Maailma esietendus Suures Teatris. Uuel laval jõuab täna esmakordselt ekraanile ballett “Hamlet” Šostakovitši muusikale. Etenduse loojad on koreograaf Radu Poklitaru - Sotši olümpiamängude ava- ja lõputseremoonia koreograaf; ja auhinnatud režissöör Declan Donnellan Kuldne mask" ja "Crystal Turandot". Rohkem kui kümme aastat tagasi laval Bolshoi teater nad lavastasid oma versiooni Romeost ja Juliast, seekord jälle loominguline liit ja jälle Shakespeare.
Pool tosinat draamateatrid eelmisel aastal lasid nad Shakespeare’i juubeliks lavale oma “Hamletid”. Ja nüüd on Taani printsi kord tantsida siin, Bolshois.
Kuid vastupidiselt ootustele pöörati erilist tähelepanu dramaturgiale. Bolshoi artistid on muljet avaldanud: esimest korda veedeti pool prooviajast lavastajaga – Shakespeare’i ühe suurima spetsialisti, briti Declan Donnellaniga.
“Kõik sai alguse sellest, et inimesed rääkisid meiega – see oli väga ebatavaline. Declan kogus meid kõiki kokku, pani meid enda kõrvale ja vestlus võis kesta kümnest minutist kuni tunnini. Ta selgitas kõigile, mida me täna teeme. Me pole kunagi üheski balletis nii palju mõelnud!” - jagas Bolshoi teatri solist Denis Savin.
Mõtlemisainet oli palju! Libreto loomine võttis aega kolm aastat. Selle tulemusena osutus balleti narratiiv palju laiemaks kui Shakespeare'i oma. See algab Hamleti lapsepõlvest. Kõik motiivid ja põhjused on ju selles peidus. edasine areng sündmused ja elamused - need on selle lavastuse jaoks olulisemad!
“Kõik küsivad minult – kas mul oli sõnadest puudus? Vastan, mul on nii hea meel, et saan lõpuks ilma nendeta töötada! Kõik suured kirjanikud – Puškin, Tšehhov, Shakespeare – teavad, et sõnad tegelikult ei tööta. Me ei räägi seda tragöödiat selle kaudu, me anname tantsu abil edasi emotsiooni, mille väljendus ei ole piiratud,” ütles Declan Donnellan.
Mõtlesime skoori üle pikalt. Nüüd ütleb Declan Donnallan: side Hamleti ja Šostakovitši vahel on tema jaoks alati olemas olnud. Lõppude lõpuks elasid mõlemad "represseeritud ja varjatud" ajastul. Esialgu tekkis isegi idee spetsiaalselt muusikat tellida.
“Hea helilooja on planeeritud paljudeks aastateks ette. Seetõttu keelduti meile kahjuks. Ja nüüd mõistame seda õnneks, sest kui leidsime Šostakovitši viienda ja viieteistkümnenda sümfoonia, mõistsime, et need on meie esimene ja teine vaatus. Enne meid kirjutati täiesti säravat muusikat, mis sobib täpselt meie libretoga,” rääkis koreograaf Radu Poklitaru.
Selle loo põhirõhk on kaotuse teemal. Kahe tunni jooksul kaheksa surma - balletitantsijad pidid mitte ainult tantsima, vaid ka ellu jääma!
"Meid kõiki noomitakse väga sageli selle eest, mida me teeme Hiljuti Teater lahkub teatrist - täna on täpselt nii - kui teater naaseb meie lavale! - märkis kunstiline juht Bolshoi teatri ballett Sergei Filin.
Keeruline vene vaataja näeb Hamletit laval tantsimas esimest korda. Ja teda üllatab suure tõenäosusega, et "kuidas tantsida "olla või mitte olla"" pole siin küsimus.
Maailma esietendus Suures Teatris. Täna näidatakse uuel laval esmakordselt ballett “Hamlet” Šostakovitši muusikale. Etenduse loojad on koreograaf Radu Poklitaru - Sotši olümpiamängude ava- ja lõputseremoonia koreograaf; ja režissöör Declan Donnellan, Kuldse Maski ja Crystal Turandoti auhindade võitja. Enam kui kümme aastat tagasi lavastasid nad Suure Teatri laval oma versiooni balletist “Romeo ja Julia”, seekord taas loominguline liit ja taas Shakespeare.
