Импрессионизм - это художественное течение, возникшее в 70-х годах. XIX века во французской живописи, а затем проявившееся в музыке, литературе, театре.
Импрессионизм в живописи начал складываться задолго до известной выставки 1874 года. Родоначальником импрессионистов традиционно считается Эдуард Мане. Он был очень вдохновлен классическими работами Тициана, Рембрандта, Рубенса, Веласкеса. Свое видение изображений Мане выражал на своих полотнах, добавляя «вибрирующие» мазки, создававшие эффект незаконченности. В 1863 году Мане создал «Олимпию», которая вызвала большой скандал в культурном обществе.
На первый взгляд, картина выполнена в русле традиционных канонах, но при этом она уже несла и новаторские веяния. В различных парижских изданиях по поводу «Олимпии» было написано около 87 отзывов. На нее обрушилась масса негативной критики - художника обвиняли в вульгарности. И лишь несколько статей можно было назвать благожелательными.
Мане в своей работе использовал технику наложения однослойной краски, что создавало эффект пятен. Впоследствии этот прием наложения красок был перенят художниками-импрессионистами в качестве основы для изображений на живописных полотнах.
Отличительная черта импрессионизма заключалась в тончайшей фиксации мимолётных впечатлений, в особой манере воспроизведения световой среды с помощью сложной мозаики чистых красок, беглых декоративных штрихов.
Любопытно, что в начале своих поисков художники использовали цианометр - инструмент для определения синевы неба. Черный цвет исключался из палитры, его заменяли другими цветовыми оттенками, что позволяло не испортить солнечное настроение картин.
Импрессионисты ориентировались на новейшие научные открытия своего времени. Теория цвета Шевреля и Гельмгольца сводится к следующему: солнечный луч расщепляется на составляющие цвета, и, соответственно, две положенные на холсте краски усиливают живописный эффект, а при смешивании краски теряют интенсивность.
Эстетика импрессионизма складывалась, отчасти, как попытка решительно освободиться от условности классицизма в искусстве, а также от настойчивой символичности и глубокомыслия позднеромантической живописи, предлагавшей всем видеть зашифрованные замыслы, нуждающиеся в тщательном истолковании. Импрессионизм утверждал не просто красоту повседневной действительности, а фиксацию красочной атмосферы, не детализируя и не растолковывая, изображая мир как вечно меняющееся оптическое явление.
Художники-импрессионисты разработали законченную систему пленэра. Предшественниками этой стилистической особенности были художники-пейзажисты, выходцы из барбизонской школы, основными представителями которой были Камиль Коро и Джон Констебл.
Работа на открытом пространстве давала больше возможности запечатлевать малейшие цветовые изменения в разное время суток.
Клодом Моне были созданы несколько серий картин на один и тот же сюжет, например, «Руанский собор» (серия из 50 картин), «Стога» (серия из 15 картин), «Пруд с водяными лилиями» и др. Главным показателем этих серий было изменение света и цветовой гаммы в изображении одного и того же объекта, написанного в разное время суток.
Еще одним достижением импрессионизма считается разработка оригинальной живописной системы, где сложные тона разлагаются на чистые цвета, передаваемые отдельными мазками. Художники не смешивали цвета на палитре, а предпочитали накладывать мазки непосредственно на полотно. Такой прием придавал картинам особую трепетность, изменчивость и рельефность. Работы художников наполнились цветом и светом.
Выставка 15 апреля 1874 года в Париже была итогом периода становления и представления широкой публике нового течения. Экспозиция была развёрнута в студии фотографа Феликса Надара на бульваре Капуцинок.
Название «Импрессионизм» возникло после выставки, на которой была экспонировалась картина Моне «Впечатление. Восход солнца». Критик Л. Леруа в своем обзоре в издании «Сharivari» дал шутливую характеристику выставке 1874 года, приведя в пример работу Моне. Другой критик, Морис Дени, упрекал импрессионистов в отсутствии индивидуальности, чувства, поэзии.
На первой выставке свои работы демонстрировали порядка 30 художников. Это было самое большое количество, в сравнении с последующими выставками вплоть до 1886 года.
Нельзя не сказать о положительных отзывах со стороны русского общества. Русские художники и критики-демократы, всегда живо интересовавшиеся художественной жизнью Франции - И. В. Крамской, И. Е. Репин и В. В. Стасов - высоко оценивали достижения импрессионистов с самой первой выставки.
Новый этап истории искусства, начавшийся выставкой 1874 года, не был внезапным взрывом революционных тенденций - он явился кульминацией медленного и последовательного развития.
При всем том, что все великие мастера прошлого сделали свой вклад в развитие принципов импрессионизма, непосредственные корни течения можно наиболее легко обнаружить в двадцатилетии, предшествующем исторической выставке.
Параллельно выставкам в Салоне, набирали свои обороты выставки импрессионистов. В их работах демонстрировались новые тенденции в живописи. Это было упреком салонной культуре и выставочным традициям. В дальнейшем художникам-импрессионистам удалось привлекать на свою сторону почитателей новых веяний в искусстве.
Теоретические знания и формулировки импрессионизма стали складываться достаточно поздно. Художники предпочитали больше практики и собственных экспериментов над светом и цветом. В импрессионизме, прежде всего живописном, прослеживается наследие реализма, в нем ярко выражается антиакадемическая, антисалонная направленность и установка изображения окружающей действительности того времени. Некоторые исследователи отмечают, что импрессионизм стал особым ответвлением реализма.
Бесспорно, в импрессионистическом искусстве, как в каждом художественном течении, возникающем в период перелома и кризиса старых традиций, были сплетены, при всей его внешней цельности, различные и даже противоречивые тенденции.
Принципиальные особенности заключались в тематике работ художников, в средствах художественной выразительности. Книга Ирины Владимировой об импрессионистах включает несколько глав: «Пейзаж, природа, впечатления», «Город, места встреч и расставаний», «Увлечения, как образ жизни», «Люди и характеры», «Портреты и автопортреты», «Натюрморт». В ней также описываются история создания и местонахождение каждой работы.
В период расцвета импрессионизма художники находили гармоническое равновесие между объективной действительностью и ее восприятием. Художники старались запечатлеть каждый лучик света, движение ветерка, переменчивость природы. Для сохранения свежести картин импрессионисты создали оригинальную живописную систему, которая впоследствии оказалась очень важной для развития искусства в дальнейшем. Несмотря на общие тенденции направлений живописи, каждый художник нашёл свой творческий путь и основные жанры в живописи.
Классический импрессионизм представлен такими художниками как Эдуард Мане, Клод Моне, Пьер Огюст Ренуар, Эдгар Альфред Сислей, Камиль Писсарро, Жан Фредерик Базиль, Берта Моризо, Эдгар Дега.
Рассмотрим вклад некоторых художников в становление импрессионизма.
Эдуард Мане (1832-1883)
Первые уроки живописи Мане получил от Т. Кутюры, благодаря этому будущий художник приобрел массу необходимых профессиональных навыков. Из-за отсутствия должного внимания учителя к своим ученикам Мане покидает ателье мастера и занимается самообразованием. Он посещает выставки в музеях, на его творческое формирование большое влияние оказали старые мастера, особенно испанские.
В 1860-е Мане пишет две работы, в которых просматриваются основные принципы его художественного подчерка. «Лола из Валенсии» (1862) и «Флейтист» (1866) показывают Мане как художника, который раскрывает характер модели через передачу цвета.
Его идеи по технике нанесения мазков и отношение к цвету были приняты другими художниками-импрессионистами. В 1870-е Мане сближается со своими последователями и работает на пленэре без черного цвета на палитре. Приход к импрессионизму был результатом творческой эволюции самого Мане. Наиболее импрессионистическими картинами Мане считаются «В лодке» (1874) и «Клод Моне в лодке» (1874).
Мане также писал множество портретов разных светских дам, актрис, натурщиц, красивых женщин. В каждом портрете была передана неповторимость и индивидуальность модели.
Незадолго до своей смерти Мане пишет один из своих шедевров - «Бар Фоли-Бержер» (1881-1882). В этой картине сочетается сразу несколько жанров: портрет, натюрморт, бытовая сцена.
Н. Н. Калитина пишет: «Магия искусства Мане такова, что девушка и противостоит окружающему, благодаря чему столь четко раскрывается её настроение, и одновременно является частью, ибо весь задний план, смутно угадывающийся, неопределенный, волнующийся, также решен в сине-черных, голубовато-белых, желтых тонах».
