasarve esituses, F. Chopini prelüüd nr 4 e-moll.Inimkõnet meenutavaid motiive sisaldavaid muusikateemasid nimetatakse retsitatiivseks. Suur vene helilooja M. P. Mussorgski kasutab vokaaltsüklis “Lapsed” meisterlikult retsitatiivi. Nii õnnestus heliloojal laulus “Näikesega” melodiseeritud retsitatiivi abil luua helge, väljendusrikas pilt, mis edastas kõik lapse kogemused ja hirmud.Kolmas meloodiatüüp on instrumentaalset tüüpi meloodiad. Neid iseloomustab märkimisväärne virtuoossus, keerulised rütmimustrid ja sageli on neid raske laulda. Selliste meloodiate ulatus ületab inimhääle ulatuse.Instrumentaalmeloodiad võivad koosneda pidevast heli liikumisest. Selliseid meloodiaid leidub programmilises visuaalmuusikas. Näiteks F. Mendelssohn “Keerulises rattas”, J. Bizet “Tipp”, N. A. Rimski-Korsakovi “Kimalase lend”, N. Paganini “Igiliikumine”. Viimast peetakse viiuliteoste hulgas üliraskeks. Meloodia kihutab meeletu kiirusega, ei peatu hetkekski.
Iga meloodia sisaldab üht või teist intonatsiooni, mis määrab selle iseloomu. Sõnal intonatsioon (ladina keelest "intono" - hääldada valjult) on palju tähendusi. Muusikas on see ennekõike muusikalise idee kõlaline kehastus: väikseim meloodiline pööre, ekspressiivne intervall. "Intonatsioon on muusikalise sisu kandja," kirjutas B. Asafjev. Ka meile solfedžotundidest tuttavad muusikalised intervallid, nagu eelpool mainitud, võivad kanda teatud muusikalist intonatsiooni. Näiteks tõusev neljandik annab muusikale energilise, sageli kangelasliku iseloomu, puhas kvint kõlab rahulikult ja annab avaruse tunde, kuues (eriti väike) kannab lüürikat. Isegi renessansiajal teadsid heliloojad neid intonatsiooni tunnuseid ja kasutasid neid. Nende käsutuses olid nn retoorilised kujundid, millest said alateadlikult seotud meloodiad teatud emotsioonide ja kujunditega Anabasis – ülespoole liikumine, mis sümboliseerib tõusu, kurbust, leina edasi andvat. Pasus durinsculis (raske samm) – allapoole suunatud teine liigutus, annab edasi kannatusi Saltus durinsculis (raske hüpe) – hüpleb mööda kromaatilisi intervalle, annab edasi ka leina, kannatust – Eclamatio – ülespoole liikumine kuuendiku intonatsioon hüüatus. Kõne intonatsioon- kangelasliku atribuut muusikas. Kasutatakse sageli marsimuusikas, hümnides ja aktiivse, energilise, võitlusliku iseloomuga lauludes.Näiteks A. V. Aleksandrovi laulul “Püha sõda”, mis kutsub rahvast üles kodumaad natside eest kaitsma, või Rouget de Lisle’i Prantsuse revolutsiooni laulul “La Marseillaise”, mis on praegu Prantsusmaa hümn. tunnusjoon - meloodia algus kasvava kvartsiga.
Harmoonia ei ole ainult harmoonia ja harmoonia. See on eritermin, mis tähendab helide omavahelist suhet, nende järjepidevust, sidusust. Režiim on helide kombinatsioon, mis on erineva kõrgusega ja graviteerivad üksteise poole. Režiimi peamist heli - kõige stabiilsemat, millele kõik teised graviteerivad - nimetatakse toonikuks. Režiim mõjutab muusika iseloomu ja annab sellele emotsionaalse värvingu. Traditsiooniliselt arvatakse, et duuris kirjutatud muusika on helge, rõõmsameelne, rõõmsameelne ja rõõmus. Ja moll on kurb, melanhoolne, lüüriline. Nende kahe vastandliku mooduse kunstilise väljendusvõime üle ei osalenud kogu aeg mitte ainult muusikud, vaid ka kirjanikud, luuletajad ja filosoofid: "minu veendumus on," kirjutas suur saksa kirjanik ja mõtleja I. V. Goethe julgustab tegutsema, saadab laia maailma... Minor väljendab kõike väljendamatut ja valusat.” Võrdleme P.I. Tšaikovski “Lastealbumi” “Polkat” ja “Vana prantsuse laulu”. Mõlemad palad on kirjutatud 2/4 taktis ja kõlavad mõõdukas tempos. “Polkat” kuulates tunneme aga rõõmu ja “Vana prantsuse laul” tekitab kurbust. Põhjus on lihtne. Autor valis kirjutamiseks rõõmsa tantsu B-duur ja “Iidne prantsuse laul” kõlab g-moll. Major ja moll on kõige kuulsamad ja levinumad viisid. Sageli rõhutavad heliloojad nende režiimide väljendusrikkust neid võrdledes. See tehnika aitab tuvastada tunnuseid, rõhutada meloodia väljendusrikkust ja näidata seda või teist pilti erinevatest külgedest. See juhtub näiteks E. Griegi süidist Peer Gynt pärit “Solveigi laulus”. Sarnase tehnika leiame W. Mozarti ja L. van Beethoveni klassikalistes variatsioonides. Üks variatsioonidest kõlab alati samanimelises minoorses skaalas. Huvitav näide duuri ja molli kasutamisest on D. B. lastelavastus “Klounid”. Nende vaheldumine meloodias kujutab klouni muutlikku iseloomu, hetkelist emotsioonide muutumist, naeru ja kurbust. Kuid muusikarežiimid ei piirdu ainult duuride ja mollitega. Neid põhirežiime on erinevaid: loomulik, harmooniline, meloodiline; iidsed diatoonilised režiimid - lüüdi, miksolüüdi, dooria, früügia jne, samuti pentatooniline skaala. Teatud kujundite ja tegelaste muusikaliste omaduste jaoks on heliloojate leiutatud skaalasid: kromaatiline, täistooniline jne. Terve tooni skaalat kasutas M.I Glinka Tšernomori fantastilise kuvandi loomiseks ooperis “Ruslan ja Ljudmila”. . 20. sajandi muusikas ilmnesid teoste modaalses värvimises uued suundumused. Ilmus atonaalne muusika, mille režiimi on võimatu kindlaks teha. Näitena võib tuua A. Schönbergi pala nr 1 "5 pala klaverile".
Registreeri. Inimhäälel, iga muusikainstrumendi häälel, on oma ulatus (kaugus madalaimast kõrgeima helini). Vahemik on jagatud registriteks: madal, keskmine ja ülemine, see tähendab helitsoonideks. Tööd madalas registris kõlavad tumedalt, raskelt, keskel - meloodiliselt ja pehmelt, kõrgelt - helisevalt ja läbipaistvalt.madalregister keskmine register kõrge register
Dünaamika. Muusikaline dünaamika viib meid tagasi muusika päritolu juurde. Valju ja vaikne, aga ka erinevad varjundid on ju väljaspool muusikateoseid olemas. Äikesetorm müriseb ja tibutav vihm kahiseb vaevu kuuldavalt; Meresurfi hääl on ähvardav, kuid järve loksumine on õrn ja mitte üldse hirmutav. Ja isegi sellised puhtmuusikalised tunnused nagu crescendo – helilisuse ja diminuendo järkjärguline kasv – selle järkjärguline nõrgenemine on samuti looduses olemas. Dünaamilised varjundid või nüansid seostuvad muusikas ka erineva kõlalisuse tasemega ning annavad muusikateostele väljendusrikkust ja pinget. Dünaamilised varjundid on noodis näidatud ladina tähtedega. f – forte, valju; ff – fortissimo, väga vali; mf – mezzo forte, mitte liiga vali; mp– metsoklaver, mitte liiga vaikne; p – klaver, vaikne; pp – pianissimo, väga vaikne; crescendo – heli järkjärguline tõus; diminuendo – diminuendo, astmeline sumbumine; sf – sforzando, terav aktsent. sottovoce – sotto voce, madala häälega Sissejuhatuses Iosad S. V. Rahmaninovi Klaverikontserdist nr 2 klaveripartii illustreerib kogu dünaamiliste varjundite paletti. Teema algab lk ja järk-järgult, iga uue akordiga suureneb dünaamika (crescendo), saavutades helilisuse tipu ff kogu orkester.
