مع انتصار النظام البرجوازي والكالفينية، انهارت معاقل الفن الضخم والزخرفي والكنسي في هولندا. إن مهام رسم القصور والقلاع التي حددها فنانو الباروك في البلدان الملكية لم تتم تقريبًا في هولندا. كان النبلاء أضعف من أن يدعموا وجود فن زخرفي عظيم. من ناحية أخرى، كانت الكالفينية ضد اللوحات في معابدها.
ومع ذلك، كان الطلب على الأعمال الفنية مرتفعًا للغاية. لقد جاءت هذه الأموال في الأساس من أفراد عاديين، علاوة على ذلك، إلى حد كبير من دوائر لم تكن تمتلك ثروات مادية كبيرة. هناك نوع من لوحات الحامل الصغيرة، المصممة للتعليق في غرف متواضعة الحجم، تتطور وتصبح سائدة. إلى جانب العمولات، تم تنفيذ اللوحات في كثير من الأحيان لسوق الفن، وانتشرت التجارة فيها على نطاق واسع. أدى الطلب الكبير على اللوحات إلى إنتاج ضخم، وبسبب الإفراط في إنتاجها، اضطر العديد من الفنانين إلى البحث عن مصادر رزق أخرى إلى جانب ممارسة مهنتهم المباشرة. غالبًا ما يتبين أن الرسامين المتميزين هم بستانيون أو أصحاب نزل أو موظفون (جوين وستين وجوبيما وما إلى ذلك).
فيما يتعلق بالمواضيع والتقنيات البصرية في اللوحة الهولندية في القرن السابع عشر، فإن بداية الواقعية تهيمن تماما. كان مطلوبًا من الفنان، أولاً وقبل كل شيء، أن ينقل بصدق الأشكال الخارجية للحياة المحيطة بكل تنوع ظواهرها.
أدت الأهمية المتزايدة للفرد في المجتمع البرجوازي الجديد إلى الانتشار غير العادي للصورة. وقد ساهمت في هذه العملية فترة طويلة من النضال، حيث شعر الفائز بقوته. أدى الدور الرئيسي الذي لعبته المنظمات المختلفة في ذلك الوقت، وقبل كل شيء، جمعيات البنادق، إلى ظهور نوع خاص من الصورة العامة الجماعية، والتي تم تطويرها على نطاق واسع وأصبحت واحدة من الظواهر المحددة للرسم الهولندي. بعد الصور الجماعية العديدة للرماة، تظهر مجموعات ذات طبيعة مماثلة من ممثلي ورش العمل التجارية المختلفة والشركات الطبية (ما يسمى بـ "التشريح") ورؤساء دور الرعاية.
أدى توتر المقاومة للغزاة الأجانب إلى زيادة حدة الشعور الوطني. لم يقتصر طلب الصدق على الفن فحسب، بل كان عليه أن يصور شعبه، والناس والوضع الحالي، وصورًا غير مزخرفة للطبيعة الأصلية، وكل ما يفتخر به الوعي وتعتاد العين على رؤيته: السفن، ماشية جميلة ووفرة من الطعام والزهور. جنبا إلى جنب مع البورتريه، أصبح النوع والمناظر الطبيعية وصور الحيوانات والحياة الساكنة هي الأنواع السائدة من الموضوعات. لم يتم استبعاد اللوحة الدينية، التي رفضتها الكنيسة البروتستانتية، لكنها لم تلعب أي دور رئيسي واكتسبت طابعا مختلفا تماما عما كانت عليه في بلدان الكاثوليكية الحاكمة. تم استبدال العنصر الغامض فيها بتفسير واقعي للموضوعات، وتم تقديم لوحات هذه الدائرة في المقام الأول في شكل لوحة يومية. تحدث مشاهد من التاريخ القديم كاستثناءات وتستخدم للتلميح إلى الأحداث السياسية الجارية. مثل كل الرموز، كانوا ناجحين في الدوائر الضيقة المعنية بالاهتمامات الأدبية والإنسانية.
من السمات النموذجية للمدرسة الهولندية في هذا الوقت التخصص الضيق في أنواع معينة من المواضيع التي يتم ملاحظتها باستمرار بين ممثليها. يؤدي هذا التخصص إلى التمييز بين الأنواع: يقوم بعض الفنانين بتطوير مشاهد يومية بشكل حصري تقريبًا من حياة الطبقات الوسطى والعليا من البرجوازية، بينما يركز الآخرون كل اهتمامهم على حياة الفلاحين؛ من بين رسامي المناظر الطبيعية، بالكاد يجد الكثيرون أي شيء آخر غير السهول والقنوات والقرى والمراعي؛ ينجذب البعض الآخر إلى زخارف الغابات، بينما يتخصص آخرون في تصوير البحر. لا يضع الفنانون الهولنديون على عاتقهم مهمة نقل الأشياء والظواهر المصورة بدقة فحسب، بل يسعون جاهدين لإعطاء انطباع بالفضاء، فضلاً عن التأثير على أشكال الغلاف الجوي والضوء الذي يغلفهم. مشكلة نقل الضوء والهواء هي المسعى التصويري العام والرئيسي للمدرسة الهولندية في القرن السابع عشر. وبالتالي، فإن الصورة تكتسب بشكل لا إرادي بداية العاطفية، مما تسبب في بعض الحالات المزاجية لدى الجمهور.
يعد الربع الأول من القرن السابع عشر فترة انتقالية للرسم الهولندي، عندما لم تكن الميزات المذكورة للتو قد تلقت تطورها الكامل بعد. على الجانب الموضوعي، لا تزال الأنواع الرئيسية للرسم الهولندي - المناظر الطبيعية والحياة اليومية - متباينة قليلاً نسبيًا. غالبًا ما تكون عناصر النوع والمناظر الطبيعية في اللوحات في هذا الوقت متكافئة. في الصور المرئية البحتة هناك العديد من الاتفاقيات سواء في البناء العام للمناظر الطبيعية أو في اللون.
إلى جانب التقاليد الواقعية المحلية المستمرة، فإن تأثير إيطاليا قوي، ولا سيما حركاتها السلوكية وفن كارافاجيو الواقعي. وكان الممثل الأكثر نموذجية للاتجاه الأخير هو هونثورست (1590-1656). كما أن تأثير الفنان الألماني آدم الشيمر (1578-1610) الذي عمل في أوائل القرن السابع عشر على الهولنديين ملحوظ جدًا أيضًا. يتم الجمع بين الرومانسية في تفسير الموضوعات المختارة من الكتاب المقدس أو الأدب القديم، وكذلك الاستشراق المعروف (الانجذاب إلى الشرق)، والذي يتم التعبير عنه في اختيار الأنواع والملابس والتفاصيل الأخرى، في عمله مع زيادة الرغبة في التأثيرات الزخرفية. برز بيتر لاستمان (1583-1633) كأكبر فنان في هذه المجموعة.
فرانس هالس. كان الفنان الأول الذي دخلت المدرسة الهولندية بعمله فترة ازدهار كامل هو فرانس هالس (حوالي 1580-1666). تمت أنشطته بالكامل تقريبًا في هارلم. هنا، حوالي عام 1616، برز باعتباره أهم رسام بورتريه واحتفظ بدوره في هذا المجال حتى نهاية حياته. مع ظهور هالس، تصل الصورة الهولندية الواقعية والفردية إلى مرحلة النضج. تم التغلب على كل شيء خجول، تافه، طبيعي، الذي يميز أسلافه.
المرحلة الأولية لفن خالصة غير واضحة. نرى على الفور السيد وهو يحل أصعب مشكلة في الصورة الجماعية. يرسم لوحات تلو الأخرى تصور الرماة في شركة St. أدريان وسانت. جورج (هارلم، متحف فرانس هالس)، حيث يتم نقل حيوية اجتماع مزدحم وسطوع أنواع كل من الحاضرين بسهولة لا تضاهى. تسير مهارة الرسم وسعة الحيلة التركيبية للمجموعات جنبًا إلى جنب في هذه الصور مع دقة التوصيف غير العادية. هالس ليس عالمًا نفسيًا: فالحياة العقلية لنماذجه عادة ما تمر به. ويكتب، في الغالب، عن الأشخاص الذين تجري حياتهم كلها في ظروف نشاط مكثف ونشط، ولكنهم لا يتعمقون كثيرًا في المسائل ذات الطبيعة النفسية. لكن هالس، مثله مثل أي شخص آخر، يلتقط مظهر هؤلاء الأشخاص، ويعرف كيفية التقاط أكثر الأشياء عابرة، ولكن في نفس الوقت الأكثر تميزًا في تعبيرات الوجه والوضعية والإيماءات. مبتهج بطبيعته، فهو يسعى جاهداً لالتقاط كل صورة في لحظة من الرسوم المتحركة والفرح، ولا أحد ينقل الضحك بمثل هذه الدقة والتنوع كما يفعل. صورة لضابط (1624، لندن، مجموعة والاس) هزاز على كرسي "Geitheusen" (أواخر ثلاثينيات القرن السابع عشر، بروكسل، معرض فني)، "الغجر" (أواخر عشرينيات القرن السابع عشر، متحف اللوفر)، أو ما يسمى "ساحرة هارلم" ، - يمكن تسمية "Malle Bobbe" (برلين) كأمثلة مميزة لفنه الحاد والمرح في كثير من الأحيان. يصور الرجال والنساء والأطفال بنفس الإحساس بالصورة الحية ("صورة لشاب يرتدي قفازًا" حوالي عام 1650، هيرميتاج). يتم أيضًا المساهمة في الانطباع بالحيوية من خلال تقنية خالصة نفسها، وهي حرة بشكل غير عادي وتنمو على مر السنين في اتساعها. يتم بعد ذلك تعديل الألوان الزخرفية للأعمال المبكرة، ويصبح اللون فضيًا، وتتحدث حرية استخدام درجات اللونين الأبيض والأسود عن الإتقان الذي يمكن أن يوفر أجرأ جرأة تصويرية. تحدد بعض الأعمال التقنيات الانطباعية لحلول الألوان. رسم هالس صورًا فردية لا تعد ولا تحصى حتى السنوات الأخيرة من حياته، لكنه انتهى مرة أخرى بصور جماعية. معممة بالألوان، تكشف عن ضعف يد الشيخوخة في الرسم، ومع ذلك تظل معبرة بشكل غير عادي. تمثل شخصياتهم مجموعات من شيوخ بيوت الفقراء (1664، هارلم، متحف فرانس هالس)، حيث وجد الفنان البالغ من العمر ثمانين عامًا ملجأه الأخير. كان فنه متقدمًا جدًا بالنسبة لوقته بحيث لم يضمن النجاح المادي بين المجتمع البرجوازي آنذاك.