Pool tosinat draamateatrit valmistas eelmisel aastal Shakespeare'i juubeliks oma "Hamletid". Ja nüüd on Taani printsi kord tantsida siin, Bolshois.
Kuid vastupidiselt ootustele pöörati erilist tähelepanu dramaturgiale. Bolshoi artistid on muljet avaldanud: esimest korda veedeti pool prooviajast lavastajaga – Shakespeare’i ühe suurima spetsialisti, briti Declan Donnellaniga.
“Kõik sai alguse sellest, et inimesed rääkisid meiega – see oli väga ebatavaline. Declan kogus meid kõiki kokku, pani meid enda kõrvale ja vestlus võis kesta kümnest minutist kuni tunnini. Ta selgitas kõigile, mida me täna teeme. Me pole kunagi üheski balletis nii palju mõelnud!” - jagas Bolshoi teatri solist Denis Savin.
Mõtlemisainet oli palju! Libreto loomine võttis aega kolm aastat. Selle tulemusena osutus balleti narratiiv palju laiemaks kui Shakespeare'i oma. See algab Hamleti lapsepõlvest. Selles on ju peidus kõik sündmuste ja kogemuste edasise arengu motiivid ja põhjused - need on selle lavastuse jaoks olulisemad!
“Kõik küsivad minult – kas mul oli sõnadest puudus? Vastan, mul on nii hea meel, et saan lõpuks ilma nendeta töötada! Kõik suured kirjanikud – Puškin, Tšehhov, Shakespeare – teavad, et sõnad tegelikult ei tööta. Me ei räägi seda tragöödiat selle kaudu, me anname tantsu abil edasi emotsiooni, mille väljendus ei ole piiratud,” ütles Declan Donnellan.
Mõtlesime skoori üle pikalt. Nüüd ütleb Declan Donnallan: side Hamleti ja Šostakovitši vahel on tema jaoks alati olemas olnud. Lõppude lõpuks elasid mõlemad "represseeritud ja varjatud" ajastul. Esialgu tekkis isegi idee spetsiaalselt muusikat tellida.
“Hea helilooja on planeeritud paljudeks aastateks ette. Seetõttu keelduti meile kahjuks. Ja nüüd mõistame seda õnneks, sest kui leidsime Šostakovitši viienda ja viieteistkümnenda sümfoonia, mõistsime, et need on meie esimene ja teine vaatus. Enne meid kirjutati täiesti säravat muusikat, mis sobib täpselt meie libretoga,” rääkis koreograaf Radu Poklitaru.
Selle loo põhirõhk on kaotuse teemal. Kahe tunni jooksul kaheksa surma - balletitantsijad pidid mitte ainult tantsima, vaid ka ellu jääma!
"Meid kõiki sõimatakse väga sageli selle pärast, et teater on viimasel ajal teatrist lahkumas – täna on täpselt nii - kui teater meie lavale naaseb!" - ütles Bolshoi Teatri balleti kunstiline juht Sergei Filin.
Keeruline vene vaataja näeb Hamletit laval tantsimas esimest korda. Ja teda üllatab suure tõenäosusega, et "kuidas tantsida "olla või mitte olla"" pole siin küsimus.
Etenduse kohta
Bolshoi teater täiendab ja mitmekesistab maailma Shakespeare'i balletti. 238. hooaja lõpus toimus Jean-Christophe Maillot' balleti "Välja taltsutamine" maailmaesietendus ning 239. hooaja tipphetkel balleti maailmaesietendus. "Hamlet". Monte Carlo kuulsale koreograafile järgnes tandem Radu Poklitaru – Declan Donnellan, peaaegu kogu postsovetlikus ruumis tuntud koreograaf ja Venemaal kõrgelt austatud ja armastatud maailmakuulus inglise lavastaja.