Клод Моне (1840-1926)
Клод Моне являлся несомненным лидером и основателем классического импрессионизма. Основным жанром его живописи был пейзаж.
В юности Моне увлекался карикатурой и шаржем. Первыми моделями для своих работ были его учителя, товарищи. Для образца он использовал карикатуры в газетах и журналах. Он копировал рисунки в «Голуа» Э. Каржа, поэта и карикатуриста, друга Гюстава Кубре.
В колледже живопись Моне преподавал Жак-Франсуа Ошара. Но справедливо заметить влияние на Моне Будена, который поддерживал художника, давал ему советы, мотивировал на продолжение творчества.
В ноябре 1862 года в Париже Моне продолжил свое обучение в Париже у Глейра. Благодаря этому Моне познакомился у него в мастерской с Базилем, Ренуаром, Сислеем. Молодые художники готовились к поступлению в Школу изящных искусств, уважая своего учителя, который за свои уроки брал мало и в мягкой форме давал советы.
Моне создавал свои картины не как рассказ, не как иллюстрацию идеи или темы. Его живопись, подобно жизни, не имела четких целей. Он видел мир, не сосредоточиваясь на деталях, на каких-то принципах, он шел к «пейзажному видению» (термин историка искусства А. А. Федорова-Давыдова). Моне стремился к бессюжетности, слиянию жанров на полотне. Средством воплощения его нововведений были этюды, которым предполагалось стать законченными картинами. Все этюды рисовались с натуры.
Он писал и луга, и холмы, и цветы, и скалы, и сады, и деревенские улочки, и море, пляжи и многое другое, он обращался к изображению природы в разное время суток. Часто он писал одно и то же место в разное время, тем самым создавая целые циклы из своих работ. Принципом его работы было не изображение объектов на картине, а точная передача света.
Приведем несколько примеров работ художника - «Поле маков у Аржантёя» (1873), «Лягушатник» (1869), «Пруд с кувшинками» (1899), «Пшеничные стога»(1891).
Пьер Огюст Ренуар (1841-1919)
Ренуар относится к выдающимся мастерам светского портрета, кроме этого, он работал в жанрах пейзажа, бытовой сцены, натюрморта.
Особенность его творчества - интерес к личности человека, раскрытию его характера и души. В своих полотнах Ренуар пытается подчеркнуть ощущение полноты бытия. Художника привлекают развлечения и праздники, он пишет балы, прогулки с их движением и разнообразием персонажей, танцы.
Самые известные работы художника - «Портрет актрисы Жанны Самари», «Зонтики», «Купание на Сене» и др.
Интересен, что Ренуар отличался музыкальностью и в детстве пел в церковном хоре под руководством выдающего композитора и педагога Шарля Гуно в Париже в соборе Сен-Эсташ. Ш. Гуно настоятельно рекомендовал мальчику заниматься музыкой. Но в то же время Ренуар открыл в себе художественный талант - с 13 лет он уже научился расписывать фарфоровую посуду.
Занятия музыкой повлияли на становление личности художника. Целый ряд его работ связан с музыкальной тематикой. В них нашла свое отражение игра на фортепиано, гитаре, мандолине. Это картины «Урок игры на гитаре», «Молодая испанская женщина с гитарой», «Молодая дама за фортепиано», «Женщина, играющая на гитаре», «Урок фортепиано» и др.
Жан Фредерик Базиль (1841-1870)
По мнению его друзей-художников, Базиль был самым перспективным и выдающимся импрессионистом.
Его работы отличаются яркой цветовой гаммой и одухотворенностью образов. Большое влияние на его творческий путь оказали Пьер Огюст Ренуар, Альфред Сислей и Клод Моне. Квартира Жана Фредерика для начинающих живописцев была своеобразной студией и жильем.
Базиль преимущественно писал на пленэре. Основной идеей его творчества было изображение человека на фоне природы. Первыми его героями на картинах были его друзья-художники; многие импрессионисты очень любили рисовать друг друга в своих работах.
Фредерик Базиль в совсем творчестве обозначил течение реалистического импрессионизма. Самая известная его картина - «Семейное воссоединение» (1867) - автобиографична. Художник изображает на ней членов своей семьи. Эта работа была представлена в Салоне и получила одобрительную оценку публики.
В 1870 году художник погиб в прусско-французской войне. Уже после смерти художника его друзья-художники организовали третью выставку импрессионистов, где были выставлены и его полотна.
Камиль Писсарро (1830-1903)
Камиль Писсарро - один из крупнейших представителей художников-пейзажистов после К. Моне. Его работы постоянно выставлялись в экспозициях импрессионистов. В своих работах Писсарро предпочитал изображать вспаханные поля, крестьянский быт и труд. Его картины отличались структурностью форм и четкостью композиции.
Позже художник стал писать и картины на городские темы. Н. Н. Калитина в своей книге отмечает: «Он смотрит на городские улицы из окон верхних этажей или с балконов, не вводя их в композиции».
Под влиянием Жорж-Пьера Сёра художник занялся пуантилизмом. Данная техника подразумевает собой наложение каждого мазка отдельно, словно ставя точки. Но творческие перспективы в этой области не реализовались, и Писсарро вернулся к импрессионизму.
Самыми известными картинами Писсарро стали «Бульвар Монмартр. После полудня, солнечно», «Оперный проезд в Париже», «Площадь французского театра в Париже», «Сад в Понтуазе», «Жатва», «Сенокос» и др.
Альфред Сислей (1839-1899)
Основным жанром живописи Альфреда Сислея был пейзаж. В его ранних работах видно преимущественно влияние К. Коро. Постепенно в процессе совместной работы с К. Моне, Ж. Ф. Базилем, П. О. Ренуаром в его работах начинают появляться светлые тона.
Художника привлекает игра света, изменение состояния атмосферы. К одному и тому же пейзажу Сислей обращался несколько раз, запечатлевая его в разное время суток. Приоритет в своих работах художник отдавал изображению воды и неба, которые менялись ежесекундно. Художник сумел добиться совершенства с помощью цвета, каждый оттенок в его работах несет своеобразную символичность.
Самые известные его работы: «Сельская аллея» (1864), «Мороз в Лувесьене» (1873), «Вид Монмартра с Цветочного острова» (1869), «Ранний снег в Лувесьенне» (1872), «Мост в Аржантее» (1872).
Эдгар Дега (1834-1917)
Эдгар Дега - это художник, начавший свой творческий путь с обучения в Школе изящных искусств. Он был вдохновлен художниками итальянского Возрождения, что оказало влияние на его творчество в целом. В начале Дега писал исторические картины, например, «Спартанские девушки вызывают на состязание спартанских юношей. (1860). Основным жанром его живописи является портрет. В своих работах художник опирается на классические традиции. Он создает произведения, отмеченные острым ощущением своего времени.
В отличие от своих коллег, Дега не разделяет радостный, открытый взгляд на жизнь и вещи, присущий импрессионизму. Художнику ближе критическая традиция искусства: сострадание судьбе простого человека, умение видеть души людей, их внутренний мир, противоречивость, трагедию.
Для Дега большую роль в создании портрета играют предметы и интерьер, окружающие человека. Приведем несколько работ в пример: «Дезире Дио с оркестром» (1868-1869), «Женский портрет» (1868), «Чета Морбилли»(1867) и др.
Принцип портретности в работах Дега прослеживается на протяжении всего его творческого пути. В 1870-е годы художник в полной красе изображает социум Франции, в частности Парижа в своих работах. В интересах художника - городская жизнь в движении. «Движение было для него одним из важнейших проявлений жизни, а способность искусства его передать - важнейшим завоеванием современной живописи», - пишет Н.Н. Калитина.
В этот период времени создаются такие картины как «Звезда» (1878), «Мисс Лола в цирке Фернандо», «Скачки в Эпсоме» и др.
Новым витком творчества Дега становится его интерес к балету. Он показывает закулисную жизнь балерин, рассказывает об их тяжелом труде и упорных тренировках. Но, несмотря на это, художнику удается найти воздушность и легкость в передаче их образов.
В балетной серии картин Дега видны достижения в области передачи искусственного света рампы, они говорят о колористическом даровании художника. Самые известные картины «Голубые танцовщицы» (1897), «Танцевальный класс» (1874), «Танцовщица с букетом» (1877), «Танцовщицы в розовом» (1885) и другие.