رامبرانت. بعد جيل من جيل هالس، ترتفع شخصية رامبرانت العملاقة (1606-1669) على خلفية تأسيس الواقعية الهولندية. يعد عمله أعظم فخر لهولندا، لكن أهمية هذا المعلم لا تقتصر على جنسية واحدة. يبدو أن رامبرانت هو أحد أعظم الفنانين الواقعيين في كل العصور وفي نفس الوقت أحد أعظم أساتذة الرسم.
ولد رامبرانت هارمنز فان راين عام 1606 في لايدن وكان ابنًا لصاحب مطحنة دقيق ثري. اكتشف في وقت مبكر انجذابًا للرسم، وبعد إقامة قصيرة في جامعة ليدن، كرس نفسه بالكامل للفن. في نهاية فترة الدراسة المعتادة لمدة ثلاث سنوات مع الفنان المحلي غير المهم جاكوب سوانينبورش، ذهب رامبرانت إلى أمستردام للتحسين، حيث أصبح طالبًا في لاستمان. بعد أن أتقن عددًا من تقنيات الأخير، قبل أيضًا تأثير الاتجاه الواقعي لـCaravaggists.
بالعودة إلى ليدن، بدأ رامبرانت العمل كمعلم مستقل، وحقق نجاحًا كبيرًا، ودفعه هذا النجاح إلى الانتقال إلى أمستردام، حيث استقر عام 1631. هنا سرعان ما أصبح رامبرانت فنانًا عصريًا، تعرض للقصف بالأوامر ومحاطًا بالعديد من الطلاب. وفي الوقت نفسه، افتتح أيضًا ألمع وقت في حياته الشخصية.
في عام 1634، تزوج من فتاة شابة جميلة تدعى ساسكيا فان أولينبورغ، التي كانت تنتمي إلى عائلة برجوازية بارزة في أمستردام وجلبت له ثروة كبيرة كمهر. لقد زاد من الثروة المتزايدة بالفعل للسيد الناجح، وزوده بالاستقلال المالي وفي الوقت نفسه سمح له بالانغماس في شغف بجمع الأعمال الفنية وجميع أنواع التحف.
بالفعل أثناء إقامة رامبرانت في ليدن، وحتى أكثر من ذلك بعد انتقاله إلى أمستردام، أصبحت السمات الرئيسية لفنه مرئية بوضوح. يغطي نطاق صوره الموضوعات الدينية والتاريخ والأساطير والصور الشخصية والنوع وعالم الحيوان والمناظر الطبيعية والحياة الساكنة. لا يزال محور اهتمام رامبرانت هو الشخص، والنقل الصحيح نفسيًا للشخصيات والحركات العاطفية. يتجلى هذا الاهتمام بالمشاكل النفسية في عدد لا يحصى من اللوحات، وكذلك في موضوعات الكتاب المقدس المفضلة لدى رامبرانت، والتي توفر له فرصة جيدة لتصوير العلاقات والشخصيات الإنسانية. إن موهبة السيد المذهلة في سرد ​​القصص تسمح له بجذب المشاهدين ليس فقط من خلال التعبير عن صوره، ولكن أيضًا من خلال العرض الترفيهي للحبكة المختارة.
تكشف صور رامبرانت عن فهمه الواقعي العميق لمهام الفن. إنه يدرس الطبيعة باستمرار وينظر بيقظة إلى جميع أشكال الواقع المحيط. ينجذب انتباهه إلى كل ما له طابع واضح: تعبيرات الوجه والإيماءات والحركات والأزياء. ويسجل ملاحظاته إما في الرسومات أو في الرسومات التخطيطية. هذا الأخير يحدث بشكل رئيسي في الفترة المبكرة من حياته. تصبح المعرفة المكتسبة بالشكل وتعبيره جزءًا لا يتجزأ من جميع أعمال رامبرانت التركيبية وتمنحها صدقًا غير عادي.
بالتوازي مع اهتمامه الشديد بجوهر الظواهر، كان رامبرانت منغمسًا تمامًا في المشاكل التصويرية البحتة وبشكل أساسي في مشكلة الإضاءة والإضاءة. إن أصالة حلولها وإتقانها جلبت له الشهرة كأعظم رسام. يمثل تعقيد ضوء رامبرانت، إلى جانب التأثيرات الملونة، قيمة فنية عالية في لوحات السيد. ولكن هذه ليست مجرد قيمة زخرفية مكتفية ذاتيا. بالنسبة لرامبرانت، يعد تفسير تأثيرات الإضاءة في نفس الوقت أحد أهم وسائل الكشف عن طبيعة الصور. يعتمد تكوينه على العلاقة بين الخطط المضيئة والظل. إن توزيعها، مع تسليط الضوء على بعض الأشكال وإخفاء البعض الآخر، يلفت انتباه المشاهد إلى ما هو مهم بشكل خاص للقصة أو التوصيف وبالتالي يعزز التعبير. يرتبط الجانب الخلاب عضويًا بالمحتوى.
النشاط الفني لرامبرانت مشبع بالوحدة الداخلية من البداية إلى النهاية. لكن طريقه الإبداعي مع ذلك يجعل من الممكن التمييز بين عدد من المراحل المحددة بوضوح والتي تتميز ببعض السمات المحددة.
بعد سنوات من التدريب المهني والخطوات المستقلة الأولى، أصبحت ثلاثينيات القرن السابع عشر مرحلة جديدة. خلال هذه الفترة، كان رامبرانت قويا، من ناحية، في العناصر الرومانسية والخيال، ومن ناحية أخرى، في السمات الشكلية للفن الباروكي. ينشأ الانطباع بالخيال بشكل أساسي عن تأثير الإضاءة، الذي لا يعتمد دائمًا على مصدر محدد، ولكنه يتولد كما لو كان من خلال القدرة الإشعاعية للأشياء نفسها. تشير الميول الباروكية لفن رامبرانت في هذه الفترة إلى إثارة اللغة الفنية، وديناميكية وشفقة التراكيب، وجزئيًا حدة اللون. في هذه المرحلة، كان لدى رامبرانت ميل دائم إلى تصوير الصور بطريقة مسرحية، مما دفع السيد إلى رسم نفسه وأحبائه وهم يرتدون عباءات مورقة، وخوذات، وعمامات، وقبعات، أو تصوير ساسكيا إما في شكل بطلات الكتاب المقدس أو آلهة قديمة. .
إنه يتعامل مع الصور الشخصية بشكل مختلف بالطبع. إن الخصائص المفعمة بالحيوية التي تميزهم، ومهارة نحت الأشكال، والبحث عن الأناقة وفي نفس الوقت شدة معينة تبرر شهرته كرسام بورتريه. الصورة الجماعية، المعروفة باسم "تشريح دكتور تولب" (1632، لاهاي، موريتشويس)، حيث تم ضم السمات المميزة من خلال القدرة على توحيد الأشخاص المصورين من خلال الاهتمام المشترك بالمحاضرة التي ألقاها تولب على الطاولة التشريحية، كان أول نجاح كبير لرامبرانت.
مع الوفرة الشديدة في الأعمال الشخصية التي وقعت في العقد قيد المراجعة، وجد رامبرانت أيضًا وقتًا للرسم الرمزي والسرد الذي أبهره. قد تكون لوحة الملاك الذي يغادر عائلة توبياس (1637، متحف اللوفر) ​​بمثابة مثال على السمات الباروكية الشهيرة في هذه الفترة. الحبكة المأخوذة من الكتاب المقدس، والتي تصور اللحظة التي يترك فيها الملاك الذي ساعد ابن توبياس على شفاء والده العائلة التي باركها، مليئة بعناصر من هذا النوع. تم توضيح نهج النوع تجاه الموضوع بشكل أكثر وضوحًا في لوحة الأرميتاج "مثل الكرامين" (1637). في هذه الحالة، يتحول المثل الإنجيلي إلى مشهد واقعي بحت لمالك ثري وهو يصفي حساباته مع عماله. إن إخلاص الإيماءات وتعبيرات الوجه هنا لا يقل سمة من سمات رامبرانت عن المشكلة التصويرية المتمثلة في نقل الضوء المتدفق عبر النوافذ الصغيرة ويتلاشى في أعماق غرفة عالية معتمة.
تتجلى مهارة رامبرانت في الرسم واللون الذهبي المخضر في ثلاثينيات القرن السادس عشر بشكل كامل في إحدى لوحاته الأكثر شهرة - الأرميتاج "داناي" (1636). من خلال الشعور بالحياة في تجسيد الجسد، في الإيماءة، في التعبير عن الوجه، فإنه يكشف بوضوح بشكل غير عادي عن واقعية المفهوم الفني للسيد في هذا الوقت من تطوره الإبداعي.
مع بداية الأربعينيات من القرن السابع عشر، دخل عمل رامبرانت مرحلة جديدة استمرت حتى منتصف العقد التالي. إن الفهم المستقل للسيد لمهام الفن، ورغبته في الوصول إلى حقيقة الحياة العميقة، واهتمامه بالمشاكل النفسية، التي أصبحت أكثر وضوحًا على مر السنين، كشفت في رامبرانت عن فرد مبدع كبير كان متقدمًا بفارق كبير عن الثقافة البرجوازية. المجتمع من حوله. كان المحتوى العميق لفن رامبرانت غير متاح للأخير. لقد أرادت فنًا واقعيًا، ولكن أكثر سطحية. تتعارض أصالة تقنيات الرسم لدى رامبرانت بدورها مع أسلوب الرسم المتأني والأنيق إلى حد ما. مع تراجع أوقات النضال البطولي الوطني من أجل الاستقلال إلى الماضي، نمت أذواق التيار السائد نحو الأناقة وإضفاء المثالية على الصورة. أدى تعنت آراء رامبرانت، مدعومًا باستقلاله المادي، إلى الانحراف التام عن المجتمع. انعكس هذا الانفصال عن البيئة البرجوازية بوضوح فيما يتعلق بتكليف السيد بالتقاط صورة جماعية كبيرة لنقابة رماة أمستردام. اللوحة المكتملة نتيجة لهذا الطلب (1642، أمستردام) لم ترضي العملاء وظلت موضع سوء فهم حتى من قبل الدوائر الفنية. بدلاً من مجموعة صور عادية إلى حد ما، أعطى رامبرانت صورة لفرقة مسلحة تندفع خلف قادتها على صوت الطبل. انحسرت الخصائص الشخصية لأولئك الذين تم تصويرهم في الخلفية قبل ديناميكية المشهد. أعطت التناقضات الخلابة للإضاءة والإضاءة هذه الصورة طابعًا رومانسيًا، مما أدى إلى ظهور اسمها التقليدي - "Night Watch".