Maalimisel võrreldakse tämbrit sageli värvidega. Nii nagu värvid väljendavad ümbritseva maailma värvirikkust, luues teosele värvi ja meeleolu, annavad muusikalised tämbrid edasi ka selle kujundeid ja emotsionaalset meeleolu. Muusika on lahutamatu tämbrist, milles see kõlab. Igas, ka kõige väiksemas töös on kindlasti märge instrumendi kohta, mis seda tegema peaks. Seega on tämber oluline väljendusvahend, andes muusikapalale vajaliku iseloomuliku kõla. Sõrmede löök instrumendile võib olla pehme, õrn, terav, tugev. Heli tekitamine ja hingamine vokalisti või puhkpillimängija poolt on samuti võimalikud erineval viisil. Kõik see - liigendus (ladina keelest - "selgelt hääldada") või lööki - muusiku meetod heli tekitamiseks. Peamised puudutused: Legato (legato) – sidus.Arco (arco) - vibuga mängimine. Loodav pilt sõltub helilooja ja esitaja valitud löökide tüübist. Näiteks P.I. Tšaikovski näidendis “Magus unenägu” on kasutatud legato puudutust, nii et see kõlab pehmelt ja lüüriliselt. Ja E. Griegi “Mäekuninga koopas” oleks ilma staccato ja aktsentide puudutuseta võimatu luua fantastilisi pilte päkapikkudest ja trollidest, kes kaevandavad mägikoobastes kulda. Seega on igal muusikariistal oma iseloomulik löögikomplekt, oma kõlapalett, oma ulatus ja oma tämber.
Sõrmede löök instrumendile võib olla pehme, õrn, terav, tugev. Heli tekitamine ja hingamine vokalisti või puhkpillimängija poolt on samuti võimalikud erineval viisil. Kõik see on artikulatsioon (ladina keelest "selgelt hääldada") või löögid - muusiku viis heli eraldamiseks: Legato (legato) – sidus. Nonlegato (non legato) – ei ole sidus. Marcato (marcato) – rõhutamine, esiletõstmine. Staccato (staccato) – järsult. Pizzicato (pizzicato) - keelpillidega mängimine näpuga paeltel. Arco (arco) - vibuga mängimine. Glissando (glissando) - libisemine mööda paelu või klahve.
Peamised puudutused:Legato (legato) – sidus. Nonlegato (non legato) – ei ole sidus. Marcato (marcato) – rõhutamine, esiletõstmine. Staccato (staccato) – järsult. Pizzicato (pizzicato) - keelpillidega mängimine näpuga paeltel. Arco (arco) - vibuga mängimine. Glissando (glissando) - libisemine mööda paelu või klahve.
See jaotis on endiselt tühi
Mõtteid, tundeid, pilte ümbritsevast maailmast annavad muusikas edasi helid. Miks aga loob meloodias teatud helide jada kurva meeleolu, teine aga, vastupidi, eredalt ja rõõmsalt? Miks mõned muusikapalad tekitavad laulmise, teised aga tantsimise? Ja miks ühtede kuulamine tekitab kerguse ja läbipaistvuse tunde, teised aga kurbust.
Igal muusikapalal on teatud omadused. Muusikud nimetavad neid omadusi muusikalise kõne elemendid. Näidendite sisu annavad edasi muusikalise kõne erinevad elemendid, luues teatud kuvandi.
Peamine muusikaline väljendusvahend on meloodia. Just meloodiast saab muusika alguse kui eriline kunst: esimest korda kuuldud meloodiast, esimesena lauldud meloodiast saab samal ajal ka esimene muusika inimese elus. Meloodias - mõnikord helge ja rõõmus, mõnikord murettekitav ja sünge - kuuleme inimeste lootusi, kurbust, ärevust ja mõtteid. Puškinil on “Kivikülalises” järgmine võrdlus: “Elu naudingutest jääb muusika alla armastusele üksi; aga ka armastus on meloodia. Seal, kus tavakuulmine haarab meloodia vaid helidesse, näeb suur poeet väge, mis on inimese eredaim tunne. Meloodia on "peamine võlu, helikunsti peamine võlu, ilma selleta on kõik kahvatu, surnud...", kirjutas kunagi imeline vene muusik, helilooja ja kriitik A. Serov. "Kogu muusika ilu peitub meloodias," ütles I. Haydn. “Muusika on mõeldamatu ilma meloodiata,” – ütleb R. Wagneri.
Vaatame seda väljendusrikast vahendit täpsemalt. Meloodia - muusikateose alus, arenenud terviklik muusikamõte, väljendatuna monofooniliselt. See on väljendusrikas lugu, mis võib edastada erinevaid pilte, tundeid ja meeleolusid.
Kreeka sõna "meloodia" tähendab "laulu laulmist", kuna see pärineb kahest tüvest: melos (laul) ja ood (laulmine). On muusikateoseid, eriti rahvalaule, mis koosnevad ainult ühest meloodiast.
Inimese kõne analüüs annab aimu selle struktuurist: helid liidetakse sõnadeks, sõnad fraasideks, fraasid lauseteks. Meloodia on sarnase ülesehitusega. Meloodia väikseim osa on motiiv – lühike terviklik muusikaline mõte.
Motiivid ühendatakse muusikalisteks fraasideks ja fraasid muusikalisteks lauseteks. Igal meloodial on oma muusikaline muster, mida nimetatakse meloodiareaks. Vaatamata väiksusele sisaldab meloodia kõiki dramaatilise arengu komponente: algust (peamotiivi sünd), arengut, haripunkti ja lõppu.
Analüüsime näidendit A. G. Rubinšteina, mida nimetatakse "Meloodia".
See põhineb kolmenoodilisel motiivil, mis kõikudes justkui kogub jõudu edasiseks arenguks. Neli fraasi moodustavad kaks lauset ja need omakorda moodustavad kõige lihtsama muusikalise vormi - perioodi. Põhiintonatsiooni areng saavutab haripunkti teises lauses (takt 12), kus meloodia tõuseb kõrgeima kõlani.
Võime esile tõsta peamise meloodia tüübid.
Kui kuuleme laiendatud meloodiat üsna laia ulatusega, kõlab legato, ühtlase kestusega, vahelduv skaalalaadne liikumine laiade intervallidega liigutustega, siis räägime cantilena (itaalia keelest tõlgitud kui “laulmine”). Kantileeni näideteks on P. I. Tšaikovski 5. sümfoonia teise osa teemad metsasarve esituses, F. Chopini prelüüd nr 4 e-moll.
Inimkõnet meenutavaid motiive sisaldavaid muusikalisi teemasid nimetatakse retsitatiiv. Suur vene helilooja kasutab vokaaltsüklis “Lapsed” meisterlikult retsitatiivi M.P.Mussorgski. Nii laulus "Koos lapsehoidjaga" Melodiseeritud retsitatiivi abil õnnestus heliloojal luua helge, väljendusrikas pilt, mis edastas kõik lapse kogemused ja hirmud.
Kolmas meloodiatüüp on instrumentaaltüüpi meloodiad. Neid iseloomustab märkimisväärne virtuoossus, keerulised rütmimustrid ja sageli on neid raske laulda. Selliste meloodiate ulatus ületab inimhääle ulatuse.
Instrumentaalmeloodiad võivad koosneda pidevast heli liikumisest. Selliseid meloodiaid leidub programmilises visuaalmuusikas. Näiteks F. Mendelssohn “Keerulises rattas”, J. Bizet “Kerr”, N. A. Rimski-Korsakov “Kimalase lend”, N. Paganini “Igiliikur”. Viimast peetakse viiuliteoste hulgas üliraskeks. Meloodia kihutab meeletu kiirusega, ei peatu hetkekski.