В конце жизни из-за ухудшения зрения Дега пробует свои силы в скульптуре. Его объектами становятся те же балерины, женщины, лошади. В скульптуре Дега старается передать движение, и для того чтобы оценить скульптуру, нужно рассмотреть её с разных сторон.
“Новый мир родился тогда, когда импрессионисты написали его”
Анри Канвейлер
XIX век. Франция. В живописи произошло невиданное. Группа молодых художников решила пошатнуть 500-летние традиции. Вместо четкого рисунка, они использовали широкий “небрежный” мазок.
А от привычных образов и вовсе отказались, изображая всех подряд. И дам лёгкого поведения, и господ сомнительной репутации.
Публика была не готова к живописи импрессионистов. Их высмеивали, ругали. А самое главное, ничего у них не покупали.
Но сопротивление было сломлено. И некоторые импрессионисты дожили до своего триумфа. Правда им было уже за 40. Как Клоду Моне или Огюсту Ренуару. Другие дождались признания лишь в конце жизни, как Камиль Писсарро. Кто-то до него не дожил, как Альфред Сислей.
Что же революционного совершил каждый из них? Почему публика так долго их не принимала? Вот 7 самых прославленных французских импрессионистов, которых знает весь мир.
1. Эдуард Мане (1832-1883 гг.)
Эдуард Мане. Автопортрет с палитрой. 1878 г. Частная коллекцияМане был старше большинства импрессионистов. Он был их главным вдохновителем.
Сам Мане на роль лидера революционеров не претендовал. Он был светским человеком. Мечтал об официальных наградах.
Но признания он ждал очень долго. Публика желала видеть греческих богинь или натюрморты на худой конец, чтобы красиво смотрелись в столовой. Мане же хотел писать современную жизнь. Например, куртизанок.
В результате появился “Завтрак на траве”. Два денди отдыхают в обществе дам лёгкого поведения. Одна из них как ни в чем ни бывало сидит рядом с одетыми мужчинами.
Эдуард Мане. Завтрак на траве. 1863 г. , Париж Сравните его “Завтрак на траве” с работой Тома Кутюра “Римляне во времена упадка”. Картина Кутюра произвела фурор. Художник мгновенно прославился.
“Завтрак на траве” обвинили в вульгарности. Беременным абсолютно серьезно не рекомендовали на неё смотреть.
Тома Кутюр. Римляне времён упадка. 1847 г. Музей д’Орсе, Париж. artchive.ru На картине Кутюра мы видим все атрибуты академизма (традиционной живописи XVI-XIX вв.). Колонны и статуи. Люди аполлоновской внешности. Традиционные приглушённые цвета. Манерность поз и жестов. Сюжет из далекой жизни совсем другого народа.
“Завтрак на траве” Мане – другого формата. До него никто не изображал куртизанок вот так запросто. Рядом с респектабельными горожанами. Хотя многие мужчины того времени так и проводили свой досуг. Это была реальная жизнь реальных людей.
Однажды изобразил одну респектабельную даму. Некрасивую. Он не смог польстить ей с помощью кисти. Дама была разочарована. Ушла от него в слезах.
Эдуард Мане. Ангелина. 1860 г. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia.commons.org Поэтому он продолжал экспериментировать. Например, с цветом. Он не пытался изобразить так называемый природный колорит. Если серо-бурая вода ему виделась ярко-синей, то он и изображал ее ярко-синей.
Это, конечно, раздражало публику. «Ведь даже Средиземное море не может похвастаться такой синевой, как вода у Мане» – язвили они.
Эдуард Мане. Аржантей. 1874 г. Музей изящных искусств, Турне, Бельгия. Wikipedia.org Но факт остаётся фактом. Мане вкорне изменил предназначение живописи. Картина становилась воплощением индивидуальности художника, который пишет так, как ему заблагорассудится. Забыв о шаблонах и традициях.
Новаторства ему долго не прощали. Признания дождался только под конец жизни. Но оно уже было ему не нужно. Он мучительно угасал от неизлечимой болезни.
2. Клод Моне (1840-1926 гг.)
Клод Моне. Автопортрет в берете. 1886 г. Частная коллекция Клода Моне можно назвать хрестоматийным импрессионистом. Так как он был верен этому направлению всю свою долгую жизнь.
Он писал не предметы и людей, а единую цветовую конструкцию из бликов и пятен. Раздельные мазки. Дрожание воздуха.
Клод Моне. Лягушатник. 1869 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк. Metmuseum.org Моне писал не только природу. Ему удавались и городские пейзажи. Один из самых известных - .
В этой картине есть многое от фотографии. Например, движение передано с помощью размытого изображения.
Обратите внимание: дальние деревья и фигуры словно находятся в дымке.
Клод Моне. Бульвар Капуцинок в Париже. 1873 г. (Галерея искусства Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва Перед нами остановленный момент бурлящей жизни Парижа. Никакой постановочности. Никто не позирует. Люди изображены как совокупность мазков. Такая бессюжетность и эффект “стоп-кадра” - главная черта импрессионизма.
К середине 80-х годов художники разочаровались в импрессионизме. Эстетика - это, конечно, хорошо. Но бессюжетность многих угнетала.
Лишь Моне продолжал упорствовать, гипертрофируя импрессионизм. Это переросло в серии картин.
Один и тот же пейзаж он изображал десятки раз. В разное время суток. В разные времена года. Чтобы показать, насколько температура и свет могут изменить один и тот же вид до неузнаваемости.
Так появились бесчисленные стога сена.
Картины Клода Моне в Музее изящных искусств в Бостоне. Слева: Стога сена на закате в Живерни, 1891 г. Справа: Стог сена (эффект снега), 1891 г.
Обратите внимание, что тени на этих картинах цветные. А не серые или чёрные, как было принято до импрессионистов. Это ещё одно их изобретение.
Моне успел насладиться успехом и материальным благополучием. После 40 он уже забыл о нищете. Обзавёлся домом и прекрасным садом. И творил в своё удовольствие ещё долгие годы.
О самой знаковой картине мастера читайте в статье
3. Огюст Ренуар (1841-1919 гг.)
Пьер-Огюст Ренуар. Автопортрет. 1875 г. Институт искусства Стерлинга и Франсин Кларк, Массачусетс, США. Pinterest.ru Импрессионизм - это самая позитивная живопись. А самым позитивным среди импрессионистов был Ренуар.
В его картинах вы не найдёте драмы. Даже чёрной краской он не пользовался. Только радость бытия. Даже самое банальное у Ренуара выглядит прекрасным.
В отличие от Моне, Ренуар чаще писал людей. Пейзажи для него были менее значимы. На картинах отдыхают и наслаждаются жизнью его друзья и знакомые.
Пьер-Огюст Ренуар. Завтрак гребцов. 1880-1881 гг. Собрание Филлипса, Вашингтон, США. Wikimedia.commons.org Не найдёте вы у Ренуара и глубокомыслия. Он был очень рад примкнуть к импрессионистам, которые поголовно отказывались от сюжетов.
Как он сам говорил, наконец у него есть возможность писать цветы и назвать их просто “Цветы”. И не выдумывать никаких историй про них.
Пьер-Огюст Ренуар. Женщина с зонтиком в саду. 1875 г. Музей Тиссена-Бормениса, Мадрид. arteuam.com Лучше всего Ренуар чувствовал себя в обществе женщин. Он просил своих служанок петь и шутить. Чем глупее и наивнее была песенка, тем лучше для него. А мужская болтовня его утомляла. Неудивительно, что Ренуар известен полотнами в стиле ню.
Модель на картине “Обнаженная в солнечном свете” словно проявляется на красочном абстрактном фоне. Потому что для Ренуара нет ничего второстепенного. Глаз модели или участок заднего фона равнозначны.
Пьер-Огюст Ренуар. Обнаженная в солнечном свете. 1876 г. Музей д’Орсе, Париж. wikimedia.commons.org Ренуар прожил долгую жизнь. И никогда не откладывал кисть и палитру. Даже когда его руки совсем сковал ревматизм, он привязывал кисточку к руке веревкой. И рисовал.
Как и Моне, он дождался признания после 40 лет. И увидел свои картины в Лувре, рядом с работами знаменитых мастеров.
