Японская классическая живопись имеет долгую и интересную историю. Изобразительное искусство Японии представлено в разных стилях и жанрах, каждый из которых по-своему уникален. Древние расписные фигурки и геометрические мотивы, обнаруженные на бронзовых колоколах дотаку и осколках гончарных изделий, датируются 300 г. н.э.
Буддийская направленность искусства
В Японии было достаточно хорошо развито искусство настенной живописи, в 6 веке особенно популярны были изображения на тему философии буддизма. В то время в стране строились крупные храмы, и их стены повсеместно украшали фрески, написанные по сюжетам буддистских мифов и легенд. До сих пор сохранились древние образцы настенной живописи в храме Хорюдзи неподалеку от японского города Нара. На фресках Хорюдзи изображены сцены из жизни Будды и других богов. Художественный стиль этих фресок весьма близок к изобразительной концепции, популярной в Китае времен династии Сун.
Живописный стиль династии Тан приобрел особую популярность в середине периода Нара. К этому периоду относятся фрески, обнаруженные в гробнице Такамацузука, возраст которых относят примерно к 7 веку н.э. Художественная техника, сформировавшаяся под влиянием династии Тан, впоследствии легла в основу живописного жанра кара-э. Этот жанр сохранял свою популярность вплоть до появления первых работ в стиле ямато-э. Большинство фресок и живописных шедевров принадлежат кисти неизвестных авторов, сегодня многие из работ того периода хранятся в сокровищнице Сесоин.
Растущее влияние новых буддистских школ таких, например, как Тендай, повлияло на широкую религиозную направленность изобразительного искусства Японии в 8 и 9 веках. В 10 веке, на который пришелся особый прогресс японского буддизма, появился жанр райгодзу, «привественных картин», на которых изображался приход Будды в Западный Рай. Ранние примеры райгодзу, датируемые 1053 годом можно увидеть в храме Бедо-ин, который сохранился в городе Удзи, префектура Киото.
Смена стилей
В середине периода Хейан на смену китайскому стилю кара-э приходит жанр ямато-э, который надолго становится одним из самых популярных и востребованных жанров японской живописи. Новый живописный стиль в основном применялся в росписи раскладных ширм и скользящих дверей. Со временем ямато-э перебрался и на горизонтальные свитки эмакимоно. Художники, работавшие в жанре эмаки старались передать в своих работах всю эмоциональность выбранного сюжета. Свиток Гендзи-моногатари состоял из нескольких эпизодов, соединенных вместе, художники того времени использовали быстрые мазки и яркие, выразительные цвета.
Э-маки – один из древнейших и наиболее выдающихся примеров отоко-э, жанра изображения мужских портретов. Женские портреты выделены в отдельный жанр онна-э. Между этими жанрами, собственно так же, как и между мужчинами и женщинами, просматриваются довольно существенные различия. Стиль онна-э красочно представлен в оформлении Повести о Гендзи, где основными темам рисунков вступают романтические сюжеты, сцены из придворной жизни. Мужской стиль отоко-э – это преимущественно художественное изображение исторических сражений и других важных событий в жизни империи.
Классическая японская художественная школа стала плодородной почвой для развития и продвижения идей современного искусства Японии, в котором достаточно четко прослеживается влияние поп-культуры и аниме. Одним из самых известных японских художников современности можно назвать Такаши Мураками, чье творчество посвящено изображению сцен из японской жизни послевоенного периода и концепции максимального слияния изящного искусства и мэйнстрима.
Из известных японских художников классической школы можно назвать следующих.
Тенсе Сюбун
Сюбун творил в начале 15 столетия, посвятив немало времени изучению работ китайских мастеров эпохи династии Сун, этот человек стоял у истоков японского изобразительного жанра. Сюбун считается основателем стиля суми-э, монохромной живописи тушью. Он приложил немало усилий для популяризации нового жанра, превратив его в одно из ведущих направлений японской живописи. Учениками Сюбуна были многие ставшие впоследствии известными художники, в том числе Сэссю и основатель известной художественной школы Кано Масанобу. Авторству Сюбуна приписывались многие пейзажи, однако наиболее известной его работой традиционно считается «Читая в бамбуковой роще».
Огата Корин (1658-1716)
Огата Корин является одним из крупнейших художников в истории японской живописи, основателем и одним из ярчайших представителей художественного стиля римпа. Корин в своих работах смело уходил от традиционных стереотипов, сформировав свой собственный стиль, основными характеристиками которого стали небольшие формы и яркий импрессионизм сюжета. Корин известен своим особым мастерством в изображении природы и работе с абстрактными цветными композициями. «Цветение сливы красным и белым» - одна из самых известных работ Огата Корина, также известны его картины «Хризантемы», «Волны Мацусимы» и ряд других.
Хасэгава Тохаку (1539-1610)
Тохаку является основателем японской художественной школы Хасэгава. Для раннего периода творчества Тохаку характерно влияние известной школы японской живописи 
Кано, но со временем художник сформировал свой собственный уникальный стиль. Во многом на творчество Тохаку повлияли работы признанного мастера Сэссю, Хосэгава даже считал себя пятым приемником этого великого мастера. Картина Хасэгавы Тохаку «Сосны» получила мировую известность, также известны его работы «Клен», «Сосны и цветущие растения» и другие.