Iga meloodia sisaldab üht või teist intonatsiooni, mis määrab selle iseloomu. Sõnal intonatsioon (ladina keelest "intono" - hääldada valjult) on palju tähendusi. Muusikas on see ennekõike muusikalise idee kõlaline kehastus: väikseim meloodiline pööre, ekspressiivne intervall. "Intonatsioon on muusikalise sisu kandja," kirjutas B. Asafjev. Ka meile solfedžotundidest tuttavad muusikalised intervallid, nagu eelpool mainitud, võivad kanda teatud muusikalist intonatsiooni. Näiteks tõusev neljandik annab muusikale energilise, sageli kangelasliku iseloomu, puhas kvint kõlab rahulikult ja annab avaruse tunde, kuues (eriti väike) kannab lüürikat.
Isegi renessansiajal teadsid heliloojad neid intonatsiooni tunnuseid ja kasutasid neid. Nende käsutuses olid nn retoorilised kujundid, millest said skeemid meloodiatest, mida kuulajad alateadlikult seostasid teatud emotsioonide ja kujunditega.
Anabasis on ülespoole liikumine, mis sümboliseerib tõusu.
Katabaas on allapoole suunatud liikumine, mis annab edasi kurbust, leina, leina.
Pasus durinsculis (raske samm) – teine allapoole liikumine, kannab edasi kannatusi
Saltus durinsculis (raske hüpe) – hüppab mööda kromaatilisi intervalle, annab edasi ka leina ja kannatusi.
Suspiratia – ohke teine laskuv intonatsioon.
Eclamatio – liikumine kuuendiku võrra ülespoole, hüüu intonatsioon.
Kõne intonatsioon - kangelasliku atribuut muusikas. Kasutatakse sageli marsimuusikas, hümnides ja aktiivse, energilise, võitlusliku iseloomuga lauludes.
Näiteks A. V. Aleksandrovi laul “Püha sõda”, mis kutsub rahvast üles kaitsma kodumaad natside eest, või Prantsuse revolutsiooni laul. Rouget de Lisle'i "La Marseillaise", mis on praegu Prantsusmaa hümn, on ühine joon – meloodia algus kasvava kvartsiga.
Nutu, kaebuste intonatsioon (itaalia keelest lamento) - kannatuste, leina, kahtluste kujundite kehastus. Seda intonatsiooni iseloomustavad laskuvad lühikese sekundi käigud, aeglane tempo, sujuv rütm ja mõõdukas dünaamika. Neid jooni leidub R. Schumanni näidendites “Esimene kaotus”, P. Tšaikovski “Nuku haigus”, “Vaeslaps”, “Nurgas” M. Mussorgski vokaaltsüklist “Lastetuba”, kurbades lauludes ja nutulauludes (R. .Štšedrini “Küla leinaja” klaveritsüklist “Album noortele”).
Tihti kuuleme nutmise intonatsiooni teostes, mis pole konkreetse teemaga seotud. Prelüüd f-moll(HTC II köitest) J.S.Bach- selle kinnitus. Eelmäng on kirjutatud aeglases tempos, tertsidest ja kuuendikest koosneva meloodia lühikeste motiivide juures on nutu intonatsioon.
Küsimuse, vastuse, taotluse ja ähvarduse intonatsioon. Kui me millegi kohta küsime, tõuseb meie hääle intonatsioon, kui me vastame, vastupidi, see langeb. Kui aga vestluses on meie hääle kõrgus ebaselge, siis muusikas kõlab see konkreetsemalt ja ilmekamalt. Lisaks, kui muusikateostes toimub peamiselt ülespoole liikumine, mille peatus on ebastabiilsel tasemel, on see tõenäoliselt küsimuse intonatsioon. Ja vastupidi, vastuse intonatsioon sisaldub allapoole liikumises stabiilse heli peatamisega.
Saksa helilooja klaveritsüklis Robert Schumann"Fantastilised näidendid" on näidend "Miks?". Juba pealkirjas on kuulda küsimust. Muusikas jookseb mitu korda läbi mõni teema, kus kord kurb, vahel segane, kord sama küsimus “Miks?”.
Helilooja, pianisti ja dirigendi Franz Liszti sümfoonilise poeemi “Prelüüdid” sissejuhatuse teema sisaldab ka küsimuse intonatsiooni. Eriti ilmekalt kõlab see madalast registrist tõusvate keelpillide pikkades lõikudes.
Vastuse intonatsioon kõlab väga sageli, nagu inimeste vestlustes, küsimuse intonatsiooni järgi. Tavaliselt kõlab see jaatavalt ja lõpeb skaala stabiilsel astmel.
Taotluse intonatsioon. Kui esitame kellelegi taotluse, kordame seda mitu korda. Saksa helilooja näidendis Robert Schumanni "Lapse taotlus" sarjast “Lastestseenid” küsib väikelaps täiskasvanutelt visalt midagi. Ikka ja jälle kordub sama paluv motiiv ning teose lõpus näib meloodia õhku “rippuvat”, lõppedes ebastabiilsel laval.
Ohu intonatsioon. IN Sümfoonia nr 5 I osa Saksa helilooja Ludwig van Beethoven Peaosa teema sisaldab ohu intonatsiooni. Pole ime, et autor ise ütles: "Nii koputab saatus uksele." Ühishäälselt kõlava ähvardava motiivi järel omandab seesama meloodiline pööre paluva intonatsiooni, kaebleva intonatsiooni.
Erinevatele muusikaintonatsioonidele viitab katkend N. A. Rimski-Korsakovi sümfoonilisest süidist “Šeherezade”. Süidis on neli osa, millest esimene, mille helilooja algselt nimetas “Meri ja Sinbadi laev”, avaneb sultan Shahriari teemaga. See kõlab orkestri madalate keelpillidega üheskoos ähvardavalt ja vankumatult. Sultani teemat järgides ilmub kuulaja ette kauni Scheherazade’i kujutis. Sooloviiulilt kõlav meloodia näib looklevat muusikaliinide vahel, omandades kas rahustavaid või paluvaid intonatsioone.
Intonatsioonianalüüsiks võib võtta teemasid ka L. Beethoveni Sümfooniast nr 3, W. Mozarti fantaasiatest C-moll ja D-moll, näidendi “Kaks juuti, rikkad ja vaesed” klaveritsüklist “Pildid kl. näitus”, autor M. P. Mussorgski .
Rütm – leiab end kõikjal ümbritsevas maailmas. Aastaajad, kuud, nädalad, päevad ja ööd vahelduvad rütmiliselt. Inimese hingamine ja südamelöögid on rütmilised. Arhitektuursed ehitised, paleed ja majad sümmeetriliselt paiknevate akende, sammaste ja krohvdekoratsioonidega on rütmilised. Rütm on üks elu aluspõhimõtteid: see on elus ja elutus looduses olemas, me kuuleme ja näeme seda - meresurfi kohinas, mustris liblika tiibadel. Helilooja N. A. Rimski-Korsakov uskus, et rütm on kõige olulisem muusikalise väljenduse vahend. Rütm toob meloodiasse korra, ehitab ja koordineerib helisid ajas. Muusikakeeles sarnaneb helikõrgus täishäälikutega ja kestus kaashäälikutega. Kuid igas keeles on nii vokaalid kui ka kaashäälikud võrdselt olulised. Seetõttu on võimatu öelda, mis on tähtsam – meloodia või rütm.
Rütm – kreeka sõna “rithmos” tähendab mõõdetud voolu. Rütm korraldab muusika ajas. Muusikaline rütm on erinevate muusikaliste kestuste ja aktsentide vaheldumine ja korrelatsioon. Rütm on särav väljendusvahend. Sageli määrab see nii muusika iseloomu kui isegi žanri. Võrdsete kestuste ülekaal rahulikus tempos muudab meloodia sujuvaks ja rahustavaks. Vastupidi, kestuste mitmekesisus annab sellele kapriissuse, paindlikkuse ja graatsilisuse. Tänu rütmile saame eristada marssi valsist, mazurkat polkast. Kõiki neid žanre iseloomustavad teatud rütmilised kujundid, mis korduvad kogu teose jooksul.