Об одном из самых обворожительных портретов Ренуара читайте в статье
4. Эдгар Дега (1834-1917 гг.)
Эдгар Дега. Автопортрет. 1863 г. Музей Галуста Гюльбенкяна, Лиссабон, Португалия. Cultured.com Дега не был классическим импрессионистом. Он не любил работать на пленэре (на открытом воздухе). У него вы не найдёте намеренно высветленной палитры.
Наоборот, он любил чёткую линию. Черного цвета у него предостаточно. И работал он исключительно в студии.
Но все же его всегда ставят в ряд с другими великими импрессионистами. Потому что он был импрессионистом жеста.
Неожиданные ракурсы. Асимметрия в расположении объектов. Застигнутые врасплох персонажи. Вот главные атрибуты его картин.
Он останавливал мгновения жизни, не давая персонажам опомниться. Посмотрите хотя бы на его “Оркестр оперы”.
Эдгар Дега. Оркестр оперы. 1870 г. Музей д’Орсе, Париж. commons.wikimedia.org На переднем плане спинка стула. Музыкант к нам спиной. А на заднем фоне балерины на сцене не уместились в “кадр”. Их головы беспощадно “обрезаны” краем картины.
Так любимые им танцовщицы далеко не всегда изображены в красивых позах. Порой они просто делают растяжку.
Но такая импровизация мнимая. Конечно, Дега тщательно продумывал композицию. Это лишь эффект стоп-кадра, а не настоящий стоп-кадр.
Эдгар Дега. Две балетные танцовщицы. 1879 г. Музей Шелбурн, Вермут, США Эдгар Дега любил писать женщин. Но болезнь или особенности организма не позволяли ему иметь с ними физический контакт. Он никогда не был женат. Никто никогда не видел его с дамой.
Отсутствие реальных сюжетов в его личной жизни добавляло тонкую и напряженную эротичность его образам.
Эдгар Дега. Звезда балета. 1876-1878 гг. Музей д’Орсе, Париж. wikimedia.comons.org Обратите внимание, что на картине “Звезда балета” прорисована только сама балерина. Ее коллеги за кулисами еле различимы. Разве что несколько ног.
Это не значит, что Дега не закончил картину. Таков приём. Оставить в фокусе лишь самое главное. Остальное сделать исчезающим, неразборчивым.
О других картинах мастера читайте в статье
5. Берта Моризо (1841-1895 гг.)
Эдуард Мане. Портрет Берты Моризо. 1873 г. Мармоттан-Моне музей, Париж. Берту Моризо редко ставят в первый ряд великих импрессионистов. Уверена, что незаслуженно. Как раз у неё вы встретите все главные черты и приёмы импрессионизма. И если вам этот стиль нравится, вы полюбите ее работы всей душой.
Моризо работала быстро и порывисто, перекладывая на холст своё впечатление. Фигуры словно вот-вот растворятся в пространстве.
Берта Моризо. Лето. 1880 г. Музей Фабре, Монпелье, Франция. Как и Дега, она часто не дорисовала некоторые детали. И даже части тела модели. Мы не можем различить рук у девушки на картине “Лето”.
Путь к самовыражению у Моризо был трудным. Мало того, что она занималась “небрежной” живописью. Она ещё была женщиной. В те времена даме полагалось мечтать о замужестве. После чего любое хобби забывалось.
Поэтому Берта долго отказывалась от брака. Пока не нашла мужчину, который уважительно отнёсся к ее занятию. Эжен Мане был родным братом художника Эдуарда Мане. Он покорно носил за женой мольберт и краски.
Берта Моризо. Эжен Мане с дочерью в Буживале. 1881 г. Мармоттан-Моне музей, Париж. Но все же дело было в XIX веке. Нет, брюки Моризо не надела. Но полной свободы передвижения она себе позволить не могла.
Она не могла пойти в парк работать в одиночестве, без сопровождения кого-то из близких. Не могла посидеть одна в кафе. Поэтому ее картины - это люди из семейного круга. Муж, дочь, родственники, няни.
Берта Моризо. Женщина с ребёнком в саду в Буживале. 1881 г. Национальный музей Уэльса, Кардифф. Моризо признания не дождалась. Она умерла она в 54 года от воспаления лёгких, не продав при жизни почти ни одной своей работы. В ее свидетельстве о смерти в графе “род занятий” стоял прочерк. Немыслимо было женщине зваться художником. Даже если она им на самом деле была.
О картинах мастера читайте в статье
6. Камиль Писсарро (1830 – 1903 гг.)
Камиль Писсарро. Автопортрет. 1873 г. Музей д’Орсе, Париж. Wikipedia.org Камиль Писсарро. Неконфликтный, рассудительный. Многие его воспринимали, как учителя. Даже самые темпераментные коллеги о Писсарро плохо не говорили.
Он был верным последователем импрессионизма. Сильно нуждаясь, имея жену и пятерых детей, он все равно упорно работал в своем любимом стиле. И ни разу не переключился на салонную живопись, чтобы стать более популярным. Не известно, откуда он брал силы до конца верить в себя.
Чтобы совсем не умереть с голоду, Писсарро расписывал веера, которые охотно раскупали. А настоящее признание к нему пришло уже после 60 лет! Тогда наконец он смог забыть о нужде.
Камиль Писсарро. Дилижанс в Лувесьенне. 1869 г. Музей д’Орсе, Париж Воздух на картинах Писсарро густой и плотный. Необыкновенный сплав цвета и объёма.
Художник не боялся писать самые переменчивые явления природы, которые показываются на мгновение и исчезают. Первый снег, морозное солнце, длинные тени.
Камиль Писсарро. Иней. 1873 г. Музей д’Орсе, Париж Самые известные его работы - виды Парижа. С широкими бульварами, суетной пестрой толпой. Ночью, днём, в разную погоду. В чем-то они перекликаются с сериями картин Клода Моне.
Импрессионизм Импрессионизм
(франц. impressionnisme, от impression - впечатление), направление в искусстве последней трети XIX - начала XX вв. Сложилось во французской живописи конца 1860-х - начала 70-х гг. Название "импрессионизм" возникло после выставки 1874, на которой экспонировалась картина К. Моне "Впечатление. Восходящее солнце" ("Impression. Soleil levant", 1872, ныне в Музее Мармоттан, Париж). В пору зрелости импрессионизма (70-е - первая половина 80-х гг.) его представляла группа художников (Моне, О. Ренуар, Э. Дега, К. Писсарро, А. Сислей, Б. Моризо и др.), объединившихся для борьбы за обновление искусства и преодоление официального салонного академизма и организовавших с этой целью в 1874-86 8 выставок. Одним из создателей импрессионизма стал Э. Мане, не входивший в эту группу, но ещё в 60-х - начале 70-х гг. выступивший с жанровыми работами, в которых переосмыслил композиционные и живописные приёмы мастеров XVI-XVIII вв. применительно к современной жизни, а также сценами Гражданской войны 1861-65 в США, расстрела парижских коммунаров, придав им острую политическую направленность.
Импрессионизм продолжает начатое реалистическим искусством 40-60-х гг. освобождение от условностей классицизма, романтизма и академизма, утверждает красоту повседневной действительности, простых, демократических мотивов, добивается живой достоверности изображения. Он делает эстетически значимой подлинную, современную жизнь в её естественности, во всём богатстве и сверкании её красок, запечатлевая видимый мир в присущей ему постоянной изменчивости, воссоздавая единство человека и окружающей его среды. Во многих картинах импрессионистов (особенно в пейзажах и натюрмортах, ряде многофигурных композиций) акцентируется как бы случайно пойманный взглядом преходящий момент непрерывного течения жизни, сохраняются непредвзятость, сила и свежесть первого впечатления, позволяющие схватить в увиденном неповторимое и характерное. Произведения импрессионистов отличаются жизнерадостностью, увлечённостью чувственной красотой мира, но в целом ряде работ Мане и Дега присутствуют горькие, саркастические ноты.