الصراع مع البيئة المهيمنة وما نتج عنه من انخفاض حاد في الطلبات لم يؤثر على الطاقة الإبداعية للسيد. كما أنها لم تتأثر بتغير أحوال عائلة رامبرانت، الذي فقد زوجته الحبيبة التي كانت مصدر إلهام دائم لصوره النسائية، في العام الذي تم فيه إنشاء اللوحة المذكورة للتو. وبعد بضع سنوات، يحل محلها آخر. ظهر هندريك ستوفيلز في البداية في دور خادمة متواضع، ثم أصبح بعد ذلك الصديق المخلص للسيد مدى الحياة ويوفر له السلام والهدوء الذي توفره الراحة العائلية.
كانت الفترة التالية مواتية لتطور فن رامبرانت. حماسة الشباب تختفي من عمله. يصبح أكثر تركيزًا وتوازنًا وأعمق. يتم استبدال تعقيد التركيبات والرثاء بالميل نحو البساطة. صدق الشعور لا ينتهك البحث عن التأثيرات الخارجية. لا تزال مشكلة chiaroscuro تجذب انتباه السيد. التلوين يزداد سخونة. تهيمن عليها النغمات الذهبية الصفراء والحمراء. دينية في الموضوع، ولكن النوع البحت في تفسيرها للمؤامرة، لوحة الأرميتاج "العائلة المقدسة" (1645) هي سمة مميزة للغاية لهذا الوقت.
جنبا إلى جنب مع مؤلفات النوع الكتابي، هذه الفترة مليئة بنوع جديد من تصوير الواقع لرامبرانت - المناظر الطبيعية. تقديرًا لرغباته الرومانسية في بعض الحالات، يبتكر، إلى جانب ذلك، صورًا لقرية هولندية غير مزخرفة مثيرة بأسلوبها الواقعي الصارم. "منظر الشتاء" الصغير (1646، كاسل)، الذي يصور ساحة فلاح والعديد من الشخصيات على سطح قناة متجمدة في ضوء يوم فاتر واضح، من حيث دقة الشعور وصدق الإدراك البصري، بمثابة واحد من أفضل الأمثلة على المناظر الطبيعية الهولندية الواقعية.
في الصور الشخصية، يجد رامبرانت نفسه الآن أكثر حرية عند اختيار النماذج ويرسم الوجوه بشكل أساسي بفردية واضحة. وهؤلاء هم في الأساس نساء مسنات ورجال يهود كبار السن. لكنه بنفس الحدة قادر على نقل سحر وجه الأنثى الشابة أو سحر المظهر الشبابي. كل شيء تافه في هذه الصور يفسح المجال أمام عرض عام للصورة ولكن في نفس الوقت مؤثر بشكل غير عادي. يتم تسهيل ذلك إلى حد كبير من خلال اتساع نطاق طريقة التنفيذ الفني.
على الرغم من ضخامة ما ابتكره خلال هذه الفترة وقيمته الفنية، إلا أن الوضع المالي لرامبرانت بحلول منتصف خمسينيات القرن السابع عشر كان صعبًا للغاية. بسبب انخفاض عدد الطلبات، وصعوبة بيع اللوحات، وخاصة إهمال السيد في إدارة شؤونه، واجه رامبرانت صعوبات مالية كبيرة. كان الدين المرتبط بشراء منزل باهظ الثمن خلال حياة ساسكيا يهدد بالخراب الكامل. إن محاولات الخروج من الديون لا يمكن إلا أن تؤخر الكارثة، لكنها ما زالت تندلع. في صيف عام 1656، أُعلن إفلاس رامبرانت وتم بيع جميع ممتلكاته في مزاد علني. بعد أن حرم من ملجأه المعتاد، اضطر إلى الانتقال مع عائلته إلى الحي اليهودي الفقير في العاصمة التجارية، وهنا مرت أيامه الأخيرة في حالة من النقص الشديد.
هذه الشدائد، وكذلك المصائب التي حلت لاحقا رامبرانت - وفاة هندريك، وفاة ابنه الوحيد تيتوس - كانت عاجزة عن وقف المزيد من النمو لعبقريته. تعد أواخر خمسينيات وستينيات القرن السابع عشر المرحلة الأكثر طموحًا في أعمال رامبرانت. إنه يمثل توليفة من جميع مهامه النفسية والتصويرية السابقة. تشكل القوة الاستثنائية للصور وبساطة التصميم وكثافة اللون الحار ونطاق النسيج التصويري السمات الرئيسية لهذه الفترة. تتجلى هذه الصفات بشكل متساوٍ في الصور الشخصية والتركيبات الكتابية. تم إنشاؤها في هذا الوقت، تعتبر الصورة الجماعية لـ "Sindiki" (شيوخ ورشة القماش، 1662، أمستردام) بجدارة واحدة من قمم أعمال رامبرانت). الخصائص النفسية الحادة، وبساطة البناء، وإخفاء عصمة إيقاع الخطوط والجماهير، فضلا عن العدد الضئيل من الألوان، ولكن التلوين المكثف، يلخص المسار السابق بأكمله لرامبرانت كرسام بورتريه. وفي مجال الرسم الكتابي، يعود نفس الدور إلى لوحة "عودة الابن الضال" الموجودة في الأرميتاج. ويظل مشهد المصالحة بين الابن التائب عن ضياعه والأب المتسامح، لا مثيل له في الفن العالمي في بساطته ودراميته ودقته في نقل التجارب الإنسانية. ويصعب عليها أن تجد ما يعادلها من حيث ثراء النغمة واتساع نطاق الكتابة.
تعد لوحة "الابن الضال" واحدة من آخر لوحات الفنان ويبدو أنها تعود إلى عام 1669 - وهو العام الذي توفي فيه رامبرانت. مرت هذه الوفاة دون أن يلاحظها أحد تماما، وبعد سنوات عديدة فقط، في القرن الثامن عشر، بدأ فهم فن هذا الفنان العظيم في النمو.
تتحدد أهمية رامبرانت، إلى جانب لوحة المعلم، من خلال تراثه الهائل كفنان رسومي. انعكست جميع خصائص أعمال رامبرانت المذكورة أعلاه في الأعمال الرسومية بشكل لا يقل وضوحًا عن الرسم، علاوة على ذلك، في الرسومات الأصلية وفي مجال الرسومات والنقوش المطبوعة. في الصدد الأخير، رامبرانت هو أعظم سيد النقش.
بالنسبة لتوصيفها، فإن النقوش لا تقل أهمية عن اللوحات. انعكس عمق التحليل النفسي والواقعية التعبيرية للصور والإتقان التام للتقنية الفنية التي تميز رامبرانت في سلسلة طويلة من الأوراق الرائعة، والتي كانت أكثر تنوعًا من الناحية الموضوعية من لوحات السيد. ومن أشهرها بشكل خاص "المسيح يشفي المرضى" (ما يسمى "ورقة مائة فلورين" ، حوالي 1649) ، "ثلاثة صلبان" (1653) ، صور لوتما (1656) ، هارينج (1655) ، ستة ( 1647)، بالإضافة إلى المناظر الطبيعية المعروفة باسم "الأشجار الثلاثة" (1643) و"مزرعة وزن الذهب" (1651).
تحتل الرسومات مكانًا مهمًا بنفس القدر في التراث الرسومي لرامبرانت. انعكست حدة وأصالة تصور رامبرانت للعالم المحيط بقوة خاصة في هذه الأوراق العديدة والمتنوعة. تتطور طريقة الرسم، مثل أسلوب رسم رامبرانت، بشكل ملحوظ طوال التطور الإبداعي للسيد. إذا تم وضع رسومات رامبرانت المبكرة بالتفصيل وكانت معقدة للغاية في التكوين، فعندئذ في فترة أكثر نضجا قام بتنفيذها بطريقة تصويرية واسعة، مقتضبة وبسيطة بشكل غير عادي. كان رامبرانت يرسم عادةً بريشة أو قلم قصب وكان قادرًا على تحقيق قوة تعبير استثنائية باستخدام أبسط التقنيات. رسوماته، حتى عندما تكون عبارة عن رسومات تخطيطية دقيقة لبعض العناصر اليومية، تمثل كلًا كاملاً، وتنقل بشكل كامل تنوع الطبيعة بأكمله.
ظل فن رامبرانت ككل يساء فهمه من قبل معاصريه. ومع ذلك، خلال فترة النجاح، تم إنشاء مدرسة عديدة للغاية من الطلاب حوله، ومن أشهرهم فرديناند بول (1616-1680)، وجيربراند فان دن إيكهوت (1621-1674)، وآرت دي جيلدر (1645-1727). ). بعد أن أتقنوا الموضوعات والتقنيات التركيبية وأنواع المعلمين، ما زالوا لم يذهبوا إلى أبعد من ذلك في رسم شخصياتهم أكثر من التقليد الخارجي لتقنيات رامبرانت. على العكس من ذلك، كان التأثير الحي للسيد محسوسًا بالتأكيد بين العديد من رسامي المناظر الطبيعية المجاورين له - فيليبس كونينك (1619-1688)، ودومر (1622-1700) وآخرين. وبغض النظر عن ذلك، فإن تطويره لمشكلة الضوء أصبح حجر الزاوية في تطور كل اللوحات الهولندية اللاحقة.
ومع ذلك، لم يحظ عمل رامبرانت بالاعتراف الكامل إلا في القرن التاسع عشر. ومنذ تلك اللحظة فصاعدًا، لم يتوقف أبدًا عن أن يكون أحد أعلى الأمثلة على التجسيد الواقعي والخلاب للصور في نفس الوقت.