Prantsuse helilooja kuulsas orkestriteos Maurice Ravel "Bolero" rütm ei mängi mitte ainult ekspressiivset, vaid ka kujundavat rolli. Hispaania tantsu püsiv rütmivalem säilib kogu teose vältel (see on kirjutatud 12 variatsioonina). “Iron Rhythm” näib hoidvat meloodilist meloodiat kruustangis.
Rütm mängib jazzmuusikas väga olulist rolli. Rütm võib eksisteerida ilma meloodiata. Mõne ida- ja Aafrika meloodia keerulist rütmi taasesitatakse ainult löökpillide abil.
Mõõdik – muusikalise rütmi organiseerimise süsteem, tugevate ja nõrkade löökide vaheldumine. Kreeka keelest tõlgitud sõna "metron" tähendab mõõtu, suurust. Meetri mõistet ei leia mitte ainult muusikas, vaid ka kirjanduses. Seda, mida luules nimetatakse trohheeks, jaambiks, daktüüliks, amfibrahhiumiks, anapestiks, heksameetriks, muusikas tähistatakse numbritega 2/4, 3/4, 6/8 ja seda nimetatakse muusikaliseks suuruseks.
Mõõtur või suurus võib olla lihtne - kahepoolne, kolmepoolne, kompleksne - 4, 6, 9, 12 partitsiooni (homogeensete meetermõõdustiku rühmade lisamisest), segatud - 5, 7 vaheseina (heterogeensete meetriliste rühmade lisamisest).
Sõna “harmoonia” kerkis muusika piiridest kaugele välja: inimesed on ju pikka aega nimetanud harmooniat iluks ja proportsionaalsuseks, kus iganes see avaldub - arhitektuurilises struktuuris, meeleseisundis või inimfiguuris. Vanad kreeklased kasutasid sõna "harmoonia" rahumeelse elu perioodide määratlemiseks, mis ei sisalda sõdasid ega murranguid. Seetõttu pole juhus, et sõna “harmoonia” muusikas viitab selle fundamentaalsele ja fundamentaalsele omadusele – eufooniale.
Harmoonia - kreeka sõna "harmonia" on tõlgitud kui kaashäälik, harmoonia, proportsionaalsus. Harmoonia on akordid, mis meloodiat saadavad. Tänu sellele suureneb meloodia väljendusrikkus, see muutub heledamaks, helirikkamaks.
Salieri Puškini väikeses tragöödias ütleb: "Ma usaldasin harmooniat algebraga ...". See fraas sisaldab teadusliku, uurimusliku kunstikäsitluse tähendust. Ja siis tekib muusikas veel üks väljendusrikas harmoonia omadus - helide ühendamine konsonantsideks ja kaashäälikute jadadeks, mida muusikateadus uurib.
Aja jooksul on muutunud kõigi muusikaliste väljendusvahendite, sealhulgas harmoonia olemus ja omadused. Seetõttu räägitakse õppimisel erinevatest stiilidest - klassikaline, romantiline, jazziharmoonia jne. On muusikateoseid, milles domineerib harmoonia ning määrab teose iseloomu ja meeleolu. IN Prelüüdid C-duur Johann Sebastian Bachi "Hästitempereeritud klaveeri" esimesest köitest väljapandud akordide rahulik, sujuv vaheldumine pingete ja languste vaheldumisel, ühtlases liikumises piduliku haripunkti ja sellele järgnenud lõpetamise poole moodustab tervikliku ja harmoonilise teose. See on läbi imbunud üleva rahu meeleolust. Selles prelüüdis pole meloodiat. Harmoonia väljendab täielikult teose meeleolu.
Üks populaarsemaid teoseid F. Chopin Prelüüd e-moll klaveritsüklist “24 prelüüdi”. Selles on korduv motiiv “värvitud” erinevate akordidega, andes meloodiale ilmekuse, sisemise arengu ja liikumise.
Harmooniat uurides on võimatu ignoreerida konsonantsi ja dissonantsi mõisteid. Konsonants – pehme heli, helid täiendavad üksteist. Need on kõik puhtad intervallid, kolmandikud ja kuuendad. IN dissonantsid Heli on terav ja särav. Nende hulka kuuluvad sekundid, seitsmendikud ja tritoonid.
Kaasaegses muusikas ei oma konsonantsi ja dissonantsi mõisted enam sama fundamentaalset tähendust kui Haydni, Mozarti ja Beethoveni ajastul.
20. sajand rikastas muusikat uute helidega. Populaarsust on kogunud “klastri” harmooniad. Klaster – sekunditega moodustatud kaashäälik (inglise keelest cluster – bunch, bunch). Esimesed näited selliste harmooniate kasutamisest on tormistseen D. Verdi ooperi “Othello” alguses (C – Cis – D). Kasutatud klastri harmooniaid
R.K. Štšedrin Klaverisonaadi 1. osas, K. Penderetski “Nutulaulus Hiroshima ohvrite pärast”. Ukraina helilooja Žanna Koludub klaveritsüklis "Lumekuninganna" klastrite abil lõi ta kuvandi kurjast ja reetlikust trollist, kes tahtis valgust üle võtta.
Muusikalise materjali esitamise meetodit nimetatakse tekstuur.
Kõige levinum on gamofoonilis-harmooniline tekstuur. Sellel on palju sorte. Peamised:
a) meloodia akordisaatega; Sel juhul võib saateks olla kas akordide või arpedžode kujul, nagu F. Liszti nokturn “Armastuse unistused”.. Meloodiline meloodia kõlab keskmises registris, "ümbrises" end rikkaliku arpeggia saatel.
b) akordi tekstuur; on akordide jada, milles kõrgeim hääl esindab meloodiat, nagu Frederic Chopini prelüüdid c-moll.
Akorde saab esitada ka arpedžode kujul, nagu näiteks J. S. Bachi prelüüdid C-duur.
c) ühtlane tekstuur; meloodia esitatakse monofooniliselt või unisoonis (ladina keelest tõlgituna "üks heli")
Ühehäälse tekstuuri näide on I osa põhiosa teema
1) Kunstiline kuvand muusikas.
Kui kunstiline kujund on ümbritseva elu eriline peegeldamise ja tunnetamise vorm, kui see on ainulaadne viis oma individuaalse unikaalsuse kehastamiseks, siis erinevates kunstides avalduvad kunstilise kujundi ühised jooned, nagu juba mainitud, ainult koos oma individuaalse unikaalsuse kehastamisega. abi oma keele eripäradest.
Muusikas - muusikalise kõne kõigi elementide kombineeritud, kooskõlastatud vahendid, selle intonatsioon-meloodiline struktuur, meetri ekspressiivsed omadused, rütm, tempo, režiim, harmoonia, dünaamilised varjundid, aga ka sisemine struktuur, st igaühe kompositsioon. muusikaline teos. Muusikalise kujundi olemus on koondunud meloodiasse ja võib sageli peituda isegi ühehäälses meloodias, põimitud viisis. Muusikakriitik A. Serov ütles, et meloodia on helikunsti peamine võlu, peamine võlu, ilma selleta on kõik kahvatu, surnud, vaatamata kõige huvitavamatele harmoonilistele kombinatsioonidele, hoolimata orkestratsiooni imedest. Siinkohal tasub ära tuua teiste muusikute ütlused. Korsakovi sõnul "puhas meloodia, mis tuli Mozartilt Chopini ja Glinka kaudu, on elus ja peaks elama, ilma selleta on muusika saatus dekadents". "Suured heliloojad," ütles Rahmaninov, "pöörasid alati ja ennekõike tähelepanu meloodiale kui muusika juhtivale põhimõttele.
meloodia -
see on muusika, kogu muusika põhialus, kuna täiuslik meloodia viitab ja äratab ellu selle harmoonilise kujunduse. Muusika kui elav kunst sünnib ja elab kõigi tegevusliikide ühtsuse tulemusena. Nendevaheline suhtlus toimub muusikaliste kujundite kaudu, sest... muusikat (kunstivormina) väljaspool pilte ei eksisteeri. Helilooja peas sünnib muusikamuljete ja loomingulise kujutlusvõime mõjul muusikaline kujund, mis seejärel kehastub muusikateosesse. Muusikalise pildi, s.o muusikalistes helides kehastatud elu sisu kuulamine määrab kõik muud muusikalise taju tahud.