See liit kujunes välja 2003. aastal, kui Poklitaru ja Donnellan lavastasid Bolshois oma tunnustatud versiooni Sergei Prokofjevi balletist “Romeo ja Julia”. Pole üllatav, et nende teine "tulemine" on seotud ka Shakespeare'i süžeega. Donnellan on selle näitekirjaniku näidendeid õppinud ja lavastanud kogu oma täiskasvanuea, sealhulgas Venemaal.
Palju üllatavam on tõsiasi, et nii prantslane Maillot kui ka inglane Donnellan pöörduvad täispika balleti jaoks Shakespeare’i süžeed valides “sõnagi lausumata” Šostakovitši muusika poole. Pealegi, juhindudes ligikaudu samadest "motiividest" või, täpsemalt, demonstreerides igaüks oma lähenemist võrdselt mõistetavale nähtusele. Komöödia lavastanud Mayo jaoks oli tõeline ilmutus Šostakovitši filmimuusika, milles ta, nagu "Taltsutamise" kangelanna Katarina, "vabastab end ootamatult ja avaldab jõuliselt oma salajase olemuse". Donnellan väidab, et tundis alati sidet Hamleti ja Šostakovitši kuju vahel, kuna helilooja elas ajastul, mil pidev kolossaalne surve inimese isiksus: „Šostakovitši muusikast leiab alati mingisuguse sügav tähendus, mida ta ei saanud kõva häälega välja öelda." Shakespeare’i suure tragöödia koreograafiliseks kehastuseks valis ta koos Radu Poklitaruga välja kaks sümfooniat – viienda ja viieteistkümnenda (viimases jäeti välja vaid esimene osa).
Helilooja kirjutas viienda sümfoonia vahetult pärast seda, kui tema vastu algas ajakirjanduses "paljastus". Häbistatud Šostakovitšil soovitati tungivalt tõestada (ta oli 1937. eluaastal) oma "usaldusväärsust" - ületada kohutav "kaudsus" inimestest ja kahjulik "formalism" ning omandada meetodid. sotsialistlik realism. Šostakovitš oli sunnitud otsima viise, kuidas "lihtsusse langeda", loobumata oma maailmavaate ja kunsti olemusest. See, et see teos oli varustatud nii seitsmenda kui ka kahekümne üheksanda tähendusega, selgus juba helilooja enda selgitustest: „Minu sümfoonia teema on isiksuse kujunemine. Selle teose kontseptsiooni keskmes nägin just meest kõigi oma kogemustega, algusest lõpuni lüürilise tooniga. Sümfoonia finaal lahendab esimeste osade traagiliselt pingelised hetked rõõmsalt, optimistlikult. Meil tekib vahel küsimusi tragöödiažanri enda legitiimsuse kohta nõukogude kunstis. Kuid samal ajal aetakse tõeline tragöödia sageli segi hukatuse ja pessimismiga. Arvan, et nõukogude tragöödial kui žanril on iga õigus eksisteerima..."
Viieteistkümnes sümfoonia (1971) sai helilooja sümfoonilise teose viimaseks - nii seetõttu, et see osutus viimaseks, kui ka seetõttu, et see väljendas väga selgelt tema formaalse ja ideoloogilise otsingu olemust. “... See on oma olemuselt sügavalt läbistav, nii ülev ja täiuslik. Selline tundub mulle viieteistkümnes sümfoonia.<...>Ja hämmastav kontseptsioon: muusikas hellitamisest, naljadest kuni universumi kõige intiimsemate saladuste mõistmiseni. Kõik viimased teosed Dmitri Dmitrijevitš Šostakovitši teoste kogus on mingi eriline toon või midagi sellist. Suurepärasele meisterlikkusele, hämmastavale sügavusele ja valvsusele lisandus, ma ütleks, mõistmine sellisest teispoolsest eksistentsi olemusest,” nii tajus selle sümfoonia muusikat Šostakovitši õpilane, imeline helilooja Boriss Tištšenko.