اللوحة الهولندية - لوحات القرن السابع عشر

من السمات المهمة للفن الهولندي الهيمنة الكبيرة على جميع أنواع الرسم. قام ممثلو أعلى مستويات السلطة والمواطنين الفقراء والحرفيين والفلاحين بتزيين منازلهم باللوحات. تم بيعها في المزادات والمعارض. حتى أن الفنانين استخدموها أحيانًا كوسيلة لدفع الفواتير.

الطريق في الغابة، ميندرت هوبيما، 1670

كان هناك وفرة من الرسامين، وكانت المنافسة شرسة للغاية، حيث كانت مهنة الفنان منتشرة على نطاق واسع. لم يتمكن الكثير من كسب عيشهم من خلال الرسم. كان على معظم الفنانين القيام بمجموعة متنوعة من الوظائف: كان جاكوب فان رويسديل طبيبًا، وعمل ميندرت هوبيما كمسؤول مكوس، وكان جان ستين صاحب نزل.

في القرن السابع عشر، تطور الرسم الهولندي بسرعة ليس فقط بسبب الطلب المتزايد على أولئك الذين يرغبون في تزيين منازلهم باللوحات، ولكن أيضًا بسبب حقيقة أنه بدأ يُنظر إليها كسلعة ووسيلة للمضاربة ومصدر للمال. ربح. كان الفنان يعتمد بشكل كامل على اتجاهات السوق، وحرر نفسه من العملاء المباشرين مثل الرعاة المؤثرين (الإقطاعيين) والكنيسة الكاثوليكية. تم تحديد مسارات تطور المجتمع الهولندي، وأصبح الفنانون الذين عارضوهم ودافعوا عن استقلالهم من حيث الإبداع معزولين وماتوا قبل الأوان في الوحدة والفقر. في معظم الحالات، كان هؤلاء مجرد الفنانين الأكثر موهبة، مثل رامبرانت وفرانس هالس.

صور الرسامون الهولنديون بشكل أساسي الواقع المحيط، والذي لم يصوره فنانو مدارس الرسم الأخرى بشكل كامل. احتلت الصور الشخصية والحياة اليومية والحياة الساكنة والمناظر الطبيعية المكان الرئيسي في تعزيز الاتجاهات الواقعية، حيث تحول الفنانون إلى جوانب مختلفة من الحياة. لقد صوروا العالم الحقيقي الذي يتكشف أمامهم بعمق وصدق، وكانت أعمالهم مثيرة للإعجاب للغاية.

جان ستين، لقاء مع المحتفلين، ١٦٧٩

كان لكل نوع حركاته الخاصة. وكان من بين الذين رسموا المناظر الطبيعية الرسامون البحريون والرسامون الذين فضلوا السهول أو الغابات، وكان هناك أيضًا أساتذة المناظر الطبيعية الشتوية والمناظر التي تصور ضوء القمر. من بين فناني النوع، أولئك الذين صوروا البرجوازيين والفلاحين، برزت مشاهد الحياة المنزلية والحفلات والبازارات والصيد. كان هناك أيضًا فنانون متخصصون في التصميمات الداخلية للكنيسة وأنواع مختلفة من الحياة الساكنة، مثل "المقاعد"، و"الحلوى"، و"الإفطار"، وما إلى ذلك. وقد تأثر عدد المهام المنجزة بسمة الرسم الهولندي مثل المحدودية. ومع ذلك، تم تسهيل براعة الرسام من خلال حقيقة أن كل فنان ركز على نوع معين. فقط أهم الفنانين الهولنديين رسموا في أنواع مختلفة.

حدث تطور الرسم الهولندي الواقعي في الحرب ضد السلوكية والحركة التي تحاكي الفن الكلاسيكي الإيطالي. كانت التقنيات المستعارة رسميًا من الفنانين الإيطاليين، ممثلي هذه الحركات، غير طبيعية للغاية بالنسبة لتقاليد الرسم الهولندي الوطني. تجلت الاتجاهات الواقعية بشكل أكثر وضوحًا في النوع والصور الشخصية أثناء تطور الرسم الهولندي، الذي امتد في الفترة من 1609 إلى 1640.

جاكوب فان رويسديل(1628-1682) كان سيدًا بارزًا في نوع المناظر الطبيعية (لقد رسموا المناظر الطبيعية الهولندية الكلاسيكية - الكثبان الصحراوية وطواحين الهواء الشهيرة وقوارب القناة والمتزلجين وليس الطبيعة بشكل عام) وفنان ذو خيال لا حدود له ("الشلال" ، " مستنقع الغابة "،" المقبرة اليهودية "). من خلال رسم الطبيعة بجد، يحقق Ruisdael في نفس الوقت النصب التذكاري.

طاحونة هوائية في Wijk bei Dyrsted. 1670. متحف ريجكس. أمستردام، جاكوب فان رويسديل

يمكن تسمية أحد رسامي البورتريه الأكثر موهبة في هذا العصر فرانس هالس(حوالي 1585-1666). قام بإنشاء العديد من الصور الجماعية، مثل صور نقابات البنادق (رابطة الضباط لحماية المدن والدفاع). أراد المواطنون التقاط أنفسهم، وكان على الفنان أن يتذكر احترام كل نموذج. ما يجذب الانتباه في هذه اللوحات هو عرض المثل العليا للجمهورية الفتية والصداقة الحميمة والمساواة والشعور بالحرية. الأشخاص الواثقون في أنفسهم وفي الغد، المليئون بالطاقة، ينظرون إلى المشاهد من اللوحات ("Streltsy Guild of St. George"، "Streltsy Guild of St. Adrian"). وبطبيعة الحال، يتم تصويرهم في وليمة ودية. بفضل الأسلوب الفردي للفنان - واسع وواثق وذو ألوان غنية ومشرقة (أحمر، أصفر، أزرق، إلخ) - يتم تشكيل وثيقة فنية للعصر من هؤلاء الأفراد.

صورة لستيفان جيراد، 1652، المتحف الملكي، أنتويرب

هناك الكثير من الحماسة المتهورة والضغط والطاقة التي لا يمكن كبتها في الصور الفردية مع الخطوط العريضة للوحة النوع. يختفي هذا في الصور اللاحقة. على سبيل المثال، في صورة هيرميتاج لرجل، يمكنك رؤية الحزن والتعب للبطل هالس، على الرغم من كل إعجابه وحتى تبجح. تم تعزيز هذه الميزات بشكل أكبر في صورة أخرى (صورة لرجل يرتدي قبعة واسعة الحواف). في هذه الفترة المتأخرة، يصل هالس إلى أعلى مستوى من المهارة، وتصبح النغمات في أعماله أحادية اللون (عادة ملابس سوداء داكنة، مع ذوي الياقات البيضاء والأصفاد، ولون خلفية زيتوني داكن). على الرغم من إيجاز اللوحة التصويرية، إلا أنها تعتمد على تدرجات دقيقة للغاية.

خلق رامبرانت فان راين(1606-1669) أصبح الإنجاز الأخير للفن الهولندي في القرن السابع عشر وقمة واقعيته.

الثقافة الهولندية في القرن السابع عشر

أدى انتصار الثورة البرجوازية في شمال هولندا إلى تشكيل دولة مستقلة - جمهورية المقاطعات السبع المتحدة - هولندا (باسم أهم هذه المقاطعات)؛ ولأول مرة، تم إنشاء نظام جمهوري برجوازي في إحدى الدول الأوروبية. كانت القوى الدافعة للثورة هي الفلاحين وأفقر شرائح سكان الحضر، لكن البرجوازية التي وصلت إلى السلطة استغلت مكاسبها.
التحرر من اضطهاد الحكم المطلق الإسباني والكنيسة الكاثوليكية، أدى تدمير عدد من القيود الإقطاعية إلى فتح الطريق أمام النمو السريع للقوى المنتجة للجمهورية، التي، وفقًا لماركس، “كانت دولة رأسمالية مثالية في القرن السابع عشر”. "فقط في هولندا في ذلك الوقت كان سكان الحضر يتفوقون على سكان الريف، لكن المصدر الرئيسي للأرباح لم يأت من الصناعة (على الرغم من تطور إنتاج المنسوجات وخاصة بناء السفن هنا)، ولكن من التجارة الوسيطة، التي توسعت بفضل الاستعمار. سياسة. ومع ازدياد ثراء الطبقات الحاكمة، زاد فقر الطبقة العاملة، وأفلس الفلاحون والحرفيون، وبحلول منتصف القرن السابع عشر اشتدت التناقضات الطبقية.
ومع ذلك، في العقود الأولى بعد إنشاء الجمهورية، كانت التقاليد الديمقراطية للعصر الثوري حية. إن اتساع حركة التحرير الوطني، وصعود الوعي الذاتي لدى الشعب، وفرح التحرر من نير الأجنبي، وحد الشرائح الأكثر تنوعا من السكان. لقد خلقت البلاد الظروف الملائمة لتطوير العلوم والفنون. وجد المفكرون التقدميون في ذلك الوقت ملجأ هنا، ولا سيما الفيلسوف الفرنسي ديكارت، وتشكل نظام سبينوزا الفلسفي المادي بشكل أساسي. تم تحقيق أعلى الإنجازات من قبل الفنانين الهولنديين، مثل الرسامين مثل رامبرانت، رويسديل، تيربورش، هالس، هوبيما، هونثورست والعديد من أساتذة الرسم الآخرين. كان الفنانون الهولنديون هم الأوائل في أوروبا الذين تحرروا من التأثير القمعي لدوائر البلاط والكنيسة الكاثوليكية وابتكروا فنًا ديمقراطيًا وواقعيًا يعكس بشكل مباشر الواقع الاجتماعي.

اللوحة الهولندية في القرن السابع عشر

من السمات المميزة لتطور الفن الهولندي هي هيمنته الكبيرة بين جميع أنواع الرسم. تم تزيين اللوحات بمنازل ليس فقط ممثلي النخبة الحاكمة في المجتمع، ولكن أيضًا المواطنين الفقراء والحرفيين والفلاحين؛ تم بيعها في المزادات والمعارض؛ في بعض الأحيان استخدمها الفنانون كوسيلة لدفع الفواتير. لم تكن مهنة الفنان نادرة، إذ كان هناك الكثير من الرسامين، وكانوا يتنافسون بشدة مع بعضهم البعض. لم يتمكن سوى عدد قليل منهم من إعالة أنفسهم من خلال الرسم، وتولى العديد منهم مجموعة متنوعة من الوظائف: كان ستين صاحب فندق، وكان هوبيما مسؤولاً في المكوس، وكان جاكوب فان رويسديل طبيبًا.
تم تفسير التطور السريع للرسم الهولندي في القرن السابع عشر ليس فقط من خلال الطلب على اللوحات من قبل أولئك الذين أرادوا تزيين منازلهم بها، ولكن أيضًا من خلال النظر إليها كسلعة، كوسيلة للربح، ومصدر للمضاربة. بعد أن تخلص من العميل المباشر - الكنيسة الكاثوليكية أو فاعل خير إقطاعي مؤثر - وجد الفنان نفسه معتمداً بشكل كامل على متطلبات السوق. حددت أذواق المجتمع البرجوازي تطور الفن الهولندي مسبقًا، ووجد الفنانون الذين عارضوهم، دافعين عن استقلالهم في مسائل الإبداع، أنفسهم معزولين وماتوا في وقت غير مناسب في الفقر والوحدة. علاوة على ذلك، كان هؤلاء، كقاعدة عامة، الماجستير الأكثر موهبة. ويكفي أن نذكر أسماء هالس ورامبرانت.
كان الهدف الرئيسي لتصوير الفنانين الهولنديين هو الواقع المحيط، والذي لم ينعكس بشكل كامل من قبل في أعمال الرسامين في المدارس الوطنية الأخرى. أدى الاستئناف إلى جوانب الحياة الأكثر تنوعا إلى تعزيز الاتجاهات الواقعية في الرسم، والمكانة الرائدة التي احتلتها النوع اليومي والصورة والمناظر الطبيعية والحياة الساكنة. كلما كان الفنانون يعكسون العالم الحقيقي الذي ينفتح أمامهم بصدق وعمق، كلما كانت أعمالهم أكثر أهمية.
وكان لكل نوع فروعه الخاصة. لذلك، على سبيل المثال، من بين رسامي المناظر الطبيعية كان هناك رسامون بحريون (يصورون البحر)، ورسامون يفضلون مناظر الأماكن المسطحة أو غابات الغابات، وكان هناك أساتذة متخصصون في المناظر الطبيعية الشتوية والمناظر الطبيعية مع ضوء القمر: من بين الرسامين من النوع والفنانين الذين يصور الفلاحين والمواطنين ومشاهد الأعياد والحياة المنزلية ومشاهد الصيد والأسواق؛ كان هناك أساتذة التصميم الداخلي للكنيسة وأنواع مختلفة من الحياة الساكنة - "وجبات الإفطار"، و"الحلويات"، و"المقاعد"، وما إلى ذلك. وكان لقيود الرسم الهولندي تأثير، مما أدى إلى تضييق عدد المهام التي يتعين على المبدعين حلها. لكن في الوقت نفسه، ساهم تركيز كل فنان على نوع معين في صقل مهارة الرسام. فقط أهم الفنانين الهولنديين عملوا في أنواع مختلفة.
تم تشكيل اللوحة الهولندية الواقعية في النضال ضد الحركة والسلوك الإيطالي. استعار ممثلو هذه الاتجاهات، كل بطريقته الخاصة، ولكن ظاهريًا بحتًا، تقنيات الفنانين الإيطاليين، الغريبة جدًا عن تقاليد الرسم الهولندي الوطني. في المرحلة المبكرة من تطور الرسم الهولندي، الذي يغطي الأعوام 1609-1640، تجلت الميول الواقعية بشكل أكثر وضوحًا في فن البورتريه والنوع اليومي.