Taju -
analüsaatorit või analüsaatorite süsteemi otseselt mõjutav subjektiivne kujutis objektist, nähtusest või protsessist. Mõnikord tähistab mõiste taju ka tegevuste süsteemi, mille eesmärk on tutvuda meeli mõjutava objektiga, st sensoorset uurimistegevust.
Kujutisena on taju objekti otsene peegeldus selle omaduste kogumina, objektiivses terviklikkuses. See eristab taju aistingust, mis on samuti otsene sensoorne peegeldus, kuid ainult objektide ja analüsaatoreid mõjutavate nähtuste üksikute omaduste peegeldus.
Pilt –
subjektiivne nähtus, mis tekib objektiivse-praktilise, vaimse tegevuse tulemusena. See on reaalsuse terviklik peegeldus, milles põhikategooriad (ruum, liikumine, värv, kuju, tekstuur jne) esitatakse samaaegselt.
Informatsiooni mõttes on pilt ümbritseva reaalsuse ebatavaliselt mahukas vorm.
2) Rahvaornamendi traditsioonid.
Orná ment (ornamentum - kaunistus) - muster, põhineb selle koostisosade kordamisel ja vaheldumisel; mõeldud erinevate esemete (riistad, tööriistad ja relvad, tekstiil, mööbel, raamatud jne) kaunistamiseks...
Rahva ornament on mitte ainult kaunistus. Nagu kriitik kirjutas, "see on sidus kõne, järjekindel meloodia, millel on oma peamine põhjus ja mis pole mõeldud ainult silmadele, vaid ka mõistusele ja tunnetele." Üks kord antiikajal oli igal ornamentaalmotiivil eriline tähendus. Ta väljendas inimeste ettekujutused maailmast, loodusest, inimestest, andsid sümboli tervetele elunähtustele. Aja jooksul ideed muutusid, iidsed motiivid ja kujundid ununesid või omandasid uue sisu. Tänapäeval on mõnede mustrite tähendused jäädavalt kadunud, samas kui teiste kohta võib vaid oletada. Sõna "punane" tähendas ka "ilusat". Ornamendile kantud niitide punane värv täiendas selle endist tähendust lõuendil olevate mustrite teostuse iluga.
Igal tekstiilikunsti liigil oli ornamentaalsete kompositsioonide loomisel oma väljendusvahendid. Suurt tähtsust peeti värvikombinatsioonil, mille iidne rahvapärane sümboolika võimaldas meistril oma töö ideed rõhutada. Sajandite jooksul loodud sümboolsete ornamentide tohutu rikkalikkus võimaldas vilunud käsitöölisel mistahes eseme kaunistamisel valida oma teadmistele vastava mustri või bareljeefi, mis kannab õnne, edu, tervise, õitsengu jne soovi.
Peaaegu kõigi meie rahvapäraste dekoratiivkaunistuste meistrite eripäraks oli nende mitmekülgsus. Peaaegu igaüks neist oli nikerdaja, kunstnik, aplikaator, tikkija ning kunstilise valamise ja skulptuuri meister. Igal ornamendi lokil on oma tähendus - värvid ja ornamendid on samad tähed, millega me oma mõtteid väljendame, rääkisid vanad käsitöömeistrid. Albumisse osaliselt kogutud dekoratiivornamentides... võib märgata paljude ornamentide silmatorkavat sarnasust iidsete ornamentidega, mis on meieni jõudnud Kuchi varemetes ja Donghuani koobastemplites, mida on näinud kuulus Tangi munk Xuan-tsang India reisi ajal. Sajandeid ja tuhandeid kilomeetreid eralduvad neist kuulsatest freskodest... ja see ornamentide ja nende kompositsioonide sarnasus kõneleb taas meie vanade rahvapärase dekoratiivornamendi meistrite kultuuritraditsiooni suurest ja sajandeid kestnud järjepidevusest, kelle kunstile järgneb meie kunstiajaloolaste tööd tuleks pühendada.
Ornamendi päritolu pole täpselt teada. See tabab esteetilist arusaama inimtegevusest, loovalt transformeerides, korrastades loodust või religioosset sisu. Ornament, eriti rahvakunstis, kus see on kõige laiemalt levinud, on trükitudrahvaluule-poeetiline suhtumine maailma. Aja jooksul kaotasid motiivid oma esialgse tähenduse, säilitades dekoratiivse ja arhitektuurse väljendusrikkuse. Tähtis sissegenees Ornamendi edasiarendusel oli aga esteetilisi sotsiaalseid vajadusi: üldistatud motiivide rütmiline korrektsus oli üks kunstilise maailma uurimise varajastest viisidest, mis aitas mõista tegelikkuse korrastatust ja harmooniat. Ornamendi tekkimine ulatub sajandeid tagasi ja esimest korda registreeriti selle jäljed paleoliitikumi ajastul. Neoliitikumi kultuuris oli ornament jõudnud juba väga erinevatesse vormidesse ja hakkas domineerima. Aja jooksul kaotab ornament oma domineeriva positsiooni ja kognitiivse tähtsuse, säilitades siiski olulise organiseeriva ja kaunistava rolli plastilise loovuse süsteemis. Iga ajastu, stiil ja järjest esile kerkiv rahvuskultuur arendasid välja oma süsteemi; seetõttu on ornament usaldusväärne märk, et teosed kuuluvad teatud ajale, inimestele või maale. Ornament saavutab erilise arengu seal, kus domineerivad konventsionaalsed tegelikkuse peegeldamise vormid: edasi Vana-Ida, Kolumbuse-eelses Ameerikas, Aasia antiikaja kultuurides jakeskaeg, Euroopa keskajal. Rahvakunstis on iidsetest aegadest välja kujunenud stabiilsed ornamendi põhimõtted ja vormid, mis määravad suuresti rahvuslikud kunstitraditsioonid. Näiteks on Indias säilinud iidne kunst rangoli(alpona) - dekoratiivne kujundus - palve.
Vastavalt kompositsiooni olemusele ornament võib olla lint, keskne, ääristav,heraldiline, täites pinna või kombineerides mõnda neist tüüpidest keerukamates kombinatsioonides. See on tingitud kaunistatava objekti kindlast kujust.
Ornamendis kasutatud motiivide järgi jaguneb see:
geomeetriline, mis koosneb abstraktsetest vormidest (punktid, sirged, katkendlikud, siksakilised, võrguga lõikuvad jooned; ringid, rombid, hulktahukad, tähed, ristid, spiraalid; keerukamad spetsiifiliselt ornamentaalsed motiivid - meander jne);
köögiviljad, lehtede, õite, viljade jms stiliseerimine (lootos, papüürus, palmett, akant jne); zoomorfne, või loom stiliseerib tõeliste või fantastiliste loomade kujundeid või nende osi.
Motiividena kasutatakse ka inimfiguure., arhitektuursed killud, relvad, erinevad märgid ja embleemid (vapid).
Erilist tüüpi ornamenti esindab stiliseeritud pealdised arhitektuursetel ehitistel(näiteks Kesk-Aasia keskaegsetel mošeedel) või raamatutes(nn ligatuur). Erinevate motiivide (geomeetrilised ja loomavormid – nn teratoloogia, geomeetrilised ja taimsed – arabeskid) keerulised kombinatsioonid pole haruldased.
Pilet nr 22
1) Muusikateose keel ja vorm.