Кано Эйтоку (1543-1590)
Стиль школы Кано доминировал в изобразительном искусстве Японии около четырех столетий, и Кано Эйтоку, пожалуй, один из самых известных и ярких представителей этой художественной школы. Эйтоку был обласкан властью, покровительство аристократов и состоятельных патронов не могло не поспособствовать укреплению его школы и популярности работ этого, без сомнения, очень талантливого художника. Раздвижная восьмипанельная ширма «Кипарис», расписанная Эйтоку Кано, - это настоящий шедевр и яркий пример размаха и мощи стиля Монояма. Не менее интересно выглядят и другие работы мастера, такие как «Птицы и деревья четырех времен года», «Китайские львы», «Отшельники и фея» и многие другие.
Кацусика Хокусаи (1760-1849)
Хокусаи – величайший мастер жанра укие-э (японской ксилографии). Творчество Хокусаи получило мировое признание, его известность в других странах не сравнима с популярностью большинства азиатских художников, его работа «Большая волна в Канагаве» стала чем-то вроде визитной карточки японского изобразительного искусства на мировой художественной арене. На своем творческом пути Хокусаи использовал более тридцати псевдонимов, после шестидесяти художник полностью посвятил себя искусству и именно это время считается наиболее плодотворным периодом его творчества. Работы Хокусаи повлияли на творчество западных мастеров импрессионизма и постимпрессионистского периода, в том числе и на творчество Ренуара, Моне и ван Гога.
Здравствуйте, дорогие читатели – искатели знаний и истины!
Художники Японии отличаются неповторимым стилем, отточенный целыми поколениями мастеров. Сегодня мы расскажем о самых ярких представителях японской живописи и их картинах, начиная с древних времен и заканчивая современностью.
Что же, давайте окунемся в искусство Страны восходящего солнца.
Зарождение искусства
Древнее искусство живописи Японии в первую очередь связано с особенностями письма и потому строится на основах каллиграфии. К первым образцам относятся фрагменты найденных при раскопках колокольчиков из бронзы, посуды, предметов обихода. Многие из них были расписаны натуральными красками, а исследования дают повод полагать, что изготовлены изделия были ранее, чем в 300 году до нашей эры.
Новый виток развития искусства начался с приходом в Японию. На эмакимоно – особые свитки из бумаги – наносились изображения божеств пантеона буддизма, сюжеты из жизни Учителя, его последователей.
Преобладание религиозных тем в живописи прослеживается в средневековой Японии, а именно – с X по XV столетия. Имена художников той эпохи до наших дней, увы, не сохранились.
В период 15-18 веков начинается новое время, характеризующееся появлением художников с выработанным индивидуальным стилем. Они обозначили вектор дальнейшего развития изобразительного искусства.
Яркие представители прошлого
Тенсе Сюбун (начало 15 века)
Для того, чтобы стать выдающимся мастером, Сюбун изучал технику письма сунских художников Китая и их работы. Впоследствии он стал одним из основоположников живописи в Японии и создателем суми-э.
Суми-э – художественный стиль, который базируется на рисовании тушью, а значит, одном цвете.
Сюбун сделал многое, чтобы новый стиль прижился в художественных кругах.Он обучал художеству других дарований, в числе которых оказались будущие известные живописцы, например Сэссю.
Самая популярная картина Сюбуна называется «Читая в бамбуковой роще».
«Читая в бамбуковой роще», Тенсе Сюбун
Хасэгава Тохаку (1539—1610)
Он стал создателем школы, названной в честь его самого – Хасэгава. Поначалу он старался следовать канонам школы Кано, но постепенно в работах стал прослеживаться его индивидуальный «почерк». Тохаку ориентировался на графику Сэссю.
Основу работ составляли простые, лаконичные, но реалистичные пейзажи с незамысловатыми названиями:
- «Сосны»;
- «Клен»;
- «Сосны и цветущие растения».
«Сосны», Хасэгава Тохаку
Братья Огата Корин (1658—1716) и Огата Кэндзан (1663—1743)
Братья были прекрасными мастерами 18 века. Старший – Огата Корин – полностью посвятил себя живописи и основал жанр римпа. Он избегал стереотипных изображений, отдавая предпочтение импрессионистскому жанру.
Огата Корин писал природу в целом и цветы в виде яркости абстракций в частности. Его кисти принадлежат картины:
- «Цветение сливы красным и белым»;
- «Волны Мацусимы»;
- «Хризантемы».
«Волны Мацусимы» Огата Корин
Младший брат – Огата Кэндзан – имел множество псевдонимов. Он хоть занимался живописью, но знаменит был больше как замечательный керамист.
Огата Кэндзан владел многими техниками создания керамики. Его отличал нестандартный подход, к примеру, он создавал тарелки в виде квадрата.
Собственная роспись не отличалась пышностью – в этом тоже была его особенность. Он любил наносить на изделия каллиграфию наподобие свиточной или отрывки из стихов. Иногда они работали вместе с братом.