هولندا المناظر الطبيعية

تطورت مبادئ المشهد الواقعي الهولندي خلال الثلث الأول من القرن السابع عشر. بدلاً من الشرائع التقليدية والطبيعة المثالية المخترعة في لوحات أسياد الحركة الإيطالية، تحول مبدعو المشهد الواقعي إلى تصوير الطبيعة الحقيقية لهولندا بكثبانها وقنواتها ومنازلها وقراها. إنهم لم يلتقطوا فقط طابع المنطقة بكل معالمها، وخلقوا زخارف نموذجية للمناظر الطبيعية الوطنية، ولكنهم سعوا أيضًا إلى نقل أجواء الموسم والهواء الرطب والفضاء. وقد ساهم ذلك في تطوير الرسم اللوني وإخضاع جميع مكونات الصورة لنبرة واحدة.
كان جان فان جوين (1596-1656) أحد أكبر ممثلي المشهد الواقعي الهولندي. كان يعمل في ليدن ولاهاي. الزخارف المفضلة للفنان جان فان جوين في مناظره الطبيعية صغيرة الحجم: الوديان والمسطحات المائية للأنهار الواسعة مع المدن والقرى على ضفافها في الأيام الرمادية الملبدة بالغيوم. ترك جان فان جوين مساحة كبيرة (حوالي ثلثي الصورة) للسماء بسحب دوامية مشبعة بالرطوبة. هذه هي اللوحة "منظر لنهر وال بالقرب من نيميغن" (1649، موسكو، متحف الدولة للفنون الجميلة الذي سمي على اسم أ.س. بوشكين)، وهي مصممة بمجموعة ألوان بنية ورمادية دقيقة.
تم إنشاء نوع خاص من المناظر الطبيعية التي تصور الحيوانات والمراعي مع الأبقار والأغنام بواسطة بول بوتر (1625-1654). بعد أن درس عادات الحيوانات بشكل مثالي، غالبًا ما أظهرها الفنان عن قرب، واصفًا بعناية نسيج كل مادة، والصوف الناعم، وأدق التفاصيل. هذه هي اللوحات "الثور" (1647، لاهاي، موريتشويس)، "كلب على سلسلة" (سانت بطرسبرغ، هيرميتاج).

الحياة الهولندية الساكنة

جنبا إلى جنب مع رسم المناظر الطبيعية، انتشرت الحياة الساكنة، التي تتميز بطابعها الحميم، على نطاق واسع في هولندا في القرن السابع عشر. اختار الفنانون الهولنديون مجموعة واسعة من الأشياء لحياتهم الساكنة، وعرفوا كيفية ترتيبها بشكل مثالي، والكشف عن خصائص كل كائن وحياته الداخلية، المرتبطة ارتباطًا وثيقًا بالحياة البشرية.
قام الرسامون الهولنديون في القرن السابع عشر بيتر كلايس (حوالي 1597 - 1661) وويليم هيدا (1594-1680/1682) برسم نسخ عديدة من "وجبات الإفطار"، والتي تصور لحم الخنزير، والكعك المحمر، وفطائر التوت الأسود، وكؤوس زجاجية هشة نصف مملوءة بالنبيذ على طاولة، مع نقل ببراعة اللون والحجم والملمس لكل عنصر. يُلاحظ التواجد الأخير للشخص في الاضطراب وعشوائية ترتيب الأشياء التي خدمته للتو. لكن هذا الاضطراب واضح فقط، حيث يتم التفكير بدقة في تكوين كل حياة ساكنة. تعمل لوحة الألوان الرمادية الذهبية والزيتونية على توحيد الأشياء وتعطي صوتًا خاصًا لتلك الألوان النقية التي تؤكد على نضارة الليمون المقطوع حديثًا أو الحرير الناعم للشريط الأزرق.
بمرور الوقت، تفسح "وجبات الإفطار" لأساتذة الحياة الساكنة والرسامين كلايس وهيدا المجال أمام "حلويات" الفنانين الهولنديين أبراهام فان بيرين (1620/1621-1690) وويليم كالف (1622-1693). تتميز حياة بيرين الساكنة بأنها صارمة في تكوينها وغنية عاطفياً وملونة. طوال حياته، رسم ويليم كالف بطريقة حرة و"مطابخ" ديمقراطية - الأواني والخضروات والصور الساكنة الأرستقراطية في اختيار الأشياء الثمينة الرائعة، المليئة بالنبل المقيَّد، مثل الأواني الفضية والأكواب والأصداف المشبعة بالاحتراق الداخلي للنار. الألوان.
في تطورها الإضافي، تتبع الحياة الساكنة نفس المسار الذي يتبعه الفن الهولندي بأكمله، حيث تفقد ديمقراطيتها وروحانيتها وشعرها وسحرها. تتحول الحياة الساكنة إلى ديكور لمنزل العملاء رفيعي المستوى. على الرغم من كل الديكور والتنفيذ الماهر، فإن الحياة الساكنة المتأخرة تتوقع تراجع اللوحة الهولندية.
أدى الانحطاط الاجتماعي والأرستقراطية المعروفة للبرجوازية الهولندية في الثلث الأخير من القرن السابع عشر إلى ظهور ميل نحو التقارب مع وجهات النظر الجمالية للنبلاء الفرنسيين، مما أدى إلى إضفاء المثالية على الصور الفنية وتقليصها. يفقد الفن صلاته بالتقاليد الديمقراطية، ويفقد أساسه الواقعي ويدخل في فترة من التراجع طويل الأمد. لقد استنفدت هولندا بشدة في الحروب مع إنجلترا، وهي تفقد مكانتها كقوة تجارية عظيمة ومركز فني رئيسي.

الفن الفرنسي في القرن السابع عشر

في الفن الفرنسي في القرن السابع عشر، تنعكس بشكل كامل الأفكار حول الإنسان ومكانته في المجتمع، الناتجة عن تشكيل الملكيات المركزية في أوروبا. دولة كلاسيكية من الحكم المطلق، والتي ضمنت نمو العلاقات البرجوازية، شهدت فرنسا نموا اقتصاديا وأصبحت قوة أوروبية قوية. ساهم النضال من أجل التوحيد الوطني ضد الإرادة الذاتية الإقطاعية والفوضى في تعزيز الانضباط العقلي العالي، والشعور بالمسؤولية الفردية عن أفعال الفرد، والاهتمام بمشاكل الدولة. طور الفيلسوف ديكارت نظرية الإرادة، معلناً هيمنة العقل البشري. ودعا إلى معرفة الذات وغزو الطبيعة، معتبرا العالم آلية منظمة عقلانيا. أصبحت العقلانية سمة مميزة للثقافة الفرنسية. بحلول منتصف القرن السابع عشر، ظهرت لغة أدبية وطنية - أكدت مبادئ الوضوح المنطقي والدقة والشعور بالتناسب. في أعمال كورنيل وراسين، وصلت المأساة الكلاسيكية الفرنسية إلى ذروتها. في دراماته، قام MOLIERE بإعادة إنشاء "الكوميديا ​​\u200b\u200bالإنسانية". وكانت فرنسا تشهد ازدهاراً في الثقافة الوطنية؛ ولم يكن من قبيل المصادفة أن وصف فولتير القرن السابع عشر بأنه "عظيم".
تشكلت الثقافة الفرنسية في القرن السابع عشر في ظل ظروف تأسيس الحكم المطلق. ومع ذلك، فإن تنوعها وعدم تناسقها هو الذي حدد الحركة الواسعة للتوحيد الوطني. ووجدت استجابات حية للصراعات الاجتماعية الحادة التي رافقت ولادة مجتمع جديد. هزت انتفاضات الفلاحين والحضر والحركة الديمقراطية الكبرى في منطقة السعفة البرلمانية أسس الدولة في النصف الأول من القرن السابع عشر. وعلى هذا الأساس، ولدت اليوتوبيا، وأحلام المجتمع المثالي القائم على قوانين العقل والعدالة، والنقد الحر للحكم المطلق. مر تطور الفن الفرنسي في القرن السابع عشر بمرحلتين، تزامنتا مع النصف الأول والثاني من القرن.