Muusikaline vorm -
See on interakteeruvate väljendusvahendite kompleks, mis kehastab muusikas teatud ideoloogilist ja kunstilist sisu.
Muusikaline vorm -
See on muusikateose kompositsiooniplaan, selle struktuur. Muusikalise vormi väikseim ühik on motiiv ja selle esialgne komponent on muusikaline teema. Teemade vahekord ja nende arendustüüp loovad aluse, millele tugineb muusikateose kompositsiooniplaan.
Muusikakeel on üks kunstikeeltest, kuna sellel on spetsiifilised kunstisemiootilised objektistamissüsteemid, mille hulgast paistavad silma lihtsad ja keerulised. Viimased teaduses hõlmavad muusika kehastamist nootides ja seejärel helides. Objektistamise protsess on omakorda ideede tõlkimine sisemistest, ühiskonna teadvuses sisalduvatest ideedest välisteks kunstivormideks, kunstiteosteks. Neis ilmneb objektiivne reaalsus dialektilises seoses inimese ja ühiskonnaga. Tuleb märkida, et ideedes, mis kehastuvad kunstiteostes, sisaldab kontsentreeritud sotsiaalajaloolist kogemust ühiskonna muutumisest, ühiskonna hinnangut kultuuri- ja ajalooolukorrale ning maailma tundmise tulemusi seoses inimeste isiklike suhetega sellega. Teisisõnu sisaldavad kunstiteosed epistemoloogiliste ja aksioloogiliste momentide sünteetilist kogumit. Kunstiteose adekvaatne tajumine on omakorda saavutatav ainult tänu "dešifreerimisakt", mis on võimatu ilma seda väljendava keele tundmiseta.
Inimeste muusikaline keel, erinevalt kõnekeelest, väljendab muusikalises ja poeetilises vormis oma tundeid ja mõtteid, rahuldab nende vaimseid vajadusi meeskonna poolt välja töötatud normide ja ajalooliselt väljakujunenud traditsioonide raames. Selle tulemusena muutuvad muusikalised meloodiad erinevate elunähtuste ja tunnete sümboliks ning tõsiasi, et nad järgivad teatud etnilise rühma "läbi mitme põlvkonna vaimse struktuuri" ja läbivad nii pika jõuproovi ja mõjukindluse pöördeid. need ebatavaliselt püsivateks kristalliseerunud helikompleksideks. Iidsetes intonatsioonides ja nende kombinatsioonides võttis ühiskond sageli alateadlikult, sama ärrituse ja taju tulemusena omaks ühised vaimsed väärtused. Tänu sellisele looduslikule valikule ei jäänud muusikalistesse intonatsioonidesse midagi subjektiivset, vaid kristalliseerus objektiivne eksistentsipilt.
2)Vana vene ikoonimaal.
Ikoon (kreeka sõnast, mis tähendab "pilt", "pilt").
See tekkis enne iidse vene kultuuri sündi ja sai laialt levinud kõigis õigeusu riikides.
Ikoonid Venemaal ilmusid Bütsantsi kiriku misjonitegevuse tulemusena ajal, mil kirikukunsti tähendust kogeti erilise jõuga. Eriti oluline ja mis oli vene kirikukunsti jaoks tugev sisemine impulss, on see Venemaa võttis kristluse vastu just Bütsantsi enda vaimse elu taaselustamise ajastul, selle hiilgeaegade ajastu. Sel perioodil polnud kusagil Euroopas kirikukunst nii arenenud kui Bütsantsis.
Alates iidsetest aegadest on sõna "ikoon" kasutatud üksikute piltide kohta, mis tavaliselt on kirjutatud tahvlile. Laudadele (mänd ja pärn, kaetud alabastergessoga) maalitud ikoonid oma dekoratiivsuse, kirikusse paigutamise lihtsuse, värvide ereduse ja vastupidavusega sobisid suurepäraselt Vene puitkirikute kaunistuseks.
Venemaal on laialt levinud nii molbertimaal - ikoonid kui ka monumentaalmaal - freskod, mosaiigid. . Esimesed maalijad, kes Venemaal töötasid, olid kreeklased. Ikoonimaalija esmamainimine pärineb 11. sajandist, see on Kiievi Petšerski Lavra munk Alimpiy.
Ikoon on kujutis – nähtamatu maailma nähtav kujutis või pühakute kujutis. Ikoonid sisaldavad tohutut vaimset ja moraalset jõudu. Ikoonidel kujutati Jumalaema, Jeesus Kristust ja pühakute nägusid.
Ikoon ei ole kummardamise objekt, see on vaimne ühendus, palveseisund, suhtlemine Jumala, Jumalaema ja pühakutega. Puutahvlitele maaliti ikoone. Enne ikooni maalimist pidasid mungad ranget paastu ja alustasid siis tööd puhaste mõtetega. Ajalugu pole säilitanud palju ikoonimaalijate nimesid. Erinevad meistrid maalisid ikoonide erinevaid osi, peamine meister oli vaimne mentor. See on nn katedraal (koos) looming.
Bütsantsi meistri ikoonid on säilinud tänapäevani. Kreeklane Feofan, maalis ta üle neljakümne kiriku riigi erinevates linnades. Vene mungad valdasid ka ikoonimaali. Ajalugu on andnud meile kunstniku nime, kes on oma loomingu poolest tuntud kogu maailmas "Kolmainsus" Andrei Rubljov.
Kolmainsuse-Sergius Lavra munk. Ta maalis kuulutuse katedraali Moskva Kremlis, Taevaminemise katedraali Vladimiris ja Kolmainu kirikut Kolmainsuse-Sergius Lavras. Ikoonil “Eluandev Kolmainsus” näeme kolme inglit Jumal Isa, Jumal Poeg ja Jumal Püha Vaim. See on Vana Testamendi lugu Kolmainu Jumala ilmumisest Aabrahamile.
Kõik sellel ikoonil on sümboolne: taustal maja- inimkäte loomine , mäed- taevane maailm, puu- loodus, mis pole kätega tehtud. Laua peal ohvrikauss, sümboliseerib Kristuse ohvrit ristil, et lunastada kogu inimkonna pattud.
Ikooni värvid:
punane - kuninglik võim; märtrisurm;
sinine – taevane ebamaine kera;
roheline – elu, lootus vaimsele ärkamisele;
kuldne – jumalik valgus; valge – puhtus ja patutatus.
Andrei Rubljov on maetud Spaso-Andronnikovi kloostrisse.
Pilet nr 23
1) Muusikažanrite mõiste.
Muusika -(kreeka keelest musike – lit. – muusade kunst), kunstiliik, milles kunstiliste kujundite kehastamise vahenditeks on teatud viisil organiseeritud muusikahelid. Muusika põhielemendid ja väljendusvahendid on režiim, rütm, meetrum, tempo, helitugevuse dünaamika, tämber, meloodia, harmoonia, polüfoonia, instrumentatsioon. Muusika salvestatakse noodikirjas ja realiseeritakse esitusprotsessis. Muusika jaguneb žanriteks – laul, koraal, tants, marss, sümfoonia, süit, sonaat jne.