See osutus kooskõlas mõtete ja tunnetega, mis pärast selle näidendi lugemist balleti “Hamlet” lavastajate seas tekivad. Donnellan ei värskenda midagi teadlikult, ei "sega" sellesse, nagu ta ise ütleb, kuna tema ümber toimuv kipub iseseisvalt tema töösse tungima. Veelgi enam, me räägime Hamletist, kus räägitakse inimesest nii palju, et aegade ja selle näidendi vaheline side pole kunagi katkenud.
Kuid keegi ei tühistanud tõlgendamise "piina". Etenduse peamiseks motiiviks on kaotuse kogemine ja teadvustamine. Lähtepunkt on järgmine: Hamlet kogeb oma isa kaotust ja usku omaenda surematusse. Ta mõistab, kuigi ta ei saa nõustuda, et ta on ka surelik. Järgmiseks ehitatakse üles lõputu kaotuste ahel - inimesed, tunded, kõige kallimad kogemused, elu mõte, tugi, maa jalge all, pea...
Üks meie Ophelias, Moskva koreograafiaakadeemia magistrant Daria Khokhlova, räägib balleti tegelaste kontseptsioonist ja olemusest:
- Meie Hamlet ei ole nõrk inimene, ega neurasteeniline. Ta on "blokeeritud", mõeldes ainult ühele asjale, mida ta peab tegema, nimelt oma isa surma eest kätte maksma. Ta hakkab elu tõeliselt armastama alles siis, kui mõtleb tõsiselt surmale. Lõpuks tapetakse ta just sel hetkel, kui ta kirglikult elada tahab.
Ophelia on Shakespeare'i kõige õnnetum ja kurvem kangelanna. Tema patt on kuulekus. Ükski teine kangelanna (näiteks Julia või Desdemona) ei kannatanud sellist pattu. Nad kõik tegutsesid keeldude vastaselt ja Ophelia puhul astub ta ise tagasi ja sureb. Polonius ja Laertes on tema suhte vastu Hamletiga, nad ei usu, et prints võib temaga abielluda. Oma kuulekuse tõttu reedab ta oma armastatud mehe. Ei võitle. Ta on piisavalt tugev ja suudab kõigest üle saada, kuid sõna otseses mõttes ühest sammust ei piisanud, et ta sellist otsust langetaks. Selle tulemusena mõistab ta, et tema viga on andestamatu, ja jõuab enesetapumõtteni.
Ent Hamleti ja Ophelia suhe, kuigi nad armastavad üksteist, ei saa olla lihtne ja harmooniline. Nad ei saa olla nagu teiste armastajate omad (ka tema pereliikmed arvavad nii). Ophelia tunneb enda ees alati teatud barjääri: "Kui ma luban endal olla õnnelik, kui lähen täielikult tema poole, juhtub kindlasti midagi - ja kõik kukub kokku." Ja mõte pole siin ainult poliitikas ega selles, et Hamlet ei kavatse temaga abielluda. Hirm elab tema enda sees – hirm täieliku läheduse ees, sealhulgas hingelise läheduse ees. Algul seisab Hamlet silmitsi sarnase barjääriga, kuid ta saab sellest lahti pärast tüli emaga. Ja kui see oleks juhtunud varem, oleks ta võinud päästa nii oma suhte Opheliaga kui ka tema endaga.
Ophelia ja Hamlet hakkavad Hamleti lahkudes aru saama, kui kalliks nad teineteisele on saanud, teadmata, miks. Hüvasti jättes püüavad nad ületada nende vahele jäävat barjääri, kuid mõlemad pole veel valmis seda piiri ületama. Selle tulemusena lõpeb nende hüvastijätt lause keskel.
Ophelia näeb, mis Claudiuse võimuletulekuga riigis toimub. Teda hirmutab üldine "sõjastamine", mis on mõjutanud tema isa ja venda. Kuid ta näeb ka pulmakleidis rahulikult õnnelikku Gertrudit, kes on temasse alati kiindunud. Ophelia austab teda sügavalt nii oma kuninganna kui ka armastatu emana. Ta hakkab uskuma, et kõik peaks olema nii, nagu on, et kõik on hästi.