Кацусика Хокусай (1760—1849)
Творил в стиле укиё-э – своеобразной ксилографии, иными словами, гравюрной живописи. За все время творчества сменил порядка 30 имен. Известнейшая работа – «Большая волна в Канагаве», благодаря которой стал знаменит за пределами родины.
«Большая волна в Канагаве», Хокусай Кацусика
Особенно усердно Хокусай стал работать после 60 лет, что принесло хорошие плоды. С его творчеством были знакомы Ван Гог, Моне, Ренуар, и в известной степени оно оказало влияние на работы европейских мастеров.
Андо Хиросиге (1791—1858)
Один из величайших художников 19 века. Родился, жил, творил в Эдо, продолжил дело Хокусая, вдохновлялся его работами. То, как он изображал природу, поражает почти так же, как количество самих работ.
Эдо – бывшее название Токио.
Вот некоторые цифры о его творчестве, которые представлены циклом картин:
- 5,5 тысяч – количество всех гравюр;
- «100 видов Эдо;
- «36 видов Фудзи»;
- «69 станций Кисокайдо»;
- «53 станции Токайдо».
Живопись Андо Хиросигэ
Интересно, что выдающийся Ван Гог написал пару копий его гравюр.
Современность
Такаси Мураками
Художник, скульптор, дизайнер одежды, он заработал имя уже в конце 20 века. В творчестве придерживается модных тенденций с элементами классики, а вдохновение черпает из мультфильмов аниме и манга.
Живопись Такаси Мураками
Работы Такаси Мураками причисляют к субкультуре, но при этом они пользуются невероятной популярностью. К примеру, в 2008 году одну из его работ купили с аукциона больше чем за 15 миллионов долларов. В свое время современный творец работал совместно с модными домами «Marc Jacobs» и «Louis Vuitton».
Тихо Асима
Соратница предыдущего художника, она создает современные сюрреалистичные картины. На них изображены виды городов, улицы мегаполисов и существа будто из другой вселенной — привидения, злые духи, инопланетные девушки. На заднем плане картин зачастую можно заметить первозданную, иногда даже пугающую природу.
Ее картины достигают больших размеров и редко ограничиваются бумажными носителями. Их переносят на кожаные, пластиковые материалы.
В 2006 году в рамках выставки в британской столице женщина создала порядка 20 арочных сооружений, которые отражали красоту природы села и города, дня и ночи. Одно из них украшало станцию метро.
Эй Аракава
Молодого человека нельзя назвать просто художником в классическом понимании слова – он создает инсталляции, такие популярные в искусстве 21 века. Темы его выставок поистине японские и затрагивают дружественные отношения, а также труд всем коллективом.
Эй Аракава часто участвует в различных биеннале, например, в Венеции, выставляется в музее современного искусства на родине, заслуженно получает разного рода награды.
Икенага Ясунари
Живописцу современности Икенага Ясунари удалось совместить две, казалось бы, несовместимые вещи: жизнь нынешних девушек в портретном виде и традиционные техники Японии родом из древности. В работе живописец использует специальные кисточки, натуральные пигментированные краски, чернила, уголь. Вместо привычного полотна – ткань из льна.
Живопись Икенага Ясунари
Подобная техника контраста изображаемой эпохи и внешнего вида героинь создает впечатление, что они вернулись к нам из прошлого.
Популярная в последнее время в интернет-сообществе серия картин про сложности жизни крокодила тоже создана японцем – художником-карикатуристом Кейго.
Заключение
Итак, японская живопись зародилась приблизительно в 3 веке до нашей эры, и с тех пор сильно изменилось. Первые изображения наносились на керамику, затем в художествах стали преобладать буддийские мотивы, но имена авторов не сохранились до наших дней.
В эпоху Нового времени мастера кисти приобретали все большую индивидуальность, создавали разные направления, школы. Сегодняшнее изобразительное искусство не ограничивается традиционной живописью – в ход идут инсталляции, карикатуры, художественные скульптуры,особые сооружения.
Большое спасибо за внимание, дорогие читатели! Надеемся, вам оказалась полезной наша статья, а рассказы о жизни и творчестве ярчайших представителей арт-искусства позволили познакомиться с ними поближе.
Конечно, сложно в одной статье рассказать про всех художников с древности до современности. Поэтому пусть это будет первый шаг на пути к познанию японской живописи.
И присоединяйтесь к нам — подписывайтесь на блог — будем изучать буддизм и культуру востока вместе!
Если вы думаете, что все великие художники остались в прошлом, то вы даже не представляете, насколько сильно ошибаетесь. В этой статье вы узнаете о самых известных и талантливых художниках современности. И, поверьте, их работы засядут в вашей памяти не менее глубоко, чем работы маэстро из прошлых эпох.
Wojciech Babski
Войцех Бабски – современный польский художник. Закончил учебу в Силезском политехническом институте, но связал себя с . В последнее время рисует, в основном, женщин. Фокусируется на проявлении эмоций, стремится к получению как можно большего эффекта простыми средствами.