Muusikaline žanr -
mitmeväärtuslik mõiste, mis iseloomustab muusikalise loovuse liike ja liike seoses nende tekke, esitustingimuste ja tajuga. Muusikažanri kontseptsioon peegeldab muusikateaduse ja muusikaesteetika põhiprobleemi – loovuse muusikaväliste tegurite seost selle puhtmuusikaliste omadustega. Muusikaline žanr on üks olulisemaid kunstilise identifitseerimise vahendeid. Muusikažanri mõistet võib käsitleda laiemalt ja kitsamalt. Laiemas žanris räägitakse ooperi-, sümfooni-, kammeržanrist jne. Kitsamas žanris eristatakse lüürilise ja koomilise ooperi žanre; sümfooniad ja sümfooniad; aariad, arioso, cavatina jne. Mitmed uurijad (eriti V. Tsukerman) eristavad esmaseid ja sekundaarseid muusikažanre. Primaarsed on otseselt seotud nende eksisteerimise tingimustega ja sekundaarsed žanrid kujunesid kontsertesituse tingimustes. E. Nazaiknisky eristab kolme žanrite ajaloolist toimimisvormi – sünkreetilise, esteetilise ja virtuaalse. Sünkreetilises vormis, mida iseloomustab loovuse ja taju sünkroonsus, toimib muusikažanr eelkõige kaanonina, mis tagab teatud traditsioonile vastava olukorra taasesituse. Noodikirja levikuga tekkinud esteetilises vormis muutub muusika esteetiliseks nähtuseks ja esiplaanile tulevad semantilised funktsioonid. Virtuaalses vormis, mida tänu helisalvestuse levikule iseloomustab võime tajuda muusikat erinevates tingimustes, tõusevad esiplaanile žanri struktuuri kujundavad funktsioonid, mis sageli tekitab segadust muusikalise terminite vahel. žanr ja stiil, eriti levimuusikas.
Blues (inglise blues from blue devils - melanhoolia, kurbus) - algselt - afroameeriklaste soololüüriline laul, hiljem - suund muusikas.
Džäss on muusikakunsti vorm, mis tekkis 20. sajandi alguses USA-s Aafrika ja Euroopa kultuuride sünteesi tulemusena ning sai hiljem laialt levinud.
Instrumentaalmuusika
Instrumentaalmuusika on muusika või salvestis, mida erinevalt lauludest esitatakse sõnadeta (sõnadeta).
Country (inglise Country, teine nimi - riik ja lääne-inglise maa ja western) on Ameerika Ühendriikide lõuna- ja edelaosa valgete elanike (“kauboid”) kõige levinum Ameerika rahvamuusika tüüp.
Klassikaline muusika
Muusika minevikust, mis on ajaproovile vastu pidanud ja millel on tänapäeva ühiskonnas publik.
Maailma rahvaste muusika
Ethnic (inglise keeles World music, ethnics, ethno, music of the peoples of the world, music of the world) on ingliskeelse termini “world music” analoog.
Ska on muusikastiil, mis tekkis Jamaical 1950. aastate lõpus. Stiili tekkimist seostatakse helisüsteemide tulekuga, mis võimaldas tantsida otse tänaval.
Reggae (inglise reggae, muud kirjapildid - “reggae” ja “reggae”), mis on sageli kogu Jamaica muusika üldnimetus, ilmus esmakordselt 1968. aastal.
Rock, punk ja metal (ing. Rock music) on üldnimetus paljudele kaasaegse muusika valdkondadele, mis on eksisteerinud alates 1950. aastate keskpaigast.
Punk, punkarid, punkrokkarid, punkerid (inglise keelest punk - scum) - 1970. aastate keskel USA-s ja Suurbritannias tekkinud vastukultuur, mille iseloomulikuks jooneks on armastus kiire ja energilise rokkmuusika vastu ( punk) ja vabadus.
Rahvamuusika (või folk, inglise folk) on teatud rahva või kultuuri pärimusmuusika. See kannab osa inimeste identiteedist ja peegeldab nende mentaliteeti.
Hip-hop on noorte subkultuur, mis tekkis Ameerika Ühendriikides 1970. aastate lõpus afroameeriklaste seas.
Chanson (prantsuse Chanson - “laul”) - 19.–20. sajandi lõpu prantsuse poplaulud, mida esitati kabaree stiilis.
Popmuusika
Popmuusika on lai mõiste (žanr), mis viitab elektrooniliste seadmete abil loodud muusikale.
2) Pekingi rahvaooper.
Pekingi ooper
"Pekingi ooper" on kõigi teatrikunsti žanrite (ooper, ballett, pantomiim, tragöödia ja komöödia) sulam Tänu repertuaari rikkalikkusele, näitlejate oskustele ja lavaefektidele leidis see võtme südamesse. publikule ning äratas nende huvi ja imetlust.
Aga teater "Pekingi ooper" See pole mitte ainult koht, kus pealtvaatajaid mugavalt majutada, vaid ka teetuba. Näidendis on suurepäraselt ühendatud Yuani ja Mingi dünastiate () dramaturgide looming ning tsirkusekunsti elemendid. Traditsioonilise teatri põhijooned on vabadus ja lõõgastus. Nende nõuete täitmiseks peab kunstnik tundma rahvusliku näitlemise põhitõdesid, need on “neli oskust” ja “neli tehnikat”.
Esimesed neli on laulmine, retsiteerimine, kehastamine ja žestikuleerimine; neli teist on “kätega mängimine”, “silmadega mängimine”, “kehaga mängimine” ja “sammud”. Laulmine hõivab Pekingi ooperis väga olulise koha Kunstnikul on esmalt vaja sattuda kellegi teise nahka, omaks võtta tegelase karakter ja keel, siis peab meister väliselt tema sarnaseks saama, tema sarnaseks kuulma ja tundma, tema lähedaseks inimeseks saama. Osa esitamisel on väga oluline roll hingamisel, lauldes kasutatakse “hingamisvahetust”, “salahingamist”, “hingamist” ja muid võtteid.
Pekingi ooperist kujunes pärast moodustamist rikkalik lauluoskuse kogumik, mille abil saavutatakse lavaline ebatavaline hääl, tämber, hingamine ja muud aspektid. Ettelugemine Pekingi ooperis on see monoloog ja dialoog. Teatrikultuur on ajaloo jooksul arenenud kõrge etenduskunstide nõuete totaalsuse alusel ja omandanud eredad, puhtalt Hiina omadused. See on ebatavaline stiil ja kolme tüüpi retsiteerimine erinevatel eesmärkidel - monoloogid iidsetes ja kaasaegsetes keeltes ning riimitud dialoogid. Reinkarnatsioon on üks Gong Fu avaldumisvorme. Sellega kaasneb laulmine, retsiteerimine ja žestikuleerimine. Näitlemisel on ka erinevaid vorme. “Kõrge oskus” näitab tugevaid, tahtejõulisi tegelasi; "Elulähedane" - nõrk, ebatäiuslik. Samuti on olemas "riimi stiili" valdamine - suhteliselt rangete, nutikate liigutuste esitamine koos rütmilise muusikaga ja "proosalise stiili" valdamine - vabade liigutuste esitamine "lahti" muusikale. "Riimi stiilis" on kõige olulisem element tants. Tantsuoskuse võib samuti jagada kahte liiki. Esimene tüüp on laul ja tants. Kunstnikud laulavad ja tantsivad korraga, et luua meile pilte ja maastikke. Teine tüüp on puhas tants. Kunstnikud kasutavad meeleolu edasiandmiseks ja toimuvast tervikliku pildi loomiseks vaid tantsuliigutusi. Läbi Hiina teatriajaloo on rahvatantse lavastatud. Žestikulatsioon- need on esinemise ajal kasutatud akrobaatika elemendid. Pekingi ooperis on tegelasi, keda saab ette kujutada ainult akrobaatilise kunsti abil. Kõik etenduste jõhkra sõja stseenid koosnevad akrobaatilistest trikkidest, on isegi erilisi “sõjalavastusi”. Igas etenduse osas kasutab kunstnik erilisi mänguviise: "kätega mängimine", "silmadega mängimine", "kehaga mängimine" ja "sammud". Need on "neli oskust", mida juba eespool mainitud.
. Pekingi ooper seisab nendel kaheksal sambal – “neli mänguviisi” ja “neli tüüpi oskusi”. Kuigi see pole muidugi veel kõik. Pekingi ooperi kunstipüramiidi alus on ju sügaval Hiina kultuuris.
Dmitri Dmitrijevitš Šostakovitš nimetas meloodiat "muusikateose hingeks". Sergei Sergejevitš Prokofjev määratles seda kui "muusika kõige olulisemat külge". Meloodia on "peamine võlu, helikunsti peamine võlu, ilma selleta on kõik kahvatu, surnud, hoolimata kõige pealesunnitud harmooniliste kombinatsioonidest, kõigist kontrapunkti ja orkestratsiooni imedest," ütles suurepärane vene muusik, helilooja ja kriitik A. Serov kirjutas kunagi.