Ophelia teeb esimese sammu enesetapu suunas, andes isa käsul ära Hamleti kirjad. Kas ta suudab oma armastatu reeta ja isa korraldusi täita? Ta otsustab, et saab. Temas domineerivad kolm vastandlikku tunnet. Ta hakkab Hamletit kartma (ta on kuulnud kuulujutte, et ta läheb hulluks), tunneb end tema ees süüdi - ja armastab teda.
Hamlet pigem isegi naudib oma poolhullust. Ta tundub purjus, kuid mitte nii purjus, et ta seda ei naudiks. Kui Ophelia talle kirju annab, teeb see ta kaineks. Kuid tema reaktsioon toimuvale on endiselt ettearvamatu nii tema enda kui Ophelia jaoks.
Tegelikult üritab ta pöörduda oma armastatu poole viimasele inimesele, keda ta võib endiselt usaldada. Kui ta saab aru, mis juhtus, tundub talle, nagu oleks YouTube'is näidatud tema kõige intiimsemat asja. Ta arvab, et Ophelia reetis ta oma käitumise põhjal: tundub, et ta on siin, temaga koos, ja samal ajal nagu poleks teda seal. Ja Ophelia jaoks saabub kohutav hetk - ta kaotab oma tugipunkti. Hetkeks unustades tunneb ta end õnnelikuna. Kuid vähihaige tunneb end nii õnnelikuna, kui näeb unes, et on taas terve.
Gertrude ja Claudius olid Opheliast huvitatud ainult niivõrd, kuivõrd ta aitas neil välja selgitada, kas Hamlet on tõesti hull ja mis oli tema hulluse põhjus. Kui selgub, et asi pole üldse temas, kaotavad nad tema vastu igasuguse huvi. Reetnud endale kõige kallima inimese, ei tunne Ophelia, et tema kuulekus oli õigustatud.
Tapnud Poloniuse, keda ta ekslikult Claudiusega peab, arvab Hamlet, et tal on õnnestunud kõik võita, et ta on "maailma kuningas", kuid see kestab vaid mõne sekundi. Tegelikkuses kaotas ta kõik, mis tal oli – isa, ema, armastatu ja Taani krooni.
Ophelia, nähes oma isa tapmas mehe poolt, keda ta armastas, kuid reetis, tunneb end täiesti eksinud. Kaotanud isa, kaotab ta jalge all maapinna ja ei mõista enam, mida teha. Ta võib põgeneda koos oma armastatuga või jääda truuks oma endistele sidemetele. Isa sundis teda reetma, kuid ta armastab teda – täpselt nagu tema venda. Piir “õige” ja “vale” vahel on hägune. Seetõttu pole tal jõudu elu valida ja ta valib surma. Ofelia jääb oma surnud isa juurde ega näe oma tulevikku. Ja mõte pole siin selles, et Hamlet tappis oma isa, kuigi see on koletu. See kõik puudutab teda.
Ophelia surm on sisuliselt enesetapp. Ta alistub surmale, isegi kogedes midagi naudinguga sarnast. Ta lubab endal surra. Tema hullus on alateadvuse avastamine. Hulluks mineva Shakespeare’i Ophelia kergemeelsed väljaütlemised paljastavad selle, mis on temas nii kaua aega kinni hoidnud kohanemisvõime, ja paljastuvad praktiliselt ilma tema osaluseta.
Et pärast isa surma iseseisvalt elama hakata, puudub tal tahtmine. Ta on nii harjunud sõnakuulelikkusega, sellega, et ta ei pea oma tegude eest vastutama, et süütunne kõigi ees muserdab ta sõna otseses mõttes. Teisest küljest on ta laps, kes kasvas üles oma pere pidevast innukast hoolitsuses ja vaevalt suudab tema alateadvus peibutada mingeid väga kohutavaid deemoneid. Kõige hullem on see, et ta kaotab täielikult kontrolli enda üle. Kuigi mulle tundub, et isegi kui ta mõistaks, mida ta teeb, ei suudaks ta olukorra tähendust täielikult mõista ja hinnata.