Любит цвет, но часто использует оттенки черного и серого, для достижения наилучшего впечатления. Не боится экспериментировать с разными новыми техниками. В последнее время набирает всё большую популярность за рубежом, в основном, в Великобритании, где с успехом продает свои работы, которые уже можно найти во многих частных коллекциях. Кроме искусства интересуется космологией и философией. Слушает джаз. В настоящее время живет и работает в городе Катовице.
Warren Chang
Уоррен Чанг – современный американский художник. Родился в 1957 году и вырос в Монтерее, штат Калифорния, с отличием окончил колледж дизайна Арт-центр в Пасадене в 1981 году, где получил степень бакалавра изобразительных искусств в области . В течение следующих двух десятилетий он работал в качестве иллюстратора для различных компаний в Калифорнии и Нью-Йорке, прежде чем в 2009 году начать карьеру профессионального художника.
Его реалистичные картины можно разделить на две основные категории: биографические интерьерные картины и картины, изображающие работающих людей. Его интерес к подобной манере живописи уходит своими корнями к творчеству художника 16-го века Яна Вермеера, и распространяется на предметы, автопортреты, портреты членов семьи, друзей, учеников, интерьеры студии, класса и дома. Его цель заключается в том, чтобы в своих реалистичных картинах создать настроение и эмоции с помощью манипуляции светом и использовании приглушенных цветов.
Чанг стал известен после перехода к традиционному изобразительному искусству. За последние 12 лет он заработал множество наград и почетных званий, самая престижная из них – Master Signature от ассоциации художников маслом Америки, крупнейшего сообщества художников маслом в Соединенных Штатах. Лишь один человек из 50, удостаивается возможности получить эту награду. В настоящее время Уоррен живёт в Монтерее и работает в своей студии, также он преподаёт (известен как талантливый педагог) в Академии искусств Сан-Франциско.
Aurelio Bruni
Аурелио Бруни – итальянский художник. Родился в городе Блера, 15 октября 1955 года. Получил диплом по специальности сценография в институте искусства в Сполето. Как художник он самоучка, так как самостоятельно “возводил дом знаний” на фундаменте, заложенном ещё в школе. Рисовать маслом начал в возрасте 19 лет. В настоящее время живёт и работает в Умбрии.
Ранняя живопись Бруни уходит своими корнями в сюрреализм, но со временем он начинает ориентироваться на близость лирического романтизма и символизма, усиливая это сочетание изысканной утонченностью и чистотой своих персонажей. Одушевленные и неодушевленные объекты приобретают равное достоинство и выглядят, почти, гиперреалистично, но, при этом, не скрываются за занавесом, а позволяют увидеть суть своей души. Многогранность и изысканность, чувственность и одиночество, задумчивость и плодотворность являются духом Аурелио Бруни, питаемым великолепием искусства и гармонией музыки.
Alekasander Balos
Алкасандр Балос – современный польский художник, специализирующийся в области масляной . Родился 1970 года в Гливице, Польша, но с 1989 года живёт и работает в США, в городе Шаста, штат Калифорния.
В детстве он изучал искусство под руководством своего отца Яна, художника-самоучки и скульптора, поэтому уже с раннего возраста, художественная деятельность получила полную поддержку со стороны обоих родителей. В 1989 году, в возрасте восемнадцати лет, Балос уехал из Польши в США, где его школьный учитель и по совместительству художник Кэти Гагглиарди побудила Алкасандра поступить в художественную школу. Затем Балос получил полную стипендию университета в Милуоки Висконсин, где он учился живописи у профессора философии Гарри Розина.
После завершения учёбы в 1995 году и получения степени бакалавра Балос переехал в Чикаго, чтобы поступить на учёбу в школе изобразительного искусства, чьи методы основываются на творчестве Жака-Луи Давида. Фигуративный реализм и портретная живопись составляли большую часть работ Балоса в 90-х и начале 2000-х годов. Сегодня Балос использует человеческую фигуру для того, чтобы подчеркнуть особенности и показать недостатки человеческого бытия, не предлагая, при этом, никаких решений.
Сюжетные композиции его картин предназначены для того, чтобы быть самостоятельно интерпретированными зрителем, только тогда полотна приобретут свой истинный временной и субъективный смысл. В 2005 году художник переехал в Северную Калифорнию, с тех пор тематика его работ значительно расширилась и теперь включает в себя более свободные методы живописи, включая абстракцию и различные мультимедийные стили, помогающие выражать идеи и идеалы бытия через живопись.
Alyssa Monks
Алисса Монкс – современная американская художница. Родилась в 1977 году, в Риджвуде, Нью-Джерси. Начала интересоваться живописью, когда была ещё ребенком. Училась в Новой Школе в Нью-Йорке и Государственном университете Монклер, а окончив в 1999 году Бостонский колледж, получила степень бакалавра. Одновременно она изучила живопись в академии Лоренцо Медичи во Флоренции.
Затем продолжила учёбу по программе на степень магистра в нью-йоркской Академии Искусства, на кафедре Фигуративного Искусства, окончила его в 2001 году. В 2006 году она закончила колледж Фуллертона. Некоторое время читала лекции в университетах и образовательных учреждениях по всей стране, преподавала живопись в нью-йоркской Академии Искусства, а также Государственном университете Монклер и Колледже Академии Искусств Лайма.