Импрессионисты впервые создали многогранную картину повседневной жизни современного города, запечатлели своеобразие его пейзажа и облик населяющих его людей, их быта, труда и развлечений. В пейзаже они (особенно Сислей и Писсарро) развили пленэрные искания Дж. Констэбла, барбизонской школы, К. Коро и др., разработали законченную систему пленэра. В пейзажах импрессионизма простой, будничный мотив часто преображается всепроникающим подвижным солнечным светом, вносящим в картину ощущение праздничности. Работа над картиной непосредственно на открытом воздухе дала возможность воспроизводить природу во всей её трепетной реальной живости, тонко анализировать и запечатлевать её переходные состояния, улавливать малейшие изменения цвета, появляющиеся под воздействием вибрирующей и текучей световоздушной среды (органично объединяющей человека и природу), которая становится в Импрессионизме самостоятельным объектом изображения (главным образом в произведениях Моне). Чтобы сохранить в картинах свежесть и разнообразие красок натуры, импрессионисты (за исключением Дега) создали живописную систему, которая отличается разложением сложных тонов на чистые цвета и взаимопроникновением чётких раздельных мазков чистого цвета, как бы смешивающихся в глазу зрителя, светлой и яркой цветовой гаммой, богатством валёров и рефлексов, цветными тенями. Объёмные формы как бы растворяются в окутывающей их световоздушной оболочке, дематерилизуются, обретают зыбкость очертаний: игра разнообразных мазков, пастозных и жидких, придаёт красочному слою трепетность, рельефность; тем самым создаётся своеобразное впечатление незаконченности, формирования образа на глазах у созерцающего полотно человека. Таким образом происходит сближение этюда и картины, а нередко и слияние нескольких. стадий работы в один непрерывный процесс. Картина становится отдельным кадром, фрагментом подвижного мира. Этим объясняются, с одной стороны, равноценность всех частей картины, одновременно рождающихся под кистью художника и одинаково участвующих в образном построении произведений, с другой стороны - кажущиеся случайность и неуравновешенность, асимметрия композиции, смелые срезы фигур, неожиданные точки зрения и сложные ракурсы, активизирующие пространственное построение.
В отдельных приёмах построения композиции и пространства в импрессионизме ощутимо влияние японской гравюры и отчасти фотографии.
Импрессионисты обращались также к портрету и бытовому жанру (Ренуар, Б. Моризо, отчасти Дега). Бытовой жанр и ню в импрессионизме часто переплетались с пейзажем (особенно у Ренуара); фигуры людей, освещённые естественным светом, обычно изображались у открытого окна, в беседке и т. п. Для импрессионизма характерны смешение бытового жанра с портретом, тенденция к стиранию чётких границ между жанрами. С начала 80-х гг. некоторые мастера импрессионизма во Франции стремились к видоизменению его творческих принципов. Поздний импрессионизм (середина 80-х - 90-е гг.) развивался в период сложения стиля "модерн", различных направлений постимпрессионизма. Для позднего импрессионизма характерно появление ощущения самоценности субъективной художественной манеры художника, нарастание декоративных тенденций. Игра оттенков и дополнительных тонов в произведении импрессионизма становится всё более изощрённой, появляется тяготение к большей цветовой насыщенности полотен или к тональному единству; пейзажи объединяются в серии.
Живописная манера импрессионизма оказала большое влияние на французскую живопись. Определённые черты импрессионизма были восприняты салонно-академической живописью. Для ряда художников изучение метода импрессионизма стало начальным этапом на пути сложения собственной художественной системы (П. Сезанн, П. Гоген, В. ван Гог, Ж. Сера).
Творческое обращение к импрессионизму, изучение его принципов явилось важной ступенью в развитии многих национальных европейских художественных школ. Под влиянием французского импрессионизма сложилось творчество М. Либермана, Л. Коринта в Германии, К. А. Коровина, В. А. Серова, И. Э. Грабаря и раннего М. Ф. Ларионова в России, М. Прендергаста и М. Кассатт в США, Л. Вычулковского в Польше, словенских импрессионистов и др. Вместе с тем за пределами Франции были подхвачены и развиты лишь отдельные стороны импрессионизма: обращение к современной тематике, эффекты пленэрной живописи, высветление палитры, эскизность живописной манеры и т. п. Термин "импрессионизм" применяется также к скульптуре 1880-1910-х гг., обладающей некоторыми сходными с живописью импрессионизма чертами - стремлением к передаче мгновенного движения, текучестью и мягкостью форм, нарочитой пластической незавершённостью. Наиболее ярко импрессионизм в скульптуре проявился в работах М. Россо в Италии, О. Родена и Дега во Франции, П. П. Трубецкого и А. С. Голубкиной в России и др. Отдельные приёмы импрессионизма сохранились во многих реалистических течениях искусства XX в. Импрессионизм в изобразительном искусстве оказал влияние на развитие выразительных средств в литературе, музыке и театре.
К. Писсарро. "Почтовая карета в Лувесьене". Около 1870. Музей импрессионизма. Париж.
(Источник: «Популярная художественная энциклопедия.» Под ред. Полевого В.М.; М.: Издательство "Советская энциклопедия", 1986.)
импрессиони́зм(франц. impressionnisme, от impression – впечатление), направление в искусстве кон. 1860 – нач. 1880-х гг. Наиболее ярко проявился в живописи. Ведущие представители: К. Моне , О. Ренуар , К. Писсарро , А. Гийомен, Б. Моризо, М. Кассат, А. Сислей, Г. Кайботт и Ж. Ф. Базиль. Вместе с ними выставляли свои картины Э. Мане и Э. Дега , хотя стиль их произведений нельзя назвать полностью импрессионистическим. Название «импрессионисты» закрепилось за группой молодых художников после их первой совместной выставки в Париже (1874; Моне, Ренуар, Писарро, Дега, Сислей и др.), которая вызвала яростное возмущение публики и критиков. Одна из представленных картин К. Моне (1872) называлась «Впечатление. Восход солнца» («L’impression. Soleil levant»), и рецензент в насмешку назвал художников «импрессионистами» – «впечатленцами». Живописцы выступили под этим названием на третьей совместной выставке (1877). Тогда же они начали выпускать журнал «Импрессионист», каждый номер которого был посвящён творчеству одного из участников группы.
Импрессионисты стремились запечатлеть окружающий мир в его постоянной изменчивости, текучести, непредвзято выразить свои непосредственные впечатления. Импрессионизм основывался на последних открытиях оптики и теории цвета (спектральное разложение солнечного луча на семь цветов радуги); в этом он созвучен духу научного анализа, характерному для кон. 19 в. Однако сами импрессионисты не пытались определить теоретические основы своего искусства, настаивая на стихийности, интуитивности творчества художника. Художественные принципы импрессионистов не были едиными. Моне писал пейзажи только в непосредственном контакте с природой, на открытом воздухе (на пленэре ) и даже построил мастерскую в лодке. Дега работал в мастерской по воспоминаниям или используя фотографии. В отличие от представителей более поздних радикальных течений, художники не выходили за рамки ренессансной иллюзорно-пространственной системы, основанной на применении прямой перспективы . Они твёрдо придерживались метода работы с натуры, который был возведён ими в главный принцип творчества. Художники стремились «писать то, что видишь» и «так, как видишь». Последовательное применение этого метода повлекло за собой преобразование всех основ сложившейся живописной системы: колорита, композиции , пространственного построения. Чистые краски наносились на холст мелкими раздельными мазками: разноцветные «точки» лежали рядом, смешиваясь в красочное зрелище не на палитре и не на полотне, а в глазу зрителя. Импрессионисты достигли небывалой звучности колорита, невиданного богатства оттенков. Мазок стал самостоятельным средством выразительности, наполняя поверхность картины живой мерцающей вибрацией цветовых частиц. Полотно уподоблялось переливающейся драгоценными цветами мозаике. В прежней живописи преобладали чёрные, серые, коричневые оттенки; в полотнах импрессионистов краски ярко засияли. Импрессионисты не применяли светотень для передачи объёмов, они отказались от тёмных теней, тени в их картинах также стали цветными. Художники широко применяли дополнительные тона (красные и зелёные, жёлтые и фиолетовые), контраст которых повышал интенсивность звучания цвета. В картинах Моне краски высветлялись и растворялись в сиянии лучей солнечного света, локальные цвета обретали множество оттенков.