Kuid Hamlet õpib ikkagi kaotama. Ta on valmis laskma surnud igaveseks minna, jättes samas tüki neist oma südamesse. Ja ta saab tunda elu maitset, ta saab tahta elada ilma omaenda surematuse tundeta ja leppida kõigi võimalike kaotuste paratamatusega. Aga ta sureb.
Vali keel Afrikaani Albaania Araabia Armeenia Aserbaidžaani Baski Valgevene Bulgaaria Katalaani Hiina (lihtsustatud) Hiina (traditsiooniline) Horvaatia Tšehhi Taani Hollandi Inglise Eesti Filipiinide Soome Prantsuse Galiitsia Gruusia Saksa Kreeka Haiti Kreooli Heebrea Hindi Ungari Islandi Indoneesia Iiri Itaalia Jaapani Korea Läti Leedu Makedoonia malai Persia Norra poola portugali rumeenia vene serbia slovaki sloveeni hispaania suahiili rootsi tai türgi ukraina urdu vietnami kõmri jidiš
Taani Kuningriigi väike prints
10-14 juuni Moskvas kl Uus stseen Bolshoi Teater esitas balleti “Hamlet” maailma esietenduse teise esietenduse ploki (lavastaja Declan Donnellan, koreograaf Radu Poklitaru, libreto Declan Donnellan, Nick Ormerod, Radu Poklitaru D. Šostakovitši viienda ja viieteistkümnenda sümfoonia muusikale). . Shakespeare'i keele kohta visuaalselt esitletud - Yanina Soldatkina.Näib, et kui Hamletilt kõik monoloogid ja dialoogid ära võtta, on see kõige võimsam Shakespeare'i keel, see universaalne metafoor, millega Shakespeare võluväel lummab, siis - kas sinna jääb midagi alles? – Kaasaegse teadvuse jaoks on prints Hamlet pikka aega olnud kultuurimüüt, mis on igas riigis täidetud oma sisuga. Oli tõeliselt hämmastav, kuidas režissöörid püüdsid leida tasakaalu "vene" muusika, inglise kangelase, kaasaegse tantsu ja Shakespeare'i spetsiifilise kujundi vahel... Olles ei ekspert ega tavapärane klassikaline ballett, ega kaasaegne tants, üle kahe tunni ei suutnud ma end laval toimuvast lahti rebida - lugesin seda plastilist, närvilist, pantomiimilist ja nii lähedast ja arusaadavat visuaalset teksti.
Üldised vormirõivad ja frakid, omamoodi tavapärane kuningriik, kus väike poiss-prints ja väike tüdruk Ophelia õpivad olema sõbrad, samal ajal kui ta unistab kroonist, vaprusest, vägitegudest, hiilgusest – pole juhus, et ta nii sirutab visalt käed üles, kuskil taevas. Kuid selles kuningriigis unistavad ilmselt kõik "edendusest". Välja arvatud päikeseline kloun Yorick... Ta näeb välja kõige rohkem kuulsad klounid Kahekümnes sajand – need, kes teadsid meile meelde tuletada, et selles võitluse, võimu, sõja ja üldise mahasurumise järele näljas maailmas on midagi teistmoodi. Tegelikult balansseerib Hamleti lugu Donellani versioonis nende kahe süžee vahel: võimujanu ja läbimurre igavikku. Palee suletud ruum avaneb hetkedeks - keerlevasse udusse, vabastades surnud vabadusse, sellesse "suuresse võib-olla", mis on Shakespeare'i ajastust saati inimhinge nii segadusse ajanud. Aeg-ajalt näitavad autorid, et selle ja selle valguse vahel pole ületamatut barjääri - Hamlet, siinne heidik, kutsub neid sealt, armsad varjud - varjud, mis ajavad ta hulluks.