فن أوروبا الغربية في القرن الثامن عشر

كان القرن الثامن عشر في أوروبا الغربية هو المرحلة الأخيرة من انتقال طويل من الإقطاع إلى الرأسمالية. في منتصف القرن، اكتملت عملية التراكم البدائي لرأس المال، وجرى النضال في جميع مجالات الوعي الاجتماعي، وكان الوضع الثوري ينضج. وفي وقت لاحق أدى ذلك إلى هيمنة الأشكال الكلاسيكية للرأسمالية المتقدمة. على مدار قرن من الزمان، حدث انهيار هائل لجميع الأسس والمفاهيم والمعايير الاجتماعية والحكومية لتقييم المجتمع القديم. نشأ مجتمع متحضر، وظهرت الدوريات، وتم تشكيل الأحزاب السياسية، وكان هناك صراع من أجل تحرير الإنسان من أغلال النظرة العالمية الإقطاعية الدينية.
وفي الفنون الجميلة، زادت أهمية الانعكاس الواقعي المباشر للحياة. توسع مجال الفن، وأصبح نصيرًا نشطًا لأفكار التحرر، مليئًا بالموضوعية والروح القتالية، وكشف عن رذائل وسخافات ليس فقط المجتمع الإقطاعي، ولكن أيضًا المجتمع البرجوازي الناشئ. كما أنها طرحت نموذجًا إيجابيًا جديدًا للشخصية غير المقيدة للشخصية، الخالية من الأفكار الهرمية، وتطوير القدرات الفردية وفي نفس الوقت تتمتع بشعور نبيل بالمواطنة. وأصبح الفن وطنيا، ولم يكن جذابا لدائرة من الخبراء الرفيعي المستوى فحسب، بل لبيئة ديمقراطية واسعة النطاق.

تجلت الاتجاهات الرئيسية في التطور الاجتماعي والأيديولوجي لأوروبا الغربية في القرن الثامن عشر بشكل غير متساو في مختلف البلدان. إذا كانت الثورة الصناعية، التي حدثت في منتصف القرن الثامن عشر، قد عززت التسوية بين البرجوازية والنبلاء في إنجلترا، فإن الحركة المناهضة للإقطاع كانت أكثر انتشارًا في فرنسا وأعدت الثورة البرجوازية. كانت أزمة الإقطاع وأيديولوجيته مشتركة بين جميع البلدان، وتشكيل حركة اجتماعية واسعة النطاق - حركة التنوير، مع عبادتها للطبيعة والعقل الأساسيين اللذين لم يمسها أحد، والتي تحميها، مع انتقادها للحضارة الفاسدة الحديثة وحلم الحداثة. انسجام الطبيعة الحميدة وحضارة ديمقراطية جديدة تنجذب نحو الحالة الطبيعية.
إن القرن الثامن عشر هو قرن العقل، قرن الشك والسخرية المدمرين، قرن الفلاسفة وعلماء الاجتماع والاقتصاديين؛ تطورت العلوم الطبيعية الدقيقة والجغرافيا وعلم الآثار والتاريخ والفلسفة المادية المتعلقة بالتكنولوجيا. من خلال غزو الحياة العقلية اليومية للعصر، خلقت المعرفة العلمية الأساس للمراقبة الدقيقة وتحليل الواقع للفن. أعلن التنوير أن الغرض من الفن هو تقليد الطبيعة، ولكن طبيعة منظمة ومحسنة (ديدرو، أ. بوب)، مطهرة بالعقل من الآثار الضارة للحضارة التي صنعها الإنسان والتي خلقها النظام المطلق، وعدم المساواة الاجتماعية، والكسل والكسل. رفاهية. ومع ذلك، فإن عقلانية الفكر الفلسفي والجمالي في القرن الثامن عشر لم تقمع نضارة وصدق الشعور، ولكنها أدت إلى الرغبة في التناسب والنعمة والاكتمال المتناغم للظواهر الفنية للفن، من المجموعات المعمارية إلى الفن التطبيقي . لقد أولى التنويريون أهمية كبيرة في الحياة والفن للشعور، وهو محور أنبل تطلعات الإنسانية، وهو شعور متعطش للعمل الهادف الذي يحتوي على القوة التي تُحدث ثورة في الحياة، وهو شعور قادر على إحياء الفضائل البدائية "للإنسان الطبيعي" ( ديفو، روسو، مرسييه)، متبعين قوانين الطبيعة.
عبّر قول روسو المأثور "الرجل عظيم فقط بمشاعره" عن أحد الجوانب الرائعة للحياة الاجتماعية في القرن الثامن عشر، مما أدى إلى ظهور تحليل نفسي متعمق ومتطور في صورة ونوع واقعيين؛ المشهد الغنائي مشبع مع شعر المشاعر (جينزبورو، واتو، بيرن، روبرت) و"الرواية الغنائية"، و"قصائد نثرية" (روسو، بريفوست، ماريفو، فيلدنج، شتيرن، ريتشاردسون)، تصل إلى أعلى مستويات التعبير عنها في صعود الموسيقى (هاندل). ، باخ، غلوك، هايدن، موزارت، ملحنو الأوبرا في إيطاليا). كان أبطال الأعمال الفنية للرسم والرسومات والأدب والمسرح في القرن الثامن عشر، من ناحية، "أشخاصًا صغارًا" - أشخاص، مثل أي شخص آخر، وُضِعوا في الظروف المعتادة للعصر، ولم يفسدوا بالثروة والامتيازات خاضعًا لحركات الروح الطبيعية العادية، راضيًا بسعادة متواضعة. أعجب الفنانون والكتاب بإخلاصهم وعفوية روحهم الساذجة وقربهم من الطبيعة. ومن ناحية أخرى، ينصب التركيز على المثل الأعلى للإنسان المثقف المتحضر المتحرر، الذي ولدته ثقافة التنوير، وتحليل نفسيته الفردية، وحالاته ومشاعره العقلية المتناقضة بظلالها الدقيقة، والنبضات غير المتوقعة، والحالات المزاجية العاكسة.
تعتبر الملاحظة الدقيقة وثقافة الفكر والشعور الراقية من سمات جميع الأنواع الفنية في القرن الثامن عشر. سعى الفنانون إلى التقاط مواقف الحياة اليومية ذات الظلال المتنوعة، والصور الفردية الأصلية، التي تنجذب نحو الروايات المسلية والمشهد الساحر، وأعمال الصراع الحادة، والمؤامرات الدرامية والمؤامرات الكوميدية، والبشع المتطور، والمهرج، والرعوية الرشيقة، والاحتفالات الشجاعة.
كما أثيرت مشاكل جديدة في الهندسة المعمارية. انخفضت أهمية بناء الكنائس، وتزايد دور العمارة المدنية، التي كانت بسيطة بشكل رائع، ومحدثة، وتحررت من الفرض المفرط. في بعض البلدان (فرنسا وروسيا وألمانيا جزئيًا) تم حل مشاكل تخطيط مدن المستقبل. ولدت اليوتوبيا المعمارية (المناظر الطبيعية المعمارية الرسومية - جيوفاني باتيستا بيرانيسي وما يسمى بـ "العمارة الورقية"). أصبح نوع المبنى السكني الخاص الحميم عادةً والمجموعات الحضرية للمباني العامة مميزًا. في الوقت نفسه، في فن القرن الثامن عشر، مقارنة بالعصور السابقة، انخفض التصور الاصطناعي واكتمال تغطية الحياة. تم كسر العلاقة السابقة بين الرسم الضخم والنحت والهندسة المعمارية، وتم تكثيف ميزات الرسم الحامل والديكور فيها. أصبح فن الحياة اليومية والأشكال الزخرفية موضوع عبادة خاصة. وفي الوقت نفسه، زاد التفاعل والإثراء المتبادل بين أنواع مختلفة من الفن، وتم استخدام الإنجازات التي حققها نوع واحد من الفن بحرية أكبر من قبل الآخرين. وهكذا كان تأثير المسرح على الرسم والموسيقى مثمرًا جدًا.
مر فن القرن الثامن عشر بمرحلتين. الأول استمر حتى 1740-1760. ويتميز بتعديل أشكال الباروك المتأخرة إلى أسلوب الروكوكو الزخرفي. تكمن أصالة فن النصف الأول من القرن الثامن عشر في مزيج من الشك والتطور الذكي والسخرية. هذا الفن، من ناحية، تم صقله، وتحليل الفروق الدقيقة في المشاعر والحالات المزاجية، والرغبة في العلاقة الحميمة الأنيقة، والشعر الغنائي المقيد، من ناحية أخرى، ينجذب نحو "فلسفة المتعة"، نحو الصور الرائعة للشرق - العرب، الصينية والفرس. بالتزامن مع الروكوكو، تم تطوير الاتجاه الواقعي - حيث اكتسب بعض الأساتذة طابعًا اتهاميًا حادًا (هوغارث، سويفت). وظهر الصراع بين الاتجاهات الفنية داخل المدارس الوطنية بشكل علني. وترتبط المرحلة الثانية بتعميق التناقضات الأيديولوجية ونمو الوعي الذاتي والنشاط السياسي للبرجوازية والجماهير. في مطلع 1760-1770. عارضت الأكاديمية الملكية في فرنسا فن الروكوكو وحاولت إحياء الأسلوب الاحتفالي المثالي للفن الأكاديمي في أواخر القرن السابع عشر. أفسحت الأنواع الشجاعة والأسطورية المجال للتاريخ بمؤامرات مستعارة من التاريخ الروماني. لقد كانت مصممة للتأكيد على عظمة الملكية، التي فقدت سلطتها، وفقا للتفسير الرجعي لأفكار “الحكم المطلق المستنير”. تحول ممثلو الفكر التقدمي إلى تراث العصور القديمة. وفي فرنسا، افتتح الكونت دي كويلوس حقبة علمية من البحث في هذا المجال (الآثار المجمعة، 7 مجلدات، 1752-1767). في منتصف القرن الثامن عشر، دعا عالم الآثار الألماني ومؤرخ الفن فينكلمان (تاريخ الفن القديم، 1764) الفنانين إلى العودة إلى “البساطة النبيلة والعظمة الهادئة للفن القديم، مما يعكس حرية اليونانيين والرومان في القرن الثامن عشر”. العصر الجمهوري." ووجد الفيلسوف الفرنسي ديدرو قصصا في التاريخ القديم تندد بالطغاة وتدعو إلى الانتفاضة ضدهم. نشأت الكلاسيكية، مما يتناقض مع ديكور الروكوكو مع البساطة الطبيعية، والتعسف الذاتي للعواطف - معرفة قوانين العالم الحقيقي، والشعور بالتناسب، ونبل الفكر والعمل. لأول مرة، درس الفنانون الفن اليوناني القديم في الآثار المكتشفة حديثا. إن إعلان مجتمع مثالي ومتناغم، وأولوية الواجب على الشعور، وشفقة العقل هي سمات مشتركة للكلاسيكية في القرنين السابع عشر والثامن عشر. ومع ذلك، فإن كلاسيكية القرن السابع عشر، التي نشأت على أساس الوحدة الوطنية، تطورت في سياق ازدهار المجتمع النبيل. تميزت الكلاسيكية في القرن الثامن عشر بالتوجه الثوري المناهض للإقطاع. تمت دعوته إلى توحيد القوى التقدمية للأمة لمحاربة الاستبداد. خارج فرنسا، لم يكن للكلاسيكية الطابع الثوري الذي ميزتها في السنوات الأولى للثورة الفرنسية.
بالتزامن مع الكلاسيكية، التي تعاني من تأثيرها، استمرت الحركة الواقعية في العيش. ظهرت فيه اتجاهات عقلانية: سعى الفنانون إلى تعميم ظواهر الحياة.
في النصف الثاني من القرن الثامن عشر، نشأت العاطفة بعبادة المشاعر والعاطفة، والإعجاب بكل شيء بسيط وساذج وصادق. نشأت حركة ما قبل الرومانسية ذات الصلة في الفن، ونشأ الاهتمام بالعصور الوسطى وأشكال الفن الشعبي. وأكد ممثلو هذه الحركات قيمة مشاعر الإنسان النبيلة والفعالة، وكشفوا عن مأساة صراعاته مع البيئة، مما دفعه إلى التدخل في الشأن العام الحقيقي باسم انتصار العدالة. لقد مهدوا الطريق "لمعرفة القلب البشري والفن السحري لتقديم أصل وتطور وانهيار شغف عظيم للعيون" (ليسينج) وأعربوا عن الحاجة الناشئة إلى فن مثير للشفقة.