Импрессионисты изображали окружающий мир в вечном движении, переходе из одного состояния в другое. Они стали писать серии картин, желая показать, как один и тот же мотив меняется в зависимости от времени дня, освещения, состояния погоды и т. д. (циклы «Бульвар Монмартр» К. Писсарро, 1897; «Руанский собор», 1893-95, и «Лондонский парламент», 1903-04, К. Моне). Художники нашли способы отразить в картинах движение облаков (А. Сислей. «Луан в Сен-Мамме», 1882), игру бликов солнечного света (О. Ренуар. «Качели», 1876), порывы ветра (К. Моне. «Терраса в Сент-Адресс», 1866), струи дождя (Г. Кайботт. «Иер. Эффект дождя», 1875), падающий снег (К. Писсарро. «Оперный проезд. Эффект снега», 1898), стремительный бег лошадей (Э. Мане. «Скачки в Лоншане», 1865).
Импрессионисты разработали новые принципы построения композиции. Раньше пространство картины уподоблялось сценической площадке, теперь запечатлённые сцены напоминали моментальный снимок, фотокадр. Изобретённая в 19 в. фотография оказала значительное влияние на композицию импрессионистической картины, особенно в творчестве Э. Дега, который сам был страстным фотографом и, по его собственным словам, стремился застать изображаемых им балерин врасплох, увидеть их «словно сквозь замочную скважину», когда их позы, линии тела естественны, выразительны и достоверны. Создание картин на открытом воздухе, стремление запечатлеть быстро меняющееся освещение заставило художников ускорить работу, писать «alla prima» (в один приём), без предварительных набросков. Фрагментарность, «случайность» композиции и динамичная живописная манера создавали ощущение особенной свежести в картинах импрессионистов.
Любимым импрессионистическим жанром был пейзаж; портрет также представлял собой своего рода «пейзаж лица» (О. Ренуар. «Портрет актрисы Ж. Самари», 1877). Кроме того, художники существенно расширили круг сюжетов живописи, обратившись к темам, раньше считавшимся недостойными внимания: народным гуляниям, скачкам, пикникам артистической богемы, закулисной жизни театров и т. д. Однако в их картинах нет развёрнутого сюжета, подробного повествования; жизнь человека растворена в природе или в атмосфере города. Импрессионисты писали не события, а настроения, оттенки чувств. Художники принципиально отвергали исторические и литературные темы, избегали изображать драматические, тёмные стороны жизни (войны, бедствия и т. п.). Они стремились освободить искусство от выполнения социальных, политических и нравственных задач, от обязанности давать оценку изображённым явлениям. Художники воспевали красоту мира, умея превратить самый будничный мотив (ремонт комнаты, серый лондонский туман, дым паровозов и т. д.) в феерическое зрелище (Г. Кайботт. «Паркетчики», 1875; К. Моне. «Вокзал Сен-Лазар», 1877).
В 1886 г. состоялась последняя выставка импрессионистов (в ней не участвовали О. Ренуар и К. Моне). К этому времени обнаружились существенные разногласия между членами группы. Возможности метода импрессионизма были исчерпаны, и каждый из художников стал искать свой собственный путь в искусстве.
Импрессионизм как целостный творческий метод был явлением преимущественно французского искусства, однако творчество импрессионистов оказало воздействие на всю европейскую живопись. Стремление к обновлению художественного языка, высветление красочной палитры, обнажение живописных приёмов отныне прочно вошли в арсенал художников. В других странах близки к импрессионизму были Дж. Уистлер (Англия и США), М. Либерман, Л. Коринт (Германия), Х. Соролья (Испания). Влияние импрессионизма испытали многие русские художники (В. А. Серов
, К. А. Коровин
, И. Э. Грабарь
и др.).
Помимо живописи, импрессионизм воплотился в творчестве некоторых скульпторов (Э. Дега и О. Роден
во Франции, М. Россо в Италии, П. П. Трубецкой
в России) в живой свободной моделировке текучих мягких форм, которая создаёт сложную игру света на поверхности материала и ощущение незавершённости произведения; в позах схвачен момент движения, развития. В музыке близость к импрессионизму обнаруживают произведения К. Дебюсси («Паруса», «Туманы», «Отражения в воде» и др.).
(Источник: «Искусство. Современная иллюстрированная энциклопедия.» Под ред. проф. Горкина А.П.; М.: Росмэн; 2007.)
Синонимы :
Смотреть что такое "Импрессионизм" в других словарях:
ИМПРЕССИОНИЗМ. И. в литературе и искусстве определяют как категорию пассивности, созерцательности и впечатлительности, применимую в той или иной мере к художественному творчеству во все времена или же периодически, в той или иной форме… … Литературная энциклопедия
импрессионизм - а, м. impressionisme m. Доктрина живописцев импрессионистов. Булгаков Худ. энц. Направление в искусстве, ставящее своей целью передачу непосредственных, субъективных впечатлений от действительности. Уш. 1934. Почему, например, у великого… … Исторический словарь галлицизмов русского языка
- [фр. impressionnisme Словарь иностранных слов русского языка
Импрессионизм - ИМПРЕССИОНИЗМ. Конец 19 века связан с расцветом импрессионизма во всех областях искусства, в особенности, в живописи и в литературе. Самый термин импрессионизм происходит от французского слова impression, что значит впечатление. Под этим… … Словарь литературных терминов
- (от французского impression впечатление), направление в искусстве последней трети 19 начала 20 вв. Сложилось во французской живописи 1860 х начала 70 х гг. (Э. Мане, К. Моне, Э. Дега, О. Ренуар, К. Писсарро, А. Сислей). Импрессионизм утверждал… … Современная энциклопедия
- (от франц. impression впечатление) направление в искусстве последней трети 19 нач. 20 вв., представители которого стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолетные… … Большой Энциклопедический словарь
Импрессионизм – направление в искусстве, возникшее во второй половине XIX в. Его главной целью была передача мимолетных, изменчивых впечатлений.
Появление импрессионизма связывают с наукой: с последними открытиями оптики и теории цвета.
Это направление затронуло почти все виды искусства, но наиболее ярко оно проявилось в живописи, где передача цвета и света являлась основой творчества художников-импрессионистов.
Значение термина
Импрессиони́зм (фр. Impressionnisme) от impression – впечатление). Этот стиль живописи появился во Франции в конце 1860-х гг. Его представляли Клод Моне, Огюст Ренуар, Камиль Писсарро, Берта Моризо, Альфред Сислей, Жан Фредерик Базиль. Но сам термин появился в 1874 г., когда на выставке была показана картина Моне «Впечатление. Восходящее солнце» (1872). В названии картины Моне подразумевал, что он передаёт только своё мимолётное впечатление от пейзажа.
К. Моне «Впечатление. Восход солнца» (1872). Музей Мармоттан-Моне, Париж
Позже термин «импрессионизм» в живописи стал пониматься шире: внимательное изучение натуры с точки зрения цвета и освещения. Целью импрессионистов было изображение мгновенных, как бы «случайных» ситуаций и движений. Для этого ими были использованы различные приёмы: сложные ракурсы, асимметричность, фрагментарность композиций. Картина у художников-импрессионистов становится как бы застывшим мгновением постоянно изменяющегося мира.
Художественный метод импрессионистов
Самые популярные жанры импрессионистов – пейзажи и сцены из городской жизни. Они всегда писались «на пленэре», т.е. непосредственно с натуры, на природе, без эскизов и предварительных набросков. Импрессионисты замечали и умели передавать на холсте цвета и оттенки, обычно невидимые простым глазом и невнимательным зрителем. Например, передача синего цвета в тенях или розового – на закате. Они разлагали сложные тона на составляющие их чистые цвета спектра. От этого их живопись получалась светлой и трепетной. Художники-импрессионисты краски накладывали отдельными мазками, в свободной и даже небрежной манере, поэтому их картины лучше смотреть на расстоянии – именно при таком взгляде создаётся эффект живого мерцания красок.
Импрессионисты отказались от контура, заменив его мелкими раздельными и контрастными мазками.
К. Писсарро, А. Сислей и К. Моне предпочитали пейзажи и городские сцены. О. Ренуар любил изображать людей на лоне природы или в интерьере. Французский импрессионизм не поднимал философские и социальные проблемы. Они не обращались к библейским, литературным, мифологическим, историческим сюжетам, которые были присущи официальному академизму . Вместо этого на живописных полотнах появилось изображение будничности и современности; изображение людей в движении, во время отдыха или развлечения. Их основные сюжеты – флирт, танцы, люди в кафе и театре, прогулки на лодках, пляжи и сады.