“Используя фильтры, такие как стекло, винил, вода и пар, я искажаю человеческое тело. Эти фильтры позволяют создавать большие площади абстрактного дизайна, с проглядывающими сквозь них островами цвета – частями человеческого тела.
Мои картины меняют современный взгляд на уже сложившиеся, традиционные позы и жесты купающихся женщин. Они могли бы многое рассказать внимательному зрителю о таких, казалось бы, самих собой разумеющихся вещах, как польза плаванья, танцев и так далее. Мои персонажи прижимаются к стеклу окна душевой кабины, искажая собственное тело, осознавая, что тем самым влияют на пресловутый мужской взгляд на обнажённую женщину. Толстые слои краски смешаны так, чтобы издалека подражать стеклу, пару, воде и плоти. Однако вблизи становятся очевидны восхитительные физические свойства масляной краски. Экспериментируя со слоями краски и цветом, я нахожу момент, когда абстрактные мазки становятся чем-то еще.
Когда я только начала рисовать человеческое тело, я сразу была очарована и даже стала одержима им и считала, что должна была делать свои картины как можно более реалистичными. Я “исповедовала” реализм, пока он не начал распутывать и вскрывать противоречия в самом себе. Сейчас я исследую возможности и потенциал манеры письма, где встречаются представительская живопись и абстракция – если оба стиля могут сосуществовать в один и тот же момент времени, я это сделаю”.
Antonio Finelli
Итальянский художник – “Наблюдатель времени ” – Антонио Финелли родился 23 февраля 1985 года. В настоящее время живет и работает в Италии между Римом и Кампобассо. Его работы были выставлены в нескольких галереях в Италии и за рубежом: Риме, Флоренции, Новара, Генуя, Палермо, Стамбуле, Анкаре, Нью-Йорке, также их можно найти в частных и государственных коллекциях.
Рисунки карандашом “Наблюдателя времени ” Антонио Финелли отправляют нас в вечное путешествие по внутреннему миру человеческой временности и связанному с ним скрупулезным анализом этого мира, главным элементом которого является прохождение сквозь время и наносимые им на кожу следы.
Финелли пишет портреты людей любого возраста, пола и национальности, выражения лиц которых свидетельствуют о прохождении сквозь время, также художник надеется отыскать свидетельства беспощадности времени на телах своих персонажей. Антонио определяет свои произведения одним, общим названием: “Автопортрет”, потому что на своих карандашных рисунках он не просто изображает личность, но позволяет зрителю созерцать реальные результаты прохождения времени внутри человека.
Flaminia Carloni
Фламиния Карлони – итальянская художница 37-ми лет, дочь дипломата. У нее трое детей. Двенадцать лет жила в Риме, три года в Англии и Франции. Получила диплом в области истории искусства в школе искусств BD. Затем получила диплом по специальности реставратор произведений искусства. Прежде чем найти свое призвание и полностью посвятить себя живописи, она работала как журналист, колорист, дизайнер, актриса.
Страсть к живописи у Фламинии возникла ещё в детстве. Её основная среда – масло, потому что она любит “coiffer la pate” и также играть с материалом. Подобную технику она узнала в работах художника Паскаля Торюа. Фламиния вдохновлена великими мастерами живописи, такими как Бальтюса, Хоппер, и Франсуа Легран, а так же и различными художественными движениями: стрит-арт, китайский реализм, сюрреализм и реализм эпохи Возрождения. Её любимый художник Караваджо. Её мечта открыть терапевтическую силу искусства.
Denis Chernov
Денис Чернов – талантливый украинский художник, родился в 1978 году в Самборе, Львовская область, Украина. После окончания Харьковского художественного училища в 1998 году остался в Харькове, где в настоящее время живет и работает. Также он учился в Харьковской государственной академии дизайна и искусств, кафедра график, окончил её в 2004 году.
Он регулярно участвует в художественных выставках, на данный момент их состоялось более шестидесяти, как в Украине, так и за рубежом. Большинство работ Дениса Чернова хранятся в частных коллекциях в Украине, России, Италии, Англии, Испании, Греции, Франции, США, Канаде и Японии. Некоторые работы были проданы на “Кристис”.
Денис работает в широком диапазоне графических и живописных техник. Рисунки карандашом – один из самых любимых им методов живописи, список тем его карандашных рисунков также весьма разнообразен, он пишет пейзажи, портреты, ню, жанровые композиции, книжные иллюстрации, литературные и исторические реконструкции и фантазии.
Японская живопись является древнейшим видом искусства. Она включает в себя различные формы, жанры и разнообразное содержание.
Японская живопись является древнейшим видом искусства. Она включает в себя различные формы, жанры и разнообразное содержание. Элегантное искусство являет миру картины, представляющие собой ширмы, росписи на стенах, свитки из шелка или бумаги, веера, станковые картины и гравюры.