Kreekakeelne sõna "meloodia" tähendab laulu laulmist ja pärineb kahest tüvest – melost (laul) ja oodist (laulmine). Muusikateaduses defineeritakse meloodiat kui monofooniliselt väljendatud muusikalist mõtet. See on väljendusrikas viis, mis võib edastada erinevaid pilte, tundeid ja meeleolusid. On muusikateoseid, eriti rahvalaule, mis koosnevad ainult ühest meloodiast.
On ka teoseid nimega “Meloodia”, näiteks S. Rahmaninovi “Meloodia”.
Professionaalses muusikas täiendavad meloodiat teised komponendid - harmoonia, instrumentatsioon ja mitmesugused polüfoonilise kirjutamise tehnikad.
L. V. Mihheeva
See sõna on iseenesest väga ilus. Kreeka keeles pehme, üllas. Nägin ühel päeval plakatit näituse pealkirjaga “Tule meloodiad” ja imestasin, kui õigesti sõnaline kujund leiti. Meloodia, mis vanade kreeklaste seas tähendas "laulu laulmist", muutus sõnaks, mis tähistas teatud helirida - oma painde ja käändega. Ruumijoon koosneb punktidest. Ajas on rida helidest. Mõlemad read on lõputult mitmekesised. Kuid mõlema suhtes kehtivad üldised seadused.
Paindlikud ja sirged, haprad ja jäigalt suunatud, nad võivad olla lihtsad ja keerulised, primitiivsed ja rafineeritud, loid ja energilised.
Nii nagu inimkõne koosneb tähendusega seotud sõnadest, nii koosneb meloodia tähendusega seotud helidest. Muidugi saate aru, et iga sõnajada pole kõne. Samamoodi ei ole iga helijada meloodia.
Muidugi ei ole muusika alati ainult meloodia. Muusika-meloodia - ühehäälses laulus, flöödi, viiuli või muu instrumendi meloodias.
Me ei nimeta trummi mängitavat muusikat meloodiaks, sest see kõik põhineb ühel helil. Ja meloodias peaksid olema erineva kõrgusega helid.
Meloodia kõrgusmuster ei ole aga kõik. Selle rütmiline reljeef pole vähem oluline. Sama helide jada võib rütmi tundmatuseni muuta.
Polüfoonilises muusikas – klaveril, sümfoonilisel, kooril – paistab meloodia tavaliselt seda saatvate häälte taustal silma. Kuid mida meloodilisemad on teised hääled, seda rikkalikum on muusika ja seda liigutavam on selle mõju inimestele.
M. G. Rytsareva
Mõtteid, tundeid, pilte ümbritsevast maailmast annavad muusikas edasi helid. Miks aga loob meloodias teatud helide jada kurva meeleolu, teine aga, vastupidi, eredalt ja rõõmsalt? Miks mõned muusikapalad tekitavad laulmise, teised aga tantsimise? Ja miks ühtede kuulamine tekitab kerguse ja läbipaistvuse tunde, teised aga kurbust. Igal muusikapalal on teatud omadused. Muusikud nimetavad neid omadusi muusikalise kõne elementideks. Näidendite sisu annavad edasi muusikalise kõne erinevad elemendid, luues teatud kuvandi. Peamine muusikaline väljendusvahend on meloodia. Just meloodiast saab muusika alguse kui eriline kunst: esimest korda kuuldud meloodiast, esimesena lauldud meloodiast saab samal ajal ka esimene muusika inimese elus. Meloodias - mõnikord helge ja rõõmus, mõnikord murettekitav ja sünge - kuuleme inimeste lootusi, kurbusi, muresid ja mõtteid. Meloodia on "peamine võlu, helikunsti peamine võlu, ilma selleta on kõik kahvatu, surnud ...", kirjutas kunagi imeline vene muusik, helilooja ja kriitik A. Serov. "Kogu muusika ilu peitub meloodias," ütles I. Haydn. “Muusika on mõeldamatu ilma meloodiata,” on R. Wagneri sõnad.
Glitch. "Meloodia" ooperist "Orpheus ja Eurydike"
Näiteks saksa helilooja K. Glucki näidend “Meloodia”. See kõlab mõnikord haletsusväärselt, melanhoolselt, kurvalt, mõnikord põnevusega, anumisega, näriva meeleheite ja kurbusega. Aga see meloodia voolab justkui ühes hingetõmbes. Seetõttu võib öelda, et näidendil on üks osa. Selles pole kontrastset ega muid meloodiaid.
Meloodia on muusikateose alus, arenenud terviklik muusikaline mõte, mis väljendub monofooniliselt. See on väljendusrikas viis, mis võib edastada erinevaid pilte, tundeid ja meeleolusid. Kreeka sõna "meloodia" tähendab "laulu laulmist", kuna see pärineb kahest tüvest: melos (laul) ja ood (laulmine). Meloodia väikseim osa on motiiv – lühike terviklik muusikaline mõte. Motiivid ühendatakse muusikalisteks fraasideks ja fraasid muusikalisteks lauseteks. Vaatamata väiksusele sisaldab meloodia kõiki dramaatilise arengu komponente: algust (peamotiivi sünd), arengut, haripunkti ja lõppu.
Anton Rubinstein. Meloodia.
Analüüsime A.G. Rubinsteini näidendit, mis kannab nime “Melody”. See põhineb kolmenoodilisel motiivil, mis kõikudes justkui kogub jõudu edasiseks arenguks. Neli fraasi moodustavad kaks lauset ja need omakorda moodustavad kõige lihtsama muusikalise vormi - perioodi. Põhiintonatsiooni areng saavutab haripunkti teises lauses, kus meloodia tõuseb kõrgeima kõlani.
Igal palal – vokaal- või instrumentaalpalal – on üks või mitu meloodiat. Suurtes suurteostes on neid palju: üks meloodia asendab teist, jutustades oma lugu. Meeleolu järgi meloodiaid eristades ja võrdledes tunnetame ja mõistame, millest muusika räägib.
Tšaikovski "Melodia" tõmbab oma särava selge lüürikaga. koos Prelüüdiga kui sarja üks parimaid tükke. Ladusalt ja rahulikult laiades lainetes lahti rulluv meloodiline hääl kõlab kolmikakordi saate taustal rikkalikult ja ilmekalt keskmises “tšello” registris.
Tšaikovski. "Meloodia" viiulile ja klaverile.
Rubinsteini "Melody" esitas klaverile.
A. Dvoraki "Mustlasmeloodia" on üks seitsmest " mustlasmeloodiad" tema loodud laulja Walteri palvel.
“Mustlasmeloodiad” ülistavad oma kummaliste laulude ja tantsudega Austria-Ungari impeeriumi maadel ringi rändava salapärase hõimu vabadust armastavat ja uhket rahvast, mida saadavad taldrikud – mustlaste lemmikpill. Kirevas sarjas asendavad sketšid loodusest, lauludest ja tantsudest, moodustamata ühtki arengujoont.
Dvorak. "Meloodia" või "Mustlasmeloodia".
Glazunov. "Meloodia."
Fantaasiapalad klaverile op. 3 on Sergei Rahmaninovi varajane kompositsioon, mis pärineb 1892. aastast. Tsükkel koosneb viiest näidendist. Neist number 3 on näidend "Meloodia".
Tsükli palasid peetakse üliõpilaste seas üheks enimesitatud Rahmaninovi teoseks ning märgitakse, et nende väärtus ei seisne mitte ainult pianisti parema käe tehnika arendamises, vaid ka helilooja mõtteviisi eeskujulikus ja rikkalikus esitamises. meloodia ja hääldatud klaveri idioom.
Rahmaninov." Meloodia."
Tekst muusikateoreetiliste distsipliinide õpetaja Irina Arkadjevna Galijeva loengust ja muudest allikatest.
Laadimine...