Импрессионисты старались уловить мимолётное впечатление, мельчайшие изменения в каждом предмете в зависимости от освещения и времени суток. В этом плане наивысшим достижением можно считать циклы картин Моне «Стога сена», «Руанский собор» и «Парламент Лондона».
К. Моне «Собор в Руане в солнце» (1894). Музей Орсе, Париж, Франция
«Руанский собор» – цикл из 30 картин Клода Моне, которые представляют собой виды собора в зависимости от времени дня, года и освещения. Этот цикл был написан художником в 1890-х гг. Собор позволил ему показать отношение между постоянной, твёрдой, структурой здания и изменяющимся, легко играющим светом, меняющим наше восприятие. Моне концентрируется на отдельных фрагментах готического собора и выбирает портал, башню святого Мартина и башню Альбане. Его интересует исключительно игра света на камне.
К. Моне «Руанский Собор, Западный Портал, Туманная Погода» (1892). Музей Орсе, Париж
К. Моне «Руанский собор, портал и башня, эффект утра; белая гармония» (1892-1893). Музей Орсе, Париж
К. Моне «Руанский собор, портал и башня в солнце, гармония голубого и золота» (1892-1893). Музей Орсе, Париж
Вслед за Францией художники-импрессионисты появились в Англии и США (Джеймс Уистлер), в Германии (Макс Либерман, Ловис Коринт), в Испании (Хоакин Соролья), в России (Константин Коровин, Валентин Серов, Игорь Грабарь).
О творчестве некоторых художников-импрессионистов
Клод Моне (1840-1926)
Клод Моне, фотография 1899 г.
Французский живописец, один из основателей импрессионизма. Родился в Париже. Рисованием увлекался с детства, в 15 лет проявил себя талантливым карикатуристом. К пейзажной живописи его приобщил Эжен Буден – французский художник, предшественник импрессионизма. Позже Моне поступил в университет на факультет искусств, но разочаровался и покинул его, поступив в студию живописи Шарля Глейра. В студии он познакомился с художниками Огюстом Ренуаром, Альфредом Сислеем и Фредериком Базилем. Они были практически сверстниками, придерживались схожих взглядов на искусство и вскоре составили костяк группы импрессионистов.
Известность Моне принёс портрет Камиллы Донсьё, написанный в 1866 г. («Камилла, или портрет дамы в зелёном платье»). Камилла в 1870 г. года стала женой художника.
К. Моне «Камилла» («Дама в зеленом») (1866). Кунстхалле, Бремен
К. Моне «Прогулка: Камилла Моне с сыном Жаном (Женщина с зонтиком)» (1875). Национальная галерея искусства, Вашингтон
В 1912 г. врачи поставили К. Моне диагноз двойной катаракты, ему пришлось перенести две операции. Лишившись хрусталика на левом глазу, Моне вновь обрел зрение, но стал видеть ультрафиолет как голубой или лиловый цвет, отчего его картины обрели новые цвета. Например, рисуя знаменитые «Водяные лилии», Моне видел лилии голубоватыми в ультрафиолетовом диапазоне, для других людей они были просто белыми.
К. Моне «Водяные лилии»
Художник скончался 5 декабря 1926 г. в Живерни и был похоронен на местном церковном кладбище.
Камиль Писсарро (1830-1903)
К. Писсарро «Автопортрет» (1873)
Французский живописец, один из первых и наиболее последовательных представителей импрессионизма.
Родился на острове Сент-Томас (Вест-Индия), в буржуазной семье еврея-сефарда и уроженки Доминиканской республики. До 12 лет жил в Вест-Индии, в возрасте 25 лет вместе со всей семьёй переехал в Париж. Здесь учился в Школе изящных искусств и в Академии Сюиса. Его учителями были Камиль Коро, Гюстав Курбе и Шарль-Франсуа Добиньи. Начинал с сельских пейзажей и видов Парижа. Писсарро оказал сильное влияние на импрессионистов, самостоятельно выработав многие принципы, легшие в основу их стиля живописи. Он дружил с художниками Дега, Сезанном и Гогеном. Писарро был единственным участником всех 8 выставок импрессионистов.
Скончался в 1903 г. в Париже. Похоронен на кладбище Пер-Лашез.
Уже в ранних работах художник особое внимание уделял изображению освещенных предметов в воздушной среде. Свет и воздух стали с тех пор ведущей темой в творчестве Писсарро.
К. Писсарро «Бульвар Монмартр. После полудня, солнечно» (1897)
в 1890 г. Писарро увлёкся техникой пуантилизма (раздельного наложения мазков). Но через некоторое время вернулся к своей обычной манере.
В последние годы жизни у Камиля Писсарpо заметно испортилось зрение. Но он продолжал работу и создал серию видов Парижа, наполненных художественными эмоциями.
К. Писсарро «Улица в Руане»
Необычный ракурс некоторых его полотен объясняется тем, что художник писал их из гостиничных номеров. Эта серия стала одним из высших достижений импрессионизма в передаче света и атмосферных эффектов.
Писсарро писал также акварелью и создал серию офортов и литографий.
Вот несколько его интересных высказываний об искусстве импрессионизма: «Импрессионисты на верном пути, их искусство здоровое, оно основано на ощущениях и оно честное».
«Счастлив тот, кто может разглядеть красоту в обычных вещах, там, где другие ничего не видят!»
К. Писсарро «Первый мороз» (1873)
Русский импрессионизм
Русский импрессионизм развивался с конца XIX-начала XX в. В нём сказалось воздействие творчества французских импрессионистов. Но русский импрессионизм имеет ярко выраженную национальную специфику и во многом не совпадает с хрестоматийными представлениями о классическом французском импрессионизме. В живописи русских импрессионистов преобладают предметность, материальность. В нём большая нагруженность смыслом и меньшая динамизация. Русский импрессионизм ближе, чем французский, к реализму . Французские импрессионисты делали упор на впечатлении от увиденного, а русские добавили и отображение внутреннего состояния художника. Работа должна была быть завершена за один сеанс.
Некоторая незавершенность русского импрессионизма создаёт «трепет жизни», который был характерен для них.
К импрессионизму относят творчество русских художников: А. Архипова, И. Грабаря, К. Коровина, Ф. Малявина, Н. Мещерина, А. Мурашко, В. Серова, А. Рылова и др.
В. Серов «Девочка с персиками» (1887)
Эту картину считают эталоном русского импрессионизма в портрете.
Валентин Серов «Девочка с персиками» (1887). Холст, масло. 91×85 см. Государственная Третьяковская галерея
Картина написана в усадьбе Саввы Ивановича Мамонтова в Абрамцево, которую тот приобрел у дочери писателя Сергея Аксакова в 1870 г. На портрете изображена 12-летняя Вера Мамонтова. Девочка нарисована сидящей за столом; на ней розовая блузка с тёмно-синим бантом; на столе нож, персики и листья.
«Всё, чего я добивался, – это свежести, той особенной свежести, которую всегда чувствуешь в натуре и не видишь в картинах. Писал я больше месяца и измучил её, бедную, до смерти, уж очень хотелось сохранить свежесть живописи при полной законченности, – вот как у старых мастеров» (В. Серов).
Импрессионизм в других видах искусства
В литературе
В литературе импрессионизм как отдельное направление не сложился, но его черты нашли отражение в натурализме и символизме .
Эдмон и Жюль Гонкуры. Фотография
Принципы натурализма
прослеживаются в романах братьев Гонкуров и Джордж Элиот. Но первым термин «натурализм» использовал для обозначения собственного творчества Эмиль Золя. Вокруг Золя группировались писатели Ги де Мопассан, Альфонс Доде, Гюисманс и Поль Алексис. После выхода сборника «Меданские вечера» (1880) с откровенными рассказами о бедствиях франко-прусской войны (включая мопассановскую повесть «Пышка») за ними закрепилось название «меданской группы».
Эмиль Золя
Натуралистическое начало в литературе часто подвергалось критике за недостаток художественности. Например, И. С. Тургенев писал по поводу одного из романов Золя, что «там много копаются в ночных горшках». Критически относился к натурализму и Гюстав Флобер.
Золя поддерживал дружеские отношения со многими художниками-импрессионистами.
Символисты
использовали символы, недосказанность, намеки, таинственность, загадочность. Основным настроением, улавливаемым символистами, являлся пессимизм, доходящий до отчаянья. Всё «природное» представлялось лишь «видимостью», не имеющей самостоятельного художественного значения.