فن القرن التاسع عشر

طوال القرن التاسع عشر، أصبحت الرأسمالية هي التشكيل المهيمن ليس فقط في أوروبا، ولكن أيضًا في القارات الأخرى. خلال هذه الفترة اشتد الصراع بين الثقافتين بشكل حاد - الديمقراطية التقدمية والبرجوازية الرجعية. للتعبير عن الأفكار المتقدمة في ذلك الوقت، أكد الفن الواقعي في القرن التاسع عشر على القيم الجمالية للواقع ومجد جمال الطبيعة الحقيقية والعاملين. اختلفت واقعية القرن التاسع عشر عن القرون السابقة من حيث أنها عكست بشكل مباشر في الفن التناقضات الرئيسية للعصر والظروف الاجتماعية لحياة الناس. حددت المواقف النقدية أساس طريقة الفن الواقعي في القرن التاسع عشر. كان تجسيدها الأكثر اتساقًا هو فن الواقعية النقدية - وهي المساهمة الأكثر قيمة في الثقافة الفنية في ذلك العصر.
تطورت مجالات الثقافة المختلفة في القرن التاسع عشر بشكل غير متساو. الأدب العالمي (فيكتور هوغو، أونوريه بلزاك، هنري ستيندال، فيودور دوستويفسكي، ليو تولستوي) والموسيقى (يوهان بيتهوفن، فريدريك شوبان، ريتشارد فاغنر) يصل إلى أعلى القمم. أما بالنسبة للهندسة المعمارية والفنون التطبيقية، فبعد الصعود الذي حدد النمط الإمبراطوري، يعاني كلا هذين النوعين من الفن من أزمة. هناك انهيار للأشكال الضخمة والوحدة الأسلوبية كنظام فني متكامل يغطي جميع أنواع الفن. يتم تحقيق التطور الأكثر اكتمالا من خلال أشكال الرسم والرسومات والنحت جزئيا، والتي تميل في أفضل مظاهرها نحو الأشكال الضخمة.

مع الأصالة الوطنية في فن أي بلد رأسمالي، يتم تعزيز السمات المشتركة: التقييم النقدي لظواهر الحياة، وتاريخية التفكير، أي فهم موضوعي أعمق للقوى الدافعة للتنمية الاجتماعية في كل من المراحل التاريخية الماضية والمرحلة التاريخية. حاضر. كان أحد الإنجازات الرئيسية لفن القرن التاسع عشر هو تطوير الموضوعات التاريخية، حيث تم الكشف لأول مرة عن دور ليس فقط الأبطال الفرديين، ولكن أيضًا الجماهير، وتم إعادة إنشاء البيئة التاريخية بشكل أكثر تحديدًا. أصبحت جميع أنواع الصور الشخصية والأنواع اليومية والمناظر الطبيعية ذات الطابع الوطني الواضح منتشرة على نطاق واسع. الرسومات الساخرة تزدهر.
مع انتصار الرأسمالية، أصبحت القوة الرئيسية المهتمة بالحد من الاتجاهات الواقعية والديمقراطية للفن وقمعها، هي البرجوازية الكبرى. أعمال الشخصيات البارزة في الثقافة الأوروبية كونستابل، غويا، جيريكولت، ديلاكروا، دومييه، كوربيه، ومانيه كانت في كثير من الأحيان للاضطهاد. امتلأت المعارض بالأعمال المصقولة لمن يسمون بفناني الصالون، أي أولئك الذين سيطروا على الصالونات الفنية. ولإرضاء أذواق ومطالب العملاء البرجوازيين، قاموا بزراعة أوصاف سطحية، ودوافع مثيرة وترفيهية، وروح اعتذارية عن المبادئ البرجوازية والنزعة العسكرية.
في ستينيات القرن التاسع عشر، أشار كارل ماركس إلى أن “الإنتاج الرأسمالي معادٍ لفروع معينة من الإنتاج الروحي، مثل الفن والشعر”. تهتم البرجوازية بالفن بشكل رئيسي إما كاستثمار مربح (تحصيل) أو كسلعة فاخرة. بالطبع، كان هناك جامعون لديهم فهم حقيقي للفن والغرض منه، لكن هذه كانت استثناءات قليلة للقاعدة. بشكل عام، بصفتها صانعة الذوق والمستهلك الرئيسي للفن، فرضت البرجوازية فهمها المحدود للفن على الفنانين. إن تطور الإنتاج الضخم على نطاق واسع، مع عدم شخصيته واعتماده على السوق، يستلزم قمع الإبداع. إن تقسيم العمل في الإنتاج الرأسمالي يشجع على تنمية الفرد من جانب واحد ويحرم العمل نفسه من التكامل الإبداعي. عند الحديث عن عداء الرأسمالية للفن، لم يقصد ماركس وإنجلز الاستحالة العامة للتقدم الفني في القرنين التاسع عشر والعشرين. أعرب مؤسسو الشيوعية العلمية في أعمالهم عن تقديرهم الكبير لإنجازات الواقعية النقدية في القرن التاسع عشر، على سبيل المثال.
إن الخط الفني الديمقراطي، الذي يكشف عن دور الشعب كقوة دافعة للتاريخ ويؤكد القيم الجمالية للثقافة الديمقراطية للأمة، يمر بعدد من مراحل التطور. في المرحلة الأولى، من الثورة الفرنسية الكبرى 1789-1794 إلى 1815 (زمن النضال التحرري الوطني للشعوب ضد العدوان النابليوني)، لم يكن الجوهر الاستغلالي للمجتمع البرجوازي قد تحقق بالكامل بعد. يتشكل الفن الديمقراطي في النضال ضد بقايا الثقافة الفنية النبيلة، وكذلك مظاهر محدودية الأيديولوجية البرجوازية. ارتبطت أعلى إنجازات الفن في هذا الوقت بالشفقة الثورية للجماهير التي آمنت بانتصار مُثُل الحرية والمساواة والأخوة. هذا هو ذروة الكلاسيكية الثورية وظهور الفن الرومانسي والواقعي.
أما المرحلة الثانية، من 1815 إلى 1849، فتتزامن مع قيام النظام الرأسمالي في معظم الدول الأوروبية. وفي الفن الديمقراطي المتقدم لهذه المرحلة، يتم الانتقال إلى النقد الحاسم للجوهر الاستغلالي للمجتمع البرجوازي. هذه هي فترة أعلى ازدهار للرومانسية الثورية وتشكيل فن الواقعية النقدية.
ومع اشتداد التناقضات الطبقية بين البرجوازية والبروليتاريا، والتي بلغت ذروتها خلال كومونة باريس (1871)، أصبح العداء بين الثقافتين البرجوازية والديمقراطية الرجعية أكثر وضوحا. في نهاية القرن التاسع عشر، تم انتقاد النظام الرأسمالي، سواء في الأدب أو في أعمال الفنون الجميلة، من موقع تعزيز النظرة العالمية للبروليتاريا الثورية.

معلومات ذات صله.

كان القرن السابع عشر هو "العصر الذهبي للرسم" في أوروبا. تطورت مدارس فنية مهمة في إيطاليا وهولندا وفلاندرز وإسبانيا وفرنسا. ومن بينها، يحتل الفن الهولندي مكانة خاصة. هزمت المقاطعات الهولندية الشمالية السبع، المتحده حول أكبرها، هولندا، الإسبان. تم تحديد المصائر التاريخية لهذه الأراضي بعد إبرام اتحاد أوترخت عام 1579، الذي أعطى السلطة التشريعية لمجلس النواب، وأعلن التسامح الديني، ووفر ظروفًا سياسية واقتصادية خاصة لمقاطعتي هولندا ونيوزيلندا الغنيتين. وقد وضع هذا أسس الجمهورية المستقبلية، التي حصلت على وضع الدولة عام 1609 بعد إبرام هدنة مع إسبانيا.

أصبحت المقاطعات المتحدة أول دولة برجوازية في العالم، وكانت قوة الحاكم هنا اسمية، وكان ممثلو البيت البرتقالي هم القادة في المقام الأول. لم تكن بلاطهم في لاهاي رائعة بشكل خاص ولم يكن لها تأثير ملحوظ على تطور الثقافة في البلاد. القاعدة في هولندا هي أن المواطنين مغامرون، وحكيمون، وعمليون. واستثمرت رأس المال في التجارة وبناء السفن، ومهدت الطرق المؤدية إلى بلدان بعيدة في آسيا وأمريكا، وأنشأت مستعمرات هناك. وكتب رئيس المجلس الملكي الفرنسي، الكاردينال ريشيليو: "هذه الحفنة من الناس، التي تمتلك قطعة أرض تتكون من الماء والمراعي، تزود الشعوب الأوروبية بمعظم السلع التي تحتاجها".

أصبحت الكالفينية، الاتجاه الأكثر تطرفا في حركة الإصلاح في القرنين السادس عشر والسابع عشر، الدين السائد في البلاد. كانت الكنيسة الكالفينية "جمهورية" بطبيعتها. وكانت سماتها الرئيسية هي عقيدة الأقدار المطلقة، والاعتذار عن ريادة الأعمال والنجاح المهني، والمطالبة بالزهد الدنيوي - التوفير البرجوازي الحكيم. خلق التسامح الديني النسبي في الفترة الأولى من حياة الجمهورية جوًا ملائمًا للإبداع العلمي والفلسفي. واشتهرت البلاد بعلماء الطبيعة وأنتجت محامين ومؤرخين مشهورين. هاجر هنا من فرنسا الفيلسوف الشهير رينيه ديكارت، وتشكلت هنا آراء سبينوزا المادية. كانت مساهمة هولندا في الأدب الأوروبي أكثر تواضعا، ولم يكن هناك مهندسين معماريين أو نحاتين كبار هنا. سقطت النجاحات الرئيسية على عاتق الرسامين في الدولة الشمالية الصغيرة. لقد أنشأت مدرسة وطنية نابضة بالحياة للرسم، والتي مثلت بموضوعاتها وأسلوب الرسم وتطلعاتها الأيديولوجية فصلاً خاصًا في فن القرن السابع عشر وتركت علامة لا تمحى على الثقافة الفنية العالمية.