Kogu etendus põhineb märkidel ja žestidel. Mõnikord võib-olla liiga banaalne ja otsekohene, mõnikord - sihilikult pantomiimiline, mitte balletiline, kuid mõnikord tekib sõnade, metafooride ja žestide täielik vahetatavus. Issand jumal, täiskasvanud Hamleti ja Ophelia selgitusstseenid koosnevad kõik sellest lummavast žestide dialoogist - kallistused, tagasilükkamine, süüdistused, väljakutse, meeleparandus, jälle kallistused... Tema lõputu poeetiline hellus, mis osutub kahtlustest tugevamaks ja solvumised, tema viskamine, õhuline kõnnak... Kohev tüdruk, ta osutub kõigele vaatamata oma armastatu vääriliseks, oma tõeliseks “pooleks”, tema peegelduubliks - siin on prints, üldse mitte lahke ja mitte päikeseline kloun, mängib hullusega - mängib tulega, revolvriga, naerab või nutab. Näitlejad ei kasuta sõnu, kuid etendus hingab ohkete, karjete, naeru, hüsteerikaga, kõlavad selle tegelased – ja printsile järgnev Ophelia (tappis ju tema isa nagu temagi) läheb hulluks, korrates tahtmatult tema liigutusi, põgenedes selle õuduse eest sellesse maagiline maa... Võib-olla otsustati kaklusstseen kalmistul liiga tahtlikult, emotsionaalse ülepaisutamisega, pingega. Kuid teisalt püüavad lavastajad järjekindlalt reifitseeruda, kehastada tegelikkuses kosmilisi Shakespeare’i pöördeid ja võrdlusi:
Ma tahan teada, mida sa teeksid? Kas sa nutsid? Kas sa rebisid oma kleidi ära? Kas sa võitlesid? Näljane? Kas sa jõid äädikat? Kas sa oled krokodille söönud? Ma saan ka seda kõike teha. Kas olete tulnud pisaraid valama? Kas hüpata mu hauda, et mind naeruvääristada? Elusalt maetud? Nii saan ka mina. Kas sa valetasid mägede kohta? Miljonid hektarid Oleme küngas nii, et päike kõrvetab tipu Ja Ossa muutub tüükaks! Kas olete mõelnud selle suu kaudu võtmisele? Nii saan ka mina. Ja keset seda kirglikku meeleheidet koputab peas hoopis teistsugune tsitaat: “Sinu pruut on selles kirstus”... Ja - tagasi ei saa midagi. Ja kedagi ei saa päästa...
Millise kergusega meenuvad kummituste tantsu ajal Hamleti vestluse stseenis oma emaga kuulsa monoloogi sõnad: "Vaata, siin on portree ja siin on teine, // Kahe venna kunstlikud sarnasused. //<…>Ta oli sinu abikaasa. Vaata nüüd edasi. // Siin on su mees nagu roostes viljakõrv, // kes tappis oma venna. Kas sul on silmad? – Claudius, edukas sõjaväemundris ilus mees, peegeldab skemaatiliselt 20. sajandi lemmiksüžeed - diktaatori süžeed. Kadedus, mõrv, kahtlustamine, “väike võidukas sõda”... Tema kuvand on muidugi fenomenaalselt kooskõlas Šostakovitši muusikaga, selle marsilaadsete, kuid ebaharmooniliste nootidega, ebakõla ja tasakaalu leidmise püüdlustega.
Ma ei saa jätta märkimata multimeedia (tänapäeval teatrites populaarne, kuid mitte alati nii õigustatud võte kui Donnellanil) vaimukat kasutamist: stseenis “Hiirelõks” Shakespeare’i pantomiimi (võrreldes draamaga “võõrkeelne tekst”) asemel Hamlet. näib, et juhib otsesaadet uue jooksva filmi pere vaatamisest. Palju moodsam, nagu öeldakse. Taas on Shakespeare’i Taani kuningriigis näha meie äratuntav 20. sajand: sõnatu “tummkino”, nukukatsed saada suurimaks kuningaks. Ja kuulsusrikas ebaõnnestumine finaalis: kui vaprate Claudia sõdurite poolt verest tühjaks jooksnud Elsinore alistub ilma võitluseta tõeline armee Kuulipildujatega ja kamuflaažis Fortinbras on tulemus ilmne: "Me mängime liiga palju."
Laadimine...