Японскую живопись отличает большое количество разнообразных жанров и стилей. Ведущее место в японской живописи, как и в литературе, занимает природа. Она преподносится в качестве хранителя божественного начала. Японская живопись берет свое начало в китайском искусстве, поэтому ее жанры очень схожи с жанрами Поднебесной. В наше время многие японские художники предпочитают проходить обучение именно в Китае.
Живопись в Японии имеет в своей истории развития несколько этапов. Каждый из них отличается своеобразными характеристиками и особенными чертами.
Начальным этапом развития считается временной промежуток с середины седьмого века по конец восьмого века, называемый Нара . В этот период был расписан храм Хорюдзи, он является отличным доказательством влияния на японскую культуру индийской и китайской традиции.
Следующий период развития японской живописи называется Хэйан . Он прославлен активным процветанием храмовой живописи и примерами светского искусства изображения. В этот период создаются иллюстрации к романам и повестям, призванным развлекать знатных господ.
Период Камакура (занимает временной промежуток с конца XIIвека по первую половину XIV века), занимавший временной отрезок с конца двенадцатого века и по первую половину четырнадцатого века, характеризуется изменением стилей, поисками новых способов изображения жизни. Настроение японской живописи круто меняется. Раньше картины передавали оптимистичную, легкую и радостную атмосферу. В этот период сделан большой шаг в сторону реалистичного изображения, а также придания картине практически военного характера. Характерные сюжеты живописи — батальные сцены из мифов и истории, религиозные сцены из буддийской традиции. Широко распространено изображение портретов важных государственных деятелей.
В период Муромати (временной отрезок с первой половины XIV века по вторую половину XVI века) на первый план выходит тенденция, прославившая японскую живопись на весь мир. Философия дзэн-буддизма оказала значительное влияние на живопись, в результате чего популярность приобрело пейзажное искусство. Особенную элегантность получила монохромная техника. В этот период на японскую живопись оказал влияние Китай. Самый известный художник Японии того времени Тоё Ода, специализировавшийся на написании пейзажей, создал первые картины, когда путешествовал по Поднебесной. Развил направление он уже на родине.
Вышеописанная тенденция активно развивалась и дополнялась во время двух следующих периодов развития японской живописи — Монояма и Эдо . Монохромная техника представляла собой более утонченный вариант. Тщательно прорабатывали и вырисовывали детали. Художники не побоялись экспериментов и стали применять приемы, ранее использовавшиеся в живописи на свитках и ширмах, в настенной росписи. Пейзажи и массовые сцены стали дополняться психологическими историями, демонстрирующими героя в момент сильного эмоционального напряжения. Помимо традиционной живописи в Японии активное распространение получила гравюра на дереве. Она разделялась на два вида: театральная гравюра и бытописательная гравюра. Самым известным мастером театральной гравюры является Тёсюсай Сяраку. Бытописательная гравюра активно развивалась в творчестве Судзуки Харунобу и Китагава Утамаро.
Борец сумо Кагамиива с западной окраины
Художник
Описание
Термин укиё-э, в буквальном переводе "образы изменчивого мира", обозначает направление японского изобразительного искусства, получившее свое развитие в период Эдо (1600-1868 гг.). Как следует из словосочетания "изменчивый мир", истоки которого лежат в буддистском мировоззрении мимолетности жизни, гравюры укиё-э отражали быструю динамику современной городской жизни. Несмотря на доступность и соответствие "простым" вкусам, эти гравюры отличались удивительной утонченностью художественных и технических деталей изображения, предметом которого были как портреты куртизанок и актеров, так и иллюстрации к классической литературе. Эта гравюра в жанре сумо-э (портреты борцов сумо) художника Утагава Тоёкуни II является частью серии "Tamari-iri" ("Великие борцы сумо, ожидающие состязания"). Вертикальная гравюра имеет большой формат обан, который был стандартным для печатаемых на продажу гравюр в 19-ом веке. Крупное изображение борца с подчеркнутыми мускулами и линиями тела занимает большую часть гравюры. Борьба сумо стала профессиональным спортом в начале периода Эдо и была популярным развлечением городских жителей наряду с театром кабуки. Развитие жанра сумо-э совпало с ростом популярности этого вида спорта, достигшей пика примерно в 1780-1800 гг.
Очаровательное состязание сумо
Художник
Утамаро II (Умер приблизительно в 1831 г.)
Описание
Термин укиё-э, в буквальном переводе "образы изменчивого мира", обозначает направление японского изобразительного искусства, получившее свое развитие в период Эдо (1600-1868 гг.). Как следует из словосочетания "изменчивый мир", истоки которого лежат в буддистском мировоззрении мимолетности жизни, гравюры укиё-э отражали быструю динамику современной городской жизни. Несмотря на доступность и соответствие "простым" вкусам, эти гравюры отличались удивительной утонченностью художественных и технических деталей изображения, предметом которого были как портреты куртизанок и актеров, так и иллюстрации к классической литературе. Борьба сумо стала профессиональным спортом в начале периода Эдо и была популярным развлечением городских жителей наряду с театром кабуки. Развитие жанра сумо-э (портреты борцов сумо) совпало с ростом популярности этого вида спорта, достигшей пика примерно в 1780-1800 гг. Тогда как на гравюрах сумо-э обычно были изображены известные борцы в разгар поединка, входящие в круг или стоящие на улице, на этой гравюре показано "очаровательное" веселое состязание двух детей.