طردت الكنيسة الهولندية العبادة الرائعة من معابدها التي لم يكن بها صور مقدسة - وكانت الكنائس الكاثوليكية قليلة العدد. كانت الأعمال الفنية مخصصة أساسًا للمباني العامة العلمانية والمنازل الخاصة؛ وكانت موضوعاتها علمانية بطبيعتها، على الرغم من أنها تعكس الأخلاق البروتستانتية. كان يُنظر إلى اللوحات ذات الموضوعات التوراتية والقديمة على أنها تاريخية. أصبحت لوحة الحامل هي الدعوة الحقيقية للفنانين الهولنديين. كان هناك العديد من الفنانين. ونادرا ما كانوا يرسمون حسب الطلب، وكانت معظم اللوحات تباع في الأسواق. كتب رحالة إنجليزي من القرن السابع عشر: "كان المعرض في روتردام مليئًا باللوحات (خاصة المناظر الطبيعية والمشاهد النوعية) ... جميع المنازل مكتظة باللوحات، والهولنديون يبيعونها مقابل ربح كبير".

بحلول العشرينات من القرن السابع عشر، تم الانتهاء بشكل أساسي من تشكيل أنواع اللوحة الهولندية. يعد تخصص الفنانين حسب النوع أمرًا معتادًا في هولندا. في بداية القرن السابع عشر، أصبح النوع البورتريه هو الأكثر شعبية في هولندا، وقد سمع الموضوع الوطني على نطاق واسع في المناظر الطبيعية الهولندية، وفي ثلاثينيات القرن السادس عشر، تم تشكيل نوع الفلاحين أيضًا. كانت الحياة الساكنة من أكثر أنواع الرسم الهولندي المميزة. بحلول منتصف القرن السابع عشر، احتل النوع المحلي مكانة مهيمنة في الرسم الهولندي.

تم تشكيل الفن الهولندي في عدة مراكز، والتي تتنافس مع بعضها البعض، في أوقات مختلفة إما اندفعت إلى الأمام أو تراجعت، في البداية كانت هارلم، منذ الثلاثينيات، بعد انتقال رامبرانت إلى هناك، بدأت أمستردام تكتسب مكانتها الرائدة، ثم تبعتها جامعة ليدن ودلفت الأرستقراطية الهادئة. وقفت لاهاي منفصلة، ​​حيث تقع محكمة الملعب.

إظهار النص الكامل

وفي الوقت نفسه، يعد هذا مجالًا خاصًا من الثقافة الأوروبية يستحق دراسة أكثر تفصيلاً، ويعكس الحياة الأصلية لشعب هولندا في ذلك الوقت.

تاريخ المظهر

بدأ ظهور ممثلين بارزين للفنون الفنية في البلاد في القرن السابع عشر. أطلق عليهم علماء الثقافة الفرنسيون اسمًا شائعًا - "الهولندية الصغيرة"، وهو ما لا يرتبط بحجم الموهبة ويشير إلى الارتباط بموضوعات معينة من الحياة اليومية، على عكس الأسلوب "الكبير" مع اللوحات الكبيرة حول مواضيع تاريخية أو أسطورية. تم وصف تاريخ ظهور الرسم الهولندي بالتفصيل في القرن التاسع عشر، كما استخدم مؤلفو الأعمال المتعلقة به هذا المصطلح. وتميز "الهولنديون الصغار" بالواقعية العلمانية، واتجهوا نحو العالم المحيط والناس، واستخدموا لوحات غنية بالألوان.

المراحل الرئيسية للتطور

يمكن تقسيم تاريخ الرسم الهولندي إلى عدة فترات. استمرت الأولى تقريبًا من عام 1620 إلى عام 1630، عندما تم تأسيس الواقعية في الفن الوطني. شهدت اللوحة الهولندية مرحلتها الثانية في 1640-1660. هذا هو الوقت الذي ازدهرت فيه مدرسة الفنون المحلية حقًا. وأخيرا، الفترة الثالثة، الوقت الذي بدأ فيه الرسم الهولندي في الانخفاض - من 1670 إلى بداية القرن الثامن عشر.

ومن الجدير بالذكر أن المراكز الثقافية تغيرت خلال هذا الوقت. في الفترة الأولى، عمل كبار الفنانين في هارلم، وكان الممثل الرئيسي خالسا. ثم انتقل المركز إلى أمستردام، حيث تم تنفيذ أهم الأعمال من قبل رامبرانت وفيرمير.

مشاهد من الحياة اليومية

عند سرد أهم أنواع الرسم الهولندي، من الضروري أن نبدأ بالأحداث اليومية - الأكثر حيوية وأصالة في التاريخ. لقد كان الفلمنكيون هم الذين كشفوا للعالم مشاهد من الحياة اليومية للناس العاديين والفلاحين وسكان المدن أو البرغر. كان الرواد هم أوستاد وأتباعه أودينروغ وبيغا ودوسارت. في لوحات أوستاد المبكرة، يلعب الناس الورق ويتشاجرون وحتى يتشاجرون في حانة. تتميز كل لوحة بطابع ديناميكي ووحشي إلى حد ما. تتحدث اللوحة الهولندية في تلك الأوقات أيضًا عن المشاهد السلمية: في بعض الأعمال، يتحدث الفلاحون عبر غليون وكأس من البيرة، ويقضون وقتًا في معرض أو مع عائلاتهم. أدى تأثير رامبرانت إلى الاستخدام الواسع النطاق للإضاءة الناعمة ذات اللون الذهبي. ألهمت المشاهد الحضرية فنانين مثل هالس وليستر ومولينار وكودي. في منتصف القرن السابع عشر، يصور الأساتذة الأطباء، والعلماء أثناء العمل، وورش عملهم الخاصة، والأعمال المنزلية حول المنزل، أو يجب أن تكون كل مؤامرة مسلية، وأحيانًا تعليمية بشكل غريب. كان بعض الأساتذة يميلون إلى إضفاء طابع شعري على الحياة اليومية، على سبيل المثال، صور تربورش مشاهد عزف الموسيقى أو المغازلة. استخدم ميتسو الألوان الزاهية، محولاً الحياة اليومية إلى احتفال، بينما استلهم دي هوش من بساطة الحياة العائلية، التي يغمرها ضوء النهار المنتشر. في وقت لاحق، ممثلو هذا النوع، والذي يشمل أساتذة الرسم الهولنديين مثل فان دير ويرف وفان دير نير، في سعيهم للحصول على تصوير أنيق، غالبًا ما ابتكروا موضوعات طنانة إلى حد ما.

الطبيعة والمناظر الطبيعية

بالإضافة إلى ذلك، يتم تمثيل اللوحة الهولندية على نطاق واسع في هذا النوع من المناظر الطبيعية. ظهرت لأول مرة في أعمال أساتذة هارلم مثل فان جوين ودي مولين وفان رويسديل. لقد بدأوا في تصوير المناطق الريفية في ضوء فضي معين. ظهرت الوحدة المادية للطبيعة في المقدمة في أعماله. تجدر الإشارة إلى المناظر البحرية بشكل منفصل. كان من بين المارينيين في القرن السابع عشر بورسيليس ودي فليجر وفان دي كابيل. لم يسعوا كثيرًا إلى نقل مشاهد بحرية معينة بقدر ما حاولوا تصوير الماء نفسه ولعبة الضوء عليه وفي السماء.

بحلول النصف الثاني من القرن السابع عشر، ظهرت أعمال أكثر عاطفية ذات أفكار فلسفية في هذا النوع. كشف جان فان رويسديل عن جمال المناظر الطبيعية الهولندية إلى أقصى حد، فصورها بكل دراماتها وديناميكياتها وأثارها. واصل هوبم، الذي فضل المناظر الطبيعية المشمسة، تقاليده. رسم كونينك صورًا بانورامية، وقام فان دير نير بإنشاء مناظر طبيعية ليلية وعرض ضوء القمر وشروق الشمس وغروبها. كما يتميز عدد من الفنانين بتصوير الحيوانات في المناظر الطبيعية، مثل رعي الأبقار والخيول، وكذلك الصيد ومشاهد مع الفرسان. في وقت لاحق، بدأ الفنانون يهتمون بالطبيعة الأجنبية - فقد صور كل من فان لار ووينيكس وبيرتشيم وهاكيرت إيطاليا وهي تستحم في أشعة شمس الجنوب. كان مؤسس هذا النوع هو سانريدام، الذي يمكن أن يطلق على أفضل أتباعه اسم الأخوين بيرخايد وجان فان دير هايدن.

صورة للديكورات الداخلية

يمكن تسمية النوع المنفصل الذي ميز اللوحة الهولندية في أوجها بمشاهد الكنيسة والقصر وغرف المنزل. ظهرت التصميمات الداخلية في لوحات النصف الثاني من القرن السابع عشر التي رسمها أساتذة دلفت - هوكجيست وفان دير فليت ودي ويت، الذين أصبحوا الممثل الرئيسي للحركة. باستخدام تقنيات فيرمير، قام الفنانون بتصوير مشاهد مغمورة بأشعة الشمس، مليئة بالعاطفة والحجم.

الأطباق والأطباق الخلابة

أخيرًا، هناك نوع مميز آخر من اللوحات الهولندية وهو الحياة الساكنة، وخاصة تصوير وجبات الإفطار. تم تناوله لأول مرة من قبل سكان هارلم كلايس وهيدا، الذين رسموا طاولات مفروشة بأطباق فاخرة. تمتلئ الفوضى الخلابة والنقل الخاص للداخلية المريحة بالضوء الرمادي الفضي، المميز للفضة والبيوتر. رسم فنانو أوترخت صورًا ثابتة من الأزهار المورقة، وفي لاهاي، كان الفنانون جيدون بشكل خاص في تصوير الأسماك والزواحف البحرية. في ليدن، نشأ اتجاه فلسفي لهذا النوع، حيث تتعايش الجماجم والساعات الرملية مع رموز المتعة الحسية أو المجد الأرضي، المصممة لتذكير مرور الوقت. أصبحت الحياة الصامتة للمطبخ الديمقراطي سمة مميزة لمدرسة روتردام للفنون.