Таким образом, импрессионизм в литературе выражался частным впечатлением автора, отказом от объективной картины реальности, изображением каждого мгновения. Фактически это приводило к отсутствию сюжета и истории, заменой мысли восприятием, а рассудок – инстинктом.
Г. Курбе «Портрет П. Верлена» (около 1866 г.)
Яркий пример поэтического импрессионизма – сборник Поля Верлена «Романсы без слов» (1874). В России влияние импрессионизма испытали Константин Бальмонт и Иннокентий Анненский.
В. Серов «Портрет К. Бальмонта» (1905)
Иннокентий Анненский. Фотография
Эти настроения коснулись и драматургии. В пьесах присутствует пассивное восприятие мира, анализ настроений, душевных состояний. В диалогах концентрируются мимолётные разрозненные впечатления. Эти признаки характерны для творчества Артура Шницлера.
В музыке
Музыкальный импрессионизм сложился во Франции в последнюю четверть XIX в. – начале XX в. Ярче всего он выразился в творчестве Эрика Сати, Клода Дебюсси и Мориса Равеля.
Эрик Сати
Музыкальный импрессионизм близок импрессионизму во французской живописи. У них не только общие корни, но и причинно-следственные отношения. Композиторы-импрессионисты искали и находили не только аналогии, но и выразительные средства в творчестве Клода Моне, Поля Сезанна, Пюви де Шаванна и Анри де Тулуз-Лотрека. Конечно, средства живописи и средства музыкального искусства могут быть связаны друг с другом только при помощи особенных, тонких ассоциативных параллелей, существующих только в сознании. Если смотреть на расплывчатое изображение Парижа «в осеннем дожде» и такие же звуки, «приглушённые шумом падающих капель», то здесь можно говорить только о свойстве художественного образа, но не реального изображения.
Клод Дебюсси
Дебюсси пишет «Облака», «Эстампы» (наиболее образный из которых, акварельная звуковая зарисовка – «Сады под дождём»), «Образы», «Отблески на воде», которые вызывают прямые ассоциации со знаменитым полотном Клода Моне «Импрессия: восход солнца». По выражению Малларме, композиторы-импрессионисты учились «слышать свет», передавать в звуках движение воды, колебание листвы, дуновение ветра и преломление солнечных лучей в вечернем воздухе.
Морис Равель
Прямые связи живописи и музыки существуют у М. Равеля в его звукоизобразительной «Игре воды», цикле пьес «Отражения», фортепианном сборнике «Шорохи ночи».
Импрессионисты создавали произведения утончённые искусства и одновременно ясные по выразительным средствам, эмоционально сдержанные, бесконфликтные и строгие по стилю.
В скульптуре
О. Роден «Поцелуй»
Импрессионизм в скульптуре выражался в свободной пластике мягких форм, которая создает сложную игру света на поверхности материала и ощущение незавершенности. В позах скульптурных персонажей схвачен момент движения, развития.
О. Роден. Фотография 1891 г.
К этому направлению относят скульптурные работы О. Родена (Франция), Медардо Россо (Италия), П.П. Трубецкого (Россия).
В. Серов «Портрет Паоло Трубецкого»
Па́вел (Паоло) Трубецко́й
(1866-1938) – скульптор и художник, работал в Италии, США, Англии, России и Франции. Родился в Италии. Внебрачный сын русского эмигранта, князя Петра Петровича Трубецкого.
С детства самостоятельно заниматься скульптурой и живописью. Никакого образования не имел. В начальный период своего творчества создавал портретные бюсты, произведения мелкой пластики, участвовал в конкурсах на создание крупных скульптур.
П. Трубецкой «Памятник Александру III», Санкт-Петербург
Первая выставка произведений Паоло Трубецкого состоялась в США в 1886 г. В 1899 г. скульптор приехал в Россию. Принимает участие в конкурсе по созданию памятника Александру III и неожиданно для всех получает первую премию. Этот памятник вызывал и продолжает вызывать разноречивые оценки. Более статичного и тяжеловесного памятника трудно себе представить. И только положительная оценка императорской семьи позволила занять памятнику соответствующее место - в скульптурном изображении нашли сходство с оригиналом.
Критики считали, что Трубецкой работал в духе «устаревшего импрессионизма».
Образ гениального русского писателя получился у Трубецкого более «импрессионистическим»: здесь явно присутствует движение - в складках рубахи, развевающейся бороде, повороте головы, присутствует даже ощущение того, что скульптору удалось уловить напряжение мысли Л. Толстого.
П. Трубецкой «Бюст Льва Толстого» (бронза). Государственная Третьяковская галерея
Импрессионизм (impressionnisme) — стиль живописи, который появился в конце XIX века во Франции и затем распространился по всему миру. Сама идея импрессионизма заключается в его названии: impression — впечатление . Художники, которые устали от традиционных техник живописи академизма, которые, по их мнению, не передавали всю красоту и живость мира, стали использовать совершенно новые техники и методы изображения, которые должны были в наиболее доступной форме выразить не «фотографический» вид, а именно впечатление от увиденного. В своей картине художник-импрессионист при помощи характера мазков и цветовой палитры пытается передать атмосферу, тепло или холод, сильный ветер или умиротворённую тишину, туманное дождливое утро или яркий солнечный полдень, а также свои личные переживания от увиденного.
Импрессионизм — это мир чувств, эмоций и мимолётных впечатлений. Здесь ценится не внешняя реалистичность или натуральность, а именно реалистичность выраженных ощущений, внутренне состояние картины, её атмосфера, глубина. Изначально данный стиль подвергся сильной критике. Первые картины импрессионистов были выставлены в парижском «Салоне Отверженных», где выставлялись работы художников, отвергнутых официальным Парижским салоном искусств. Впервые термин «импрессионизм» использовал критик Луи Леруа, который написал пренебрежительный отзыв в журнале «Le Charivari» о выставке художников. В качестве основы для термина он взял картину Клода Моне «Впечатление. Восходящее солнце». Всех художников он обозвал импрессионистами, что можно примерно перевести, как «впечатленцы». Первое время картины действительно подвергались критике, однако вскоре в салон стало приходить всё больше и больше поклонников нового направления в искусстве, а сам жанр из отверженного превратился в признанный.
Стоит отметить, что художники конца XIX века во Франции придумали новую стилистику не на пустом месте. За основу они взяли техники живописцев прошлого, в том числе художников Эпохи Возрождения. Такие живописцы, как Эль Греко, Веласкес, Гойя, Рубенс, Тёрнер и другие задолго до возникновения импрессионизма пытались передавать настроение картины, живость природы, особую выразительность погоды при помощи различных промежуточных тонов, ярких или наоборот тусклых мазков, которые были похожи на абстрактные вещи. В своих картинах они использовали это вполне умеренно, поэтому необычная техника не бросалась в глаза зрителю. Импрессионисты же решили взять эти методы изображения в качестве основы для своих произведений.
Ещё одной специфической особенностью произведений импрессионистов является некая поверхностная будничность, которая однако содержит в себе неимоверную глубину. Они не пытаются выразить каких-то глубоких философских тем, мифологических или религиозных задач, исторических и важных событий. Картины художников этого направления по своей сути простые и повседневные — пейзажи, натюрморты, люди которые идут по улице или занимаются своими обычными делами и так далее. Именно такие моменты, где отсутствует излишняя тематичность, которая отвлекает человека, чувства и эмоции от увиденного выходят на первый план. Также импрессионисты, по крайней мере в начале своего существования, не изображали «тяжёлых» тем — бедности, войн, трагедий, страданий и так далее. Картины импрессионистов чаще всего — это максимально позитивные и радостные произведения, где присутствует много света, ярких красок, сглаженная светотень, плавные контрасты. Импрессионизм — это приятное впечатление, радость от жизни, красота каждого мгновения, наслаждение, чистота, искренность.
Самыми известными импрессионистами стали такие великие художники, как , Клод Моне, Эдгар Дега, Альфред Сислей, Камиль Писсарро и многие другие.
Не знаете где купить настоящий варган? Самый большой выбор вы сможете найти на сайте khomus.ru . Широкий ассортимент этнических музыкальных инструментов в Москве.
Альфред Сислей — Лужайки весной
Камиль Писсарро — Бульвар Монмартр. После полудня, солнечно.
Загрузка...