Актер в роли Сато Норикиё, который становится Сайгё: Актер в роли Ёсинака
Художник
Утагава, Куниёси, 1798-1861 гг.
Описание
Японское изобразительное искусство Укиё-э ("Образы плывущего [или печального] мира") зародилось в городе Эдо (ныне Токио) в период Токугава или Эдо (1600-1868 гг.), в сравнительное мирное время, когда Японией правили сёгуны Токугава, сделавшие Эдо столицей. Ксилографическая традиция Укиё-э просуществовала доXX века. На данном диптихе, датированном 1849-1852 гг., изображен Сайгио, окруженный мужчинами, которые пытаются не позволить ему уйти из дома и стать священником. Поэт Сайгио (1118-90) родился в аристократической семье военных, но не пошел по военной стезе, а принял сан буддисткого священника в возресте около 22-х лет.
Актер Накамура Утаемон в роли Като Масакийо
Описание
Японское изобразительное искусство Укиё-э ("Образы плывущего [или печального] мира") зародилось в городе Эдо (ныне Токио) в период Токугава или Эдо (1600-1868 гг.), в сравнительное мирное время, когда Японией правили сёгуны Токугава, сделавшие Эдо столицей. Ксилографическая традиция Укиё-э просуществовала доXX века. На данной гравюре, датированной 1818-1830 гг., изображен актер Накамура Утаемон в костюме воина, исполняющий роль Като Кийомаса (Масакийо), генерала, который в XVI веке возглавлял армию Японии во время Семилетней войны (1592-98 гг.) против Кореи.
Художник
Шункосай, Хокушу (Период творчества 1810-1850 гг.)
Воин Асахина Кобайяши
Художник
Утагава, Тоёкуни, 1786-1865 гг.
Описание
Японское изобразительное искусство Укиё-э ("Образы плывущего [или печального] мира") зародилось в городе Эдо (ныне Токио) в период Токугава или Эдо (1600-1868 гг.), в сравнительное мирное время, когда Японией правили сёгуны Токугава, сделавшие Эдо столицей. Ксилографическая традиция Укиё-э просуществовала до XX века. Данная репродукция (1862 г.) - поясной портрет актера в халате, расшитом птицами. Актер исполняет роль Асахины. Репродукция относится к циклу "36 звезд современности" ((Tōsei Mitate Sanjū Rokkasen).Асахина Кобаяши был воином периода Камакура (конец XII-начало XIV вв.), прославившимся силой и отвагой. Но в этой постановке театра Кабуки Асахина играет шута.
День девушек
Художник
Нишикава, Сукенобу (1671-1751)
Описание
Японское изобразительное искусство Укиё-э ("Образы плывущего [или печального] мира") зародилось в городе Эдо (ныне Токио) в период Токугава или Эдо (1600-1868 гг.), в сравнительное мирное время, когда Японией правили сёгуны Токугава, сделавшие Эдо столицей. Ксилографическая традиция Укиё-э просуществовала доXX века. Данная гравюра - это страница из иллюстрированной книги, датированной 1716-1736 гг. На ней изображены три богато одетые женщины или девушки за трапезой, празднующих, вероятнее всего, Хина Матсури (День девушек), в честь которого проводится кукольная церемония, на заднем плане изображены куклы, рассаженные вокруг стола.
Пион и канарейка
Художник
Описание
Японское изобразительное искусство Укиё-э ("Образы плывущего [или печального] мира") зародилось в городе Эдо (ныне Токио) в период Токугава или Эдо (1600-1868 гг.), в сравнительно мирное время, когда Японией правили сёгуны Токугава, сделавшие Эдо столицей. Ксилографическая традиция Укиё-э просуществовала до XX века. Данная гравюра, выполненная в 1833 или 1834 году, относится к циклу "Маленькие цветы" Катсушика Хокусаки (1760-1849 гг.). Она отличается необычностью фонового цвета и размера. На других образцах этой гравюры, хранящихся в Британском музее и Национальном музее Токио, фоновый цвет — ярко-синий. Данная гравюра похожа на гравюру из коллекции Джеймса А. Миченера, хранящуюся в Академии искусств Гонолулу, и на ней, также как и на гравюре из этой коллекции, есть печати цензора и художника.
Сибаура
Художник
Кацусика, Хокусай (1760-1849)
Описание
Термин укиё-э, в буквальном переводе "образы изменчивого мира", обозначает направление японского изобразительного искусства, получившее свое развитие в период Эдо (1600-1868 гг.). Как следует из словосочетания "изменчивый мир", истоки которого лежат в буддистском мировоззрении мимолетности жизни, гравюры укиё-э отражали быструю динамику современной городской жизни. Несмотря на доступность и соответствие "простым" вкусам, эти гравюры отличались удивительной утонченностью художественных и технических деталей изображения, предметом которого были как портреты куртизанок и актеров, так и иллюстрации к классической литературе. Кацусика Хокусай (1760-1849 гг.) был плодовитым художником и печатником гравюр, который вместе со своим соперником Утагавой Хиросиге вознес изображение пейзажа укиё-э на вершину художественного мастерства. Пейзажи Хокусая были скорее воображаемыми, чем натуралистическими, создавая динамичную картину, которая раскрывала его внутреннюю индивидуальность и глубокое знание темы. Эта гравюра, имеющая редко встречающийся формат печатного конверта, является частью серии Tōto Hyakkei ("100 видов в восточной столице"). На гравюре изображены паломники, отдыхающие на обочине, и смутные очертания горы Фудзи вдалеке.
Сунсю эдзири "Бухта Эдзири в провинции Сунсю"
Художник
Кацусика, Хокусай (1760-1849)
Описание
Термин укиё-э, в буквальном переводе "образы изменчивого мира", обозначает направление японского изобразительного искусства, получившее свое развитие в период Эдо (1600-1868 гг.). Как следует из словосочетания "изменчивый мир", истоки которого лежат в буддистском мировоззрении мимолетности жизни, гравюры укиё-э отражали быструю динамику современной городской жизни. Несмотря на доступность и соответствие "простым" вкусам, эти гравюры отличались удивительной утонченностью художественных и технических деталей изображения, предметом которого были как портреты куртизанок и актеров, так и иллюстрации к классической литературе. Кацусика Хокусай был художником и печатником гравюр, который вместе со своим соперником Утагавой Хиросигэ вознес изображение пейзажа укиё-э на вершину художественного мастерства. Его пейзажи были скорее воображаемыми, чем натуралистическими, передающими динамичный индивидуальный стиль художника и высокий профессионализм в наблюдении отображаемого вида. На этой гравюре, которая является частью серии "Fugaku Sanjūrokkei" ("Тридцать шесть видов горы Фудзи"), изображение величественной горы контрастирует с сильным порывом ветра, уносящего каиси (бумагу, которую можно использовать как носовой платок или набросать на ней стихи) и шляпы сражающихся с ветром путников.
Гора Мисака над поверхностью воды в Косю
Художник
Кацусика, Хокусай (1760-1849)
Описание
Термин укиё-э, в буквальном переводе "образы изменчивого мира", обозначает направление японского изобразительного искусства, получившее свое развитие в период Эдо (1600-1868 гг.). Как следует из словосочетания "изменчивый мир", истоки которого лежат в буддистском мировоззрении мимолетности жизни, гравюры укиё-э отражали быструю динамику современной городской жизни. Несмотря на доступность и соответствие "простым" вкусам, эти гравюры отличались удивительной утонченностью художественных и технических деталей изображения, предметом которого были как портреты куртизанок и актеров, так и иллюстрации к классической литературе. Кацусика Хокусай был художником и печатником гравюр, который вместе со своим соперником Утагавой Хиросигэ вознес изображение пейзажа укиё-э на вершину художественного мастерства. Его пейзажи были скорее воображаемыми, чем натуралистическими, передающими динамичный индивидуальный стиль художника и высокий профессионализм в наблюдении отображаемого вида. Эта гравюра является частью серии "Fugaku Sanjūrokkei" ("Тридцать шесть видов горы Фудзи") и остроумным изображением двух времен года: хотя реальный пейзаж выглядит как летний, гора Фудзи, отраженная в озере слева на переднем плане гравюры, покрыта снегом. Кроме того, панорамный вид горной цепи не совпадает с отражением горы Фудзи, что можно увидеть, посмотрев вверх со стороны озера.
Кинко и Этидзэн
Художник
Омори, Йосикио
Описание
Термин укиё-э, в буквальном переводе "образы изменчивого мира", обозначает направление японского изобразительного искусства, получившее свое развитие в период Эдо (1600-1868 гг.). Как следует из словосочетания "изменчивый мир", истоки которого лежат в буддистском мировоззрении мимолетности жизни, гравюры укиё-э отражали быструю динамику современной городской жизни. Несмотря на доступность и соответствие "простым" вкусам, эти гравюры отличались удивительной утонченностью художественных и технических деталей изображения, предметом которого были как портреты куртизанок и актеров, так и иллюстрации к классической литературе. Черно-белые композиции аналогичные этой называются сумидзури-э (одноцветные), потому что при их копировании или печати используется только одна краска. На этой гравюре, созданной Омори Йосикио примерно в 1700 г. и являющейся частью переработанного издания эхон (иллюстрированной книги), изображена сцена в Симабаре, увеселительном квартале Киото. Одна куртизанка по имени Этидзэн пишет стихи, в то время как вторая, по имени Кинко, причесывает волосы мужчине-покровителю, смотрящему в зеркало. Позы фигур идентичны изображенным в более ранней работе Куртизанки, отражающиеся в зеркалах, подписанной Окумурой Масанобу (примерно 1686-1764 гг.). Масанобу создал свою гравюру на основе работы Тории Киёнобу I (примерно 1664-1729 гг.), датированной 1700 г.
Загрузка...
